Los mejores discos de 2023: Top 30

Otro año, otra lista más de los "Mejores Álbumes de 2023". Correcto. Sin embargo, es cierto que he estado haciendo este ejercicio durante mucho tiempo y pienso que los lectores sacarán algo de valor si publico mi Top 30.

Como siempre, no ha sido un asunto sencillo, hay mucho para elegir y muchos lanzamientos han sido buenos. Estoy seguro, como siempre, que dejaré de lado muchos álbumes geniales que consideres dignos de mención. Sólo puedo elegir 30 discos, me auto impongo una disciplina a elegir.

Dicho esto, ha sido un año "regular" respecto al año pasado en calidad y verdaderas sorpresas. En este sentido, voy en contra de la corriente de otros que han publicado su listas. Siento que 2023 fue un año relativamente "débil" en lo que respecta a la grabación de música y la oferta en su totalidad. No obstante, ha habido algunos lanzamientos realmente estrella.

Quedé absolutamente impresionado con "Blur" (The Ballad of Darren), quizás el regreso del año, un disco magnífico. "Everything But The Girl" (Fuse), como siempre música dance y electrónica de primerísima calidad, con "Romy" (Mid Air) y "Overmono" (Good Lies) auténticas sorpresas en el mismo género. Los veteranos del Shoegaze, "Slowdive" (Everything Is Alive) también sorprendieron con un fabuloso regreso que suena tan bien como siempre.

Los veteranos australianos "The Church" (The Hypnogogue) nos regaló un disco "killer". Sin dos de los estándares clásicos, Marty Willson-Piper y Peter Koppes, el líder y cantante Steve Kilbey y el equipo han hecho un trabajo brillante al reproducir el clásico sonido jangle.

También hubo grandes sorpresas, "bar italia" (Tracey Denim), el coreano "Parannoul" (After the Magic), el grupo de jazz experimental "Natural Information Society" (Since Time is Gravity), Kelela (Raven), el alt country de "Zach Bryan" (Zach Bryan) y "Mitski" (The Land is Inhospitable And So Are We),... solo por mencionar algunos.

Continuo, también aparecen los campeones habituales que siempre aparecen en las listas de "Lo mejor de...", como "Yo La Tengo" (This Stupid World), la potencia de la música urbana "Armand Hammer" (We Buy Diabetic Test Strips) y el grupo electrónico francés "The Blaze" (Jungle).

Por último, mi único disco español del 2023 que consigue una mención en mi lista Top 30 es "Neuman" con su disco "Waterhole", hermoso como es habitual.

A continuacion te dejo un vídeo que destaca las portadas de mis Top 30 Mejores Álbumes de 2023. No hay un orden n particular en mi lista. Esa difícil tarea te la dejo a ti para ordenar. Abajo del video esta la lista entera con los "time capsule".

Los mejores discos del 2023: TOP 30 

00.12 - Blur - The Ballad of Darren
00:20 - The Blaze - Jungle
00:28 - Young Fathers - Heavy Heavy
00:36 - Daughter - Stereo Mind Game
00:43 - Slowdive - Everything Is Alive
00:51 - Everything But The Girl - Fuse
00:59 - Yo La Tengo - This Stupid World
01:05 - Armand Hammer - We Buy Diabetic Test Strips
01:12 - Wednesday - Raw Saw God
01:19 - The Murder Capital - Gigi's Recovery
01:26 - Squid - O Monolith
01:34 - The Church - The Hypnogogue
01:42 - Billy Woods and Kenny Segal - Maps
01:50 - Overmono - Good Lies
01:57 - Sprain - The Lamb as Effigy
02:04 - The Clientele - I Am Not There Anymore
02:12 - George Clanton - Ooh Rap I Ya
02:18 - Parannoul - After The Magic
02:26 - Mitski - The Land Is Inhospitable and So Are We
02:32 - Romy - Mid Air
02:38 - Zach Bryan - Zach Bryan
02:46 - Kelela - Raven
02:52 - The National - First Two Pages of Frankenstein
02:58 - New Age Doom & Tuvaband - There Is No End
03:04 - Hotline TNT - Cartwheel
03:12 - bar italia - Tracey Denim
03:17 - Neuman - Waterhole (Spain)
03:24 - Natural Information Society - Since Time is Gravity
03:31 - Truth Club - Running From The Chase
03:37 - Palehound - Eye On The Bat

RYAN ADAMS - Ryan Adams - Album

Uno de mis músicos favoritos es el estadounidense Ryan Adams. Salvo todas las controversias personales y los supuestos malos comportamientos, en dimensiones artísticas, el hombre es uno de los más brillantes de su generación. Es una auténtica "fábrica" de producción de discos (24 hasta la fecha) y Ryan Adams tiene algunos álbumes excepcionales que ofrecer, como su debut "Heartbreaker", "Gold", "Rock N Roll", "Ashes and Fire", "Cold Roses". (con "The Cardinals") y mi favorito de toda su discografía el disco "Love is Hell".

Quiero resaltar en esta publicación uno de sus álbumes que tiene un toque de rock y que también se incluye en la lista anterior de excelentes discos de Ryan Adams, su lanzamiento homónimo de 2014.

ALBUM: Ryan Adams

 
Este es el decimocuarto álbum de estudio del cantautor estadounidense Ryan Adams, lanzado el 9 de septiembre de 2014. El LP presenta una estética atmosférica basada en el rock. Este también es un disco de producción propia de Adams y su compañero de grabación Mike Viola. Solo una nota anecdótica, el actor Johnny Depp aparece con la guitarra en "Kim" y la guitarra y la voz en "Feels Like Fire".

Los críticos elogiaron el álbum por ofrecer algo diferente y por el escrutinio de Adams sobre cada canción, a pesar del tema algo pesimista que es característico de su estilo. El álbum también fue reconocido por hacer un guiño a los estilos de artistas como Springsteen, Byran Adams y Fleetwood Mac, es decir, su "Adult Rock Orientation".

Según Ryan Adams, comenzó a trabajar en composiciones que sentía que reflejaban su verdadera personalidad, afirmando:

"Soy demasiado mayor para fingir que me importa una mierda hacer algo que no es lo que soy".

Adams se inspiró en los músicos de rock y punk que admiraba mientras crecía; por ejemplo The Wipers, Hüsker Dü y The Replacements, lo que explica también el "toque rock-punk" que se le da a este LP.

Sorprendentemente, para mí, al menos, este álbum está lleno de canciones que tienen una cualidad familiar. Después de muchas escuchas, es difícil encontrar fallos reales en este disco. Cada canción está bien elaborada y ninguna nota parece estar fuera de lugar. Cada número, como se mencionó, resulta inmediatamente familiar casi al escucharlo por primera vez, lo cual es notable. También es una evolución en la composición de Ryan y un impulso más fuerte hacía más "Heartland Rock". Destaca un fuerte desarrollo en la destreza de la guitarra de Ryan Adams, con algunas de las mejores interpretaciones y melodías más intrincadas que jamás haya grabado. Para mí, posiblemente el trabajo más impresionante que jamás haya realizado con una guitarra. Dicho esto, no te dejará boquiabierto (estilo Van Halen), pero muestra un gran crecimiento y agrega una agradable capa de clase a todo el álbum.

La colección de canciones es muy sólida, pero aquí hay algunas pistas destacadas: "Gimme Something Good", "Kim", "Trouble", "Stay With Me", "Tired of Giving Up"...etc.

Disco recomendado

 
Ryan Adams logra ofrecer un buen álbum de rock maduro. Podría decirse que Ryan Adams está en su apogeo como solista, salvo por su trabajo" con The Cardinals en "Cold Roses". En este LP Adams también demuestra ser un maestro de melodías memorables con algunas letras hermosas, lo que hace que este disco sea una verdadera joya.

Si no estás familiarizado con el artista o este disco, búscalo. Es una buena incorporación a la discografía de Adams que muestra sus habilidades musicales y su estilo único.

Video del tema "Trouble":

Tracklist: 

1.         "Gimme Something Good"    3:55
2.         "Kim"  3:26
3.         "Trouble"        3:47
4.         "Am I Safe"    4:32
5.         "My Wrecking Ball"   3:08
6.         "Stay with Me"           3:06
7.         "Shadows"      5:22
8.         "Feels Like Fire"         4:25
9.         "I Just Might" 3:29
10.       "Tired of Giving Up" 3:40
11.       "Let Go"         3:4

Músicos:

• Ryan Adams - todas las voces, guitarras
• Jeremy Stacey - batería
• Benmont Tench – órgano y piano
• Mike Viola – todo tipo de "sonidos"
• Tal Wilkenfeld – bajo
• Marshall Vore - batería, percusión (8)

Músicos adicionales:

• Johnny Depp - guitarra en "Kim", guitarra y voz en "Feels Like Fire"(2, 8)
• Mandy Moore - voz en "Trouble" y "Am I Safe" (3, 4)

Personal de grabación:

•  Ryan Adams - productor
• Mike Viola - coproductor (1, 3, 4, 6, 8, 10)

GRANT LEE BUFFALO - Fuzzy - Album

Quiero llamar la atención sobre un gran "álbum perdido". La banda es "Grant Lee Buffalo" y el disco en cuestión es su debut titulado "Fuzzy". Un hermoso debut que pinta paisajes con melodías de folk rock americano.

 

¿Quiénes eran la banda "Grant Lee Buffalo"?

 
Formación de rock estadounidense con sede en Los Ángeles, California, formada por Grant-Lee Phillips (voz y guitarra), Paul Kimble (bajo) y Joey Peters (batería). Los tres fueron anteriormente miembros de otra banda de Los Ángeles, "Shiva Burlesque".

La banda estuvo activa principalmente durante los años 1991-1999.

 

ALBUM: Fuzzy

 
El álbum de estudio debut de la banda de rock estadounidense "Grant Lee Buffalo", publicado el 23 de febrero de 1993. Un disco que encaja dentro de los géneros Alt-Country, Americana y Folk Rock.

Como anécdota, Michael Stipe de R.E.M. elogió a Fuzzy como "el mejor álbum del año". Noel Gallagher, de la banda de rock inglesa "Oasis", reveló en 2022 que la canción principal fue una influencia en el éxito de 1995 de la banda, "Some Might Say".

Cuando "Grant Lee Buffalo" grabó este disco, tenían ventaja sobre la mayoría de las bandas que hacían su primera incursión al estudio; el vocalista y guitarrista Grant Lee Phillips, el bajista Paul Kimble y el baterista Joey Peters ya habían grabado dos LP juntos como miembros de la entonces recientemente desaparecida formación "Shiva Burlesque" (SB), y la mayoría de las 11 canciones de "Fuzzy" se remontaban a los últimos días de SB.

Esto explica por qué transmite tanta confianza este LP; además de que Phillips tiene una voz maravillosa, escribe algunas canciones finas y evocadoras y trabajaba con excelentes acompañantes que tenían una buena idea de cómo aprovechar las misteriosas estructuras melódicas de su música.

En retrospectiva, "Fuzzy" bien puede ser el álbum más satisfactorio de "Grant Lee Buffalo"; si bien el grupo ampliaría su fórmula musical en sus siguientes tres álbumes, la relativa simplicidad y la sorprendente dinámica de este álbum, en última instancia, sirven mejor a estas canciones que las grabaciones más elaboradas que seguirían, y canciones como "Soft Wolf Tread", "Dixie Drug Store" y el corte del título, "Fuzzy", fusiona la imaginería estadounidense con el entonces floreciente movimiento alt country.

Las primeras cinco canciones son excepcionales y vale la pena conseguir el disco sólo por ellas. Es un trabajo crudo y al mismo tiempo tiene algunas canciones realmente hermosas. La voz de Phillips es algo digno de contemplar. Canciones que destaco para escuchar son los ya mencionados "Fuzzy", "Dixie Drug Store" y "Jupiter & Teardrops" y "The Hook".

En general, "Fuzzy" es profunda y misteriosa, pero también hermosa y está elaborada con imaginación y cuidado, y no es de extrañar que "Grant Lee Buffalo" se ganara a los críticos poco después de su lanzamiento. Es un clásico de principios de los noventa que a menudo se pasa por alto. Dicho de otra manera, creo que este es un gran álbum "perdido".

 

Disco recomendado

 
Como disco "subestimado", "Fuzzy" merece nuestra (su) atención. Búscalo en los canales digitales habituales y escúchalo paciente y atentamente. Estoy seguro de que quedarás cautivado y será una escucha habitual.

Video del tema "Fuzzy":

Tracklist:

1.         "The Shining Hour"    3:53
2.         "Jupiter and Teardrop"           5:57
3.         "Fuzzy"           4:59
4.         "Wish You Well"        3:30
5.         "The Hook"     4:13
6.         "Soft Wolf Tread"      2:52
7.         "Stars 'n' Stripes"        4:43
8.         "Dixie Drug Store"     5:07
9.         "America Snoring"     3:39
10.       "Grace"           6:15
11.       "You Just Have to Be Crazy"            3:35

Musicos:

• Grant Lee Phillips – guitarras eléctricas y acústicas, voz
• Paul Kimble – bajo, voz, piano, teclados
• Joe Peters - batería, percusión

JAMES HOLDEN (& The Animal Spirits) - The Animal Spirits - Album

Un post dirigido más bien al melómano de la música electrónica que busca algo diferente, cerebral, tribal y único. Quiero llamar tu atención sobre un disco de James Holden (y su colectivo "The Animal Spirits") titulado "The Animal Spirits". 

Una aventura musical que no sólo demuestra la madurez del artista sino un valiente intento de traspasar los límites del género musical elegido: la música electrónica.

 

¿Quién es el artista musical James Holden?

James Alexander Goodale Holden es un artista y DJ de música electrónica británico.

ALBUM:The Animal Spirits

 
James Holden tiene talento para hacer música electrónica con un toque místico, y "The Animal Spirits" es quizás su mejor trabajo hasta el momento. Un álbum de estudio publicado en 2017 presenta al músico interpretando influencias de jazz con una banda en vivo, en un descanso de su trabajo habitual de estudio. El "shaman" de la música electrónica James Holden te envía a un viaje exuberante a través de bosques y estrellas. Holden toma el espíritu inmersivo que induce al trance de la música dance programada y lo fusiona con la sensación de conexión que la música de improvisación en directo puede brindar. Es un placer escuchar la forma en que combina Free Jazz, Electrónica Progresiva, Folk, Ambient Techno y House, Afrobeat, Minimalismo, Krautrock, Psicodelia y Post Rock para crear algo cohesivo, fresco y cautivador.

En este tercer álbum de larga duración, James Holden se libera de las restricciones de la "música por PC" y abraza el espíritu de la interpretación humana. El resultado es el sonido caleidoscópico de Holden evolucionando como músico, que se ha ganado a fondo a través de años de traspasar los límites. Los ritmos de este LP son circulares y ceremoniales, no están arraigados en ninguna tradición musical específica, sino que toman prestado de muchas, y están inspirados en la colaboración de Holden con el legendario músico Gnawa Maleem Mahmoud Ghania. La batería y la percusión sustentan el proceso mientras el secuenciador muscular y los arpegios del saxofón se entrelazan hipnóticamente. Los sonidos de la grabadora y del sintetizador modular se arremolinan en el aire.

La canción de apertura "Incantation for Inanimate Object" comienza de manera ritual, lentamente antes de conducir a la cascada de tambores que se encuentra en "Spinning Dance", que marca el ritmo para el resto del disco. De vez en cuando, el álbum sigue una estructura más rígida, como en "Each Moment Like the First".

Las semillas que Holden planta para cada pista contienen suficiente vitalidad creativa para crecer en formas únicas. Por ejemplo, canciones destacadas como "Thunder Moon Gathering" y "The Neverending", donde las ideas centrales actúan como fuerza impulsora, mientras que los elementos improvisados bailan y se entretejen, controlando a su vez la dinámica con reflujos y flujos según sea necesario.

En resumen, "The Animal Spirits" suena orgánico, provocado por la espontaneidad de las actuaciones. Una maravillosa colección de temas etiquetados como "folk-trance" grabados con un talentoso conjunto de improvisación, "The Animal Spirits".

 

Disco recomendado

Quizás no es para todos, definitivamente es un disco para melómanos que desean algo más; creatividad, innovación, valentía y emoción humana. Recomendado para fans de la música electrónica y bandas como "The Comet is Coming", Natural Information Society etc.

Buscarlo, te puede sorprender.

Video del tema "Each Moment Like the First":

Tracklist:

1."Incantation for Inanimate Object" – 1:42
2."Spinning Dance" (Liza Bec and Holden) – 5:30
3."Pass Through the Fire" – 6:26
4."Each Moment Like the First" – 4:57
5."5 The Beginning & End of the World" – 6:40
6."Thunder Moon Gathering" (Marcus Hamblett and Holden) – 7:28
7."The Animal Spirits" – 5:38
8."The Neverending" – 4:30
9."Go Gladly into the Earth" (Etienne Jaumet) – 5:52

CAKE LIKE - Delicious - Album

Un post que ofrece a los melómanos y seguidores el noise rock algo diferente. Una "girl band" americana que rompió moldes, intentó las cosas de manera diferente y grabó algunos buenos discos. Poco conocida fuera de los circuitos del rock alternativo, "Cake Like" es una banda que atraerá a los más jóvenes del indie rock de hoy, especialmente su primer LP "Delicious". La banda, formada por Kerri Kenney, Nina Hellman y Jody Seifert, tenía un enfoque único en su música, ya que ninguna de las tres mujeres sabían tocar un instrumento cuando fundaron el grupo. Esto dio como resultado un sonido crudo y sin pulir que es a la vez distintivo y atractivo.

 

¿Quién era la banda "Cake Like"?

 

Una formación de indie rock exclusivamente femenina con sede en la ciudad de Nueva York. Sus miembros eran la bajista y cantante Kerri Kenney, la baterista Jody Seifert y la vocalista y guitarrista Nina Hellman. La banda se formó en 1993 cuando Kenney y Hellman se conocieron en el "Experimental Theatre Wing" de la Universidad de Nueva York, decidieron formar una banda y se les unió la compañera de habitación de Hellman, Jody Seifert. Los miembros nunca antes habían tocado música y por eso desarrollaron su propio estilo único. Sus canciones a menudo suenan como poesía con un rock de guitarra errático.

La banda se disolvió en 1999 cuando Kenney se mudó a Los Ángeles. La discografía de la banda son tres álbumes; Delicioso (1994), Bruiser Queen (1997) y Goodbye, So What? (1999).

Personalmente disfruto más con el debut "Delicious". Tiene un sonido más orgánico y primitivo.

 

ALBUM: Delicious

 
Uno de los álbumes únicos y llamativos que surgieron de la escena del indie rock de mediados de los 90. Este primer disco fue publicado el 11 de octubre de 1994. El álbum consta de 11 canciones. Los cortes se caracterizan por sus letras ingeniosas, inteligentes y, a veces, enojadas, que a menudo se describen como poesía ambientada en un rock de guitarra errático. Las voces han sido comparadas con una mezcla de Siouxsie Sioux, Kate Bush y PJ Harvey.

La propuesta de "noise rock" de la banda da pistas de posibles influencias en su sonido; un poco de Bleach de Nirvana, una dosis de Babes in Toyland, tal vez algunos elementos de In the Graveyard de Dead Moon, pero en última instancia, es un sonido suyo. La producción del álbum, dirigida por Eli Janney (Melissa Auf der Maur, Ryan Adams, The Nation of Ulysses...etc), es elogiada por su enfoque vocal y directo, que hace que el álbum sea inmediatamente accesible para aquellos que buscan un pop agresivo e independiente.

En general una oferta de mitos líricos excéntricos con partes iguales de humor, intriga y arrebato emocional, todos bien combinados con extrañas ideas musicales que conducen a curiosas desviaciones de las estructuras de composición comunes, particularmente los cortes impredecibles de "Lovely Ladies", "Abraham Lincoln" y " Sweet 15" como ejemplos directos. "Delicious" es en su totalidad inquietante, ruidoso, impredecible y, lo más importante de todo, divertido. Cake Like demuestra en este LP debut que cuando tiras por la ventana las restricciones de la composición convencional, puedes crear algo mucho más interesante que la mayoría de tus contemporáneos.

En resumen, la banda trabaja con el típico indie rock, las guitarras pasan de sonidos inclinados a vibrantes y crujientes. Uno de los mayores activos de Cake Like es su capacidad para alcanzar este sonido de manera efectiva sin dejar de sonar "Do It Yourself".

 

Disco recomendado

 
"Delicious" de Cake Like es un álbum distinto y memorable de la escena del indie rock de mediados de los 90. Su sonido crudo y sin pulir, combinado con sus letras inteligentes y poéticas, lo convierten en una experiencia auditiva única. No me extenderé demasiado para decir que este es un disco que "cambia las reglas del juego", sin embargo diré que es divertido y tiene algunos momentos magníficos dentro del indie-noise rock (y si, recuerda a "Sonic Youth").

Estoy seguro de que los fans del indie rock disfrutarán de este disco.

Video del tema "Billy Boy":

Tracklist:

1. Billy Boy 1:55
2. Bum Leg 1:37
3. Sweet 15 1:55
4. Fruitcake 2:41
5. Suck 3:29
6. Homewrecker 3:56
7. Fall Down 2:12
8. Lovely Ladies 1:37
9. Abraham Lincoln 3:05
10.Jane 2:03
11.Spaceguy 4:42

KEITH HUDSON - Pick a Dub - Album

Este post hará las delicias de los fans del reggae, especialmente de los amantes del dub. Llamó tu atención sobre un clásico perdido de la leyenda del dub Keith Hudson y su disco "Pick a Dub".

 

¿Quién era Keith Hudson?

 
Uno de los cantantes y productores más innovadores que surgieron de la escena del reggae, también conocido como "El Príncipe Oscuro del Reggae", Keith Hudson nació en una familia de músicos en Kingston, Jamaica.

Su educación musical comenzó cuando Hudson trabajó como una especie de roadie (pipa) para el rey del trombón "Don Drummond". A los 21 años, Hudson invirtió sus ganancias en su propio sello discográfico, "Inbidimts", y tuvo un éxito con la grabación de Ken Boothe de "Old Fashioned Way". No mucho después de este éxito, Hudson estaba produciendo algunos de los nombres más importantes del reggae; John Holt, Delroy Wilson, Alton Ellis y los grandes U-Roy y Dennis Alcapone, todos los cuales se beneficiaron de lo que sería el estilo de producción característico de Keith Hudson: "riddims" centrados en el ritmo, dominados por el bombo y bajo.

A mediados de los años 70 (Siglo xx), Hudson lanzó más trabajos en solitario. En 1976, Hudson se mudó a la ciudad de Nueva York y trabajó sin parar, produciendo y grabando discos en solitario hasta 1982.

Murió de cáncer de pulmón en 1984, a los 38 años, despojando al reggae de uno de sus productores e intérpretes más grandes, más aventureros y también desconocidos.

Su mejor disco, en mi opinión, es "Pick a Dub".

 

ALBUM: Pick a Dub

 
Este es un disco de 1974 del productor y músico jamaicano Keith Hudson. Fue bien recibido por la crítica y ahora es ampliamente considerado como un trabajo importante en el género musical dub que evolucionó a partir del reggae. Con remezclas de material anterior, se centra en la batería pesada y el bajo, con voces resonantes. Los invitados Carlton y Aston Barrett (de Bob Marley & The Wailers, en batería y bajo) y Augustus Pablo contribuyeron con la música, mientras que los fragmentos vocales incluyen a Hudson, Horace Andy y Big Youth.

Muchos consideran "Pick a Dub" como "el mejor álbum de dub de todos los tiempos", dejando de lado las grabaciones de Lee Perry y King Tubby. Sin entrar en debate, "Pick a Dub" es sensacional, el mayor logro de la carrera de Keith Hudson. De hecho, llegando tan temprano como lo hizo en el desarrollo del dub, este es un trabajo fundamental, un hito en la remezcla progresiva a la par de los primeros trabajos de King Tubby, Augustus Pablo y Rupie Edwards.

Como se mencionó, "Pick a Dub" consiste en remezclas, específicamente dubs "riddims" instrumentales, de material anterior. Lo que hace que este disco sea tan bueno es la intensidad del bajo y la batería, así como la producción desnuda. No hay muchos efectos de sonido "de filigranas" ni trucos de estudio, solo una seductora losa pesada de percusión que te hará vibrar.

Quizás ningún otro álbum ilustra mejor el "primer mandamiento del dub", que dice: menos es más. Lo que significa: riddims con mucho bajo, hasta el hueso, ricos en su sobriedad e hipnotizantes en su simplicidad; empapado en una atmósfera de humo profundo, oscuro y aterrador.

En resumen, "Pick a Dub" fue una oscuridad criminalmente olvidada, que fue rescatada por la gente del sello "Blood and Fire", quienes lo reeditaron en 1994. Esta reaparición, que cuenta con algo de material nuevo, recuperó esta obra maestra situandolo en el centro de atención del reggae y el world music. Para mí, las austeras cualidades sonoras del álbum son inspiradoras, los magníficos ritmos reciben plena rienda, sin efectos adicionales ni trucos de estudio. El efecto general es fascinante.

Disco recomendado

Si eres fan del reggae, disfrutas del dub y no estás familiarizado con este disco, buscarlo y escúchalo relajadamente. Necesitarás un par de altavoces adecuados para beneficiar realmente del bajo de las canciones. ¡Disfrutar!

Video del tema "Dreaded Than":

Tracklist (LP original):

1."Pick a Dub" – 2:38
2."Black Heart" – 2:40
3."Michael Talbot Affair" – 2:54
4."Don't Move" – 2:43
5."Blood Brother" – 2:54
6."Dreaded Than" – 2:02
7."In the Rain" – 3:13
8."Part 1-2 Dubwise" – 3:17
9."Black Right" – 3:11
10."Satia" – 3:06
11."I'm All Right" – 3:02
12."Depth Charge" – 2:43

Ficha:

• Keith Hudson - arreglos, batería, productor
• Aston Barrett – bajo
• Carlton Barrett - batería
• Kevin Metcalfe – masterización
• Augustus Pablo – melódica

THE MUSIC MACHINE - (Turn On) The Music Machine - Album

Voy a recomendar en este post un clásico subestimado de los años 60 (Siglo XX) que en su momento tuvo cierto éxito pero se perdió. Un disco que con el paso del tiempo se ha ganado el reconocimiento que en su momento nunca se le dio para ahora ser aclamado como un trabajo pionero del garage rock.

El álbum en cuestión es el único publicado por la banda "The Music Machine", un LP titulado "(Turn On) The Music Machine". Un conjunto tímidamente dentro del "Sunshine Pop" que entregó un álbum más de sonido "garage", incluso "proto punk", que merece ser redescubierto por una nueva generación.

 

¿Quiénes eran la banda "The Music Machine"?

 
Eran una formación de rock estadounidense formada en Los Ángeles, California en 1966. Liderada por el compositor principal y vocalista Sean Bonniwell, la banda cultivó una imagen oscura y rebelde. Se las arreglaron para alcanzar cierto éxito en las listas nacionales, pero sólo brevemente con dos sencillos ("Talk Talk" y "The People in Me"). Sin embargo, hoy en día se considera que "The Music Machine" es uno de los grupos innovadores de la década de 1960. Su estilo ahora es reconocido como una fuerza pionera en el proto-punk.

La formación original de la banda se fragmentó a finales de 1967 después de disputas administrativas y financieras. Sean Bonniwell volvió a reunir el grupo con otro nombre, "The Bonniwell Music Machine". En 1968, apareció un segundo álbum, "The Bonniwell Music Machine", pero el grupo se disolvió a principios de 1969.

La historia reconoce sus logros con su álbum de 1966 "(Turn On) The Music Machine".

 

ALBUM: (Turn On) The Music Machine

 

El estudio debut de la banda estadounidense de garage rock "The Music Machine", publicado el 31 de diciembre de 1966. Apareció pocos meses después de que el exitoso sencillo del grupo, "Talk Talk", alcanzará el #15 en las listas de Estados Unidos. Aunque el álbum se grabó apresuradamente para aprovechar la popularidad de "The Music Machine", "(Turn On) The Music Machine" logró convertirse en un éxito moderado y hoy es aclamado como un álbum clásico de garage rock. La revista "Guitar" ubica este LP en el puesto número tres en su categoría de "100 álbumes esenciales de garage rock".

Yo prefiero "The Sonics" a "The Music Machine", pero "(Turn On) The Music Machine" contiene algo de la música rock más intrigante de la época, con algunas de sus progresiones de acordes sorprendentes en términos de lo aventureros que eran para 1966. Mola!

Las canciones "Talk Talk" y "The People in Me" son el indicador más inmediato de la excelente habilidades de componer del líder Sean Bonniwell, cada una de las cuales se mueve a ritmos bastante sorprendentes con arreglos atrevidos y guitarras-órgano distorsionadas ásperas que precedieron e innegablemente allanaron el camino para bandas como "The Doors" y los "Ramones". Sin embargo, el tema que destaca de las originales es "Some Other Drum", una canción con una melodía vocal clásica y una progresión de acordes que recuerda a los primeros Beatles. El resto de las canciones compartían el nivel de ingenio que tenían estos temas originales: ejemplos son "Hey Joe", "Cherry Cherry" de Neil Diamond y "Taxman" de los Beatles...etc. 

En general, este es un gran LP de garage rock (y pop psicodélico). La producción es también buena para 1966 (el bajista Ken Olsen pasó a producir con éxito bandas como "Grateful Dead", "Alice Cooper" y "Fleetwood Mac" en los años 70).

Disco recomendado

 
Al principio podrías pensar que este es probablemente uno de los mejores álbumes de punk grabados en 1966. No te equivocas. Para mí, un disco clásico de proto-punk con una experiencia seductora por los aspectos underground y las extravagancias que predicen los movimientos heavy psico-acid rock que se avecinan. Pienso que sería una sorpresa grata para fans del garage rock que aun no sepan de la existencia de este trabajo.

Es un clásico definitivamente subestimado de los años 60 que merece ser redescubierto.

Video del tema "Masculine Intuition":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1."Talk Talk" – 1:56
2."Trouble" – 2:11
3."Cherry, Cherry" (Neil Diamond) – 3:12
4."Taxman" (George Harrison) – 2:33
5."Some Other Drum" – 2:29
6."Masculine Intuition" – 2:08

Cara B:

1."The People in Me" – 2:53
2."See See Rider" (Ma Rainey, Lena Arant) – 2:29
3."Wrong" – 2:16
4."96 Tears" (Rudy Martinez) – 2:17
5."Come On In" – 2:54
6. "Hey Joe" (Billy Roberts) – 4:12

Músicos:

• Sean Bonniwell – voz principal, guitarra rítmica,
• Mark Landon - guitarra solista
• Ron Edgar - batería
• Doug Rhodes – teclados, pandereta, coros
• Keith Olsen - bajo, coros

THE BEAT (Grupo EE.UU) - The Beat - Album

Un post para los fans del Power-pop. Deseo destacar una banda (y su disco) que fueron pioneros del género musical rock pero que, lamentablemente, no llegaron más lejos.

El álbum en cuestión se titula "The Beat", grabado por la banda estadounidense de power pop del mismo nombre "The Beat" (también conocido como Paul Collins' Beat), una formación que ocupa un lugar importante en la historia del power pop.

El "power pop" es un género que surgió a finales de la década de 1960 como una reacción contra la pretensión percibida de la música rock, con un enfoque en hooks melódicos y pegadizos y estados de ánimo enérgicos. La banda "The Beat", liderada por Paul Collins, es considerada una de las bandas pioneras de este género.

 

¿Quiénes eran la banda "The Beat"?

 
The Beat (rebautizada más tarde como "Paul Collins' Beat") es una banda estadounidense de rock y "power pop" de Los Ángeles que se formó en 1979. "Paul Collins' Beat" resurgió en la década de 1990 y continúa de gira y grabando material nuevo.

Las raíces de "The Beat" se encuentran en "The Nerves", un combo de power pop con Paul Collins, Peter Case (el futuro líder de "The Plimsouls") y Jack Lee. Collins tocaba la batería; los tres miembros compusieron y cantaron.

Después de la desaparición de "The Nerves", Collins y Case formaron "The Breakaways". Case dejó el grupo después de unos meses de ensayos para seguir una carrera en solitario que condujo a la eventual formación de "The Plimsouls". Collins, Huff y Ruiz se convirtieron oficialmente en "The Beat".

 

ALBUM: The Beat

 

El debut de la banda estadounidense de power pop "The Beat", publicado en 1979. Uno de los mejores álbumes de power pop que poca gente conoce fuera de Estados Unidos y del circuito del género. Incluso después de tantos años, las canciones todavía suenan frescas y llenas de energía. La música de este LP se caracteriza por ser melódica, enérgica, cruda y apasionada. 

Fue un LP de menor éxito del power pop de finales de los 70. Elaborado con entusiasmo los temas son clásicos de chicas y guitarras, y el grupo "The Beat" suena más esbelto, más duro, más tenso y más ligero, que anteriores esfuerzos

Ahora el LP "The Beat" se considera un clásico. La colección de canciones memorables, dignas de unos Beatles pre-psicodélicos vitaminados. Maravillas tipo “Rock N Roll Girl”, “Don’t Wait Up for Me” o “Let me Into Your Life” se suceden una detrás de otra. La fórmula es simple, dos guitarras, bajo, batería y entusiastas armonías vocales en apoyo del cantante principal.

En comparación con sus contemporáneos "The Knack", entonces los gobernantes de la escena pop de California, "The Beat" son más divertidos de escuchar dejando de lado las letras misóginas del cantante de "The Knack", Doug Fieger. Paul Collins escribe canciones de amor post-adolescentes llenas de angustia que definen el género, y la banda produce su rock de guitarra cargado de armonía con un brío tremendo, puntuado por la batería contundente y dinámica de Michael Ruiz y los solos de guitarra de Larry Whitman. El legendario productor Bruce Botnick (Buffalo Springfield, The Doors, Love) capturó la simplicidad de la energía del cuarteto con sólo el toque de pulido necesario para enmarcarla como una grabación de estudio, pero sin perder el poder subyacente de su vibra "Do It Yourself". Las 12 canciones están llenas de ganchos, especialmente "Rock N Roll Girl", "Walking Out on Love" y "Don't Wait Up for Me Tonight" y las de Collins y Larry Whitman donde derraman energía apasionada.

El destino no fue amable con esta excelente banda que siguió trabajando durante algunos años, pero probablemente murió por falta de ventas (y los excesos), etc. Sin embargo, este trabajo resalta el Power pop en el verdadero sentido de la palabra. Energía y melodía van de la mano. Este disco también resume todo el género power pop que tuvo su apogeo en el período alrededor de 1978-1982.

En resumen, "The Beat" es un álbum importante en el género "power pop".

 

Disco recomendado

 
Un clásico "perdido" del Power pop, 35 minutos muy divertidos. Es un LP de renacimiento power-pop y garage rock a partes iguales con un toque de punk al estilo Ramones. Altamente recomendado para los fans de "Romantics", "Smithereens" y "Fountains of Wayne", por mencionar solo algunos. 

Si no lo conoces, buscarlo en los canales digitales habituales.

Video del tema "Rock n Roll Girl":

Tracklist:

1."Rock n Roll Girl" – 2:16
2."I Don't Fit In" – 2:46
3."Different Kind of Girl"  – 3:23
4."Don't Wait Up for Me" – 3:02
5."You Won't Be Happy" – 2:20
6."Walking Out on Love" – 1:44
7."Work-a-Day World" – 3:05
8."U.S.A."  – 2:12
9."Let Me into Your Life"  – 2:35
10."Working Too Hard" – 1:57
11."You and I" – 2:47
12."Look but Don't Touch" – 3:09

The Beat (Músicos):

• Paul Collins - guitarra rítmica, voz principal,
• Steven Huff - bajo, segunda voz,
• Larry Whitman - guitarra principal, tercera voz,
• Michael Ruiz - batería, percusión.

Personal adicional:

•  Bruce Botnick – producción
• Rik "Aloha" Pekkonen - ingeniero de sonido.

ROD STEWART - Every Picture Tells a Story - Album

Doy cobertura a un clásico del rock que estoy seguro que la mayoría de los melómanos veteranos y amantes del rock n roll estarán familiarizados. El disco "Every Picture Tells a Story" del rockero y cantante británico Rob Stewart es tan bueno que animó al lector más joven a que lo busques y lo escuches.

 

ALBUM: Every Picture Tells a Story

 
Es el tercer álbum de estudio del británico Rod Stewart. Fue publicado el 28 de mayo de 1971. Incorpora estilos de hard rock, folk y blues. Llegó al puesto #1 en las listas de Reino Unido y Estados Unidos. Un LP relativamente corto considerando que solo tiene nueve canciones, pero cada corte es un ganador. Canciones que están magistralmente arregladas utilizando mandolina, órgano, guitarra slide y pedal steel a la perfección. Stewart está en la cima y hay muy pocas voces en el rock 'n' roll que tengan un sonido tan identificable.

Rod Stewart también perfecciona en este LP su interpretación del hard rock, folk y blues. Pero el gran triunfo de "Every Picture Tells a Story" reside en su contenido. Cada canción del álbum, ya sea una versión (cover) o una original, es simplemente fantástica. Con su voz ronca y conmovedora, Rod Stewart ofrece una colección de canciones poderosas que muestran su talento como intérprete.

El enorme hit "Maggie May" es claramente la pieza central, pero cada canción, ya sea la endiabladamente ingeniosa corte principal o la conmovedora "Mandolin Wind", tiene el mismo atractivo. Y las versiones, incluidas "Tomorrow Is Such a Long Time" de Bob Dylan y "Reason to Believe" de Tim Hardin, así como la versión de "(I Know) I'm Losing You" de The Temptations, son igualmente fantásticas y aportan una nueva dimensión a las canciones. La capacidad de Stewart para capturar la esencia de varios géneros se ejemplifica aún más en "Henry" y "That 's All Right-Amazing Grace". Estos temas demuestran su amor por el blues y la música folk, mostrando su autenticidad y diversidad musical.

Los cinco miembros de "Faces" (con quienes Stewart en ese momento era vocalista principal) aparecen en este álbum, siendo el guitarrista y bajista Ronnie Wood y el teclista Ian McLagan en el órgano Hammond B3 los más empleados. Otros contribuyentes incluyen a Ray Jackson a la mandolina y Micky Waller a la batería. Maggie Bell realizó los coros en la canción principal y Madeline Bell cantó los coros en el siguiente corte, "Seems Like A Long Time". Pete Sears tocó todo el piano en el álbum excepto una canción, "I'm Losing You", que tenía a Ian McLagan al piano, y la leyenda lo dice junto con los Faces como banda.

En general, "Every Picture Tells a Story" es un álbum atemporal e influyente que muestra la destreza musical de Rod Stewart y ha dejado un impacto duradero en los géneros de música rock y folk.

 

Disco recomendado

 
Es un gran álbum, que tiene las cualidades atemporales del mejor folk, pero que es más duro que la mayoría de la música pop de su tiempo; pocos álbumes de rock son tan poderosos o tan ricos. Dale tu tiempo, ya que este es uno de los pocos discos que realmente podría cambiar las reglas del juego para ti si aún no estás familiarizado con él.

Rod Stewart está en la cúspide de su carrera de rockero. Fue verdaderamente brillante en sus primeros años y este es su mejor trabajo.

Video del tema "(I Know) I'm Losing You":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1.         "Every Picture Tells a Story" Rod Stewart, Ronnie Wood  6:01
2.         "Seems Like a Long Time"    Theodore Anderson   4:02
3.         "That's All Right / Amazing Grace"* Arthur Crudup / traditional; arreglos por Stewart     6:02
4.         "Tomorrow Is a Long Time"  Bob Dylan      3:43

Cara B:

1.         "Henry"           Martin Quittenton      0:32
2.         "Maggie May" Stewart, Quittenton   5:15
3.         "Mandolin Wind"       Stewart           5:33
4.         "(I Know) I'm Losing You"               5:23
5.         "(Find a) Reason to Believe" Tim Hardin     4:05

* "Amazing Grace" aparece en algunas ediciones.

 

Personal (Músicos):

•  Rod Stewart - voz principal, guitarra acústica
• Ronnie Wood - guitarra, guitarra con pedal steel, bajo
• Martin Quittenton – guitarra acústica
• Ray Jackson ("el mandolinista de Lindisfarne") - mandolina
• Sam Mitchell - guitarra slide
• Andy Pyle - bajo
• Ronnie Lane - bajo y coros en "(I Know) I'm Losing You" (sin acreditar)
• Danny Thompson - contrabajo
• Dick Powell – violín
• Ian McLagan - Órgano Hammond, piano en "(I Know) I'm Losing You"
• Pete Sears – piano, celeste
• Long John Baldry - voz en "Every Picture Tells a Story"
• Maggie Bell - "abrasivos vocales" en "Every Picture Tells a Story"
• Madeline Bell y amigos: en "Seems Like a Long Time""
• Micky Waller - batería
• Kenney Jones - batería en "(I Know) I'm Losing You" (sin acreditar)

TELEVISION - Marquee Moon - Album

Destacó una gran banda en este blog de música. La mayoría le resultará familiar, especialmente el lector veterano, pero quizás el melómano más joven no. Quiero poner en primera línea y recomendar el primer disco de "Televisión" titulado "Marquee Moon". Un LP lleno de interacción de guitarras en capas (considerando el bajo) y batería fascinante que hace que valga la pena adorar el álbum, y muchos lo hacen.

 

¿Quiénes eran la banda "Televisión"?

 

Formación de rock estadounidense de la ciudad de Nueva York, especialmente activa en la década de 1970. La formación más destacada del grupo estaba formada por Tom Verlaine (voz, guitarra), Richard Lloyd (guitarra), Billy Ficca (batería) y Fred Smith (bajo). Fueron los primeros habituales de la mítica sala "CBGB" y de la escena del rock neoyorquino de la década de 1970; la banda se considera influyente en el desarrollo del punk y el rock alternativo.

Grabaron de una manera sencilla, basada en la guitarra, similar a sus contemporáneos punk, pero la música de Television era, en comparación, limpia, improvisada y técnicamente competente, con influencia del jazz y el rock de los sesenta. El grupo se inspiró en compositores minimalistas como Steve Reich, mientras que el cantante Tom Verlaine a menudo citaba la influencia de las bandas de surf "The Ventures" en el enfoque de Television hacia la guitarra, y también expresó su cariño por las bandas "Love" y "Buffalo Springfield", dos grupos que destacan por su interacción con dos guitarras. Los vínculos de "Television" con el punk fueron subrayados por sus inclinaciones al garage rock de finales de los 60; la banda a menudo versionaba "Psychotic Reaction" de Count Five y "Fire Engine" de 13th Floor Elevators en concierto.

El álbum debut del grupo, "Marquee Moon", es considerado uno de los LP definitorios de la era punk. Un álbum de guitarra, grabado casi en su totalidad en vivo en el estudio, sin compresión ni otros efectos de postproducción.

 

ALBUM: Marquee Moon

 

El debut de la banda de rock estadounidense "Television" se publicó el 8 de febrero de 1977. El "artwork" del álbum fue diseñado por el director de arte Tony Lane. La foto de la portada fue tomada por el fotógrafo Robert Mapplethorpe, quien anteriormente había fotografiado la portada del álbum "Horses" de Patti Smith de 1975.

Para "Marquee Moon", Tom Verlaine y el guitarrista Richard Lloyd abandonaron los poderosos acordes del punk rock contemporáneo en favor de una interacción, líneas melódicas y contra melodías inspiradas en el rock y el jazz. La música resultante está en gran medida basada en "hooks" con partes instrumentales complejas, al tiempo que evoca temas de adolescencia, descubrimiento y trascendencia a través de imágenes en modos urbano, pastoral y nocturno, incluidas referencias a la geografía del "Bajo Manhattan".

Entonces fue (y todavía lo es) considerado un álbum revolucionario, siendo sin lugar a dudas un disco de rock impulsado por guitarras: es sorprendente escuchar la interacción entre Tom Verlaine y Richard Lloyd. Mientras que sus predecesores en la escena punk de Nueva York, sobre todo "The Velvet Underground", habían fusionado estructuras de blues con elementos de vanguardia, "Television" elimina por completo cualquier sentido de groove, incluso cuando tocan música estándar de tres acordes.

"Marquee Moon" está compuesto por temas rock de garaje que se adentran en un territorio intelectual, lo que se logra a través de las largas y entrelazadas secciones instrumentales del grupo. Eso hizo de "Marquee Moon" un álbum pionero; es difícil imaginar el post-punk sin él.

Desde el tema que abre el LP, "See No Evil", hasta la gran canción principal, simplemente no hay una mala canción en todo el disco. La letra de Tom Verlaine en "Marquee Moon" combina imágenes urbanas y pastorales. También se basó en influencias de la poesía francesa y quiso narrar la conciencia o la confusión de una experiencia más que sus detalles específicos. Aunque no es un álbum conceptual, muchas de sus canciones hacen referencias geográficas locales, es todo muy NYC.

En definitiva, se encuentra entre los discos más influyentes de la década de 1970 y también ha sido citado como una piedra angular del rock alternativo. Influyó fuertemente en el movimiento de indie rock de la década de 1980, mientras que los grupos de post-punk se apropiaron de la producción ordenada, el tono introspectivo y la instrumentación meticulosamente interpretada del álbum. Este LP influyó fuertemente en grupos de rock alternativo como "Echo & the Bunnymen", los "Pixies", "R.E.M", "Red Hot Chili Peppers" y bandas de noise rock como "Sonic Youth", junto con grandes bandas de arena como "U2".

 

Disco recomendado

 
"Marquee Moon" se ha convertido en un disco fundamental del rock alternativo, ya que la innovadora instrumentación post-punk de "Television" para el álbum influyó fuertemente en los movimientos new wave y indie rock de la década de 1980 y en la guitarra de rock en general. El oído moderno puede necesitar inicialmente tiempo para captar la "vibra", pero concéntrate en las guitarras (la interacción) y pronto estarás absorbido por sus creaciones musicales intelectuales e imaginarias. No es Punk, a pesar de que era parte de la escena.

En fin, un gran disco para escuchar y tener en tu colección.

Video del tema "Marquee Moon":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "See No Evil" 3:56
2.         "Venus"                      3:48
3.         "Friction"        4:43
4.         "Marquee Moon"        9:58

Cara B:

1.         "Elevation"     5:08
2.         "Guiding Light" 5:36
3.         "Prove It"        5:04
4.         "Torn Curtain"            7:00

Television (Músicos):

•  Tom Verlaine – guitarra (solo en "Venus", "Friction", "Marquee Moon", "Prove It" y "Torn Curtain"), teclados, voz principal, producción
• Billy Ficca - batería
• Richard Lloyd - guitarra (solo en "See No Evil", "Marquee Moon", "Elevation" y "Guiding Light") y voz
• Fred Smith - bajo, voz

THE DIED PRETTY - Free Dirt - Album

Quiero dar cobertura en este blog de música a una banda australiana y a su primer disco. Menos conocidos fuera de su Australia natal, "The Died Pretty" han dejado su huella localmente con una serie de muy buenos discos, siendo para mí su debut "Free Dirt" su principal exponente.

Un disco que, comparado con muchos de la misma época, ha envejecido sorprendentemente bien.

¿Quiénes eran "The Died Pretty"?

 
Banda australiana de rock alternativo fundada por los miembros pilares Ron Peno (cantante principal) y Brett Myers (guitarrista principal y corista) en Sydney en 1983. Su música comenzó a partir de una base del primer Bob Dylan eléctrico con influencias psicodélicas, que incluyen "The Velvet Underground" y "Televisión".

Su sonido es una mezcla de varios géneros, desde el rock de finales de los 60, pasando por la neo psicodélica, pasando por el post punk, hasta, sorprendentemente, el neo country folk. En pocas palabras, difícil de encasillar, pero sorprendentemente sofisticado y todavía relevante hoy en día.

El grupo se disolvió formalmente en 2002, pero los miembros se reunieron en varias ocasiones para giras cortas por Australia.

ALBUM: Free Dirt

 
El primer álbum de larga duración de la banda australiana de rock alternativo "Died Pretty", publicado en 1986 después de una serie de EPs. Las influencias son claras y la banda lo sabe; escucharás un cantante carismático con la energía de Iggy Pop, un toque de los "Doors" en las partes de órgano retro y algunas de las sensibilidades vanguardistas de los primeros "Velvet Underground". Sin embargo, este LP también captura una sensación de espacio y desesperación del vasto paisaje australiano, como transmiten el título y la portada. Es una obra con mucho sabor australiano.

El álbum encontró al grupo ganando terreno. Si bien las diversas influencias a las que se puede hacer referencia están presentes, "The Died Pretty" comienza a sonar más como un grupo que encuentra un sonido distinto en lugar de seguir el ejemplo de varias influencias.

Con la asistencia de invitados en el estudio en todo, desde saxo hasta guitarra con pedal de acero, y con una buena y completa producción de Rob Younger, "Free Dirt" es un excelente primer disco.

La canción "Wig-Out" es un buen ejemplo de su calidad con tambores marciales y una atmósfera de melodía celta que se hace mucho más intensa al ser interpretada con instrumentos de rock; muestra cómo la banda toma prestado el pasado para sus propios fines. La canción de apertura "Blue Sky Day" es, quizás, una de las mejores de la banda, un corte rockero enérgico pero nunca dominante con un brillo y un impulso de la maravillosa guitarra de Brett Myers combinada con interpretaciones adicionales de mandolina y violín. Su trabajo a lo largo del álbum es excelente, mientras que los teclados de Brunetti toman el liderazgo melódico y de manera similar las inspiraciones de Jim Morrison de Ron S. Peno que son claras. Completa esto con la excelente sección rítmica de Mark Lock-Chris Welsh, y está claro que es una gran banda. Escucha "Through Another Door" cantada por Myers de manera cálida, los grandes solos finales de "Life to Go" (una de mis canciones favoritas de este álbum), "Next to Nothing" y el bellamente ejecutado "The 2000 Year Old Murder", que se encuentran entre los muchos temas más destacados.

Disco recomendado

 
"Free Dirt" se ha convertido en uno de los álbumes australianos clásicos de todos los tiempos. Uno de los mejores discos que puedo recomendar que ha envejecido muy bien y ahora suena aún mejor. Además, es un álbum relativamente menos conocido fuera de Australia y del circuito de música alternativa que estoy seguro atraerá (y sorprenderá) a los melómanos actuales. Una mezcla equilibrada con unas excelentes guitarras sucias y partituras armónicas de saxofón que son absolutamente excelentes.

Vete a buscarlo.

Y termino. Su otro disco a buscar es su tercero, "Every Brilliant Eye" (1990).

Video del tema "Life to Go (Landsakes)":

Tracklist: 

1."Blue Sky Day" – 3:29
2."Round and Round" – 2:41
3."Wig-Out" – 3:06
4."Laughing Boy" – 3:34
5."Through Another Door" (Myers) – 3:17
6."Life to Go (Landsakes)" – 5:31
7."Just Skin" (Myers) – 6:37
8."The 2000 Year Old Murder" – 4:31
9."Next to Nothing" – 6:47
10."Stoneage Cinderella" (Atkinson, Myers, Peno) – 3:19

Personal (Músicos):

•  Ron S. Peno - voz
• Frank Brunetti – teclados
• Tim Fagan – saxofón
• Graham Lee - pedal de acero
• Mark Lock - bajo
• Brett Myers - guitarra, voz
• John Papanis - mandolina
• Louis Tillett – piano
• Julian Watchhorn - violín
• Chris Welsh - percusión, batería

NATURAL INFORMATION SOCIETY - Since Time is Gravity - Album

Doy cobertura en este blog de música a un interesante disco de jazz de los americanos "Natural Information Society" titulado "Since Time Is Gravity". Compuesto por músicos estrella del jazz, proponen el espíritu del free jazz tipo Coltrane y la influencia del world music tipo Don Cherry que culmina en una experiencia de trance. Creo que los melómanos encontrarán esta una excelente recomendación.

¿Quiénes son la formación "Natural Information Society" (NPR)?

 
Un conjunto de música estadounidense descrito por quienes "saben" como “minimalismo extático”. El grupo se formó en 2010 y está dirigido por el multi-instrumentista y compositor Joshua Abrams. "NPR" califica la formación como un "elemento básico" de la escena musical underground de Chicago.

Los críticos han escrito que las actuaciones de "Natural Information Society" ponen énfasis en lo humano y lo humano en la música en medio de una industria digitalizada galopante.

 

ALBUM: Since Time Is Gravity

 
Un disco del "Natural Information Society Community Ensemble", dirigido por el contrabajista y músico de guimbri, Joshua Abrams. Se grabó el 18 de mayo de 2021 en la Fundación Graham en Chicago, Illinois, y el 24 de agosto de 2021 en Electrical Audio en Chicago, y se publicó en 2023 como un LP doble. Es el séptimo álbum de Joshua Abrams y su "Natural Information Society".

Este es un disco de trance. Joshua Abrams aprovecha la tradición Gnawa y toca el guimbri al estilo de los maestros, apegándose a dos o tres notas punteadas y repetidas que sientan las bases de una música que induce al trance. Dicho de otro modo, un estado de perpetua evolución, en el que las actuaciones a menudo adquieren aires de invocación ritual.

En el álbum, a Abrams se unen los saxofonistas altos Nick Mazzarella y Mai Sugimoto, el clarinetista bajo Jason Stein, los cornetistas Josh Berman y Ben Lamar Gay, la armoniosa Lisa Alvarado, la arpista Kara Bershad, los percusionistas Mikel Patrick Avery y Hamid Drake, y un artista invitado, el saxofonista tenor Ari Brown. El sonido del álbum es inmediatamente acogedor y contagioso, con un fuerte ritmo central que es muy repetitivo, fascinante y edificante. La música avanza como una ola implacable, envuelta por las cálidas capas de la sección rítmica y los vientos.

Como se comentó, "Since Time Is Gravity" tiene sus raíces en el pulso del bajo norteafricano de tres cuerdas del guimbri de Abrams y el zumbido oscilante del armonio de Lisa Alvarado. La formación se expande para incluir una sección de trompetas de seis integrantes y un arpista, agregando una dimensión modal de "big band".

Destacado en este disco es el veterano el saxofonista tenor de Chicago Ari Brown, saliendo de la parrilla rítmica en el corte "Is". Pero es en "Stigmergy", que lleva el nombre de un concepto de acción colectiva, el que mejor resume el extático filosofía de la "Natural Information Society": un solista hipnótico tras otro, incluido Ben Lamar Gay, brillante en la corneta, entrando y saliendo elegantemente de la repetición de sistemas. Otro corte de mención es "Gravity", con un solo espectacular de Ari Brown, échale una escucha.

Resumiendo, la capacidad del conjunto para crear un estado de evolución perpetua en su música, combinada con el uso de prácticas de todo el mundo, da como resultado un disco innovador y profundamente arraigado en la tradición musical.

 

Disco recomendado

 
El conjunto de Joshua Abrams, que reúne a músicos de toda la comunidad de improvisación de Chicago, combina elementos del jazz y la música norteafricana en piezas fascinantes. En "Since Time Is Gravity" cada pieza se desarrolla según los parámetros marcados por los solistas. La música de Abrams se mueve a través del tiempo con gracia, ajustándose a las demandas de cuándo y dónde se interpreta, y quién está involucrado. El asombro que canaliza su música radica en su comprensión de la mutabilidad, rastreando cambios sutiles en patrones repetitivos.

Me parece un gran disco de jazz y una recomendación imprescindible para los seguidores y fans del jazz.

Video del tema "Stigmergy":

Tracklist:

Disc 1:

Cara A

"Moontide Chorus" – 6:41
"Is" – 11:39

Cara B

"Murmuration" – 17:36

Disc 2: 

Cara A

"Wane" – 4:30
"Stigmergy" – 13:05

Cara B

"Immemorial" – 8:11
"Wax" – 3:19
"Gravity" – 7:53

Personal (Músicos):

• Joshua Abrams – contrabajo, guimbri
• Nick Mazzarella – saxofón alto
• Mai Sugimoto – saxofón alto, flauta
• Ari Brown – saxofón tenor
• Jason Stein - clarinete bajo
• Josh Berman - corneta
• Ben Lamar Gay – corneta
• Lisa Alvarado – armonio
• Kara Bershad – arpa
• Mikel Patrick Avery – batería
• Hamid Drake – conga, tabla, tar.