AIR - Moon Safari - Album (Revisited)

Hay álbumes que parecen no acumular polvo, sin importar cuántos años pasen ni cuántas veces se escuchen. Viven en el fondo de los cafés, aparecen en las películas, tararean en los viajes nocturnos en coche, y aun así, te invitan a sentarte y escuchar con atención. Al revivir "Moon Safari" de Air, décadas después de su lanzamiento, recuerdo que no es solo una reliquia de finales de los noventa, sino un disco que sigue vibrando y sorprendiendo. Es el tipo de álbum que transforma el ambiente de una sala desde el momento en que comienza, y al hacerlo, revela por qué sigue siendo tan esencial hoy como lo fue en 1998.

ALBUM: Moon Safari 

Cuando el dúo francés Air publico su álbum debut, "Moon Safari", el 16 de enero de 1998, pocos podrían haber predicho el alcance que alcanzaría. Nicolas Godin y Jean-Benoît Dunckel, dos músicos de Versalles, lograron forjar un sonido que no era ni de club ni estrictamente pop, sino algo completamente distinto: atmosférico, melódico e infinitamente transportable. Décadas después, el disco no ha perdido ni un ápice de su encanto. Sigue siendo un hito de la música de finales de los 90 (siglo XX), uno de esos raros álbumes que no solo definen un momento, sino que siguen vivos en el presente.

Un nuevo tipo de electrónica:

En aquel entonces, la electrónica estaba en auge. Sellos británicos como Warp impulsaban el techno puro, mientras que Mo' Wax defendía el trip-hop con samples. Sin embargo, "Moon Safari" sonaba diferente. Air no se conformaba con simplemente reciclar influencias. En cambio, aprendieron del pasado, desde los ritmos cinematográficos de Serge Gainsbourg hasta los exuberantes arreglos de Burt Bacharach, y crearon algo nuevo. Su música se basaba en sintetizadores y experimentación en el estudio, pero en su esencia residía una sólida composición.

El tema inicial, "La Femme d'Argent", marcó la pauta inmediatamente. Una línea de bajo se desliza suavemente bajo siete minutos de felicidad evolutiva, acentuada por teclados que se sienten como rayos de luz suave. No es una canción apresurada. Al contrario, invita a entregarse a su ritmo meditativo. A partir de ahí, el álbum cambia de tono pero nunca pierde la coherencia. "Sexy Boy", con su irónica celebración de la masculinidad, es juguetona pero sofisticada, mientras que "Kelly Watch the Stars!" estalla con voces robóticas y una energía alegre.

Una fusión de atmósfera y melodía:

Lo que distingue a Moon Safari es la forma en que equilibra la atmósfera con la melodía. Estas canciones no son solo un fondo musical; Tienen una gran carga emocional. "All I Need", con la cantante estadounidense Beth Hirsch, es una balada lastimera, casi al estilo de los Carpenters, que se siente a la vez íntima y cósmica. Hirsch también presta su voz a "You Make It Easy", una pieza delicada entretejida con una guitarra de bossa nova que captura una tierna sensación de anhelo.

En otros temas, el eclecticismo de Air brilla con luz propia. "Ce Matin La", con sus toques de trompa y armónica, podría haber musicalizado una película europea perdida de los años 60. "Talisman" se adentra en un espacio sobrenatural, mientras que "Remember" reintroduce voces de vocoder de una forma no escuchada desde el apogeo de Kraftwerk. El cierre, "Le Voyage de Pénélope", es una despedida exuberante, un viaje a la euforia que deja al oyente flotando entre la Tierra y la órbita.

Recepción y malentendidos:

Curiosamente, "Moon Safari" no fue aclamado universalmente al principio. Algunos críticos estadounidenses lo descartaron como música de fondo kitsch y "euro-cheese" disfrazada de sofisticación. La revista Rolling Stone le dio un 3,5 sobre 5, y Brent DiCrescenzo, de Pitchfork, bromeó diciendo que sería ideal para exposiciones de arquitectura minimalista o bandas sonoras de San Valentín. Sin embargo, estas críticas no captaron la esencia. Reducir "Moon Safari" a la ironía es ignorar su maestría.

El tiempo ha sido más benévolo. El álbum vendió cerca de dos millones de copias en todo el mundo, incluyendo casi 400.000 en Estados Unidos y un cuarto de millón en Alemania. En el Reino Unido, alcanzó el doble platino. En Francia, sin embargo, la recepción fue más fría: solo se vendieron 100.000 copias, y alcanzó el puesto número 21 en las listas. El uso de voces en inglés en Air, especialmente con las contribuciones de Hirsch, hizo que el disco pareciera más británico que francés para muchos en casa.

Identidad visual y contexto cultural:

Parte del impacto de Moon Safari provino de su presentación visual. La portada, diseñada por Mike Mills, retrataba a Godin y Dunckel como figuras de estilo cómic retro, con las palabras "French band" impresas junto al logotipo casi como una provocación. En aquel entonces, los grupos franceses luchaban por entrar en el mercado angloamericano. El éxito de Air ayudó a cambiar la percepción. Junto a contemporáneos como Daft Punk, demostraron que los músicos franceses podían crear música innovadora y con relevancia internacional.

El momento era ideal. En Gran Bretaña, el britpop se había derrumbado por su propio peso y los oyentes estaban listos para algo exótico pero familiar. Se redescubrían las influencias del easy listening y el lounge, a menudo con un toque de ironía, y el enfoque cálido y melódico de Air encajaba a la perfección con el ambiente. Canciones como "Sexy Boy" sonaban juguetonas, mientras que "Femme d'Argent" y "Ce Matin La" apelaban a la nostalgia por el sonido cinematográfico.

Un legado perdurable:

Al escuchar "Moon Safari" hoy, lo que más me impacta es su atemporalidad. Los sintetizadores analógicos, las líneas de bajo jazzeras, las capas atmosféricas…todo sigue sonando fresco. La ecléctica mezcla de influencias del álbum, desde la bossa nova hasta el pop espacial, significa que no envejece como muchos discos ligados a una escena específica. Al contrario, sigue cautivando a través de las generaciones.

También es un álbum profundamente versátil. Escuchado a un volumen bajo, crea un ambiente tranquilo y reflexivo en cualquier habitación. A un volumen alto, revela detalles intrincados: el brillo de los teclados, la sutil percusión, la interacción del bajo y la melodía. Es a la vez fondo y primer plano, atmósfera y sustancia. Pocos discos logran ese equilibrio.

Las canciones en sí mismas tienen una cualidad transportadora. "New Star in the Sky (Chanson pour Solal)" parece compuesta para la sala de estar de una estación espacial, orbitando la Tierra a intervalos de noventa minutos. "All I Need" todavía llega al corazón, su letra tan simple y conmovedora como siempre. Incluso el divertido "Kelly Watch the Stars!" posee un ritmo hipnótico.

Por qué es importante:

Entonces, ¿por qué debería alguien que descubre música hoy dedicarle tiempo a "Moon Safari"? Porque captura una combinación poco común: resonancia emocional, innovación sonora y accesibilidad duradera. Demostró que la música electrónica no tenía por qué ser fría o puramente funcional; podía ser cálida, humana y romántica. Conectó culturas, presentando la sensibilidad del pop francés a un público internacional. Y todavía suena como ningún otro.

Hace mucho tiempo, escuché el disco en un café-club, como probablemente hicieron muchos otros. Es apropiado, porque la música de Air tiene una forma de filtrarse en la vida cotidiana sin exigir atención; sin embargo, una vez que lo escuchas con atención, te recompensa con capas de riqueza. No es un álbum que te quedes atrás. Al contrario, crece contigo, adaptándose a tus estados de ánimo y entorno.

Disco recomendado

"Moon Safari" fue un debut, pero se siente como una declaración de intenciones completa. Godin y Dunckel lograron crear un álbum que es a la vez contemporáneo y trascendente, uno que desafió las nociones de lo que podría ser la música electrónica, sin dejar de ser profundamente melódico y humano. Tanto si eres nuevo en Air como si los revisitas después de años, este disco sigue siendo una puerta de entrada perfecta.

Para cualquiera que tenga curiosidad por cómo la música puede cambiar la atmósfera de una habitación, o por cómo los instrumentos electrónicos pueden crear algo cálido y orgánico, "Moon Safari" es una escucha imprescindible. Escucha y déjate transportar, no solo a 1998, sino a un lugar atemporal donde la melodía, el estado de ánimo y la imaginación se unen.

Por último, si buscas ampliar tu colección con un álbum inmersivo, relajante e infinitamente gratificante, "Moon Safari" es para ti.

Video del tema ""La Femme d'argent":

Tracklist (original):

1. "La Femme d'argent" "The Silver Woman"/"The Money Girl" 7:08
2. "Sexy Boy" 4:57
3. "All I Need" (lyrics: Beth Hirsch) 4:28
4. "Kelly Watch the Stars" 3:44
5. "Talisman" 4:16
6. "Remember" (music: Jean-Jacques Perrey, Dunckel, Godin) 2:34
7. "You Make It Easy" (lyrics: Hirsch) 4:00
8. "Ce matin là" (music: Dunckel, Godin, Patrick Woodcock) "That Morning" 3:38
9. "New Star in the Sky (Chanson pour Solal)" "Song for Solal" 5:38
10. "Le Voyage de Pénélope" "Penelope's Voyage" 3:10

Air

• Nicolas Godin – bajo (pistas 1–3, 5–10); pandereta (pistas 1, 2, 6); Minimoog (pistas 1, 3, 6, 9, 10); coros (pistas 1, 8); palmas (pistas 1, 4, 10); voz, siringe, solo de Moog (pista 2); Korg MS-20 (pistas 2, 10); guitarra eléctrica (pistas 2, 6, 8); talk box (pistas 2, 6, 9); guitarra acústica (pistas 3, 7–9); órgano, batería, Solina String Ensemble (pista 3); vocoder (pistas 4, 6, 9); bajo Moog, Casiotone (pista 4); glockenspiel (pistas 4, 7); Wurlitzer (pista 5); caja de ritmos (pistas 5, 7, 10); Roland String Ensemble (pista 6); percusiones, Moog Wave, frotamiento de manos (pista 7); armónica, ride inverso (pistas 7, 8); coro Rhodes, shaker (pista 8); piano (pista 10)
  
  
• Jean-Benoît Dunckel – Rhodes (pistas 1–7, 9, 10); Solina String Ensemble (todas las pistas); órgano (pistas 1–3, 6, 7, 10); syrinx, solo de Moog (pistas 1, 2, 4, 8); coros (pistas 1, 6, 8); Korg MS-20 (pistas 1, 4–6, 9); palmas (pistas 1, 4, 10); piano (pistas 1, 4, 7, 9); voz (pista 2); Wurlitzer (pistas 3, 6); introducción de Korg MS-20 (pista 3); Vocoder (pistas 4, 6, 9); glockenspiel (pista 4); clavinet (pistas 4, 8, 10); Minimoog (pistas 4, 5); Casiotone, frotamiento de manos (pista 7); Versos de Rhodes (pista 8); Mellotron (pista 9)

Músicos adicionales:

• Eric Regert – solo de órgano (pista 1)
• Alf – palmas (pista 1)
• Caroline L. – palmas (pista 1)
• Marlon – batería (pistas 2, 4, 5)
• Beth Hirsch – voz (pistas 3, 7); coros (pista 7)
• P. Woodcock – guitarra acústica (pista 3); Trombón (pista 8)
• David Whitaker – Arreglos de cuerdas, dirección (pistas 5, 7, 8)
• Enfants Square Burq – Risas (pista 9)

Técnica:

Jean-Benoît Dunckel – Producción, grabación
Nicolas Godin – Producción, grabación

THE KILLERS - Hot Fuss - Album

Antes de adentrarnos en las canciones y su historia, vale la pena detenerse a considerar qué hizo del álbum "Hot Fuss" un debut tan inusual. A principios de la década de 2000, abundaban las bandas que buscaban influencias retro, pero muy pocas lograron dejar una huella duradera. Algunas se desvanecieron tras uno o dos éxitos en la radio, mientras que otras se forjaron un nicho demasiado estrecho como para trascenderlo. Sin embargo, la banda de Las Vegas, "The Killers", logró un equilibrio excepcional: rememoraron el glamour de los 80, lo filtraron a través de la urgencia del resurgimiento del post-punk y lo envolvieron con un pulido que tuvo sentido tanto en la radio alternativa como en las listas de éxitos. Esta combinación es lo que le da a su primer álbum su intriga, y también la razón por la que, incluso si has escuchado sus canciones más famosas innumerables veces, el disco en su conjunto aún merece una recomendación en este blog de música.

ALBUM: Hot Fuss

Nunca me he considerado un seguidor fiel del cuarteto de Las Vegas, pero su edición de 2004 me llamó la atención. Al escucharlo muchos años después, no solo me atrae la nostalgia, sino también el reconocimiento de que este disco sigue siendo una introducción impactante al nuevo milenio.

Llegó en el momento justo:

Publicado en junio de 2004, primero en el Reino Unido y luego en Estados Unidos, "Hot Fuss" aterrizó en una época en la que la música con influencias guitarrísticas volvía a estar de moda. Bandas con inclinaciones post-punk como Franz Ferdinand, Interpol y The Futureheads se apoderaban de las listas de reproducción y los escenarios, y The Killers se integraron con naturalidad en esa corriente. Si bien compartían influencias, no se limitaban a imitarlas. Su combinación de texturas new wave, sintetizadores brillantes y ganchos con un toque pop pulido forjó un espacio que resultaba familiar y vanguardista.

El momento fue casi perfecto. Los primeros sencillos "Mr. Brightside" y "Somebody Told Me" ya habían causado sensación antes del lanzamiento del álbum. Para cuando el disco llegó a los oyentes, The Killers estaban listos para dar el salto de los clubes a los estadios, y lo hicieron con una velocidad asombrosa. En un año, "Hot Fuss" se convirtió en disco de platino en varios países, vendiendo más de siete millones de copias en todo el mundo.

Orígenes e inspiraciones:

La gestación del disco no fue tan fluida como su pulida apariencia sugiere. La mayoría de las canciones se grabaron en 2003 con el productor Jeff Saltzman en California. Una excepción, "Everything Will Be Alright", se grabó de forma más informal en el apartamento del guitarrista Dave Keuning. La banda incluso debatió si su material se mantenía en pie después de escuchar Is This It de The Strokes. Brandon Flowers admitió haber descartado casi todo en lo que habían estado trabajando, excepto "Mr. Brightside". Fue un reinicio audaz que finalmente les benefició, ya que esa canción se convertiría en su himno definitivo.

Al escuchar "Hot Fuss", las influencias son evidentes. Hay un pulso que recuerda a New Order, un brillo teatral que recuerda a Duran Duran e incluso el drama gótico de The Cure, entretejido en su esencia. Pero en lugar de sonar como un disfraz del pasado, el álbum proyectaba cierta confianza, como si The Killers estuvieran reconstruyendo sonidos antiguos en algo brillante y fresco para una nueva década.

Canción por canción:

El tema inicial, "Jenny Was a Friend of Mine", no pierde tiempo en establecer un tono dramático. Construido sobre una línea de bajo vibrante y con un matiz de narrativa noir, introduce el álbum con una mezcla de energía e inquietud. Para mí, sigue siendo uno de los temas iniciales más efectivos de principios de los 2000.

Le sigue "Mr. Brightside", y aunque su omnipresencia en las últimas décadas a veces la hace fácil de pasar por alto, es innegable su poder. Escrita tras el desamor de Flowers, la canción es cruda pero pulida, con un ritmo ansioso que captura los celos en tiempo real. Su permanencia en las plataformas de streaming confirma su inusual capacidad de permanencia, algo inusual para una canción tan sobreexpuesta.

"Smile Like You Mean It" ralentiza ligeramente el ritmo, ofreciendo melancolía envuelta en sintetizadores brillantes. Se siente como un puente entre la sensibilidad pop del grupo y sus influencias más oscuras. "Somebody Told Me", en cambio, rebosa de una bravuconería juguetona. Con sus letras andróginas y sus riffs de guitarra angulares, se convirtió en una de las canciones definitorias de ese verano, una pieza hecha tanto para las pistas de baile indie como para la radio comercial.

El quinto corte, "All These Things That I've Done", revela la disposición de la banda a asumir riesgos. El estribillo con tintes gospel, "I got soul, but I'm not a soldiers", podría parecer absurdo en teoría, pero se convirtió en uno de los cánticos más memorables de la época. La ambición es notable, aunque el cambio de estilo se distinga ligeramente del resto del disco.

A partir de ahí, el álbum alterna entre joyas infravaloradas y florituras arrolladoras. "Andy, You're a Star" tiene un tono amenazante; "On Top" es alegre y festiva; "Change Your Mind" introduce texturas más suaves que aún resuenan; Mientras que "Believe Me Natalie" se convierte en una pieza multifacética que muestra el alcance del grupo. "Midnight Show" es un punto culminante, parte de una trilogía en el catálogo de la banda, que late con urgencia cinematográfica.

La secuencia final también merece mención. "Everything Will Be Alright" se adentra en la electrónica al estilo de Radiohead, un marcado contraste con lo anterior. Luego, con "Glamorous Indie Rock & Roll" (un bonus track en algunas ediciones), la banda cierra el círculo con una declaración irónica pero contundente de su lugar en el panorama del indie-rock.

Impacto crítico y comercial:

En el momento del lanzamiento, la crítica no tardó en destacar la habilidad de la banda para los estribillos. Rolling Stone lo describió como "todo un éxito, nada de relleno". La prensa británica se mostró igualmente entusiasta, lo que contribuyó a impulsar el álbum al número uno en el Reino Unido. En Estados Unidos, alcanzó el número siete en el Billboard 200. Le siguieron cinco nominaciones al Grammy, lo que confirmó que The Killers habían tenido un impacto mucho más allá de la escena indie.

En retrospectiva, lo que impresiona es la gran capacidad de estas canciones para el concierto. La banda realizó giras incansables en 2004 y 2005, teloneando a íconos como Morrissey antes de agotar las entradas de sus propios conciertos como cabezas de cartel. Canciones como "Somebody Told Me" y "All These Things That I've Done" se convirtieron rápidamente en clásicos en vivo, consolidándose como estándares modernos.

Por qué es una recomendación:

Lo que le da a "Hot Fuss" su permanencia no son solo sus éxitos, aunque estos son innegables. Es la forma en que el disco logra equilibrar la exuberancia juvenil con una genuina carga emocional. Las canciones son lo suficientemente pegadizas como para atraer a oyentes ocasionales, pero lo suficientemente detalladas como para animar a los que repiten.

Incluso después de años, sigo encontrando algo nuevo en "Jenny Was a Friend of Mine" o "Believe Me Natalie". Eso, para mí, es señal de que vale la pena volver a escuchar un disco. No importa si escuchaste estas canciones por primera vez en la adolescencia o si las descubres ahora por primera vez: hay una inmediatez que aún resuena.

Disco recomendado

Puede que The Killers hayan ampliado su sonido en álbumes como Sam's Town y Day & Age, pero su debut sigue siendo una referencia. "Hot Fuss" capturó un momento específico de 2004, a la vez que lo trascendió. Fusionó el revivalismo post-punk con la ambición pop, creando algo a la vez elegante y sustancial.

Si nunca has escuchado el álbum completo, te recomiendo que te tomes un tiempo. Ve más allá de "Mr. Brightside" y "Somebody Told Me" y déjate llevar por la variedad que llena el disco. Décadas después, "Hot Fuss" no es sólo un debut congelado en el tiempo: es un recordatorio de cómo una joven banda de Las Vegas logró iluminar el escenario mundial con confianza y estilo.

Video del tema "Mr. Brightside":

Tracklist:

1. "Jenny Was a Friend of Mine" 4:04
2. "Mr. Brightside" 3:43
3. "Smile Like You Mean It" 3:54
4. "Somebody Told Me" 3:17
5. "All These Things That I've Done" 5:01
6. "Andy, You're a Star" 3:14
7. "On Top" 4:18
8. "Change Your Mind" 3:11
9. "Believe Me Natalie" 5:05
10. "Midnight Show" 4:02
11. "Everything Will Be Alright" 5:45

The Killers:

• Brandon Flowers – voz, sintetizador
• Dave Keuning – guitarra
• Mark Stoermer – bajo
• Ronnie Vannucci Jr. – batería

Músicos adicionales:

• Sweet Inspirations – coro gospel (pistas 5 y 6)

Técnica:

• Jeff Saltzman – producción, grabación (pistas 1-10)
• The Killers – producción (pistas 1-10)
• Brandon Flowers – producción (pista 11)

NICK CAVE & THE BAD SEEDS - Tender Prey - Album

Hay álbumes que se revelan al instante y otros que exigen más paciencia. Luego están esos discos excepcionales que se sienten como una combinación de ambos: urgentes, inquietantes y, a la vez, lo suficientemente ricos como para volver a escucharlos durante décadas. El disco de Nick Cave & The Bad Seeds, "Tender Prey", pertenece firmemente a esta última categoría. Editado en 1988, surgió de una época de caos personal y extralimitación creativa, pero lo que podría haberse derrumbado por su propio peso se convirtió en una de las declaraciones más importantes de la carrera de Cave. Para entender por qué este álbum sigue siendo importante, debemos repasar la historia detrás de su creación, las canciones que lo definen y la inquietante belleza que aún conserva. Un álbum que definitivamente quiero recomendar a los lectores de este blog de música.

ALBUM: Tender Prey

En 1988, Nick Cave and the Bad Seeds publicaron su quinto álbum de estudio, "Tender Prey". A primera vista, era una nueva entrada en una carrera ya marcada por la intensidad, pero la historia ha demostrado que fue mucho más que eso. Fue una línea divisoria entre la urgencia post-punk desgarrada de los primeros Bad Seeds y el mundo más expansivo y lírico que Nick Cave construiría en las décadas siguientes.

El álbum se grabó durante varios meses en Londres y Berlín Occidental, donde la banda tenía su base por entonces. Fue una época caótica para Nick Cave. Vivía en Kreuzberg, inmerso en el consumo de heroína, mientras escribía su primera novela, "And the Ass Saw the Angel", y actuaba en su primer largometraje, "Ghosts… of the Civil Dead". El guitarrista Mick Harvey calificó posteriormente 1987 como "un año completamente caótico", y el propio Cave admitió que el disco se grabó cuando su vida se descontrolaba. Sin embargo, de esta turbulencia surgió uno de los discos más potentes del extenso catálogo de la banda.

The Mercy Seat: un inicio implacable

El álbum arranca con lo que desde entonces se ha convertido en el tema insignia de Nick Cave: "The Mercy Seat". A lo largo de siete minutos implacables, Cave encarna la voz de un hombre que espera su ejecución, equiparando la silla eléctrica con el trono de Dios. Las cuerdas arregladas por Gini Ball se enroscan alrededor del piano austero de Mick Harvey, mientras un muro de guitarras y percusión se transforma en un rugido aterrador.

Video del tema "The Mercy Seat":

Cuando lo escuché por primera vez, recuerdo quedar atónito no solo por su peso, sino por su detalle. Los versos de Cave, "Into the mercy seat I climb / My head is shaved, my head is wired", todavía parecen grabados en piedra en lugar de escritos en un cuaderno durante noches de insomnio. Décadas después, la versión de Johnny Cash en "American III: Solitary Man" confirmó la estatura de la canción, pero la original de Cave sigue siendo escalofriante, compulsiva y, en muchos sentidos, la definición de su arte.

Caos tras las sesiones:

A pesar de la fuerza del inicio, se decía que la creación de "Tender Prey" fue fragmentada. Nick Cave golpeó al ingeniero Tony Cohen durante una sesión por una ráfaga de acoples. Los miembros iban y venían: Roland Wolf se unió a los teclados, Kid Congo Powers aportó su experiencia de The Gun Club y The Cramps, y el exmiembro Hugo Race contribuyó a la guitarra.

Es notable que el álbum estuviera terminado. Cave a menudo llegaba solo con fragmentos de letras. Harvey recordó más tarde cómo tuvieron que "improvisar el álbum" poco a poco. Y, sin embargo, lo que surgió fue mucho más que un disco improvisado. Fue, a su manera rebelde, una obra maestra.

El gospel de garaje de Deanna:

Tras la desolación de The Mercy Seat, "Deanna" se siente casi festiva, aunque su temática es todo menos sana. Construida sobre la base del rock de garaje e inspirada en parte por Oh Happy Day de Edwin Hawkins Singers, la canción mezcla lujuria, violencia y matices religiosos en un remolino que aún logra sonar alegre.

Nick Cave la escribió sobre una novia adolescente en Melbourne, y la letra evoca imágenes de paseos en Cadillacs, de asesinatos al volante, de muebles comparados con el Ku Klux Klan. Rápidamente se convirtió en una de las canciones más reconocibles de Bad Seeds, casi radiofónica por su pegadiza melodía, pero aún inquietante por sus detalles.

Historias impregnadas de blues y gospel:

La parte central del álbum se transforma en canciones que se inspiran fuertemente en las tradiciones del folk estadounidense y el gospel. "City of Refuge" se inspira en "I'm Gonna Run to the City of Refuge" de Blind Willie Johnson, pero Bad Seeds la transforma en algo más desesperado y eléctrico. "Up Jumped the Devil" rebosa con una energía casi vodevilesca, con Cave presentándose como un villano nato, mitad en broma, mitad en fatalidad.

Luego están las baladas más tranquilas, con el piano como protagonista, donde la escritura de Cave cobra protagonismo. "Watching Alice", con su melancólica armónica, captura la obsesión voyeurista en términos crudos. Mercy relata la historia bíblica de Juan el Bautista con la inquietante guitarra slide de Blixa Bargeld de fondo. "Sunday's Slave" se basa en un impactante estribillo lírico sobre los días de la semana encadenados, mientras que "Sugar Sugar Sugar" late con amenaza bajo la dulzura de su título.

Cierra el disco "New Morning", una suave canción con tintes gospel que se siente como un respiro después de la tormenta. No es un amanecer triunfal, sino uno tentativo, de esos que temes que no duren. Para mí, sigue siendo uno de los finales más inquietantes del catálogo de la banda.

Un disco nacido de extremos:

Al escucharlo hoy, queda claro que "Tender Prey" fue producto de extremos. Nick Cave luchaba contra la adicción, la sobrecarga artística y problemas legales; fue arrestado por posesión de heroína a principios de 1988 y solo evitó la cárcel al ingresar a un programa de desintoxicación. Sin embargo, de esta agitación surgieron canciones que llevaron a los Bad Seeds más allá de sus confines iniciales.

El disco combinaba abrasión post-punk, crudeza bluesera, fervor gospel y un alcance lírico que recordaba tanto a Leonard Cohen como a la crudeza del punk. La crítica de la época reconoció su poder, incluso si el álbum no llegó a las listas de éxitos en Estados Unidos ni en la Australia natal de Cave. En el Reino Unido y Grecia tuvo un éxito modesto, y con el tiempo su reputación no ha hecho más que crecer. Posteriormente fue remasterizado en 2010, incluido en el libro 100 Best Australian Albums y agregado a Sounds of Australia del National Film and Sound Archive.

Legado y resonancia personal:

Cuando pienso en la larga carrera de Nick Cave, los majestuosos discos de los 2000, el dolor devastador de Skeleton Tree, la austera belleza de Ghosteen, "Tender Prey" se siente como un punto de inflexión crucial. Aún conserva el caos de la época de The Birthday Party, pero también evoca el refinamiento y la profundidad narrativa que definirían su obra posterior.

Conozco amigos que no pueden escucharlo, que lo encuentran demasiado ligado al trauma de la adicción. Y lo entiendo. No es un disco fácil. Sin embargo, también he conocido a otros, incluyéndome a mí, que lo escuchan una y otra vez porque captura algo crudo y humano, sin adornos ni pretensiones.

Disco recomendado

Décadas después, "Tender Prey" sigue siendo a la vez difícil y gratificante. No es un disco de producción impecable ni de interpretación impecable. Incluso el propio Nick Cave lo ha tachado de mal producido. Pero esas imperfecciones son parte de su verdad. Se escucha a una banda que apenas se mantiene unida, y en esa tensión reside su poder.

Si eres nuevo en Nick Cave and the Bad Seeds, este no es el punto de partida más sencillo. Sin embargo, puede que sea el más revelador. Encontrarás canciones sobre el corredor de la muerte, sobre amores condenados, sobre visiones bíblicas con un blues potente y un piano frágil. Y escucharás a un artista en la cúspide de la transformación, exorcizando demonios en tiempo real.

Para cualquiera que sienta curiosidad por los rincones más oscuros del rock, o para quienes valoran la composición que se atreve a lidiar con los temas más caóticos de la vida, "Tender Prey" es una escucha imprescindible. Es un álbum que no solo entretiene, sino que inquieta, desafía y perdura mucho después de que la última canción se desvanece.

Video del tema "City of Refuge":

Tracklist:

1. "The Mercy Seat" 7:17
2. "Up Jumped the Devil" 5:16
3. "Deanna"         3:45
4. "Watching Alice" 4:01
5. "Mercy" 6:22
6. "City of Refuge" 4:48
7. "Slowly Goes the Night" 5:23
8. "Sunday's Slave" 3:40
9. "Sugar Sugar Sugar" 5:01
10. "New Morning" 3:46

Nick Cave and the Bad Seeds:

• Nick Cave – voz; órgano Hammond (1, 3, 6, 7); armónica (4-6); piano (4, 8, 10); pandereta (10); vibráfono (5)
• Mick Harvey – bajo (2-10); coros (1, 2, 5-7, 10); guitarra acústica (3, 6, 8-10); batería (3, 8, 10); percusión (6, 9); xilófono (2, 7); guitarra (1); loops de bajo (1); piano (1); órgano (10)
• Blixa Bargeld – guitarra (2, 3, 6-8, 10); coros (2, 5, 6, 10); guitarra slide (1, 5)
• Roland Wolf – piano (2, 5, 7, 9); órgano (6, 7); guitarra (1); Coros (6)
• Kid Congo Powers – guitarra (2, 3, 5, 6, 9); coros (5, 6)
• Thomas Wydler – batería (1, 2, 4–7, 9); coros (6)

Invitados:

• Hugo Race – guitarra (4); coros (5)
• Gini Ball – cuerdas (1)
• Audrey Riley – cuerdas (1)
• Chris Tombling – cuerdas (1)
• Ian Davis – coros (7)

THE KNACK - Get The Knack - Album (Revisited)

 Antes de profundizar en las canciones, permítanme explicar por qué vale la pena revisitar este álbum a continuación. "Get the Knack" llegó en junio de 1979 como una descarga eléctrica: guitarras limpias, energía nerviosa y una racha de éxitos en las listas que aún lucen escandalosos, semanas en el número uno, un sencillo que dominó el verano y una reputación en vivo labrada en clubes abarrotados de Los Ángeles. También trajo consigo su bagaje, bravuconería publicitaria, fricción con la prensa y letras que provocaron discusiones entonces y aún lo hacen. No estoy aquí para revivir viejas disputas. Estoy aquí para revisitar, con los oídos atentos a la música y los ojos abiertos al contexto, y explicar por qué este álbum debut sigue cautivando desde el principio. Es una recomendación para los lectores de este blog musical.

ALBUM: Get the Knack

Un debut que llegó como un coche rápido en un verano. He vivido con "Get the Knack" lo suficiente como para conocer las discusiones en torno a él. Pero cada vez que lo escucho, primero con curiosidad, luego con oídos maduros, escucho a una banda que entendió cómo la inmediatez, la melodía y la batería inquieta pueden convertir una canción de tres minutos en una pequeña detonación.

Esto es lo que no se discute. "Get the Knack", publico en junio de 1979, fue un fenómeno: más de un millón de copias en menos de dos meses, cinco semanas en el número uno del Billboard 200 y un sencillo principal, "My Sharona", que dominó el Billboard Hot 100 durante seis semanas y se convirtió en el sencillo pop más popular de Billboard en 1979. "Good Girls Don't" ascendió al número 11 del Hot 100 y alcanzó el número uno en Canadá. El álbum llegó al número 16 en la lista de fin de año de Billboard en 1979 y al número 72 en 1980. Esas cifras no son exageraciones; Son historia.

Del club al estudio:

La velocidad de su ascenso aún sorprende. The Knack se formó en Los Ángeles en mayo de 1978 e inmediatamente arrasó en el circuito local, con más de 50 conciertos en seis meses, hasta que el revuelo se volvió innegable. Tom Petty, Ray Manzarek y Bruce Springsteen se subieron al escenario en los clubes; para diciembre, trece sellos discográficos los cortejaban. Capitol ganó en enero de 1979. El productor Mike Chapman grabó el álbum con la banda en un sprint de dos semanas que mantuvo los arreglos concisos y el ataque urgente. Suena a lo que era: cuatro músicos tocando como si su set estuviera a punto de terminar y necesitaran ganarse la sala ya.

Parte de esa urgencia proviene de los músicos. La batería de Bruce Gary es intensa en el mejor sentido de la palabra, propulsiva e inventiva, claramente influenciada por su amor por Keith Moon, pero nunca descuidada. Prescott Niles hilvana contramelodías en el bajo que se niegan a ser mero lastre. Berton Averre canta armonías y lanza líneas de guitarra pegadizas y ágiles. Y Doug Fieger, con sonrisas pícaras y un deseo indomable, dirige las canciones con una voz que se adapta al ritmo y una pluma que rara vez parpadea.

El sonido: guitarras limpias, corazones nerviosos.

Si quieres ubicar el álbum sonoramente, piensa en lo melódico de mediados de los sesenta, tensado por el nerviosismo de finales de los setenta. Guitarras limpias, estribillos agudos, coros con coros que encajan a la perfección. El primer tema marca el tono. "Let Me Out" es una explosión de aceleración que no cesa; el estribillo se siente como una puerta que se abre de una patada. "Your Number" o "Your Name" se mueve sobre el ritmo elástico de Gary, mientras que Averre envuelve la melodía de Fieger con brillantes filigranas. "Oh Tara" se eleva con el bajo animado de Niles, dándole a la canción una vitalidad que socava su frustración romántica. "Maybe Tonight", la única balada auténtica aquí, revela una banda capaz de calidez y espacio: brillo acústico, armonías pacientes y un cambio de tonalidad que aterriza como un aliento esperanzador.

My Sharona: el arte del riff irresistible

Fue escrita sobre una persona real, Sharona Alperin, de quien Fieger se enamoró con una fuerza vertiginosa, y suena como un enamoramiento expresado en ritmo. "My Sharona" es pura reverberación: la figura de guitarra que salta octavas, el chasquido de la caja, el fraseo entrecortado que le debe algo a My Generation de The Who sin parecer una imitación. Cuando el pulso se endereza para el largo solo, Averre Arde con la misma intensidad que los grandes guitarristas cuando la canción les abre las puertas y les dice que no miren atrás. La radio pop la convirtió en un clásico porque es imposible no emocionarse con ella; la radio rock la conservó porque la banda la interpreta como un desafío.

Video del tema "My Sharona":

La otra cara:

El punto álgido del disco siempre han sido sus letras. La composición de Fieger es un estudio de la bravuconería adolescente y la franqueza incómoda: obscena, a veces cruda, a menudo divertida y en ocasiones irreflexiva. "Good Girls Don't" es el mejor ejemplo de cómo la banda equilibró todo eso. El toque de armónica da paso a un estribillo que no te abandonará la cabeza, las armonías son brillantes como un día de verano y el arreglo es pura economía pop. También es una canción que nació en 1972 con versos demasiado crudos para la radio; el sencillo suavizó sus frases más provocativas para la radio. Se puede percibir tanto el atractivo como la incomodidad en los mismos tres minutos, lo que en parte explica por qué sigue dando que hablar.

La misma tensión se percibe en "(She's So) Selfish" y "That's What the Little Girls Do", temas cuyo sarcasmo y comentarios lascivos irritaron a muchos oyentes en 1979 y aún hoy. No disculpo las líneas débiles o mezquinas, y algunas aquí no han envejecido bien. Lo que escucho, sin embargo, es una instantánea de la cultura juvenil de finales de los setenta filtrada a través de una banda que se inclinó hacia la provocación y el doble sentido. Si vas a revisitar el álbum, fíjate en la imagen completa: alegría en el sonido, impaciencia en la postura y una libido sin adornos que a veces socava la técnica.

Canciones que valen la pena:

Parte del éxito de "Get the Knack" reside en la cantidad de momentos que no son sencillos que invitan a la repetición. "Heartbeat" es una versión inteligente y ligeramente más dura de Buddy Holly que permite que la sección rítmica se pavonee sin presumir. "Lucinda" es discreta y encantadora, prueba de que la banda podía matizar su paleta sin desdibujar su identidad. "Siamese Twins (The Monkey and Me)" es más extraña y abrupta que los éxitos de la radio, un vistazo a los caminos que podrían haber explorado si las circunstancias lo hubieran permitido. Y "Frustrated" cierra el set con fuerza R&B y un estribillo que hace honor al título, guitarra rítmica staccato, cero arrastre, una salida llena de adrenalina.

La reacción negativa:

Es imposible hablar de este álbum sin mencionar la tormenta que le siguió. Capitol Records se inclinó mucho por las comparaciones con los primeros Beatles; el diseño del sello, la fotografía, la narrativa de un debut fulgurante y una contranarrativa surgieron con la misma rapidez. Las camisetas de "Knuke the Knack" estaban por todas partes. La reticencia de la banda a participar en el juego de la prensa endureció las opiniones. Cuando el apresurado lanzamiento posterior fracasó, algunos críticos interpretaron el éxito inicial como un espejismo. La realidad es más matizada. The Knack eran una banda en vivo sólida que grabó su primer disco rápidamente y causó sensación. La combinación de bombo y alegría contradictoria eclipsó lo que la música ya había demostrado.

Escuchando ahora:

Lo que se mantiene en 2025 es la interpretación, la arquitectura de los coros y la forma en que los mejores números explotan sin ser recargados. El sonido de la batería de Bruce Gary se siente tan fresco como cualquier otro en el rock estadounidense de finales de los setenta, y las líneas de Prescott Niles merecen atención. El solo de Berton Averre en "My Sharona" sigue siendo una pequeña clase magistral de tensión y liberación. La voz de Doug Fieger, mitad fanfarronería, mitad súplica, le da al álbum su sello humano. Y sí, algunas letras resuenan. Se puede reconocer eso, decirlo claramente, y aun así reconocer la maestría y la vitalidad que hicieron del disco un éxito rotundo.

Si descubres The Knack por primera vez, ven por el famoso single, pero quédate por la secuencia y los pequeños detalles: la forma en que "Let Me Out" prepara el escenario; la subida en "Oh Tara" cuando el bajo se impone bajo el estribillo; la paciencia radiante de "Maybe Tonight"; el ritmo y el swing de "Heartbeat". Si no lo has escuchado en años, escucha más allá de los viejos argumentos. Deja de lado el discurso y encontrarás un debut que sabe exactamente lo que quiere hacer y lo hace con una confianza firme.

Disco recomendado

"Get the Knack" fue uno de los debuts más exitosos de su época con razón. Combina un pop de guitarra limpio e impactante con una batería que nunca deja de inventar, incorpora armonías que perduran y ofrece canciones que la gente todavía canta sin que nadie se lo pida. Recomiendo este disco a cualquiera que ame el power rock melódico y quiera entender por qué un lanzamiento del verano de 1979 tuvo tanto éxito y por qué sigue sonando en los altavoces hoy en día. Pónganlo, escúchenlo a todo volumen y dejen que el estribillo suene con fuerza.

Video del tema "Let Me Out":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1. "Let Me Out" Doug Fieger, Berton Averre 2:20
2. "Your Number or Your Name" Fieger, Averre 2:57
3. "Oh Tara" Fieger 3:04
4. "(She's So) Selfish" Fieger, Averre 4:30
5. "Maybe Tonight" Fieger 4:00
6. "Good Girls Don't" Fieger 3:07

Cara B:

7. "My Sharona" Fieger, Averre 4:52
8. "Heartbeat" Bob Montgomery, Norman Petty 2:11
9. "Siamese Twins (The Monkey and Me)" Fieger, Averre 3:25
10. "Lucinda" Fieger, Averre 4:00
11. "That's What the Little Girls Do" Fieger 2:41
12. "Frustrated" Fieger, Averre 3:51

The Knack

• Doug Fieger – voz principal y coros, guitarra rítmica, armónica en "Good Girls Don't"
• Berton Averre – guitarra principal, coros
• Prescott Niles – bajo, coros en "My Sharona"
• Bruce Gary – batería, coros en "My Sharona"

Personal adicional

• Mike Chapman – producción
• David Tickle – grabación, coros en "My Sharona"

BUCKINGHAM NICKS - Album (Revisited)

Antes de que Fleetwood Mac se convirtiera en un nombre reconocido con el álbum "Rumours" y su larga lista de giras que llenaban estadios, Lindsey Buckingham y Stevie Nicks eran simplemente dos jóvenes californianos que intentaban abrirse camino en la música. Su álbum de 1973, "Buckingham Nicks", rara vez recibe la atención que merece, a menudo eclipsado por el éxito masivo que le siguió. Sin embargo, revisitar este disco recientemente es como abrir una cápsula del tiempo: captura no solo el sonido de un dúo en formación, sino también la chispa que pronto encendería una de las historias más perdurables del rock.

ALBUM: Buckingham Nicks

Cuando piensas en Lindsey Buckingham y Stevie Nicks, inmediatamente piensas en Fleetwood Mac, en la tensión culebrón de "Rumours" o en el misticismo etéreo de la canción "Rhiannon". Sin embargo, antes de que nada de eso existiera, simplemente existía "Buckingham Nicks": un álbum debut homónimo lanzado discretamente en septiembre de 1973, prácticamente ignorado en su época, y que sigue siendo una de las grandes curiosidades de la historia del rock estadounidense.

Este sencillo, producido por Keith Olsen en Sound City Studios de Los Ángeles, no fue un éxito. De hecho, fracasó tanto que Polydor descontinuó la producción del dúo en cuestión de meses. Pero el disco se ha convertido en algo más: un objeto de culto, una rareza descatalogada que alcanza cientos de dólares en el mercado de coleccionistas y un vistazo a dos artistas en la cúspide de la grandeza.

Del instituto al gran escenario:

La historia comienza en 1966, en el instituto Menlo-Atherton, al sur de San Francisco. Buckingham era estudiante de penúltimo año y Nicks de último año cuando armonizaron en "California Dreamin'" en una reunión juvenil de la iglesia. Al principio no prosperó, pero dos años después, Lindsey invitó a Stevie a unirse a "Fritz", su grupo de rock con influencias psicodélicas.

Para 1968, Nicks lideraba a Fritz en conciertos que los situaron junto a Janis Joplin, Jefferson Airplane e incluso Jimi Hendrix. Esas experiencias perfeccionaron su talento escénico, mientras que Buckingham absorbía lecciones de arreglos y técnica de guitarra. Sin embargo, Fritz nunca despuntó, y cuando el productor Keith Olsen los descubrió en San José a principios de los setenta, fue la química entre los dos cantantes lo que le llamó la atención. Los animó a ir a Los Ángeles, donde comenzaron a trabajar como dúo.

Viviendo con poco dinero, Nicks trabajaba de camarera y limpiaba casas mientras Buckingham se obsesionaba con las grabadoras. Ensayaban en la trastienda de la planta de café de su padre antes de mudarse a la casa de Olsen en Coldwater Canyon, donde perfeccionaron sus canciones y su sonido.

Sound City y un contrato discográfico:

Olsen les consiguió tiempo de estudio en Sound City, un local deteriorado con una magia que más tarde acogería a Nirvana y Tom Petty. Para Lindsey Buckingham y Stevie Nicks, se convirtió en su hogar. Con ases de sesión como el guitarrista Waddy Wachtel, el baterista Jim Keltner y el bajista Jerry Scheff, grabaron las canciones que se convirtieron en "Buckingham Nicks".

A pesar de su profesionalismo y su innegable talento, el sello tuvo dificultades para comercializarlos. Los dúos de folk-rock abundaban en 1973, James Taylor y Carole King eran nombres conocidos, Joni Mitchell, la favorita de la crítica, y Polydor apenas promocionó el álbum. Las ventas fueron pésimas y el disco fue retirado discretamente.

Un disco que sonaba a futuro:

Al escucharlo ahora, se perciben los vestigios de lo que pronto se convertiría Fleetwood Mac. El tema inicial, "Crying in the Night", brilla con la voz oscura de Nicks, que ya transmite esa combinación de vulnerabilidad y dominio. "Long Distance Winner", otro de sus temas, fusiona la melodía folk con un toque inquieto.

Buckingham, por su parte, desveló la precisión que lo caracteriza. "Without a Leg" y "Stand On" llevan su voz al límite, mientras que "Stephanie", un delicado instrumental de guitarra que lleva el nombre de Nicks, revela su meticulosa maestría. "Don't Let Me Down Again", con su ritmo impulsivo, parece un ensayo para la exuberancia de "Second Hand News".

Luego está "Crystal", escrita por Stevie pero cantada por Lindsey. Más tarde reaparecería en el álbum revelación de Fleetwood Mac de 1975, pero incluso aquí captura la alquimia de sus voces, la fuerza tranquilizadora de él, la originalidad de ella. El álbum cierra con "Frozen Love", una coautoría de siete minutos que mezcla cuerdas, duelos vocales y un apasionado solo de Buckingham. Fue precisamente esta canción la que captó la atención de Mick Fleetwood cuando Olsen se la tocó a finales de 1974, lo que los llevó directamente a ser invitados a Fleetwood Mac.

El mito del álbum:

Parte del atractivo de "Buckingham Nicks" reside en su escasez. Retirado del mercado poco después de su lanzamiento, nunca tuvo una reedición oficial en Estados Unidos. Han circulado CD piratas, a veces hechos de vinilo, pero el vinilo original alcanza precios elevados, a menudo superiores a los doscientos dólares, dependiendo del estado.

Los fans han especulado durante mucho tiempo sobre por qué el dúo se resistió a una reedición. Algunos apuntan a disputas de propiedad, otros a la desnudez parcial en la carátula, o incluso a la posibilidad de que se perdieran las cintas maestras. Sea cual sea el motivo, la ausencia no hizo más que acentuar su leyenda. En los últimos años, han surgido ediciones remasterizadas en vinilo de edición limitada y formatos de streaming, despertando un renovado interés entre los devotos de Fleetwood Mac y los jóvenes oyentes curiosos por los temas más profundos del rock.

Encaja en los años setenta:

Cabe recordar que 1973 fue un momento musical ajetreado. Los cantautores dominaban las listas de éxitos, la escena de Laurel Canyon estaba en pleno apogeo y el folk-rock estaba por todas partes. En ese contexto, Buckingham Nicks no era ni radical ni del todo pulido. Algunas canciones, como "Lola (My Love)", parecen anticuadas hoy en día, y otras delatan la extralimitación de dos ambiciosos veinteañeros que aún se abrían camino.

Sin embargo, eso es también lo que hace que el disco sea tan atractivo. Se puede percibir la tensión entre la inspiración pura y la artesanía calculada, entre el lirismo místico de Nicks y la obsesión de Buckingham por el estudio. Es el sonido de la posibilidad, de dos músicos que intentan construir un futuro a partir de la armonía y el anhelo.

Legado y redescubrimiento:

Un año después de su lanzamiento, todo cambió. Mick Fleetwood, buscando un guitarrista para reemplazar a Bob Welch, recordó "Frozen Love". Buckingham aceptó unirse a Fleetwood Mac solo si Stevie también venía. A principios de 1975, la pareja estaba en el estudio con Fleetwood, John McVie y Christine McVie, grabando el álbum homónimo que los catapultaría a la estratosfera.

De ahí surgieron Rumours, Tusk y décadas de drama, reencuentro y reinvención. Frente a esa saga, "Buckingham Nicks" se convirtió en el prólogo perdido, un disco que fracasó en su momento, pero que reveló el plan para lo que vendría después.

Hoy, escucharlo es como abrir un viejo diario. Las canciones son frescas pero familiares, esbozos de obras maestras posteriores, pero también obras que se sostienen por sí mismas. A pesar de toda la mitología, lo que perdura es la música en sí: la fluidez de la voz de Stevie, la precisión de la guitarra de Lindsey, la promesa de algo más grande de lo que ninguno de los dos podría haber previsto.

Disco recomendado

Para cualquiera que ame a Fleetwood Mac, o para cualquiera que sienta curiosidad por las raíces del rock estadounidense de los setenta, "Buckingham Nicks" merece su atención. No es un disco perfecto, pocos debuts lo son, pero es honesto, rebosante de ambición juvenil y una química que pronto transformaría la música popular.

Ya sea que escuches la reciente remasterización, encuentres una copia en vinilo o incluso explores las publicaciones dispersas en línea, dedícate una hora a escucharlo. Escucha los primeros destellos de lo que se volvió atemporal. Escucha el anhelo, la intimidad y el arte que apenas comienza a tomar forma.

En definitiva, "Buckingham Nicks" es más que una pieza de coleccionista o una nota al pie. Es un recordatorio de que incluso los supuestos fracasos pueden albergar semillas de grandeza. Si buscas algo que sea familiar y nuevo a la vez, arraigado en la historia y repleto de descubrimientos, este álbum bien vale la pena.

Video del tema "Frozen Love":

Tracklist (formato LP vinilo):

Cara A:

1. "Crying in the Night" 2:58
2. "Stephanie" instrumental 2:12
3. "Without a Leg to Stand On" 2:09
4. "Crystal" 3:41
5. "Long Distance Winner" 4:50

Cara B:

1. "Don't Let Me Down Again" 3:52
2. "Django" instrumental 1:02
3. "Races Are Run" 4:14
4. "Lola (My Love)" 3:44
5. "Frozen Love" 7:16

Músicos:

• Lindsey Buckingham – voz, guitarras, bajo, percusión
• Stevie Nicks – voz

Músicos adicionales:

• Waddy Wachtel – guitarras
• Jerry Scheff – bajo
• Mark Tulin – bajo
• Peggy Sandvig – teclados
• Monty Stark – sintetizador
• Jim Keltner – batería
• Ron Tutt – batería
• Gary "Hoppy" Hodges – batería, percusión
• Jorge Calderón – percusión
• Richard Halligan – arreglos de cuerdas

Producción:

Keith Olsen – productor, ingeniero de sonido

WEYES BLOOD - Titanic Rising - Album

Este disco no surgió de la nada. Es la culminación de años de experimentación, perfeccionamiento gradual y una creciente confianza en la capacidad de Natalie Laura Mering para fusionar influencias clásicas con su propia perspectiva sobre el amor, la tecnología y la fragilidad de nuestro planeta. Para su lanzamiento en la primavera de 2019, "Titanic Rising" no solo marcó un nuevo capítulo en el catálogo de la artista, sino también un punto de inflexión que la situó entre las voces más distintivas de la composición contemporánea. A continuación, una humilde reseña de "Titanic Rising" de Weyes Blood.

ALBUM: Titanic Rising

Al escuchar "Titanic Rising" de Weyes Blood, me sentí como si hubiera entrado en una conversación entre el pasado y el presente, donde las sensibilidades del pop clásico se dan la mano con las inquietudes actuales. Natalie Mering, la fuerza creativa detrás de Weyes Blood, es una artista que desafía cualquier clasificación rápida. A lo largo de su carrera, ha pasado de la neblina experimental de sus primeras grabaciones a algo mucho más cristalino y directo. "Titanic Rising", publicado el 5 de abril de 2019, es el momento en que todas esas corrientes se fusionan.

Es su cuarto álbum de estudio, producido junto a Jonathan Rado, y se siente a la vez expansivo e íntimo. Inspirado en el brillo dorado de la radio FM de los años 70, explora el cambio climático, el romance condenado al fracaso y los mitos a los que nos aferramos en tiempos de incertidumbre. El título por sí solo invita tanto a la grandeza como al desastre, evocando el famoso naufragio y su peso simbólico. El resultado es una colección de canciones que se siente como una banda sonora para la incertidumbre moderna, filtrada por la calidez del pop barroco.

Un largo camino hacia la claridad:

El camino de Mering hacia "Titanic Rising" está lejos de ser lineal. En sus inicios, incursionó en la vanguardia, incluso pasando tiempo con el colectivo experimental de Portland "Jackie-O Motherf*cker". Su lanzamiento de 2014, "The Innocents", fue silencioso y espectral, seguido dos años después por "Front Row Seat to Earth", que abrazó el rock suave. Ese disco la puso en las listas de fin de año y reveló su fascinación por la crítica social, incluso incluyendo la frase "YOLO" en un lamento sobre el malestar generacional.

Firmar con el sello discográfico Sub Pop en 2017 le dio los recursos para buscar un panorama más amplio, y "Titanic Rising" es el sonido de esa ambición plenamente realizada. Las canciones no están unidas como piezas aisladas; Están diseñados para fluir, cada uno reforzándose al otro.

Inocencia y aceptación:

El álbum comienza con la canción "A Lot’s Gonna Change", una suave pieza de piano que se siente como un consejo transmitido por una persona más sabia. "Intenta dejarlo todo atrás en tu vida", canta, reconociendo que el cambio es inevitable, pero instándonos a aferrarnos a lo que importa. La canción marca el tono de inmediato: melancólica pero nunca ingenua, esperanzadora sin rehuir la realidad. Recuerda la vulnerabilidad de Joni Mitchell, pero con arreglos que evocan los experimentos orquestales de los Beatles.

Andrómeda:

Si hay un momento de "Titanic Rising" que me impactó, es el tema "Andrómeda". Las imágenes celestiales de la canción son más que un simple adorno poético; encarnan el tema recurrente de Mering: que el amor puede sentirse tan distante e inalcanzable como las estrellas. Su voz flota con una claridad cautivadora sobre una instrumentación exuberante, recordándome a Skeleton Tree de Nick Cave, música que te obliga a detenerte, a absorber. Ella lo describió como una canción sobre perder el interés en un romance forzado, pero aún así atreverse a tener esperanza. Esa paradoja, el tira y afloja entre la desilusión y el anhelo, recorre todo el disco.

Alegría con una sombra:

Luego llega "Everyday", un tema alegre que disfraza su inquietud con alegres estribillos. En la superficie, rebosa optimismo: "Necesito un amor cada día", pero en el fondo se esconde una crítica a las aplicaciones de citas y las conexiones fugaces. La música es casi juguetona, con toques de pop de cámara que podrían ser la banda sonora de una tarde despreocupada. Sin embargo, el contraste entre sonido y letra hace la canción aún más cautivadora, mostrando cómo Natalie Mering puede convertir verdades difíciles en formas accesibles.

Películas y el poder de la fantasía:

La canción "Movies" es quizás el tema más audaz de la lista. Comienza en una neblina sumergida, como el dormitorio de la portada del álbum hundiéndose bajo el agua. Oleadas de sintetizador dan paso a la voz de Mering, tensa y fantasmal, mientras medita sobre cómo el cine moldea nuestro imaginario colectivo. La canción no solo trata sobre películas, sino sobre las historias más amplias que nos contamos para afrontarlas. Escucharla es como sumergirse en un sueño, desorientador pero profundamente conmovedor.

"Something to Believe" es una balada de piano que desgarra tanto el anhelo espiritual como el agotamiento. "Dame algo más grande y fuerte que las voces en mí", suplica, articulando las luchas privadas que muchos oyentes reconocerán. Algunos la han escuchado como una canción sobre la desesperación climática, otros como una meditación sobre la salud mental. De cualquier manera, su ambigüedad la hace poderosa, permitiendo al oyente proyectar sus propias luchas en sus palabras.

Más adelante en el disco llega "Wild Time", que quizás sea el reconocimiento más directo de la era en la que vivimos. "Todos están destrozados ahora y nadie sabe cómo", canta, como si resumiera la condición colectiva de nuestros tiempos. La música se construye con acordes jazzísticos y una grandeza melancólica, dejando al oyente suspendido entre la resignación y la frágil esperanza. Es una de esas raras canciones que logra sonar atemporal y completamente actual.

A medida que Titanic Rising se acerca a su final, "Picture Me Better" ofrece quizás su confesión más personal. Escrita en memoria de un amigo que se suicidó, es una conmovedora reflexión sobre la ausencia, el arrepentimiento y el deseo de imaginar a alguien "mejor" en otro mundo. El instrumental de cierre, "Nearer to Thee", regresa musicalmente al número inicial, haciendo eco del himno que se dice que se interpretó cuando el Titanic se hundió. Es un final que equilibra la tragedia con la gracia, recordándonos que incluso cuando las cosas se derrumban, la belleza permanece.

Un álbum que se revela lentamente:

Lo que distingue a "Titanic Rising" no es solo su contenido lírico, sino también su estructura y paciencia. Este no es un disco que revele todos sus secretos a la primera escucha. Personalmente, necesité varias escuchas antes de que la profundidad de la composición se revelara. Al principio, me cautivaron los exuberantes arreglos y las fáciles comparaciones con "The Carpenters" o "Kate Bush". Pero con el tiempo, las palabras empezaron a calar más hondo. De repente, sentí que el álbum me hablaba directamente, como una carta íntima disfrazada de pop panorámico.

La producción, cortesía de Mering y Jonathan Rado, se mueve con cuidado entre la grandeza y la sobriedad. Las cuerdas y los sintetizadores se elevan, pero nunca a expensas de su voz. Es un disco excepcional que suena igual de adecuado para una mañana tranquila con un café que para escuchar con auriculares durante un ajuste de cuentas existencial nocturno.

Parte del atractivo de Titanic Rising reside en su asombrosa capacidad para abordar los miedos contemporáneos sin perder de vista la esperanza. Natalie Mering, también conocida como Weyes Blood, no se deja llevar por la desesperación; en cambio, reconoce el dolor al tiempo que sugiere que la fe, ya sea en el amor, el arte o simplemente la perseverancia, sigue siendo posible. En una época de temor climático, relaciones fracturadas y vidas dominadas por algoritmos, ese mensaje tiene un peso especial.

Por eso, el álbum sigue resonando tras su lanzamiento. No está ligado al ciclo de noticias ni a ninguna moda pasajera. Aborda emociones que no caducan: anhelo, miedo, resiliencia y aceptación.

Disco Recomendado

"Titanic Rising" de Weyes Blood no es solo una colección de canciones; es un mundo cuidadosamente diseñado que recompensa la paciencia y la escucha continua. Desde el exuberante optimismo de "Everyday" hasta la inquietante meditación de "Movies", desde la frágil fuerza de "Andromeda" hasta la elegíaca "Picture Me Better", el álbum equilibra la desesperación con la belleza como pocos discos logran.

Si buscas música que haga más que entretener, música que perdure, inquiete y reconforte a la vez, "Titanic Rising" merece la pena. La recomiendo, no como música de fondo, sino como un acompañamiento para la reflexión. Puede que necesites escucharla varias veces para descubrir su profundidad, pero una vez que te atrapa, no te suelta.

Video del tema "Andromeda":

Tracklist:

1. "A Lot's Gonna Change" 4:21
2. "Andromeda" 4:40
3. "Everyday" 5:07
4. "Something to Believe" 4:45
5. "Titanic Rising" 1:36
6. "Movies" 5:53
7. "Mirror Forever" 5:05
8. "Wild Time" 6:09
9. "Picture Me Better" 3:41
10. "Nearer to Thee" 1:05

Músicos:

• Michael D'Addario (1, 3, 7)
• Brian D'Addario (1, 3, 4, 7, 8)
• Michael Long (1, 3, 4, 7, 8)
• Richard Dodd (1–4, 6–10)
• Leah Katz (1–4, 6–10)
• Daphne Chen (1–4, 6–10)
• Eric Gorfain (1–4, 6–10)
• Drew Erickson (1–4, 6–9)
• Jonathan Rado (2, 5)
• Blake Mills (2, 8)
• Chris Cohen (4, 8)
• Keith Karman (6)
• Walt McClements (9)
• Kenny Gilmore (4 y 8)
• Michael Chadwick (6, 9)

SHAME - Cutthroat - Album

En la cambiante escena del rock británico, donde las bandas suelen brillar con fuerza y ​​desvanecerse rápidamente, Shame ha cimentado su reputación en lo opuesto: persistencia, reinvención y una negativa a quedarse quieto. Desde su llegada en 2018, el quinteto del sur de Londres ha sido muchas cosas: provocadores satíricos, narradores introspectivos y feroces intérpretes en vivo, pero nunca predecibles. Su cuarto álbum de estudio, "Cutthroat", publicado el 5 de septiembre de 2025, captura este espíritu inquieto en su totalidad. Es un álbum que convierte el cinismo en teatro, la furia en sátira y la melodía en algo a la vez festivo e inquietante. Aquí está mi humilde reseña.

ALBUM: Cutthroat

Pocas bandas del sur de Londres se han forjado una reputación tan feroz como Shame. Durante la última década, este quinteto ha sido aclamado como una de las voces más inquebrantables del rock británico moderno. Desde su estridente debut "Songs of Praise" en 2018, pasando por el agudo y claustrofóbico "Drunk Tank Pink" y el introspectivo "Food for Worms" en 2023, Shame han demostrado que la reinvención forma parte de su ADN. Su cuarto álbum, "Cutthroat", editado el 5 de septiembre de 2025, es un paso más, a veces desordenado, a veces descarado, pero siempre cautivador.

Un regreso al ruido preciso:

Cutthroat se grabó en Salvation Studios en Brighton y fue producido por el ganador del Grammy John Congleton, cuyo trabajo con St Vincent, Angel Olsen y Alvvays ha dado forma a algunos de los discos indie más agudos de los últimos años. Su influencia se percibe aquí: la producción es más limpia, precisa y menos indulgente que en las producciones anteriores de la banda. A lo largo de sus doce canciones, cada una con una duración de entre dos y cuatro minutos, Shame explora el conflicto, la corrupción, la cobardía y la autoparodia.

El álbum arranca con la canción que da título al álbum, un aluvión implacable de riffs de guitarra y bajos contundentes, descrito como una "jam psicopunk", pero mejor entendido como un carnaval de contradicciones. El cantante Charlie Steen adopta la voz de un hedonista caricaturizado: fanfarrón, lujurioso y ridículo, pero su interpretación conlleva un trasfondo de sinceridad. Cuando dice con desdén: "¿Y por qué no hacer lo que quieres?", se siente menos como un himno festivo que como una invitación a abrazar lo absurdo. Desde los primeros segundos, queda claro que Shame está aquí para inquietar, provocar y entretener.

Personajes, contradicciones y cobardes:

Lo que distingue a Cutthroat de álbumes anteriores es el interés de Steen por el estudio de personajes. En "On Cowards Around", crea un esbozo grotesco de xenofobia e hipocresía política, con una percusión que evoca la fuerza del baterista de Led Zeppelin, John Bonham. El resultado es a la vez un furioso himno post-punk y una sátira sombría de la vida pública. "Quiet Life" cambia radicalmente la atmósfera: al comenzar con la guitarra acústica, Steen admite su propia cobardía al aferrarse a una comodidad tóxica. Es uno de los raros momentos de vulnerabilidad del álbum, y con su ritmo con tintes country, recuerda tanto a "The Kinks" como a "The Cramps".

"Nothing Better" sumerge al oyente en el caos con guitarras vertiginosas y un desprecio burlón por la ociosidad, mientras que "Plaster" vira hacia el britpop, mostrando la habilidad de Steen para alternar entre la interpretación a medias y una melodía más directa. Hacia la mitad del álbum, la banda ha establecido un patrón: ataque, retirada, parodia, confesión. Es irregular, pero rara vez aburrido.

Sencillos como pilares:

Cutthroat fue precedido por tres sencillos: la canción principal, "Quiet Life", y "Spartak". Los tres capturan diferentes aspectos de la identidad del disco. "Spartak", lanzado en agosto con un video dirigido por el propio Steen, es una acusación vibrante contra la hipocresía, inspirada en Wilco, pero con las aristas propias de la banda. Su estribillo, "Solo lanzaré la primera piedra / Si sé que te golpeará", es pura vergüenza: acusatoria, cínica e incómodamente cercana.

Estos sencillos, aunque fuertes por sí solos, funcionan mejor como parte de la narrativa completa. Actúan como pilares que sostienen los variados experimentos del álbum, garantizando que incluso sus desviaciones más rebeldes, como el tema noir de "Packshot" o el latido electroclash de "After Part", permanezcan anclados en una identidad central.

Experimentación sin miedo:

Shame nunca se ha conformado con quedarse en un solo carril, y Cutthroat lo demuestra. "After Party", escrita por el guitarrista Sean Coyle-Smith, podría haber sido una indulgencia dance-punk sin más. En cambio, se desvía hacia un estribillo extrañamente pulido, que fusiona versos sórdidos de sprechgesang con synth pop empalagoso. "Axis of Evil" cierra el disco sumergiéndose de lleno en el territorio del dark wave, con electrónica vibrante y ritmo palpitante. Se siente más cercana a Franz Ferdinand o The Dare que a cualquier tema de los inicios de Shame, y aun así funciona como un final sorprendentemente adecuado.

Uno de los temas más intrigantes es "Lampião", inspirado en los viajes de Steen a Brasil y su descubrimiento del legendario forajido del mismo nombre. Entretejiendo elementos de la música carnavalesca brasileña, la canción equilibra el homenaje con la experimentación. Algunos oyentes pueden encontrarlo discordante, como si perteneciera a un álbum completamente diferente, pero su espíritu audaz subraya la negativa de la banda a estancarse.

Altibajos con una visión más amplia:

No todos los temas impactan con la misma fuerza. La sección intermedia entre "Nothing Better" y "To and Fro" a veces se difumina, con canciones que se apoyan en ritmos similares. "Packshot", con su amenaza de combustión lenta, puede resultar inconexa tras la implacable "Screwdriver". Sin embargo, incluso en sus momentos más flojos, Cutthroat nunca es tímido. El álbum prospera gracias a las contradicciones: ruido descarado atenuado por momentos de fragilidad, sátira socavada por destellos de sinceridad.

Si el disco "Food for Worms" reveló un lado más suave de Shame, Cutthroat los arrastra de nuevo al foco de atención con volumen y veneno. Las letras de Steen canalizan la lente satírica de Oscar Wilde, pintando personajes grotescos solo para exponer sus propios defectos. La química de la banda es palpable, especialmente entre los guitarristas Sean Coyle-Smith y Eddie Green, quienes intercambian riffs como boxeadores. Tras ellos, el bajo de Josh Finerty y la batería de Charlie Forbes mantienen un ritmo feroz.

Nota final:

Cutthroat puede no ser el trabajo más cohesivo de Shame, pero podría decirse que es el más audaz. Destila la esencia de "Songs of Praise" mientras se adentra en territorios nuevos, a veces incómodos. Hay momentos brillantes, como Quiet Life, Spartak y Screwdriver, que se encuentran entre lo mejor que han escrito. También hay experimentos que fallan, pero fallan de maneras interesantes.

Para quienes descubrieron a Shame a través de sus álbumes anteriores, este disco se sentirá como un regreso al ruido y la sátira, agudizado por la madurez y la delicadeza de la producción. Para los recién llegados, ofrece una amplia introducción: desde el punk más agresivo hasta desvíos con influencias dance.

En un año repleto de nuevos lanzamientos, Cutthroat destaca como un álbum que vale la pena escuchar de principio a fin. Es caótico, enérgico, a veces frustrante, pero siempre vivo. Shame nos recuerda por qué el rock sigue siendo importante: no por ser pulido o perfecto, sino porque se atreve a ser confrontativo, impredecible y profundamente humano.

Disco Recomendado

Si valoras la honestidad, la energía y una banda que se niega a ir a lo seguro, Cutthroat merece tu tiempo. Escúchalo a todo volumen, con atención y deja que te provoque.

Video del tema "Screwdriver":

Tracklist:

1. "Cutthroat" 3:14
2. "Cowards Around" 2:21
3. "Quiet Life" 3:16
4. "Nothing Better" 2:47
5. "Plaster" 2:55
6. "Spartak" 2:38
7. "To and Fro" 2:26
8. "Lampião" 3:29
9. "After Party" 3:09
10. "Screwdriver" 2:51
11. "Packshot" 4:19
12. "Axis of Evil" 3:31

Shame:

• Charlie Steen – voz
• Sean Coyle-Smith – guitarra
• Eddie Green – guitarra
• Josh Finerty – bajo
• Charlie Forbes – batería

Colaborador adicional:

John Congleton – producción, mezcla e ingeniería de sonido.