FLEETWOOD MAC - Fleetwood Mac (1968) - Peter Green's Fleetwood Mac - Album

Muchos lectores reconoceran a la banda "Fleetwood Mac" como el grupo que dominó el mundo del pop tras el lanzamiento de su disco "Rumours" (1977), un conjunto formado por Lindsey Buckingham, Stevie Nicks, Christine McVie, John McVie y Mick Fleetwood.

Sin embargo, la historia de la banda se remonta a los años 60, en Inglaterra, y está plagada de influencias de la música blues. Se forma a partir de la separación de "John Mayall & the Bluesbreakers Band" (Peter Green, Mick Fleetwood y John McVie) y tocan Blues.

Esta versión original y primera de la banda dura hasta 1970, cuando Peter Green deja la formación por problemas psicológicos y personales. Durante este tiempo grabaron tres discos bajo esta formación: Fleetwood Mac (1968, también conocido como Peter Green's Fleetwood Mac), Mr. Wonderful ( 1968) y Then Play On (1969).

Tres excelentes LPs entre los que deseo destacar y recomendar el primer disco "Fleetwood Mac" (1968), especialmente para el lector más aficionado a la música Blues. Es uno de mis favoritos de la banda británica.

 

ALBUM: Fleetwood Mac (también conocido como "Peter Green's Fleetwood Mac")

 
Este es el álbum debut de estudio de la banda británica de blues rock "Fleetwood Mac", publicado en febrero de 1968 y producido por Mike Vernon. El LP es una mezcla de covers de blues y originales compuestos por los guitarristas Peter Green y el maestro de la guitarra slide Jeremy Spencer, quien también comparte la voz. Es el único álbum de la banda sin la participación del tecladista y vocalista Christine McVie.

Los ex compañeros de "John Mayall's Bluesbreakers", Peter Green a la guitarra, John McVie al bajo y Mick Fleetwood a la batería, más Jeremy Spencer se unieron para formar "Fleetwood Mac", una de las mejores bandas de blues británicas de los años sesenta. Este álbum le dio a la banda un éxito de la noche a la mañana; en el Reino Unido, el álbum alcanzó el puesto #4 y permaneció en las listas durante 37 semanas, a pesar de no tener ningún sencillo exitoso. Los críticos modernos comentan que este álbum es uno de los grandes momentos destacados del florecimiento del blues británico.

El LP es una colección de 12 canciones de 35 minutos. El sonido del álbum se describe a menudo como un documento simplificado y casi en vivo de pura química musical, evitando las desviaciones psicodélicas que sus contemporáneos de los 60 que estaban explorando en el momento del lanzamiento.

La banda profundiza en material e influencias de nombres como Howlin' Wolf, Elmore James y Robert Johnson. Mientras que Jeremy Spencer tiende a ser más rockero, la interpretación y el canto emotivos de Peter Green acompañan este disco, ofreciendo grandes interpretaciones en temas como el inmortal "Hellhound On My Trail" de Robert Johnson, "Looking For Somebody", "I Loved Another Woman" y "My Heart Beat Like a Hammer". Además con la canción "If I Loved Another Woman", Peter Green te deja entrever la fusión de blues latino que perfeccionará más tarde con "Black Magic Woman". 

Aquí hay algunas canciones que destaco: "I Loved Another Woman", "Hellhound On My Trail", "My Heart Beat Like a Hammer", "Long Grey Mare" y "Shake Your Moneymaker". Señalando esto, en general es un disco sólido, especialmente para los amantes de la música blues.

El disco se considera ahora un vínculo importante entre la adopción británica del blues de la vieja escuela y la evolución que supondría hacia el hard rock. También se considera un precursor del éxito comercial de la era "Lindsey Buckingham-Stevie Nicks" de los años 70 y la versión moderna de "Fleetwood Mac".

 

Disco Recomendado

 
Este álbum es una joya del blues británico. El mandato de Peter Green con "Fleetwood Mac" puede haber sido breve, pero produjo grandeza. El debut es un brillante ejemplo.

Si eres fan o apreciador del blues, te aseguro que este disco es representativo de la banda británica de la época y una escucha esencial. Si no eres fan del blues, escúchalo de todos modos para apreciar de dónde vino "Fleetwood Mac".

Excelente escucha nocturna.

Video del tema "I Loved Another Woman":

Tracklist (original LP):

Cara A:

1.         "My Heart Beat Like a Hammer"                  2:55
2.         "Merry Go Round"                4:05
3.         "Long Grey Mare"                 2:15
4.         "Hellhound on My Trail"       Robert Johnson          2:00
5.         "Shake Your Moneymaker"   Elmore James  2:55
6.         "Looking for Somebody"                  2:50

Cara B:

1.         "No Place to Go"        Chester Burnett          3:20
2.         "My Baby's Good to Me"      2:50
3.         "I Loved Another Woman"               2:55
4.         "Cold Black Night"                3:15
5.         "The World Keep on Turning"                      2:30
6.         "Got to Move"            James, Marshall Sehorn          3:20

THE PLIMSOULS - Album (1981)

Expongo una banda que es mejor conocida por la canción "A Million Miles Away" (1983), un típico "one hit wonder act" que en mi opinión es mucho más. "The Plimsouls" grabaron dos álbumes de estudio y un EP y con toda su actividad "discreta" han dejado su huella como pioneros del género "power pop".

A continuación, voy a destacar el disco debut de la banda, el homónimo "The Plimsouls" de 1981. Un disco que creo que será disfrutado por los melómanos que no están familiarizados con este grupo (especialmente los más jóvenes fans del pop rock) y los seguidores del power pop.

 

¿Quiénes eran el grupo "The Plimsouls"?

 

La banda se formó en Paramount, California en 1978. Grabaron dos álbumes de larga duración y un EP y luego se separaron en 1984. Continúan en diferentes versiones pero para mi gusto son irrelevantes.

Formada por el cantante, compositor y guitarrista Peter Case (quien anteriormente había liderado la banda de power pop "The Nerves"), la formación comenzó como un trío en 1978, inicialmente llamado "Tone Dogs", que incluía a Case, el bajista Dave Pahoa y el baterista Lou Ramírez. En una época en la que la música rock estaba cambiando, los sonidos soul de los 60, la invasión británica y el garage rock de The Plimsouls encajaban con el movimiento de las bandas de guitarras estadounidenses post-punk de los 80.

Desde el principio, el grupo rápidamente se convirtió en un favorito en la escena de clubes de la ciudad de Los Ángeles. El período activo de la banda fue muy corto pero dejaron un impacto duradero.

 

ALBUM: The Plimsouls

 
El álbum debut de estudio de la banda estadounidense de power pop "The Plimsouls", publicado en febrero de 1981. Tuvo poco éxito comercial en su momento, creciendo en importancia con el tiempo gracias a los fans del power pop.

La producción, si bien no es de alto presupuesto, es efectiva. El sonido del LP se describe a menudo como imprudente, rítmico y lleno de riffs de guitarra nítidos con guitarras resonantes (jangle pop) y voces desafiantes. Es un pequeño gran disco que muestra cortes vibrantes y tararearlas que indican el afecto de The Plimsouls por el soul de los años 60, poderosos riffs de guitarra y los sonidos de garage rock.

 

Las canciones:

 
La canción de apertura, "Lost Time", marca el tono del álbum con sus melodías vibrantes  y armonías cortantes. El afecto de la banda por el soul de los 60 es evidente en la décima pista con el uso de una sección de metales y una versión candente de “Mini-Skirt Minnie” de Wilson Pickett.

El segundo corte, "Now", destaca por su espíritu fresco y moderno que va más allá de la nostalgia. Muestra la capacidad de la banda para crear melodías pegadizas. 

Con "In This Town" y "Zero Hour" continúan con el ritmo enérgico.

"Women" y "Hush, Hush" muestran la capacidad de la banda para crear melodías ajustadas con concisos ganchos de guitarra y voces roncas. Ambiente power pop en todo momento

"I Want What You Got" y "Nickels and Dimes" son otros temas destacados del álbum, que muestran las vibrantes melodías y las cortantes armonías de la banda.

"I Want You Back" es un testimonio de la resistencia y capacidad de la banda para crear melodías pegadizas.

La última canción, "Everyday Things", es un tema rockero que concluye perfectamente el álbum.

En general, "The Plimsouls" es un sólido álbum debut que muestra la combinación única de power pop y rock alternativo de la banda. A pesar de su poco éxito comercial en su momento, el álbum es un testimonio del talento y la resistencia de la banda. Presenta melodías vibrantes, armonías cortantes y riffs de guitarra, lo que lo convierte en un clásico del género power pop.

 

Disco Recomendado

 
Ahora un clásico del power pop que muestra la habilidad de la banda para crear canciones pop pegadizas y memorables. La producción del álbum con la tecnología existente cuando se grabó es limpia y pulida, con un enfoque en las estrechas armonías y los ritmos impulsores de la banda. El álbum ha recibido elogios generalizados de la crítica y se ha convertido en un clásico querido del género power pop.

Si eres un seguidor del jangle, power pop o rock melódico, busca este disco y darlo una afectuosa escucha.

Video del tema "In This Town":

Tracklist (original):

1."Lost Time" (3:41)
2."Now" (2:57)
3."In This Town" (2:36)
4."Zero Hour" (2:30)
5."Women" (2:50)
6."Hush, Hush" (2:34)
7."I Want What You Got" (3:25)
8."Nickels and Dimes" (3:05)
9."I Want You Back" (2:33)
10."Mini-Skirt Minnie" (2:42)
11."Everyday Things" (2:29)

ALICE IN CHAINS - Jar of Flies - EP

Un "extended play" (EP) es una grabación musical que contiene más temas que un sencillo pero menos que un álbum o un disco LP.

Un EP famoso que hizo historia músical en los Estados Unidos fue "Jar of Flies" de la banda de rock grunge "Alice in Chains". Entró directamente en el puesto número 1 de la lista Billboard Top 200 (álbumes).

Una magnífica oferta de música rock alternativa oscura a la que quiero rendir homenaje y llamar la atención de los melómanos a modo de recomendación.

 

EP: Jar of Flies 

 
Es el tercer EP de la banda de rock estadounidense "Alice in Chains". Fue publicado el 25 de enero de 1994. Fue el primer EP en la historia de la música en debutar en el número 1 de la lista Billboard 200, y en la primera semana las ventas superaron las 141.000 copias en los Estados Unidos. El disco de producción propia fue escrito y grabado en el transcurso de solo una semana y solidifica el patrón algo extraño de "Alice in Chains" de alternar álbumes completos de hard rock con EPs en su mayoría acústicos orientados a baladas. Rocky Schenck fotografió la portada del álbum de experimento científico con frascos llenos de moscas.

Este Ep demuestra el amplio rango de la banda al ofrecer una variedad de temas con textura acústica, con elementos de blues rock y jangle pop, elementos que personalmente encuentro atractivos.

"Jar of Flies" es una maravilla discreta, hermosa y triste a la vez. Es una secuela lógica del mejor álbum de estudio de Alice in Chains, "Dirt". Pero donde "Dirt" encontró catarsis en su implacable oscuridad y depravación, el "Jar of Flies EP" trata sobre vivir con las consecuencias, lleno de pensamientos profundamente sentidos sobre la soledad, el aislamiento autoimpuesto y las conexiones humanas perdidas. El ambiente aquí es sombrío, pero el tono conmovedor e introspectivo produce una sensación de aceptación que en realidad es tranquilizadora en un sentido irónico.

"Alice in Chains" casi abandona el sonido heavy, grunge, de guitarra eléctrica y metal, pero no lo abandona por completo. Todavía quedan rastros de eso, y logran fusionar perfectamente los dos lados de su sonido; la dinámica pesada y suave. Es principalmente acústico, pero la forma en que incorporan las guitarras eléctricas es brillante y, nuevamente, realmente te brinda una ventana al alma y la mente infernal de Layne Staley a través de letras interesantes, profundas, que invitan a la reflexión y llenas de dolor.

Los arreglos de Jerry Cantrell se vuelven cada vez más detallados y en capas. Si bien hay algunos momentos ruidosos, la mayor parte de "Jar of Flies" brilla en un ambiente limpio y reluciente cuya fuente es difícil de precisar, pero que está bien acompañada por los variados tonos de guitarra de Cantrell e incluso arreglos de cuerdas ocasionales.

Canciones:

"Rotten Apple": comienza con un inquietante riff de bajo que marca el tono de la canción. La distintiva voz de Layne Staley hace que la canción se note de inmediato. La canción es hermosa pero dolorosa al mismo tiempo.

"Nutshell": una de las canciones más conocidas del disco por su crudeza. La mezcla de guitarra acústica y bajo se siente como una versión simplificada del sonido habitual de Alice in Chains.

"I Stay Away": comienza ligero y melódico, y eventualmente aumenta en intensidad con un enjambre de guitarras durante los estribillos previos. Las cuerdas aligeran la canción, convirtiéndola en un corte destacado.

"No Excuses": una canción clásica de rock verso-estribillo-verso con instrumentación formulada. Sin embargo, la letra y la apasionada interpretación de Layne Staley y Jerry Cantrell lo convierten en un clásico de Alice in Chains.

"Whale and Wasp": este instrumental es oscuramente hermoso, con guitarras densas que tocan melodías siniestras y aplanadas.

"Don't Follow": una balada acústica lenta con aire country. El tono conmovedor e introspectivo produce una sensación de aceptación que es tranquilizadora.

"Swing On This": la canción final tiene un sentimiento más alegre y funky en los versos, mientras que el estribillo se siente un poco más oscuro.

La moderación y la sutileza de "Jar of Flies" son nada menos que reveladoras, y se siente mucho más elaborado y texturizado que sus EPs acústicos anteriores. Quizás "Jar of Flies" habría obtenido más crédito si hubiera sido un álbum de larga duración; tal como está, el EP es un paso adelante y un trabajo importante en el catálogo de Alice in Chains.

 

Disco recomendado

 
"Jar of Flies" es "Alice in Chains" en su apogeo.

Es corto pero casi perfecto. Una obra maestra melancólica que demostró la profundidad de composición de "Alice in Chains". Hermoso tanto lírica como musicalmente, este disco es fácilmente uno de sus mejores, junto con su obra maestra "Dirt". Este EP es un elemento básico y gigantesco en la escena grunge.

A los fans de los "Unplugged" les encantará.

Video del tema "Nutshell":

Tracklist:

1.         "Rotten Apple"                                  6:58
2.         "Nutshell"                                         4:19
3.         "I Stay Away"                                   4:14
4.         "No Excuses"                                   4:15
5.         "Whale & Wasp"                               2:37
6.         "Don't Follow"                                  4:22
7.         "Swing on This"                                4:04

Alice in Chains:

• Layne Staley - voz principal
• Jerry Cantrell: guitarras, coros y voz principal en "No Excuses" y "Don't Follow"
• Mike Inez – bajo, voces adicionales
• Sean Kinney - batería, percusión

Artistas adicionales:

• Abril Acevez – viola
• Rebecca Clemons-Smith – violín
• Matthew Weiss – violín
• Justine Foy – violonchelo
• David Atkinson - armónica
• Randy Biro - voces adicionales
• Darrel Peters - voces adicionales 

Producción:

•  Producción por Alicia in Chains
• Diseñado y mezclado por Toby Wright.

OVERMONO - Good Lies - Album

Me he topado con un álbum de música electrónica muy interesante, "Good Lies" de los hermanos galeses Ed y Tom Russell, que llevan el nombre artistico de "Overmono". Un lanzamiento que te da una idea de cómo está evolucionando la música dance y electrónica dentro de la escena del Reino Unido y también sorprende lo accesible que es en términos de escucha.

 

ALBUM: Good Lies

 

El álbum debut de estudio del dúo galés de música electrónica "Overmono", publicado el 12 de mayo de 2023. "Overmono" son los hermanos Ed y Tom Russell. Individualmente, ya habían tenido un gran impacto antes de comenzar a lanzar música juntos en 2016: el trabajo de Ed como "Tessela" ayudó a reintroducir breakbeats con influencias de la jungle en la música bass del Reino Unido, particularmente gracias al éxito de "Hackney Parrot" de 2013, mientras que los lanzamientos de Tom como "Truss y MPIA3" fueron éxitos del techno. "Overmono" ha cultivado deliberadamente una base de fans que los anuncia como una de las formaciones de musica electrónico en directo más originales del Reino Unido.

Grabado durante el intervalo entre los períodos de gira de los hermanos, el álbum debut de "Overmono" es producto de la emoción y el estado de ánimo. Este disco es más que una simple acumulación de canciones, parece reflejar cuidadosamente en qué ha estado trabajando el dúo durante los últimos años. A lo largo del álbum, los hermanos llevan el surrealismo de sus shows en vivo a una tranquila selección de temas atmosféricos para sentirse bien.

El tema que abre el disco, "Feelings Plain", se lanza al dubby garage shuffle, mientras que "Arla Fearn" tiene algunos de los graves más profundos y alucinantes que jamás hayas escuchado. "Good Lies" también tiene líneas de bajo adictivas junto con sus trampas nítidas, voces suplicantes y tensión de trance. Cortes downtempo como "Cold Blooded" expresan una sensación incómoda de volver a casa después de una noche de fiesta. La música de "Overmono" tiene sentido a partir de toda esta confusión mental, especialmente en los cortes más sencillos y con gancho como "Is U". La voz de "slowthai" aparece debajo de los arpegios ondulantes y la distorsión arremolinada de "Calling Out", un último reflejo agridulce antes de que salga el sol de la mañana.

A nivel global, la influencia más evidente es el garaje. A lo largo del álbum se escuchan muestras vocales hábilmente deformadas y exasperantemente pegadizas (de fuentes que incluyen a la cantautora alternativa Tirzah, el rapero Slowthai y la cantante de soul británica argelina Miraa May). Pero hay algo en los ritmos que usa "Overmono" (una combinación de distorsión y pegada feroz) que parece arraigado no en el garage sino en el extremo más duro del techno, un género que también se puede escuchar en este disco. Todo está ahí para ofrecerte un álbum muy consistente de himnos dance trascendentes y trepidantes.

Por último, este álbum respira un aura continuamente dinámica; una imagen de en qué se está transformando la música electrónica.

Disco recomendado

 
Un álbum que se puede describir como la historia rave del Reino Unido destilada en un unico paquete. Garaje tejido con techno y voces entrecortadas, todo magistralmente ejecutado y presentado. Explicado de otra manera, voces de 2 - step, trap y aceleradas, todo entretejido en un marco pop accesible. Gran trabajo de los hermanos Russell para brindarnos uno de los mejores lanzamientos de música electrónica de 2023.

Un excelente disco para encontrar y escuchar, especialmente para los seguidores de la música dance y electrónica.

Video del tema "Calling Out":

Tracklist:

1.         "Feelings Plain"          2:49
2.         "Arla Fearn"    4:44
3.         "Good Lies"    2:40
4.         "Good Lies (Outro)"  1:06
5.         "Walk Thru Water" (featuring St. Panther)   3:14
6.         "Cold Blooded"         3:37
7.         "Skulled"        5:12
8.         "Sugarushhh"  3:37
9.         "Calon"           4:08
10.       "Is U"  3:48
11.       "Vermonly"     2:39
12.       "So U Kno"    5:43
13.       "Calling Out"  4:41

AINA - Bipartite - Album

Quiero darle al término "una banda subestimada" una extra dimensión. La banda española de post-hardcore AINA ha sido una de las más importantes bandas independientes de los últimos años de los 1990 y principios de los 2000, y pocos los conocen fuera del circuito alternativo. Con más seguidores fuera de España, especialmente en Suecia, Alemania y EE.UU., editaron solo tres discos de estudio antes de separarse en 2002.

Un gran conjunto que necesita la atención de melómanos, una amplia exposición y ser redescubierto por seguidores del rock alternativo que tal vez se les hayan escapado de su existencia.

Este es un post para dar renovada exposición a esta extraordinaria banda y animarte a que revises su material (disponible en internet), especialmente su último disco "Bipartite" (cantado en inglés).

 

¿Quién era la banda AINA?

 
Aina era una banda post-hardcore y una de las más talentosas de España (Barcelona). La formación estaba formada por Artur Estrada (voz, guitarra), Xavier Sola (guitarra), Álvaro Sola (bajo) y Pau Santesmasses (batería).

Estuvieron muy activos desde 1995 hasta 2002. Una carrera corta pero intensa, con muchas giras y conciertos en vivo. Los chicos no paraban de trabajar.

Su discografía de álbumes de estudio es el siguiente:

• Siete 1996
• Aina 1999
• Bipartite 2001

aparte de singles y EPs. 

A continuación algunas anécdotas interesantes sobre esta banda española (catalana):

1.  Primer y todavía único álbum - "Bipartite" - de una banda española grabado en los "Inner Ear studios" de Washington DC, donde Fugazi grabó todos sus discos, producido por Jay Robbins, posiblemente el productor más importante de la escena underground norteamericana, líder de "Jawbox", "Burning Airlines", "Channels", "Office of Future Plans...".
   
   
2. Múltiples giras europeas y americanas, los tíos no paraban: siento teloneros de Metallica, Duster, At The Drive-In o Queens of the Stone Age, por ejemplo. Obvia señal de demanda, seguimiento y calidad.
   
   
3. El tercer álbum "Bipartite" contiene uno de los mayores éxitos de su carrera, 'Luton Can Wait', editado por Dischord Records, convirtiendo a Aina en la única banda española editada en el sello Ian MacKaye de Fugazi.

 

ALBUM: Bipartite

Es el tercer y último disco publicado en noviembre de 2001. 

“Bipartite” es de su discografía su mejor disco, el más maduro, el que tiene un sonido más personal. Sin dejar atrás la herencia del sonido DC que les caracterizan en sus principios, en "Bipartite" meten en la coctelera influencias del rock (estilo AC/DC, Rocket From The Crypt …) y les sale algo realmente único y excepcional.

Producido por J. Robbins, el líder de "Jawbox" hace un trabajo de producción impecable para sacar un sonido con musculoso al cuarteto barcelonés. Riffs impulsores, rupturas fuera de lugar y cantos ligeramente agudos, casi etéreos, son marcas registradas de Aina y el primer corte de este álbum, "Presbyopia", es un lugar tan bueno como cualquier otro para escuchar de qué se trata esta banda. Otros aspectos destacados incluyen los riffs entrecortados de "Charm Green, Cynical Red", el sonido AC/DC de "Helicopters y la grandilocuencia épica "Luton Can Wait", el tema más conocido y de más éxito para AINA.

Video del tema "Helicopters":

Disco recomendado

AINA ha sido uno de los grupos con más talento y calidad de la escena española del rock alternativo y se les ha "escapado" a muchos de su existencia. Una banda que está dentro de la categoría "subestimada" injustamente y que debe estar fuera dentro de la lista de los grandes del hardcore y rock.

Su último álbum "Bipartite" es el mejor de AINA y resume todo sobre esta banda. Las canciones son tensas, pegadizas y con alma de pop. Es realmente una joya escondida del post-hardcore español e internacional de principios de la década de 2000.

Insto a que busques este disco y lo escuches junto con sus otros dos álbumes.

Video del tema "Lutan Can Wait":

Tracklist: 

1. Presbyopia
2. Two Questions
3. Vertigo
4. Charm Green, Cynical Red
5. Helicopters
6. Bipartite
7. Luton Can Wait
8. Suite 58
9. We Gotta Talk
10.Slow Luton

LIVING COLOUR - Vivid - Album

A finales de la década de 1980, pocas bandas de heavy metal estaban compuestas exclusivamente por miembros de raza negra, y pocas tenían el talento o el conocimiento para inyectar diferentes formas musicales en su sonido de hard rock: funk, punk, alternativa, jazz, soul, rap, etc. Uno de esos grupos es "Living Colour", que demostró ser una excepción dejando su huella en la historia de la música con su excelente disco debut "Vivid" (1988).

 

¿Quiénes son la banda "Living Colour"?

 
Una formación de rock estadounidense de la ciudad de Nueva York, formada en 1984. La banda actualmente está formada por el guitarrista Vernon Reid, el vocalista principal Corey Glover, el baterista Will Calhoun y el bajista Doug Wimbish (quien reemplazó a Muzz Skillings en 1992). Su música es una fusión de heavy metal, funk, jazz, hip hop, punk y rock alternativo. Las letras de la banda van desde lo personal hasta lo político, incluido el comentario social sobre el racismo en los Estados Unidos.

Living Color ha lanzado hasta el momento seis álbumes de estudio. La banda saltó a la fama con su álbum debut "Vivid" en 1988. Aunque consiguieron varios éxitos, Living Colour es mejor conocido por su canción "Cult of Personality", que ganó un premio Grammy a la "Mejor interpretación de Hard Rock" en 1990. Living Colour ganó un segundo premio Grammy por su siguiente álbum, "Time 's Up" (1990). 

Después de disolverse en 1995, Living Color se reunió a finales de 2000 y desde entonces ha editado tres álbumes de estudio más: Collideøscope (2003), The Chair in the Doorway (2009) y Shade (2017).

 

ALBUM: Vivid

 
El álbum debut de estudio de la banda de rock estadounidense "Living Colour", publicado el 2 de mayo de 1988. Fue uno de los álbumes más populares de 1988, alcanzando el puesto #6 en la lista Billboard 200 de EE. UU. y siendo certificado con doble platino por la "Recording Industry Association of América (RIAA)".

Este disco también cuenta con apariciones especiales de Mick Jagger, Chuck D & Flavor Flav (Public Enemy), Dennis Diamond & The Fowler Family.

Hay una excelente composición de temas y un rico caleidoscopio ecléctico de estilos musicales que van desde hard rock, heavy metal, funk metal, soul, jazz, pop, rap, punk rock y jazz de vanguardia. Una mezcla un tanto poco habitual para la época.

La música del disco se ha mantenido bien en el tiempo, gracias a su originalidad y ejecución. El guitarrista y líder Vernon Reid pasó años perfeccionando sus habilidades y fue uno de los guitarristas más respetados de la escena underground de Nueva York. No podría haber hecho un mejor trabajo seleccionando miembros para su banda de rock; el cantante Corey Glover, el bajista Muzz Skilling y el baterista Will Calhoun.

Este álbum debut está lleno de riffs y arreglos extravagantes pero atractivos. A menudo se ha observado que este LP tiene una mezcla ecléctica de reggae, funk, pop, hard rock y rap que desafía la definición. A pesar de esto, las canciones del álbum no sólo están bien elaboradas y arregladas, sino que la secuencia de las canciones permite al oyente respirar entre las complejidades sonoras de algunos de los temas más pesados.

La canción más notable es su mayor éxito, "Cult of Personality", que fue la canción que realmente los puso en el mapa. El álbum también es increíblemente consistente, como lo demuestra "Middle Man", el funky y antirracista "Funny Vibe", el conmovedor "Open Letter (To a Landlord)" y además del rock caribeño de "Glamour Boys". Añádele hay una versión inspirada de "Memories Can't Wait" de Talking Heads, otro en el estilo Zeppelin "Desperate People" y dos complejas canciones de amor, "I Want to Know" y "Broken Hearts", encontrarás una de las mejores álbumes de hard rock de los años 80.

 

Las canciones en detalle:

 
1. "Cult of Personality":

La canción de apertura, el gran éxito "Cult of Personality", una canción de rock contundente que presenta un riff de guitarra pegadizo y la poderosa voz del cantante Corey Glover. La letra de la canción explora la idea del culto a las celebridades y los peligros de seguir ciegamente a líderes carismáticos.

2. "I Want to Know":

Una canción más tenue que muestra la versatilidad de la banda. La canción presenta un tempo más lento y un riff de guitarra de blues que le da una sensación más conmovedora. La voz de Glover vuelve a ser lo más destacado.

3. "Middle Man":

Una canción de rock de ritmo rápido que cuenta con una sección rítmica apasionante y un solo de guitarra apasionante de Vernon Reid. La letra de la canción explora la idea de estar atrapado en medio de un conflicto y sentirse incapaz de hacer algo al respecto. El corte es un gran escaparate de la maestría musical y la energía de la banda.

4. "Desperate People":

Una canción de rock funky que presenta una línea de bajo maravillosa y un estribillo pegadizo. La letra de la canción explora la idea de que las personas se unan para luchar contra la opresión y la injusticia.

5. "Open Letter (To a Landlord)":

Un corte más lento e introspectivo que presenta un riff de guitarra inquietante y letras conmovedoras sobre las luchas de vivir en la pobreza. El mensaje de la canción sigue siendo relevante hoy en día y sigue siendo una poderosa declaración sobre la necesidad de justicia social e igualdad.

6. "Funky Vibe":

Rock contundente que presenta una línea de bajo funky y la poderosa voz de Glover. La letra de la canción explora la idea del racismo y el prejuicio en la sociedad, y el mensaje de la banda se transmite con un sentido de urgencia y pasión.

7. "Memories Can't Wait":

Una versión de una canción de la banda "Talking Heads", y la versión de Living Colour es una interpretación fiel. La canción presenta una sección rítmica impulsora y un solo de guitarra vertiginoso de Reid, y la voz de Glover vuelve a ser lo más destacado.

8. "Broken Hearts":

Más lenta e introspectiva presenta un hermoso riff de guitarra y letras conmovedoras sobre el dolor del desamor. El mensaje de la canción se transmite con una sensación de vulnerabilidad y honestidad.

9. "Glamour Boys":

Rock funky que presenta un estribillo pegadizo y una línea de bajo maravillosa. La letra de la canción explora la idea de superficialidad y los peligros de valorar el estilo sobre la sustancia.

10. "What 's Your Favorite Color? (Theme Song)":

Un breve corte instrumental que sirve como una adición divertida.

11. "Which Way to America?":

Una crítica de la división de clases en Estados Unidos y las luchas de ser una persona de color en una sociedad predominantemente blanca. La canción presenta una sección rítmica impulsora y una poderosa interpretación vocal del cantante principal Corey Glover.

En general, "Vivid" combina varios géneros y explora temas importantes. La música de "Living Colour" sigue siendo relevante e influyente.

 

Disco recomendado

 
El debut de Living Colour sigue siendo un álbum impresionante tantos años después de su lanzamiento, con la combinación única de estilos de hard rock, metal, funk y hip hop, el álbum tiene un sonido como ningún otro. Gran disco de hard rock que ofrece clásicos consecutivos y se disfruta de principio a fin.

Busca este disco para escuchar, al menos el excelente trabajo de guitarra.

Video del tema "Cult of Personality":

Tracklist (formato original):

1.         "Cult of Personality"              4:54
2.         "I Want to Know"                  4:24
3.         "Middle Man"            3:47
4.         "Desperate People"                5:36
5.         "Open Letter (To a Landlord)"                      5:32
6.         "Funny Vibe"             4:20
7.         "Memories Can't Wait" (Talking Heads cover)         4:30
8.         "Broken Hearts"                     4:50
9.         "Glamour Boys"                     3:39
10.       "What's Your Favorite Color? (Theme Song)"          3:56
11.       "Which Way to America?"                3:41

THE ROLLING STONES - Hackney Diamonds - Album

Es el evento musical del mes, si no del 2023. The Rolling Stones tienen un nuevo disco titulado "Hackney Diamonds". Es el primer álbum de estudio de material original de la banda desde "A Bigger Bang" (2005) y el primero de la banda tras la muerte del baterista Charlie Watts en 2021.

La promoción y el marketing está siendo bestial.

Aquí están mis pensamientos y recomendaciones.

 

ALBUM: Hackney Diamonds

 
Este es el 24º álbum de estudio británico y el 26º estadounidense de la banda de rock británica "The Rolling Stones", publicado el 20 de octubre de 2023. El disco cuenta con una serie de estrellas invitadas como Elton John, Lady Gaga, Paul McCartney, Stevie Wonder y su ex compañero de banda Bill Wyman. Es el primer álbum de estudio de material original de la banda desde "A Bigger Bang" de 2005 y el primero de la banda después de la muerte en 2021 del baterista Charlie Watts, quien contribuyó a canciones seleccionadas en 2019.

¿Qué significa "Diamantes Hackney"?

 
El nombre del álbum es la jerga londinense para los cristales rotos que quedan después de que los ladrones rompieron una ventana (escaparate) para robar, siendo Hackney una zona del centro de la ciudad de Londres asociada con una alta tasa de criminalidad.

 

Grabación de "Hackney Diamonds":

 
Aparentemente, después de que el trabajo de estudio en 2021 arrojara varias canciones completas, la banda perdió impulso y concentración. Mike Jagger estaba frustrado por el lento proceso de grabación y le dio a Keith Richards, el único otro miembro fundador superviviente de los Stones que queda en la banda, como fecha límite el Día de San Valentín de 2023 para concluir las sesiones que se habían prolongado durante años.

El ultimátum funcionó: los Stones finalmente han editado "Hackney Diamonds", su primera colección de canciones nuevas en 18 años. El álbum no consta enteramente de material que los Stones grabaron a principios de 2023, dos canciones cuentan con Charlie Watts, incluido el "Live by the Sword", que tiene al bajista original Bill Wyman como invitado por primera vez en 30 años.

El álbum está lleno de energía, melodías pegadizas y letras ágiles, y el sonido característico de la banda es más fuerte que nunca. El productor Andrew Watt, ha hecho un gran trabajo manteniendo el sonido brillante, nítido, fuerte, estridente y moderno.

Canciones:

 
Mi primera impresión es que es un muy buen álbum. Mucha energía y canciones realmente buenas levantadas por una musicalidad comprometida en todos los sentidos. La voz de Jagger es increíblemente fuerte... Esto también me impresiona.

"Hackney Diamonds" avanza con una eficiencia limpia. Aunque están trabajando en gran medida con un nuevo productor, Andrew Watt, que fue recomendado por Paul McCartney, The Rolling Stones no intentan nuevos trucos, salvo tal vez en "Whole Wide World", cuya extraña vibra es de "new wave". Si bien una buena parte del disco está dedicada al rock & roll puro, también encuentran espacio para el country ("Dreamy Skies") y el blues acústico ("Rolling Stone Blues"), sin olvidar "Sweet Sounds of Heaven", una balada espectacular con una de las muchas invitadas de este LP, como Lady Gaga.

Debido a que "Hackney Diamonds" no tiene un gran gancho conceptual y debido a que los Stones integran tan completamente a sus invitados superestrellas, no solo Gaga y Wyman, sino también Stevie Wonder, Elton John y Sir Paul McCartney, no abruma.

En el fondo, no es más que "The Rolling Stones" sacando algunas buenas canciones de los Rolling Stones, lo que parece un pequeño milagro después de una espera tan larga. La banda suena importante, suena confiada y suena como si fuera sólo rock and roll, ¡y les gusta!

Por último, antes de concluir, quiero mencionar a Ronnie Wood, el hombre está por todas partes en este disco. El bajo en una cancion aquí, tocando un B-Bender allá, enredándose con Keith Richards en "Whole Wide World" y un maravilloso trabajo acústico en el número "Dreamy Skies"... muy impresionante.

Y termino mi escueto review, para mí las canciones más destacadas son “Live By The Sword”, “Dreamy Skies”, "Driving Me Too Hard", “Sweet Sounds of Heaven” y “Rolling Stone Blues”.

Disco recomendado

 
En general, no es una obra maestra, pero disfruté escuchando "Hackney Diamonds". Este es un álbum de rock and roll sólido, como ya mencionado no el mejor, ya que pusieron el listón demasiado alto con respecto a esfuerzos anteriores de su larga discografía.

Dicho esto, estoy seguro de que Jagger, Richards, Woods y compañía lo sabían y simplemente les dieron a sus fans un gran regalo de rock and roll. Además, no habían sonado tan bien desde "Exile On Main Street" y desde hace 51 años. Este disco nos demuestra de nuevo que "The Rolling Stones" todavía tienen lo necesario para hacer un gran disco de rock. Además, ¿cuántos músicos rezaran a Dios para sonar así cuando tengan más de 70 años. 

Lo que no cabe duda es que a los fans de los Rolling Stones les encantará este disco, y son millones.

Un buen disco, los Rolling hasta el final. Recomendado.

Video del tema "Driving Me Too Hard":

Tracklist:

1. "Angry" (Jagger–Richards, Andrew Watt) – 3:46
2. "Get Close" (Jagger–Richards, Watt) – 4:10
3. "Depending On You" (Jagger–Richards, Watt) – 4:03
4. "Bite My Head Off" – 3:31
5. "Whole Wide World" – 3:58
6. "Dreamy Skies" – 4:38
7. "Mess It Up" – 4:03
8. "Live by the Sword" – 3:59
9. "Driving Me Too Hard" – 3:16
10."Tell Me Straight" – 2:56
11."Sweet Sounds of Heaven" – 7:22
12."Rolling Stone Blues" (Muddy Waters) – 2:41

Ficha:

The Rolling Stones:

• Mick Jagger: voz principal y coros, guitarra, percusión, armónica en "Dreamy Skies" y "Rolling Stone Blues".
• Keith Richards: guitarra, bajo, coros, voz principal en "Tell Me Straight"
• Charlie Watts - batería en "Mess It Up" y "Live by the Sword"
• Ronnie Wood - guitarra, bajo, coros

Personal adicional:

• Ron Blake - trompeta en "Get Close" y "Sweet Sounds Of Heaven".
• David Campbell - arreglo de cuerdas
• Matt Clifford – teclados, piano, Wurlitzer
• Karlos Edwards – percusión
• Elton John - piano en "Get Close" y "Live by the Sword"
• Steve Jordan - batería
• James King: saxofón en "Get Close" y "Sweet Sounds Of Heaven".
• Lady Gaga - voz en "Sweet Sounds of Heaven"
• Paul McCartney - bajo en "Bite My Head Off"
• Benmont Tench - Órgano Hammond
• Don Was - producción adicional de "Live by the Sword"
• Andrew Watt: bajo, guitarra, percusión, teclados, coros, arreglo de cuerdas, mezcla en "Rolling Stone Blues", producción
• Stevie Wonder: teclados y piano en "Sweet Sounds of Heaven"
• Bill Wyman - bajo en "Live by the Sword"

SONIC YOUTH - Live in Brooklyn 2011 (2023)

ALBUM: Live in Brooklyn 2011

El 12 de agosto de 2011, la banda de rock experimental y alternativo "Sonic Youth" realizó su último concierto en Estados Unidos en un escenario al aire libre con vista al East River en Williamsburg Waterfront en Brooklyn (Nueva York). Se grabo y es una gran manera de "terminar" su carrera en su ciudad.

"Live in Brooklyn 2011", se ha publicado físicamente el 18 de agosto de 2023. Estuvo disponible originalmente en 2020 como parte de varios lanzamientos piratas oficiales de Sonic Youth (Bandcamp). Ahora, gracias a "Silver Current Records", se erige como la primera grabación en directo de ese lote en someterse a una perfecta mezcla, masterización y edición oficial.

Después de las actuaciones de "Kurt Vile" y "Wild Flag", Sonic Youth subió al escenario. Sonic Youth tocó un conjunto de 17 canciones que abarcó números de su primer álbum de estudio y destacó muchos otros álbumes hasta el último.

Sonic Youth inicia su actuación con una explosión de energía, cautivando instantáneamente la atención a través de una poderosa interpretación de cuatro temas icónicos de finales de la década de 1980: “Brave Men Run (In My Family)”, “Death Valley '69”, “Kotton Krown” y “Kill Yr Idols”. Esta secuencia de apertura marcó un tono inconfundible para el resto del espectáculo.

Los momentos más destacados es la perfecta transición de la banda entre diferentes épocas de su discografía. Clásicos atemporales como “Eric’s Trip” del disco Daydream Nation se entrelazan armoniosamente con temas más nuevos y profundos como “Calming The Snake” del disco The Eternal de 2009. Hacen un bis final y terminan con una versión extendida de 'Inhuman' cerrando el círculo y devolviéndole al principio.

Desde el setlist estudiado por Steve Shelly hasta la química eléctrica palpable en el escenario, este CD resume todo lo que uno podría esperar de un evento en vivo de Sonic Youth. Cada canción de esta compilación recibe un estruendoso aplauso.

Mi única crítica es la continua charla de Thurston Moore, desearías que se callara y tocará música. Sin embargo, no dejes que su entusiasmo y emociones de despedida en ese momento te desanimen de escuchar este magnífico disco en directo.

Disco Recomendado

Para la posteridad, esta es una colección exuberante. "Live In Brooklyn 2011" logró inmortalizar la esencia de la destreza artística de "Sonic Youth". Un gran CD en vivo que disuelve tres décadas de música en una ópera ruidosa de 17 canciones.

El álbum es un testimonio de la influencia de "Sonic Youth" en la música alternativa e indie. La actuación de la banda es estimulante, llena de vida y un conmovedor recordatorio de su legado. Esto es algo que los fans de Sonic Youth y la música rock experimental deben escuchar. Buscarlo y disfrutarlo!

Video del tema "Eric´s Trip" (LIVE):

Tracklist:

1.Brave Men Run (In My Family) 5:12
2.Death Valley ’69 5:51
3.Kotton Krown 5:08
4.Kill Yr Idols 2:56
5 Eric’s Trip 3:46
6.Sacred Trickster 2:11
7.Calming the Snake 3:52
8.Starfield Road 3:27
9.I Love Her All the Time 7:15
10.Ghost Bitch 4:18
11.Tom Violence 3:11
12.What We Know 4:55
13.Drunken Butterfly 4:23
14.Flower 4:27
15.Sugar Kane 7:43
16.Psychic Hearts 4:32
17.Inhuman 12:00

Sonic Youth:

• Kim Gordon - Voz, guitarra (bajo)
• Mark Ibold - Bajo
• Thurston Moore - voz, guitarra
• Lee Ranaldo - Voz, guitarra
• Steve Shelley - batería

THE CULT - Electric - Album

El otro día estaba hojeando algunos discos de vinilo antiguos y encontré el álbum "Electric" de la banda británica The Cult. Una auténtica explosión del pasado a la que deseo dedicarle un post en este blog de música y quizás despertar el interés del lector más joven.

A continuación una recomendación del lanzamiento de The Cult de 1983 titulado "Electric".

 

¿Quiénes son la banda The Cult?

 
Grupo de rock inglés formado en Bradford en 1983. Antes de decidirse por su nombre actual en enero de 1984, la banda actuó bajo el nombre "Death Cult", que era una evolución del nombre de la banda anterior del vocalista principal Ian Astbury, "Southern Death Cult". Obtuvieron seguidores como banda de post-punk y rock gótico. Desde su formación inicial en 1983, la banda ha tenido varias formaciones; los miembros más antiguos son Ian Astbury y el guitarrista Billy Duffy, quienes también son los dos principales compositores de la banda.

Duffy y Astbury han citado entre sus influencias desde los Doors hasta Led Zeppelin. También se sintieron atraídos por Public Image Ltd, Joy Division y Siouxsie and the Banshees. También citan a Bauhaus, entre muchas otras influencias post-punk, Johnny Thunders and the Heartbreakers y elogian a AC/DC, Pete Townshend de The Who y Brian May de Queen.

La discografía de álbumes de estudio de "The Cult" hasta la fecha:

• Dreamtime (1984)
• Love (1985)
• Electric (1987)
• Sonic Temple (1989)
• Ceremony (1991)
• The Cult (1994)
• Beyond Good and Evil (2001)
• Born into This (2007)
• Choice of Weapon (2012)
• Hidden City (2016)
• Under the Midnight Sun (2022)

El grupo ha pasado por diversas transformaciones y versiones: 1983-1995 (para mí su mejor época), 1999-2002 y 2006-presente.

Descubrí "The Cult" con su álbum de rock gótico "Love", un LP lleno de clásicos góticos como "Nirvana", "Rain", "Revolution", "Hollow Man" y el enorme "She Sells Sanctuary". Recuerdo poner este disco hasta desgastarlo. Todavía es uno de mis discos de culto que escucho.

Sin embargo, el siguiente álbum de la banda, "Electric", fue su mayor avance, sacando a la banda de la liga del "rock gótico" al mercado de mayor audiencia del "hard rock" y, en consecuencia, al circuito y al estrellato de los "conciertos en estadios".

 

ALBUM: Electric

 
Es el tercer álbum de la banda de rock británica The Cult, publicado en 1987. El disco alcanzó el puesto #4 en el Reino Unido, pero superó su residencia en las listas, pasando un total de 27 semanas en las listas (la carrera más exitosa para un álbum de The Cult).

Marcó un cambio musical deliberado en el sonido de la banda del rock gótico al hard rock. El productor Rick Rubin había sido contratado específicamente para rehacer el sonido de la banda en un esfuerzo por capitalizar la popularidad del hard rock, el glam metal y el heavy metal en los años 1980. Rick Rubin utilizó AC/DC como punto de referencia para el sonido del álbum. El resultado final, uno de los discos de rock más potentes de la época. No hay canciones realmente débiles (quizás una canción) y es un disco muy sólido.

Rubin rehizo todas las grabaciones antiguas que la banda había estado acumulando, desmontando todo y esencialmente transformando a Billy Duffy en un "clon" de Angus Young (AC/DC). El resultado final es un aullido de energía que exige ser escuchado al máximo volumen, con el golpe de la batería de Les Warner para igualar la acción de los acordes de power rock de Duffy. El tema "Love Removal Machine" es el gran número del álbum, otro de la serie de sencillos de The Cult instantáneamente pegadizos. "Li'l Devil" es igual de enorme, mientras que otras canciones como "Wild Flower" y "King Contrary Man" todavía suenan bien hoy en día. La voz del cantante principal, el lagarto de cuero en movimiento, Ian Astbury es simplemente fantástica en este disco. Tiene que serlo, para seguir siendo escuchado y al mismo nivel que los decibelios de sus colegas.

No obstante, se pueden encontrar y leer críticas de los críticos musicales y fans sobre "Electric". Este disco fue criticado por ser una copia de AC/DC (Led Zeppelin). Algunos llegan incluso a afirmar: "El mejor álbum de AC/DC que AC/DC nunca hizo". Personalmente esto es injusto, duro e inexacto. Sí, puedes escuchar riffs y sonidos de AC/DC (mejor si también eres fan de AC/DC) en "Electric", pero la banda australiana aún no había explotado mundialmente y las críticas por "copiar" se volvieron mucho más vocales años después, cuando AC/DC ya gobernaba el planeta rock. La otra gran crítica es la versión (cover) de "Born To Be Wild" de Steppenwolf... dejo que tú juzgues.

Dejando estos aspectos de lado, "Electric" llevó a una banda del subgénero rock gótico como "The Cult" al Olimpo del rock and roll para llenar estadios y arenas. Esto sólo es posible si la gente compra álbumes y entradas para los conciertos, obviamente algo se hizo bien.

 

Disco recomendado

Es un gran clásico del Hard Rock moderno. Es heavy rock eléctrico. Puro, crudo, muy favorecido por la producción magra y muscular. Tiene grandes canciones, riffs y solos. Si te gusta el guitar rock de la vieja escuela y el nacimiento del stoner rock, encuentra este disco y escúchalo.

Por último, aunque "Electric" es una maravilla, mi disco favorito de "The Cult" es "Love". También te recomiendo que busques y escuches este LP. Es un rock más gótico y más oscuro, pero es bueno escuchar cómo la banda cambió de estilo de "Love" a "Electric".

Video del tema "Wild Flower":

Tracklist (formato original): 

1."Wild Flower" – 3:37
2."Peace Dog" – 3:34
3."Lil' Devil" – 2:44
4."Aphrodisiac Jacket" – 4:11
5."Electric Ocean" – 2:49
6."Bad Fun" – 3:33
7."King Contrary Man" – 3:12
8."Love Removal Machine" – 4:17
9."Born to Be Wild" (Mars Bonfire) – 3:55
10."Outlaw" – 2:52
11."Memphis Hip Shake" – 4:01

The Cult (miembros):

• Ian Astbury - voz
• Billy Duffy – guitarrista
• Jamie Stewart – bajo
• Les Warner - batería

IGGY POP - Every Loser - Album

El hombre es una leyenda del rock y, a sus 76 años, ha lanzado su decimonoveno álbum de estudio. El "Padrino del Punk", IGGY POP, necesita un post en este blog de música simplemente por respeto, admiración y por el hecho de que dicho nuevo lanzamiento discográfico "Every Loser" también es un buen álbum.

Iggy Pop regresa a sus raíces punk-rock, al mismo tiempo que muestra su versatilidad y relevancia duradera en la industria de la música.

 

ALBUM: Every Loser

 
Este es el decimonoveno álbum de estudio del cantante de rock estadounidense Iggy Pop, publicado el 6 de enero de 2023. Producido por Andrew Watt (ex guitarrista de “The Earthlings” y productor de álbumes de Justin Bieber, Miley Cyrus, Ozzy Osbourne, Pearl Jam.. . etc), el álbum cuenta con una banda de acompañamiento principal de Chad Smith como el baterista y los multiinstrumentistas Josh Klinghoffer y Andrew Watt. "Every Loser" es grande, ruidosa y una rebosante combinación de músculo y delicadeza.

Iggy Pop claramente atrae a algunos de los 'jóvenes' del rock más establecidos para colaborar, aquí representados por miembros (o ex miembros) de las bandas, The Red Hot Chilli Peppers (Chad Smith - Josh Klinghoffer), Jane's Addiction (Dave Navarro y Eric Avery), Blink-182 (Travis Barker), Guns N' Roses (Duff McKagan), Pearl Jam (Stone Gossard) y Foo Fighters (Taylor Hawkins). Igualmente importante es que estos colaboradores también han incluido a tres de los mejores compositores de los últimos tres álbumes de Iggy: Josh Homme, Leron Thomas y, ahora, Andrew Watt.

Una gran mención a la producción de Andrew Watt. Impecable y sin ensombrecer la actuación central de Iggy. Cada atributo de Iggy presenta sus características, pero la sutil disciplina de producción evita hábilmente la caricatura. A Iggy Pop se le permite recargar la energía psíquica y valiente necesaria para una liberación más metal. Es libre de pisar fuerte sobre el álbum, una temible fuerza de la naturaleza.

La lista de canciones golpea cuando es necesario en canciones como "Frenzy" y "Modern Day Rip Off", pero también puede generar un ritmo oscuro y potente en temas más mesurados como "Strung Out Johnny" y "Morning Show", y le han ayudado a crear algunas melodías viables que son realmente simples y accesibles. "Every Loser" está llena de historias con diatribas contra la cultura del siglo XXI, sobre la adicción, las alegrías y los terrores de la vida en Miami y los sorprendentes placeres de seguir vivo. Iggy Pop canta con pasión, fuerza y autoridad.

Canciones:

Los temas más destacados (en mi opinión) de "Every Loser" de Iggy Pop incluyen:

• "Frenzy": esta es la canción de apertura del álbum y se ha destacado por reintroducir a los oyentes en la intensidad de Iggy Pop. Es un número de rock y dinámico.
  
  
• "Neo Punk": esta canción se menciona por su estilo cuasi-hardcore, que muestra el lado rockero más duro de Iggy Pop.
  
  
• "The Regency": este es el número de cierre del álbum y se destaca por sus dramáticos cambios tonales. Comienza como una balada antes de transformarse en un disturbio total, con la participación del fallecido baterista de Foo Fighters, Taylor Hawkins.
  
  
• "Morning Show": esta pieza central de piano acústico se considera una de las cosas más hermosas y sinceras que Iggy Pop quizás haya hecho jamás.
  
  
• "Comments": Este corte es importante ya que inspiró el título del álbum. La canción aborda el machismo y presenta la frase: "Todo perdedor necesita un poco de alegría".
  
  
• "All The Way Down": un tema rock de toda la vida.

Estas canciones las considero destacadas por su composición musical, contenido lírico y las actuaciones de Iggy Pop y los músicos invitados. Demuestran la variedad de estilos y temas presentes en el álbum, desde rockeros intensos hasta baladas reflexivas.

Los críticos ya han elogiado "Every Loser" por su sonido contemporáneo que no compromete la voz y el carácter inimitables de Iggy Pop. El álbum encapsula la esencia de Iggy Pop, no reformulando para una audiencia moderna o complaciendo las tendencias, sino extrayendo las cualidades eternas de su autor: su ira, su sentido de asombro y romance y su absoluta extrañeza. A pesar de su sinceridad lírica, autodesprecio y aguda conciencia, el álbum logra mantenerse más grande que la vida, al igual que el propio Iggy Pop.

 

Disco recomendado

 
"Every Loser" es un testimonio de la perdurable influencia y relevancia de Iggy Pop en la industria musical, destacando una vez más su versatilidad y capacidad para crear música impactante que resuena en los oyentes. El álbum es un regreso a sus raíces punk-rock, al mismo tiempo que explora nuevos territorios musicales, lo que lo convierte en una escucha obligada para los fans de Iggy Pop y la música rock en general.

Puede que este no sea su "mejor" disco, sin embargo, Iggy Pop se está divirtiendo de manera nuevamente. Iggy ha entregado su disco más inmediato, directo y enérgico en años. Es una adición bienvenida al lado más ruidoso y divertido del catálogo de Iggy.

Me gusta este disco, ojalá cuando llegue a los 76 años (si llego) pueda tener la energía y agilidad creativa de Iggy. ¡Respeto a la leyenda! 

Video del tema "All The Way Down":

Tracklist:

1.         "Frenzy"          3:00
2.         "Strung Out Johnny"  4:13
3.         "New Atlantis"           4:08
4.         "Modern Day Ripoff"            3:29
5.         "Morning Show"        3:47
6.         "The News for Andy" (interlude)      0:55
7.         "Neo Punk"     2:15
8.         "All the Way Down"  4:29
9.         "Comments"   3:53
10.       "My Animus" (interlude)       1:02
11.       "The Regency"           5:42

Músicos:

• Iggy Pop: voz principal (todas las pistas), coros (pistas 2, 3)
• Andrew Watt: guitarra (todas las pistas), coros (1–3, 5, 9, 11), bajo (2, 5, 6, 8), teclados (2, 3, 8, 9, 11), piano ( 4, 5, 8, 9, 11), batería secuenciada (6), percusión (11)
• Duff McKagan - bajo (1, 3, 4)
• Chad Smith - batería (1–6, 8), percusión (2–5, 8)
• Josh Klinghoffer – guitarra (2, 9, 10), teclados (2, 8, 10), piano (2, 3, 6, 7), órgano (3, 5), bajo (7), sintetizador (9)
• Travis Barker - batería (7)
• Stone Gossard - guitarra (8)
• Eric Avery - bajo (9)
• Taylor Hawkins - batería, percusión, piano (9,11)
• Chris Chaney - bajo (11)
• Dave Navarro - guitarra (11)

Técnico

• Andrew Watt - producción, producción ejecutiva