FLEET FOXES | Fleet Foxes - Album

Fleet Foxes (Banda)

Banda americana de "Indie-folk" formada en Seattle, Washington en 2006. La banda saltó a la fama en 2008 con la publicación de su segundo EP "Sun Giant" y después su álbum debut "Fleet Foxes".

Formada en 2006 por viejos amigos Robin Pecknold (voz y guitarra) y Skyler Skjelset (guitarra, mandolina y voz), la formación principal de la banda creció para incluir a Casey Wescott (teclados y mandolina), Christian Wargo (bajo y guitarra) y Nicholas Peterson (batería). Nicholas Peterson fue reemplazado por el cantante y compositor Josh Tillman, quien permanecería con la banda hasta que se reinventó a sí mismo como el músico "Father John Misty" en 2012.

Grupo que mezcla pop barroco-chamber,  con elementos de rock clásico y folk británico-americana, rico en armonía con un sentido de exuberante sofisticación pop que recuerda el trabajo de finales de los 60 de bandas como The Beach Boys, The Zombies y Fairport Convention, la banda generó rápidamente una gran interés llegando ser firmando para el sello "Sub Pop" (2º disco). El primer álbum fue recibido con elogios de la crítica y el segundo obtuvo una nominación al Grammy. Después de una brecha de seis años y una "parada", Fleet Foxes regresó con su tercer álbum en 2017.

La discografía hasta ahora:

• Fleet Foxes (2008)
• Helplessness Blues (2011)
• Crack-Up (2017)

Los dos primeros discos son geniales. Personalmente puesto a tener que elegir, selecciono el debut "Fleet Foxes".

ALBUM: Fleet Foxes

El álbum de estudio de debut homónimo de la banda publicado el 3 de junio de 2008. Obtuvo grandes elogios de los críticos, muchos de los cuales lo nombraron uno de los mejores álbumes de 2008. Armonías fantásticas y guitarras superponen canciones dulces y sorprendentemente melódicas, que cuentan con una composición increíble. Las melodías y las letras parecen estar extraídas de obras clásicas tanto en la tradición británica como en la estadounidense, pero todo suena nuevo y reluciente.

Los títulos de sus canciones hacen referencia a las montañas Blue Ridge, sin importar que en realidad sean de Seattle, pero es la facilidad y la habilidad con la que mezclan y combinan el folk, el rock británico y estadounidense del pasado lejano, y no muy lejano, lo que hace que el la música de la banda es tan novel. Hay canciones "Pop" de tres y cuatro minutos llenas de melodías y armonías que suenan como si hubieran sido convocadas de siglos de canciones tradicionales y están llenas imaginaría universales: montañas, paisajes, pájaros, familia, muerte... A pesar de extraer de tantas fuentes, hay una pureza sorprendente en el sonido. La voz de Robin Pecknold es cálida y dulce,  y las armonías de la banda suenen naturales y deslumbrantes, ya sea que estén solas o con el apoyo de guitarras acústicas o al completo.

Escuchando este disco me viene a la mente Crosby, Stills, Young & Nash y The Beach Boys...tiene unos momentos estelares como "Your Protector", "Sun It Rises", "Tiger Mountain Peasant Song","Meadowlarks", "Quiet Houses"y "He Doesn't Know Why"... y "Blue Ridge Mountains". Este ultimo tema es mi favorito. Recuerdo la primera vez que lo escuche que puse el tema en "repeat"...no paraba de escuchar solo esta canción. Aún hoy me encanta.

Un disco recomendado. Un genial álbum, muy bonito y relajante, transmite felicidad. La calidez está en todas partes en este álbum. Es un disco que puede servir para introducirte al "Folk-Rock" sin espantarte a la mención. Un álbum que entra dentro de ti y puede que se convierta en un gran "amig@ sonoro" para esos momentos que buscas la soledad. Gran álbum.

Video del tema "Blue Ridge Mountains":

Tracklist:

1.         "Sun It Rises"   3:14

2.         "White Winter Hymnal"            2:27

3.         "Ragged Wood"           5:07

4.         "Tiger Mountain Peasant Song"            3:28

5.         "Quiet Houses" 3:32

6.         "He Doesn't Know Why"         3:20

7.         "Heard Them Stirring"  3:02

8.         "Your Protector"          4:09

9.         "Meadowlarks"            3:11

10.       "Blue Ridge Mountains"           4:25

11.       "Oliver James"  3:23

MUDDY WATERS | Top 10 Ranking Albums

¿Cuáles son los mejores álbumes de MUDDY WATERS?

Pregunta difícil para contestar ya que cada uno tiene sus favoritos. Y asi debe serlo. Yo voy a proponer mis Top 10 discos de Muddy Waters, un ranking de 10 al 1; pongo un video más abajo detallando mi elección.

Pero antes voy a responder a otra pregunta ¿Quién era y fue Muddy Waters? Gracias a los impresionantes trabajos de verdaderos expertos en la materia (fuentes: greatrockbible, allmusic, mbluestrail, wiki…etc.), pongo a continuación un resumen de la vida y la carrera de uno de los más grandes Bluesmen, y de la historia de la música americana. O como algunos también le llaman, el verdadero "Hoochie Coochie Man". 

Muddy Waters (Bluesman)

Uno de los músicos más importante que surgió en el Blues de la posguerra. Un bluesman-cantante incomparable, un talentoso compositor y un extraordinario guitarrista. Muddy Waters absorbió las influencias de la música rural del "Profundo Sur" y los trasladó a Chicago, inyectando su música con una energía eléctrica feroz y ayudando a ser pionero en el estilo "Chicago Blues" que llegaría a dominar la música durante los años 50, 60 y 70 del Siglo XX. La profundidad de la influencia de Muddy Waters en el Rock y el Blues es casi incalculable.

Muddy Waters nació como McKinley Morganfield, fue criado en la plantación "Stovall" en Clarksdale, Mississippi por su abuela, Della Grant. Se dice que Della Grant le dio al joven Morganfield el apodo de "Muddy" porque le gustaba jugar en el barro cuando era niño, y el nombre se quedó, con "Water" y "Waters" que se agregaron unos años después. El sur rural fue un semillero del Blues en los años 20 y 30, y el joven Muddy quedó fascinado con la música cuando descubrió que un vecino tenía un fonógrafo y discos de artistas como Blind Lemon Jefferson, Lonnie Johnson y Tampa Red.

En la plantación de "Stovall" a medida que "Muddy Waters" se sumergía más profundamente en el Blues, tomó la armónica, A los 13 años actuaba en fiestas, a veces con el guitarrista Scott Bohanner. En su adolescencia, Muddy conoció y estudio más el sonido de artistas contemporáneos y maestros del "Delta Blues", como Son House, Robert Johnson y Charley Patton; la música inspiró a Waters a cambiar de instrumento, y se compró una guitarra cuando tenía 17 años, aprendiendo a tocar con el estilo "slide". En unos pocos años, estaba actuando solo y con una banda de cuerdas local, "Son Simms Four"

Muddy Waters se convirtió en un elemento artístico fijo en Mississippi, actuando con artistas como Big Joe Williams y Robert Nighthawk, y a finales del verano de 1941, Alan Lomax y John Work III llegaron a Mississippi con una plataforma de grabación portátil, ansiosos por documentar el talento local del Blues para la "Biblioteca del Congreso de los EE.UU.". Lomax y Work quedaron muy impresionados con Muddy, y grabaron varios temas, dos de las canciones fueron publicados, y cuando Muddy recibió dos copias de los singles y $ 20 de Lomax, lo alentó a considerar seriamente una carrera profesional. En julio de 1943, Lomax volvió a grabar más material con Waters; estas primeras sesiones con Lomax se recopilaron en el álbum "Down On Stovall's Plantation" (1966), y una re-edición de 1994 del material, "The Complete Plantation Recordings", que ganó un premio Grammy.

En 1943, Muddy Waters decidió trasladarse a la ciudad de Chicago, con la esperanza de ganarse la vida con su música. En los principios Muddy conducía un camión y trabajaba en una fábrica de papel durante el día, y por la noche tocaba en fiestas y en cualquier bar que lo tuviera. El bluesman "Big Bill Broonzy" se acercó a Waters y lo ayudó a conseguir mejores conciertos; Muddy había cambiado recientemente a la guitarra eléctrica para ser mejor escuchado en clubes ruidosos, lo que agregó un nuevo poder a su sonido. En 1946, Waters había llamado la atención de "Okeh Records", quien lo llevó al estudio para grabar, pero decidió no publicar. Una sesión ese mismo año para "20th Century Records" resultó en que solo se publicara una melodía como la cara B de un lanzamiento de James "Sweet Lucy" Carter, pero a Waters le fue mejor con "Aristocrat Records", un sello con sede en Chicago fundado por los hermanos Leonard y Phil Chess. Los hermanos Chess comenzaron a grabar Muddy Waters en 1947, y sus singles se convierten en éxitos comerciales para lanzar a Waters como una estrella en la escena del Blues de Chicago.

Inicialmente, los hermanos Chess grabaron a Muddy Waters con músicos locales de confianza, pero para su trabajo en directo, Muddy Waters había reclutado una banda que incluía a "Little Walter" en la armónica, "Jimmy Rogers" en la guitarra y "Baby Face Leroy" llegando a ganar la reputación como la banda de Blues más espectacular de Chicago. El bluesman "Otis Spann" se unió al grupo de Waters al piano en 1953, y se convertiría en el ancla de la banda hasta bien entrados los años 60, después de que Little Walter y Jimmy Rogers se marcharan para perseguir carreras en solitario. En los años 50, Waters (con Willie Dixon) publico algunos de los temas más poderosas e influyentes en la historia del Blues; como "Rollin 'y Tumblin", "I'm Ready", "I'm Your Hoochie Coochie Man","Mannish Boy", "Trouble No More","Got my Mojo Working" y "I Just Want to Make Love to You", para convertirle en una estrella con una presencia regular en las listas de Billboard R&B.

A finales de la década de los años 50, la carrera de Muddy Waters se hundía. El auge del "Rock & Roll" y el "Folk" había alejado el centro de atención de los músicos de Blues más tradicionales en favor de músicos más jóvenes y rebeldes (ruidosos).  Waters comenzó a tocar más música acústica basada en su herencia del Delta en los años siguientes, y publicó un álbum titulado "Folk Singer" en 1964. Sin embargo, la ironía era que los fans del Blues (gracias al "British Wave") pronto reavivarían el interés en Muddy Waters y el sonido Chicago eléctrico. Músicos y bandas influenciados por Muddy Waters del Reino Unido se convirtieron en estrellas internacionales: Eric Clapton, John Mayall, Alexis Korner y una banda londinense que se nombró a sí mismo en honor al éxito de Muddy en 1950 "Rollin 'Stone" - The Rolling Stones. Chess Records quería cambiar de estrategia comercial y situar Muddy Waters más en el mercado "blanco" haciendo que el Bluesman grabara discos "experimentales" y "psicodélicos" juntos con músicos "blancos" ingleses. No era precisamente algo muy cómodo para Muddy Waters, aunque posteriormente algunos discos, por ejemplo "Electric Mud",  serian vistos como trabajos "innovadores".

Chess Records ayudó a Waters a hacer algunos de los mejores discos de Blues de los años 50 y 60, fue la desaparición del sello lo que llevó a su renacimiento creativo. En 1969, Chess vendió el sello a "General Recorded Tape", y el sello pasó por un largo y lento declive comercial, hasta que finalmente se cerró en 1975. Johnny Winter, un fan de Muddy Waters desde hace mucho tiempo, escuchó que la leyenda del Blues no tenía un contrato discográfico y fue fundamental para que Waters firmara con "Blue Sky Records", un sello distribuido por CBS. Johnny Winter produjo las sesiones para el primer lanzamiento de Blue Sky de Muddy Waters y se sentó la banda de gira de Waters (incluidos Bob Margolin y Willie "Big Eyes" Smith) junto con James Cotton al arpa y Pinetop Perkins al piano. El disco "Hard Again" de 1977 fue un triunfo, sonando tan crudo y contundente como los clásicos de Chess, y fue aclamado como uno de los mejores álbumes que Waters jamás. Desde entonces Muddy Waters disfrutó de nuevo un gran impulso en su carrera, y se encontró nuevamente de gira para grandes y entusiastas multitudes, compartiendo escenarios con personas como Eric Clapton y The Rolling Stones.

La salud de Muddy comenzó a fallarle en 1982, y su última aparición en directo fue en el otoño de ese año, cuando cantó algunas canciones en un show de Eric Clapton en Florida. Waters murió de insuficiencia cardíaca en su casa de Westmont, Illinois, el 30 de abril de 1983. Desde entonces, tanto Chicago como Westmont han nombrado calles en honor a Muddy, ha aparecido en un sello postal y un marcador conmemora el lugar donde vivió su infancia en Clarksdale.

La influencia de Muddy Waters ha sido enorme. La banda británica "The Rolling Stones" se nombró a sí mismos en honor a la canción de 1950 de Muddy Waters "Rollin 'Stone". "Jimi Hendrix" recordó que "lo escuché por primera vez cuando era un niño y me asustó hasta la muerte". La banda "Cream" hizo una versión de "Rollin 'and Tumblin'" en su álbum debut de 1966, "Fresh Cream". Eric Clapton fue un gran admirador de Muddy Waters mientras crecía, y su música influyó en la carrera musical de Clapton. La canción también fue versionada por "Canned Heat" en el Monterey Pop Festival y luego adaptada por "Bob Dylan" en su álbum "Modern Times". Uno de los mayores éxitos de Led Zeppelin, "Whole Lotta Love", está basado en el éxito de Muddy Waters "You Need Love" (escrito por Willie Dixon). "Hoochie Coochie Man", fue interpretado por "The Allman Brothers Band", "Humble Pie", "Steppenwolf" y "Supertramp" . En 1993, Paul Rodgers publico el álbum Muddy Water Blues: A Tribute to Muddy Waters, en el que hizo versiones de varias de sus canciones, incluidas "Louisiana Blues", "Rollin 'Stone", "(I'm your) Hoochie Coochie Man "y" I'm Ready "en colaboración con guitarristas como "Gary Moore", "Brian May" y "Jeff Beck". Angus Young, del grupo AC / DC, ha citado a Muddy como una de sus influencias. El título de la canción de AC / DC "You Shook Me All Night Long" proviene de la letra de la canción de Muddy Waters "You Shook Me", escrita por Willie Dixon y J. B. Lenoir. Earl Hooker lo grabó por primera vez como instrumental, que luego fue sobre-grabado con la voz por Muddy Waters en 1962. Led Zeppelin también hacen una versión en su álbum....y continuara siendo así para las nuevas generaciones.

Los mejores álbumes de Muddy Waters: Top 10 ranking 

Obviamente una lista subjetiva y personal...aquí somos todos fans y cada uno vive la música de su manera.

Ver video:




Lista de los mejores álbumes:
1. Folk Singer (1964)
2. At Newport (1960)
3. Hard Again (1977)
4. Electric Mud (1968)
5. The Complete Plantation Recordings (1993)
6. I’m Ready (1966)
7. Fathers and Sons (1969)
8. Muddy Waters Sings Big Bill (1960)
9. After The Rain (1969)
10. King Bee (1981)

DON CABALLERO - Don Caballero 2 - Album

Don Caballero (Banda)

Grupo americano de Rock instrumental (Math-Rock) de la ciudad de Pittsburgh, Pennsylvania. El grupo tomó su nombre del personaje "Guy Caballero" de una película que parodia "El Padrino", Guy Caballero es llamado "Don Caballero".

Don Caballero se formó en 1991 por el baterista Damon Che (el único miembro continuo), los guitarristas Ian Williams y Mike Banfield, y el bajista Pat Morris. Fue una de las primeras bandas en expandir el trabajo de innovadores del género como Bastro, Bitch Magnet y Slint. Su música era completamente instrumental, y aunque su interacción con la guitarra era tan compleja y disonante como cualquiera de sus contemporáneos, la verdadera fuerza impulsora detrás de su sonido calibrado con precisión fue el virtuoso batería Damon Che. Yo iría más lejos y diría que es una banda que pone "la batería" en el centro de las operaciones, algo novel y distinto que daba unos resultados flipantes.

Las explosiones rítmicas del Damon Che en la batería, los cambios de pausa y en el compás señalaba el camino que siguieron sus compañeros de banda. La pura energía de percusión ayudó a calmar el estruendo del resto del cuarteto, pero también tenían una firme comprensión de la dinámica y, a menudo, reducían la velocidad hasta rozar el silencio. Existe sobre la banda una fuerte influencia del Jazz, aunque el grupo renegara de la etiqueta, y aunque parecía no hubo improvisación: todas las composiciones del grupo estaban cuidadosamente estructuradas, sin importar el aparente caos que sonaba.

La banda publico cinco álbumes entre 1993 y 2000. Después de la ruptura de la banda en 2001, Damon Che reclutó nuevo personal para un "Don Caballero" reconstituido en 2003 y publico dos álbumes, "World Class Listening Problem" y "Punkgasm" antes de hacer una pausa una vez más en 2009.

La discografía:

• For Respect (1993)
• Don Caballero 2 (1995)
• What Burns Never Returns (1998)
• Singles Breaking Up (Vol. 1) (1999)
• American Don (2000)
• World Class Listening Problem (2006)
• Punkgasm (2008)

El disco que me introduce a la banda “Don Caballero” es “Don Caballero 2”. Un álbum que me descuadra y a su vez me fascina.

ALBUM: Don Caballero 2 

Segundo álbum de estudio publicado en 1995. El disco es el más largo del grupo, con casi una hora de duración.

Entiendo que la banda evitaba la etiqueta de improvisación, y del estilo Jazz, pero escuchar este álbum realmente te recuerda a Jazz moderno. Lo que les "salva" de no caer en la etiqueta Jazz, es que todo el álbum parece muy estudiado, preciso y cerebral,  incluso cuando la música suena tan increíblemente poderoso y sin sentido al mismo tiempo.

El caos existe en este álbum, aunque controlado, lo que hace que sea un disco desconcertante y extraordinario. No obstante, si me preguntas a mí, las etiquetas quizás más cómodas de "Post-Rock" y "Math-Rock" para este disco son demasiado limitados, y me inclino más a "Rock experimental con un fuerte elemento de Jazz, incluso "Free-Jazz".  Dicho esto, este es un disco "de batería" y quizás uno de los más potentes.

El equipo de guitarras de Williams y Banfield están perfectamente coordinados intercambiando notas, estableciendo melodías paralelas y golpeando al máximo. Damon Che, mientras tanto, se sienta detrás de "su kit" y dirige todo con el mismo poder y habilidad. Un disco de ocho temas, se divide uniformemente entre piezas más cortas y más largas. Puedo decir que las piezas más largas son mejores, no es que los cortos sean malos, pero con el paso del tiempo el grupo muestra aún más sus habilidades, a menudo con resultados increíbles. Por ejemplo cuando en el tema "Please Tokio, Please This Is Tokio" golpea la sección media, todos suenan increíblemente. Vuelvo a repetirme, lo extraordinario de este álbum es como aparenta estar dominado por la improvisación y el caos, mientras la música se guía pensando, todo planificado y equilibrado, obviamente es el gran talento de estos músicos.

Un disco recomendado, distinto y que personalmente me descoloca gratamente. Música Rock que parece ser lo que no es, muy cerebral y solido.

Video del tema "Stupid Puma":



Tracklist:
1. "Stupid Puma" 4:21
2. "Please Tokio, Please THIS IS TOKIO" 11:18
3. "P, P, P, Antless" 3:44
4. "Repeat Defender" 11:00
5. "Dick Suffers Is Furious with You" 9:11
6. "Cold Knees (in April)" 4:14
7. "Rollerblade Success Story" 4:30
8. "No One Gives a Hoot about FAUX-ASS Nonsense" 10:44

SKIP JAMES - Hard Time Killin Floor

SKIP JAMES (Bluesman)

Nehemiah Curtis "Skip" James (9 de junio de 1902 - 3 de octubre de 1969) fue un afroamericano cantante, guitarrista, pianista y compositor de Delta Blues. Skip James es uno de los primeros y más influyentes músicos de Blues en grabar, fue el defensor más conocido de la llamada escuela de "Bentonia Blues", una variedad del género que combina una extraña afinación de guitarra contra voces espeluznantes y en falsete. Influyo en muchísimos músicos y bandas, desde Robert Johnson ("Devil Got My Woman" de Skip James se convirtió en la base de "Hellhound on My Trail" de Robert Johnson) hasta Eric Clapton (que grabó "I'm So Glad" en el primer álbum de Cream)…curiosamente, los royalties de este tema ($10,000) pagaría la operación de cáncer de Skip James más tarde.

La forma de tocar la guitarra de James se destaca por una exquisita técnica de punteo y usos inusual de acordes. Skip James grabó por primera vez para "Paramount Records" en 1931. Sus amigos le registraron (de broma) para una audición con el propietario de una tienda de discos y cazatalentos H. C. Speir en Jackson, Mississippi. Speir colocaba a artistas de Blues en varios sellos discográficos, incluido "Paramount Records". Sobre la base de esta audición, Skip James viajó a Grafton, Wisconsin, para grabar para el sello Paramount. Sus aportaciones de 1931 se consideran idiosincrásicos entre las grabaciones de Blues anteriores a la guerra y formaron la base de su reputación como músico.

Como era típico de su época, Skip James grabó varios estilos de música - Blues, espirituales, versiones y composiciones originales - con frecuencia difuminando las líneas entre géneros y fuentes. Por ejemplo, "I'm So Glad" se deriva de una canción de 1927, "So Tired", de Art Sizemore y George A. Little, grabada en 1928 por Gene Austin y Lonnie Johnson. El biógrafo de Skip James, "Stephen Calt", haciéndose eco de la opinión de críticos musicales, consideró que el producto final era totalmente original, "uno de los ejemplos más extraordinarios de punteo de dedos en la música de guitarra". Varias otras grabaciones de la sesión de Grafton, como "Hard Time Killing Floor Blues", "Devil Got My Woman", "Jesus Is a Mighty Good Leader" y "22-20 Blues" (la base de la más conocida de Robert Johnson "32-20 Blues"), han sido igualmente venerados e influyentes.

A continuación el repertorio de canciones de 1931 grabados para Paramount Records:

• "Cherry Ball Blues"
• "22-20 Blues"
• "Illinois Blues"
• "How Long 'Buck'"
• "Devil Got My Woman"
• "I'm So Glad"
• "Four O'Clock Blues"
• "Jesus Is a Mighty Good Leader"
• "Drunken Spree"
• "Hard Time Killing Floor Blues"
• "If You Haven't Any Hay Get on Down the Road"
• "Yola My Blues Away"
• "Little Cow and Calf Is Gonna Die Blues"
• "Cypress Grove Blues"
• "Special Rider Blues"
• "Hard Luck Child"
• "Be Ready When He Comes"
• "What Am I to Do"

Este material es ahora legendario y llegaría a influir a las nuevas generaciones de músicos. Casi todos los temas han sido versionados y/o interpretados por los grandes músicos de Blues y del Rock, un ejemplo "Devil Got My Woman".

La Gran Depresión (1929-33) estaba golpeando más fuerte justo cuando las grabaciones de Skip James estaban llegando al mercado. Como resultado, las ventas fueron nulos...ni Skip escucho su música en la radio y menos recibió dinero (el sello Paramount se fue a la bancarrota). Totalmente desilusionado y hundido anímicamente, dejó de tocar Blues para convertirse en el director del coro de la iglesia bautista y metodista de su padre. Skip James desapareció en la oscuridad.

Durante los siguientes 30 años, Skip James no grabó nada y actuó esporádicamente. Era prácticamente desconocido para los oyentes hasta los años 60. En 1964, los entusiastas del Blues John Fahey, Bill Barth y Henry Vestine lo encontraron en un hospital en Tunica, Mississippi. Según el biógrafo de Skip James, "Stephen Calt", el "redescubrimiento" de Skip James y Son House prácticamente al mismo tiempo fue el comienzo del resurgimiento del Blues en los Estados Unidos. En julio de 1964, James y otros músicos redescubiertos aparecieron en el "Newport Folk Festival". Desde entonces, James apareció en otros festivales de Folk y Blues, dio conciertos en todo el país y grabó varios álbumes para varios sellos discográficos. Volvió a grabar los temas de la famosa "sesión" de 1931 para el sello "Paramount" y se editaron varios álbumes después de su muerte por cancer en 1969.

List de álbumes publicados desde 1964:

• Greatest of the Delta Blues Singers (1964)
• She Lyin' (1964; Genes, 1996)
• Today! (1966)
• Devil Got My Woman (1968)
• I'm So Glad (1978)
• Live: Boston, 1964 & Philadelphia, 1966 (1994)
• Skip's Piano Blues, 1964 ( 1998)
• Blues from the Delta (1998)
• The Complete Early Recordings of Skip James – 1930 ( 1994)
• The Complete Bloomington, Indiana Concert, March 30, 1968 (1999)
• Skip's Guitar Blues, 1964 (1999)
• Studio Sessions: Rare and Unreleased, 1967 (2003)
• Hard Time Killing Floor Blues (2003)
• Heroes of the Blues: The Very Best of Skip James (2003)
• Hard Time (2003)
• Cypress Grove Blues (2004)
• Hard Time Killin' Floor (2005)

Hablamos en definitiva de una leyenda, un grande. Skip James es aclamado como "una de las figuras fundamentales del Blues". Para conocer musicalmente a James hay que escuchar su grabación de 1931 para Paramount, aunque el original es ya muy difícil de encontrar. Afortunadamente Skip James volvió a grabar estos temas de nuevo en los años 60 (algo mejor) y están más disponibles. Yo tengo el álbum "Hard Time Killin´Floor", editado de nuevo en 2005 por el sello Yazoo.

ALBUM: Hard Time Killin Floor

Álbum publicado en 2005 reeditado y remasterizado (lo mejor posible). Genial para introducirte a Skip James y donde encuentras todo lo que necesitas (guitarra acústica y piano!)

El repertorio viene básicamente de la primera sesión que Skip James grabó tras su re-descubrimiento por John Fahey y Henry Vestine a mediados de los años 60. Aunque no había tocado Blues durante más de 30 años, sus habilidades no habían disminuido, y se "sale" en este álbum. No es la primera re-edición (colección), y uno podría apostar que no será la última. Pero "Hard Time Killin 'Floor" tiene un buen argumento por sí mismo: el álbum de una hora y seis minutos contiene todos los primeros trabajos de Skip James, y esta re-masterizado. Skip James repite varios de sus canciones de 1931 con Paramount, así como un par de canciones nuevas que narran sus enfermedades (desde el hospital durante el tratamiento de cáncer) y tres de SON HOUSE. La nueva masterización aquí suena algo más rica y cálida (aunque mantiene su cruda esencia original).

La canción "I'm So Glad" se interpreta a un ritmo acelerado y vertiginoso, y el trabajo con los dedos te deja flipando. El tema "Hard Time Killin´ Floor Blues", por otro lado, tiene una calidad lenta y perezosa, con las notas de la guitarra que coinciden con el llanto triste del cantante. James era algo único entre los guitarristas de Blues porque también tocaba el piano. Su particular estilo Gospel se muestra en canciones como "How Long Buck" y "Little Cow and Calf Is Gonna Die Blues". Por supuesto, "Hard Time Killin 'Floor" no estaría completo sin "Devil Got My Woman", la misma canción que que volvería locos a más de 12.000 personas (mayoría jóvenes blancos) en el Newport Folk Festival de 1964. Curiosamente, el sello Yazoo, teniendo espacio extra al final del CD, agregó cuarto canciones de otro grande del Blues, Son House. Genial! No se puede pedir más - dos grandes "Bluesmen" - en un solo álbum.

Un disco recomendado. Un álbum que contiene todo lo importante (sus canciones famosas) para descubrir a Skip James para después seguir explorando sus otros discos. Si, este álbum tienen un sonido tosco...algo vintage...hablamos de Delta Blues en su estado puro. De aquí surge todo el Rock (música moderna) del Siglo XX, estarás escuchando directamente a la fuente.

Y termino, en 2004, Wim Wenders dirigió la película "The Soul of a Man" (la segunda parte de "The Blues", una serie producida por Martin Scorsese)…búscalo (ver YouTube)…narra la historia de Skip James (con Blind Willie Johnson y J.B Lenoir). Recomendado!

Video de la canción "Special Rider Blues":



Tracklist:

1 – Cypress Grove Blues
2 – If You Haven't Any Hay Get On Down The Road
3 – Hard Time Killin' Floor Blues
4 – Special Rider Blues
5 – Devil Got My Woman
6 – I'm So Glad
7 – Cherry Ball Blues
8 – 22-20 Blues
9 – Jesus Is A Might Good Leader
10 – Hard Luck Child
11 – Little Cow And Calf Is Gonna Die Blues
12 – Illinois Blues
13 – Drunken Spree
14 – Four O'Clock Blues
15 – How Long Buck
16 – Yola My Blues Away
17 – Be Ready When He Comes
18 – What Am I Gonna Do Blues
19 –Son House My Black Mama - Part 1
20 –Son House My Black Mama - Part 2
21 –Son House Walkin' Blues
22 –Son House Dry Spell Blues - Part 1

ERIC DOLPHY | Out to Lunch!

Eric Dolphy (Músico)

Eric Allan Dolphy Jr. (20 de junio de 1928 - 29 de junio de 1964) fue un saxofonista de Jazz americano. Dolphy fue uno de varios multi-instrumentistas en ganar prominencia en la época en que estuvo activo. Su uso del clarinete bajo ayudó a establecer el instrumento dentro del estilo Jazz. Dolphy amplió el vocabulario y los límites del saxofón alto y fue uno de los primeros solistas de flauta de jazz importantes.

Su música cayó en la categoría de "vanguardia", y su estilo de improvisación se caracterizó por el uso de amplios intervalos, además de emplear una variedad de técnicas extendidas para emular los sonidos de voces humanas y animales.  Mientras que la mayoría de los otros músicos de "Free Jazz" sonaban muy serios en su interpretación, los solos de Eric Dolphy a menudo parecían exultantes y exuberantes. Usó líneas melódicas que eran "angulares", zigzagueando de intervalo en intervalo, dando vueltas cerradas en coyunturas inesperadas, dando saltos dramáticos del registro más bajo al más alto.

Eric Dolphy fue el primer flautista en ir más allá del bop (influenciando a "James Newton") e introdujo en gran medida el clarinete bajo al Jazz como instrumento solista. También fue uno de los primeros (después de "Coleman Hawkins") en grabar solos de trompa no acompañados.

Como la mayoría de los grandes de Jazz, paso su aprendizaje bajo la colaboración con otros "maestros" del Jazz antes de independizarse. Eric Dolphy ha trabajo en los álbumes de:

Charles Mingus
Clifford Brown
John Coltrane
Max Roach
Booker Little
Clifford Brown
John Lewis
Chico Hamilton

Otros discos donde contribuyo Dolphy fue en las grabaciones de George Russell ("Ezz-thetics"), Oliver Nelson ("Screamin 'the Blues", "The Blues and the Abstract Truth" y "Straight Ahead") y Ornette Coleman ("Free Jazz: A Collective Improvisation" y "Free Jazz Outtake). También trabajó y grabó con Gunther Schuller ("Jazz Abstractions"), el multi-instrumentista Ken McIntyre ("Looking Ahead") y el bajista Ron Carter ("Where?").

Como líder de su propia banda existe una extensa discografía  impresionante (pre y post-mortem) que puedes consultar en las fuentes habituales de confianza, ejemplo "Discogs".

Eric Dolphy dejo un importante legado, fue influyente para muchos jóvenes músicos de Jazz. Trabajó de forma intermitente con Ron Carter y Freddie Hubbard a lo largo de su carrera, y en años posteriores contrató a Herbie Hancock, Bobby Hutcherson y Woody Shaw para trabajar en sus bandas de estudio y en sus directos. En el disco " Out to Lunch! contó con el joven intérprete, el baterista Tony Williams, y la participación de Dolphy en la sesión de "Hill's Point of Departure" le puso en contacto con el tenor Joe Henderson.

La formación Carter, Hancock y Williams se convertirían en una de las secciones rítmicas por excelencia de la década. También influencio al gran Miles Davies con su sección rítmica del nuevo quinteto, creando así una banda cuyo estilo "Out" estaba fuertemente influenciado por Dolphy.

Las virtuosas habilidades instrumentales de Dolphy y su estilo único de Jazz, profundamente emocional y libre, influyeron fuertemente sobre músicos como Anthony Braxton, Oliver Lake, Arthur Blythe y Don Byron. Como se puede apreciar estamos delante de un gigante del Jazz.

Como ya he mencionado, su discografia es extensa, los siguientes álbumes destacan por su nivel y calidad: Out There (1960), Magic (1961) y Iron Man (1963). Sin embargo, el álbum que más me gusta es "Out to Lunch!", ya que fue el primer disco que me introduce a Eric Dolphy. No soy un experto en Jazz, personalmente me cuesta entrar en el "groove" 100%, y muchas veces me cuesta concentrarme. No obstante, el disco "Out to Lunch" fluye, me absorbe y me mola.

ALBUM: Out to Lunch!

Album publicado el 25 de febrero de 1964. La única grabación para el sello "Blue Note" como líder. Hoy es considerado uno de los mejores álbumes en la historia del sello, así como uno de los puntos culminantes del Jazz de vanguardia de los años 60 del Siglo XX. Como nota anecdótica, unos meses después de grabar este álbum, Eric Dolphy completó una gira europea con Charles Mingus. Murió poco después de un shock diabético.

El álbum "Out to Lunch!" se erige como la obra maestra de Eric Dolphy, la cima absoluta del Jazz de vanguardia en cualquier forma o época. Su complejidad rítmica quizás no tuvo rival desde "Time Out" de Dave Brubeck y sus cinco canciones: el tributo a Thelonious Monk en "Hat and Beard" (contiene un interludio de percusión con Tony Williams y Bobby Hutcherson), el acertadamente titulado "Something Sweet, Something Tender" (incluye un dueto entre Richard Davis en el bajo y Dolphy en el clarinete bajo), la muestra de flauta alegre de "Gazzelloni" (lleva el nombre del flautista clásico Severino Gazzelloni, pero en realidad es el tema más convencional basado en el bop), la canción que da título, "Out to Lunch!" y "Straight Up and Down" (dos piezas largas para saxofón alto)...dan un equilibrio de marcos estructurados, timbres cuidadosamente calibrados y generosa libertad individual.

Los expertos han escrito sobre las extrañas marcas de tiempo en este álbum, los saltos de intervalo amplio y los flirteos con la atonalidad. Estas preocupaciones alcanzan su punto máximo en "Out to Lunch!", que está menos arraigada en la tradición del "Bop" que cualquier cosa que Eric Dolphy haya hecho. Pero ese tipo de descripción analítica simplemente no hace justicia al efecto totalmente extraño de los paisajes sonoros irregulares del álbum. Los solos y temas no son angulares y disonantes, existe una alegría definida que se vuelve más evidente con cada escucha. Todo el conjunto (el trompetista Freddie Hubbard, el vibrafonista Bobby Hutcherson, el bajista Richard Davis y el baterista Tony Williams) aprovechan al máximo la libertad que ofrece Dolphy, pero hay que hacer una mención especial al músico Bobby Hutcherson, que ha perfeccionado por completo su técnica de acompañamiento sin piano. Sus acordes flotantes y rápidas punzadas de disonancia anclan la textura del álbum, y puntúa las líneas de los solistas en los momentos menos esperados, sugiriendo pulsos completamente diferentes.

Este álbum existe en su propio plano espacial. La gravedad es diferente. El tiempo es elástico. Existen diferentes realidades concurrentes. El tiempo se mueve más lento y más pesado, y paradójicamente todo sucede al mismo tiempo. Ocurren múltiples eventos, cada uno ocupando el mismo espacio, cada uno absorbiendo o reflejando la luz como una masa multiforme de sonido y energía. En resumen, un álbum extraordinario.

Un disco recomendado. Un álbum perfecto para introducirte a Eric Doyle y al Jazz más elevado. Este álbum es la obra maestra de un visionario que expandió los margines del Jazz bajo su creatividad, experimentación e improvisación. Es un trabajo referencia del "Free Jazz" que a su vez te hace comprender el talento del individuo y el enorme poder del trabajo en equipo. Una obra clave de un profeta del Jazz.

Video del tema "Hat & Beard":



Tracklist del álbum "Out to Lunch!":
Cara A
1."Hat and Beard" – 8:24
2."Something Sweet, Something Tender" – 6:02
3."Gazzelloni" – 7:22
Cara B
1."Out to Lunch" – 12:06
2."Straight Up and Down" – 8:19

Músicos:
Eric Dolphy - clarinete bajo (temas 1 y 2), flauta (3), saxofón alto (temas 4 y 5)
Freddie Hubbard - trompeta
Bobby Hutcherson - vibráfono
Richard Davis - bajo
Tony Williams - batería

CALEXICO - The Black Light - Album

Calexico (Banda)

Grupo (dúo) americano de Indie-Rock (sonido Tex-Mex), con sede en Tucson, Arizona. Los dos miembros principales de la banda, Joey Burns y John Convertino, tocaron juntos por primera vez en Los Ángeles como parte del grupo "Giant Sand". La banda toma su nombre de una ciudad en la frontera de California y México, y el título se ajusta perfectamente a la banda.

La historia de Calexico comienza en 1990, cuando el bajista Joey Burns, un estudiante de música de la Universidad de California en Irvine, conoció al percusionista John Convertino que tocaba la batería con la banda "Giant Sand" de Howe Gelb. Joe Burns pronto firmó para tocar el bajo con "Giant Sand" en una gira por Europa, y luego se mudó a la base de operaciones de "Giant Sand" en Tucson, Arizona. Durante el tiempo de inactividad de los proyectos de "Giant Sand" en 1993, Burns y Convertino se unieron a los guitarristas Billy Elm y Woody Jackson para formar "Friends of Dean Martinez", un grupo que fusionó melodías Pop de influencia lounge. Los amigos de "Dean Martinez" pronto desarrollaron seguidores leales en la escena del Rock Alternativo, y Burns y Convertino comenzaron a colaborar con un número de músicos respetados, incluidos Richard Buckner, Neko Case, Bill Janovitz, Lisa Germano, Victoria Williams y Barbara. Manning.

Los miembros actuales de Calexico son:

Los miembros de Calexico principales:

• Joey Burns - voz, guitarras, bajo, violonchelo, piano, teclados, acordeón, percusión y vibráfono
• John Convertino - batería

Jacob Valenzuela - trompeta y voz
Martin Wenk: trompeta, guitarra, teclados, acordeón, glockenspiel, vibráfono, theremin y voz (ocasionalmente armónica y trompa)
Scott Colberg - bajo y bajo eléctrico
Sergio Mendoza - teclados, acordeón y percusión

Calexico han publicado hasta el momento 10  álbumes. Su estilo musical está influenciado por los sonidos latinos tradicionales de mariachi, cumbia y tejano mezclados con country, jazz y post-rock.

La discografía hasta ahora:

• Spoke (1996)
• The Black Light (1998)
• Hot Rail (2000)
• Feast of Wire (2003)
• Garden Ruin (2006)
• Carried to Dust (2008)
• Algiers (2012)
• Edge of the Sun (2015)
• The Thread That Keeps Us (2018)
• Years to Burn (con Iron & Wine) (2019)

• El Mirador (2022)

La verdad es que Calexico es una banda única, y su propuesta musical les diferencia del resto. No conozco otra banda que fusiona el Rock americano con lo latino mejor que Calexico. Su sonido es muy sofisticado y hacen lo difícil sonar fácil. El álbum que me introduce a Calexico es "The Black Light" de 1998, y lo considero su mejor álbum. Es un disco que recurro a menudo para relajarme o poner de fondo con amigos, especialmente durante las noches de verano después de la puesta de sol.

ALBUM: The Black Light

Es el segundo álbum de estudio publicado el 19 de mayo de 1998. Esencialmente un álbum instrumental, aunque media docena de las canciones tienen algunas voces bajas mezcladas.

Este álbum de Calexico se expande sobre un sonido cinematográfico tostado por el sol del desierto con la adición de ritmos de Jazz latino, trompetas de mariachi y guitarras (pedal steel). Las canciones están producidas con un sentido de textura y atmósfera tan fino que "The Black Light" aún resulta impresionante para escucha en la actualidad. Fue el primer álbum que me introduce a la banda.

Calexico muestra en este álbum un dominio de la música rock con temática del suroeste de EE. UU., similar a "Los Lobos" y la banda anterior de sus dos miembros principales "Giant Sand". Hay unos temas instrumentales fascinantes que invocan imágenes del desierto y del oeste como "Vinegaroon", "Gypsy's Curse", "Fake Fur", "Chach", "Minas De Cobre" y "Bloodflow"... y así sucesivamente haciendo que parezca que estas viendo una película de vaqueros al estilo Clint Eastwood o "Los siete magníficos". Escuchar "The Black Light" es transportarse a otra dimensión, y la banda muestra una amplia gama de instrumentos y timbres que rara vez se ven en la música Rock. Para que nos entendamos, el disco es una mezcla de Tom Waits, Ennio Morricone y las guitarras The Shadows …acojonante.

En general, lo que hace que el álbum sea ahora un clásico es su música cautivadora, a veces pegadiza, a veces agradable, a veces misteriosa. Como han señalado otros en sus criticas, a menudo "The Black Light" parece que es la banda sonora de una película que no existe.

Un disco recomendado. Si te gusta el Rock (Tex-Mex) fusionado con los sonidos latino, Alt-Country...o te gusta por ejemplo Mazzy Star, Iron & Wine etc...es muy recomendado. Puede que te inspire alquilarte un coche y conducirlo por Arizona y Nuevo Mexico (o por Almería si estas en España)…, o quizás tomarte un mojito mirando la puesta del sol.

Video del "Over Your Shoulder":



Tracklist:
1. "Gypsy's Curse" 4:18
2. "Fake Fur" 2:36
3. "The Ride (Part 2)" 3:08
4. "Where Water Flows" 1:57
5. "The Black Light" 3:20
6. "Sideshow" 2:02
7. "Chach" 3:33
8. "Missing" 6:01
9. "Minas de Cobre (For Better Metal)" 3:09
10. "Over Your Shoulder" 4:10
11. "Vinegaroon" 1:06
12. "Trigger" 2:34
13. "Sprawl" 1:27
14. "Stray" 2:54
15. "Old Man Waltz" 2:29
16. "Bloodflow" 5:10
17. "Frontera" 4:21

MERCURY REV | Yerself In Steam

Mercury Rev (Banda)

Grupo americano de Indie-Rock (Neo-Psicodelia) formada en 1989 en Buffalo, Nueva York. La formación inicial fue David Baker (voz), Jonathan Donahue (guitarra), Sean Mackowiak, conocido como "Grasshopper" (guitarras y clarinete), Suzanne Thorpe (flauta), Dave Fridmann (bajo) y Jimy Chambers (batería).

Con sus primeros discos, Mercury Rev ofreció rock psicodélico experimental, que gradualmente cambió a un sonido más melódico. Mercury Rev se compara a con la banda "The Flaming Lips",  y de hecho comparten lazos estrechos: poco después de la formación de la banda, Jonathan Donahue también se unió a "The Flaming Lips" como segundo guitarrista y apareció en dos de sus álbumes; y desde el álbum de 1990 "In a Priest Driven Ambulance", Dave Fridmann ha co-producido todos los álbumes de estudio de "The Flaming Lips" hasta la fecha.

A pesar de la considerable aclamación de la crítica,  sus primeros lanzamientos nunca dieron a Mercury Rev más que una popularidad de culto. David Baker se fue después segundo disco, "Boces (1993)", citando disputas musicales y personales. Con su partida, las características temáticamente más oscuras y musicalmente experimentales de la banda comenzaron a diluirse.

La discografía de Mercury Rev hasta ahora:

1991 - Yerself Is Steam
1993 - Boces
1995 - See You on the Other Side
1998 - Deserter's Songs
2001 - All Is Dream
2005 - The Secret Migration
2008 - Snowflake Midnight
2008 - Strange Attractor
2019 - Bobbie Gentry’s The Delta Sweete Revisited

Mercury Rev is uno de mis bandas fetiche. Su mejor disco - para mi - es "Deserter´s Songs", aunque el debut "Yerself Is Steam" es el primer disco que me introduce a la banda. Dicho esto, este ultimo citado trabajo también esta dentro de sus mejores y será el álbum que destaco a continuación.

ALBUM: Yerself Is Steam

Es el álbum debut publicado el 14 de mayo de 1991. El título es un malpropismo de la frase "Tu autoestima", y está tomado de una letra recurrente en la apertura de tema "Chasing a Bee". Dean Wareham (ex Galaxie 500 y de Luna) hace una aparición especial en la canción oculta "Car Wash Hair" y ayudó con la grabación. Es un debut potente, para mi un discazo. Considerado un clasico del "Neo-Psicodelia" y también aclamado como una obra maestra del "Shoegaze americano".

Este disco parece una guerra por querer lograr un pop melódico como la trascendencia del ruido blanco (distorsión) dentro del mismo espacio, y lo consigue brillantemente; combustible de vanguardia inyectado por arrebatos y florituras de visión prismático. No hay otra forma de describir este álbum: es un "viaje" psicodelico, un flipe total y mental.

El álbum abre fuerte con "Chasing a Bee", una canción extraña (parece un "mal viaje"). Hay un poco de "Slowcore", ya que la canción avanza pesadamente durante su tiempo de ejecución, pero llega repetidamente a un clímax maravillosamente ruidoso. Líricamente, como gran parte del álbum, parece ser críptico y sin sentido: muchas de las declaraciones que uno hace durante un viaje de LSD terminan siendo completamente sin sentido, pero en ese momento parecen ser la noción más profunda en el universo.

Lo sigue los temas "Syringe Mouth", "Coney Island Cyclone" y "Blue and Black" , cada una de las cuales es una canción de Rock - Psicodélico con ideas interesantes y rarezas ruidosas equilibradas con una composición de Pop casi perfecta. Los temas "Sweet Oddysee" y "Frittering" - mi canción favorita del álbum -  son obras pesadas y de otro mundo que se inclinan más hacia el "Slowcore" en ciertos puntos, particularmente en "Frittering". El tema "Frittering" en particular es una canción espectacular, evocando una vasta melancolía desde sus primeros acordes de guitarra acústica. Hay una pista oculta en el álbum (re-edición), "Car Wash Hair (The Bee's Chasing Me)", es genial y una manera perfecta de cerrar el álbum. Estructural y melódicamente similar a "Galaxie 500" (Dean Wareham ha versionado la canción con su banda Luna), es directamente psicodélica completa con guitarras en capas ondeando de fondo.

En resumen, un álbum que combina una ingeniosa mezcla de sonidos psicodélicos. El "Shoegaze" de este álbum es inusual, muy diferente del canon inglés en ese momento: el mismo principio básico de filtrar canciones Pop a través del ruido de la guitarra está presente, pero el sonido es mucho más pesado, casi hasta el punto en que sugeriría "Acid Rock" como efecto secundario. El "Shoegaze" de esta álbum está mucho menos en línea con el "Post-Punk" que inspiró las bandas britanicas y más en contacto con la "Psicodelia" de finales de los años 60, lo que lo convierte en un disco idiosincrásico para principios de los años 90 del siglo XX.

Un disco recomendado y flipante. Su paisaje sonoro es masivo, frío y cálido, lleno de extraños conceptos y sentimientos que se desvanecen y reaparecen. Es un álbum de otro mundo, místico, vaporoso y una maravilla. No obstante, ojo, no entra de primeras para mucha gente, ya me lo han avisado. Con lo cual algo de paciencia se va necesitar para captar todo lo que propone y asimilar su "locura".

Y termino. Si piensas que he puesto "Yerself Is Steam" por las nubes, el discazo para mi de "Mercury Rev" es "Deserter's Songs" de 1998, este ultimo sube otro nivel y entra en otra dimension de emociones. Busca y escucha ambos discos.

Video de "Frittering":



Tracklist del álbum "Yer In Steam" (re-edicion):
01."Chasing a Bee" – 7:11 (4:27)
02."Syringe Mouth" – 4:04 (3:27)
03."Coney Island Cyclone" – 2:37 (3:27)
04."Blue and Black" – 6:00 (4:27)
05."Sweet Oddysee of a Cancer Cell t' th' Center of Yer Heart" – 7:41 (5:27)
06."Frittering" – 8:48 (4:27)
07."Continuous Trucks and Thunder Under a Mother's Smile" – 0:43 (2:27)
08."Very Sleepy Rivers" – 12:15 (12:27)
09."Car Wash Hair (The Bee's Chasing Me)" – 6:44 (bonus track-oculto)

AFRICAN HEAD CHARGE - My Life in a Hole in the Ground - Album

African Head Charge (Bonjo Iyabinghi Noah y Adrian Sherwood)

African Head Charge es un conjunto artístico-musical de "Dub Psicodélico" activo desde principios de la década de 1980. El grupo fue formado por el percusionista Bonjo Iyabinghi Noah, y contó con un elenco rotativo de miembros, incluidos Prisoner, Nick Plytas, Crocodile, Junior Moses, Sunny Akpan, Skip McDonald y el prestigioso bajista Jah Wobble. El colectivo publico la mayoría de sus álbumes en el sello de Adrian Sherwood, On-U Sound.

No obstante, African Head Charge tiene que ver más con Adrian Sherwood que cualquier otro. No solo publicaba los álbumes, era su productor y el "lider creativo y musical" del proyecto.

Conocí el estilo "Dub" vía Adrian Sherwood, y específicamente uno de sus discos que destaco más adelante. La discografia es amplia (Eps, álbumes y compilaciones) y cubre más de 40 años...como se refleja a continuación:

My Life in a Hole in the Ground (On-U Sound, 1981)
Environmental Studies (On-U Sound, 1982)
Drastic Season (On-U Sound, 1983)
Off the Beaten Track (On-U Sound, 1986 Anthology Recordings, 2006)
Great Vintage Volumes 1 & 2 (On-U Sound, 1989) (compilation)
Songs of Praise (On-U Sound, 1990)
Live:Pride and Joy (On-U Sound, 1991)
In Pursuit of Shashamane Land (On-U Sound, 1993)
All Mighty Dread (Beat Records, 1994) (compilation)
Touch I EP (On-U Sound, 1994)
Akwaaba (Acid Jazz Records, 1995)
Sankofa (Bonjo I, 1997)
Drums Of Defiance: African Head Charge Versus Professor Stretch (On-U Sound, 1998)
Noah House of Dread (Bonjo I, 1998)
Live Goodies (Bonjo I, 2001)
Shrunken Head (On-U Sound, 2003) (compilation)
Vision of a Psychedelic Africa (On-U Sound, 2005)
In Charge:Live in Japan EP (On-U Sound, 2005)
Voodoo of The Godsent (On-U Sound, 2011)
Return Of The Crocodile (On-U Sound, 2016)
Churchical Chant Of The Iyabinghi (On-U Sound, 2020)

Quiero destacar los álbumes "Songs of Praise" (1990) y "In Pursuit of Shashamane Land" (1993) como obras perfectas para introducirte al estilo "Dub-Reggae" (Dub-Tribalism) y al mundo de Adrian Sherwood. Sin embargo, mi disco preferido es "My Life in a Hole in the Ground", aparte de ser un discazo es uno de los primeros que compre para aventurarme en el "Dub".

ALBUM: My Life in a Hole in the Ground

El primer álbum de una serie de cuarto (1982 Environmental Studies, 1983 Drastic Season, y 1986 Off the Beaten Track) publicado en noviembre de 1981. Uno de los álbumes que me introduce al "DUB" y un disco que de alguna manera anticipa musicos como The Orb y Tortoise , además de otros artistas que fusionan el Pop con el World Music, ejemplo M.I.A.

Es un álbum que puede parecer algo extraño, incluso para los estándares del género. Adrian Sherwood, interpreta el "Dub-Reggae" jamaicano con una banda de temática africana que hace vaga referencia a los intentos del trabajo "similar" de Brian Eno. Tocando tanto el título como el concepto de "My Life in the Bush of Ghosts" de Brain Eno y David Byrne, African Head Charge participa en exploraciones sónicas de forma libre y de ritmos africanos en este álbum.

Es una de las primeras obras maestras del sello "On-U" de Adrian Sherwood, este álbum conceptual puede considerarse uno de los mejores álbumes de reggae instrumental de todos los tiempos, aunque el término reggae parece bastante inadecuado para los paisajes sonoros africanos profundos y oscuros en este disco. Los "samplers" aún no se habían convertido en parte de la configuración del estudio en 1981, por lo que las ediciones múltiples (over-dubs) se utilizaron como una forma de mejorar los sonidos existentes. El álbum es visto como un trabajo pionero experimental que combina ritmos africanos, dub y jazz. Desde los sonidos iniciales del "kuwenge" (y la versión africana del arpa de los judíos), el álbum nunca es fácil de definir. Quizas hoy casi 40 años después muchos están más cómodo con el termino "World Music", pero este disco se adelanto a su tiempo.

Los hipnotizantes ritmos tribales de "My Life in a Hole in the Ground" te llevan a un viaje "dentro de la jungla", utilizando la magia del estudio de Adrian Sherwood para lograr el máximo efecto, pero dejando suficiente espacio para los diferentes instrumentos,  y a "King Cry Cry" - aka Príncipe Fari - con su voz áspera, ronca y atronadora que resuena dentro y fuera del tema "Far way Chant", la única canción con voz del álbum.

Un disco recomendado. Un clasico del "Dub" que ayuda avanzar el estilo y ser adaptado por bandas posteriores como "Primal Scream" (ej, "Screamadelica).

Video de "The Race (Part 1)":



Tracklist:

1.Elastic Dance 3:58
2.Family Doctoring 4:20
3.Stebeni's Theme 3:34
4.The Race Pt One 3:36
5.Crocodile Shoes 3:13
6.Stone Charge 4:16
7.Far Away Chant 4:04
8.Primal One Drop 3:33
9.Hole in the Roof 3:14

LOST SOUNDS | Black Wave

Lost Sounds (Banda)

Grupo americano de Rock (Synth-Punk) de Memphis, Tennessee. Formada en 1999 por Jay Reatard (sintetizador), Alicja Trout (sintetizador, guitarra y voz), Patrick Jordan (bajo) y Rich Crook (batería).

El grupo inicialmente trabajaba dentro del género Garage-Rock, moviéndose hacia una combinación con sonidos de sintetizadores más del New Wave y de guitarras aterradoras mostrando una influencia de "Dark Wave".

Las narrativas de la banda trataban temas oscuros y apocalípticos que iban desde el Libro del Apocalipsis (Breathing Machine) hasta los tiroteos de "Columbine High School". Personalmente me recuerdan a una fusion de bandas como Suicide, Devo, B-52s y Pixies, combinación que les diferencia y llama la atención.

Su discografia de álbumes de estudio son cuatro:

2000 Memphis Is Dead
2001 Black-Wave (Doble LP)
2002 Rat's Brains & Microchips
2004 Lost Sounds

En 2005 LOST SOUNDS anuncian su separación.

Hay dos álbumes para destacar, el ultimo de 2004 "Lost Sounds", y mi favorito el segundo "Black Wave" de 2001

ALBUM: Black Wave (Doble LP)

Segundo álbum de estudio publicado en 2001. Un álbum doble lleno de locura y brillante. Escuchas en sus 19 canciones las influencias de bandas como los B-52, The Dead Kennedys y Devo, mezclando "Black Metal" y "New Wave" para describirlo como "Black Wave".

Las canciones siguen un hilo narrativo apocalíptico y se arremolinan con ritmos frenéticos, voces que a menudo chillan al estilo "metal" y con sintetizadores de ciencia ficción que evocan imágenes de nubes en forma de hongo, lluvia ácida, invierno nuclear y zombies. Alicja Trout canta la mayoría de las melodías, destacando los temas estilo "New Wave" como "Ocelot Rising" y "Soon This Tomb", junto con "Heartfelt Toys" cantado por Jay Reatard donde cambia del Punk al Pop pegadizo al estilo de los sesenta. Otros momentos estelares son los temas "Plastic Skin" y "Lost & Found".

En definitiva, "Black Wave" es un álbum lleno de vida y electricidad, empuja la envoltura del Rock Alternativo con sintetizadores de teclado cargantes y expresión lírica a gritos con una textura de "surf" y angustia en la interpretación manteniendo el atractivo del estilo "Garage".

Un disco recomendado que es peculiar y con buen sentido de humor. La musicalidad es notable en este disco, el trio esta sembrado y combinan muy bien los diferentes estilos de Rock que hace que este álbum sea tan notable y atractivo. No es para todo el mundo, pienso que entra mejor inicialmente a los fans del Punk-Rock (estilo "Cramps") y del "New Wave" ( estilo "Devo"-"B-52s"), que les gustara este trabajo.

No obstante, la filosofía de este blog es animar a los lectores a probar y escuchar todo tipos de música y de estilos. Busca el disco via las plataformas digitales y darlo un escucha...puede que te sorprenda gratamente.

Video del tema "Don´t Turn Around":



Tracklist del álbum "Black Wave": 2 X LP:
A1 Reasons To Kill
A2 I'm Not A Machine
A3 Plastic Skin
A4 Don't Turn Around

B1 Do You Wanna Kill Me
B2 1620 Echles St.
B3 Throw Away
B4 Citats Blanc
B5 Ocelot Rising

C1 I See Everything
C2 Dark Shadows
C3 Lost And Found
C4 Saturn Stomp
C5 I'm Not Me

D1 Die Pax
D2 What'd I Say
D3 Soon This Tomb
D4 Heart Felt Toys
D5 Walk In Line

RADIO BIRDMAN | Radios Appear - Album

Radio Birdman (Banda)

Grupo australiano y una de las primeras bandas independientes en introducir el estilo Punk, junto con "The Saints", en el país. Formados por Deniz Tek y Rob Younger en Sydney en 1974, habiendo dejado recientemente sus bandas "TV Jones" y "The Rats" respectivamente. La pareja buscó comenzar una banda que desafiaría la corriente comercial y sería completamente intransigente. Reclutaron al teclista Philip "Pip" Hoyle, al baterista Ron Keeley y al bajista Carl Rorke. La banda tomó su nombre de una letra mal escuchada de la canción "1970" de "The Stooges".

Considerados unos de los pioneros del Punk-Rock, la música de Radio Birdman no encaja específicamente con el género, ni a la banda les gustaba esa etiqueta, aunque su estilo y actitud agresiva los ha colocado en esta posición. La propia banda clasificaba su música simplemente como "Rock and Roll". Los fans y los criticos musicales clasificaron la música como "Proto-Punk" o el sonido de Detroit, similar a bandas como "MC5" y "The Stooges"...incluso con pinceladas de "Blue Öyster Cult.

Discográfica:

1977 Radios Appear
1978 Radios Appear (re-edición sello "Sire")
1981 Living Eyes
2006 Zeno Beach

Increíblemente como fue, Radio Birdman sin sello discográfico, sin apoyo de gira y sin distribución para el álbum "Radios Appear", se separo en 1981 casi inmediatamente después del álbum "Living Eyes" y en vísperas de una explosión de música independiente en Australia en la que habían jugado un papel importante en la creación. Es más, el grupo influyó en el trabajo de muchas bandas Punk-Rock y convencionales de éxito y ahora se les considera fundamental en el crecimiento musical de Australia.

Volverían a reunirse en 1996 para actuar en Festivales y en 2006 grabaron el álbum "Zeno Beach" bajo su propio sello y con un nuevo baterista Russell Hopkinson (You Am I).

El álbum por excelencia es el debut "Radio Appear" (primer edición).

ALBUM: Radios Appear (edición Trafalgar)

El primer álbum de estudio publicado en julio de 1977 bajo el sello "Trafalgar". El sello "Trafalgar" inicialmente distribuyó el álbum a través de pedidos por correo y mediante ventas desde la parte trasera de las camionetas de amigos y miembros de la banda. Esto sentó las bases para las futuras bandas de Punk "Do It Yourself" (DIY) en Australia. El disco es aclamado como un álbum revolucionario en el Rock australiano y un cambio decisivo con respecto a la tranquila escena de principios de mediados de los años 70 del siglo XX. Quizás el disco más importante del rock australiano de todos los tiempos por encima de cualquier otro - aqui hay un buen debate. El título del álbum fue tomado de la canción "Dominance and Submission" de Blue Öyster Cult, una de las primeras influencias más importantes de la banda.

Es para mi un pedazo de álbum, al mismo nivel que los discos publicados en EE.UU y UK por sus contemporáneos "punkeros rockers" (The Sex Pistols, Ramones...The Clash) . Tiene grandes temas de pura energía como son "Murder City Nights", "Descent into the Maelstrom"...y dos canciones que trascienden el Punk y el Rock'n'Roll para crear un sonido que es tan singularmente suyo como son "Hand of Law" y "New Race". Simplemente un álbum "game changer" en su día y ha resistido la prueba del tiempo como un álbum clásico décadas más tarde.

Un disco recomendado.  El álbum “Radios Appear” es uno de los pilares sobre los que se asentó la incipiente escena Punk en esos años en Australia. El disco fue la biblia y objeto de consulta de miles de grupos, no sólo australianos sino del mundo entero.

Pieza esencial para tener en tu colección de discos.

Video del tema "New Race":



Tracklist del álbum "Radio Appears":
1."TV Eye"  (version de "The Stooges")
2."Murder City Nights"
3."Anglo Girl Desire"
4."Man with Golden Helmet"
5."Descent into the Maelstrom"
6."Monday Morning Gunk"
7."Do the Pop"
8."Love Kills"
9."Hand of Law"
10."New Race"

THE LITTLE KILLERS | A Real Good One

The Little Killers (Banda)

Banda de Garage-Rock americana formado en 2001 en la ciudad de Nueva York. Estaban inspirados en artistas-bandas como Chuck Berry, The New York Dolls, The Rolling Stones (Keith Richards)...etc. La banda contó con el vocalista y guitarrista Andy Maltz, Sara Nelson (bajo) y Kari Boden (batería). El miembro que al principio realmente tenia experiencia tocando instrumentos fue Andy Maltz, sus compañeras irían "aprendiendo" con el tiempo y mejorando.

El trio toca un Garage-Punk super-cargado y simplificado. La banda se abrió paso en la escena de los clubes locales y publico su álbum debut homónimo en 2003. Tres años después publican su segundo y ultimo disco, "A Real Good One", para realizar una extensa gira de los EE.UU., Europa y Australia antes de disolverse en 2007.

La discografia de The Little Killers:
2003 The Little Killers
2006 A Real Good One

Ambos álbumes son muy buenos, difícil de destacar uno sobre el otro. Pero si tengo que elegir cual me gusta más, seria el segundo disco "A Real Good One", solo porque me parece que la musicalidad es superior. Dicho esto, si prefieres un sonido más primitivo y crudo el debut es genial.

ALBUM: A Real Good One

Segundo y ultimo álbum publicado en 2006. La música no cambia mucho excepto que la musicalidad da un salto cualitativo y hay un nuevo productor, Jim Diamond, que da la banda un sonido más pulido, suelto y relajado. Aparte de esto, el trío neoyorquino sigue haciendo un Rock dulce, repleto de ritmos contundentes, coros enganchados y con solos de guitarra.

El disco mola. Las melodías cortas, mezquinas y duras son "Finger Pie", "Don't Leave Me" y "You Better Be Right" y compiten con canciones más largas, más reflexivas como "Something Special", "Been So Long" y "Fly", estas ultimas con influencias de "The Stooges", para darle a este disco un atractivo más bi-dimensional del que a veces le faltaba el primer disco.

Además, este álbum suena más cohesivo y solido, Sara Nelson (bajo) y Kari Boden (batería) han mejorado mucho su nivel de musicalidad y la sección rítmica esta en este disco realmente potente.

Un disco recomendado. Un álbum de un tío y dos chicas dispensando 13 ráfagas breves y angustiosas de Rock, que expresan devoción o desesperación hacia asuntos del corazón. Disco sin relleno y de un excelente "Garage-Punk" que me hace pensar porque no consiguieron seguir y avanzar. Cosas del Rock N Roll, supongo.

Video del tema "Something Special":



Tracklist del álbum "A Real Good One":
1.She Don't Love Me 2:43
2.Don't Leave Me 2:59
3.Been So Long 3:42
4.You Better Be Right 2:23
5.Fly Away 3:13
6.After Awhile 2:22
7.Finger Pie 2:25
8.Street 2:49
9.Annie 2:11
10.I'm in Love With You 2:37
11.Roll Me 2:53
12.Something Special 4:14
13.Some of These Days 2:39