EMBRACE - The Good Will Out - Album

ALBUM: The Good Will Out

Primer álbum de la banda de rock británica Embrace, publicado el 8 de junio de 1998. La banda se formó en 1993; en 1996, estaban formados por el vocalista Danny McNamara, su hermano, el guitarrista Richard McNamara, el baterista Mike Heaton y el bajista Steve Firth. El teclista Mickey Dale, quien se uniría a la banda durante la gira del álbum, contribuyó a las grabaciones, junto con Wil Malone y Craig Armstrong, los tres ayudaron con las secciones de cuerdas.

Este álbum debut tenía muchas expectativas antes de su lanzamiento, había mucha expectación creada por los medios musicales en Gran Bretaña. Apareció después de los grandes lanzamientos de "Oasis" y "The Verve", y "The Good Will Out" fue anunciada como la "próxima gran álbum" en el Brit-pop. 

Hay razones para pensar esto ya que el grupo combina ingeniosamente los temas "himnos" (estadio) de "Oasis" con la majestuosidad sonora de "The Verve". Esto por sí solo hace que este álbum sea una buena escucha, y los fans de las dos bandas ya mencionadas lo encontrarán de su agrado.

Pero al final este disco no tiene suficiente sustancia para complacer todas las expectativas. El líder Danny McNamara no tiene la voz ni el carisma de "Liam Gallagher" o "Richard Ashcroft", y sus canciones no son tan inmediatas o memorables. Los críticos más duros con "Embrace" han comentado que este es "el mejor disco que Oasis nunca hizo". Esto no quiere decir que "The Good Will Out" tenga malas canciones, al contrario, son bastante buenas y están interpretadas con mucha pasión. Es solo que, en comparación, "Embrace" carece de magia.

No obstante y dicho esto, este debut tiene una deriva cómoda y una entrega limpia, y tiene un sonido atemporal. También tiene crecimiento y está lleno de ambición, es una escucha placentero. Te encontrarás moviendo la cabeza con las canciones rockeras, y luego te sentarás y simplemente escucharás algunas letras geniales que se pueden encontrar en algunas canciones, como la última canción "The Good Will Out".

Un disco recomendado, "The Good Will Out" es un buen debut y será del agrado de los fans del rock pop británico. Hubo muchos lanzamientos en la era Brit-pop y este es uno de los mejores, de hecho, este es más un álbum "Post Brit-pop". La comparación con "Oasis" (y The Verve) fue injusta y las altas expectativas señalando a Embrace como los nuevos "reyes" no les hicieron ningún favor. Las compañías discográficas y la maquinaria de la industria de la música hacen esto mucho, pero "Embrace" ha madurado con el tiempo y tiene su lugar en la historia de la música británica.

Video del tema "The Good Will Out":

Tracklist: 

1.         "Intro" 0:46
2.         "All You Good Good People" 6:06
3.         "My Weakness Is None of Your Business"   3:17
4.         "Come Back to What You Know"    4:10
5.         "One Big Family"       4:05
6.         "Higher Sights"          3:44
7.         "Retread"        3:39
8.         "I Want the World"    5:44
9.         "You've Got to Say Yes"       3:42
10.       "Fireworks"     3:58
11.       "The Last Gas"           3:44
12.       "That's All Changed Forever"            4:13
13.       "Now You're Nobody"          4:23
14.       "The Good Will Out" 7:00

ALICE IN CHAINS - Dirt - Album

ALBUM: Dirt

 
El segundo álbum de estudio de la banda de rock estadounidense "Alice in Chains", publicado el 29 de septiembre de 1992. El disco recibió elogios de la crítica y es el álbum más vendido de la banda hasta la fecha. También fue el último trabajo de la banda grabado con los cuatro miembros originales, ya que el bajista Mike Starr fue despedido en enero de 1993 durante la gira para promocionar el álbum. El disco puso en la radio cinco singles: "Would?", "Them Bones", "Angry Chair", "Rooster" y "Down in a Hole".

Alice in Chains fue la banda con un sonido más "heavy" que salió de la escena grunge de Seattle. Puedes apreciar la fuerte influencia de "Black Sabbath" en el sonido de la banda, además de tener similitudes con "Tool" (si eres fan, este es un buen álbum para descubrir). En 2017, la revista de música estadounidense "Rolling Stone" colocó el álbum en el puesto #26 de su lista de los "100 mejores álbumes de metal de todos los tiempos".

Este disco también fue lo más cerca que estuvieron de grabar una obra maestra. Dicho esto, también es oscuro, sombrío y deforme, muy parecido al paisaje agrietado y embrujado de su portada. Todo suena a confesional y es un viaje al abismo personal. Se puede encontrar poco "optimismo", solo los sonidos de almas torturadas. Los aullidos dolorosos de las profundidades de la adicción a la heroína del cantante Layne Staley son primarios y esto hace que este disco sea quizás uno de los álbumes conceptuales más desgarradores grabados.

Con las canciones escritas principalmente en la carretera, mientras estaban de gira, no todas las canciones tratan explícitamente sobre la heroína, pero las contribuciones escritas en solitario de Jerry Cantrell (casi la mitad del álbum) mantienen efectivamente la coherencia temática: casi todas las canciones están imbuidas de morbosidad, auto- repugnancia y/o resignación de un adicto consciente pero impotente. Por primera vez, el vocalista Layne Staley escribió dos canciones por sí mismo ("Hate to Feel" y "Angry Chair"), ambas también con Staley en la guitarra. Y el tema "Iron Gland" presenta a "Tom Araya" de "Slayer" en la voz.

El trabajo de guitarra de Jerry Cantrell es explosivo con texturas, pero desequilibra al oyente con riffs atonales y firmas de tiempo descentradas. Las letras confesionales de Staley son igualmente efectivas y, en muchos sentidos, tristes. A veces simplemente está entumecido y apático, insensible al mundo exterior; a veces sus autojustificaciones traicionan una amoralidad sorprendentemente casual; sus momentos de autorreconocimiento están impregnados de desesperación y autodesprecio suicida.

Un disco recomendado. Un viaje musical a través de la adicción a la heroína, la rabia, la inconformidad, la euforia, el odio a uno mismo y la paranoia. No es exactamente un placer escucharlo, sin embargo, es un disco fascinante, que es adictivo en sí mismo. Con toda su narrativa oscura, sonaba fresco y nuevo en los años 90 (Siglo XX) y ahora suena como un álbum clásico de hard rock moderno. Buscarlo (descubre) y darlo una escucha si no lo conoces.

Video del tema "Would?":

Tracklist:

 

1.         "Them Bones"            2:30
2.         "Dam That River"                  3:09
3.         "Rain When I Die"     6:01
4.         "Down in a Hole [I]"   5:38
5.         "Sickman"       5:29
6.         "Rooster"                    6:15
7.         "Junkhead"     5:09
8.         "Dirt"  5:16
9.         "God Smack"  3:56
10.       "Intro (Dream Sequence)/Iron Gland [II]" 0:43
11.       "Hate to Feel" 5:15
12.       "Angry Chair"            4:48
13.       "Would?"                    3:28

THE VERVE - Urban Hymns - Album

ALBUM: Urban Hymns

El tercer álbum de estudio de la banda inglesa THE VERVE, publicado el 29 de septiembre de 1997. Se convirtió en el disco más vendido de la banda (más de 10 millones de copias en todo el mundo) y uno de los álbumes más vendidos del año. Este es el único álbum donde "The Verve" presenta al guitarrista y teclista Simon Tong, quien inicialmente se unió a la banda para reemplazar a su guitarrista original Nick McCabe. Sin embargo, McCabe se reincorporó a la banda poco después y Tong fue considerado el quinto miembro de la banda; esto hace que el álbum sea el único que la banda grabó como un quinteto. El álbum contiene los exitosos singles "Bitter Sweet Symphony", "Lucky Man" y el #1 en el Reino Unido "The Drugs Don't Work".

El álbum fue grabado después de que Richard Ashcroft y el guitarrista Nick McCabe arreglaran sus diferencias a finales de 1996 y después de casi hacer separar la banda; por lo que es en parte la razón por la que es un disco tan especial. Gran parte del trabajo consiste en canciones que Ashcroft había pensado para un proyecto en solitario o un nuevo grupo, pero "Urban Hymns" suena más como el trabajo de una banda solida, con sus grandiosos paisajes sonoros y su sentido de propósito. En definitiva, una obra hermoso de composición de canciones, interpretación en conjunto y orquestación.

The Verve atenuó sus excursiones psicodélicas, sin abandonarlas; en todo caso, suenan con más musculo, ya sea el "trance" tema "Caching the Butterfly" o el potente "Come On". Estos temas poderosos y empapados de guitarra brindan el contexto para las baladas conmovedoras y cargadas de cuerdas de Richard Ashcroft, que le dan a "Urban Hymns" su emoción. El majestuoso y grandioso sencillo "Bitter Sweet Symphony" y la desgarradora "The Drugs Don't Work" son asombrosas, dos baladas épicas que convierten lo personal en universal y, por lo tanto, ahora son clásicos.

Estas canciones son solo la punta del iceberg con "Sonnet" siendo simplemente encantadora, "The Rolling People" tiene energía eléctrica y las otras son todas brillantes. Lo que eleva esta colección de canciones al estatus de álbum clásico es el trabajo de producción: cada canción está repleta de detalles sonoros por descubrir. Parece estar hecho para auriculares.

Estas son algunas de mis canciones favoritas: "Bittersweet Symphony", "The Drugs Don't Work" (ver aquí su significado), "The Rolling People", "Lucky Man", "Sonnet", "Space & Time" y "Velvet Morning"...un álbum muy sólido de principio a fin.

Disco recomendado. La obra magna de "The Verve". Es un álbum rico lleno de melancolía otoñal envuelto por arreglos grandiosas y con las letras "desgarradoras" de Ashcroft y su voz en plena forma. Buscarlo.

Video del tema "The Rolling People":

Tracklist:

1.         "Bitter Sweet Symphony"                 5:58
2.         "Sonnet"                    4:21
3.         "The Rolling People"  The Verve       7:01
4.         "The Drugs Don't Work"                  5:05
5.         "Catching the Butterfly"        6:26
6.         "Neon Wilderness"     2:37
7.         "Space and Time"                  5:36
8.         "Weeping Willow"                4:49
9.         "Lucky Man"             4:53
10.       "One Day"                 5:03
11.       "This Time"                3:50
12.       "Velvet Morning"                  4:57
13.       "Come On" (incluye hidden song "Deep Freeze")    15:15

Banda:

• Richard Ashcroft - voz, guitarra, letras, compositor
• Simon Jones - bajo
• Peter Salisbury - batería
• Nick McCabe - guitarra principal, compositor
• Simon Tong - guitarra, teclados

JUDAS PRIEST - British Steel - Album

ALBUM: British Steel 

 
El sexto álbum de estudio de la banda inglesa de heavy metal Judas Priest, publicado el 14 de abril de 1980. Fue el primer álbum de la banda en presentar a Dave Holland en la batería. Judas Priest abandonó algunos de los temas líricos más oscuros que habían sido destacados en sus lanzamientos anteriores, adoptando un sonido más tipo "AC/DC" después de inspirarse en los australianos mientras eran teloneros (support act) en su gira europea de 1979.

Este álbum es considerado por muchos fans del heavy metal como uno de los mejores álbumes de su género. Es más refinado que discos anteriores, muy bien producido y el álbum de mayor éxito comercial hasta la fecha, encabezando y lanzando la "Nueva Ola del Heavy Metal Británico" en los años 80.

Lleno de ganchos melódicos, "British Steel" es deliberadamente comercial, abandonando la complejidad de los primeros trabajos de la banda en favor de un sonido robusto y más accesible de hard rock. El álbum se basa en los singles ahora clásicos como "Breaking the Law" y "Living After Midnight", ambos grandes éxitos en el Reino Unido. Pero "British Steel" no es una ruptura total con el pasado de la banda. Encontrarás piezas uptempo de caos metálico que terminan el álbum como "Rapid Fire" y "Steeler", además de piezas efectivas en "Metal Gods" y la amenaza de "The Rage", que presenta posiblemente la mejor voz de Rob Halford en el álbum.

Dicho esto, también voy a ser honesto, hay canciones en "British Steel" que tal vez no se mantienen hoy en día como "United", y quizás también "Take on the World" y "You Don't Have to Be Old to Be Wise" (no han envejecido bien), pero aún así, en general, es un álbum demasiado importante para que su estatura histórica se diluya por inconsistencias menores y por el impulso demasiado entusiasta por el éxito comercial. "British Steel" es sin duda un LP esencial de Judas Priest, que incluye canciones clásicas que ahora están impresas para siempre en el himnario de la banda. Es más, "British Steel" forjó el camino a seguir y estableció el estándar para innumerables bandas, incluidas Iron Maiden, Saxon y Grim Reaper, por mencionar algunos.

En conclusión, un disco recomendado. Un gran logro para la banda, una obra emocionante y consistente que ahora se mantiene para siempre en los corazones de los fans del metal en todas partes. Ningún aficionado al rock duro debería perderse este álbum. Si eres un lector joven y no estás familiarizado con este disco, búscalo en las plataformas de música digital habituales y escúchalo.

Video del tema "Rapid Fire":

Tracklist (formato LP original): 

Cara A:

1.         "Breaking the Law"    2:33
2.         "Rapid Fire"    4:00
3.         "Metal Gods"  4:04
4.         "Grinder"        3:57
5.         "United"         3:31

Cara B:

6.         "Living After Midnight"        3:30
7.         "You Don't Have to Be Old to Be Wise"     5:03
8.         "The Rage"     4:44
9.         "Steeler"          4:30

Banda:

• Rob Halford: Voz,
• K.K. Downing: Guitarras
• Glenn Tipton: Guitarras
• Ian Hill: Bajo
• Dave Holland: Batería

EATER - The Album

Eater (Banda)

Grupo británico de punk del norte de Londres que tomó su nombre de una letra de Marc Bolan. En octubre de 2001, el segundo single de la banda, "Thinking of the USA" (lanzado originalmente en junio de 1977), se incluyó en la lista de la revista Mojo de los mejores singles de punk rock de todos los tiempos. En 1999, la cancion también apareció en la caja de cinco CD de Universal Records "1-2-3-4 Punk & New Wave 1976-1979".

El sonido se ha caracterizado como punk rock de subsidio y "punk rock juvenil". Eater, comenzó a ofrecer un visión de lo que pronto se convertiría el punk, la provincia de adolescentes agresivos y desarticulados. Eater (con edades comprendidas entre los 13 y los 17 años) escribió canciones sobre ensoñaciones, chicas atractivas en la clase y fantasías de mal gusto sobre prostitutas y necrofilia. Eso sí que es punk.

ALBUM: The Album

El álbum debut (y único) publicado en 1977. Un disco que es difícil de encontrar, es ahora un artículo de coleccionista, disponible a través de reediciones como "All of Eater" y "The Complete Eater".

Básicamente encuentras en esta obra Punk británico de tres acordes de unos chavales que se lo están pasando bomba. Se trata de energía y actitud. Todas las canciones suenan casi igual, tocadas con un ritmo rápido en cada canción. Tan rápido y torpe como suena el material, hay una melodía existente innegable en el trabajo, particularmente en "No Brains" y "Room for One", y el single "Lock It Up", incluso intentan algunas armonías vocales. Eater golpea duramente (y ofende) con "Public Toys" y "Get Raped", el ultimo un ejemplo de lo que los adolescentes piensan que es "gracioso", una humillación deliberadamente desagradable de una "p*ta" aumentada con respiración agitada y chillidos de gato. Eater también hacen algunos covers/versiones que realmente los hace suyos, acelerando y despojando a "The Velvet Underground" y "David Bowie" hasta que son irreconocibles y re elaborando el éxito de Alice Cooper "I'm Eighteen", titulado "Fifteen".

Andy Blade lidera con la voz a gritos. El bajo de Ian Woodcock no proporciona graves, desciende ágilmente con un tono agudo, y el guitarrista Brian Chevette es todo fuzz y lucha por mantenerse con el ritmo proporcionado por el baterista Dee Generate y un Phil Rowland sin acreditar.

Un disco recomendado. A pesar de su franqueza primitiva (y ofensiva), la música funciona: velocidad, melódica con energía adolescente y destructividad. Si te gusta el punk o el punk rock, este es un álbum para al menos descubrir y escuchar.

Video dl tema "No Brains":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1.         "You"              2:04
2.         "Public Toys"  2:00
3.         "Room for One"         1:42
4.         "Lock It Up"   2:01
5.         "Sweet Jane"   (Lou Reed)     2:19
6.         "Fifteen"         (Alice Cooper)            1:28
7.         "I Don't Need It"                   1:40
8.         "Anne"            1:58
9.         "Get Raped"               2:34

Cara B:

1.         "Space Dreaming"                  1:15
2.         "Queen Bitch" (David Bowie)           2:13
3.         "My Business"            2:08
4.         "Waiting for the Man"           (Lou Reed)     2:43
5.         "No More"                  2:07
6.         "No Brains"    2:46
7.         "Luv & Piece"  5:13

TWEN - One Stop Shop - Album

Me he encontrado con una formación musical previamente desconocida (para mí) e interesante. Encontré su álbum titulado "One Stop Shop" y decidí escucharlo con resultados sorprendentes y positivos. Así que pensé en compartir este descubrimiento contigo y los lectores.

ALBUM: One Stop Shop

Publicado el 22 de julio (2022), el dúo estadounidense TWEN (Jane Fitzsimmons e Ian Jones, originarios de Nashville) han autoeditado su segundo LP titulado "One Stop Shop"; una colección de 10 canciones que encuentra a la banda escribiendo, produciendo, mezclando, dirigiendo, diseñando y administrando su propio proyecto. Producido y mezclado con la ayuda de Ian Jones, el álbum se alimenta de la escena indie de Boston (donde están ahora) y ofrece un pop rock psicodélico llamativo. 

Lo interesante de este álbum son sus muchos sentidos: sus temas son ricos en sus texturas, hay efectos alrededor de sus instrumentos, la voz de Jane Fitzsimmons suena libre dejándonos apreciar su rango y su habilidad.

La canción principal "One Stop Shop (For A Fading Revolution)" es una obertura infecciosa para el "fin de los tiempos", mientras que "HaHaHome", el single principal del álbum, es una oda al brit-pop. Para agregar a la mezcla, la canción “Brooklyn Bridge” muestra la capacidad del dúo para crear letras complejas que resaltan cierta madurez. Con las canciones "Feeling In Love (From the Waist Down)" y "Sweet Dreams (In the Parking Lot)", el dúo cumple con el dicho "nunca escribas la misma canción dos veces" - algunas bandas nuevas usan "la fórmula de repetición" en su lanzamiento. Así y en general, es todo un viaje agradable para escuchar con sonidos pop rock dulces y psicodélicos.

Temas por destacar: "One Stop Shop (For A Fading Revolution)", "Dignitary Life", "Long Throat", "Sweet Dreams (In the Parking Lot)" y "Brooklyn Bridge".

Disco recomendado. Una escucha envolvente y cautivadora de principio a fin. El disco canaliza la psicodelia, el Brit-Pop, el underground y el pop moderno y los combina en un sonido único. Buscarlo, creo que te va a sorprender.

Video del tema "Dignitary Life":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1. One Stop Shop (For A Fading Revolution)
2. HaHaHome
3. Dignitary Life
4. Automation
5. Fortune500 

Cara B:

6. Feeling In Love (From the Waist Down)
7. Long Throat
8. Sweet Dreams (In the Parking Lot)
9. Brooklyn Bridge
10.Bore U

PET SHOP BOYS - Behaviour - Album

ALBUM: Behaviour

El cuarto álbum de estudio publicado el 22 de octubre de 1990. Un gran logro en la música pop y un verdadero hito artístico para PET SHOP BOYS (PSB). Para el oído y para la mente, todo encaja. 

Es la apuesta de "Pet Shop Boys" por la credibilidad y el "mainstream", ya que se basa más en pop que en variaciones rítmicas (bailables). Neil Tennant y Chris Lowe se toman muy en serio este enfoque, con Neil cantando las letras en lugar de hablarlas (un claro ejemplo de habla es el clásico "West End Girls"). La propuesta es suave y contemplativo. La instrumentación es exuberante y hermosa y la composición es realmente de primer nivel.

Y aquí está el elemento diferencial, se trata menos de un trabajo de baile y más de "canciones". Puede verse como el disco de "Pet Shop Boys" más oscuro y exploratorio y, como tal, el más emocionalmente resonante. Este álbum derrama un suave pop posmoderno envuelto en un aire de melancolía. Trata el desamor por la pérdida de un amigo (ej, HIV), de un amante, de juventud, de optimismo. Desamor causado por un amor no correspondido, una escena artística poco sincera y el auge del capitalismo. Neil Tennant es un observador, y su ojo omnipresente es más inteligente en "Behaviour". De hecho, el dúo realmente demuestra su talento para escribir canciones a través de diez obras maestras del pop casi perfectas, las mejores de las cuales son "Being Boring" (incluye a Johnny Marr en la guitarra), "This Must Be The Place I've Waited Years To Leave","My October Symphony", "So Hard" y "End Of The World" siendo entre las mejores canciones de la larga carrera de "Pet Shop Boys".

Un disco recomendado. Synth-pop magníficamente producido y grabado. Música brillante que lo convierte en una escucha muy agradable y sentimental. Para mi el mejor trabajo hasta ahora de PSB. Redoblan esfuerzos y afilan plumas para presentar un disco completo, variado y eterno. Si tuvieras que buscar solo un álbum de PSB para explorar, este sería un buen lugar para comenzar.

Video del tema "Being Boring":

Tracklist (formato LP original):

1.         "Being Boring"           6:49
2.         "This Must Be the Place I Waited Years to Leave"  5:30
3.         "To Face the Truth"    5:33
4.         "How Can You Expect to Be Taken Seriously?"      3:56
5.         "Only the Wind"        4:20
6.         "My October Symphony"      5:18
7.         "So Hard"       3:58
8.         "Nervously"    4:06
9.         "The End of the World"         4:43
10.       "Jealousy"    4:48

THE VELVET UNDERGROUND - The Velvet Underground & Nico - Album

Muy poco puedo añadir a lo que ya se ha expresado, escrito y debatido sobre el siguiente álbum. Además de ser uno de los discos más famosos de la historia del rock, si no "el más", también es revolucionario en el verdadero sentido de la palabra. Sin embargo, siendo este un blog mayormente cuyo objetivo es sugerir y poner frente a los ojos de los jóvenes amantes de la música álbumes que todavía no han descubierto, estoy casi obligado a escribir un post sobre la siguiente obra maestra de la música rock.

Hablo de...

ALBUM: The Velvet Underground & Nico

Es el álbum debut de la banda de rock estadounidense "The Velvet Underground" y la cantante alemana "Nico", publicado en marzo de 1967. El álbum presenta sensibilidades de interpretación experimental y temas líricos controvertidos, que incluyen abuso de drogas, prostitución, sadomasoquismo y desviación sexual. Temas que fueron controvertidos en su momento. En 2006, fue incluido en el "Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso".

Muy pocos álbumes de rock que han tenido una influencia tan amplia y generalizada como "The Velvet Underground & Nico". Los géneros de rock glam, punk, new wave, goth, noise y casi todos los demás movimientos de rock de "izquierda" tienen una deuda audible con este disco. Todo lo que fue adoptado más tarde por el punk inglés y el público indie estadounidense se puede encontrar en etapas embrionarias aquí en este disco. Para dar aún más un contexto contemporáneo, la mayoría de los innovadores notables de la música rock como David Bowie, Public Enemy, Patti Smith, Slint, The Stooges, Suicide, Talking Heads, King Crimson, Pixies, R.E.M., Sonic Youth, Joy Division, Can, John Zorn, Brian Eno... la lista sigue y sigue - le debe algo a este disco. Además, la portada del álbum de "la banana" diseñada por ANDY WARHOL puede colgarse cómodamente en cualquier museo de arte importante, ya que ahora es un ícono universal cultural y del pop.

The Velvet Underground era una banda con un sonido distintivo, y lo que destaca de este álbum es su diversidad. La banda presenta canciones de dream-pop ("Sunday Morning"), garage rock ("Waiting for the Man"), R&B ("There She Goes Again") e incluso canciones de amor ("I'll Be Your Mirror") cuando no estaban ocupados creando sonidos sin precedentes.

Ofreciendo una instantánea detallada e implacable de la cultura basura y la decadencia de Nueva York, la exploración lírica de las drogas y el sexo de Lou Reed recibió la atención más de la crítica, pero la música que tocaron Reed, John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker fue radical para el período. Los temas "European Son", "All Tomorrow 's Parties" y "Heroin" siguen siendo tan convincentes como el día en que se grabaron.

La incorporación de la cantante alemana "Nico" a este álbum (agregada por Warhol) y sus contribuciones han sido debatidas a lo largo de los años, ella no suena como una típica vocalista de rock, y la presencia de Andy Warhol como productor fue más una cuestión financiera (inversor), sin embargo la notoriedad del artista permitió a "The Velvet Underground" grabar su material sin compromiso (una carta blanca a la creatividad) lo que hubiera sido imposible. De ahí, quizás, la importancia de Warhol.

Un disco recomendado. Si aún no has descubierto "The Velvet Underground" y a este disco en particular, hazlo, al menos escúchalo con atención. Pocos álbumes de rock son tan importantes, y menos aún han perdido tan poco de su poder de sorpresa e intriga. No es una exageración decir que todas las bandas de rock que surgieron tras el lanzamiento de este álbum han sido influenciadas por su música. Muchos dicen que es el mayor debut de la música rock de todos los tiempos (por cierto, un título que también compite con otros discos).

Por último, para los oídos del lector más joven, descubrir y escuchar este álbum puede ser una tarea ardua. Pero, será una experiencia gratificante si le das una oportunidad, además de dar un contexto histórico y una perspectiva al rock que estás escuchando actualmente. En definitiva (y mi opinión) todo fan serio de la música debería tener una copia de este álbum en su colección.

Video del tema "I'm Waiting for the Man":

Tracklist (LP formato original):

Cara A:

1.         "Sunday Morning"     Reed   2:53
2.         "I'm Waiting for the Man"     Reed   4:37
3.         "Femme Fatale"          Nico    2:35
4.         "Venus in Furs"          Reed   5:07
5.         "Run Run Run"          Reed   4:18
6.         "All Tomorrow's Parties"       Nico    5:55

Cara B:

1.         "Heroin"          Reed   7:05
2.         "There She Goes Again"        Reed   2:30
3.         "I'll Be Your Mirror"  Nico    2:01
4.         "The Black Angel's Death Song" (Reed, John Cale) Reed   3:10
5.         "European Son" (Reed, Cale, Sterling Morrison, Maureen Tucker) Reed   7:40

Créditos:

Banda:

• Lou Reed - voz, guitarra principal, 
• John Cale - viola eléctrica, bajo, piano
• Sterling Morrison - guitarra rítmica, bajo
• Maureen Tucker – batería
• Nico- voz.

Producción:

• Andy Warhol - productor
• Tom Wilson - productor
• Norman Dolph - ingeniero
• Omi Haden - ingeniero
• John Licata - ingeniero

MANUEL GOTTSCHING - E2-E4 - Album

ALBUM: E2-E4

Publicado en 1984, se trata de una grabación en solitario del músico alemán Manuel Göttsching (líder de los grupos Ash Ra Tempel y Ashra en los años 70 y 80, además de solista, es uno de los guitarristas más influyentes del Krautrock (también conocido como Kosmische Musik). El álbum consta de una pista de electrónica minimalista que Göttsching grabó en una sola toma usando un secuenciador, con teclados improvisados, percusión metálica y guitarra. 

El álbum lleva el nombre de un movimiento de ajedrez de apertura muy popular: e2-e4 (que se expresa en notación algebraica larga). Existe un juego de palabras notable en E2-E4: cuando se expresa en notación de tono científica estándar, el rango armónico de las cuerdas de una guitarra se extiende desde E2 (82,407 Hz) a E4 (329,63 Hz). Este lanzamiento se ha ganado su lugar como uno de los discos electrónicos más importantes e influyentes jamás publicados. También es el primer álbum en establecer el tono de la música electrónica de baile.

Es una obra fascinante. Como se ha mencionado anteriormente, es una improvisación de 59 minutos de un hombre, grabando teclados en tiempo real, luego caja de ritmos, luego (después de +- 30 minutos) guitarra: 2 acordes, uno dos uno dos. El álbum es un precursor del llamado subgénero “Ambient Techno”. El "flow" no se parece a nada de la época, con su sensación hipnótica, el ciclo retorcido de la batería electrónica y los tonos sintéticos pulsantes, todos combinados para inventar una atmósfera angular y futurista. Este "flujo" fluido hace que el álbum sea muy consistente y una experiencia en la que se destacan los detalles más pequeños.

Al igual que en álbumes anteriores de Manuel Göttsching ("Ashra") como "New Age of Earth" y "Blackouts", graba todo con una breve lista de instrumentos: caja de ritmos y una línea de guitarra repetitiva de fondo con un ligero trabajo de sintetizador. Lo que la distingue de la música anterior es una firme negativa a seguir las nociones populares de desarrollo de la melodía y la armonía. "E2-E4" trabaja casi una hora con una aplicación a la electrónica que falta en la mayoría de la música que la precedió (estado de trance). Aunque se repite incesantemente, es la forma en que los elementos interactúan y se construyen lo que determina el sonido, y esta es la esencia de la mayoría de la música dance, la compleja interacción entre las partes repetitivas.

Finalmente, este disco tendría un impacto profundo sobre el "Balearic Beat", el sonido de Ibiza de los 80 y 90.

Disco recomendado. Un trabajo muy adelantado a su tiempo. La incorporación de ritmos bailables en este álbum, afines al "acid techno" y al "acid house", no se conocía hasta casi una década después de su aparición inicial. Una obra maestra del EDM temprano; la simplicidad a través del minimalismo complejo.

Video del tema "Ruhige Nervosität":

Tracklist: 

1. Ruhige Nervosität - 13:00
2. Gemäßigter Aufbruch - 10:00
3  ...Und Mittelspie - l7:00
4. Ansatz - 6:00
5. Damen-Eleganza - 5:00
6. Ehrenvoller Kampf - 3:00
7. Hoheit weicht (Nicht ohne Schwung...) - 9:00
8. ...Und Souveränität - 3:00
9. Remis - 3:00

THE DOORS - The Doors - Album

Este disco es famoso y un clásico que seguro el lector más veterano ya conoce. Pero este post va más dirigido al melómano y al interesad@ de descubrir música más joven. Me sorprende (y asusta) que poco saben de bandas pre-2000 la generación actual (los millennials). 

ALBUM: The Doors

El álbum debut de estudio de la banda de rock THE DOORS, publicado el 4 de enero de 1967 bajo la producción de Paul A. Rothchild. Un gran álbum y uno de los mejores primeros discos en la historia del rock. Presenta una fusión de rock, blues, música clásica, jazz y poesía. Este disco sigue siendo el álbum de estudio más vendido de THE DOORS con ventas de + 13 millones de copias, y contando.

La música en este disco posee una cualidad mágica, hipnótica y sensual que parece resonar instantáneamente tanto intelectualmente como en un nivel más primario. El enfoque chamánico del cantante Jim Morrison para liderar una banda de Rock & Roll ha inspirado a innumerables vocalistas desde su lanzamiento.

La química influenciada por el jazz-blues de los otros miembros de la banda, Robby Krieger, Ray Manzarek y John Densmore, destaca una interacción telepática de maestría musical de alto nivel. Al grabar este primer álbum, "The Doors" establecieron su propia identidad única y un estilo a partir de la cual desarrollarían su sonido en discos posteriores. La presentación de esta obra ha sido vista como una parte esencial de la evolución del rock psicodélico, mientras que también ha sido reconocida como una fuente de inspiración para muchos otros.

Los "riffs" de guitarra y órgano se entrelazan con un encanto hipnótico, proporcionando un telón de fondo seductor para la voz cautivadora y la prosa inquisitiva del carismático cantante Jim Morrison. La canción "Light My Fire" fue el single que encabezó las listas y estableció al grupo como grandes estrellas del rock, pero el resto del álbum es igual de impresionante, incluyendo algunas de sus mejores canciones: como "Break on Through", "The Crystal Ship", "End of the Night", "Take It as It Comes" y el hard rock de "Soul Kitchen" y "Twentieth Century Fox". El drama edípico de 11 minutos "The End" fue el grupo en su forma más atrevida y mística. Además, hay una maravillosa versión de blues compuesta por "Willie Dixon", el ya famoso "Back Door Man", versionado pero muchos otros.

En 2015, la "Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos" seleccionó el disco "The Doors" para su inclusión en el Registro Nacional de Grabaciones en función de su importancia cultural, artística o histórica.

La banda "The Doors" era una fuerza de la naturaleza y este álbum es una introducción perfecta a su mundo mágico. Este disco es ya un clásico, debería estar en la colección de todos los amantes de la música. Define el rock psicodélico de los 60 (Siglo XX) y su influencia y legado es indudable y duradero. Es oscuro, alucinante, excesivo e intenso. THE DOORS nunca igualaría este álbum, aunque se acercarán con los lanzamientos posteriores de "Morrison Hotel" (1970) y "L.A. Woman" (1971).

Uno de los mejores álbumes de los años 60 y uno de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos.

Video del tema "Back Door Man":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1.         "Break On Through (To the Other Side)"                2:25
2.         "Soul Kitchen"                                  3:30
3.         "The Crystal Ship"                            2:30
4.         "Twentieth Century Fox"                  2:30
5.         "Alabama Song (Whisky Bar)"         3:15
6.         "Light My Fire"                                 6:50

Cara B:

1.         "Back Door Man"                3:30
2.         "I Looked at You"                2:18
3.         "End of the Night"               2:49
4.         "Take It as It Comes"           2:13
5.         "The End"                            11.35

RAMONES - Rocket to Russia - Album

No es tan famoso ni tan influyente como el álbum "Ramones" (1976), pero el siguiente disco es musicalmente mejor y lleno de humor. Hablo de...

ALBUM: Rocket to Russia

El tercer álbum de estudio fue publicado el 4 de noviembre de 1977. Sus orígenes (génesis) se remontan al verano de 1977, cuando se lanzó como sencillo "Sheena Is a Punk Rocker". La portada del álbum fue dirigida por John Gillespie. John Holmstrom y el guitarrista Johnny Ramone trabajaron en la ilustración, con toda la contraportada contemplando un tema militar, mientras que el diseño interior de la portada mostraba muchos de los temas representados en las canciones. El estilo musical de este disco muestra más una influencia de surf rock, y muchas canciones tienen una estructuración super mínima.

Muy pocos álbumes tienen un gran contenido sin momentos de relleno, este es uno de esos discos. Este trabajo cuenta con una producción más limpia que sus predecesores, y el grupo escribió su mejor conjunto de canciones para este álbum. También escuchando atentamente descubrirás algunos ejemplos de evolución artística y cambios de tono. Si bien sólo está refinando marginalmente los tropos del material más antiguo, es quizás el disco más punk de los "Ramones".

"Rocket To Russia" contiene más de una docena de canciones cortas que hacen alarde de potentes acordes, letras sin sentido, coros de gritos, tiempos vertiginosos y guiños abiertos al rock and roll anterior a "The Beatles" de principios de la década de 1960. La canción "Sheena Is A Punk Rocker", "Teenage Lobotomy" y "Rockaway Beach" se convertirían en perennes dentro de los bolos en directo de los Ramones. No hay un mal tema, y las canciones están llenas de ganchos irresistiblemente pegadizos; incluso su elección de temas versiones, "Do You Wanna Dance?" (Bobby Freeman) y "Surfin' Bird" (TheTrashmen) proporcionan más "hooks" de lo habitual. Los Ramones también sorprenden, añadiendo baladas al tracklist. Incluso con las canciones "más lentas", la velocidad del álbum nunca disminuye. Todos estos ingredientes hacen que "Rocket to Russia" sea el álbum más agradable y quizás más accesible de los Ramones. No tiene el impacto revolucionario del disco debut "Ramones" (1976), pero es musicalmente mejor y uno de los mejores discos de finales de los 70.

Un disco recomendado. Excelentes melodías y con letras divertidas, aparte de tener gran producción y una ejecución fantástica en general lo que hacen de este uno de los pocos discos punk casi perfectos, sino de referencia. Un clásico atemporal, difícil de superar en el punk rock.

Y terminó, Johnny Ramone dijo una vez que "Rocket to Russia" era su álbum favorito de los Ramones.

Video del tema "Sheena Is A Punk Rocker":

Tracklist (formato LP):

Cara A: 

1.         "Cretin Hop"   Ramones         1:55
2.         "Rockaway Beach"    Dee Dee Ramone       2:06
3.         "Here Today, Gone Tomorrow"        Joey Ramone  2:47
4.         "Locket Love"            Dee Dee Ramone       2:09
5.         "I Don't Care" Joey Ramone  1:38
6.         "Sheena Is a Punk Rocker"    Joey Ramone  2:49
7.         "We're a Happy Family"        Ramones         2:47 

Cara B:

8.         "Teenage Lobotomy" Ramones         2:00
9.         "Do You Wanna Dance?" (Bobby Freeman)          1:52
10.       "I Wanna Be Well"     Joey Ramone  2:28
11.       "I Can't Give You Anything"            Dee Dee Ramone       1:57
12.       "Ramona"       Ramones         2:35
13.       "Surfin' Bird" (The Trashmen)           2:37
14.       "Why Is It Always This Way?" Ramones 2:32

CHAT PILE - GOD`S COUNTRY - Album

ALBUM: GOD'S COUNTRY

El álbum debut de la banda de "sludge-metal" de la ciudad de Oklahoma (EE.UU), CHAT PILE, que se publicó el 29 de julio de 2022. El cuarteto del cantante Raygun Busch, el guitarrista Luther Manhole, el bajista Stin y el baterista Captain Ron, solo existen desde 2019, pero son herederos de un linaje musical que se remonta a décadas. La batería electrónica reverberada recuerda a "Big Black" y "Godflesh". Los aullidos de Busch recuerdan a "David Yow" de Jesus Lizard, mientras que la sección rítmica evoca "Helmet".

Este álbum ha recibido una gran cantidad de publicidad, así que tenía curiosidad por saber de qué se trataba todo este alboroto. Inicialmente pensé, un poco sobrevalorado, aunque necesitas una escucha repetida.

La banda no hace cambios radicales dentro del género "sludge metal"; simplemente suena más grande, más distorsionado y más aterrador. Manejando las tareas de producción ellos mismos, refuerzan las proporciones musicales, encontrando nuevas profundidades en una mezcla. Comenzando con una progresión vacilante de rellenos de batería antes de explotar en el chillido de Busch que se destroza la laringe, el tema de apertura, "Slaughterhouse", marca el rumbo. En general, el bajo está afinado tan bajo que sus tonos ya no se registran como notas reales, y suenan oscuros en el extremo inferior. La guitarra apuñala y corta, esculpiendo riffs disonantes pero hipnóticos que son melódicos. Y los "toms" despiadados, aplastan tu cerebro.

Incluso con su enfoque duro, pesimista y de horror, me gustaron muchas canciones de este disco, desde "Pamela", "Why" hasta "Tropical Beaches, Inc"., específicamente donde tienen algunos de los mejores instrumentales, producción y actuaciones del álbum. También me gusta la variedad de ideas y sonidos que la banda trae a su oferta. Los fans del hard core metal con un toque "emo" disfrutarán de esta banda y este álbum.

• Mejores temas: "Pamela", "Anywhere", "Why" y "Tropical Beaches, Inc."
• Peor tema: "I Don't Care If I Burn"

En resumen, un disco para descubrir. Es duro y directo en tu cara. Sin embargo, un viaje poderoso y aterrador a través de la mente alucinada de un hombre en la América moderna. Una interpretación vocal entretenida y ruidosa de principio a fin que ilustra el descontento y el lado oscuro de la mente humana moderna que se corrompe y se vuelve loca. Pero espera, déjame terminar con una nota de optimismo: también es un disco íntimo, expansivo, político y profundamente personal, inquietante, perturbador y, lo que es más importante, ¡afirma la vida!

Video del tema "Pamela":

Tracklist:

1.         "Slaughterhouse"        4:12
2.         "Why" 3:31
3.         "Pamela"         4:57
4.         "Wicked Puppet Dance"        3:07
5.         "Anywhere"    5:47
6.         "Tropical Beaches, Inc."         3:46
7.         "The Mask"     2:57
8.         "I Don't Care If I Burn"         2:54
9.         "grimace_smoking_weed.jpeg"         9:05

SUPERTRAMP - Paris (Live 1979) - Album

Lo que hace que este álbum sea excepcional para mí, es que es uno de los pocos (si es que hay otro) álbumes en directo donde las canciones "Live" mejoran las versiones originales de estudio - otro ejemplo seria "Live in the City of Light" (1987) por Simple Minds .

Aparte encuentras una fabulosa oferta de canciones de una de las bandas de rock-pop más grandes del mundo a principios de los años 80 (Siglo XX).

Hablo de..
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ALBUM: Paris (Supertramp Live)

 
Es un álbum doble en directo publicado en 1980. La mayoría de las canciones fueron grabadas de un concierto del 29 de noviembre de 1979 en el "Pavillon de Paris" (Francia). Curiosamente, el disco originalmente se iba a llamar "Roadworks", menos mal que no fue así.

"Paris" es un increíble set en directo que capta a SUPERTRAMP en la cima de su popularidad mientras estaban de gira promocionando su gran álbum de 1979, "Breakfast In America"; en un momento en que el co-líder Roger Hodgson todavía estaba con el grupo.

Antes de este lanzamiento, la banda estaba bajo una gran presión por parte de su compañía discográfica para producir otro nuevo disco al mismo nivel del enormemente exitoso "Breakfast in America", y necesitaban salir de la rutina de giras y grabaciones por un tiempo para considerar la dirección musical para tal álbum. Tomarse un respiro significaba que el próximo disco de estudio no estaría terminado hasta 1981 como mínimo, por lo que se necesitaba algo "para llenar el vacío". Usando el estudio móvil de la banda, se grabaron varios conciertos en directo en Canadá y en toda Europa. Sin embargo, cuando a la banda se les presentaron cintas que contenían mezclas aproximadas de estas grabaciones, y los miembros votaron por sus temas favoritos, la mayoría de los votos coincidieron con las grabaciones del concierto del 29 de noviembre en "The Pavilion" - PARÍS (Francia).

Esto hace que esta sea una excelente manera de descubrir SUPERTRAMP con un repertorio que incluye temas de sus "mejores años". La lista de canciones de "Paris" contiene casi todo el álbum "Crime of the Century" de 1974 (excepto "If Everyone Was Listening"), tres canciones de "Crisis? What Crisis?" (1975), dos del álbum "Even in the Quietest Moments" (1977), tres del álbum "Breakfast in America" (1979) más "You Started Laughing", y la cara B de la canción "Lady" de Crisis? ¿Qué Crisis?.

Los grandes clásicos están incluidos en este directo, como "School", "Ain't Nobody But Me", "The Logical Song", "Dreamer", "Rudy", "Take The Long Way Home", "Fool's Overture" y "Crime Of The Century", además de una canción exclusiva, "You Started Laughing", que no se encuentra en ningún otro sitio. Hodgson y el co-líder Rick Davies cantan con todo su corazón y tocan sus respectivos teclados con gran pasión. Como ya sabrán, durante este período de la carrera de la banda, la asociación Hodgson & Davies comenzó a fracturarse. Hodgson iba a anunciar unos años después su salida.

En el lado de la producción y la música, "Paris" es quizás una de las mejores grabaciones en directo que puedes escuchar. Sonido nítido, maestría musical de alta calidad, voces impecables, elementos combinados y perfectamente equilibrados. Inusual para su época y aún difícil para cualquier grabación en directo en un álbum actualmente.

En conclusión, "Paris" contiene las mejores canciones de Supertramp, presenta su formación clásica y las actuaciones son casi perfectas. Además de eso, esto se grabó poco antes de la salida de Roger Hodgson, lo que lo convierte en la declaración final del clásico Supertramp. Si estás buscando una introducción a Supertramp, "París" es el lugar para comenzar. Si ya conoces su trabajo, es el álbum en directo que debes tener.

Disco recomendado.

Video del tema "Breakfast in America" (Live Paris 1979):

Tracklist (formato LP doble):

 A1.School - l5:20
A2.Ain't Nobody but Me - 4:53
A3.The Logical Song - 3:41
A4.Bloody Well Right - 6:11

B1.Breakfast in America - 2:36
B2.You Started Laughing - 3:50
B3.Hide in Your Shell - 6:36
B4.From Now On - 6:44

C1.Dreamer - 3:15
C2.Rudy - 6:51
C3.A Soapbox Opera - 4:33
C4.Asylum - 6:41

D1.Take the Long Way Home - 4:35
D2.Fool's Overture - 10:14
D3.Two of Us - 1:23
D4. Crime of the Century - 6:14

Músicos:

• Rick Davies - voz, teclados, armónica, compositor,
• Roger Hodgson - voz, guitarra, teclados, compositor,
• John Helliwell: saxofón, instrumentos de viento, teclados, voces, palabra hablada,
• Dougie Thomson - bajo,
• Bob C. Benberg - batería, percusión.

Video del tema "Logical Song" (Live Paris 1979):