THE CHURCH - Forget Yourself - Album

THE CHURCH (Banda)

Banda australiana de rock alternativo formado en la ciudad de Sydney en 1980, aunque su líder Steve Kilbey nació en Reino Unido y se crio en la ciudad australiana de Canberra. Inicialmente "The Church" fueron asociados con el "New Wave" y "Neo-Psychedelia, su música con el paso del tiempo llegó a presentar tempos más lentos y de paisajes sonoros surrealistas que se ajustan más al "Pop" y el "Post-Rock".

Los miembros fundadores son Steve Kilbey (voz y bajista), Peter Koppes (voz, guitarra y teclados), Marty Willson (guitarra) y Nick Ward (baterista). Nick Ward solo tocó en el álbum debut "Of Skins & Hearts" de 1981, y el baterista de la banda durante el resto de la década de los años 80 fue Richard Ploog. Jay Dee Daugherty (ex-Patti Smith Group) tocó la batería desde 1990 hasta 1993 seguido por Tim Powles (ex-The Venetians) que permanece con ellos hasta hoy. Peter Koppes dejó la banda de 1992 a 1997, y Willson-Piper se fue en 2013. Ian Haug, anteriormente de la banda australiana "Powderfinger" lo reemplazó. En estos momentos la formación es Steve Kilbey, Peter Koppes, Tim Powles y Ian Haug.

La discografía más conocida de The Church hasta ahora:

• Of Skins and Heart (1981) 
• The Blurred Crusade (1982)
• Seance (1983)
• Heyday (1985)
• Starfish (1988)
• Gold Afternoon Fix (1990)
• Priest=Aura (1992)
• Sometime Anywhere (1994)
• Magician Among the Spirits (1996)
• Hologram of Baal (1998)
• After Everything Now This (2002)
• Forget Yourself (2003)
• Jammed (2004)
• Uninvited, Like the Clouds (2006)
• Untitled #23 (2009)
• Further/Deeper (2014)
• Man Woman Life Death Infinity (2017)
• The Hypnogogue (2023)

...hay más obras entre colaboraciones, bandas con otro nombre y directos

Los lectores habituales de este Blog ya sabrán, y si no lo confirmó, que THE CHURCH es uno de mis bandas favoritas y de fetiche. Un grupo que por razones desconocidas no han conseguido estar en lo más alto del pódium del éxito comercial. Casi lo consiguen en 1988 con el álbum "Starfish" con su tema estrella "Under The Milky Way", ahora un clásico. Con este álbum rompen el mercado americano pero se quedaron cortos y no pudieron consolidar el éxito. No obstante, tienen y mantienen una gran base de fans al nivel internacional que les permite seguir publicando discos y haciendo conciertos por todo el mundo.

Hay unos álbumes que son esenciales para descubrir THE CHURCH, el ya mencionado "Starfish", además de los dos primeros "Of Skins & Heart" y "The Blurred Crusade" que demuestra el sonido más elemental aunque la banda iría evolucionando. También tengo que mencionar grandes obras como "Heyday" (magnífica), "Seance", "After Everything Now This" y "Further/Deeper".

Lo que me anima ahora escribir otro post más sobre THE CHURCH (ya son unos cuantos) es resaltar y recomendar un álbum en particular que llevo escuchando estos días, "Forget Yourself". Un trabajo que cada vez que vuelvo a recuperar me sorprende con nuevos sonidos, melodías y despierta emociones.

Album: Forget Yourself 

El álbum número 17 (no hay consenso) publicado Octubre de 2003. Un disco grabado de tal forma que mantendría el ambiente y sonido orgánico del directo y con mínimo intervención de la parte técnica del proceso de estudio. Para añadir más variedad los miembros se intercambian  instrumentos, por ejemplo el guitarrista Marty Willson toca la batería en el tema "Maya".

Un disco que no entro bien a algunos críticos por no ser "consistente", que gusta, y mucho a los fans de THE CHURCH. Para mí la banda vuelve a su sonido más puro y sostenido después de pasar años algo "perdidos" en la experimentación, y quizás intentando buscar de nuevo la formula perdida de "Starfish", el álbum que les dejo la miel en la boca del éxito "mundial" (al menos del americano).

Contiene unas canciones extraordinarias como "Telepath", "Song In Space", "Lay Low", "Don't You Fall", "I Kept Everything" y "Summer". Y aunque algunos mencionan que este trabajo le falta coherencia, para mi es todo lo contrario. La misma banda no lo buscaban,  y lo que sí hay son unos paisajes sonoros etéreos y de sueño que son "marca de la casa".

Y como un buen vino este álbum mejora con el tiempo y con cada nueva escucha. Llevo dando el "play" estos últimos días escuchando "Forget Yourself" en un contexto donde se sirve de música de fondo, y no me para de llamar la atención los delicados matices y las melodías tan bellas que se esconden como si fuera un experimento de "física cuántica y partículas".

Un disco recomendado, un álbum que no se debe perderse entre los muchos y que merece atención. Para los fans de THE CHURCH no tengo que añadir más, excepto que es uno de sus grandes álbumes en oferta. Para el lector que no conoce THE CHURCH es una magnífica introducción a la banda australiana, aunque no va demostrar "el sonido" definitivo de la banda ya que han evolucionado mucho recorriendo diversos caminos musicales. Lo que sí pienso puede aportar "Forget Yourself" es una hora de música placentera y de bellísima dimensiones,  y si ocurre descubres una banda antes no conocida que puede darte muchas, muchas alegrías.



Tracklist de álbum "Forget Yourself":

"Sealine" – 5:06
"Song In Space" – 5:24
"The Theatre and Its Double" – 4:34
"Telepath" – 4:56
"See Your Lights" – 4:14
"Lay Low" – 4:13
"Maya" – 3:45
"Appalatia" – 4:09
"June" – 4:05
"Don't You Fall" – 3:10
"I Kept Everything" – 4:01
"Nothing Seeker" – 4:22
"Reversal" – 4:41
"Summer" – 7:02

T-BONE WALKER | The Very Best of T-Bone Walker

T-BONE WALKER (Bluesman y guitarrista)

Aaron Thibeaux Walker (alias T-BONE WALKER) Bluesman, multi-instrumentista, guitarrista, cantante y compositor americano (nacido en Linden Tejas 1910 - murió 1975). Pionero del dominado "Jump Blues" y del sonido "eléctrico", figura en el número 37 del Top 100 Bluesmen de la Historia por la revista "Rolling Stone" de 2018. Fue incluido en el "Blues Hall of Fame en 1980 y del "Rock and Roll Hall of Fame" en 1987.

T-Bone tuvo una influencia sobre muchos músicos como Chuck Berry, B.B King, Jimi Hendrix, Steve Miller, Jethro Tull...por mencionar algunos. Es el primer autentico solista de la guitarra electrica del Blues.

La discografía de T-Bone Walker es extensa:

Como líder de banda:

• Wichita Falls Blues (1929)
• Trinity River Blues (1929)
• Mean Old World (1942)
• Bobby Sox Blues (1946)
• Call It Stormy Monday But Tuesday Is Just as Bad (1947)
• T-Bone Shuffle (1947)
• West Side Baby (1948)
• T-Bone Blues (1960)
• I Get So Weary (1961)
• Great Blues Vocals and Guitar (1963)
• Hey Hey Baby (1965)
• The Legendary T-Bone Walker (1967)
• Blue Rocks (1968)
• I Want a Little Girl (1968)
• The Truth (1968)
• Funky Town (1968)
• ...Good Feelin'... (1969)
• Everyday I Have the Blues (1969)
• Fly Walker Airlines (1972)
• Well Done (1973)
• Very Rare (1973)
• Feelin' the Blues (1973)
  

Acompañante con Jimmy Witherspoon:

• "Evenin' Blues" (1963)

Acompañante con Eddie Vinson:

• "Kidney Stew Is Fine" (1969)

ALBUM: The Very Best of T-Bone Walker 

Publicado en 2000 este álbum abarca su material desde 1945 a 1957. Contiene algunas de las mejores grabaciones de T-BONE. No es la única colección centrada en las grabaciones de Walker de ese período; en 1995, por ejemplo, el sello discográfico Capitol lanzó un conjunto de tres CD titulado "The Complete Capitol / Black & White Recordings". Pero si se busca una colección de discos únicos más concisa de los clásicos de los años 40 y 50 (Siglo XX) de Walker "The Very Best of T-Bone Walker" es la mejor opción.

Todo el material es magnifico, incluye la versión original de "Call It Stormy Monday" (su canción más famosa),  y cualquiera que tenga un interés en la producción del cantante-guitarrista también necesita escuchar joyas como "The Hustle Is On" (1950),"Tell Me What's The Reason" (1953),"Bobby Sox Blues" (1946) y "West Side Baby"...por decir algunas.

Este álbum "Very Best of..." es una colección de temas Blues, pero es una colección de Blues con mucha influencia del Jazz. El amor de Walker por el Jazz es evidente en gran parte de su material ya sea que proporcione Blues de "uptempo" y de "Texas shuffle",  o se convierta en un cantante de antorcha en "Evenin" y "I'm Still in Love With You" (ambos del año 1945).

Un disco recomendado. Si no posee ningún álbum de T-Bone Walker y está explorando su trabajo por primera vez esta colección es el lugar más lógico para comenzar.

Video de T-Bone Walker con la canción "Don't Throw Your Love On Me So Strong":

Video de T-Bone Walker y la canción "Call It Stormy Monday":

Tracklist del disco "T-Bone Walker ‎– Blues Masters: The Very Best Of T-Bone Walker":

1 Bobby Sox Blues Written-By – Dootsie Williams
2 Mean Old World Blues Written-By – Aaron Walker
3 I'm Still In Love With You Written-By – Aaron Walker
4 Evenin' Written-By – Harry White, Mitchell Paris
5 Hypin' Women Blues Written-By – J. Henry
6 Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just As Bad) Written-By – Aaron Walker
7 West Side Baby Written-By – Dallas Bartley, John Cameron
8 Strollin' With Bones Written By – Davis Jr. Written-By – Aaron Walker
9 The Hustle Is On Written-By – Eddy Owens
10 You Don't Understand Written-By – V.K. Walker
11 Tell Me What's The Reason Written-By – Florence Cadrez
12 Papa Ain't Salty Written-By – Grover McDaniel, Aaron Walker
13 Play On Little Girl Written-By – Aaron Walker
14 T-Bone Blues Written-By – Les Hite
15 How Long Blues Written-By – Leroy Carr
16 T-Bone Shuffle Written-By – Aaron Walker

JAMES GANG | Thirds - Album

JAMES GANG (Banda)

Banda americana (Cleveland, Ohio) de ROCK formado en 1966. La formación más conocida es con el trío JOE WALSH (voz y guitarra), TOM KRISS (bajo) y JIM FOX (baterista), aunque experimentaron bastantes cambios en su carrera hasta 1977.

Esta banda es relevante ya que fue una referencia en la escena rock americana de los ultimos años de los 60 y principios de los 70 (Siglo XX) y porque es donde sale Joe Walsh para irse a THE EAGLES para reemplazar Bernie Leadon. Nunca tuvo JAMES GANG el mismo éxito despues de la salida de Walsh aunque publicaron seis discos más antes de terminar.

Esta es la discografía de álbumes de estudio:

1969 Yer' Album
1970 James Gang Rides Again
1971 Thirds
1972 Straight Shooter
1972 Passin' Thru
1973 Bang
1974 Miami
1975 Newborn
1976 Jesse Come Home

Hay dos discos que destacan, "James Gang Rides Again" y "Thirds". Es el último que para mi es el referente de JAMES GANG.

ALBUM: Thirds

Tercer álbum publicado en 1971. Ultimo disco con el vocalista y guitarrista JOE WALSH antes de dejar la banda para una carrera en solitario y despues unirse a THE EAGLES (primer álbum con ellos "Hotel California").

La verdad es que WALSH fue el alma y motor de JAMES GANG, como despues demuestra la caída paulatina de la banda con su salida. Este álbum contiene el gran éxito comercial de la banda "Walk Away" y nos avisa continuamente de las grandes habilidades para tocar la guitarra electrica de JOE WALSH. Una de las principales razones que dejaría Walsh la banda es que se había convertido en el foco de la atención apartando las miradas de los otros miembros. Como se dice coloquialmente, JAMES GANG se quedó pequeño para Walsh, aunque seguro tambien había otras razones añadidas.

El disco tiene otros grandes temas como "Midnight Man" y "It's All The Same"...y en su conjunto es un muy buen álbum de ROCK con excelente guitarra, ritmos y voz. Un clásico del Rock americano que ha ganado más reconocimiento y fans con el tiempo.

Un disco recomendado, un álbum para los amantes del buen ROCK N ROLL. Además para los jóvenes fans de THE EAGLES es bueno saber y escuchar de dónde venía JOE WALSH. Mucha gente cree que Walsh era un miembro original de THE EAGLES, no es el caso. Tiene una interesante historia musical antes de "Hotel California".

Video del tema "Walk Away" del disco "Thirds" de JAMES GANG:

 
Tracklist del álbum "Thirds":

Cara A
"Walk Away" – (Joe Walsh) – 3:32
"Yadig?" – (Peters, Fox, Walsh) – 2:30
"Things I Could Be" – (Fox) – 4:18
"Dreamin' In The Country" – (Peters) – 2:57
"It's All The Same" – (Walsh) – 4:10

Cara B
"Midnight Man" – (Walsh) – 3:28
"Again" – (Walsh) – 4:04
"White Man/Black Man" – (Peters) – 5:39
"Live My Life Again" – (Fox) – 5:26

THE SMASHING PUMPKINS | Mellon Collie and the Infinite Sadness - Album

THE SMASHING PUMPKINS

Banda americana (la ciudad Chicago) de Rock Alternativo formada en 1988 con Billy Corgan (voz y guitarra), D'arcy Wretzky (bajista), James Iha (guitarrista) y Jimmy Chamberlin (batería), un conjunto que a sufrido cambios en su formación.

Su sonido tiene muchas más capas de guitarra, además de fusionar diferentes estilos de rock; desde gothic, dream-pop, heavy, progresivo, shoegaze, psychedelic ...hasta la electronica. Corgan se encarga mayoritariamente de las composiciones de la canciones que conllevan una tendencia de "angustia" y de espíritu "Doom".  Billy Corgan se le ve como un personaje peculiar, algo "solitario" y lo que coloquialmente se dice, "algo rarito". La verdad es que Corgan es un músico talentoso, muy creativo e inteligente, sabe muy bien lo que quiere y donde quiere llevar su música y banda. Su fuerte personalidad esta muy incrustado en THE SMASHING PUMPKINS.

La discografía esta compuesta de los siguientes álbumes de estudio:

• Gish (1991)
• Siamese Dream (1993)
• Mellon Collie and the Infinite Sadness (1995)
• Adore (1998)
• Machina/The Machines of God (2000)
• Machina II/The Friends & Enemies of Modern Music (2000)
• Zeitgeist (2007)
• Teargarden by Kaleidyscope (2009–2014)
• Oceania (2012)
• Monuments to an Elegy (2014)
• Shiny and Oh So Bright, Vol. 1 / LP: No Past. No Future. No Sun. (2018)

ALBUM: Mellon Collie and the Infinite Sadness

Tercer álbum de estudio publicado el 23 de Octubre del 1995. Un disco con 28 temas en dos CDs producido por Corgan, Flood y Alan Moulder, además de contribuciones del bajista Wretzky y guitarrista Iha.

El disco "Mellon Collie And The Infinite Sadness" es quizás la mejor obra de SMASHING PUMPKINS. Extensivo y ambicioso sus casi 120 minutos de duración y sus 28 canciones ofrecen una vertiginosa variedad de estilos, desde el tema titular y estilo neoclásica "Mellon Collie and the Infinite Sadness" (instrumental) hasta la suave "Thirty-Three" y el punk hardcore de "Tales Of A Scorched Earth".

Previamente a este trabajo Billy Corgan sentía una intensa presión para crear un disco que asegurará la longevidad de su banda, el período anterior al "Mellon Collie ..." fue uno de excepcional creatividad para los "Pumpkins". Las sesiones del álbum se produjeron tras una exitosa gira de 13 meses en apoyo al álbum anterior, el también magnífico "Siamese Dream", y durante el cual su líder comenzó a acumular una gran cantidad de material nuevo.

Con toda la banda aportando ideas y con numerosas nuevas canciones aún por grabar, Corgan sabía que el grupo tenía los medios para hacer un disco "muy grande" y excepcional cuando entraron al estudio con los co-productores Flood (de Depeche Mode, Nine Inch Nails...) y Alan Moulder (de U2, Ride, The Jesus And Mary Chain...).

La idea era que las canciones permaneciera unidas conceptualmente como un símbolo del ciclo de la vida y la muerte, aqui esta la narrativa de la obra. "Mellon Collie..." debutó en el Nº1 del Billboard 200. Fue certificado 10 X disco platino en los Estados Unidos y se convirtió en el doble álbum más vendido de la década. También obtuvo 7 nominaciones a los premios Grammy de 1997, incluyendo "Álbum del Año". La banda ganó solo el premio a la "Mejor Interpretación de Hard Rock" por el single "Bullet with Butterfly Wings". El álbum llegó a lanzar hasta cinco singles: "Bullet with Butterfly", "Wings", "1979", "Zero" y "Tonight, Tonight".

Musicalmente el álbum engloba el Rock Alternativo, Grunge, Metal y Art Rock. Sus fusiones dio como resultado diversos estilos musicales de una canción a otra, contrastando lo que algunos críticos sintieron como el "sabor unidimensional" (la verdad es ni yo se muy bien lo que quieren decir) . Se utiliza una variedad mucho más amplia de instrumentación, como piano, sintetizadores y "loops" de batería...además de una Orquesta en directo (el tema "Tonight, Tonight"). En relación con la producción hay una mayor variedad en el número de sobre grabaciones de guitarra utilizadas que en álbumes anteriores.  Corgan e Iha compartieron los "solos instrumentales" de guitarra; Iha estimó que las tareas de tocar "los solos" se dividirán "mitad y mitad" en este disco.

Un disco recomendado, un maravilloso álbum de Rock Alternativo que tiene algo para todo el mundo. Hay mucha variedad y la ejecución al nivel de musicalidad es impresionante. Un trabajo que aguanta muy bien el paso del tiempo y ya es reconocido por los críticos como un referente dentro de su género.

Video: The Smashing Pumpkins - "1979"



Tracklist del álbum "Mellon Collie and the Infinite Sadness":

Disc 1 – Dawn to Dusk

1.            "Mellon Collie and the Infinite Sadness" (Instrumental)                2:52
2.            "Tonight, Tonight"                          4:14
3.            "Jellybelly"                        3:01
4.            "Zero"                 2:41
5.            "Here Is No Why"                           3:45
6.            "Bullet with Butterfly Wings"                    4:18
7.            "To Forgive"                      4:17
8.            "Fuck You (An Ode to No One)"                                4:51
9.            "Love"                 4:21
10.          "Cupid de Locke"                            2:50
11.          "Galapagos"                      4:47
12.          "Muzzle"                            3:44
13.          "Porcelina of the Vast Oceans"                 9:21
14.          "Take Me Down"             2:52

Duración:            57:54

Disc 2 – Twilight to Starlight

1.            "Where Boys Fear to Tread"                      4:22
2.            "Bodies"                             4:12
3.            "Thirty-Three"                 4:10
4.            "In the Arms of Sleep"                  4:12
5.            "1979"                 4:25
6.            "Tales of a Scorched Earth"                        3:46
7.            "Thru the Eyes of Ruby"                              7:38
8.            "Stumbleine"                   2:54
9.            "X.Y.U."                7:07
10.          "We Only Come Out at Night"                   4:05
11.          "Beautiful"                        4:18
12.          "Lily (My One and Only)"                            3:31
13.          "By Starlight"                    4:48
14.          "Farewell and Goodnight"                          4:22

Duración:            63:50

THE SOUND | From the Lions Mouth - Album

THE SOUND

Banda britanica de música POST-PUNK formado en Londres el año 1979. Originalmente vienen de otra banda llamados "The Outsiders", siendo la formación original Adrian Borland y Graham Bailey (ambos de "The Outsiders"), y Mike Dudley y Benita "Bi" Marshall durando la formación hasta 1999.

Nunca tuvieron un éxito comercial notable, pero sí muchos elogios de los críticos musicales. Siendo así publicaron un número relevante de álbumes como demuestra su discografía a continuación:

• Jeopardy (1980)
• From the Lions Mouth (1981)
• All Fall Down (1982)
• Heads and Hearts (1985)
• Thunder Up (1987)
• Propaganda (1999)

Sigue siendo un misterio la razón/es porque THE SOUND no fueron más conocidos comercialmente. Su sonido es muy similar a "Joy Division", "Bauhaus", "Psychedelic Furs o incluso Echo & The Bunnymen, y aun asi no calaron con un público más amplio. Una pena ya que sus álbumes son buenos y a mi me gusta mucho en particular "From the Lions Mouth" de 1981. Me gusta este disco por el sonido "campana" de las guitarras, por sus sólidas canciones y atmósfera.

ALBUM: FROM THE LIONS MOUTH

Segundo disco de estudio publicado en Noviembre de 1981 con nuevo miembro Colvin Mayers despues de que Belinda Marshall dejara el grupo. Un trabajo producido por Hugh Jones, importante figura de la escena punk y new wave británico.

El disco es sorprendentemente comercial considerando que estaba "cubierto" de una aura siniestra (oscuridad) en línea con sus contemporáneos "Magazine" y "Joy Division". El álbum es uno de los mejores de THE SOUND y a su vez menos apreciados.

Un álbum que se caracteriza por la guitarra y el ritmo de la música Post-Punk, aumentada con gran efecto por ondas sutiles y, a veces, asombrosas de sintetizadores y efectos de fondo. La producción de este álbum es muy buena; las canciones de ritmo más lento como "Judgment" y "Fatal Flaw" crean paisajes sonoros, y complementan los temas más punk como "Winning" y "Skeletons". La interacción de instrumentos en este álbum es increíble; la banda nos ofrece brillantes momentos de guitarra, una sección de ritmo magnífico y posiblemente uno de los mejores letristas de su época en Adrian Borland.

Este álbum sirve como una visión de las profundidades de las luchas personales con los demonios de Borland, lo que eventualmente llevaría a su trágica muerte en 1999. Aunque las letras son a menudo introspectivas y melancólicas, son lo suficientemente equilibradas como para no ser demasiado "de bajón". Una obra musical que resiste la prueba del tiempo para seguir siendo un álbum absolutamente asombroso que merece ser recordado como uno de los mejores de su generación, aunque perdido para mucha gente, es el momento para dar el disco su "sitio".

Un disco recomendado por una banda que merecía más. Un álbum que se perdió en los muchos trabajos publicados por muchas buenas bandas de los años 80 del Siglo XX. Una obra que se aprecia más con el paso del tiempo y que esta disponible para ser descubierto de nuevo por curiosos, fans y exploradores de nuevos sonidos y bandas. Buscalo!

Video del tema "Winning" de THE SOUND:



Tracklist del álbum "From The Lions Mouth":

Cara A
1. "Winning" 4:18
2. "Sense of Purpose" 3:52
3. "Contact the Fact" 4:21
4. "Skeletons" 3:27
5. "Judgement" 5:03
Side B
1. "Fatal Flaw" 4:36
2. "Possession" 3:25
3. "The Fire" 2:53
4. "Silent Air" 4:14
5. "New Dark Age"          5:49

KHALED | Sahra - Album

KHALED

Khaled Hadj Ibrahim es músico, compositor y cantante Argelino (Oran). Comenzó su carrera musical a los 14 años con su banda "Five Stars" cantando en bodas y en clubes.

En los años 80 del Siglo XX, Khaled comienza cantar canciones al estilo "Rai". Fue en 1993 con el single "Didi" que se hizo popular en los países de habla árabe y también en varios otros continentes, incluida Europa, donde entró en las listas de éxitos en Francia, Bélgica, España y en Asia, incluyendo India y Pakistán. De aqui con sucesivos discos gana el apodo del "Rey del Rai".

Khaled es importante porque ha contribuido a expandir la cultura Árabe-Argelia al mundo, bajo la digerible categoría musical de "World Music" fusionando diferentes estilos con la música Árabe. Además es un símbolo de "apertura" y "moderación" entre las tensiones históricas y continuas dentro de la cultura-religiosa Árabe donde chocan los estilos de vida conservadoras y modernas. Khaled se ha tenido que trasladar a Francia para vivir en relativa seguridad para escapar de las "amenazas" de sectores ultra-conservadoras locales. Aunque, esta historia tambien lo "explota" el artista para el marketing.

El cantante es unas de las figuras de Argelia más Internacionales colaborando con numerosos artistas y músicos, además de estar presente en varias películas ("Quinto Elemento") con su música. La lista de Premios otorgados a Khaled es impresionante (ver abajo) y su discografía de álbumes de estudio hasta ahora son de 12:

1974 Trig lycee
1978 Nenssa Souad
1983 Der Ghalta
1985 Khoude K'rak
1988 Kutché (con Safy Boutella)
1992 Khaled
1993 N'ssi N'ssi
1996 Sahra
1999 Kenza
2004 Ya-Rayi
2009 Liberté
2012 C'est la vie

MÚSICA RAI

El "Raï" es una forma de música folklórica argelina que se remonta a la década de 1920. Los cantantes de Raï se llaman Cheb, el nombre dado a los cantantes de Chaabi. La tradición surgió en la ciudad de Orán, principalmente entre los pobres. La letra de Raï se refiere a cuestiones sociales y es abierto a absorber influencias musicales. Esta actitud de "fusión" ha traído al "Rai" más moderna severas críticas desde los sectores más conservadores y religiosas de la cultura Árabe. El Rai tiene entre sus seguidores más fieles al sector más joven de la población, grupo más atraído a la música y modas del occidente.

ALBUM: SAHRA

Octavo álbum de estudio publicado el 8 de Noviembre de 1996. Una super producción de las manos de  Philippe Eidel, Don Was, Jean-Jacques Goldman y Clive Hunt dando el trabajo un aire "World Music" y "Pop" con la colaboración de los músicos Internacionales: "I Threes" (Música Jamaicana), "Saul Hernandez" (Mejico) y los rapperos franceses (Akhenaton, Shurik´n y IAM). Un disco con canciones mayoritariamente en Árabe, con una buena dosis de temas en francés y español. La obra es dedicada a su mujer marroquí Samira y abre con la canción "Sahra" dedicado a su primera hija del mismo nombre. No obstante, el gran tema "bombazo" sería "Aicha" que fue un éxito de "World Music" y entró en listas de "Pop" en Francia, Bélgica y otros muchos países.

La estrategia con este disco fue claro, hacer que Khaled penetre el mercado comercial francés y europeo introduciendo y fusionando el RAI con el "Hip Hop" y música "World Dance". Fue un éxito, es el álbum más popular y comercial de su carrera hasta ahora vendido ciento de miles y miles de discos alcanzando estatus de "Platino". De aqui la critica de algunos sectores, que es un disco demasiado "Pop" que no refleja la rica tradición de la música tradicional Árabe. Es posible, pero lo que se olvidan es, si Khaled no hubiera elaborado un disco así para los paladares occidentales no hubiéramos sabido casi nada de Khaled y de la música Rai, fuera del mundo Árabe y los círculos de especialistas de "World Music".

Para los oídos occidentales es un álbum solido, muy bien producido y con mucha variedad de estilos, desde Jazz, Hip Hop, Urban y Reggae. Colaboran unos excepcionales músicos como Detni Essekra, Boyan Zulfikarpasic), Bernard Paganotti y Philippe Eidel que impregna un toque de clase en toda la obra. Los sonidos orientales lo convierte en un disco exótico sin llevarlo a los extremos haciendo que se accesible a un público más amplio.

Las canciones por excelencia son "Aicha", "Sahra", "Ki Kounti (en español)", "Ouelli El Darek" y "Hey Ouedi", siendo la obra entretenido desde principio al fin. Es un álbum que "mágicamente" entiendes sin saber el idioma en que se esta usando. Aqui si que se aprecia el dicho, "la música es Universal".

Es un gran disco para poder introducirte al mundo "World Music" y a la música RAI. Los puristas piensan lo opuesto que los primeros álbumes de Khaled son más apropiados, podría ser si tienes ya una sólida cultura y apreciación para la música Árabe. Para la mayoría del público no es el caso, y el hecho que el disco tenga una base "Pop" y aires "Occidentales" nos puede ayudar que nos entre más fácil lo inicialmente desconocido. En todo caso, tu decides.

Un disco recomendado de uno de los artistas más grandes del mundo Árabe y de la música RAI. Un álbum con un espíritu optimista y alegre que sirve de "puente" entre culturas y para diferentes estilos musicales que de nuevo nos ilustra y enseña que realmente "la música" no tiene fronteras. Buscalo!

Video: "Aicha" de Khaled, álbum "Sahra":



Tracklist de álbum "Sahra" por Khaled:
"Sahra" – 4:12
"Oran Marseille (Oran mix)" – 5:08
"Aïcha" – 4:19
"Lillah" – 4:24
"Ouelli El Darek" (con the I Threes) – 3:11
"Detni Essekra" – 4:58
"Walou Walou" – 4:17
"Ki Kounti" (con Saúl Hernández) – 4:40
"Wahrane Wahrane" – 4:40
"Haya Haya" – 4:37
"Mektoubi" – 3:55
"Hey Ouedi" – 4:12
"Oran Marseille" (con Akhenaton and Shurik'n of IAM) – 4:25
"Sratli" – 4:36
"Le jour viendra" – 4:42

KHALED - Premios:

1985 Rai music (KING) Oran
1989 Best song (chebba) en France
1989 Top 100 Best album in 20th century (kutché)
1992 Top 50 Mtv AMERICA (didi)
1992 World Music Awards (didi)
1992 Mtv India Awards (didi)
1993 Venice Film Festival 50th - (Un, deux, trois, soleil)
1994 César Award - best movie soundtrack
1995 Victoires de la Musique (Artist of the Year)
1997 World Music Awards (Song of the year) (Sahra album)
1997 Victoires de la Musique (Song of the year) ("Aicha")
1997 African Grammys best North African singer Kora Awards ("Aïcha")
1998 le Prix européen MTV Europe Music Awards
1999 World Music Awards (1,2,3 Soleils) shared with Rachid Taha and Faudel
2004 Grammy jam Awards (Khaled and Carlos Santana) ("Love to the people")
2005 R3 Awards BBC Awards for World Music - (Mid East & North Africa Winner)
2005 Montreal International Jazz Festival (The Antonio Carlos-Jobim Award)
2005 ImagineNations and DC Internationals
2006 The Mediterranean Prize for Creativity
2008 Award Dutch Virsti - German Academy of Music
2008 MTV Europe Music Awards creativity
2009 NME Awards 2009 (meilleur duo) avec Magic System
2009 MGM Awards (highest-selling Arab album in history) (The legendary) (Las Vegas)
2010 Big Apple Music Awards (best Arab artist selling in United States)
2009 European Hot 100 Singles 2009 (Billboard Awards) (with Magic System)
2012 France Digital Songs (Billboard Awards) ("C'est La Vie")
2012 African Grammys best North African singer ("C'est La Vie") Kora Awards
2013 Victoires de la Musique ("C'est La Vie")
2013 World Music Awards ("C'est La Vie")
2013 Murex D'Or 2013 - Best International Song & Best International Singer - Cheb Khaled - ("C'est La Vie")
2013 Rabab d’or prix d'honneur - Maroc Festival International Al Ansra de M’diq ("C'est La Vie")
2013 Festival international de la musique kabyle à Tanger festival Touiza MAROC 2013 ("C'est La Vie")
XLII Universal Music Award- vienna 2016 ("C'est La Vie") "Best song"

VAMPIRE WEEKEND | Modern Vampires of the City - Album

VAMPIRE WEEKEND

Banda americana de Nueva York formada en 2006 por Ezra Koenig (voz y guitarra), Rostam Batmanglij (multi-instrumentalista), Chris Tomson (baterista) y Chris Baio (bajista). La propuesta musical del grupo es muy variada desde el "Indie Rock-Pop", "Alternative"...al "Worldbeat".

Hasta ahora han publicado cuatro álbumes de estudio:

• Vampire Weekend (2008)
• Contra (2010)
• Modern Vampires of the City (2013)
• Father of the Bride (2019)

Un conjunto que ha ganado un sitio de prestigio dentro de la escena musical (mundial) indie-pop por su diversidad, poética composiciones, elemento provocativo y puro talento. En 2016 Batmanglij anunció en Twitter que había dejado Vampire Weekend para perseguir proyectos en solitario, pero que continuaría colaborando con Koenig de "Vampire Weekend".

Album: Modern Vampires of the City

Tercer álbum publicado 14 de Mayo de 2013 producido por Ariel Rechtshaid (Madonna, Adele, Cass McCombs, HAIM...etc). Musicalmente dejaron atrás las influencias "Africanas" de los discos anteriores introduciendo la experimentación y los efectos, incluso "samples" de batería. Hay entrevistas donde los miembros describen el proceso de grabación en un labor por buscar métodos pocos convencionales para sacar un sonido más acogedor de lo que te da "lo digital". Se exploraba sonar algo más como los días del disco vinilo.

El producto final es un disco épico e introspectiva a la vez. "Modern Vampires of the City" es el "plástico" que cumple para demostrar el enorme potencial de "Vampire Weekend" para convertirse en uno de los principales bandas de la música popular contemporánea. Las composiciones "poéticas" y las diversas influencias musicales por las cuales la banda ya era conocida alcanzan un nuevo nivel de madurez en la construcción de esta obra. El tema "Step" es para destacar sonando tan bien como cualquier cosa que el grupo haya publicado. Pero el disco está lleno de otras canciones maravillosas, agradables y provocativas que se mezclan una tras otra hasta el final dejando al oyente en apuros para resistir la tentación de sumergirse en repeticiones constantes del álbum. Es un disco pegadizo y escuchado en el momento adecuado y de buen humor, añade al subidón.

Se lanzaron de este álbum tres singles:

1."Diane Young" / "Step"
2."Ya Hey"
3."Unbelievers"

A nivel de éxito comercial el álbum debutó en el Nº1 del Billboard 200 (EE.UU) convirtiéndose en el segundo álbum número uno consecutivo de Vampire Weekend. Para diciembre de 2014, el álbum había vendido +500,000 copias en los Estados Unidos. El disco "Modern Vampires of the City" fue nombrado el mejor álbum del año en varios medios y revistas prestigiosas de música. En los Premios Grammy 2014, "Modern Vampires of the City" ganó en la categoría de "Mejor Álbum de Música Alternativa".

Un disco recomendado, un trabajo que fusiona maravillosamente lo "Indie" con el "Pop" destacando la madurez de la banda con solo tres álbumes hasta ese momento. Buscalo!

Video de "Step" de VAMPIRE WEEKEND:



Tracklist:

1. "Obvious Bicycle" (sample "Keep Cool Babylon"- Ras Michael and The Sons of Negus) 4:11
2. "Unbelievers" 3:22
3. "Step" (sample "Aubrey"-David Gates and YZ's "Who's That Girl" ) 4:11
4. "Diane Young" 2:40
5. "Don't Lie" 3:33
6. "Hannah Hunt" 3:57
7. "Everlasting Arms" 3:03
8. "Finger Back" 3:25
9. "Worship You" 3:21
10. "Ya Hey" 5:12
11. "Hudson" 4:14
12. "Young Lion" 1:45

Duración: 42:54

WAYNE SHORTER | The All Seeing Eye - Album

WAYNE SHORTER (Jazzman)

Saxofonista y compositor de música Jazz estadounidense (Newark, New Jersey)

Wayne Shorter consigue relevancia al final de la década de los años 50 del Siglo XX como miembro y eventualmente compositor principal de "Jazz Messenger" con Art Blakey, otro grande del Jazz. En la década de los años 60s se unió al Segundo Gran Quinteto de Miles Davis, y desde allí cofundó la banda de fusión "Weather Report".

Ha grabado y publicado unos 26 álbumes. Aquí a continuación su impresionante discografía:

Introducing Wayne Shorter (Vee-Jay, 1959)

Second Genesis (Vee-Jay, 1960)

Wayning Moments (Vee-Jay, 1962)

Night Dreamer (Blue Note, 1964)

JuJu (Blue Note, 1964)

Speak No Evil (Blue Note, 1965)

The Soothsayer (Blue Note, 1965)

Et Cetera (Blue Note, 1965)

The All Seeing Eye (Blue Note, 1965)

Adam's Apple (Blue Note, 1966)

Schizophrenia (Blue Note, 1967)

Super Nova (Blue Note, 1969)

Odyssey of Iska (Blue Note, 1970)

Moto Grosso Feio (Blue Note, 1970)

Native Dancer (Columbia, 1974) con Milton Nascimento

Atlantis (Columbia, 1985)

Phantom Navigator (Columbia, 1986)

Joy Ryder (Columbia, 1988)

High Life (Verve, 1995)

1+1 with Herbie Hancock (Verve, 1997)

Footprints Live! (Verve, 2002)

Alegría (Verve, 2003)

Beyond the Sound Barrier (Verve, 2005)

Carlos Santana y Wayne Shorter – Directo en Montreux Jazz Festival 1988 con Carlos Santana (Image Entertainment, 2007)

Without a Net (Blue Note, 2013)

Emanon (Blue Note, 2018)

Muchas de las composiciones de Wayne Shorter se han convertido en estándares del Jazz y sus producciones han ganado reconocimiento mundial y elogios. Wayne Shorter ha ganado 11 premios Grammys. El periódico "The New York Times"  describió a Shorter en 2008 como "probablemente el mejor compositor vivo de pequeños grupos de Jazz y un contendiente para el mejor improvisador vivo". En 2017, recibió el Premio Polar Music.

Album: The All Seeing Eye

Es el noveno álbum publicado el 15 de Octubre 1965 con el sello Blue Note. Un disco que incluye la colaboración de auténticos maestros del Jazz como Herbie Hancock, Ron Carter, Freddie Hubbard, Joe Chambers ... y otros (ver lista más abajo).

Dentro de la portada de disco Wayne Shorter explica las ideas detrás de este trabajo: representar el sentido de la vida (visto por el músico) y la naturaleza del universo y sobre Dios. Esto en sí solo ya nos indica que va ser algo especial, muy pensado y reflexionado por el artista, además de acompañar todo con un nivel de musicalidad de primer nivel. No defraude, lleva el álbum a un plano asombroso. En una entrevista con el crítico “Nat Hentoff”, Wayne Shorter comenta sobre "The All Seeing Eye" y cada canción:

"...representa el ojo omnipresente de Dios; "los solos" (instrumentales), además, representan la maquinaria involucrada en el proceso de la creación". "Génesis" obviamente se refiere a la creación de todas las cosas; si la primera parte consiste principalmente en frases de tempo libre, "pasa a 4/4 tiempo consecutivo para indicar que todo está comenzando a calmarse". Wayne Shorter explica además que... "trate dar a "Génesis" un sentimiento de apertura porque una vez comenzado el proceso creativo continúa". "Chaos" refleja "guerras, desacuerdos y la dificultad que los hombres tienen para comprenderse", mientras que "Face of the Deep", una balada en una clave menor es la pieza más coherente del álbum, refleja a Dios pensando en su creación. El tema que cierra, "Mephistopheles", es una composición del hermano mayor de Wayne, Alan, y enfatiza la presencia ominosa del mal; Wayne señala: "Al final, ese clímax alto puede tomarse como un grito. Si te relacionas con el Diablo y te dejas engañar por su imprevisibilidad, ese grito es una medida del precio que pagas [...] y te envían a una eternidad de tortura, fuego y azufre "

La visión cósmica de "The All Seeing Eye" y la estética del "Free Bop" sin duda atrajeron la atención. Considerado como uno de los discos más desafiantes de Wayne Shorter el álbum puede haber sido eclipsado por obras más exitosas como "Speak No Evil" (1965), pero ha crecido en estatura a lo largo de los años y suena aún fresco y moderno como cuando se publicó. Es un disco de Jazz que merece ser buscado y/o para redescubrir.

El Jazz ha perdido algo de interés entre nuestros jóvenes, para no decir ha casi desaparecido. Para los "veteranos" es un estilo que divide, una parte lo ve como música de elitistas que en realidad pocos realmente saben,  mientras para la otra parte "no les entra". No obstante, los que les gusta el Jazz lo quieren con pasión y por algo será. El estilo es una rama que sale del tronco de la música moderna con sus raíces en África. Un árbol que crece en América y fue cuidado por los esclavos del Siglo XVII-XVIII dando fruto al Blues, Ragtime, Gospel, Swing etc...el Jazz es particular a los Estados Unidos y su elemento diferenciador es "la improvisación" (y largos los solos). De aquí nacen múltiples variantes y estilos dentro de Jazz.

Wayne Shorter, discípulo de la "improvisación", y su álbum "The All Seeing Eye" puede ser una buena manera de introducirte al Jazz. Te exigirá dedicación y paciencia pero pienso que apreciaras "el rollo" del caos organizado, el libre albedrío en equipo y el espectacular nivel y talento de Wayne Shorter y sus acompañantes. Un disco recomendado, sin duda.

Video de Wayne Shorter - "Face Of The Deep":

Tracklist del disco “The All Seeing Eye” de Wayne Shorter:

"The All Seeing Eye" – 10:32

"Genesis" – 11:44

"Chaos" – 6:56

"Face of the Deep" – 5:29

"Mephistopheles" (Alan Shorter) – 9:40

Músicos:

Wayne Shorter – tenor saxophone

Herbie Hancock – piano

Ron Carter – bass

Freddie Hubbard – trumpet, flugelhorn

Grachan Moncur III – trombone

James Spaulding – alto saxophone

Joe Chambers – drums

Alan Shorter – flugelhorn (el tema 5)

KIM GORDON | No Home Record - Album

KIM GORDON (Músico)

Kim Althea Gordon, aka KIM GORDON, es más reconocida como un músico, cantante, compositor, bajista, guitarrista y vocalista estadounidense de la banda de rock alternativo Sonic Youth.

Formó "Sonic Youth" con Thurston Moore en 1981. Ella y Moore se casaron en 1984, y la banda lanzó un total de seis álbumes en sellos independientes antes de finales de la década de 1980. Posteriormente publican nueve álbumes. Gordon también fue miembro fundador del proyecto musical Free Kitten, que formó con Julia Cafritz en 1993. Sonic Youth publica su decimosexto y último álbum de estudio, "The Eternal"  en 2009 antes de disolverse en 2011 después de que Gordon y Moore se separaron.

Además de su trabajo como músico, Gordon ha hecho incursiones en la producción de álbumes, la moda, teatro y ha trabajado constantemente como artista visual a lo largo de su carrera musical. Debutó como productora en el álbum debut de HOLE "Pretty on the Inside" (1991) y fundó la línea de ropa con sede en Los Ángeles "X-Girl" en 1993. A partir de mediados de la década de 2000, Gordon comenzó a actuar, haciendo pequeñas apariciones en películas como "Last Days" (2005) y "I'm Not There" (2007), seguidos de apariciones en varias series de televisión. En febrero de 2015 publicó su libro, una memoria titulado "Girl in a Band".

Álbum: No Home Record

Es difícil pensar que después de 38 años de carrera musical KIM GORDON nos presenta su primer álbum en solitario el dia 11 de octubre de 2019. Desde que la banda neoyorquina "SONIC YOUTH" se separó en 2011, Kim Gordon ha colaborado en tres discos con el guitarrista BILL NACE bajo el proyecto "Body/Head". Ahora nos presenta primer y nuevo disco "No Home Record" ofreciendo evidencia de su reinvención: incluso los fans de toda la vida pueden verse sorprendidos por algunos de los giros que toma aquí la ex bajista de "Sonic Youth". Su nuevo disco también confirma la esencia de su identidad creativa; está lleno de sonidos y conceptos que han definido su trabajo a lo largo de los años, simplemente presentado de una manera que nunca los habíamos escuchado antes.

Según entrevistas a la prensa especializada, parece que ni Kim Gordon ni su coproductor Justin Raisen - productor de Los Ángeles que ha trabajado con Yves Tumor y Charli XCX - esperaban que el álbum fuera como finalmente se acabó. Gordon estaba jugando con una vieja caja de ritmos escuchando a los Stooges y al productor RP Boo; buscando inspiración, le envió a Raisen una vieja cara B de Sonic Youth llamado "Razor Blade" y después un mal acústico demo titulado "Murdered Out" y se estableció la dirección del disco.

Lo que sí demuestra este álbum es la personificación de Kim Gordon liberada como persona y artista. Después de 38 años encajada como la bajista de Sonic Youth, mujer Thurston Moore (guitarrista-voz de Sonic Youth) y icono femenino de lo "más cool" de la "New York scene", nos presenta un trabajo que permite que recupere sus otros intereses y talentos artísticos "apartados" como el arte visual, cine, diseño y la experimentación. Incluso volver a vivir en Los Ángeles ha impregnado su música con un sonido más "contemporánea" (uso de "beats") recuperando los sonidos "West-Coast" de su juventud (se crió en LA). Pero no te preocupes, es solo un "sabor".

Es un disco ART-ROCK de calidad, decididamente vanguardista y muy experimental. Se ha metido muchas ideas en una "batidora musical" que ha generado muchos sonidos y dado muchos colores. Es aquí donde KIM GORDON, más como artista que como músico, ha sabido configurar toda esa mezcla de sonidos en canciones y poner orden. Es un álbum que requiere un alto nivel de compromiso por parte del oyente, concentración y un aprecio para la experimentación artístico como manera de empujar los límites.

Un muy buen y solido disco que gustará mucho a los fans de Sonic Youth, de los sonidos distorsionados de las guitarras, del post-punk y rock alternativo. Un álbum que puede ser unos de los álbumes "más guay" del año, ya que es distinto, creativo, vanguardista, radicalmente innovador y expansivamente experimental compuesto, grabado y publicado por una de las mujeres más inteligentes, creativas y "Cool" del Rock.



Tracklist del disco "No Home Record" (autora de todos los temas, Kim Gordon):

1. "Sketch Artist" 2:51
2. "Air BnB" 4:10
3. "Paprika Pony" 4:08
4. "Murdered Out" 3:34
5. "Don't Play It" 4:47
6. "Cookie Butter" 6:26
7. "Hungry Baby" 3:41
8. "Earthquake" 4:18
9. "Get Yr Life Back" 5:25

Duración: 39:20

STEVE KILBEY Y MIKE KENNEDY | You Are Everything - Album

STEVE KILBEY & MIKE KENNEDY

STEVE KILBEY

Steven John Kilbey es un inglés-australiano cantautor y guitarrista de la banda australiana de rock "The Church". También es productor musical, poeta y pintor. Un músico prolífico que tiene más de 750 canciones originales registradas con la agencia australiana de derechos de autor Australasian Performing Right Association (APRA).

MIKE KENNEDY

Instrumentalista, guitarrista y productor australiano de música electronica de Melbourne que tiene su fama dentro del circuito de la música electronica pasando tiempo en "Pray TV" y siendo parte de "All India Radio". Este ultimo se ha ganado un sitio prestigioso dentro del género musical siendo comparado con gigantes de la talla de "Boards of Canada", "Air", "Aniina" ...etc.

Esto dos músicos se unen para comenzar a componer y grabar música fusionando la electronica-ambient de Kennedy con las composiciones místicas y espirituales de Kilbey. Los dos se complementan a la perfección ya que Kilbey permite Kennedy explorar la parte más "Rock" de la música, mientras Kennedy añade las variadas posibilidades de la electronica a las composiciones de Kilbey.

Formados en 2009, el dúo crea pop / rock atmosférico con tintes electrónicos influenciados por el amor compartido por la ciencia ficción de los años 70, la psicodelia de los años 60 y el Krautrock y Rock progresivo de los años 70 del Siglo XX.

Originalmente, la idea de la colaboración surgió en 2005 justo después de que Kennedy publicará su álbum en solitario "Big Spaceship", dirigido por el hermano de Kilbey, John. El líder de THE CHURCH escuchó el álbum y planteó la idea de trabajar en un proyecto juntos. Con Kennedy elaborando la mayoría de los trabajos instrumentales y Kilbey componiendo las letras y melodías, debutaron con el álbum "Unseen Music Unheard Words" del año 2009. Les siguieron más álbumes, incluyendo "White Magic" de 2011, "You Are Everything" de 2013 y "Inside We Are the Same" de 2015. En 2017, Kilbey y Kennedy presentaron el expansivo "Glow & Fade".

Aunque los discos ya mencionados de las colaboraciones Kilbey-Kennedy son de excepcional calidad y ternura, voy a hacer mayor hincapié en "You Are Everything" de 2013.

Album: You Are Everything

El tercer álbum de colaboración entre Steve Kilbey y Mike Kennedy publicado en 2013. Una obra increíblemente ambiental impregnado de exquisita musicalidad. Mientras escuchas este álbum podrías tener la sensación de que te transporta a un cosmos puramente sonoro y espacial. Todas las canciones son extremadamente armoniosas y el nivel de la composiciones y de su ejecución están al más alto nivel.

El disco tiene como narrativa "lo espiritual" y hay mucho de filosofía oriental ya que ambos personalmente están involucrados ideológicamente y su música siempre han tenido referencias hacia la "universalidad de las cosas". Esto en sí es maravilloso, especialmente si compartes dichas filosofías, pero lo realmente extraordinario fuera de los "pensamientos" son las composiciones y la música. Aquí hay dos músicos de mucho talento natural, personas dotadas con un don cada uno en su especialidad que juntos crean algo fuera de serie.

En un contexto de actualidad donde la música ha experimentado cambios importantes en su consumo y por consecuencia su producción, es un alivio comprobar que aún existen trabajos y obras que van contra-corriente al formato corto, de fórmula de 3 minutos y de singles de la era "streaming". Albumes como "You Are Everything" permiten transmitir ideas, emociones y narrativas que a veces son complejas e imposibles de explicar en canciones de solo tres-cuatro minutos y en dosis de píldoras musicales.

Más allá de esta coyuntura musical, la composiciones de Mike Kennedy son hermosas y espaciosas. Sus arreglos y melodías transmiten cosas que posiblemente la letra nunca expresara totalmente. Steve Kilbey hace un grandísimo trabajo de dar voz a la música y nos lleva a sitios mágicos vía el arte de prosa, la aportación de Kennedy rellena los espacios no cubiertas por las limitaciones de "la letra". Ambos son una gran combinación y un encaje de dos artistas y músicos de primer nivel.

El disco desafortunadamente se pude ver visto perdido en su propio género musical y de ser conocido solo por los fans de ambos artistas y de sus respectivas bandas. Pienso que este disco merece tener una exposición más amplia a otros públicos que pueden tambien apreciar y disfrutar de su calidad. Es más que probable que muchos de los lectores no conozcan a Steve Kilbey ni a Mike Kennedy, que mejor forma de animar a buscar este álbum y darlo una escucha. 

Y termino, tambien es probable que mi estado de "excitación" sobre este disco sea exagerado y que no sea para tanto, ya sabemos en esto de la música todo es subjetivo. Al menos te pido solo explorar e investigar, lo único malo que puede ocurrir es que descubras unos artistas desconocidos y una obra musical que te guste, posiblemente te enamore.

Un disco recomendado.

Video de Steve Kilbey & Martin Kennedy - "I Wouldn't Know":

Tracklist del álbum "You Are Everything":

1.I Wouldn't Know

2.Everyone

3.Lorelei

4.Knowing You Are in This World

5.I Find

6.East Side West Side

7.A Better Day

8.All the World

9.Brother Moon Sister Sun

10.Can't Get Free

11.Finale

STEVE KILBEY & MIKE KENNEDY: Discografía de álbumes de estudio hasta ahora:

Unseen Music Unheard Words 2009

White Magic 2011

You Are Everything 2013

Inside We Are the Same 2015

Glow and Fade 2017

Video Making of "You Are Everything":

VIVA SUECIA | La Fuerza Mayor

VIVA SUECIA (Banda)

Grupo español de la ciudad de Murcia formado en 2013. Los componentes son Rafa Val (voz), Jess Fabric (bajo), Alberto Cantúa (guitarra) y Fernando Campillo y la propuesta musical es "Indie Rock" con aires de "Shoegaze" "a la española". Y no digo lo ultimo como una coña es un "Shoegaze" particular a este conjunto que les diferencia y les da su seña de identidad.

El nombre de la banda viene de su baterista Fernando Campillo y su atracción por las bandas post-rock suecos. Su discografía álbumes de estudio hasta el momento son:

2016 La Fuerza Mayor
2017 Otros principios fundamentales
2019 El Milagro
2022 El Amor de la Clase que Sea

Las influencias sobre "Viva Suecia" son Wilco, The National, Radiohead, The Temper Trap…y  bandas españolas como Standstill, Neuman, Nudozurdo, Perro!, Los Planetas...y otras de este estilo comentan en una entrevista a "Todo Indie".

Es el primer trabajo, el debut "La Fuerza Mayor" donde me llaman la atención. Los lectores regulares de este blog sabrán que no soy muy aficionado al rock español. Dicho esto también quiero dejar claro que España ha dado y están apareciendo muy buenas bandas de música independiente, y "VIVA SUECIA" son unas de esas bandas que sobresalen.

Hay mucho lector de este blog desde Latinoamérica, especialmente desde México, que quizás no conozcan a esta banda. Propongo su disco debut como introducción a "Viva Suecia", aunque otros ven "Otros principios fundamentales", el segundo disco, como mejor. Finalmente decide tu, el objetivo es interesarte por ellos.

Álbum: La Fuerza Mayor

Primer álbum de estudio publicado en 2016 y producido por Paco Román, de otra banda muy bueno español NEUMAN. Este disco junta 6 temas de un EP anterior titulado "Viva Suecia" y 5 temas nuevos para este long-play.

Lo que mola de este disco es el formato "crescendo" de las canciones. Temas atmosféricas etéreas y de ambiente íntimo que van acogiendo forma y fuerza. En la tradición "post-rock" hay aires de "fatalismo" y una aura de oscuridad, pero no tenemos que confundirlo por el pesimismo, es composición e interpretación que salen desde dentro, de lo más íntimo y muy reflexivo de cada miembro.

Hay unos temas que merecen resaltar como "Acabaremos Muriendo en Ello" que tiene aires de Sigur Rós, "Hasta Ahora" una de mis favoritas, "El Dia Después" y su muro de sonido guitarro y el melódico "Efe Efe" que abre el disco.

Resumiendo una obra interesante y atractiva con su fusión de letra minimalista, melodías suaves y golpes de guitarra eléctrica que crean unos muros de sonido que hace referencia al movimiento "post-rock".

Un trabajo que para mi ayuda a poner la escena independiente del rock en la primera línea del mundo habla español. Un disco de calidad y de sorprendente madurez que ilustra el enorme potencial de VIVE SUECIA para continuar evolucionando tal y como ya demuestran su dos siguientes discos, siendo "El Milagro" recién publicado en 2019. Por cierto, lo vuelven a clavar con "EL Milagro", un inmenso disco que también recomiendo, un discazo.

El disco "La Fuerza Mayor" es un disco recomendado, y te animo buscarlo por los canales ya habituales para darlo una escucha. Pienso que te va enganchar y abrirte al mundo "Viva Suecia" (ver la fechas de su próxima Gira por España abajo promocionando el nuevo disco "El Milagro").

Video de la canción "Hasta Ahora":



Tracklist del álbum "La Fuerza Mayor":

1 Efe Efe
2 Bien Por Ti
3 Acabaremos Muriendo En Ello
4 Permiso O Perdón
5 Hasta Ahora
6 El Día Después De La Trampa
7 Nadie Te Devolverá El Favor
8 Palos Y Piedras
9 Los Años
10 La Novena Vez
11 Mamá, Te Va A Encantar

NICK CAVE & THE BAD SEEDS - Ghosteen - Album

NICK CAVE & THE BAND SEEDS (Banda)

Banda de Rock Australiana formada en Melbourne en 1983 por el compositor, instrumentista y vocalista Nick Cave, el multi-instrumentista Mick Harvey y el guitarrista Blixa Bargeld. Por el grupo han pasado muchos músicos (internacionales) y actualmente consiste de Nick Cave, el violinista y multi-instrumentista Warren Ellis, el bajista Martyn P. Casey (todos de Australia), el guitarrista George Vjestica (Reino Unido), el tecladista / percusionista Toby Dammit (Estados Unidos). ) y los bateristas Thomas Wydler (Suiza) y Jim Sclavunos (Estados Unidos).

Sus canciones de "Blues de mezcla Gótica" les han ganando la descripcion de ser considerados "una de las bandas más originales y célebres del Rock post-Punk y Alternativa desde los años 80 y en adelante" Han publicado diecisiete álbumes de estudio hasta ahora siendo así a continuación la discografía:

• From Her to Eternity (1984)
• The Firstborn Is Dead (1985)
• Kicking Against the Pricks (1986)
• Your Funeral... My Trial (1986)
• Tender Prey (1988)
• The Good Son (1990)
• Henry's Dream (1992)
• Let Love In (1994)
• Murder Ballads (1996)
• The Boatman's Call (1997)
• No More Shall We Part (2001)
• Nocturama (2003)
• Abattoir Blues / The Lyre of Orpheus (2004)
• Dig, Lazarus, Dig!!! (2008)
• Push the Sky Away (2013)
• Skeleton Tree (2016)
• Ghosteen (2019)

ALBUM: Ghosteen

Decimoséptimo álbum de estudio de la banda publicado el 4 de octubre de 2019. El disco "Ghosteen" es un doble álbum, el primero de la banda desde Abattoir Blues / The Lyre of Orpheus (2004), y el ultimo de una trilogía de álbumes que incluye Push the Sky Away (2013) y Skeleton Tree (2016). Es un extraordinario trabajo, quizás uno de sus mejores discos que roza lo "asombroso".

Nick Cave y "sus Bad Seeds" emergen después de tres años con uno de sus álbumes más poderosos hasta el momento, una meditación interminable y compleja sobre la mortalidad y del sufrimiento colectivo.

¿Qué pasó con el hijo de Nick Cave?

"Ghosteen"  es el primer álbum que Nick Cave graba desde la muerte de su hijo adolescente, - Arthur, de 15 años,  quien cayó de un acantilado, y murió a causa de sus heridas el 14 de julio de 2015 - y analiza su dolor. Su estado de ánimo varía entre la vida doméstica y la depravación. Nick Cave empatiza con los verdaderos creyentes que lloraron bajo los pies de Jesús en la crucifixión, dice. Se aferra a la amistad y el amor en cualquier forma que tomen. Pierde su fe, luego lucha desesperadamente por cualquier creencia que pueda reemplazarlo. Las letras del álbum "Ghosteen" tratan temas de pérdida, muerte, pena y existencialismo, pero sorprendentemente bajo esa nube "oscura" también señala lo positivo como la empatía, la fe y el optimismo. Como ya comentado, es un trabajo de duelo, de confesiones y de llanto que a su vez sirve de terapia para superar el sufrimiento y volver a reencontrarse con lo positivo, la energía de vivir.

Un doble álbum. La primera parte utiliza sintetizadores, pianos y la electrónica, el proceso es alternativamente desgarrador y reconfortante durante la primera hora del álbum, la pesadilla de Nick Cave en plena exhibición. La temática es clara, su hijo Arthur esta muy, muy presente y es un intento de ver las cosas por sus ojos. Sin embargo, Ghosteen se enfrenta a las secuelas y a los sentimientos de pérdida tan abrumadores que Nick Cave cuestiona los cimientos de su cordura. Hay momentos en los que casi se desmorona, manteniéndose unido solo negando que la muerte sea definitiva. Pero lentamente lucha con la esperanza de ese abismo existencial. Nick Cave no sublima la tragedia en triunfo; él simplemente se asegura de saber que todos hemos pasado por una especie de infierno. Esa realización es el núcleo de lo que puede ser el álbum más conmovedor de su historia.

La segunda parte de "Ghosteen", es intentar ver el mundo por los ojos del padre y cómo se relaciona con el hijo. Esto se extrapola a términos universales, tratando de las relaciones entre padres e hijos. Aqui se respira aires más optimistas aunque no menos íntimos y emotivos.

En resumen, "Ghosteen" es impactante. Nick Cave abre su corazón y nos llora, además de hacernos sonreír con optimismo, en forma de libro abierto. Un disco intenso y muy humano, cosa que choca en estos tiempos de música banal,  y te coge fuera de juego por su honestidad e intensidad, su pura belleza.

Un disco recomendado, un álbum de los Mejores de 2019, un trabajo que posiblemente con el tiempo se llevara los elogias de obra maestra y unos de los mejores de la carrera de Nick Cave & the Bad Seeds.

Video del tema "Bright Horses" del álbum "Ghosteen":

Tracklist del disco "Ghosteen":

1º parte

1. "Spinning Song" 4:43
2. "Bright Horses" 4:52
3. "Waiting for You" 3:54
4. "Night Raid" 5:07
5. "Sun Forest" 6:46
6. "Galleon Ship" 4:14
7. "Ghosteen Speaks" 4:02
8. "Leviathan" 4:47

Duración: 38:25

2º parte

1. "Ghosteen" 12:10
2. "Fireflies" 3:23
3. "Hollywood" 14:12

Duración: 29:45

PD: La tragedia golpea de nuevo a Nick Cave 7 años después de la muerte de Arthur. Jethro Lazenby, el hijo mayor de 30 años fallece a la edad de 30 años (fecha 09 Mayo 2022)