HURRAY FOR THE RIFF RAFF - The Past Is Still Alive - Album

No estaba realmente familiarizado con la banda "Hurray For The Riff Raff" antes del disco "The Past Is Still Alive", así que escuché por completo el álbum sin tener idea de qué esperar y salí gratamente sorprendido. Un "shock" aún mayor es que no soy un seguidor del country pop, y aquí estoy, recomendando a los lectores de este blog de música que busquen este álbum.

¿Quiénes son la banda "Hurray for the Riff Raff"?

 
Grupo estadounidense formada en Nueva Orleans en 2007 liderada por Alynda Lee Segarra, una cantautora del Bronx, Nueva York y de ascendencia puertorriqueña que estuvo interesada en el hardcore punk en su juventud. Más tarde, Alynda Segarra gravitó hacia la música de raíces "americana" y se instaló en Nueva Orleans alrededor de 2007.

Como proyecto liderado por Segarra, el grupo originalmente interpretó diferentes estilos de música folklórica mientras lanzaba varios discos de forma independiente. Así ha sido la producción musical de la banda que me sorprendió saber que ya han acumulado nueve discos de estudio hasta la fecha.

La discografía de estudio álbumes hasta la fecha: 

2008 It Don't Mean I Don't Love You self-released
2010 Young Blood Blues self-released
2011 Hurray for the Riff Raff
2012 Look Out Mama
2013 My Dearest Darkest Neighbor
2014 Small Town Heroes
2017 The Navigator
2022 Life on Earth
2024 The Past Is Still Alive

Me ha cautivado "The Past Is Still Alive", su letra, la excelente musicalidad y simple producción.

 

ALBUM: The Past Is Still Alive

 

El noveno trabajo de estudio de "Hurray for the Riff Raff". Publicado el 23 de febrero 2024 y producido por Brad Cook, el álbum cuenta con contribuciones de Conor Oberst (Bright Eyes), Meg Duffy (músico de estudio en discos de The War on Drugs, Weyes Blood, Perfume Genius, Sasami y William Tyler entre muchos otros), Anjimile y S.G. Goodman.

La integrante al frente Alynda Segarra comenzó a grabar "The Past Is Still Alive" un mes después de la muerte de su padre en 2023. El LP transmite a Segarra lidiando con el paso del tiempo y los "que quedaron atrás". Este trabajo está plagado de pérdidas y decadencia personales. Sin embargo, lo maravilloso de "The Past Is Still Alive" es que nunca suena desesperado: la calidez ofrece consuelo y compañía.

Escucha canciones como "Hourglass", una historia de sentimentalismo y crecimiento, o "Ogallala" que cuenta la historia de perder a un amigo y dejarlo ir, y Segarra se compara con el miembro de la banda que todavía toca en la cubierta del Titanic mientras el barco se hunde. Cuentos realmente bonitos y las canciones evocan imágenes.

La voz cruda y emotiva de Alynda Segarra sirve como el recipiente perfecto para transmitir los mensajes del álbum. A lo largo del disco, las letras de Segarra están imbuidas de un sentido de urgencia y autenticidad, atrayendo al oyente a las narrativas. Musicalmente, los arreglos de la banda son exuberantes y atmosféricos, con capas de instrumentación acústica que añaden profundidad y textura.

Disco recomendado

 
Maravillosa composición y narración de historias, estos son los verdaderos puntos fuertes de este disco. Más allá del obvio "casillero" de ser country y/o americana, es simplemente un disco muy bueno para escuchar. Con sus letras que crea imágenes, melodías y actuaciones conmovedoras, este álbum seguramente gustara, igual que a mí.

Búscalo, seguro que te sorprenderás gratamente.

Video del tema "Hourglass":

Tracklist:

1.         "Alibi" 2:48
2.         "Buffalo"        3:42
3.         "Hawkmoon"  3:42
4.         "Colossus of Roads"  2:45
5.         "Snake Plant (The Past Is Still Alive)"          4:07
6.         "Vetiver"         3:52
7.         "Hourglass"     2:50
8.         "Dynamo"       3:07
9.         "The World Is Dangerous"     3:45
10.       "Ogallala"       4:59
11.       "Kiko Forever"           1:02

Ficha:

• Alynda Segarra – voz (todas las pistas); guitarra acústica, coctelera (pistas 1 a 10); programación (11)
• Brad Cook: bajo (pistas 1 a 9), guitarra acústica (2), Wurlitzer (3), sintetizador (4), vibráfono (8)
• Phil Cook: órgano (pistas 1 a 10), piano (1, 2, 4, 7 a 10), guitarra eléctrica (1, 8, 9), Dobro (2, 4), Wurlitzer (5, 6), marimba ( 5)
• Matt Douglas - saxofón barítono, saxofón tenor (pistas 5, 9)
• Meg Duffy - guitarra eléctrica (pistas 3, 5, 6, 8); coros, sintetizador (5); guitarra slide (6)
• SG Goodman - coros (pista 8)
• Mike Mogis - guitarra con steel pedal (pistas 2, 10); bajo sintetizado, sintetizador (10)
• Conor Oberst - coros (pista 9)
• Liddy Rodenburgh - violín (pista 7)
• Anjimile Segarra - coros (pista 10)
• José Segarra - teclados, voz (pista 11)
• Yan Westerlund: batería (pistas 1 a 10), pandereta (1, 4 a 10)

Técnico:

•  Brad Cook – producción, ingeniero de sonido.

Si te gusta este disco quizás también te interesa escuchar a ETHEL CAIN y su disco "Preacher's Daughter".

Y si aún no te convence "Hurray For The Riff Raff" y Alynda Lee Segarra, visiona esta actuación (Live on KEXP):

CAMEL (Banda) - Camel - Album

Considerados por algunos críticos musicales como "los grandes héroes anónimos del rock progresivo de los 70 (siglo xx), la banda británica "Camel" no es uno de los nombres conocidos del rock progresivo, pero sólo por su producción musical se lo merecerían. Sus sentidos únicos de la melodía y la musicalidad los colocaron fuera del resto y comenzaron una carrera larga y muy productiva. Lo que hizo que "Camel" se destacará para mí es su capacidad para crear fuertes melodías vocales y convertirlas en largos e increíbles segmentos instrumentales.

Para aquellos seguidores del rock progresivo que no están familiarizados con la banda y quieren descubrir el sonido "Camel", su primer álbum "Camel" es un excelente punto de partida.

 

¿Quiénes eran la banda "Camel"?

 

Banda inglesa de rock progresivo formada en 1971. "Camel" originalmente estaba formada por Andrew Latimer (guitarra, flauta y voz), Andy Ward (batería), Doug Ferguson (bajo) y el teclista Peter Bardens, anteriormente de la banda "Them".

Han publicado hasta la fecha catorce álbumes de estudio y catorce sencillos, además de numerosos álbumes en directo y DVD. Sin alcanzar una popularidad masiva, la banda ganó seguidores de culto en la década de 1970 con LPs como Mirage (1974) y The Snow Goose (1975). A principios de la década de 1980 adoptaron una dirección más jazzística y comercial, pero luego hicieron una pausa prolongada. Desde 1991 la banda es independiente y edita álbumes con su propio sello discográfico.

"Camel" ha sido reconocido como una de las principales influencias del subgénero "neoprogresivo" que surgió en la década de 1980. Su música ha influido en artistas como Marillion, Opeth y Steven Wilson (Porcupine Tree)

 

ALBUM: Camel

 
El disco debut de la banda inglesa de rock progresivo "Camel", fue publicado en febrero de 1973. Una colección de canciones individuales, principalmente de Andrew Latimer y Peter Bardens. Hay muchos ganchos y muchas sorpresas para mantener tu interés sin ningún "shock" sofisticado. Todo se siente natural y cohesivo, un gran comienzo para la carrera de la banda.

El diseño de la portada del álbum de Modula, presenta una imagen simple pero enigmática de un camello en un paisaje desértico frente a una puesta de sol, evoca una sensación de mística. Su enfoque minimalista se alinea bien con el enfoque de la banda en la sustancia por encima del estilo.

Este cuarteto fue posiblemente una de las mejores combinaciones de instrumentistas para grabar un álbum. Los cuatro miembros muestran una química perfecta y eso mantiene su música atractiva en cada canción. Puedes escucharlo una vez para concentrarte principalmente en la batería, y luego nuevamente en el bajo, y luego en el teclado o la guitarra, y el álbum sigue siendo igual de convincente. Musicalidad de primer nivel en este LP.

La canción de apertura, "Slow Yourself Down", es marca registrada de "Camel", con el teclado de Bardens y la guitarra dinámica de Latimer. La primera de las composiciones de Peter Barden es "Mystic Queen", que recuerda mucho a la época y es muy indicativa de lo que haría que "Camel" fuera tan popular más tarde. Las dos canciones que componen el resto de la cara uno son “Six Ate” y “Separation”, ambas muestran el amor de la banda por el jazz, otra faceta de las credenciales progresivas de "Camel".

La segunda cara abre con "Never Let Go", que también se convirtió en el primer single de la banda cuando se lanzó en noviembre de 1972. Con la voz de Andrew Barden, evolucionó hasta convertirse en una de las canciones más queridas de la banda. El segundo corte, “Curiosity”, es otro original de Bardens. También es la cara B de su sencillo debut, es una canción característica de Bardens que presenta su evocador trabajo en el teclado. Por último, “Arubaluba” es un gran tema de rock progresivo; todos riffs ascendentes, cambios de tiempo y por supuesto destreza instrumental.

En general, este disco debut de "Camel" tiene melodías fantásticas desde la primera nota hasta la última, además no hay nada superfluo. Un LP que ejemplifica lo mejor del rock progresivo británico y que debería ser más apreciado y reconocido.

 

Disco recomendado

 
Si bien algunos fans piensan que esto no es tan bueno como los álbumes posteriores del grupo (por ejemplo, el LP "Mirage" de 1974), definitivamente es un comienzo excelente y un lanzamiento esencial de "Camel", así como un muy buen punto de partida para adentrarse en su música.

Puro rock progresivo y sin florituras, digno de un comienzo de una gran banda.

Video del tema "Slow Yourself Down" (Remastered):

Tracklist (original LP):

Cara A:

1.         "Slow Yourself Down"                      4:47
2.         "Mystic Queen"                                 5:40
3.         "Six Ate" (instrumental)         6:06
4.         "Separation"                           3:57

Cara B:

1.         "Never Let Go"                                  6:26
2.         "Curiosity"                             5:55
3.         "Arubaluba" (instrumental)    6:28

Camel (Banda):

•  Andrew Latimer – guitarra; voces (1, 4)
• Peter Bardens – órgano, Mellotron, piano, sintetizador VCS 3; voces (5, 8)
• Doug Ferguson – bajo; voces (2, 6)
• Andy Ward - batería, percusión

GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR - Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven - Album

Descrito como una obra maestra y un extenso viaje sonoro que desafía la categorización convencional, trascendiendo la mera expresión musical para convertirse en una experiencia auditiva trascendente, el álbum "Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven" de la banda de post rock "Godspeed You! Black Emperor" merece atención.

 

¿Quiénes son la banda "Godspeed You! Black Emperor"?

 
Una banda canadiense de post-rock que se originó en Montreal en 1994. Formada por Efrim Menuck (guitarra), Mike Moya (guitarra) y Mauro Pezzente (bajo), la banda tomó su nombre de God Speed You! Black Emperor, un documental japonés en blanco y negro de 1976 del director Mitsuo Yanagimachi. A lo largo de los años, la formación ha ido incorporando varios nuevos miembros. Su estilo singular combina vanguardia clásica, rock experimental, multimedia y expresión política.

El grupo se ha ganado seguidores de culto y sigue siendo muy influyente en el género post-rock. Su música, principalmente instrumental, se ha destacado por sus contrastes entre paisajes sonoros ambientales y crescendos caóticos; uso de grabaciones de campo y monólogos hablados (crípticos); y centrarse en temas distópicos, anarquistas y pacifistas.

Aquí está la discografía de "Godspeed You! Black Emperor" hasta la fecha:

• F♯ A♯ ∞ (1997)
• Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven (2000)
• Yanqui U.X.O. (2002)
• 'Allelujah! Don't Bend! Ascend! (2012)
• Asunder, Sweet and Other Distress (2015)
• Luciferian Towers (2017)
• G_d's Pee at State's End! (2021)

Su mejor trabajo para mi gusto es "Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven". Una obra que requiere paciencia y mucha atención por parte del oyente que recompensará con creces al final. Se garantizará una escucha repetida posteriormente.

Muchos han llegado a afirmar que este álbum de post-rock define el género.

ALBUM: Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven

 
El segundo disco de estudio de la banda canadiense de post-rock "Godspeed You! Black Emperor", publicado como doble álbum el 9 de octubre de 2000 en vinilo y el 8 de noviembre de 2000 en CD. Figura en varias listas de fin de década como uno de los mejores álbumes de la década de 2000.

Este trabajo consta de cuatro números de 20 minutos de duración divididos en movimientos: "Storm", "Static", "Sleep" y "Antennas to Heaven". "Godspeed You! Black Emperor" grabó el álbum en nueve días con el productor Daryl Smith, con el material extraído de las presentaciones en directo de la banda. La instrumentación involucró instrumentos de cuerda, guitarras, pianos, grabaciones estáticas y ocasionales de campo.

Es un verdadero premio de descubrimiento o experiencia auditiva para cualquier fan del pop ambient, el rock orquestal, el space rock o de exuberantes arreglos de cuerdas que comprenda lo poderosos que pueden ser el amor, la melancolía y la frustración. Sin embargo, según algunos, la perfección tiene un defecto en el sentido de que sus canciones simplemente repiten el mismo patrón: es decir, comienzan de manera escasa y lenta, construyendo-construyendo-construyendo y creciendo. No estoy de acuerdo, solo escuches atentamente este disco; está lleno de dinámicas, secciones inesperadas, emociones fuertes y verdadera belleza sonora.

El corte que abre el álbum, "Storm", por sí solo, hace que valga la pena tener este álbum. Los majestuosos gritos de cuerdas, guitarras y capas dan como resultado una acumulación climática y apasionada que eventualmente termina en una secuela exhausta de piano, zumbidos subyacentes y peroratas frustradas. La segunda pieza, "Static", es un trabajo errante y aislacionista de extensiones sombrías sombreadas por emociones más oscuras, pero las dos obras restantes elevan el álbum al impresionante estándar establecido por el corte inicial, aunque con menos furor y aún más belleza. "Sleep" comienza con un anciano que recuerda "Coney Island" (New York). A esta narración le sigue una pieza lenta y melódica que presenta un efecto pseudo-theremín en medio del resto de la instrumentación. "Antennas to Heaven" comienza con alguien tocando la guitarra acústica, cantando, que pronto se inunda con sonido, que luego da paso a un breve coro, y así sucesivamente.

Pero lo que también distingue a "Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven" es su capacidad de evocar un profundo sentido de anhelo existencial - suena fuerte, a que si. La música está imbuida de una sensación de anhelo y melancolía que - sé que suena a cliché - trasciende el lenguaje y accede a algo primario e inefable dentro de la psique humana. Es música directa al alma.

 

Disco recomendado

 
"Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven" no es simplemente un álbum sino una obra de arte trascendente que desafía una fácil categorización. Es un testimonio del poder de la música para evocar emociones, provocar pensamientos y experiencias musicales escalofriantes. Para aquellos que estén dispuestos a embarcarse en esta aventura, este es un viaje expresado a través de un tapiz de paisajes sonoros, melodías y texturas que fluyen y refluyen. Es una obra maestra atemporal que continúa inspirando y cautivando a los oyentes con su creatividad ilimitada y profundidad emocional.

Un disco imprescindible para los fans del post-rock y para cualquier melómano que busque una verdadera experiencia musical.

Video del tema "Storm" Paris Grande Halle Villette 2011:

Tracklist:

Disc 1:

1.         "Storm" 22:32

•  "Lift Yr. Skinny Fists, Like Antennas to Heaven..."
• "Gathering Storm" / "Il Pleut à Mourir [+Clatters Like Worry]"
• "'Welcome to Barco AM/PM...' [L.A.X.; 5/14/00]"
• "Cancer Towers on Holy Road Hi-Way"

2.         "Static" 22:35

• "Terrible Canyons of Static"
• "Atomic Clock."
• "Chart #3"
• "World Police and Friendly Fire" [...+The Buildings They Are Sleeping Now]"

Disc 2:

3.         "Sleep" 23:17

• "Murray Ostril: '...They Don't Sleep Anymore on the Beach...'"
• "Monheim"
• "Broken Windows, Locks of Love Pt. III." / "3rd Part"

4.         "Antennas to Heaven..." 18:57

• "Moya Sings 'Baby-O'..."
• "Edgyswingsetacid"
• "[Glockenspiel Duet Recorded on a Campsite in Rhinebeck, N.Y.]"
• "'Attention...Mon Ami...Fa-Lala-Lala-La-La...' [55-St. Laurent]'"
• "She Dreamt She Was a Bulldozer, She Dreamt She Was Alone in an Empty Field" Deathkamp Drone"
• "[Antennas to Heaven...]"

Godspeed You! Black Emperor (Band):

•  Sophie Trudeau – violín
• Norsola Johnson – violonchelo
• David Bryant – guitarra eléctrica
• Thierry Amar – bajo
• Aidan Girt - batería
• Mauro Pezzente – bajo
• Bruce Cawdron - batería
• Roger Tellier-Craig – guitarra
• Efrim Menuck – guitarra

Otro personal:

• Brian Cram - trompa (pistas 1a y 3c)
• Alfons – trompa (pistas 1a y 3c)

ATOMS FOR PEACE - Amok - Album

A continuación una recomendación para melómanos de una banda que se reunió para editar solo un disco (hasta la fecha). Se podría decir un "proyecto único" para resaltar "los otros" intereses musicales de sus integrantes. No cualquier formación, sino superestrellas y músicos respetados por derecho propio, creando un "supergrupo" que produjo una fusión de música experimental, electrónica y casi de estilo libre.

La banda en cuestión es "Atoms for Peace" y el álbum es "Amok".

 

¿Quiénes son la banda "Atoms for Peace"?

 
Un grupo formado por el compositor y cantante de Radiohead Thom Yorke (voz, guitarra, piano), el bajista de Red Hot Chili Peppers, Flea, el productor de Radiohead, Nigel Godrich (teclados, sintetizadores, guitarras), el baterista Joey Waronker de Beck y R.E.M., y el percusionista Mauro Refosco.

Yorke formó "Atoms for Peace" en 2009 para interpretar canciones de su álbum debut en solitario, "The Eraser"(2006). En 2013 se edita su único álbum, "Amok", producto de combinar la música electrónica de Yorke con las improvisaciones de la banda.

 

ALBUM: Amok

 
Único álbum (hasta la fecha) de "Atoms for Peace", publicado el 25 de febrero de 2013. Combina instrumentación electrónica y en vivo. Este trabajo ofrece algunos sonidos electrónicos muy experimentales y texturas complejas y bien estructuradas similares a las del anterior trabajo en solitario de Thom Yorke, “The Eraser”. Muchos fans de "Radiohead" encontrarán este material "difícil", ya que es diferente de lo que Yorke haya hecho con su banda. Thom Yorke ha declarado que los miembros de Atoms for Peace se unieron por un amor compartido por la música afrobeat, y dijo en una entrevista que el disco fue "el producto de reunirse y escuchar a "Fela Kuti".

Como la mayoría de los álbumes de "Radiohead"-"Thom Yorke", puedes necesitar varias escuchas para realmente enterarte, pero vale la pena. Déjame decirlo de otra manera, este álbum crece sobre ti, las primeras escuchas te harán sentir como "sí, es otro álbum para un proyecto en solitario", pero luego te das cuenta de que después de algunas escuchas este álbum es realmente creativo y Thom Yorke está trabajando en sus propias cosas haciendo lo que honestamente le gusta, no lo que la gente espera de él, lo aprecias.

¿Entonce qué puedes esperar? Siéntate, relájate y escucha atentamente cada disco. El álbum ofrece cortes creativos e innovadores como el tema de apertura "Before Your Very Eyes", el excelente "Default", "Unless" e "Ingenue", "Dropped" o el sencillo promocional "Judge, Jury and Executioner".

En el corazón de "Amok" se encuentra la voz de otro mundo de Thom Yorke, que sirve como guía a través del laberinto sonoro del álbum. Su voz, inquietante y evocadora, flota sobre los sintetizadores y los ritmos pulsantes, entregando letras crípticas pero resonantes que invitan al oyente a mantener su atención en los sonidos hipnóticos.

Especial mención al trabajo de Flea y líneas de bajo que pulsan con una energía primaria, impulsando cada canción hacia adelante con un implacable sentido de urgencia. Temas como "Default" y "Dropped" muestran su estilo de interpretación virtuoso, mientras teje a la perfección patrones intrincados que fluyen y refluyen con precisión.

El maestro de producción Nigel Godrich merece otro inmenso crédito por su papel en la configuración del paisaje sonoro de "Amok". Su meticulosa atención al detalle es evidente en cada capa de sonido, desde las texturas sutiles de los fallos electrónicos hasta las explosivas ráfagas de graves distorsionados.

Resumiendo, parece un grupo extraño para montar de antemano, pero se combinan muy bien y producen música genial y muy interesante. La influencia de Radiohead es obvia, pero con un bajo mucho más prominente y una fuerte influencia electrónica en la que Yorke obviamente se involucra personalmente.

 

Disco recomendado

 
Este es un álbum audaz y aventurero que muestra los talentos colectivos de los miembros de "Atoms for Peace". Desde ritmos contagiosos hasta paisajes sonoros atmosféricos, la banda explora una amplia gama de texturas e influencias sonoras, creando una experiencia auditiva única de principio a fin. La distintiva voz de Thom Yorke y sus letras crípticas añaden profundidad y emoción a la música, mientras que las dinámicas líneas de bajo de Flea proporcionan una base sólida para las exploraciones experimentales de la banda. "Amok" es un testimonio de los beneficios de la colaboración y la creatividad. 

Y termino, dejando de lado las opiniones de los fans acérrimos de "Radiohead", este es un disco muy bueno que será disfrutado por los seguidores de la música experimental y electrónica. Lo que no se puede negar es la maestría musical de Thom Yorke y compañía. Impresionante.

Video del tema "Unless":

Tracklist:

1.         "Before Your Very Eyes..."   5:47
2.         "Default"        5:15
3.         "Ingenue"        4:30
4.         "Dropped"      4:57
5.         "Unless"          4:40
6.         "Stuck Together Pieces"         5:28
7.         "Judge, Jury and Executioner"          3:28
8.         "Reverse Running"     5:06
9.         "Amok"                      5:24

Atoms for Peace (Banda):

• Thom Yorke – voz, teclados, programación, guitarras
• Nigel Godrich – producción, programación
• Flea - bajo
• Joey Waronker - batería
• Mauro Refosco – percusión

BRIAN ENO - Here Come the Warm Jets - Album

Brian Eno deja saber al mundo que era mucho más que un simple teclista de la banda "Roxy Music" en su disco debut en solitario "Here Come the Warm Jets". Como figura pionera en el art rock y la música experimental, las innovadoras técnicas de producción y la enigmática composición de Eno cautivaron al público de entonces y continúan inspirando a generaciones de melómanos en la actualidad.

Dedico un post en este blog de música al disco mencionado, destacando sus diversos estilos musicales, letras surrealistas y su influencia en el panorama del rock y la música pop moderno. Con un sonido que va desde el ambient hasta el proto-punk y la vanguardia, "Here Come the Warm Jets" adquiere una vertiginosa gama de estilos. Brian Eno crearía más tarde mejores álbumes de art rock, pero este es un gran comienzo.

 

ALBUM: Here Come the Warm Jets

 
El debut en solitario de Brian Eno (acreditado monónimo como "Eno"), fue publicado el 8 de febrero de 1974. Fue grabado y producido por Brian Eno tras su salida de "Roxy Music" y combina glam y pop con vanguardia. Este disco está lleno de amigos e invitados, incluidos varios ex compañeros de banda de Roxy Music junto con miembros de "Hawkwind", "Matching Mole", "Pink Fairies", "Sharks", "Sweetfeed" y "King Crimson".

Aquí hay una breve anécdota: se pensaba que el título del álbum era un término de jerga para referirse a orinar ("golden shower"); sin embargo, por "romántico" que parezca, en una entrevista de 1996 con la revista Mojo, Eno dijo que provenía de una descripción sobre una guitarra;  una"guitarra jet cálida'... porque la guitarra sonaba como un motor de reactor afinado". ¿Como lo ves?

Las canciones de "Here Come the Warm Jets" contienen muchos estilos musicales. La sensación general del álbum se puede resumir como "glam art-pop", que muestra el crujiente rock de guitarra teatral del glam rock y la textura sonora y las influencias de vanguardia del art pop.

Este disco también es enérgico y muy experimental en el que Eno actúa principalmente como un "alquimista del sonido", prestando voz principal para dejar gran parte del trabajo instrumental a varios invitados: incluidos los ex músicos de Roxy Phil Manzanera y Andy Mackay, además de Robert Fripp y otros. Eno logra combinar múltiples influencias musicales de su "catálogo personal de experiencias" que surte de The Velvet Underground, The Who, algunas ideas embrionarias que luego usaría con David Bowie y elementos de su antigua banda Roxy Music para sonar completamente diferente a ellos y esculpir un surrealistas mundo sonoro futurista de canciones eclécticas y coloridamente innovadoras.

Las composiciones de Brian Eno son extravagantes, triviales y sorprendentemente pegadizas, sus letras son a veces extrañas, excéntricas y de libre asociación, con un humor oscuro. Escucha por ejemplo los cortes "Baby's on Fire" y "Dead Finks Don't Talk". Sin embargo, el interés del álbum reside en gran medida en el procesamiento de sonido tremendamente impredecible de Eno; extrae ruidos y texturas de otro mundo de las guitarras y teclados, super poniéndolos en arreglos complejos o haciéndolos rebotar entre sí en una extraña cacofonía. Este LP anuncia al resto del mundo en qué iba a evolucionar Brian Eno con el paso del tiempo, como lo demuestra la canción con paisajes sonoros ambient "On Some Faraway Beach", un transgresor, experimentador y genio musical.

"Here Come the Warm Jets" ha dejado un legado y ha tenido una influencia en las generaciones posteriores de músicos y artistas. Su espíritu aventurero y su experimentación traspasadora allanaron el camino para el desarrollo de géneros como el post-punk, el new wave y la música electrónica. Las innovadoras técnicas de producción de Brian Eno continúan hoy inspirando a productores e ingenieros, haciendo de este disco una especie de referencia, y ahora un clásico.

 

Disco recomendado

 
"Here Come the Warm Jets" es un trabajo innovador que muestra la creatividad ilimitada y el enfoque visionario de Brian Eno en la creación musical. Muy vanguardista pero accesible, todavía suena emocionante, progresista y densamente detallado, revelando más complejidades con cada escucha. Por lo tanto, para mi un álbum extrañamente fascinante que te hace entender por qué David Bowie quería colaborar con Eno, ya que el sonido de este disco es increíblemente único. Cada tema es una verdadera sorpresa. El excelente trabajo de guitarra de Robert Fripp, Chris Spedding y Phil Manzanera son también un plus y un aliciente más para meterse de lleno en este disco.

Puede ser difícil de digerir en las primeras escuchas, especialmente para el lector más joven, pero tenga paciencia ya que suceden múltiples cosas fascinantes en el fondo que harán de esta una experiencia auditiva innovadora que llamará la atención.

Video del tema "Baby's On Fire":

Tracklist (formato LP original): 

Cara A:

1.         "Needles in the Camel's Eye"            3:11
2.         "The Paw Paw Negro Blowtorch"     3:04
3.         "Baby's on Fire"                                5:19
4.         "Cindy Tells Me"                               3:25
5.         "Driving Me Backwards"                  5:12 

Cara B:

1.         "On Some Faraway Beach"              4:36
2.         "Blank Frank"                                   3:37
3.         "Dead Finks Don't Talk"                   4:19
4.         "Some of Them Are Old"                 5:11
5.         "Here Come the Warm Jets"             4:04

Ficha (músicos):

• Brian Eno – voz, teclados, sintetizador, guitarra serpiente, laringe eléctrica, instrumentación, producción, mezcla.
• Chris "Ace" Spedding - guitarra en las pistas 1 y 2
• Phil Manzanera – guitarra en los temas 1, 2 y 4
• Simon King – percusión en las pistas 1, 3, 5 a 7 y 10
• Bill MacCormick – bajo en las pistas 1 y 7
• Marty Simon – percusión en las pistas 2, 3 y 4
• Busta Jones – bajo en 2, 4, 6 y 8
• Robert Fripp - guitarra en 3, 5 y 7
• Paul Rudolph – guitarra en las pistas 3 y 10, bajo en las pistas 3, 5 y 10
• John Wetton – bajo en las pistas 3 y 5
• Nick Judd – teclados en las pistas 4 y 8
• Andy Mackay – teclados en la pista 6, saxofones y teclados en la pista 9
• Sweetfeed – coros en las pistas 6 y 7
• Nick Kool & the Koolaids - teclados en la pista 7. Este fue un seudónimo inventado por Eno para describir su multipista.
• Paul Thompson – percusión en la pista 8
• Lloyd Watson – guitarra slide en la pista 9
• Chris Thomas – bajo extra en la pista 2, mezcla

HAMMERHEAD - Into The Vortex - Album

Este blog de música recomienda todo tipos de géneros musicales y pensé que sería genial escribir un post para que los fans del noise rock y llamar la atención de los lectores sobre una gran banda del estilo mencionado, "Hammerhead". Este grupo transmite mucha potencia su sonido.

Relativamente desconocido, excepto dentro del circuito underground del hard alternative rock, "Hammerhead" merece más exposición y reconocimiento por ser un excelente grupo musical con un material realmente bueno que los seguidores del rock con más fuerza.

Seguro que lo siguiente te puede interesar.

 

¿Quiénes son la banda "Hammerhead"?

 

Una formación americana de noise rock con sede en Minneapolis activa a principios de la década de 1990 con los miembros Paul Erickson, Jeff Mooridian Jr. y Paul Sanders. La banda lanzó extensamente a través del sello discográfico indie "Amphetamine Reptile Records". Su gran álbum "Duh the Big City" les valió elogios de la crítica, sin embargo, después de su lanzamiento, Paul Sanders abandonó el grupo. Los miembros restantes formaron "Vaz" después de experimentar con otras formaciones.

De sus cuatro discos de estudio me gusta más su segundo "Into the Vortex".

ALBUM: Into the Vortex

El segundo álbum de "Hammerhead" fue publicado en 1994. La banda aplica un mayor grado de delicadeza comparado con su primer disco anterior, "Ethereal Killer". Las voces tienen un papel más importante y el ritmo no es tan implacable, aunque dicho esto, sigue sonando potente.

Bastante duro, pesado, sucio y agresivo, en mi opinión, este disco sigue siendo una de las joyas ocultas del género noise rock que más se pasa por alto. El sonido de "Hammerhead" es pulverizador y propicia comparaciones con otras bandas como “Unwound”, “Unsane”, “The Jesus Lizard” … y con toques de alt-rock para igualar todo. Las actuaciones "Into the Vortex" son indicativas de habilidad técnica, pasión y amor por el oficio; el baterista me resulta particularmente bueno. A pesar de dichas comparaciones, "Hammerhead" se distingue por un sonido crudo y meticulosamente elaborado, capaz de hacer vibrar las habitaciones incluso de sistemas de audio modestas.

La canción "All This Is Yours" ha llegado a definir al trío. Otros temas, como el tema inicial, "Swallow" exploran las raíces de la violencia, mientras que "Zesta" es el nihilismo reducido a su más pura esencia. "Galaxy 66", por otro lado, demuestra que estos tres músicos pueden patear traseros sin ninguna letra.

Aquí hay algunos selecto temas destacados del álbum que te darán una idea rápida:

• "Swallow": abre el álbum y marca el tono con su intensa energía y elementos de noise rock,
  
  
• "The Starline Locomotive": muestra la capacidad de la banda para combinar el noise rock con un sentido narrativo y atmosférico,
  
  
• "Zesta": trabajo con drones multi-guitarra más corto pero impactante,
  
  
• "Double Negative": destaca por su potencia bruta y es parte del núcleo del álbum,
  
  
• "Journey to the Center of Tetnus 4": cierra el álbum, es una pieza más larga que resume la exploración temática y la intensidad sonora de la banda.

Estos cortes contribuyen a la reputación del álbum como uno de los álbumes más intensos y agradables de la escena underground del indie rock.

En resumen, "Into the Vortex" se erige como un trabajo notable en el género del noise rock, ofreciendo una mezcla de agresión, habilidad técnica y profundidad temática que continúa resonando. Su estatus pasado por alto en el panorama musical solo aumenta su atractivo entre los conocedores del género, convirtiéndose en una escucha obligada para los fans que buscan la energía cruda y el espíritu innovador del noise rock de los años 90 (siglo xx).

 

Disco Recomendado

 

Un disco de "noise rock" realmente sucio y apagado con una textura que hace que sea delicioso. Considerándolo todo, esta es una excelente clase magistral de noise rock que se ha pasado desafortunadamente por alto. Es un trabajo significativo dentro del género y que gustará mucho a los amantes de los sonidos de rock más fuertes.

Buscarlo y subir el volumen.

Video del tema "Swallow":

Tracklist:

1.         "Swallow"       4:16
2.         "The Starline Locomotive"     5:30
3.         "Zesta"            2:28
4.         "All This Is Yours"     3:44
5.         "Brest" 4:18
6.         "Double Negative"     3:23
7.         "Empty Angel"           4:43
8.         "Galaxy 66"    4:00
9.         "Journey to the Center of Tetnus 4"  7:11

Hammerhead (Banda):

•  Paul Sanders - guitarra, voz
• Paul Erickson - bajo, voz
• Jeff Mooridian Jr. - batería

THE SEEDS - The Seeds - Album (1966)

Considerada una de las grandes bandas de garage punk de los años 60 (siglo xx). "The Seeds" fusionó el garage con la psicodelia con letras de lucha adolescente para dejar su huella en la historia de la música rock.

 

¿Quiénes eran la banda "The Seeds"?

 
Grupo estadounidense de garage rock psicodélico formado en Los Ángeles, California en 1965, mejor conocido por su exitoso sencillo "Pushin' Too Hard". La formación clásica de la banda incluía al líder Sky Saxon, el guitarrista Jan Savage, el teclista Daryl Hooper y el baterista Rick Andridge. En 1968, la banda cambió su nombre a "Sky Saxon and the Seeds", y Savage y Andridge dejaron la banda. Luego lanzaron un puñado de sencillos adicionales, y Hooper también se fue en algún momento antes de separarse alrededor de 1972.

Más tarde, la banda se reformó con formaciones diferentes, pero básicamente irrelevante.

"The Seeds" han estado entre las influencias pre-punk más citadas por los músicos punk estadounidenses desde la década de 1970; Alex Chilton, Johnny Thunders, The Ramones, Yo La Tengo, Garbage, Murder City Devils, Pere Ubu, The Makers, The Bangles y muchos otros artistas han grabado versiones de varias canciones "The Seeds".

La band también impactó sobre artistas posteriores como "The Doors" o "Cream" para el movimiento psicodélico, a los Stooges, la banda proto punk de "Iggy Pop", e incluso se extendió a lo largo de varias décadas con Punk, Post-Punk, Post-Rock, Dream pop y aún más cercano sobre bandas como "The Whites Stripes".

Mi álbum elegido por "The Seeds" es su debut homónimo. Mola.

 

ALBUM: The Seeds 

 
Es el debut de la banda estadounidense de garage rock "The Seeds". Fue publicado en abril de 1966 y producido por Sky Saxon. Como muchas bandas de garage rock, el estilo vocal del cantante Sky Saxon fue influenciado por la voz del líder de los Rolling Stones, Mick Jagger, pero también ha recibido comparaciones con Buddy Holly y Eddie Cochran. El estilo del álbum se caracteriza por una oleada precipitada de guitarras empapadas de fuzz, riffs de órgano burbujeantes y voces crudas y desgarradoras.

El álbum tiene una duración total de 34:44 y se enmarca en los géneros de garage rock, rock psicodélico, proto-punk y acid rock. La recepción moderna del álbum ha sido positiva, notándose la influencia de la banda en músicos posteriores. El álbum ha sido reeditado varias veces, y algunas reediciones contienen canciones extra. En 2012, se editó una edición de lujo, que incluía el álbum mono remasterizado y diez nuevas canciones extra de material inédito.

El estilo del álbum se caracteriza por guitarras, riffs de órgano y la voz cruda y desgarradora de Sky Saxon. Dominados por dicha voz, los patrones de teclado hipnóticamente repetitivos de Daryl Hooper, la guitarra de Jan Savage y la batería implacable de Rick Andridge, "The Seeds" tenían una bolsa de trucos melódicos disponibles, pero no parecía importarles que aproximadamente la mitad de sus canciones sonaran idénticas. Cantan sobre personas que les habían hecho mal de una forma u otra (generalmente mujeres) y la banda se encierra en ritmos cíclicos que cobran un impulso impresionante cuando generan suficiente tracción: escucha los ejemplos como "Evil Hoodoo", "You Can't Be Trusted" y "Pushin' Too Hard". El disco también muestra la voluntad de la banda de experimentar con diferentes sonidos y temas, desde las influencias orientales de "Girl I Want You" hasta los matices de blues de "It's A Hard Life".

"The Seeds" para mi es más que un simple álbum debut; es un hito en la evolución de la música rock, que cierra la brecha entre el garage rock de principios de la década de 1960 y los movimientos psicodélicos y punk que siguieron. Su energía cruda y su sonido innovador consolidaron su estatus como un clásico de la época. Este LP es una pieza importante de la historia de la música rock de los años 60, y muestra el sonido único de la banda y su influencia en los movimientos musicales posteriores.

 

Disco recomendado

 
Hay pocos álbumes de la época que reflejan tan bien la actitud adolescente inadaptada con la simplicidad de "The Seeds", y es justamente celebrado como un clásico del garage punk de primera ola. Este debut es el mejor lugar para que los melómanos del rock descubran la primera escena psicodélica del garage, además de ser una buena escucha.

Si no estás familiarizado con la banda y este disco, buscarlo. Es vanguardista, duro, rápido, psicodélico, blues y original para la época. Muy recomendado.

Video del tema "Pushin' Too Hard":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Can't Seem to Make You Mine"                 3:05
2.         "No Escape"               2:16
3.         "Lose Your Mind"                 2:11
4.         "Evil Hoodoo"                       5:19
5.         "Girl I Want You"                 2:26
6.         "Pushin' Too Hard"               2:38

Cara B:

7.         "Try to Understand"   2:53
8.         "Nobody Spoil My Fun"        3:54
9.         "It's a Hard Life"        2:40
10.       "You Can't Be Trusted"         2:12
11.       "Excuse, Excuse"       2:21
12.       "Fallin' in Love"         2:49

Personal musical:

•  Sky Saxon: bajo, armónica, voz, productor, concepto, portada, notas
• Rick Andridge - batería
• Cooker – guitarra, guitarra de cuello de botella
• Daryl Hooper – melódica, órgano, piano, teclados, voz
• Jan Savage – guitarra, guitarra rítmica, voz

DARKSIDE - Psychic - Album

Destaco en este blog de música una pequeña joya dentro del género de la música electrónica, el disco "Psychic" de la formación Darkside. Un trabajo que estoy seguro será un hallazgo para aquellos que no lo conocen y son seguidores de "Intelligent Dance Music" (IDM) acompañados por los melómanos con interés en la "fusión" de diferentes estilos.

 

¿Quiénes son "Darkside"?

 
Una formación estadounidense con sede en la ciudad de Nueva York. La banda se formó en Providence, Rhode Island en 2011 por el músico electrónico Nicolás Jaar y el multiinstrumentista Dave Harrington, quienes en ese momento eran estudiantes de la "Universidad de Brown".

Solo dos discos hasta la fecha, su álbum de estudio debut, Psychic" (2013), al que siguió "Spiral", editado en 2021 tras una pausa (pausa a partir de 2014).

 

ALBUM: Psychic

 
El debut del dúo de música electrónica "Darkside", formado por Nicolás Jaar y Dave Harrington. Fue publicado el 4 de octubre de 2013. El álbum ha sido ampliamente elogiado por su atmósfera solemne y otoñal, así como por su fusión de elementos electrónicos y rock. Una obra magistral y deliciosa, con una calidad meticulosa y prolongada que exige la atención del oyente. La música se caracteriza por ser electrónica en un sentido amplio, desafiando los géneros convencionales e invitando a los oyentes a experimentarla a su propio ritmo.

En este álbum, Nicolás Jaar y Dave Harrington logran crear una combinación fascinante de producción espacial idiosincrásica de gran textura y trabajo de guitarra tradicional de blues que se complementan. Con un ambiente siniestro y desolado, se ejecuta "Darkside" desde ritmos de club hasta sonidos de collage, con muchos elementos de guitarra de buen gusto en el camino.

Hay una sensación de oscuridad en este álbum, comenzando con el single "Golden Arrow" de once minutos que envía ondas de perturbación. Los ecos graduales podrían componer un thriller psicológico en el que el personaje principal descubre verdades horribles.

La instrumentación es genial, siguiendo la línea entre los impactantes ritmos microhouse de Jaar y las tendencias de rock experimental del cofundador de Darkside, David Harrington, y las contribuciones vocales ocasionales. "Psychic" es una crónica épica densa en sonido, que forma un trabajo electrónico retorcido y abstracto lleno de líneas de bajo pesadas y secuencias de guitarra brillantes en solo ocho canciones.

Video del tema "Golden Arrow":

Durante sus 45 minutos de duración, "Psychic" te hechiza con constantes giros mientras mantiene la cohesión y muestra ritmos memorables. La producción cinética meticulosamente elaborada sobrecarga tus sentidos, mientras atraviesas los ritmos pulsantes psicodélicos y downtempo que se muestran. E incluso muchos años después de su lanzamiento el sonido de este disco mantiene su brillo. Una pequeña masterclass de música electrónica. La producción es meticulosa, centrándose en el ritmo y la textura. Incorpora una amplia gama de sonidos, desde panderetas panorámicas y patadas de palo hasta palmas arremolinadas y paisajes sonoros dub. Esta diversidad sonora está anclada en un estado de ánimo constante, solemne y otoñal, lo que lo hace ideal para una escucha introspectiva.

Dicho esto, lo admito, el disco es "lento" y requerirá un poco de paciencia con las primeras escuchas, pero el efecto general es un álbum brillante y único, en última instancia, se siente como un esfuerzo unificado entre dos artistas en la cima.

Aquí hay tres canciones destacados para degustar:

•  Golden Arrow: esta canción inicial de 11 minutos marca el tono de todo el álbum y muestra la capacidad de DARKSIDE para combinar elementos electrónicos y orgánicos a la perfección,
  
  
• Freak, Go Home: destaca por sus ritmos creativos y su variada instrumentación, demostrando el dominio de DARKSIDE en su oficio. Por cierto si escuchas bien, hay una melodia (conciente o no) de "Strangelove" de Depeche Mode,
  
  
• Metatron: presenta elementos creativos y contribuye a la experiencia general innovadora e inmersiva del álbum.

Estos temas, junto con los otros del álbum, han sido aclamados por su producción, texturas distintivas, excelente instrumentación y estructura ajustada, lo que hace de "Psychic" una experiencia para escuchar música electrónica.

En resumen, "Psychic" es experimental y con visión de futuro, combinando tecnología musical moderna con instrumentos y estilos de interpretación tradicionales. La fusión de elementos electro y rock ha sido elogiada como un puente hacia el posible futuro de la electrónica (cosa que se verá).

 

Disco recomendado

 
Este es un álbum fluido y oscuro de música nocturna, excelente para pensar, música introspectiva. Si te gusta la música electrónica, especialmente la categoría "IDM", disfrutarás de esta joya.

Video del tema "Freak , Go Home":

Tracklist:

1.         "Golden Arrow"         11:21
2.         "Sitra" 1:23
3.         "Heart"            4:58
4.         "Paper Trails"  4:50
5.         "The Only Shrine I've Seen"  7:56
6.         "Freak, Go Home"      6:37
7.         "Greek Light" 2:55
8.         "Metatron"      5:08

THE MYSTIC TIDE - Frustration - Album (2024)

Están al lado de bandas que intentaron emular los sonidos convencionales y no pudieron evitar terminar en lugares mucho más interesantes. Los americanos "The Mystic Tide" fue una de las muchas bandas de garaje de Nueva York que grabaron sólo unos pocos sencillos a mediados de la década de 1960 que tuvieron poco impacto comercial pero con el tiempo fueron reconocidos como innovadoras que captaron posteriormente la atención y el seguimiento de los entusiastas de la música rock.

Se ha editado una recopilación, titulada "Frustration" (nombre de uno de sus sencillos) que incluye sus joyas grabadas, y que deseo recomendar.

 

¿Quiénes eran la banda "The Mystic Tide"?

 
Eran una banda de rock estadounidense a la que se le atribuye la creación de algunos de los primeros himnos psicodélicos. A pesar de su falta de éxito comercial, ahora gozan de gran prestigio entre los seguidores del garage rock y son reconocidos por su enfoque musical innovador.

El grupo se formó en Long Island y lanzó un total de cuatro sencillos entre 1965 y 1967, todos escritos por el guitarrista de la banda, Joe Docko. La banda se disolvió en 1967 después de poco éxito comercial. En 1994, Docko grabó material nuevo y, junto con tres demos, los cinco sencillos originales de la banda y sus caras B, se publicarían en formato CD.

 

ALBUM: Frustration

 
Un fascinante recopilación de canciones de los pioneros del garage rock y la psicodelia, "The Mystic Tide", publicado el 16 de febrero de 2024. El sonido colectivo es una mezcla de Merseybeat elemental, surf rock y un salto sonoro, que muestra la exploración de la banda de varios subgéneros del rock.

Dirigida por el cantante, guitarrista y compositor Joe Docko, la banda personificó la oscura experiencia del garage rock juvenil de finales de los años 60 (siglo xx), creando versiones locales más crudas y extrañas de sonidos popularizados por otros artistas más importantes en el momento.

"Frustration" recopila versiones remasterizadas de las 11 canciones de la banda. El tema rockero que cuatro acordes como el tema principal o el lejano "Stay Away" están claramente influenciados por bandas más importantes de la época como "Seeds", "The Animals" o "Count Five", mientras el número "I Wouldn't Care" está más suave, siendo un jangle melancólico.

Las incursiones de "The Mystic Tide" en la psicodelia son marcadamente diferentes a su material más accesible. "Running Through the Night" es incómodo con armonías vocales ligeramente desafinadas, y el blues minimalista de "Mystery Ship" gira en torno a un solo de guitarra fuzz al estilo de Hendrix. Momentos como este y los titulados "Psychedelic Journey, Pt. 1" y "Pt. 2" son ruidosos y bruscos con un toque de "Velvet Underground" o muy temprano "Pink Floyd". La banda nunca aterrizó en un enfoque consistente; su singularidad uniforme en cualquier estilo que elijan los coloca en la rara clase de formaciones de garage rock de los años 60 menos conocidos que fascinan tanto como entretienen.

Disco recomendado

 
Una mezcla de rock clásico de los 60 con elementos más oscuros y atmosféricos, que atraerá a los fans de los sonidos retro con un toque moderno. Una colección de temas energéticos, crudos y poderosos, característicos de bandas que traspasan los límites de la intensidad y profundidad emocional de la música rock. 

En general, una gran colección remasterizada de una banda de garage poco conocida que llevó su psicodelia casera más allá que la mayoría. Muy recomendable.

Video del tema "Frustration":

Tracklist:

1.Frustration
2.Why
3.Running Through the Night
4.Mystery Ship
5.Stay Away
6.I Wouldn’t Care
8.Psychedelic Journey (Part 2)
9.Mystic Eyes
10.I Search for New Love
11.You Won’t Look Back

GRANDADDY - Blue Wav - Album

Después de seis años aparece un disco nuevo de "Grandaddy" (alias Jason Lytle). Un trabajo diferente, tranquilo y muy "americana". Se titula "Blue Wav" y me gusta lo que he escuchado, aparte de ser fan siempre hay un sitio en este blog de música para Jason Lytle y su música.

 

ALBUM: Blu Wav

 
El sexto disco de estudio de la banda estadounidense de indie rock "Grandaddy". Publicado el 16 de febrero de 2024, marca el primer álbum en casi seis años desde "Last Place", así como el primero desde la muerte del bajista Kevin García.

El título del álbum "Blu Wav" es un acrónimo de "bluegrass" y "new wave", un resumen correcto de lo que se trata este LP. Aporta la composición emocional y seria del "country" y proporciona sintetizadores y una paleta cinematográfica. El cantautor Jason Lytle ha confesado que "OK Computer" de Radiohead es una inspiración, sin embargo "Grandaddy" transmite una influencia más fuerte de "The Beach Boys" y del género musical country.

Las canciones de Jason Lytle son hogareñas y conmovedoras como siempre. Mucho más suave esta vez pero no menos potente. Su voz es soñadora y amable como de costumbre, sin dejar de ejercer una delicada emotividad. Sus arreglos utilizan todos sus puntos fuertes con un énfasis añadido en la suavidad, el barrido y la adición de lo que Lytle denomina "una cantidad excesiva de guitar steel pedal". Como siempre, los temas tratan sobre la pérdida y la soledad: la canción "Cabin In My Mind" es una reflexión desolada sobre la inalcanzabilidad de los sueños; y el narrador de "On a Train or Bus" está atormentado por los recuerdos de un amor perdido para siempre. En la canción "Watercooler", Lytle deambula por los pasillos de una oficina como un fantasma, escuchando a escondidas las lágrimas derramadas en el baño. Este disco es una alegría seductora, y perderse en la felicidad-tristeza de Jason Lytle es un placer adictivo en sí mismo.

Aquí hay algunas canciones destacadas para mi gusto:

• "Blu Wav": pieza corta que marca el tono del álbum, combinando influencias de bluegrass y new wave para crear una pieza melódica y emocionalmente resonante,
  
  
• "Cabin in My Mind": fluye con un impulso elegante y un núcleo emocional pensativo, mostrando la capacidad de la banda para evocar una sensación de belleza solitaria,
  
  
• "Long as I'm Not the One": destacada por su capacidad de conmover al oyente, esta canción presenta una delicada emotividad y un arreglo relajante,
  
  
• "Watercooler": el primer sencillo del álbum, ejemplifica la fusión de influencias de bluegrass y new wave, ofreciendo un ejemplo de la propuesta única del álbum,
  
  
• "Ducky, Boris and Dart": destaca por su alegre melodía y su capacidad para capturar los sonidos melancólicos del álbum sin dejar de mantener un sentido de esperanza.

En resumen, estos temas muestran la combinación única de estilos musicales del álbum y su profundidad emocional.

 

Disco recomendado

"Blu Wav" es suave, soñador y mantiene sin esfuerzo su atmósfera de belleza solitaria. Tiene un impulso melifluo y elegante y un núcleo emocional agradable y pensativo. Esta vez no hay canciones de rock saltarines que rompan las cosas. Creo que incluir uno o dos de ellos habría comprometido la visión de Jason Lytle para el disco. Lo que obtienes es una música "americana" cósmica, sostenida y a la deriva.

Puede que no sea para todos, su ritmo lento puede incluso disgustar a los fans de "Grandaddy", pero hay elementos de Beach Boys, Spiritualize, Mercury Rev y Flaming Lips que abrirán el abanico.

Como fan de "Grandaddy", mi álbum favorito de todos los tiempos es "The Sophtware Slump", pero me gusta este disco y se lo recomiendo. Es pesado, solitario y también hermoso.

Video del tema ""Cabin in My Mind":

Tracklist:

1."Blu Wav" – 1:05
2."Cabin in My Mind" – 3:30
3."Long as I'm Not the One" – 4:35
4."You're Going to Be Fine and I'm Going to Hell" – 4:45
5."Watercooler" – 4:26
6."Let's Put this Pinto on the Moon" – 1:26
7."On a Train or Bus" – 3:37
8."Jukebox App" – 4:37
9."Yeehaw AI in the Year 2025" – 1:29
10."Ducky, Boris and Dart" – 3:32
11."East Yosemite" – 4:23
12."Nothin' to Lose" – 4:55
13."Blu Wav Buh Bye" – 1:42

Grandaddy:

• Jason Lytle: voz, instrumentación, producción y mix.

Músico adicional:

Max Hart - guitarra de pedal steel