BLOG DE MUSICA ▶️ BUSCAR TU MÚSICA Y ARTISTA-GRUPO ▶️ SEARCH YOUR MUSIC AND ARTIST-BAND

MINOR THREAT - The Complete Discography - Album

Minor Threat (Banda)

 
Grupo de música americana de hardcore punk, formado en 1980 en Washington, D.C. por el vocalista Ian MacKaye y el baterista Jeff Nelson
. MacKaye y Nelson habían tocado juntos en varias otras bandas y reclutaron al bajista Brian Baker y al guitarrista Lyle Preslar. Agregaron un quinto miembro, Steve Hansgen, en 1982, tocando el bajo, mientras que Baker cambió a la segunda guitarra. Junto con la banda de hardcore "Bad Brains" y la banda "Black Flag", Minor Threat estableció el estándar para muchos grupos de hardcore punk en las décadas de 1980 y 1990.

Minor Threat (Banda)

La banda duró relativamente poco, se disolvió después de sólo tres años juntos, pero tuvo una fuerte influencia en la escena punk, tanto estilísticamente como en el establecimiento de una ética de "do it yourself" - DIY - para la distribución de música y la promoción de conciertos.

A través de sus canciones, el grupo rechazó las drogas y el alcohol, defendió la política antisistema y encabezó un llamamiento a la autoconciencia. Cada canción era rápida, nítida y letal, a menudo registrando alrededor de solo un minuto. Después de la disolución de "Minor Threat", MacKaye formó "Fugazi", que se convirtió en una de las bandas de indie rock más populares de finales de los años 80 y los 90 (Siglo XX).

Lanzamientos de material original:

  • Minor Threat (EP, 1981)
  • In My Eyes (EP, 1981)
  • Out of Step (álbum de estudio, 1983)
  • Salad Days (EP, 1985)

Minor Threat (Banda Live)

Hay un lanzamiento que es una verdadera joya. Toda la discografía de la banda en un solo CD, todo su efímero catálogo de canciones.
 

ALBUM: The Complete Discography

 
Publicado en 1988, esta oferta recopila todo el cuerpo de grabaciones de "Minor Threat" en un solo CD. Las canciones son algunas de las más fuertes, ruidosas, emocionales y de rock and roll grabadas. 

"Minor Threat" fue una de las bandas innovadoras del hardcore y su música se ha mantenido mejor que la mayoría de sus contemporáneos. Como una de las principales bandas de la escena hardcore de Washington, D.C., el grupo fue pionero en la mentalidad de vanguardia al enfatizar tempos increíblemente rápidos, canciones breves, letras políticas y un estilo de vida libre de drogas y alcohol.

ALBUM: The Complete Discography de MINOR THREAT

Tenían un sonido fuerte y distintivo que no era tan pesado como las otras bandas de la costa este americana. Aunque parte de la música en "Complete Discography" tiene una producción de sonido de baja calidad, estructuras rígidas y políticas, es en gran medida una pieza esencial del hardcore de principios de los 80. El sonido sigue siendo vigorizante; la banda poseía una energía visceral.

Musicalmente hablando, es una muestra sobresaliente de hardcore punk, en espíritu y ejecución, con una técnica y una habilidad subyacentes que podrían perfeccionarse, si ese fuera el objetivo. Increíble. 

Disco Recomendado. El grupo marcó el comienzo de todo un género de rock and roll, el hardcore. Es un modelo para los primeros reemplazos, Husker Du, hasta REM que lo siguió. Bastante cool! 

Video del tema "In My Eyes":

Tracklist:

1.Filler - 1:32
2.I Don't Wanna Hear It - 1:14
3.Seeing Red - 1:03
4.Straight Edge - 0:45
5.Small Man, Big Mouth - 0:55
6.Screaming at a Wall - 1:32
7.Bottled Violence - 0:54
8.Minor Threat - 1:29
9.Stand Up - 0:52
10.12XU - 1:04
11.In My Eyes - 2:49
12.Out of Step (With the World) - 1:15
13.Guilty of Being White - 1:17
14.Steppin' Stone - 2:12
15.Betray - 3:04
16.It Follows - 1:50
17.Think Again - 2:18
18.Look Back and Laugh - 3:16
19.Sob Story - 1:50
20.No Reason - 1:57
21.Little Friend - 2:18
22.Out of Step - 1:20
23.Cashing In - 3:43
24.Stumped - 1:53
25.Good Guys (Don't Wear White) - 2:22
26.Salad Days - 2:46

SPIRITUALIZED - Everything Was Beautiful - Album

Spiritualized (Jason Pierce)


Cuando el trío "Spacemen 3" se separó, el cantante/guitarrista Jason Pierce (también conocido como J. Spaceman) formó su grupo "Spiritualized", dando una plataforma para su composición más melódica y lastimera del monótono minimalismo de su antigua banda.

Spiritualized (Jason Pierce)

Spiritualized comienza con sonidos influenciados por "Velvet Underground" y evolucionó para incorporar tanto el gospel como el blues, además del pop orquestal que trae las sinfonías de maestros como Brian Wilson y Phil Spector.

Los críticos han descrito el sonido de la banda en varias formas: space rock, neo-psychedelic, experimental e incluso garage rock. Lo que puedo decirte es que es una propuesta ciertamente ecléctica y siempre estimulante. Spiritualized también se basa en gran medida en notas y drones sostenidos de 'pedal', alguno que les da como marca casi propia.

La banda hasta el momento a publicado ocho álbumes de estudio:

  • Lazer Guided Melodies (1992)
  • Pure Phase (1995)
  • Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space (1997)
  • Let It Come Down (2001)
  • Amazing Grace (2003)
  • Songs in A&E (2008)
  • Sweet Heart Sweet Light (2012)
  • And Nothing Hurt (2018)
  • Everything Was Beautiful (2022)

Posiblemente, el más conocido y aclamado por la crítica sea "Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space" de 1997. Un disco maravilloso que está a la altura de otros lanzamientos igualmente magníficos como "Pure Phase", y mi favorito de todos el debut "Lazer Guided Melodies".

SPIRITUALIZED - live

La banda ha pasado por un "período plano" en los últimos años y ha publicado este 2022 una obra que es para mi un espectacular gran regreso en forma de "Everything Was Beautiful".

ALBUM: Everything Was Beautiful

 
Octavo álbum de estudio publicado el 22 de abril de 2022. La literatura sobre este disco nos comenta que se grabó en casa y en  11 estudios diferentes con Jason Pierce manejando 16 instrumentos el solito. Hay 30 músicos que participaron para dar este trabajo su sonido "grande". 

Es rock orquestal en plena ebullición y con poder extático. Spiritualized combina todo desde los últimos años, en un álbum de 7 temas de 44 minutos. Una gran obra. Toca la fibra de todos los sentimientos. Todos los sonidos son gloriosos, afirman la vida y son hermosos, ingeniosamente ensamblados por Jason Pierce.

Además este álbum sirve como contrapunto y de pieza complementaria de su predecesor - "And Nothing Hurt" - con canciones extraídas de las mismas sesiones de demo brindando aquí las interpretaciones completas.

ALBUM: Everything Was Beautiful - Spiritualized

El "salto cuántico" para mí es evidente en la canción de apertura "Always Together with You", una de las canciones más inmediatas e hiperactivas que Pierce ha grabado en años. Es, sin lugar a dudas, una hermosa apertura para este álbum. Una vibrante línea de bajo y ritmos de trance impulsan "Best Thing You Never Had", con una sección de vientos y un coro completo de coristas que aportan energía a un número por lo demás psicodélico. Voces de gospel, sintetizadores y todo, desde armónica de bajo hasta instrumentos de viento de madera, brillan con una luz radiante en "The Mainline Song" y la canción de cierre de casi diez minutos "I'm Coming Home Again" es un canto fúnebre a fuego lento que aumenta en intensidad hasta que la tensión finalmente pausa en los últimos 30 segundos de la canción. Solo con "Crazy" el álbum se relaja y cada dos momentos encuentra a Pierce llenando sus canciones con sonidos profundos y llevando las actuaciones al límite. 

En términos de composición, instrumentación y producción, este disco representa quizás el proyecto más ambicioso e impecablemente interpretado de Jason Pierce, mostrando que "Spiritualized" alcanza de nuevo otro nivel artístico, forjando música sublimemente ensamblada.

Algunos de los temas más destacados del álbum incluyen: "Always Together With You", "Best Thing You Never Had (The D Song)", "The Mainline Song / The Lockdown Song", "The A Song (Laid in Your Arms)" y "I'm Coming Home Again". Dicho esto, en general, "Everything Was Beautiful" es simplemente delirante y emocionante, una fusión de las mejores partes de las diversas fases de la banda que se siente revitalizada. Además, en comparación con trabajos anteriores, esto es excepcionalmente optimista.

Disco recomendado. Suave, delicado, psicodélico, enérgico, brillante, colorido, conciso y toques de blues. "Spiritualized" ha recuperado el espacio perdido y este es un magnífico retorno. Excelente, para mi el primer gran disco del 2022, y claro candidato para la lista del fin de año.

Un 5/5

Video del tema "I'm Coming Home Again":


Tracklist:

1. Always Together With You - 6:38
2. Best Thing You Never Had (The D Song) - 5:52
3. Let It Bleed (For Iggy) - 4:41
4. Crazy - 3:52
5. The Mainline Song / The Lockdown Song - 5:56
6. The A Song (Laid in Your Arms) - 7:07
7. I´m Coming Home Again" - 9:54

ERYKAH BADU - Baduizm - Album

Erykah Badu (Cantautora)


Nacida como Erica Abi Wright en Dallas (EE.UU) en 1971, es conocida profesionalmente como Erykah Badu, cantautora, productora y actriz. En su juventud escuchaba soul de los 70 y hip-hop de los 80, y muchos la comparan vocalmente (quizás exageradamente) con "Billie Holiday". Badu se asoció con el subgénero "neo soul" en las décadas de 1990 y 2000 junto con artistas como "D'Angelo" y "Maxwell". Incluso la llaman la "Reina del Neo Soul".

Erykah Badu (Cantautora)

La carrera de Badu comenzó después de abrir un concierto para el artista "D'Angelo" en 1994 en Fort Worth, Texas; el fundador del sello discográfico "Kedar Entertainment" , Kedar Massenburg - también manager de DÁngelo - quedó muy impresionado con su actuación y la fichó.

Erykah Badu ha sido descrita como una cantante de R & B experimental y su trabajo explora formas contemporáneas de soul y hip hop. La mayor parte de la música de Badu está muy influenciada por sus creencias sobre la "Nation of Gods and Earths" y su exploración de su herencia africana.

La discografía hasta ahora:

  • Baduizm (1997)
  • Mama's Gun (2000)
  • Worldwide Underground (2003)
  • New Amerykah Part One (2008)
  • New Amerykah Part Two (2010) 

El segundo álbum "Mama's Gun" puso a Erykah Badu en lo más alto, pero personalmente sigo disfrutando mucho escuchando su debut "Baduizm".

ALBUM: Baduizm


El álbum debut publicado el 11 de febrero de 1997, llevó a Badu al #2 en la lista de Estados Unidos. El éxito de "Baduizm" ayudó a establecer a Erykah Badu como uno de los artistas líderes en el género "neo-soul" y es uno de los álbumes que contribuyeron a la visibilidad comercial del género en ese momento. Un disco que dio cuatro singles: "On & On", "Appletree", "Next Lifetime" y "Otherside of the Game". El álbum fue certificado triple platino por la Recording Industry Association of America (RIAA).

En esta obra Badu canta con un toque de blues que recuerda a Nina Simone y Billie Holiday. "On & On" y "Appletree", las dos primeras canciones, ilustraron su talento para cantar soul con un toque de jazz. En este álbum también asume diferentes personajes; "Otherside of the Game" es un lamento poético de una futura madre soltera que no puede olvidar al padre de su hijo.

ALBUM de "Baduizm" por ERYKAH BADU

Erykah Badu fue una revolución en la música soul con este disco, los ritmos de hip-hop más pesados sobre la música soul orgánica y concienzuda hicieron posible lanzamiento como estrella de la música urbana. No obstante, no todas las canciones de este álbum son de "nivelazo", pero las buenas esconden o eclipsan las deficiencias. Por lo tanto, en general, vale mucho la pena y el esfuerzo de dar este trabajo una buena escucha.

Disco recomendado. "Baduizm" marca el comienzo de la carrera de Badu, siendo más crudo y orgánico. Quizá alcanzó su punto máximo en otros discos, pero personalmente disfruto más con este. Apreciaras una hermosa voz con influencias de jazz (Ron Carter en el bajo) junto con la brillante aportación intelectual de Badu. Un álbum top del "neo-soul".

Video del tema "On & On":


Tracklist (versión original lanzamiento):

1.         "Rimshot (Intro)"       1:56
2.         "On & On"                 3:45
3.         "Appletree"                 4:25
4.         "Otherside of the Game"       6:33
5.         "Sometimes (Mix #9)"            0:44
6.         "Next Lifetime"          6:26
7.         "Afro (Freestyle Skit)"                       2:04
8.         "Certainly"      4:43
9.         "4 Leaf Clover"          4:34
10.       "No Love"      5:08
11.       "Drama"                      6:02
12.       "Sometimes..."            4:10
13.       "Certainly (Flipped It)"          5:26
14.       "Rimshot (Outro)"                  2:19

Músicos:

  • Erykah Badu: teclados (tema 3), voz principal (todas las pistas), coros (temas 2-6, 8-9, 11)
  • Ron Carter - bajo (tema 11)
  • Madukwu Chinwah - voces adicionales (tema 13)
  • Ike Lee III - teclados (tema 3, tema 9 Adicional en la tema 10)
  • N'Dambi - voces adicionales (tema 13)
  • Bob Power: guitarra (tema 11), teclados (11), varios instrumentos (2)
  • Tone The Backbone - múltiples instrumentos (tema 6)

Samples usados:

  •  "Appletree" aparece en "On & On".
  • "No Love" samples "Lucky Fellow" por Leroy Hutson & interpolates "I Love You Too Much" por Stevie Wonder.
  • "Drama" interpolates "Pastime Paradise" por Stevie Wonder.
  • "Sometimes" sample "I Feel Like Loving You Today" por Donald Byrd and 125th St, NYC.
  • "Certainly (Flipped It)" sample "Summer Madness" de Kool & The Gang"

DUSTER - Together - Album

Duster (Banda)


La oferta musical del trío americano - formada originalmente por Clay Parton, Canaan Dove Amber y Jason Albertini - era de sonidos lentos y de lo-fi cuando empezaron a finales de los 90 y donde no encontrando mucho público. Sus dos primeros álbumes y varias otras grabaciones hechas en estudios caseros y de música rock "slow-space" quizás llegaron demasiado tarde para el movimiento "slowcore". También estaban cerca del noise rock y el emo, pero nunca formaron parte del todo de estas escenas.

Duster - Banda (formación original)

El grupo dejó de trabajar juntos en 2001 y esto llevó a que su leyenda creciera lentamente a fines de la década de 2010, lo que provocó que sus álbumes agotados (descatalogados) durante mucho tiempo obtuvieran grandes sumas de dinero en el mercado de coleccionistas, ayudado por nuevas bandas que pregonaban sus alabanzas.

Después de mucho tiempo trabajando en otros proyectos, y ocasionalmente juntos, "Duster" volvió a reunirse en 2018 para grabar nueva música y tocar en directos en apoyo promocional del Box-set "Capsule Losing Contact". Continuaron trabajando para darnos el disco "Together" (2022)". Con esta última oferta, "Duster" se ha reducido a un formato de dúo con Clay Parton y Canaan Dove Amber.

Discografía de Duster: 

  • Stratosphere (1998)
  • Contemporary Movement (2000)
  • Duster (2019)
  • Together (2022)

ALBUM: Together


Cuarto álbum publicado el 1 de abril de 2022. Un proyecto exploratorio de 13 canciones que captura todas las variantes del sonido "Duster", y quizás, más suave -menos espacial y más terrenal- y más melódico que sus trabajos anteriores.

ALBUM: portada de "Together"  de Duster

Este disco está más basado en canciones y es más directo que cualquier cosa que "Duster" haya hecho antes. Sin embargo, todavía es difícil averiguar sobre qué están cantando, ya que la voz de Parton siempre está enterrada cerca del fondo. No hay problema, es la "marca registrada de Duster" a la que están acostumbrados los fans. Dicho esto, transmiten "sentimiento", especialmente cuando se combinan con líneas de guitarra "jangle" o angulares que transmiten emoción a la música, por ejemplo, la canción "Teeth" que mola.

Con este álbum, "Duster" también se basa en su naturaleza experimental al probar algunas cosas que no habían hecho antes. Ahora como dúo, Clay Parton y Canaan Dove Amber, grabando en estudios de grabación caseros, aún evitan la claridad en favor de la sensación y aún producen canciones melancólicas, oscuras y paradójicamente emocionalmente inspiradas.

Se han diluido en el "noise" y en la experimentación "más allá" y refuerzan la naturaleza expansiva de sus primeros trabajos. El resultado es un sonido comprimido que flota tranquilamente en el área de rango medio, sin perder el control ni fragmentarse en retroalimentación mientras las canciones de tempo medio se desenrollan suavemente a través de capas de instrumentos de cuerda y el ritmo constante de la batería.

ALBUM: contraportada de "Together"  de Duster 

Otras gratas sorpresas es descubrir elementos del "shoegaze" con temas como "Escalator" o "Making Room" donde las guitarras toman el relevo. Pero hay más sorpresas agradables, la banda también aborda nuevos terrenos con la canción "Sleepyhead", una balada post-punk que presenta caja de ritmos, muchos coros en las guitarras y una voz canturreando.

Un disco recomendado. Una escucha casi obligada para fans, sin rellenos durante 47 minutos de excelente "slowcore melódico".

Video del tema "Teeth”:

Tracklist:

1.New Directions 03:17
2.Retrograde 04:22
3.N 03:01
4.Time Glitch 03:51
5.Teeth 04:30
6.Escalator 03:59
7.Familiar Fields 05:12
8.Moonroam 01:27
9.Sleepyhead 02:57
10.Making Room 03:46
11.Drifter 03:55
12.Feel No Joy 03:57
13.Sad Boys 03:28

THE DIRTBOMBS - Ultraglide in Black - Album

¿The gusta la música soul (Motown), funk y R & B? ¿The gusta el garage rock? ¿Y si se pudiese fusionar? …

The Dirtbombs (Banda)


Grupo americano de garage rock con sede en Detroit, que se destaca por mezclar diversas influencias como el punk rock y el soul al tiempo que presenta una formación inusual de dos bajos, dos baterías y guitarra.

The Dirtbombs (Banda)

Después de liderar el grupo de garage-rock de la década de 1980, el cantante de "The Gories", Mick Collins, formó "The Dirtbombs" en 1995, una banda con una formación y un sonido en constante cambio. A pesar del poco éxito comercial, el grupo se convirtió en parte de la élite de Detroit. Con cerca de 17 formaciones diferentes, el único miembro fijo ha sido y siempre será, Mick Collins - naturalmente.

En las casi dos décadas desde su concepción, The Dirtbombs ha sido el hogar de muchos músicos de rock de la ciudad de Detroit, tanto en el estudio como en directos. Los miembros incluyen a Ben Blackwell, batería; Mick Collins, guitarra, voz; Jim Diamond, (deja el grupo, 2004) bajo; Ewolf (deja el grupo, 20 01), batería; Joe Greenwald (deja el grupo, 2001), bajo; Troy Gregory, bajo; Chris Handyside (deja el grupo, 2001), batería; Tom Lynch (deja el grupo, 2001) bajo; Ko Melina, bajo; Patrick Pantano, batería; Tom Potter (deja el grupo, 2004), bajo.

Comenzaron principalmente como una banda de singles, lanzando cinco antes de que Larry Hardy del sello discográfico "In the Red" los convenciera grabar un LP, el primer álbum "Horndog Fest" de 1998.

The Dirtbombs (Live)

The Dirtbombs han disfrutado del resurgimiento del garage rock, y han sido respaldados por "The White Stripes (Jack White)" afirmando ser fan, llevándolos de gira y poniendo su música de los recopilatorios de "White" bajo su propio sello discográfico.

Álbumes de interés:

  • 1998    Horndog Fest
  • 2001    Ultraglide in Black                
  • 2003    Dangerous Magical Noise                 
  • 2008    We Have You Surrounded   
  • 2011    Party Store                
  • 2013    Ooey Gooey Chewy Ka-blooey!                   

El disco que tengo es "Ultraglide in Black", una curiosa propuesta de versiones soul y funk con tratamiento "garage rock". Es bastante bueno.

 

ALBUM: Ultraglide in Black


Publicado el 29 de mayo de 2001, el álbum contiene principalmente versiones de canciones soul y funk. Mick Collins ha declarado que este álbum fue su tributo a la música negra con la que creció
. La única canción que no es una versión es "Your Love Belongs Under a Rock". La portada del álbum rinde homenaje al álbum de Stevie Wonder de 1967 para "I Was Made to Love Her". Este es probablemente uno de los álbumes de versiones más geniales jamás lanzados.

Tomando canciones de grandes del soul como Smokey Robinson & the Miracles, Sly & the Family Stone, Curtis Mayfield, Marvin Gaye y Stevie Wonder; la música fue mezclada con dos bajos, dos bateristas y la voz de Mick Collins para darlo todo un tratamiento "garage rock". El resultado es un gran disco.

ALBUM: portada de "Ultraglide in Black" por THE DIRTBOMBS

Además, "Ultraglide in Black" tiene el valor agregado de que la integridad y el mensaje de las versiones originales se conservan y se respetan. Mick Collins le da a cada tema una entrega llena de emoción que a veces hará que parezcas que seas literalmente transportado al pasado de Motown. The Dirtbombs tocan las versiones de la música soul a todo volumen. Las canciones son geniales e interpretadas con tremenda seguridad y confianza.

Un disco recomendado, todo un homenaje al soul, funk y R & B tocados con la virulencia del punk & roll. Ruidoso, crudo y sórdido. Tanto los fans del garage rock como del soul encontrarán mucho para disfrutar con este álbum.

Video del tema "Ode to a Black Man":

Tracklist:

1.         "Chains of Love"       (J.J. Barnes) 2:21
2.         "If You Can Want"    (Smokey Robinson & The Miracles)  2:57
3.         "Underdog"               (Sly & the Family Stone)       3:35
4.         "Your Love Belongs Under a Rock"             2:20
5.         "I'll Wait"        (George Clinton)        3:00
6.         "Living For the City" (Stevie Wonder)         3:07
7.         "The Thing"    (Larry Bright) 2:02
8.         "Kung-Fu"      (Curtis Mayfield)       5:42
9.         "Ode to a Black Man"     (Phil Lynott)   3:38
10.       "Got to Give It Up"   (Marvin Gaye)            4:03
11.       "Livin' For the Weekend"      (The O'Jays)    3:29
12.       "I'm Qualified to Satisfy You"  (Barry White) 3:53
13.       "Do You See My Love (For You Growing)"  (Junior Walker & the All-Stars)   4:20

SQUEEZE - Argybargy - Album

Squeeze (Banda)

Grupo de rock inglés que saltó a la fama durante el período del "new wave" de finales de la década de 1970 y continuó grabando en las décadas de 1980, 1990 y 2010

Squeeze proporcionó uno de los vínculos entre el pop de guitarra británico y el post-punk. Inspirándose en The Beatles y The Kinks, Squeeze fue el vehículo para la composición de canciones de Chris Difford y Glenn Tilbrook, quienes fueron aclamados como los herederos del trono de Lennon y McCartney durante su apogeo a principios de los 80. Estilísticamente, la banda se ha caracterizado por ser new wave, post-punk y power pop.

Squeeze (Banda)

Formada en Londres en 1974, la banda ha pasado por varias reencarnaciones. Primero se separaron en 1982, luego se reformaron en 1985 y se disolvieron nuevamente en 1999. La banda se reunió para realizar giras por los Estados Unidos y el Reino Unido en 2007. En 2010, lanzaron "Spot the Difference", un álbum de versiones recién grabadas de material más antiguo. El primer álbum de la banda con material completamente nuevo desde 1998, "Cradle to the Grave", fue lanzado en octubre de 2015, seguido de otro álbum, "The Knowledge", en octubre de 2017.

Una breve historia:

Los miembros fundadores fueron Chris Difford (guitarra, voz y letra) y Glenn Tilbrook (voz, guitarra y música). Difford y Tilbrook comenzaron a escribir canciones juntos y pronto agregaron a Jools Holland (teclados) y Paul Gunn (batería) para formar una banda. El grupo actuó bajo varios nombres, "Captain Trundlow's Sky Company" o "Skyco", antes de seleccionar el nombre de la banda "Squeeze" como un tributo gracioso al álbum Squeeze de 1973 de Velvet Underground, a menudo ridiculizado. Gilson Lavis reemplazó a Gunn en la batería y Harry Kakoulli se unió al bajo en 1975.

El primer EP de Squeeze y la mayor parte de su álbum debut homónimo (1978) fueron producidos por John Cale (Velvet Underground). 

Discografía hasta ahora:

  • Squeeze (1978)
  • Cool for Cats (1979)
  • Argybargy (1980)
  • East Side Story (1981)
  • Sweets from a Stranger (1982)
  • Difford & Tilbrook (1984)
  • Cosi Fan Tutti Frutti (1985)
  • Babylon and On (1987)
  • Frank (1989)
  • Play (1991)
  • Some Fantastic Place (1993)
  • Ridiculous (1995)
  • Domino (1998)
  • Spot the Difference (2010)
  • Cradle to the Grave (2015)
  • The Knowledge (2017)

Squeeze ha sido citado como una influencia por varias bandas y artistas. El guitarrista de Blur, Graham Coxon, los llamó una "banda increíble" y nombró la voz de Tilbrook como "una de mis voces favoritas para cantar en inglés". Otras que han nombrado a Squeeze como una influencia incluyen American Hi-Fi, Kasabian, The Killers y Razorlight.

Mis dos álbumes favoritos del grupo son "Cool for Cats" y "Argybargy". Cualquiera de los dos es una gran escucha, sin embargo, para calidad, "Argybargy" es mejor con la banda en la cima de sus poderes creativos.

ALBUM: Argybargy


Tercer álbum publicado en febrero de 1980
. Argybargy fue un éxito comercial y de crítica, alcanzando el #32 en el Reino Unido y convirtiéndose en el primer álbum de Squeeze en las listas de Estados Unidos. Desde entonces, el álbum ha sido reconocido como un clásico de new wave. Este álbum también consolidó la asociación y la composición de canciones de Chris Difford y Glenn Tilbrook, y es el avance indiscutible sobre los dos discos anteriores.

ALBUM: portada de "Argybargy" de SQUEEZE

Argybargy no se queda en un solo lugar; es inquieto y lleno de colores, con juego de palabras muy inteligente y narrativas magníficas. Ningún otro disco de Squeeze realmente se acerca a igualar la sólida producción, composición, letras e instrumentación con el nivel justo de vanguardia en la forma en que lo hace este.

ALBUM: contra portada de "Argybargy" de SQUEEZE

Para este álbum, Squeeze trajo de vuelta al productor John Wood (Fairport Convention, John Martyn, Cat Stevens, Nick Drake, Pink Floyd, Nico...) Tras su lanzamiento, recibió un sinfín de elogios de la prensa musical y salieron dos de los singles más icónicos de la banda hasta la fecha, específicamente "Another Nail in My Heart" y "Pulling Mussels (From the Shell)". La divertida "Pulling Mussels (From the Shell)" presenta la inolvidable e inteligente letra de observación de Chris Difford. "Separate Beds" es un tema más lento que captura la incomodidad de la adolescencia. "Farfisa Beat" es un sólido tema con un memorable riff de guitarra de rock 'n' roll. Puede que "Here Comes That Feeling" no sea una de las pistas más fuertes de este disco, pero en realidad mola por la voz principal de Chris Difford. "Vicky Verky" es otro punto culminante de una canción bien escrita sobre el amor adolescente. "If I Didn't Love You" presenta una letra sincera y familiar sobre las muchas pruebas y tribulaciones que enfrentan los amantes. En resumen, historias universales donde todos nos podemos ver reflejados, cantados con un sentido de humor e inteligencia arropado por música pegadiza.

Un disco recomendado. Este disco es el mayor logro de Squeeze, se escucha una banda en su apogeo. Está claro que el grupo estaba en la cima entre las formaciones del new wave.

Término, permítame también compartir contigo algo más; este es mi álbum favorito de Squeeze, pero mi single favorito es "Cool for Cats" (del álbum anterior). También escucha esta última canción, si ya no la conoces.

Video del tema "Pulling Mussels (from the Shell)":

Tracklist (formato LP vinilo):

Cara A:

1.         "Pulling Mussels (from the Shell)"     3:58
2.         "Another Nail in My Heart"   2:56
3.         "Separate Beds"         3:21
4.         "Misadventure"          2:56
5.         "I Think I'm Go Go"  4:18

Cara B:

1.         "Farfisa Beat"            2:57
2.         "Here Comes That Feeling"              2:12
3.         "Vicky Verky"                       3:12
4.         "If I Didn't Love You"                     4:11
5.         "Wrong Side of the Moon"                2:25
6.         "There at the Top"  3:46

BARK PSYCHOSIS - Hex - Album

Bark Psychosis (Banda)


Más bien un proyecto musical inglés de post-rock de Londres formado en 1986. El periodista musical Simon Reynolds los citó cuando acuñó el término "post-rock" como estilo musical en 1994 y, por lo tanto, se los considera una de las bandas clave que definen el género, junto con "Talk Talk", "Slint" y "Tortoise". A pesar de una producción relativamente pequeña, sólo dos LPs, y el poco reconocimiento de los medios musicales, "Bark Psychosis" se convirtió en una de las bandas más innovadoras de su época.

Bark Psychosis (Banda)

El conjunto comenzó como un proyecto de versiones de "Napalm Death", lo que refleja el interés inicial de los miembros por el noise-rock. Otras influencias incluyen Sonic Youth, Talk Talk, Butthole Surfers, Big Black, Swans, Level 42 y Joy Division.

Su sonido abarca varios estilos musicales que incluyen el minimalismo, el indie rock, la psicodelia, el jazz, el industrial y la música electrónica. Sin embargo, la música de la banda se caracteriza mejor por una sensación de espacio acústico, atmósferas melancólicas, voces murmuradas, letras abstractas pero emotivas y una mezcla particularmente sensible y aclamada de instrumentación electrónica y acústica.

En su forma original, el grupo era un cuarteto con Graham Sutton, Daniel Gish, John Ling y Mark Simnett. Graham Sutton se ha mantenido el miembro constante del grupo, dentro de los cambios, y actualmente es un proyecto flexible que cuenta con el apoyo de una lista cambiante de músicos invitados, incluido el guitarrista experimental Colin Bradley de "Dual" y el baterista Lee Harris de "Talk Talk".

Una breve historia:


La banda se formó en 1986, surgiendo de la escena de la música experimental. Los dos miembros originales, Graham Sutton (guitarra, voz) y John Ling (bajo, voz), eran amigos de la escuela. Ambos tenían 14 años en el momento en que formaron la banda, realizando sus experimentos iniciales utilizando una grabadora de cinta de 4 pistas y una caja de ritmos. En 1988, Ling y Sutton dejaron la escuela para dedicarse a la música a tiempo completo. Reclutaron al baterista Mark Simnett.

El trío pasó el resto de 1988 ensayando y componiendo material original, tiempo durante el cual tanto Sutton como Ling comenzaron a tocar el teclado y utilizar samples. A finales de año siguieron algunos conciertos discretos. A uno de estos conciertos asistieron "Nick Allport" y "Vinita Joshi" del pequeño sello independiente "Cheree Records". Impresionado por la banda, Cheree Records inmediatamente se ofreció a lanzar las primeras grabaciones de la banda. El primer single de Bark Psychosis fue "Clawhammer" en 1988

En 1994 publican su álbum debut "Hex", que recibe grandes elogios desde la crítica. John Ling deja la banda y básicamente encadena los eventos que conducirían a la ruptura de "Bark Psychosis".

A raíz de la desaparición de "Bark Psychosis", Sutton y Gish hicieron drum'n'bass, grabando bajo "Boymerang". En 1999, Sutton comenzó a trabajar en otro álbum de Bark Psychosis, con la ayuda del ex-baterista de "Talk Talk", Lee Harris. Ese álbum, titulado "Codename: Dustsucker", fue publicado en 2004.

Discografía:

  • Hex (1994)
  • Codename: Dustsucker (2004)

El gran disco de Bark Psychosis es "Hex".

ALBUM: Hex


Es el primer álbum de estudio que fue publicado el 14 de febrero de 1994. El término "post-rock" fue acuñado por el periodista musical "Simon Reynolds" en su reseña del álbum. El disco tardó más de un año en completarse, lo que llevó al grupo al borde del colapso emocional y financiero, y además forzó la cadena de eventos que conduciría a la ruptura de la banda original.

Hay muchos músicos invitados que contribuyeron al álbum, y que luego se armó en el estudio. Una obra maestra de belleza y complejidad, que canaliza la experimentación hacia un entorno más controlado; una serie de sonidos atmosféricos donde las canciones encuentran un terreno común entre las fórmulas musicales aceptadas y la innovación de vanguardia. "Hex" comienza con materiales musicales básicos, pero los transforma en algo inquietante y visionario.

ALBUM: portada "Hex" de BARK PSYCHOSIS

Encontrarás momentos exuberantes y hermosos, y en cierto modo recuerda mucho el sonido del álbum "Spirit of Eden" de Talk Talk. Bark Psychosis sería directamente comparado con "Talk Talk" (para bien y para mal); el ultimo por haber anticipado la oferta musical de Bark Psychosis, y de donde "BP" se inspiró.

Dicho esto, "Hex" tiene su propia personalidad musical. Las estructuras de las canciones no se centran en la progresión melódica, los puentes y los coros, o la variedad rítmica, sino que se centran en la textura, el timbre y la atmósfera. Está fuertemente inspirado en los conceptos de la música ambient, pero en lugar de consistir en electrónica, se basa en instrumentos (electrónicos) acústicos. Las voces susurrantes encajan muy bien en el lienzo de sonido repleto de diferentes instrumentos que crean un telón de fondo ambient. Opaco y fascinante, este es sin duda un álbum que evidencia el punto de vista de que la producción es tanto un arte, como la composición misma, o incluso es parte de ese proceso creativo.

Los aspectos más destacados incluyen: "A Street Scene", "Fingerspit", "Eyes & Smiles" y "Pendulum Man", aunque se aprecia mejor como una experiencia auditiva de principio a fin.

Un disco recomendado. Es disperso e inquietante, sin embargo, en mi opinión, es una experiencia hermosa y relajante. Puede que no sea un disco para todo el mundo, pero si te gusta el post-rock o disfrutas de bandas como Talk Talk, Slint, Tortoise, etc., esta será una valiosa adición a tu colección. Bark Psychosis grabó poco, este y un álbum posterior, pero qué manera de dejar tu huella en la historia de la música con "Hex".

Por último, "Hex" llevó a Bark Psychosis al borde de sus poderes creativos y musicales. Tanto es así que se separaron. Esto lo hace un disco poderoso, musicalmente y "espiritualmente".

Video del tema "Fingerspit":


Tracklist:

1.         "The Loom"    5:16
2.         "A Street Scene"        5:36
3.         "Absent Friend"         8:20
4.         "Big Shot"      5:21
5.         "Fingerspit"     8:21
6.         "Eyes & Smiles"         8:31
7.         "Pendulum Man"        9:54

Créditos:

  • Daniel Gish - teclados, piano, hammond
  • John Ling -bajo, muestras, programación, percusión
  • Mark Simnett - batería, percusión
  • Graham Sutton - voz, samples, programación, guitarra, piano, melódica, hammond
  • Neil Aldridge - triángulo, programación
  • Pete Beresford - vibráfono
  • Phil Brown - flauta
  • Del Crabtree - trompeta
  • Dave Ross - djembé
  • Luisa Fuller - violín
  • Rick Coster - violín
  • John Metcalfe - viola
  • Ivan McCready – violonchelo

AERIAL M - Aerial M - Album

Aerial M (David Pajo)

 
Es el alias del multi-instrumentista David Pajo, una figura influyente en el desarrollo del post-rock americano cuyas estancias en bandas como "Slint" y "Tortoise" sentaron las bases para algunas de las músicas rock más innovadores e influyentes de las últimas décadas.

David Pajo musico


¿Quién es David Pajo?

 

Músico estadounidense de rock alternativo. Ha tocado una amplia variedad de música, encajando libremente en varios otros géneros como el hardcore punk, el math rock, el post-rock, la electrónica, el folk rock y el indie pop. Multi-instrumentista, toca la guitarra, el bajo, el banjo y la batería. Ha contribuido a muchas formaciones, tocando y grabando con Will Oldham, The For Carnation, Tortoise, Stereolab, Royal Trux, King Kong, Bush League, Zwan, Peggy Honeywell, Yeah Yeah Yeahs e Interpol...por ejemplo.

Una breve historia:

 
Apareció por primera vez en 1985 tocando la guitarra en la banda "Squirrel Bait". Tras su ruptura en 1987, David Pajo se unió a "Slint", una banda cuyo revolucionario sonido instrumental continúa resonando en la escena underground. Slint duró poco y, después de su disolución en 1991, se unió a "The Palace Brothers", apareciendo en sus primeras grabaciones; desde allí, Pajo se mudó a Inglaterra. A su regreso a los EE. UU., se incorpora a "The Palace Brothers", además de tocar la guitarra en "For Carnation" y tocar la batería en "King Kong". Sin embargo, lo más importante fue su mandato como uno de los dos bajistas en "Tortoise", que comenzó en 1996 con el hito "Millions Now Living Will Never Die". Sin embargo, Pajo pronto dejó el grupo para centrarse en "Aerial M". Pajo también grabó y actuó bajo el alias de "Papa M" a finales de los 90 y principios de los 2000; actuó como miembro de "Zwan"; y usó el apodo de Pajo a mediados de la década de 2000.

Aerial M

Como se puede leer el músico tiene muchas "identidades musicales". Pero lo que es innegable es el increíble talento musical que ofrece Pajo en todas y cada una de las contribuciones a sus proyectos u otros. Actualmente es miembro de "Gang of Four".

Álbumes como Ariel M:

  •  Aerial M (1997)
  • M Is (1997)
  • Vivea (1998)
  • October (1998)
  • Post Global Music (1999)


ALBUM: Aerial M

 
Primer álbum bajo el proyecto "Aerial M" publicado el 25 de agosto de 1997. Una aventura musical instrumental y minimalista.

Bajo el apodo de Aerial M, David Pajo ha grabado aquí siete hermosos instrumentos que hacen referencia, pero solo se parecen un poco, a su trabajo anterior con "Slint" o "Tortoise".

ALBUM: portada "Aerial M" de DAVID PAJO

Esta obra es un estudio de melodías y composición simple y efectiva. El primer corte "Dazed and Awake" describe con precisión las líneas maestras del álbum, envolviéndolo con un brillante trabajo de guitarra. El "Aass" de seis minutos deja atrás el estruendo de los bajos, lo que permite que la canción se propague a través de una cálida y anhelante repetición de guitarra doble. "Skrag Theme" se aproxima a la melodía post rock si se tocara con los amplificadores al máximo, mientras que los bucles y efectos de "Compassion for M" recuerdan el enfoque de experimentación, terminando con una melodía de slowcore en "Anyways Farewell".

Disco recomendado. No hay nada nuevo en este álbum. Nada "rompedor". Simplemente post-rock simple y sorprendente que tiene destellos de "Slint" & "Tortoise" hecho al "modo Dave Pajo". Una experiencia relajante con una atmósfera algo oscura que funciona. El sonido minimalista pero inmersivo lo convierte en un gran álbum para escuchar en privado y momentos íntimos.

Video del tema "Dazed & Awake":


Tracklist:

1.Dazed and Awake - 5:17
2.AASS - 6:05
3.Wedding Song No. 2 - 5:08
4.Rachmaninoff - 1:21
5.Skrag Theme - 4:15
6.Compassion for M - 5:25
7.Always Farewell - 4:21

THE FLESHTONES - Roman Gods - Album

The Fleshtones (Banda)


Grupo estadounidense de garage rock de Nueva York, formado por Keith Streng y Jan Marek Pakulski en 1976.

The Fleshtones (Banda)

Streng, en guitarra, y Pakulski, en bajo, se unieron a los amigos del vecindario Peter Zaremba, en armónica, teclados y voces, y Lenny Calderon en batería. The Fleshtones debutaron en la legendaria sala de conciertos "CBGB" el 19 de mayo de 1976. A partir de 1978, "Action Combo", los hermanos Gordon (saxo alto y armónica) y Brian (saxo tenor) se unieron al grupo en el escenario, así como en grabaciones. Gordon Spaeth se convirtió en miembro oficial de la banda en 1983.

Se les ubica dentro del movimiento revival del garage rock, pero su fórmula es más compleja que la de sus contemporáneos. Aunque los sonidos de garaje de los años 60 son una gran influencia sobre ellos, también lo son el blues, el soul, el hard rock, el rock psicodélico e incluso la música disco.

En 1978, "The Fleshtones" firmó con "Red Star Records", después de que dos de sus fans, Alan Vega del dúo de synth-punk "Suicide" y Miriam Linna, que tocaba la batería con "The Cramps", convencieron a Marty Thau, dueño del sello independiente, y grabaron su primer álbum "Roman Gods" (1982).

The Fleshtones (Banda)

Desde entonces se han ganado un ejército de fans a base de sus potentes directos y una alto nivel de productividad grabando un largo numero de discos. Son bien conocidos en el circuito "underground" de Europa, especialmente en España.

La discografía hasta ahora (álbumes de estudio, directos etc):

  • Roman Gods (1982)
  • Blast Off! [grabado en 1978] (1982)
  • Hexbreaker! (1983)
  • Speed Connection: Live In Paris 85 (1985)
  • Speed Connection II - The Final Chapter (Live In Paris 85) (1985)
  • Fleshtones vs. Reality (1987)
  • Soul Madrid (1989) LP
  • Powerstance! (1991)
  • Beautiful Light (1994)
  • Laboratory of Sound (1995)
  • Hitsburg USA! (1996)
  • More Than Skin Deep (1997)
  • Hitsburg Revisited (1999) [
  • Solid Gold Sound (2001)
  • Do You Swing? (2003)
  • Beachhead (2005)
  • Take A Good Look (2008)
  • Stocking Stuffer (2008)
  • Brooklyn Sound Solution with Lenny Kaye (2011)
  • Wheel Of Talent (2014)
  • The Band Drinks For Free (2016)
  • Live at Yep Roc 15: The Fleshtones (2020)

La banda sigue en activo y dando guerra (grabando discos y participando en giras).

No soy un fan loco de ellos, aunque me gusta la banda y en cualquier momento busco uno de sus numerosos discos para escucharlos. Un álbum en particular que me mola es el debut "Roman Gods", muy bueno.
 

ALBUM: Roman Gods


El primer álbum publicado el 7 de enero del 1982 y producido por Richard Mazda (The Fall, The Birthday Party, Wall of Voodoo, Alternative TV, Yello, Suburban Lawns, Brian James, The Scientists and The Folk Devils, etc.).
La portada del disco fue diseñada por el cantante Peter Zaremba.

ALBUM: portada "Roman Gods" de THE FLESHTONES

The Fleshtones pegan fuerte en este disco, mezclando sus influencias de garaje. La banda hace un buen trabajo al plasmar sus ideas en un trabajo con mucha fuerza, entusiasmo y creatividad. Este debut cuenta con varias de sus mejores canciones, incluida la contundente "R-I-G-H-T-S", "Shadow Line", "I've Gotta Change My Life" y el tema principal y título del álbum, "Roman Gods".

Un disco recomendado. Un muy buen álbum de garage revival. Rock crudo con un poco de influencia de R & B para darle un toque extra. El álbum está disponible para escuchar en la mayoría de las plataformas de música online. 

Video del tema "The Dreg":


Tracklist (LP vinilo): 

Cara A:

1.         "The Dreg (Fleshtone-77)"     3:17
2.         "I've Gotta Change My Life" 2:32
3.         "Stop Fooling Around!"                    4:06
4.         "Hope Come Back"                2:25
5.         "The World Has Changed"                3:10

Cara B:

1.         "R-I-G-H-T-S"                       2:32
2.         "Let's See the Sun"                2:40
3.         "Shadow-line (to J. Conrad)" 3:13
4.         "Chinese Kitchen"                  2:12
5.         "Ride Your Pony"      3:21
6.         "Roman Gods" 4:40

THE EXPLODING HEARTS - Guitar Romantic - Album

The Exploding Hearts (Banda)


Grupo americano de punk rock y power pop formado en Portland, en 2001. La banda estaba compuesta por el vocalista y guitarrista Adam Cox, el bajista Matt Fitzgerald, el guitarrista Terry Six y el baterista Jeremy Gage. The Exploding Hearts lideró un renacimiento del power pop de la década de 1970 y new wave en Seattle y Portland. Esta formación combino el sonido de The Clash, The Buzzcocks, Cheap Trick y todas las demás grandes bandas de punk basadas en el pop de finales de los 70 y luego recordar los coros de los años 50 y aún así mantener su sonido moderno.

The Exploding Hearts (Banda)

Hay un elemento de tragedia asociado con este grupo. Poco después del lanzamiento de su álbum de estudio debut, "Guitar Romantic", Cox, Fitzgerald y Gage murieron en un accidente automovilístico el 20 de julio de 2003, después de lo cual la banda dejó de existir.

Una breve historia:

 
La banda saltó a la fama en la escena del noroeste del Pacífico de EE. UU. poco después de su formación en 2001. Se inspiraron musicalmente en bandas británicas como "The Undertones", "Buzzcocks", "The Clash", "The Jam"... etc. Adam Cox invitó al músico de Nueva Orleans "King Louie Bankston" a la formación de la banda después de que Cox escuchara la canción de Bankston "I'm a Pretender" durante una conversación telefónica. Cox y Bankston formaron una sociedad de composición que produciría muchas de las canciones que aparecerán en su disco debut "Guitar Romantic". Los chicos después ganaron elogios entre los fans de la música y críticos, y generaron una gran demanda en el circuito de directos.

El 20 de julio de 2003, la banda se dirigía a su hogar en Portland después de haber tocado en San Francisco. Se cree que Fitzgerald, que conducía, se quedó dormido y perdió el control de su camioneta cerca de Eugene, Oregón. Cox, de 23 años y Gage, de 21, fueron arrojados del vehículo y declarados muertos en el lugar y Fitzgerald, de 20, murió en un hospital. El guitarrista Terry Six, de 21 años, y la manager Rachell Ramos, de 35, sufrieron heridas leves. La banda se disolvió a raíz del accidente.

Un trágico hecho que deja pendiente la pregunta de "qué hubiera sido de la banda". The Exploding Hearts fue posiblemente una de las mejores banda de punk-pop desde la ola original. El potencial era enorme.

ALBUM: Guitar Romantic


El primer y único álbum de estudio fue publicado en 2003. Es un trabajo muy divertido, está bien escrito y bien ejecutado. La producción es áspera pero esto le da una ventaja.

ALBUM: portada de "Guitar Romantic" de THE EXPLODING HEARTS

Es un debut crudo y melódico, completamente realizado y original a pesar de la evidente deuda con sus influencias y héroes musicales. Podría decirse que este es uno de los mejores álbumes de power pop jamás realizados. El temazo "I'm a Pretender" es una patada en la cabeza, "Sleeping Aides & Razorblades" es una balada pegadiza inspirada en el doo wop con una línea de guitarra brillante, "Thorns in Roses" es una balada divertida con influencias de los años 50, "Throwaway Style" fusiona una letra de tristeza amorosa con un ritmo de Motown con gran efecto. Y así cada corte, no hay una canción floja en este disco.

Se hacen comparaciones con "The Strokes" que pueden ser precisas, permito que el oyente decida. Sin embargo, por momentos, quizás su sonido se acerque más a la propuesta enérgica y más cruda de "Teenage Fanclub". De cualquier manera, The Exploding Hearts está en gran compañía.

Un disco recomendado. Un álbum "pop" casi perfecto. Si no tienes este disco y tienes la más mínima afinidad por el punk rock pop (The Undertones, Cheap Trick...etc.) , te estás perdiendo algo especial.

Video del tema "Jailbird":

Tracklist:

1.         "Modern Kicks"                     3:18
2.         "I'm a Pretender"                    2:31
3.         "Thorns in Roses"                  2:42
4.         "You're Black & Blue"           2:05
5.         "Sleeping Aides & Razorblades"       2:36
6.         "Rumours in Town"               2:32
7.         "Throwaway Style"                2:58
8.         "Boulevard Trash"                  2:10
9.         "Jailbird"                                3:37
10.       "Still Crazy"                           4:04