DON HENLEY - Building the Perfect Beast - Album

¿Quién es Don Henley?

 
Donald Hugh Henley es un músico estadounidense y miembro fundador de la banda de rock "Eagles", para quien es el baterista y uno de los vocalistas principales, así como el único miembro original de la banda. Don Henley es también conocido como "la voz" debido a su estilo de canto distintivo. Después de que los Eagles se disolvieron en 1980, Henley siguió una carrera en solitario.

Este post destaca uno de sus trabajos en solitario, el disco de 1984 "Building the Perfect Beast". Un álbum que en mi opinión es su mejor después de dejar los Eagles.

 

ALBUM: Building the Perfect Beast

 
Es el segundo álbum de estudio en solitario de Don Henley, publicado el 19 de noviembre de 1984. El disco presenta una mezcla de influencias de rock, pop y new wave, con un enfoque en sintetizadores y batería electrónica. El sonido es pulido y muy compatible con la radio, con ganchos pegadizos y estribillos memorables. Algunos críticos han acusado al álbum de ser demasiado pulido, con falta de energía o emoción. Sin embargo, dejando a un lado los gustos, sigue siendo un ejemplo clásico del pop-rock de los 80 (Siglo XX) y una escucha obligada para los fans de la época.

Para el álbum, Henley colaboró principalmente con el guitarrista Danny Kortchmar, junto con miembros de la entonces formación de "Tom Petty and the Heartbreakers", quienes contribuyeron a escribir las canciones: el guitarrista Mike Campbell (ejemplo "Boys of Summer"), el teclista Benmont Tench y el baterista Stan Lynch. El álbum también presenta contribuciones del guitarrista de Fleetwood Mac, Lindsey Buckingham, la vocalista principal de los "Go-Go", Belinda Carlisle y presenta contribuciones de Randy Newman, Jim Keltner, Waddy Wachtel, Pino Palladino, Steve Porcaro, Ian Wallace...solo por mencionar algunos. Sería muy difícil que este disco no sonará increíble. Todo esto estableció a Don Henley como artista por derecho propio después de muchos años exitosos con la superbanda "Eagles".

 

Canciones:

Los temas en su mayoría están diseñados para la radio y son muy pop. A continuación algunos de los números destacados de "Building the Perfect Beast" de Don Henley:

1. "The Boys of Summer": este éxito es un clásico de los 80 y se destaca en el álbum con su ritmo de conducción, estribillo pegadizo y letras nostálgicas sobre el amor perdido. Mike Campbell está en la guitarra y es mi corte favorito del disco.

2. "All She Wants to Do Is Dance": Es upbeat, y otro destacado, con un coro memorable y un ritmo bailable. Un éxito radiofónico.

3. "Sunset Grill": Esta es una canción melancólica y atmosférica con una melodía inquietante y una letra evocadora.

4. "Not Enough Love in the World": presenta un coro memorable y letras introspectivas sobre el estado del mundo. Obtenemos el lado político de Henley.

5. "Building the Perfect Beast": La canción que da título al disco, con su mezcla de influencias rock, pop y new wave, centrándose en los sintetizadores y la batería electrónica.

En general, un álbum sólido con varias pistas destacadas que destacan la voz y el talento para escribir canciones de Don Henley.

 

Disco recomendado

Fácilmente el mejor álbum en solitario de Don Henley y, en muchos sentidos, un clásico menor sobre las esperanzas perdidas y los sueños de la generación del "baby boom". Muy, muy estilo rock pop de los 80 y muy comercial; es una escucha entretenida aunque solo sea por la calidad musical y la producción. Realmente top!

Disfruto inmensamente de Henley con los Eagles, pero no me molesta en este disco. De hecho, el poder nostálgico de este álbum es tan fuerte que es una escucha habitual. Debe ser que pertenezco a la generación del "baby boom".

Si no lo conoces, buscarlo y darlo una escucha.

Video del tema "The Boys of Summer":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "The Boys of Summer"          4:48
2.         "You Can't Make Love"        3:34
3.         "Man with a Mission" 2:43
4.         "You're Not Drinking Enough"                     4:40
5.         "Not Enough Love in the World"      3:54

Cara B:

6.         "Building the Perfect Beast"  4:59
7.         "All She Wants to Do Is Dance"                   4:28
8.         "A Month of Sundays"          Henley 4:30
9.         "Sunset Grill"  6:22
10.       "Drivin' with Your Eyes Closed"      3:41
11.       "Land of the Living"  3:24

Ficha:

Músicos:

• Don Henley: voz principal, voces de armonía (2, 5, 7, 11), batería (2-4, 7, 8), teclados (5), percusión (5, 6, 10), sintetizadores (6), voces de canto ( 6), arreglos de sintetizador (9)
• Danny Kortchmar: sintetizadores (1, 3, 6), guitarras (1-7, 9-11), trompetas (3), órgano (4), omnicordio (4), percusión (6, 10, 11), voces de canto ( 6), solo de sintetizador de guitarra (9), solo de trompeta (9), arreglos de sintetizador (9), teclados (10), bajo (10), arreglos (11)
• Mike Campbell – sintetizadores (1), guitarras (1), percusión (1)
• Steve Porcaro – sintetizadores (1, 4), programación (7)
• Benmont Tench – teclados (2, 5), piano acústico (8), sintetizadores (9), arreglos de sintetizador (9)
• David Paich – piano acústico (4), sintetizadores (7, 8), arreglos de sintetizador (8), solo de piano acústico (9)
• Michael Boddicker: programación (6), secuenciación (6), sintetizadores (8, 9), emulador E-mu (9), arreglos de sintetizador (9)
• Albhy Galuten – (6)
• Randy Newman – sintetizadores (8), arreglos de sintetizador (8, 9)
• Bill Cuomo – sintetizadores (11), programación (11), percusión (11)
• Lindsey Buckingham – guitarras (2), voces armónicas (2)
• Charlie Sexton - guitarras (3)
• Larry Klein - bajo (1)
• Pino Palladino – bajo (2, 9, 11)
• Tim Drummond - bajo (4, 5)
• Ian Wallace - batería (5)
• Kevin McCormick – tambores africanos (6)
• Jim Keltner – batería adicional (8)
• Maren Jensen – compositora de introducción e interludio (8)
• Jerry Hey – arreglos de trompeta (9)
• Belinda Carlisle - armonía vocal (3)
• Sam Moore - voz armoniosa (4)
• Martha Davis – voces de canto (6), voces de armonía (7)
• Michael O'Donahue - voces de canto (6)
• Carla Olson - voces de canto (6)
• Patty Smyth – voces de canto (6), voces de armonía (6, 7, 9, 11)
• J. D. Souther - voces de canto (6)
• Waddy Wachtel – voces de canto (6)
• Marie-Pascale Elfman – el conjunto de chicas francesas (10)
• Dominique Mancinelli – el conjunto de chicas francesas (10)

Producción:

Productores: Don Henley, Danny Kortchmar y Greg Ladanyi (todas las canciones); Mike Campbell (tema 1).

GERRY MULLIGAN - Night Lights - Album

Un post dedicado a la música jazz, pero más aún a los sonidos para la noche. Hay un disco fabuloso que deseo llamar tu atención, "Night Lights" de Gerry Mulligan.

 

ALBUM: Night Lights

Un álbum del saxofonista de jazz estadounidense Gerry Mulligan con interpretaciones grabadas en 1963. Escucharás una maestría musical del más alto nivel y melodías que encajan perfectamente con el título del álbum, "Night Lights". Todo "cool jazz" muy nocturno con tintes bossa. Irónicamente, Gerry Mulligan toca poco el saxofón, en cambio toca más el piano. El resultado final es una excelente atmósfera de medianoche.

 

¿Quién es Gerald Mulligan?

 
También conocido como Jeru (1927 – 1996, nacido en Nueva York) fue un saxofonista, clarinetista, compositor y arreglista de jazz estadounidense. Aunque conocido principalmente como uno de los principales saxofonistas barítonos de jazz, tocando el instrumento con un tono ligero y aireado en la era del cool jazz, Mulligan también fue un arreglista importante que trabajó con Claude Thornhill, Miles Davis, Stan Kenton y otros. Su cuarteto sin piano de principios de la década de 1950 con el trompetista Chet Baker todavía se considera uno de los mejores grupos de jazz cool. Mulligan también era un hábil pianista y tocaba varios otros instrumentos.

Como nota al margen, pero no menos importante, en 1948 Miles Davis formó una banda de nueve integrantes que utilizó arreglos de Mulligan, Evans y John Lewis. La banda inicialmente estaba formada por Davis en la trompeta, Mulligan en el saxofón barítono, el trombonista Mike Zwerin, el saxofonista alto Lee Konitz, Junior Collins en la trompa, el tubista Bill Barber, el pianista John Lewis, el bajista Al McKibbon y el baterista Max Roach.

La banda sólo tocó en un puñado de presentaciones en vivo. Durante los años siguientes, Miles Davis reformó el noneto en tres ocasiones para grabar doce piezas para el álbum "Birth of the Cool" lanzado en 1957. Mulligan escribió y arregló tres de las canciones grabadas ("Rocker", "Venus de Milo" y "Jeru", la última con su nombre), y organizó otros tres ("Deception", "Godchild" y "Darn That Dream").

También fue uno de los cuatro únicos músicos que tocaron en todas las grabaciones, con Davis, Konitz y Barber. A pesar de una mala recepción por parte del público de 1949, los nueve integrantes de Davis han sido juzgados por la historia como uno de los grupos más influyentes en la historia del jazz.

Mulligan también tocó con Dave Brubeck, Charles Mingus, Stan Getz, Billy Taylor, Chet Baker, etc. junto con su influencia influyente en "Bossa Nova" y "West Coast Jazz" a mediados del siglo XX.

Night Lights (1963)

Esta es una excelente y relajante grabación con Gerry Mulligan y algunos de sus mejores alumnos (el trompetista Art Farmer, el trombonista Bob Brookmeyer, el guitarrista Jim Hall, el bajista Bill Crow y el baterista Dave Bailey) explorando tres de sus propias canciones (incluida "Festive Minor" ), "Prelude in E Minor", "In the Wee Small Hours of the Morning" y "Morning of the Carnival". El énfasis está en las baladas y el resultado es muy relajado. De hecho, yo iría más allá y diría que es un disco ideal para quienes deseen adentrarse en el mundo del jazz; nada complicado y muy accesible.

Los maravillosos arreglos tocados están bien ensayados y logrados. Esta es la música "lounge" perfecta, pero en realidad también resiste un examen serio. Es cierto que falta improvisación pero el objetivo de Mulligan aquí no era eso, que claramente podía aportar, sino proporcionar al oyente una experiencia hermosa que es mucho más que lo que suele llamarse "smooth jazz".

 

Canciones:

Temas destacadas de "Night Lights" de Gerry Mulligan incluyen: 

1. "Night Lights": la canción principal es una melodía suave y con poca luz que crea el ambiente para el álbum.

2. "Morning of the Carnival": con tintes latinos, muestra a la banda en su mejor momento y agrega un elemento vibrante y enérgico al álbum.

3. "In the Wee Small Hours of the Morning": una hermosa interpretación de esta balada clásica, la interpretación de Mulligan aporta una sensación de intimidad e introspección al álbum.

4. "Prelude in E Minor": un toque de melancolía y muestra las habilidades de Mulligan como compositor

5. "Festive Minor": una canción animada y optimista que agrega un sentido de celebración y alegría al álbum.

Estas canciones resaltan la gama de emociones y estilos musicales presentes en "Night Lights", lo que la convierte en una experiencia auditiva agradable y completa.

Músicos que aparecen en "Night Lights":

• Art Farmer: un virtuoso de la trompeta y el fliscorno, la forma de tocar de Farmer agrega un elemento hermoso y melódico al álbum.
  
  
• Bob Brookmeyer: un talentoso trombonista de válvulas y compositor, las contribuciones de Brookmeyer al álbum son significativas y ayudan a crear un sonido único y memorable.
  
  
• Jim Hall: un guitarrista habilidoso, la forma de tocar de Hall agrega un elemento sutil y discreto al álbum.
  
  
• Bill Crow: un bajista talentoso, la forma de tocar de Crow proporciona una base sólida para el álbum.

 

Disco recomendado

Si eres un aficionado al Jazz deberías escuchar este álbum, ya que destaca el talento de Gerry Mulligan para los arreglos. Pero la verdadera fuerza radica en la música que logra capturar la atmósfera específica y única de la noche. Es "laid back", suave, pero infinitamente relajante y encantador. Cambia su sonido a lo largo pero nunca pierde esa emoción o atmósfera central. Cool jazz o música lounge, de cualquier manera es excelente para escuchar.

Video del tema "In the Wee Small Hours of the Morning":

Tracklist:

1. "Night Lights" - 4:53
2. "Morning of the Carnival" (Luiz Bonfá, Antônio Maria) - 5:27
3. "In the Wee Small Hours of the Morning" (David Mann, Bob Hilliard) - 5:34
4. "Prelude in E Minor" (Frédéric Chopin) - 4:11
5. "Festival Minor" - 6:45
6. "Tell Me When" - 4:06
7. " The Lonely Night (Night Lights 1965 Instrumental Version) - 2:54 - Bonus track on Verve label re-release.

Personal (músicos):

• Gerry Mulligan - saxofón barítono, piano (solo pista 1)
• Art Farmer - fliscorno
• Bob Brookmeyer - trombón de válvulas
• Jim Hall - guitarra
• Bill Cuervo - bajo
• Dave Bailey - batería

ELO - Eldorado - Album

The Electric Light Orchestra (ELO) 

 
Banda de rock inglesa formada en Birmingham en 1970 por los compositores y multiinstrumentistas Jeff Lynne, Roy Wood y el baterista Bev Bevan. Su música es una fusión de pop y arreglos clásicos con iconografía futurista. Después de que Wood dejara la banda en 1972, Lynne se convirtió en el único líder, arreglando y produciendo cada álbum mientras componía casi todo el material original. Desde este punto hasta su primera separación en 1986, Lynne, Bevan y el teclista Richard Tandy fueron los únicos miembros constantes del grupo.

ELO se formó a partir del deseo de los miembros de crear canciones modernas de rock y pop con matices clásicos. Durante las décadas de 1970 y 1980, ELO lanzó una serie de álbumes y sencillos, incluido el álbum de mayor éxito comercial, el disco doble Out of the Blue (1977). En 1986, Lynne perdió interés en la banda y disolvió el grupo. Aparte de una breve reunión a principios de la década de 2000, ELO permaneció en gran parte inactivo hasta 2014, cuando Lynne volvió a formar la banda con Tandy como ELO de Jeff Lynne.

Durante el período más activo de 13 años, ELO vendió más de 50 millones de discos en todo el mundo. En 2017, cuatro miembros clave de ELO (Jeff Lynne, Wood, Bevan y Tandy) fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

La discografía de ELO hasta el momento:

• The Electric Light Orchestra (1971)
• ELO 2 (1973)
• On the Third Day (1973)
• Eldorado (1974)
• Face the Music (1975)
• A New World Record (1976)
• Out of the Blue (1977)
• Discovery (1979)
• Time (1981) (credited como ELO)
• Secret Messages (1983)
• Balance of Power (1986)
• Zoom (2001)
• Alone in the Universe (2015)
• From Out of Nowhere (2019)

No cabe duda de que el oído moderno estará más abierto a su disco de mayor éxito comercial, el doble LP "Out of the Blue" (1977). Sin embargo, igual de impresionante, si no tan accesible (debido a sus elementos más clásicos), es "Eldorado" de 1974. Un trabajo seminal en la discografía de la banda y un hito significativo en la evolución del rock progresivo. Este álbum marcó un punto de inflexión para ELO, ya que fue su primer álbum conceptual y mostró la capacidad de la banda para combinar a la perfección elementos clásicos y de rock en una narrativa cohesiva y atractiva.

 

ALBUM: Eldorado

 
El cuarto álbum de estudio de Electric Light Orchestra (ELO). Fue publicado en los Estados Unidos en septiembre de 1974 y en el Reino Unido en octubre de 1974. El álbum presenta una mezcla de rock, pop y música clásica, con arreglos orquestales y un uso destacado de cuerdas y sintetizadores.

Eldorado es considerado uno de los mejores álbumes de ELO, si no el mejor. Esta es una incursión innovadora en la fusión de rock, cuerdas y coros. ¿Por qué es tan bueno? Tiene tres singles realmente fuertes: "Can't get it out of my head", "Boy Blue" y "Eldorado". Además, el valor añadido es que es realmente fácil y agradable de escuchar en todo momento. Dicho esto, admito que este disco puede no ser digerido fácilmente por el oído moderno, sin embargo, el oyente veterano de rock y pop realmente lo disfrutará. Francamente, es y se ha mantenido como material AOR (Adult Oriented Rock) aunque su verdadera magia está en los arreglos de cuerdas.

 

Álbum conceptual:

 
"Eldorado" es el primer álbum conceptual de ELO. La trama sigue a un personaje que viaja a mundos de fantasía a través de sueños, para escapar de la desilusión de su realidad mundana. En última instancia, la personalidad en cuestión se da cuenta de que no puede escapar de las duras realidades de la vida. Estos conceptos se exploran a través de una variedad de estilos y temas musicales, desde el animado y enérgico "Boy Blue" hasta el melancólico e introspectivo "Mister Kingdom". 

Lynne comenzó a escribir el álbum en respuesta a las críticas de su padre, un amante de la música clásica, quien dijo que el repertorio de Electric Light Orchestra "no tenía melodía". La influencia de The Beatles es predominante, especialmente en la melodía del verso de "Mister Kingdom", que algunos críticos han dicho que se asemeja a "Across the Universe".

 

Canciones:

Aquí destaco algunos temas:

• "Can't Get It Out of My Head": una balada melancólica con un coro memorable y una destacada sección de cuerdas. Lanzado como sencillo es uno de mis favoritos de este disco.

• "Boy Blue": una canción de rock alegre con una melodía pegadiza y un solo de guitarra, con un coro de niños en el coro.

• "Laredo Tornado": una canción de rock de inspiración country con un tempo rápido y un solo de armónica, con una sección de palabras habladas en el medio.

• "Poor Boy (The Greenwood)": una canción de inspiración folk con un simple riff de guitarra acústica y un solo de armónica, con un coro en el coro.

• "Mister Kingdom": una canción de rock psicodélico con una atmósfera de ensueño y un solo de guitarra, con una sección de palabras habladas en el medio.

• "Eldorado": una balada grandiosa que sirve como pieza central del álbum, que presenta una mezcla de elementos clásicos y de rock, un coro memorable y una sección de palabras habladas en el medio.

En general, un álbum innovador para su época. Es un viaje hacia el futuro de la música, guiado por la visión de Jeff Lynne y el talento colectivo de la banda. El canto arrastrado de Jeff Lynne es perfecto para el material onírico, y la banda toca espectacularmente.

 

Disco recomendado

Debes escuchar "Eldorado" con tus mejores auriculares. Hicieron álbumes más logrados; pero nunca hicieron uno mejor. Si bien puede que no sea su álbum de mayor éxito comercial, es uno de los favoritos de los fans y debe escucharse para los amantes del rock clásico y el rock progresivo.

Y lo admito, para algunas personas puede haber demasiados elementos clásicos en comparación con trabajos posteriores de ELO, por ejemplo "Out of the Blue" (1977). Pero este es más cerebral y experimental, con una maestría musical extraordinaria. 

Video del tema "Can't Get It Out of My Head":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Eldorado Overture" (instrumental)  2:12
2.         "Can't Get It Out of My Head"         4:21
3.         "Boy Blue"     5:18
4.         "Laredo Tornado"      5:29
5.         "Poor Boy (The Greenwood)"           2:57

Cara B:

6.         "Mister Kingdom"      5:50
7.         "Nobody's Child"       3:40
8.         "Illusions in G Major" 2:36
9.         "Eldorado"      5:20
10.       "Eldorado Finale"       1:20

Músicos:

• Jeff Lynne: voz principal y coros, guitarras eléctricas y acústicas, bajo, Moog, producción, orquesta y arreglos corales
• Bev Bevan - batería, percusión
• Richard Tandy: piano, Moog, clavinet, piano eléctrico Wurlitzer, guitarra, coros, orquesta y arreglos corales
• Mike de Albuquerque - bajo y coros (acreditado; partió durante la grabación del álbum)
• Mike Edwards: violonchelo
• Mik Kaminski – violín
• Hugh McDowell – violonchelo

Personal adicional:

• Peter Forbes-Robertson - palabra hablada
• Louis Clark - orquesta y arreglos corales y dirección

NOT DROWNING, WAVING - The Little Desert - Album

De vez en cuando te llama la atención un disco que es algo más que música; una declaración artística que está en otra liga. Ese álbum es "The Little Desert" de la formación australiana de música ambient y dream pop "Not Drowning, Waving". Un trabajo hermoso, que evoca el paisaje de Australia. 

Dedico un post en este blog de música a esta talentosa formación y su mencionada obra musical. El hecho de que sean una banda australiana puede haber limitado el alcance de este disco. Si hubieran sido europeos (británicos o alemanes) este LP podría ser un trabajo ya clásico del género ambient y dream pop.

 

Not Drowning, Waving (Banda)

 
Sexteto musical formado en Melbourne, Australia, en 1983 por David Bridie y John Phillips. Su música combinó elementos de rock, música ambient y world music; sus letras trataban temas típicamente australianos: imágenes de paisajes y personas, las estaciones y algunos temas políticos. El grupo lanzó seis álbumes de estudio y dos bandas sonoras hasta que se disolvió en 1994. Se reformaron brevemente en 2001, 2003 y 2005-2006.

De sus seis álbumes de estudio, mi favorito es "The Little Desert". El álbum es una mezcla de géneros dream pop y ambient, creando un rico tapiz de sonidos que son inquietantes y a la vez hermosos.

 

ALBUM: The Little Desert

 
Es el segundo álbum de "Not Drowning, Waving", publicado en enero de 1986 (aunque algunas fuentes citan el 10 de octubre de 1985). Originalmente publicado como un álbum de 10 temas, esta es una mezcla deslumbrante de canciones suaves, instrumentales y de música ambient. Este trabajo es prácticamente único en la música australiana (en el momento de su lanzamiento la música pub rock dominaba la escena local). Puede que sólo atraiga a una audiencia pequeña y especializada, sin embargo, ahora es un clásico australiano.

Grabado en gran parte en una iglesia en el suburbio de Elsternwick, en la ciudad de Melbourne, este álbum tiene una cualidad meditativa. Música dirigida por piano que recuerda la naturaleza hermosa y también sombría de los paisajes del interior de Australia. Las canciones tienen una calidad cinematográfica con samples de viento, canto de pájaros, gente hablando y otros sonidos.

El álbum "The Little Desert" es principalmente instrumental, pero cuando David Bridie canta, su voz es tenue e impresionista, lo que lleva aún más al álbum al territorio ambient. Su voz, melódica pero discreta, complementa perfectamente los instrumentos, creando una cualidad etérea que es a la vez relajante y cautivadora. Las letras son escasas y, a menudo, abstractas, lo que se suma a la calidad onírica de la música.

Disco Recomendado

 
"The Little Desert" es simplemente un álbum hermoso y evocador que destaca el enfoque único de "Not Drowning, Waving" hacia la música. Es un viaje sonoro a través del paisaje australiano, lleno de melodías inquietantes, paisajes sonoros ambient y voces impresionistas. Dicho de otra manera, el tema de los vastos y desolados paisajes de Australia es tanto audible como emocionalmente palpable a lo largo de este disco. Es un álbum que exige una escucha atenta y recompensa con una rica experiencia musical inmersiva. Merece ser redescubierto por los fans del ambient y el dream pop ya que es posible que se haya perdido en el momento de su lanzamiento, ya que es una "anomalía" de la escena musical australiana dominado por el rock australiano.

Video del tema "The Same Heat":

Tracklist (original):

1 The Same Heat 5:14
2 Through the One Last Door 3:56
3 Blackfish Creek 4:52
4 Wilma's Dream 3:41
5 Storm 5:44
6.Tide 7:15
7.Old Wobbly Man 4:14
8.Empty Trees and Buildings 4:26
9 A Selling of the Rock 4:08
10 Big Sky 3:30

GRAHAM PARKER & THE RUMOUR - Squeezing Out Sparks - Album

Graham Parker es un cantautor inglés, mejor conocido como el cantante principal de la banda británica "Graham Parker & the Rumour" activa en los años 70 (Siglo XX). ¿Por qué él y su banda tienen dedicado un post en este blog de música? Porque sacaron algunos discos geniales de pub rock-punk; inicialmente comenzando y siendo más "soul", evolucionan hacia el "new wave".

Su álbum debut "Howlin' Wind" es ahora un clásico, recordando a muchos de Van Morrison. Esta es la razón por la que no está en mi lista de favoritos, sino que "Squeezing Out Sparks" ocupa ese lugar por su sonido más punk-new wave.

"Squeezing Out Sparks" también es excelente debido a su gran musicalidad y fue perfeccionada por el productor Jack Nitzsche.

 

ALBUM: Squeezing Out Sparks

 
El cuarto álbum de estudio del cantautor inglés Graham Parker y su banda The Rumour fue publicado en marzo de 1979. Mientras que los trabajos anteriores de Parker se destacaron por sus fuertes influencias del soul, con muchas pistas y sencillos destacados que incluían una sección de viento, en "Squeezing Out Sparks", el productor Jack Nitzsche prefirió un sonido más crudo.

Continuando en esta línea, he aquí una historia curiosa. Coincidentemente, la popular banda de punk "The Clash" estaba pasando por un proceso inverso, tratando de expandir sus arreglos musicales. Por lo tanto, los músicos de sesión de rhythm and blues de Rumour grabaron todas las partes de viento en el tercer y elogiado disco de The Clash, "London Calling". Cosas del rock n roll.

Generalmente "Squeezing Out Sparks" es considerado como el mejor álbum de Graham Parker, una fusión magistral de pub rock, punk y new wave pop que hace que incluso sus temas de cantautor más convencionales ericen de energía. Parker no solo entrega su mejor y más consistente conjunto de canciones, sino que ofrece ganchos más sucintos que antes. Las nuevas inclinaciones pop de Parker se ven atenuadas por su ira, que hierve en los temas rockeros duros e incluso en sus números más tranquilos.

Uno de los aspectos más destacados del álbum es el lirismo y la composición de Graham Parker. Sus letras son a menudo sardónicas, emotivas y llenas de comentarios sociales mordaces. La capacidad de Parker para crear letras inteligentes y estimulantes lo distingue de muchos de sus contemporáneos. Las canciones de "Squeezing Out Sparks" abordan temas de amor, relaciones, problemas sociales e introspección personal.

 

Canciones:

El álbum está lleno de temas destacados. Algunas canciones notables incluyen:

• "Discovering Japan": una pista pegadiza y enérgica con ingeniosos juegos de palabras y un coro memorable.
• "Passion Is No Ordinary Word": una canción poderosa e icónica que explora las complejidades del amor y el deseo.
• "Local Girls": una pista ingeniosa y contagiosa que captura la esencia del estilo lírico de Parker.
• "Protección": uno de mis favoritos que comienza con una plantilla de reggae y crece más allá.
• "You Can't Be Too Strong": una balada conmovedora y cargada de emociones que aborda el delicado tema del aborto.
  
  

Producción:

"Squeezing Out Sparks" fue producido por Jack Nitzsche, ex arreglista de Phil Spector. La producción del álbum es limpia y pulida, lo que permite que las canciones brillan mientras conservan una calidad cruda y enérgica. La instrumentación es precisa y está bien ejecutada, y Rumor proporciona una base sólida para la voz y el trabajo de guitarra de Parker.

Disco recomendado

"Squeezing Out Sparks", es uno de los grandes discos británicos de rock de la era post-punk. Está en línea con otros grandes álbumes como London Calling de "The Clash", PiL y "Second Edition", Joy Division y "Closer" y The Jam con "Sound Affects".

Es un álbum inteligente que destaca el talento para escribir canciones, la versatilidad musical y la profundidad lírica de Graham Parker. Es imprescindible para los fans del pub rock, new wave y la composición inteligente. La calidad atemporal y el atractivo perdurable del álbum lo convierten en un lanzamiento destacado en la discografía de Parker. Es un disco que merece ser revisado y apreciado por las nuevas generaciones de fans de la música.       

Video del tema "Protection":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Discovering Japan"   3:32
2.         "Local Girls"   3:44
3.         "Nobody Hurts You" 3:42
4.         "You Can't Be Too Strong"   3:21
5.         "Passion Is No Ordinary Word"        4:26

Cara B:

1.         "Saturday Nite Is Dead"        3:18
2.         "Love Gets You Twisted"     3:02
3.         "Protection"    3:54
4.         "Waiting for the UFO's"        3:08
5.         "Don't Get Excited"   3:04

Músicos:

• Graham Parker - voz principal, guitarra rítmica

The Rumour (Banda):

• Brinsley Schwarz - guitarra, coros
• Martin Belmont - guitarra rítmica, coros
• Bob Andrews - teclados, coros
• Steve Goulding - batería, coros
• Andrew Bodnar - bajo

SPARKLEHORSE - Good Morning Spider - Album

Las dificultades personales son la piedra angular de muchos discos, pero tocar sus complejidades y escalas, aunque permanece totalmente auténtico, tiende a trascender el alcance de la mayoría de los artistas. El álbum "Good Morning Spider" de la banda Sparklehorse liderada por Mark Linkous es un recordatorio del poder desenfrenado que puede tener la composición sincera y honesta: convertir la miseria en catarsis. 

En este post traeré a tu atención esta obra de arte donde la música es el instrumento para abrir el alma y comunicar emociones que son oscuras pero transmiten esperanza.

¿Quién son la banda Sparklehorse?

Formación estadounidense de indie rock de Richmond, Virginia, liderada por el cantante y multiinstrumentista Mark Linkous. Sparklehorse estuvo activo desde 1995 hasta la muerte de Linkous en 2010. En sus inicios, los miembros de Sparklehorse incluían a Paul Watson (banjo, corneta, lap steel y guitarra eléctrica), Scott Minor (batería, órgano de cuerdas, banjo), Johnny Hott (órgano Wurlitzer, percusión, coros) y Scot Fitzsimmons (bajo).

La discografía de Sparklehorse:

• Vivadixiesubmarinetransmissionplot (1995)
• Good Morning Spider (1998)
• It's a Wonderful Life (2001)
• Dreamt for Light Years in the Belly of a Mountain (2006)
• Dark Night of the Soul (con Danger Mouse) (2010)
• Bird Machine (2023 - postumo).
  
  

ALBUM: Good Morning Spider

Es el segundo álbum publicado el 20 de julio de 1998. Fue bien recibido por la crítica musical y para mí es el mejor disco de Sparklehorse. Una exploración inquietantemente hermosa de las luchas y experiencias personales de Linkous, y se erige como un testimonio de sus habilidades para escribir canciones y su habilidad para crear paisajes sonoros atmosféricos de lo-fi.

Es musicalmente ecléctico y emocionalmente poderoso. Este álbum toma temas grises (quizás oscuros y deprimentes) y los convierte en un mundo, combinando la composición de canciones clásicas con un sonido experimental que toma prestado de la alta fidelidad y la baja fidelidad. Grabada después de la reacción accidental y casi fatal a las drogas de Mark Linkous, y su posterior estadía de 12 semanas en el hospital, "Good Morning Spider" habita en los espacios liminales entre el sueño y la vigilia, la enfermedad y la salud, la vida y la muerte.

En 1996, mientras estaba de gira por Europa con Radiohead, Mark Linkous consumió una combinación de antidepresivos, valium, alcohol y heroína en una habitación de hotel de Londres. Inconsciente y con las piernas atrapadas debajo de él durante casi catorce horas, la acumulación de potasio resultante hizo que su corazón se detuviera durante varios minutos después de que levantaran su cuerpo. La cirugía posterior casi le hizo perder el uso de ambas piernas y, como resultado, tuvo que usar una silla de ruedas durante seis meses y requirió diálisis por insuficiencia renal aguda. En general, se cree que esta experiencia de vida es el "alma" de "Good Morning Spider", sin embargo, Mark Linkous lo niega en entrevistas y comenta que la mayor parte del material se escribió antes de que ocurriera todo esto. Pero, una canción "St. Mary", que está dedicada a las enfermeras del hospital del mismo nombre en Paddington donde Linkous se recuperó da para pensar. Así que lo dejó todo a tu criterio después de escuchar el álbum.

"Good Morning Spider" tiene sintetizadores, electrónica ambiental, trompetas y loops de batería en la mezcla. Las letras poéticas de Linkous ofrecen una ventana a un mundo personal de dolor y aislamiento, que también es de afirmación de la vida. A pesar de esto, el trasfondo de la inseguridad es omnipresente. La producción también es digna de mención. El uso de Linkous de técnicas de grabación de lo-fi le da al álbum una calidad cruda y sin pulir que se suma a su impacto emocional. El sonido del álbum es rico y en capas, con detalles sutiles que se revelan en repetidas escuchas.

Canciones:

El álbum abre con "Pig", una tema que inmediatamente establece el tono con su guitarra cruda y distorsionada y la voz tensa de Linkous. Es un marcado contraste con las canciones más tenues y melancólicas que siguen, pero es una introducción adecuada a un disco que constantemente desafía las expectativas.

"Good Morning Spider" se caracteriza por su mezcla ecléctica de sonidos y estilos. Desde la calidad soñadora y etérea de "Saint Mary" hasta el rock distorsionado y grunge de "Sick of Goodbyes", el álbum es un viaje sonoro que lleva a los oyentes a través de una variedad de emociones. Las letras de Linkous suelen ser crípticas e introspectivas y exploran los temas de depresión, aislamiento y temor existencial. Sin embargo, hay una sensación de esperanza y resiliencia que impregna el álbum, lo que lo convierte en una escucha profundamente conmovedora y catártica.

Una de las canciones más destacadas es "Maria 's Little Elbows", un tema que resume perfectamente la combinación de belleza y oscuridad del álbum. El corte comienza con una melodía simple y melancólica que gradualmente se convierte en una cacofonía de ruido y distorsión, reflejando la naturaleza tumultuosa de la propia vida de Linkous.

Otras canciones destacadas son Sunshine, Hey Joe y Cruel Sun, aunque en su conjunto este disco está lleno de intuiciones emocionales.

Disco recomendado

 
"Good Morning Spider" tiene un sonido único, profundidad emocional y una atmósfera cohesiva. Muestra el crecimiento de Sparklehorse como banda y solidifica la reputación de Mark Linkous como músico y compositor talentoso. El trágico suicidio de Mark Linkous en 2010 trae el regalo de "Good Morning Spider" a un mayor relieve y eleva este disco a la categoría de "debes escuchar".

Video del tema "Maria's Little Elbows":

Tracklist:

1.         "Pig"                                      2:22
2.         "Painbirds"                             3:50
3.         "Saint Mary"                          3:59
4.         "Good Morning Spider"                    1:09
5.         "Sick of Goodbyes"               3:32
6.         "Box of Stars (Part One)"      0:33
7.         "Sunshine"                             4:59
8.         "Chaos of the Galaxy/Happy Man"   4:31
9.         "Hey, Joe"(Version de Daniel Johnston)       3:04
10.       "Come on In"                         3:43
11.       "Maria's Little Elbows"                     4:16
12.       "Cruel Sun"                            2:25
13.       "All Night Home"                 3:43
14.       "Ghost of His Smile"             3:11
15.       "Hundreds of Sparrows"                   2:26
16.       "Box of Stars (Part Two)"      0:49
17.       "Junebug"                              3:24

 
Personal (Músicos):

•  Mark Linkous: voz, guitarra, bajo, Wurlitzer, piano, optigan, sampler, vibráfono, armonio, hablar y deletrear, concertina, percusión, caja de ritmos
• Sofia Mitchalitsianos - voz, violonchelo en las pistas 2 a 4, 6, 7, 10 y 15 a 17
• Scott Minor: batería en las pistas 1 y 15, armonio en la pista 4
• Paul Watson - corneta en la pista 2
• Melissa Moore - violín en las pistas 3, 6, 7, 10 y 16
• Johnny Hott: batería en la pista 8, piano en la pista 5
• Stephen McCarthy - guitarra de pedal de acero en la pista 13
• David Lowery: guitarra, caja de ritmos en la pista 5, bajo en la pista 8
• Vic Chesnutt - voz de respuesta en la pista 7

ASH - 1977 - Album

Todavía sigue siendo una hazaña notable hoy en día, que tres músicos muy jóvenes de Irlanda del Norte lograron grabar y lanzar lo que todavía se considera uno de los mejores álbumes de Power Pop. La banda es ASH, y el disco es "1977".

ASH (Banda de rock)

Una formación de rock de Irlanda del Norte formada en 1992 por el vocalista y guitarrista Tim Wheeler, el bajista Mark Hamilton y el baterista Rick McMurray. Después del éxito de su debut "1977", la banda reclutó a Charlotte Hatherley como guitarrista y vocalista. La banda volvió a ser un trío en 2006 cuando Hatherley se fue.

Están asociados con el "Britpop", aunque no se sentían cómodos con la asociación.

Album: 1977

El debut de larga duración fue publicado el 6 de mayo de 1996 (antes Ash lanzó un mini-LP titulado "Trailer"). El grupo grabó el álbum con el productor Owen Morris (ha trabajado con bandas de rock como Oasis, Fratellis, View, Loso y Verve). Descrito popularmente como un disco de Brit Pop, power pop y garage rock, "1977" generó comparaciones con otros grupos como "The Buzzcocks", "Dinosaur Jr.", "Teenage Fanclub" y "Sonic Youth".

La historia cuenta que el título del álbum "1977" se refiere al año de lanzamiento de la película "Star Wars" (1977) y el año en que nacieron los miembros de la banda Wheeler y Hamilton. La formación de la banda estaba formada por Tim Wheeler en la voz y la guitarra, Mark Hamilton en el bajo y Rick McMurray en la batería.

Los miembros de la banda en ese momento eran tan jóvenes que no han podido asimilar completamente los estándares anteriores de las subculturas indie y punk. Esta "libertad" les permite crear un sonido distintivo, melódico y enérgico que es a partes iguales grunge y pop. Ash toma un enfoque mixto de sus canciones en este disco, agregando elementos de power pop, glam, grunge y rock. Es un crisol de estilos que se aleja de los formatos de canciones "cortas" hacia una construcción de canciones más estilo "épica".

 

Canciones:

 
El álbum abre con "Lose Control", un tema de mucha energía con riffs vertiginosos y una actitud punk rock. Sigue "Goldfinger", mostrando un ritmo entrecortado y una melodía pegadiza. "Girl from Mars", uno de los sencillos más conocidos de la banda, es un ejemplo perfecto de su habilidad para mezclar punk-pop con estribillos pegadizos y estribillos memorables. Sigue siendo una de las canciones más queridas de la banda.

"1977" también incluye otros temas destacados como "I'd Give You Anything", "Gone the Dream", "Kung Fu" y "Oh Yeah", que demuestran la versatilidad y la capacidad de la banda para crear sonidos distintivos y melódicos.

Producción:

 
La calidad de producción de "1977" también es digna de mención. A pesar de ser un álbum debut, tiene un sonido pulido que no sacrifica la energía bruta de las actuaciones de la banda. La mezcla está bien equilibrada, lo que permite que cada instrumento brille sin dominar a los demás. Además, "1977" es una gran introducción al género del rock alternativo. Encapsula la energía y el espíritu de la escena del rock de mediados de los 90, pero su sensibilidad melódica lo hace accesible a una amplia gama de oyentes.

 

Disco recomendado

 
Un poderoso álbum debut para una banda tan joven en ese momento que presenta una mezcla imparcial y única de estilos punk rock, power pop y rock alternativo. El álbum sigue siendo un clásico en el género "Britpop", aunque la banda se sintió incómoda con esta "etiqueta". Un disco cuya vitalidad juvenil y estilo con ganchos recubiertos de azúcar pero de rock duro sigue siendo impresionante incluso hoy en día.

Buscarlo si aún no lo conoces.

Video del tema "Girl from Mars":

Tracklist:

1.         "Lose Control"           3:37
2.         "Goldfinger"               4:31
3.         "Girl from Mars"                    3:30
4.         "I'd Give You Anything"                  4:31
5.         "Gone the Dream"                  3:29
6.         "Kung Fu"                  2:17
7.         "Oh Yeah"                  4:45
8.         "Let It Flow"              4:42
9.         "Innocent Smile"                    5:52
10.       "Angel Interceptor"    4:04
11.       "Lost in You"             4:19 

12.       "Darkside Lightside" (incluye el hidden track "Sick Party"; no disponible en todas las versiones)                       16:49

COME - Eleven:Eleven -11:11- Album

Come (Banda)

Un grupo estadounidense de rock alternativo formado en la ciudad de Boston por Thalia Zedek (voz, guitarra), Chris Brokaw (guitarra), Sean O'Brien (bajo) y Arthur Johnson (batería). Thalia Zedek de "Live Skull" y Chris Brokaw de "Codeine" se mudaron a Boston a principios de los 90 y formaron COME.

 

ALBUM: Eleven: Eleven (11:11)

 

Eleven: Eleven -"11:11" es el álbum debut de la banda de indie rock COME publicado el 1 de diciembre de 1992. Por un lado, guitarras trepidantes y arremolinadas, una sección rítmica caótica y poderosa, y una cantidad de energía desbordante. En el otro extremo, es oscuro, profundo y bluesy. Conocido por sus guitarras torrenciales y nudosas y las voces angustiadas de la líder Thalia Zedek, el disco es una de las joyas más excepcional y difícil de conseguir del catálogo del sello "Matador": Kurt Cobain, J Mascis y Bob Mold se han llamado a sí mismos fans de Come. De hecho, Kurt Cobain invitó a "Come" a abrir varios shows de Nirvana en 1993 después de este disco.

Grabado en julio de 1992, el disco "11:11" fue producido por Come con Tim O'Heir y Carl Plaster. El álbum toma su título del fenómeno numerológico que involucra la recurrencia y potencial sincronicidad del tiempo 11:11. Los miembros de la banda decidieron el título después de mirar un reloj digital en varias ocasiones y encontrar que eran las 11:11 cada vez.

La obra es una fusión de sonidos y estilos fangosos, eléctricos y noise, que combina la angustia y el poder de mando. El canto a menudo vibrante de Zedek es duro y a su vez genial. Su voz aterriza justo en el rango medio, áspera y texturizada, y combina extremadamente bien con las guitarras angulares.

Desde la perspectiva de la composición de canciones, el álbum explora temas de introspección y agitación emocional. Las canciones profundizan en las emociones humanas, creando una sensación de intensidad y vulnerabilidad.

Temas para destacar: "Submerge", "Off to One Side", "Dead Molly", "Orbit" y "Fat Piss Blues"

 

Disco recomendado

 
"Eleven: Eleven (11:11)" de "Come" es un álbum debut poderoso y cargado de emociones que muestra la combinación única de rock alternativo y blues de la banda.

Una agradable tempestad arremolinada de guitarra indie-blues dentada y voces crudas y dolorosas. Será disfrutado por los fans de "Nirvana", "Sonic Youth" y "Soundgarden". No hay una canción realmente mala en este álbum y es una gran escucha. El CD original se agotó y se convirtió en un artículo de colección al que se le reeditó. En enero de 2013, "Matador Records" anunció una reedición especial de 2 LP / CD del vigésimo aniversario de "11:11". La reedición incluye el lanzamiento original, además de un disco en vivo que consiste en la presentación de la banda en el "Vermonstress Festival" de 1992.

Buscarlo en las plataformas digitales de música.

Video del tema "Submerge":

Tracklist (formato LP):

1.         "Submerge"                4:24
2.         "Dead Molly"             4:08
3.         "Brand New Vein"     6:13
4.         "Off to One Side"      5:47
5.         "Bell"  Come              3:25
6.         "William"                    4:34
7.         "Sad Eyes"                 4:03
8.         "Power Failure"          5:44
9.         "Orbit"                        5.04

CD Bonus Tracks:

10.       "Fast Piss Blues" (Bonus track en version CD)         3:57
11.       "I Got the Blues" (Bonus track en version CD – version de The Rolling Stones)   5:04

JAMIROQUAI - The Return of the Space Cowboy - Album

ACID JAZZ es un género musical que combina elementos de funk, soul y hip hop, así como jazz y música disco. El acid jazz se originó en los clubes de Londres durante la década de 1980 con el movimiento "rare groove". El auge de la música electrónica de club a mediados y finales de la década de 1990 provocó una disminución del interés y, en el siglo XXI, el movimiento se volvió confuso como género. Muchos grupos que podrían haberse definido como acid jazz se consideran jazz-funk, neo soul o jazz rap. 

Una de las bandas más exitosas que salió directamente de la escena "Acid Jazz" es Jamiroquai. Explotaron a nivel mundial con sus tres primeros discos, y siguen activos pero menos relevantes.

En este blog post, daré un breve espacio a Jamiroquai y destacar uno de sus discos, "The Return of the Space Cowboy", uno de mis favoritos.

¿Quién son Jamiroquai?

 
Jamiroquai es una banda inglesa de funk y acid jazz de Londres. Formados en 1992, están liderados por el vocalista "Jay Kay", y fueron prominentes en el movimiento funk y acid jazz de Londres de la década de 1990. Se basaron en su sonido de acid jazz en sus primeros lanzamientos y luego se inspiraron en los géneros de música rock, disco, electrónica y latina. Líricamente, el grupo ha abordado la justicia social. Kay se ha mantenido como el único miembro original a través de varios cambios de formación.

Jamiroquai ha vendido aproximadamente más de 26 millones de álbumes en todo el mundo. Su tercer álbum, "Traveling Without Moving" (1996) recibió un récord mundial Guinness como el álbum de funk más vendido de la historia.

La discografía de Jamiroquai hasta este momento:

• Emergency on Planet Earth (1993)
• The Return of the Space Cowboy (1994)
• Travelling Without Moving (1996)
• Synkronized (1999)
• A Funk Odyssey (2001)
• Dynamite (2005)
• Rock Dust Light Star (2010)
• Automaton (2017)
  
  

Jay Kay: Líder de Jamiroquai

Jay Kay, la fuerza principal de Jamiroquai está influenciado por Roy Ayers, Herbie Hancock, Lou Donaldson, Grant Green, Stevie Wonder, Sly Stone, Gil Scott-Heron, la música disco y el hip-hop con su cultura urbana. Fue presentado a muchas de estas influencias a mediados de la década de 1980 por los DJ de clubes británicos.

Kay también es el compositor principal de Jamiroquai. Al componer, canta melodías y ritmos para que los miembros de la banda los transcriban a su instrumentación. La banda se basa en sonidos analógicos. Los críticos elogian la fuerte voz de Kay y sus enérgicos movimientos de baile en el escenario. El estilo visual y el casco de indio se describe como "ciencia ficción y futurista".

ALBUM: The Return of the Space Cowboy

 
Es el segundo álbum que se publicó el 17 de octubre de 1994. El álbum continúa la dirección musical del debut, "Emergency on Planet Earth" (1993), y se caracteriza por su composición compleja como resultado del bloqueo creativo de Jay Kay a mitad de la producción. Su letra abordaba la vida en la calle, la esperanza, la pérdida y el consumo de drogas de Kay, y asuntos sociales relacionados con los nativos americanos y las protestas juveniles británicos. Ocupó el puesto #2 en el Reino Unido y fue certificado platino en el país con 1.300.000 copias vendidas en todo el mundo.

La sorprendente imitación de Jason Kay de Stevie Wonder y Sly Stone impulsa la mezcla de acid jazz y funk y R & B del grupo. Más denso y concentrado que el álbum anterior, "The Return of the Space Cowboy" es una continuación satisfactoria con letras inteligentes e instrumentación brillante. Tiene números de funk fuertes y optimistas, así como canciones más reflexivas con buenos arreglos, y la voz de Jay Kay domina.

La producción del álbum es excelente, con cada tema sonando nítido y claro. La maestría musical de la banda se muestra por completo a lo largo del disco, y cada miembro contribuye al sonido general. La voz de Jay Kay es suave y conmovedora, y sus letras son reflexivas y personales. El cantante estuvo luchando durante la grabación con algunos problemas personales y esa lucha interna salió a la luz en la actuación.

 

Canciones: track por track:

1. "Just Another Story": es probable que cuente una narración o comparta una historia personal, posiblemente explorando temas de la vida, el amor o experiencias personales. Jay Kay improvisa un cuento callejero... a medio camino entre el rap y el canto.

2. "Stillness in Time": con sabor latino, podría profundizar en el concepto de encontrar paz o tranquilidad en medio de un mundo acelerado, enfatizando la importancia de tomarse un momento para hacer una pausa y reflexionar.

3. "Half the Man": una canción de tempo medio sobre el hermano gemelo de Kay que murió poco después de nacer.

4. "Light Years": una canción de fuerte "vibe" que tal vez ahonda en el concepto de distancia, tanto física como emocional, y el anhelo asociado con ella.

5. "Manifest Destiny": un relato de los malos tratos y masacres de los nativos americanos.

6. "The Kids": captura el sentimiento de las calles y trata sobre las protestas de los jóvenes contra la "Ley de Justicia Penal y Orden Público" del Reino Unido de 1994, un proyecto de ley que prohíbe las raves de baile.

7. "Mr. Moon": una canción de amor con estructuras de acordes complejas sobre una chica que Kay conoció en un rave pero terminó con el tecladista de la banda, Toby Smith.

8. "Scam": cuenta con arreglos orquestales con los que Rich Tufo y Johnny Pate alguna vez cubrieron el funk soul-protest de Curtis Mayfield.

9. "Journey to Arnhemland" (instrumental): posiblemente inspirado o rindiendo homenaje a la región australiana de "Arnhem Land". Puede evocar una sensación de exploración, aventura o apreciación cultural. Un interesante cambio de ritmo.

10. "Morning Glory": relajada, una pieza perfecta con percusión que va de un altavoz a otro. Para pasar el rato y "aterrizar" después de la fiesta.

11. "Space Cowboy": profundiza en el concepto de libertad, individualidad o el deseo de romper con las normas sociales. Podría evocar una sensación de aventura, rebelión o el anhelo de una vida libre de limitaciones. Sin embargo, los críticos han sugerido que se relaciona con el uso y abuso de la cocaína de Jay.

Video del tema "Space Cowboy":

En general, las interpretaciones están abiertas. La música es funky, conmovedora y fresca. Una gran experiencia auditiva.

Disco Recomendado

En resumen, "The Return of the Space Cowboy" es un álbum sólido que muestra el sonido único de Jamiroquai y su capacidad para crear música que sea rítmicamente estimulante. Es un disco que resiste la prueba del tiempo y sigue siendo relevante hoy. Si eres un fan del jazz, el funk o el pop, hay algo en este álbum para ti. Además, es una instantánea perfecta de la escena del acid jazz que surgió de los Clubs más cool de Londres en los años 90. Todo muy, muy chic, suave y groovy.

Video del tema "Alright":

Tracklist (formato original):

1.         "Just Another Story"             8:49
2.         "Stillness in Time"                 4:15
3.         "Half the Man"                      4:48
4.         "Light Years"             5:53
5.         "Manifest Destiny"                6:19
6.         "The Kids"                 5:08
7.         "Mr. Moon"                5:28
8.         "Scam"                        7:00
9.         "Journey to Arnhemland" (instrumental)                  5:19
10.       "Morning Glory"                    6:21
11.       "Space Cowboy"                    6:25

Otros buenos álbumes de Jamiroquai para escuchar:

• Emergency on Planet Earth (1993)
• Travelling Without Moving (1996)