THE REAL KIDS - The Real Kids - Album

The Real Kids (Banda)

Grupo americano de rock de Boston, Massachusetts, liderado por el guitarrista, cantante y compositor John Felice que combinó la energía del rock de los años 50 y 60 (Siglo XX), las canciones clásicas de la invasión británica y la actitud "en tu cara" de bandas como "The Stooges".

Una formación que no renunció a su sueño de hacer rock and roll y que ha dejado una clara huella en bandas que aparecieron más tarde en la década de 2010 (me atrevo decir, como "The Strokes"). Tuvieron poco éxito comercial (excepto en Europa, especialmente en Francia), pero tengo la impresión de que la banda quería más vivir la experiencia rock que las ventas de discos. Su reputación de "juerga" les sigue hasta hoy.

John Felice formó "The Real Kids" (originalmente llamado "The Kids") en 1972, con Rick Coraccio (bajo), Steve Davidson (guitarra) y Norman Bloom (batería). Además de las propias canciones de Felice, la banda interpretó versiones de clásicos de Eddie Cochran, Buddy Holly y otros. La banda no grabó hasta 1977, cuando la banda estaba compuesta por Felice, Billy Borgioli (guitarra), Allen "Alpo" Paulino (bajo) y Howie Ferguson (batería). Su primer álbum de estudio, The Real Kids, se publicó en 1977.

Mientras continuaba tocando ocasionalmente con diferentes formaciones, Felice también trabajó durante un tiempo como roadie (pipa) de los "Ramones". También actuó como parte de "The Taxi Boys" en Boston. En 1983, los miembros de la banda Allen "Alpo" Paulino y Billy Borgioli se fueron para formar "The Primitive Souls". En 1988, Felice formó una nueva banda, "John Felice and The Lowdowns", publicando un álbum titulado "Nothing Pretty".

The Real Kids desde entonces se han reunido en varias ocasiones. La muerte del guitarrista Borgioli en 2015 pone fin a la opción de la formación original.

Los álbumes de interés:

• 1977    The Real Kids
• 1982    Outta Place    
• 1983    Hit You Hard

El álbum debut "The Real Kids" es mi favorito y obra de pura energía punk pop.

ALBUM: The Real Kids

El álbum debut fue publicado en junio de 1978 y producido por Marty Thau (manager de "The New York Dolls" y coproductor del álbum debut homónimo de "Suicide"). Una mezcla tumultuosa de guitarra y punk melódico.

Hay canciones geniales en este disco como "All Kindsa Girls", "Taxi Boys", "My Baby's Book", "Better Be Good" y "Reggae, Reggae", junto con buenas versiones de material de Buddy Holly y Eddie Cochran. El repertorio aquí capta a la banda en su forma más cruda y salvaje; un grupo de chavales machacando sus instrumentos y gritando pensamientos sueltos sobre su mundo. Actitud punk total.

Disco Recomendado

Para el lector más joven, esta banda (y álbum) puede ser desconocida, si es así, busca el disco y escucharlo. Tiene todos los ingredientes del garage punk americano de los años 70s si esto es lo tuyo. Además, transmite mucha energía y buenas melodías para mantenerte entretenido de una de las bandas de rock 'n' roll más poderosas y agresivas de su tiempo.

Video del tema "Reggae, Reggae":

Tracklist (LP vinilo):

Cara A:

1. All Kindsa Girls - 3:37
2.Solid Gold (Thru and Thru) - 2:00
3.Rave On - 1:44
4.Better Be Good - 4:12
5.Taxi Boys - 1:47
6.Just Like Darts - 4:37

Cara B:

1.She's Alright - 1:44
2.My Baby's Book - 2:59
3.Roberta - 2:37
4.Do the Boob - 2:16
5.My Way - 1:57
6.Reggae, Reggae - 5:01

BAILTER SPACE - Tanker - Album

Bailter Space (Banda) 

Grupo de rock de Nueva Zelanda formado en Christchurch, en 1987 inicialmente como "Nelsh Bailter Space"; habían grabado previamente como "The Gordons". Sus integrantes son Alister Parker (guitarra), John Halvorsen (bajo) y Brent McLachlan (batería-samples).

A la banda se les compara con los americanos "SonicYouth". Los críticos describen su sonido inicial como música de guitarra dura, monótona e implacable con aventuras ocasionales en versos. Más tarde, el sonido de la banda se vuelve más convencional con su traslado a Nueva York, explicado por ellos en entrevistas como una colisión entre las armonías de "The Beatles" y la disonancia de "The Velvet Underground". De cualquier manera, son seguidos por fans de bandas como Superchunk, Pixies y Dinosaur Jr., ya que comparten elementos de los grupos mencionados.

 

Un breve historia:

 
John Halvorsen, Alister Parker y Brent McLachlan estaban en una banda llamada "The Gordons" formada por Halvorsen en 1980. La banda se convirtió inicialmente en "Nelsh Bailter Space" formada por Parker y el ex baterista de "The Clean" Hamish Kilgour en 1987 y de otros músicos locales. Para cuando las cosas se pusieron serias, se unieron los miembros de "The Gordons". Durante una gira por Estados Unidos en 1988, el baterista Hamish Kilgour optó por quedarse allí con su nueva esposa y formar una nueva banda, "The Mad Scene". Parker y Halvorsen reclutaron a Mclachlan como el nuevo baterista, recreando la formación original de Gordons.

Cambiando de localización varias veces entre Nueva Zelanda, Alemania y los EE. UU., la productividad de la formación es impresionante, grabando y publicando muchos álbumes de estudio como los de a continuación:

• Tanker 1988
• Thermos          1990
• Robot World  1993
• Vortura 1994
• Wammo          1995
• Capsul 1997
• Solar.3 1999
• Strobosphere   2012
• Trinine 2013

Muchas de sus obras están fuera de circulación debido a que las compañías discográficas "Turnbuckle Records" y "Matador Records" quebraron o retiraron títulos de su catálogo. La formación aún sigue en activo y reaparecen para reuniones, la última en 2018.

Personalmente, me gusta el álbum debut "Tanker", para mí el más orgánico y una verdadera declaración de lo que eran originalmente la banda. Sin embargo, tienen otros buenos discos, uno de ellos es "Robot World", que está más cerca del "shoegaze" y los fans del género lo encontrarán interesante.

ALBUM: Tanker

 
El álbum debut publicado en mayo de 1988 y, en mi opinión, el mejor álbum de la banda hasta la fecha. Este es un gran primer disco con potentes momentos y otros más lentos salpicados de canto oscuro. El álbum también tiene hermosas melodías. La batería descentrada y la producción irregular tienen una sensación de ser un "demo", pero las canciones se encuentran entre las más sólidas de la carrera de la banda.

Reduciendo la formación al ex baterista de "The Clean", Hemish Kilgour y al miembro de "The Gordons" Halvorsen en el bajo, Parker y un "Bailter Space" renovado grabaron este álbum debut mucho más cercano en espíritu a lo que el público de los años 90 conocía musicalmente, mientras que al mismo tiempo se distanciaron de las obvias comparativos de "The Gordons".

No obsntante, se puede escuchar el borde agresivo de "The Gordons", pero está atenuado por un enfoque un poco menos "en tu cara". El repiqueteo de guitarra oscura y la retroalimentación chillona de "Glass" y "The 'W' Song" dan una buena idea de esto, al igual que la voz de Parker, que está enterrada profundamente en la mezcla. "Your Invisible Life" presenta una actuación particularmente inspirada de Parker. "The Today Song" alcanza alturas casi inspiradoras, mientras que "Grader Spader" fusiona el espíritu de lo viejo y lo nuevo de manera efectiva, y pero eso fue elegido como el sencillo del álbum.

La banda trabaja muy bien junta, y algunas canciones suenan como si hubieran surgido de jam sessions. La impactante instrumental "Titan", con Parker y Halvorsen intercambiando acordes, notas y resonantes antes de convertirse en un falso clímax, es una buena candidata para una de las mejores canciones del álbum (junto con "Glass" y "One More Reason").

Disco recomendado. Un buen álbum que será disfrutado por los fans del noise-rock y del shoegaze. Un disco relativamente desconocido al que pensé que le daría espacio para aquellos melómanos que buscan algo relativamente fuera de "lo normal" y diferente. No sé si este álbum está disponible para la venta, pero puedes encontrarlo y escucharlo en las populares plataformas de música digital disponibles.

Video del tema "Titan":

Tracklist:

1.Glass
2.The 'W' Song
3.Grader Spader
4.Titan
5.Your Invisible Life
6.Valve
7.The Today Song
8.Tanker
9.One More Reason

TORTOISE - Millions Now Living Will Never Die - Album

Tortoise  (Banda) 

Grupo americano de rock. Incorporan krautrock, dub, electrónica, música de cine, space rock y jazz en su música, una combinación denominada por críticos como "post-rock". A Tortoise se le ha acreditado constantemente por promover el ascenso y la popularidad del ya mencionado movimiento post-rock.

Tortoise revolucionó el indie rock estadounidense a mediados de los años 90 (Siglo XX) al minimizar las influencias probadas del punk y el rock & roll, enfatizando en cambio la incorporación de una variedad de géneros musicales y experimentales de los 20 años anteriores. 

Formado por primera vez en Chicago en 1990, "Tortoise" comenzó cuando Doug McCombs (bajo y anteriormente en "Eleventh Dream Day") y John Herndon (batería y teclados, anteriormente en "Poster Children") comenzaron a experimentar con técnicas de producción. Los siguientes en unirse fueron el productor y baterista John McEntire y el guitarrista Bundy K. Brown (ambos ex miembros de "Bastro") más el percusionista Dan Bitney (anteriormente con "Tar Babies").

Su primer sencillo fue lanzado en 1993, y su álbum debut homónimo siguió un año después. Instrumental y en su mayoría de medio tiempo, "Tortoise" lentamente obtuvo elogios y atención por su instrumentación inusual (dos bajos, tres percusionistas que alternan entre batería, vibráfono y marimbas).

Bundy K Brown dejó la banda y fue reemplazado por David Pajo (antes de "Slint") para el álbum "Millions Now Living Will Never Die" de 1996, el trabajo underground que dio prestigio a la banda; la canción de apertura de 21 minutos "Djed" se considera una pequeña obra maestra sublime de fusión krautrock, dub y cool jazz.

Discografía de álbumes de estudio hasta ahora:

• Tortoise (1994)
• Millions Now Living Will Never Die (1996)
• TNT (1998)
• Standards (2001)
• It's All Around You (2004)
• Beacons of Ancestorship (2009)
• The Catastrophist (2016)

El álbum de referencia de la banda es "Millions Now Living Will Never Die".

  

ALBUM: Millions Now Living Will Never Die

 
Segundo álbum de estudio publicado el 30 de enero de 1996. Es considerado un álbum rompedor para el género post-rock. Amplio, escaso y memorable. Una escucha increíble y relajante, cada arreglo toma su tiempo pero solo se prolonga el tiempo que se requiere y dice todo lo que se requiere. Un triunfo musical para Tortoise.

La experiencia en producción alcanzó un pico temprano con "Millions Now Living Will Never Die", con complejas formas de dub y electrónica, pero junto con indie rock sólidamente construido. La obra maestra del disco es la canción de apertura de 21 minutos "Djed", que llevó a gran escala las ya impresionantes habilidades compositivas de Tortoise. Es casi una compilación de influencias musicales en miniatura, primero haciendo referencia a música de cinta y dub durante varios minutos, luego pasando al Krautrock con un órgano sibilante y acordes discretos de guitarra. A mitad de camino, la banda adquiere minimalismo con figuras repetidas de órgano, luego regresan a los últimos minutos con indie rock. Una pieza musical notable.

Con "Djed", Tortoise realmente se colocó en el mapa del rock experimental demostrando que puedes hacer música bella y evocadora. Los otros temas del álbum también son geniales. El impresionante “Glass Museum” mantiene el impulso. Los acordes de la guitarra se mueven con gracia con la cantidad justa de percusión para acentuar adecuadamente la canción. “Dear Grandma And Grandpa” hace alusión a la música dance, pero mantiene un comportamiento reservado, poniendo al oyente en trance mientras los sonidos flotan de oido a oido. "The Taut And Tame" emite una sensación casi juguetona, mientras que los riffs de guitarra y el bajo palpitante se combinan en "A Survey". “Along The Banks Of Rivers” cierra el álbum en una neblina atmosférica con una melodía de guitarra escasa pero hipnotizante.

En general, es un álbum sólido con los momentos más destacados para mí: Djed, The Taut and Tame y Along The Banks Of Rivers. Dicho esto, es un disco que debe ser escuchado, si es posible, en una sola toma, es decir, un viaje de principio a fin sin parar.

Disco recomendado. La singularidad de "Millions Now Living Will Never Die" lo califica como un excelente álbum. Es una valiente fusión de rock y experimentación vanguardista. La forma en que este álbum va y viene es parte de sus cualidades mágicas. Insinúa elementos de bandas como Can, Bark Psychosis, Godspeed You! Black Emperor y Radiohead mientras logran transportar al oyente a paisajes sonoros alienígenas. Un matrimonio paradójico de fluidez y tensión, glitch y resonancia, minimalismo y maximalismo, dinámica y forma... post-rock.

Por último, pero no menos importante, este es definitivamente un disco de fans post-rock. Imprescindible para la colección. Sin embargo, el álbum "Spiderland" de Slint - Dave Pajo, el bajista de Slint, reemplazó a Bundy K Brown y está en "Millions Now Living Will Never Die" - es "el" álbum de post rock estadounidense por excelencia. Escuchar ambos álbumes uno tras otro para recibir la experiencia post-rock completa.

Video del tema "Along the Banks of Rivers":

Tracklist:

1.         "Djed"            20:57
2.         "Glass Museum"                    5:27
3.         "A Survey"                2:52
4.         "The Taut and Tame" 5:01
5.         "Dear Grandma and Grandpa"                     2:49
6.         "Along the Banks of Rivers"            5:50

CAROLINE - Caroline - Album

Caroline (Banda)

Un grupo de rock experimental de ocho miembros con sede en Londres (Reino Unido). Ofrecen temas de cuerpo suave, meditativos e instrumentales que caen dentro de los géneros emo, post rock, neo folk y minimalismo, practicando la deconstrucción para empezar a reconstruir de nuevo canciones. 

La banda creció a principios de 2017 como una reunión semanal de improvisación. El vocalista, violonchelista y baterista Jasper Llewellyn y el guitarrista Casper Hughes se conocieron por primera vez como estudiantes universitarios en Manchester antes de mudarse a Londres, donde comenzaron el proyecto en salas de práctica con el segundo guitarrista Mike O'Malley, un amigo más joven de Llewellyn.

Pasaron más o menos un año tocando juntos, a veces con un bajista, antes de decidir que querían agregar un violinista, debido en parte a la influencia del compositor Christopher Tignor. El grupo terminó con dos violinistas, Oliver Hamilton y Magdalena McLean, y agregó un segundo baterista en Hugh Aynsley. El músico de viento de madera Alex McKenzie y el trompetista Freddy Wordsworth finalmente completaron el octeto para su primera presentación en directo como la banda "caroline" en 2018.

El fundador de Rough Trade, Geoff Travis, descubrió al grupo en un show en septiembre de 2019. Los miembros de la banda se sorprendieron cuando les ofrecieron un contrato discográfico. Firmaron oficialmente en enero de 2020 e hicieron su debut discográfico con el sencillo de 12 "Dark blue" en abril. Su debut álbum, "caroline", apareció en febrero de 2022.

 

ALBUM: caroline

 

El álbum debut del mismo nombre fue publicado el 25 de febrero de 2022 repartido en 10 canciones con una duración de 46 minutos. La banda extrae sonidos de varios estilos de música y les permite deleitarse con la reverberación natural. La composición de canciones y la improvisación que se muestran aquí son excelentes y los experimentos de producción de vanguardia son sutiles y están bien ejecutados. Este álbum te llama la atención, es muy diferente, aunque puedes escuchar la influencia del post-rock y el slowcore, inspirado en la música folclórica tradicional, suena completamente como su propio estilo y sonido.

Realmente disfruto con la sensación de espacio en este álbum. Sonidos post-folk suelto e improvisado donde las canciones se desmoronan voluntariamente y parecen tener muy poco interés en volver a armarse. Tiene una energía maravillosamente orgánica. Muy real y natural y también muy tolerante con la decadencia y el desorden en el que eventualmente todo se disuelve. Es bastante diferente en comparación con lo que se ofrece musicalmente en este momento.

Las canciones son piezas expansivas y emotivas; escucha la impresionante "Dark Blue", "Good Morning (Red)", "Engine" o "Skydiving Onto the Library Roof" con su mezcla de canto coral, emo y folk por O'Malley y Llewellyn. En definitiva, música de chamber-pop emocional con corazón y alma. 

Dicho esto, el álbum necesita atención y cariño. Es decir, al principio puede resultar extraño y difícil de digerir. Escachándolo repetidamente comienzas a captar los detalles sutiles, las instrumentaciones y las melodías. Te llega a envolverte y es cultivador.

Disco recomendado. Es una experiencia delicada, hermosa y única. Gran álbum debut que marca el camino para algo más grande y mejor. Uno de los lanzamientos más notables en lo que va de 2022. 

Video del tema "Dark Blue":

Tracklist:

1. Dark Blue 6:36
2. Good Morning (Red) 5:47
3. Desperately 1:13
4. IWR6:29
5. Messen #7 1:39
6. Engine (Eavesdropping) 5:41
7. Hurtle 0:50
8. Skydiving Onto the Library Roof 7:41
9. Zilch 2:08
10. Natural Death 8:40

ORNETTE COLEMAN - The Shape of Jazz to Come - Album

Uno de los más grandes músicos de la historia del jazz y uno de sus álbumes que revolucionó el género. Hablo de...

Ornette Coleman (Jazz)

Randolph Denard Ornette Coleman fue un saxofonista, violinista, trompetista y compositor de jazz estadounidense conocido como uno de los principales fundadores del género "Free Jazz", un término derivado de su álbum de 1960 "Free Jazz: A Collective Improvisation". Sus actuaciones abandonaron la estructura acorde y basada en la armonía que se encuentra en el bebop, y en su lugar enfatiza la improvisación.

Colemen fue simultáneamente una de las figuras más queridas y polarizadoras de la historia del jazz. Aunque ahora se lo celebra como un innovador y un genio, inicialmente sus compañeros y críticos lo consideraban rebelde, disruptivo e incluso un fraude. Después de ser asaltado y de que músicos de jazz hostiles le rompieran la bocina, cambió al saxo alto de plástico blanco que se convirtió en su sonido-marca personal. Las composiciones de Coleman desde "Lonely Woman" hasta "Snowflakes and Sunshine" liberaron al jazz de cambios de acordes y de ritmos fijos.

Una breve historia:

Ornette Coleman nació el 9 de marzo de 1930 en Fort Worth, Texas. Desde sus inicios siempre estuvo presente en su música su afán por cambiar e improvisar lo que acarrea problemas. En 1949 en Baton Rouge, Louisiana, fue asaltado y su saxofón fue destruido por "fans-músicos" de jazz enfadados con su propuesta musical. ¿Demasiado radical? Quién sabe realmente, el deseo de Coleman para "romper" las normas establecidas inflamó a otros. 

Después de varias incidencias cambió al saxofón alto (y a un "saxo de plástico"), que siguió siendo su instrumento principal. Se movió mucho entre formaciones de jazz y finalmente fue a Los Ángeles donde encontró músicos de ideas afines como Ed Blackwell, Bobby Bradford, Don Cherry, Charlie Haden, Billy Higgins y Charles Moffett. Grabó su álbum debut, "Something Else!!!!" (1958), con Cherry, Higgins, Walter Norris y Don Payne, al que siguió poco después con los LPs "Tomorrow Is the Question!" y "The Shape of Jazz to Come"; los tres sacudiendo el mundo del jazz con la música "extraña" (de otro mundo) de Coleman. Sin embargo, según el crítico musical Steve Huey, el álbum "The Shape of Jazz to Come"... "fue un hito en la génesis del jazz de vanguardia".

Las reacciones fueron mixtas. Miles Davis odiaba la música de Coleman (Miles cambió de opinión más tarde), pero a Leonard Bernstein, Sonny Rollins y John Coltrane les encantaba. Charles Mingus afirmó que no lo entendía, pero de todos modos se sintió conmovido. Roy Eldridge estuvo entre los críticos más duros; llamó a la música de Coleman "fraudulenta". La revolución en el Jazz había comenzado y el "Free Jazz" ahora era una corriente que otros tomarían y desarrollarían aún más, tanto que los trabajos iniciales de Coleman ahora suenan dóciles y es difícil de entender de qué se trataba todo el alboroto.

Siguiendo con su espíritu revolucionario, a principios de la década de 1970, Coleman formó el grupo "Prime Time" para explorar el funk y su concepto de "música armolídica". Ahora es considerado históricamente como uno de los más grandes de la música Jazz.

Coleman murió a la edad de 85 años el 11 de junio de 2015. A continuación una lista de su álbumes de estudio y premios:

Discografía (no incluye compilaciones y directos):

• Something Else!!!! (Contemporary, 1958)
• Tomorrow Is the Question! (Contemporary, 1959)
• The Shape of Jazz to Come (Atlantic, 1959)
• Change of the Century (Atlantic, 1960)
• This Is Our Music (Atlantic, 1961)
• Free Jazz (Atlantic, 1961)
• Ornette! (Atlantic, 1962)
• Ornette on Tenor (Atlantic, 1962)
• Chappaqua Suite (Columbia, 1966)
• The Empty Foxhole (Blue Note, 1966)
• New York Is Now! (Blue Note, 1968)
• Love Call (Blue Note, 1971 [1968])
• Science Fiction (Columbia, 1972)
• Skies of America (Columbia, 1972)
• Dancing in Your Head (A&M, 1977 [1973-75])
• Body Meta (Artists House, 1978)
• Soapsuds, Soapsuds (Artists House, 1978)
• Of Human Feelings (Antilles, 1982 [1979])
• Song X (Geffen, 1986)
• In All Languages (Caravan of Dreams, 1987)
• Virgin Beauty (Portrait, 1988)
• Naked Lunch (Milan, 1992)
• Tone Dialing (Harmolodic/Verve, 1995)
• Sound Museum: Hidden Man (Harmolodic/Verve, 1996)
• Sound Museum: Three Women (Harmolodic/Verve, 1996)

Premios y honores:

• Down Beat Jazz Hall of Fame, 1969
• MacArthur Fellowship, 1994
• Praemium Imperiale, 2001
• Dorothy and Lillian Gish Prize, 2004
• Honorary doctorate of music, Berklee College of Music, 2006
• Grammy Lifetime Achievement Award, 2007
• Pulitzer Prize for music, 2007
• Miles Davis Award, Festival International de Jazz de Montréal, 2009

Los siguientes álbumes son mencionados como los primeros en crear la rama "Free Jazz (Avantguard Jazz)": "Something Else!!!!" (1958), "Tomorrow Is the Question!" (1959), "The Shape of Jazz to Come" (1959), "Change of the Century" (1960), "This Is Our Music" (1961) y "Free Jazz" (1961). Como puedes ver todos están grabados en un espacio de tres años, lo cual es algo impresionante. Cualquiera de los álbumes mencionados gustara, sin embargo, si buscas los mejores discos, además de "Free Jazz" y "Change of the Century", "The Shape of Jazz to Come" se considera en gran medida un cambio de paradigma en jazz y el álbum principal para escuchar. 

 

ALBUM: The Shape of Jazz to Come

 
El tercer álbum publicado en 1959, y el primer LP con el cuarteto más estable incluido él mismo, el trompetista Don Cherry, el bajista Charlie Haden y el baterista Billy Higgins. En 2012, la "Biblioteca del Congreso" de los EE. UU. agregó el álbum al "Registro Nacional de Grabaciones". El álbum fue incluido en el "Salón de la Fama de los Grammy" en 2015.

Este álbum fue una revolución en el jazz. El disco hizo añicos los conceptos tradicionales de armonía al deshacerse no solo del pianista sino de toda la idea de los cambios de acordes concretamente definidos. Las piezas de este disco casi no siguen una estructura armónica predeterminada, lo que permite a Coleman y Don Cherry la libertad de llevar las melodías de sus líneas solistas a donde les apetezcan ir en ese momento, independientemente de cuál haya parecido ser el centro tonal de la pieza. En su momento, Coleman rompió varias de las reglas de oro del jazz y causó un auténtico alboroto entre los "puristas" que con el tiempo se fue diluyendo, ya que otros llegaron más tarde para evolucionar el "Free Jazz" más allá de lo que Coleman se aventuraba. Ahora es difícil ver qué fue lo que causó tanta controversia en el momento del lanzamiento de "The Shape of Jazz to Come". El oído moderno apreciará las composiciones de Coleman que se adhieren a patrones y estructuras relativamente formales, y muchas de ellas incluso tienen un "swing" subyacente que parece pegadizo y no muy vanguardista. Pero, en su momento, improvisar libremente sin tener en cuenta los acordes, fue revolucionario. Esta es una de las principales razones por las que este disco se erige como un hito en la historia del jazz.

Otra característica es el sonido de Coleman que tocaba un saxofón "Grafton" de plástico, lo que contribuía a la aspereza de su timbre. Acuñó el término "harmolodic", una combinación de armonía, movimiento y melodía. Un sonido único y asociado casi exclusivamente a Coleman.

La decisión de eliminar el piano de su cuarteto fue determinante ya que permite a Coleman y Cherry interpretar opuestos, mientras que en otros momentos fluyen hacia la sincronicidad. Una libre elección que no se disuelve en la abstracción y el caos. Hay estructura, y melodía. Tanto es así, que te encontrarás moviendo los pies con las canciones, lo que a veces no es común con otros álbumes de "Free Jazz". Además, Charlie Haden está magnífico al bajo en este disco, algo que hay que mencionar. El material es excelente, incluido el estándar "Lonely Woman", el caos organizado de "Eventually" y "Peace", que es simplemente genial.

El salto evolutivo en el jazz realizado con este álbum, ya sea por la falta de instrumentos de acordes o por el sonido único y el estilo de interpretación de Ornette, son buenos incluso en su estado más básico. Contiene una parte de la música más maravillosamente improvisada y escrita del jazz; el tono agudo y la improvisación creativa de Ornette, los cálidos sonidos de corneta y las habilidades de armonización de Don Cherry, la habilidad de Charlie Haden con las líneas de bajo y los acordes puntuados y la elección de notas, y por último, pero no menos importante, la percusión constante y la habilidad con el tempo de Billy Higgins; todos son excepcionales. Puede que todo se trate de improvisación, pero el hecho es que la química entre los miembros del cuarteto es lo que hace de "The Shape of Jazz to Come" una grabación clásica de jazz. 

Un disco recomendado. Cualquier comprensión del "Free Jazz" debería comenzar aquí. Este álbum ayudó a sentar las bases sobre las que se construiría gran parte del jazz de vanguardia posterior. Una obra esencial para los amantes del jazz sin lugar a dudas.

Video del tema "Lonely Women":

Tracklist: (formato LP vinilo):

Cara A:

1.         "Lonely Woman"        4:59
2.         "Eventually"   4:20
3.         "Peace"           9:04

Cara B:

1.         "Focus on Sanity"       6:50
2.         "Congeniality"            6:41
3.         "Chronology"   6:05

Músicos:

• Ornette Coleman – saxófon alto
• Don Cherry – corneta
• Charlie Haden – bajo
• Billy Higgins – batería 

WILD NOTHING - Nocturne - Album

Wild Nothing (Banda)

Formación americana de indie rock-dream pop de Blacksburg, Virginia, creado a fines de 2009 por Jack Tatum. Durante las presentaciones en directo, a Tatum se le unen otros músicos, actualmente Nic Hessler (guitarra), Jeff Haley (bajo), Joshua Sushman (teclados y saxofón) y Cameron Allen (batería).

John Alexander Tatum tocó anteriormente en las bandas "Jack and the Whale" y "FACEPAINT" en su ciudad. Comenzó a grabar bajo el nombre de "Wild Nothing" en 2009. Emergiendo en un momento en que un puñado de grupos "C86" estaban de moda, los demos de Tatum atrajeron la atención en los círculos de música independiente con una versión de "Cloudbusting" de Kate Bush. Tatum firmó con el sello discográfico "Captured Tracks" tras el éxito de estos demos. El primer sencillo de Wild Nothing, "Summer Holiday", fue en 2009 y el álbum debut de la banda, "Gemini", fue lanzado en 2010.

Hasta la fecha, han publicado cuatro álbumes de estudio:

• Gemini            2010
• Nocturne         2012
• Life of Pause  2016
• Indigo 2018

y tres EPs, Golden Haze (2010), Empty Estate (2013) y Laughing Gas (2020).

Mi disco favorito es "Nocturne".

ÁLBUM: Nocturne

El segundo álbum de estudio fue publicado el 28 de agosto de 2012 y producido con Nicolas Vernhes (Animal Collective, Deerhunter, The Fiery Furnaces, Dirty Projectors y The War on Drugs). Encontrarás un poco de new wave, jangle pop, post punk y dream pop mezclados para crear la encarnación del sonido de los años 80 (Siglo XX). Puede ser un disco repetitivo a veces, y los ganchos son muy sutiles, pero todo el álbum está maravillosamente cubierto de nostalgia (supongo que más para los lectores veteranos, incluido yo). Además este disco hace gala de los dotes de multi-instrumentales de Jack Tatum (voz, guitarra y bajo).

El sonido tiene muchas capas y es suave; la voz de reverberación cálida de Tatum es baja en la mezcla, las guitarras suenan abiertas y los teclados son atmosféricos. En "Nocturne" hay batería en directo, lo que le da al sonido un impulso de energía y potencia. Aprecias la especialidad de Jack Tatum para crear texturas. Más allá de los efectos necesarios para crear una atmósfera etérea, le da profundidad a sus sonidos; comenzando con sintetizadores, pero además de eso, hay efectos, coros, guitarras rítmicas acústicas, a veces cuerdas que armonizan en un sentido atmosférico y se entrelazan rítmicamente para proporcionar una base sólida.

El sonido ricamente texturizado del álbum es una combinación perfecta para el tipo de canciones relajadas y melodiosas que dominan y básicamente entran dentro del género "dream-pop". La canción de amor "Only Heather" o la hermosa y llena de cuerdas "Shadow" son los "hits", mientras que el resto son grandes canciones. Algunos incluso brinda sorpresas: "Through the Grass" es una balada que presenta una guitarra acústica hábilmente tocada, y "Paradise" es una gran canción pop.

Algunas canciones destacadas: "Shadow", "Nocturne", "Only Heather" (mi favorita), "Paradise" y "Counting Days".

Disco recomendado. Un trabajo con raíces a finales de los años 80, combinando el indie con el impacto y el brillo del pop convencional. Impresionantes y cálidas canciones de dream-pop.

Video del tema "Only Heather":

Tracklist:

1.         "Shadow"       4:21
2.         "Midnight Song"        3:07
3.         "Nocturne"      5:20
4.         "Through the Grass"   4:30
5.         "Only Heather"           3:16
6.         "This Chain Won't Break"      3:40
7.         "Disappear Always"   3:31
8.         "Paradise"       5:33
9.         "Counting Days"        3:54
10.       "The Blue Dress"        3:30
11.       "Rheya"          3:55

DOLLHOUSE - Royal Rendez-vous - Album

Dollhouse (Banda)

Grupo sueco de garage rock formado en 1998 por Chris Winter (voz-guitarra), Yoda Hassinen (bajo), Andreas Heed (guitarra) y Marcus S. Davis (baterista). Dollhouse combina el sonido de MC5, Led Zeppelin y TheWhite Stripes de tal manera que le da un toque extra al revival del garage rock. Puedes escuchar que aman a sus héroes de los años 60 y principios de los 70 con sus interpretaciones musicales.

La historia cuenta que en 2003 Dollhouse conoció a Michael Davis de MC5 en Londres y le entregó una copia de su primer single. Días después, Davies envió un correo electrónico con el deseo de producir un álbum de larga duración, diciendo “¡así es cómo quería sonar el MC5 y me encantaría trabajar con vosotros!”. Esta historia está en todas partes en Internet cuando uno mira la biografía de la banda. Siendo así, es una gran historia.

Dollhouse voló a Los Ángeles en diciembre de 2003 para grabar lo que se convertiría en su álbum debut, "The Rock and Soul Circus". También tocaron allí sus primeros directos fuera de Europa, con Michael Davis subiendo al escenario para unirse a la banda en algunas canciones de MC5. Deben haber sido momentos fantásticos para los chicos.

Cuando se publicó el debut en septiembre de 2004, el álbum fue descrito en las revistas de rock de Europa y Estados Unidos como excepcional. Buen comienzo. Desde entonces, la banda ha grabado los siguientes álbumes de estudio: 

• 2007    Royal Rendez-vous   
• 2009    Rock 'N' Roll Revival

También hay un álbum EN DIRECTO - "Live in Sweden".

Desde 2009 parece que ha pasado poco, o eso es lo que me parece. Descubrí a estos chicos a través de su segundo álbum "Royal Rendez-vous", un CD repleto de poderosos temas de garage rock que llamaron gratamente mi atención.

 

ALBUM: Royal Rendez-vous

 
Segundo álbum de estudio publicado el 29 de enero de 2007. Nicke Royale (Banda "Hellacopter") es el responsable de la producción.

Es un disco poderoso, ya que parece que salió a finales de los años 60. Guitarras incandescentes, voces con soul, potencia demoledora, bombas de rock encadenadas sin tregua. Dollhouse reúne los mejores ingredientes del género garage rock. La producción con "raíces" de Nicke es buena y le da un color "vintage" al mejor efecto en una sólida lista de canciones.

Simplemente dicho de otra manera, es un disco de garage rock al estilo de Detroit, con influencias soul y con un sonido retro y lo-fi. Hay algunos momentos destacados: "The Rock & Soul Fever", "Do You Know What I Mean", "Hard to Change" y "I Just Don't Care". La última es un tema realmente acoj*nante.

El álbum es relativamente corto (33 minutos) y sientes los límites del género, pero tocar esta música nunca está de más y siempre te levanta los ánimos. Una obra sin complicaciones por parte de los chicos de puro rock and roll de garage.

Disco recomendado. Una experiencia de blues y hard rock con una potencia enorme. Si te gustan los MC5, The Stooges y bandas posteriores como The Flaming Sideburns… este disco te encantará. Para mí fue un gran descubrimiento musical.

Video del tema "I Just Don't Care":

Tracklist:

1. The Rock & Soul Fever
2. Let's Get It on
3. Living Tomorrow
4. With My Heart & Soul
5. Do You Know What I Mean
6. Dead Man's Head
7. The Worried Blues
8. Hard to Change
9. I Just Don't Care

Músicos:

• Chris Winter: Voz y guitarra
• Marcus S. Davis: Batería
• Yoda Chrome: Bajo
• Andreas Heed: Guitarra

BOREDOMS - Vision Creation Newsun - Album

Boredoms (ボアダムス) - Banda 

Conjunto de música rock de Osaka, Japón, formado en 1986. El sonido de la banda inicialmente se conoce como noise rock o, a veces, Japanoise (escena de la música noise de Japón), aunque sus discos más recientes han presentado principalmente minimalismo electrónico, música ambient y percusión tribal. 

Muchos músicos han rotado en el grupo a lo largo de los años. El cantante Yamantaka Eye es lo más cercano que la banda tiene a un líder; su estilo incluye una variedad de gritos desconcertantes, balbuceos, efectos electrónicos y una postproducción muy pesada. El baterista, teclista y vocalista Yoshimi P-We aparece en la mayoría de las grabaciones de "Boredoms".

¿Quiénes son?

 
Formado por Yamantaka Eye ("Eye"), quien en ese momento era líder de la controvertido grupo de ruido "Hanatarash": una banda famosa localmente por sus peligrosos directos que consisten en destrucción y total desprecio por la seguridad de la audiencia. Esta actitud luego sería muy influyente en la primera encarnación de "Boredoms", que fue además formada por los miembros restantes como el baterista de "Hanatarash" "Ikuo Taketani", así como el guitarrista "Tabata Mitsuru", el bajista "Hosoi Hisato" y vocalista "Makki Sasarato".

El sonido al principio se caracterizó por un punk rock ruidoso. La banda cambió oficialmente su nombre a "Boredoms" después de que Hira reemplazará a Hosoi en el bajo y Sasarato dejara la banda debido a diferencias creativas. El nombre de la banda proviene de la canción de los británicos "Buzzcocks", "Boredom".

Como puedes apreciar, la formación experimenta un comienzo dinámico y turbulento (una fricción continua durante años) que se filtra en su propuesta musical. Su "actitud" se destaca por el título de su primer EP en 1986 "Anal by Anal", lo dice todo. Sin embargo, describamos esto como "sentido del humor". No obstante, desde luego da una imagen muy punk.

En marzo de 1988, la banda publicó su primer álbum, "Osorezan no Stooges Kyo". Los cambios de formación eran ya una tendencia. Debido al descontento con la batería de Yoshikawa, se le pidió a Yoshimi P-We del proyecto "UFO or Die" relacionado con Hanatarash de Eye que se uniera como otra baterista, convirtiéndose en la primera miembro femenina de la banda. Poco después del cambio, Yoshikawa dejó el grupo, para ser reemplazado por Chew Hasegawa y luego por Kazuya Nishimura, conocido por su nombre artístico "Atari".

El sonido de la banda de este período estuvo marcado por un punk áspero y disonante y citaban a "Sonic Youth" y "Funkadelic" como influencias. Iba a ser la amistad y el patrocinio de "Sonic Youth" (junto con "Nirvana" citándolos como una de sus bandas favoritas) lo que abriría al grupo a la audiencia "underground" estadounidense. Una serie de giras de apoyo, incluida la distribución por sellos discográficos locales, y la participación en "Lollapalooza" de 1994, hicieron que "Boredoms" se posicionara como uno de los grupos de rock alternativo más interesantes, y me atrevo a decir, exóticos y de moda. 

Después de una serie de álbumes, "Boredoms" cambió su dirección musical. La banda comenzó a romper con el sonido del noise rock-japonés anterior al introducir muchos elementos de efectos electrónicos y rock psicodélico en su música. Se acercaron a un sonido que recuerda a la música de "Can". Los críticos comenzaron a describir este "nuevo sonido" como "Space rock". Su álbum de 1998 "Super æ" anunció el cambio musical con elementos del krautrock de la década de 1970 y recibió grandes elogios de la influyente prensa musical.

Sin embargo, las cosas se calmaron después del álbum "Vision Creation Newsun" de 1999 y comenzaron a circular rumores de que la banda se había separado. Más tarde apareció una versión más pequeña del grupo y tocó en algunos conciertos bajo un nuevo nombre "The Voordoms" en 2003, dando fuerza a la idea anterior de que la banda se había separado. En 2005, sin embargo, "Boredoms" regresó con el lanzamiento del álbum "Seadrum/House of Sun", el último hasta la fecha, pero manteniendo durante los siguientes años giras y apariciones en directo.

Discos de interés:

• Osorezan no Stooges Kyo (1988)
• Soul Discharge (1989)
• Pop Tatari (1992)
• Chocolate Synthesizer (1994)
• Super æ (1998)
• Vision Creation Newsun (1999)
• Seadrum/House of Sun (2005)

La mayoría de expertos musicales han citado su álbum "Super Ae" de 1998 como el mejor, creo que esto es apropiado, ya que fue un verdadero cambio para la banda y dieron en el blanco con la audiencia alternativa "underground" de EE. UU. Además, suenan j*didamente genial. Sin embargo, me inclino más hacia el próximo álbum "Visions Creation Newsun", siendo para mí más accesible. Este último disco es testigo de la transformación completa de una banda inicialmente de punk-rock y ruidoso en un espacioso y psicodélico conjunto tribal y experimental.

 

ALBUM: Vision Creation Newsun

El álbum de la banda de rock japonesa "Boredoms" fue publicado en Japón el 10 de diciembre de 1999 y en los Estados Unidos en 2000. Descrito como un álbum de space rock y krautrock, marca finalmente a la banda alejándose de su sonido agudo influenciado por el ruido.

Los dos primeros temas (sin títulos, sólo símbolos los cortes del disco) encuentran a "Boredoms" explorando el rock tribal con percusión propulsora, trabajo de guitarra enérgico y cánticos vocales. El ambiente general es similar al del álbum anterior "Super Ae", que se basa en el krautrock y la psicodelia, aunque lo llevan todo más lejos en este disco.

"Vision Creation Newsun" tiene nuevos elementos como folk, que incluyen texturas instrumentales más suaves, lavados de platillos largos y guitarras acústicas. Estos toques delicados demuestran acertadamente la gama de sonidos en evolución de "Boredoms". Los aspectos más destacados incluyen el estilo hipnótico y los efectos del guitarrista Yama-Motor. Suena y recuerda la retroalimentación al estilo de "Spacemen 3" que domina la segunda mitad del álbum. La percusión dual de Yoshimi y ATR también es poderosa. Todas las capas duras de ruido pueden convertirse en rock psicodélico, fluyendo de nuevo a rock ruidoso, luego a tambores tribales; esto es lo que define a este álbum, es tan dinámico, tan inesperado.

La primera escucha puede desconcertar. Sin embargo, con repetidos "play de nuevo" se siente un sonido de futurismo unido con tribalismo. La mezcla de canciones pesadas e intrincadas con lavados electrónicos y efectos aturdidos y desorientados se sienta junto a drones, patrones interminables y un fervor casi "religioso" cantado y rabioso. Capta la atención, es convincente, interesante y ambicioso.

Aquí hay algunos momentos destacados: "Circle", "Spiral", "Tilde", "Two Circles" and "Omega"

Disco recomendado. Es mega-épica, enorme, supermasivo y todopoderoso. Además, la portada del álbum es ganadora y mola mucho. Te sorprenderá la cantidad de personas ganadas por "Boredoms" gracias a escuchar este álbum.

Video del tema "Tilde":

Tracklist:

1.         "◯" (circle)     13:42
2.         "☆" (star)       5:22
3.         "♡" (heart)       6:51
4.         "Ҩ" (spiral)       6:33
5.         "～" (tilde)      6:19
6.         "◎" (two circles)        7:21
7.         "↑" (arrow up) 6:26
8.         "Ω" (omega)    7:36
9.         "ずっと" ("Zutto" ["Forever"])          7:31

TALK TALK - Spirit of Eden - Album

¿Uno de los mejores álbumes jamás grabados? Esa es una gran y difícil pregunta para responder. Honestamente no puedo, soy demasiado parcial siendo un fan de Talk Talk. Aparte, creo que sus otros discos "Colour of Spring" y "Laughing Stock" están al mismo nivel.

Prefiero dejar esta pregunta abierta, y que el lector (y el oyente) encuentre su propia respuesta.

ALBUM: Spirit of Eden

 
Cuarto álbum de estudio de la banda británica "Talk Talk" publicado en 1988 por "Parlophone Records" (EMI). Las canciones fueron escritas por el vocalista Mark Hollis y el productor Tim Friese-Greene. Este álbum no es nada comparado con anteriores discos. El álbum "Colour of Spring" (el disco previo) fue el puente entre su período "New Wave-Pop" y "Spirit of Eden", lo que dio a la banda el éxito comercial y credibilidad necesario para recibir un mayor presupuesto de su compañía discográfica para explorar nuevos horizontes musicales. Cambiaron la electrónica synth-pop por sonidos en directo y orgánicos y rechazaron la estructura convencional en favor de la atmósfera (casi abstracta). El álbum "Spirit of Eden" es un avance sin precedentes; el resultado final es un cambio y creación de un género musical y una catarsis emocional de inmenso poder.

Album: Spirit of Eden

¿Qué género musical es "Spirit of Eden"?

 
La crítica ha calificado este disco como seis piezas improvisadas llenas de espacio y ritmo pausado que mezclan jazz, música clásica, folk, rock progresivo, blues y dub, utilizando el silencio como instrumento. Personalmente, considero que este álbum es bastante ruidoso, la belleza está en la manipulación y el estiramiento de la dinámica. Para intentar capturar en palabras toda la gama y complejidad de lo que se ofrece, los críticos lo etiquetaron como "post-rock".

¿Qué es el post rock?

 
Una forma de rock experimental que explora texturas y timbres sobre estructuras, acordes o riffs de canciones de rock tradicionales, a menudo instrumentales, que generalmente combinan instrumentación de rock con electrónica. También toma prestado de diversas fuentes que incluyen ambient, electrónica, jazz, krautrock, dub y música clásica minimalista.

El término "post rock" fue empleado por primera vez por el periodista Simon Reynolds en una reseña del álbum "Hex" de la banda Bark Psychosis de 1994. Sin embargo, a "Talk Talk" y la banda estadounidense "Slint" se les atribuye la producción de las obras musicales fundacionales. En el caso de Talk Talk, "Spirit of Eden" y su siguiente álbum "Laughing Stock" son referencias, mientras que para Slint es su disco "Spiderland". Desde entonces, el término post rock se ha utilizado para describir bandas que difieren mucho en estilo, lo que hace que el término sea controvertido ya que la definición es tan amplia que cerrar el círculo provoca un intenso debate. Personalmente me gusta definirlo - a mi manera - como lograr el equilibrio entre el ruido (en todas sus dinámicas) y el silencio (como fuerza impulsora), además de radiar una fuerte dosis de humanidad o "espíritu" expresado por la melodía o la letra (si se aplica).

Volviendo al álbum "Spirit of Eden"...

Lee Harris, Mark Hollis & Paul Webb

Mark Hollis ha citado a menudo durante su carrera a artistas como Miles Davis, John Coltrane, Can, Satie, Milhaud, Béla Bartók y Claude Debussy como principales influencias en su música. Finalmente pudo inspirarse en estos músicos en este álbum donde la banda se desató hasta cierto punto de las estrictas cadenas de los objetivos y metas comerciales. 

Mark Hollis

Gracias al éxito comercial del álbum "The Color of Spring" (+ 2 millones de copias vendidas), su casa discográfica "EMI" le dio a "Talk Talk" un presupuesto abierto para la grabación de su próximo álbum, "Spirit of Eden". A la banda se le dio control total sobre el proceso de grabación; a su manager y ejecutivos de EMI se les prohibió la entrada a las sesiones de estudio.

La grabación de "Spirit of Eden" comenzó en 1987 en "Wessex Studios", Londres, y tardó aproximadamente un año en completarse. Para entrar en el estado de ánimo e inspiración, las sesiones de grabación se llevaron a cabo en un estudio a oscuras, con un proyector de aceite e iluminación estroboscópica. Según el ingeniero Phill Brown... "doce horas al día en la oscuridad escuchando las mismas seis canciones durante ocho meses se volvió bastante intenso. Había muy poca comunicación con los músicos que venían a tocar. Los llevaban a un estudio en la oscuridad y una canción se reproducía por los auriculares". El álbum presenta mucha instrumentación improvisada de un gran conjunto de músicos (por ejemplo, el guitarrista Robbie McIntosh, el bajista Danny Thompson y el armonista Mark Feltham), todos los cuales tuvieron que ser pagados, por supuesto. 

Mark Hollis & Tim Friese-Greene

Para agregar más capas descriptivas a este álbum, las letras de Mark Hollis reflejan su perspectiva religiosa y espiritual. Terrenos pantanosos, ya que cada oyente interpretará lo que consume con sus propias creencias e ideas. Según Mark Hollis, su visión religiosa es universal, sin detalles ni credos, se trata más del "espíritu humano". La narrativa y los temas del álbum son de pérdida y redención. La fuerza de la humanidad transmitida no se puede negar en este disco y es parte de la comunión tan íntima entre banda y el oyente. Las emociones que vibran de la instrumentación y las melodías de esta obra son trascendentes, sin palabras y profundas.

Usando el formato de álbum en vinilo, la cara A y sus 23 minutos son impresionantes con su suite de tres canciones que abarca jazz abstracto ("The Rainbow" - con trompeta interpretada por Henry Lowther), ambient ("Eden") y blues/rock visceral ("Desire"). La cara B comienza con complejidad ("Inheritance" - escucha la percusión minimalista de Lee Harris) compartiendo espacio con una de las mejores canciones jamás escritas por Mark Hollis ("I Believe in You" - Hollis escribió la canción para su hermano Ed, quien murió como resultado de una adicción a la heroína a largo plazo y cuenta con el coro de la catedral de Chelmsford) y termina con redención ("Wealth"). "Spirit of Eden" destaca porque realmente "te canta" y se convierte en parte de tu ser más interior y emocional. Me resulta difícil destacar los mejores momentos, las seis canciones son hermosas, con la canción ya mencionada "I Believe In You" quizás la más humana y sentida.

Mark Hollis en una entrevista nos explica más sobre este álbum..."Esta vez no se permitieron sintetizadores en el estudio. Todo es real, todo es interpretado por personas. Lo único para lo que hemos usado lo digital es para tomar algo de un lugar y moverlo a otro. Creo que lo más importante en la música es la forma en que se toca. A menos que tenga sensación, no está allí en lo que a mí respecta. A menos que las cosas se jueguen con ese sentimiento y ese corazón, no valen nada”.

Y sigo, la importancia de este disco no puede ser minimizada. Ha crecido en fuerza, elogios e inspiración a lo largo de los años. Este álbum ha allanado el camino para muchas bandas como Sigur Rós, Mogwai, Godspeed You! Black Emperor, Low, Radiohead, Doves, Elbow, Animal Collective ... solo por mencionar algunos. Ahora se reconoce como una obra de arte musical adelantada a su tiempo y es atemporal.

Un disco recomendado. El lector veterano probablemente estará familiarizado con la banda y este disco, si no, lo encontrará disponible en las populares plataformas digitales de música para escuchar. Para el lector más joven, lo más probable es que no esté familiarizado y te animo a buscar y escuchar este álbum. No hay garantías, cada uno tiene su gusto musical y puede que este disco no sea de tu agrado, pero podría serlo y si es así acabas de descubrir un tesoro musical. Eso espero, me haría mucha ilusión, y ánimo a que hagas lo mismo con los otros discos "Colour of Spring" y "Laughing Stock".

Para concluir me gustaría terminar con las siguientes impresiones sobre "Spirit of Eden". Es hermoso. Poderoso. Eterno. Pero sobre todo es espiritual. La emoción se filtra por cada poro. Música tremendamente inspiradora, reflexiva, meditativa con una pureza poco común. Increíble obra de arte. Uno de los mejores discos de la historia sin lugar a dudas, escucha "Spirit of Eden" y sus 40 minutos sin interrupción.

Video del tema "I Believe in You":

Tracklist (formato LP vinilo):

Cara A:

1.         "The Rainbow"           9:05
2.         "Eden" 6:37
3.         "Desire"          7:08

Cara B:

4.         "Inheritance"   5:16
5.         "I Believe in You"      6:24
6.         "Wealth"         6:35

Músicos:

• Mark Hollis – voz, piano, órgano, guitarra y variophon
• Lee Harris - batería
• Paul Webb - bajo eléctrico 

Personal adicional:

• Tim Friese-Greene – producción
• Tim Friese-Greene – armonio, piano, órgano, guitarra
• Martín Ditcham – percusión
• Robbie McIntosh - dobro, guitarra de doce cuerdas
• Mark Feltham – armónica
• Simon Edwards - bajo mexicano
• Danny Thompson - contrabajo
• Henry Lowther - trompeta
• Nigel Kennedy – violín
• Hugh Davies - Shozygs
• Andrew Stowell - fagot (basson)
• Michael Jeans – oboe
• Andrew Marriner – clarinete
• Christopher Hooker – Cor Inglés
• Coro de la Catedral de Chelmsford
• Phill Brown - ingeniería, guitarra con arco

 

Más historias sobre "Spirit of Eden":

Los efectos colaterales:

El álbum "Spirit of Eden" no fue un éxito comercial y, aunque sería aclamado más tarde, inicialmente polarizó a todos. Tal cambio de paradigma haría tales cosas.

Talk Talk

En marzo de 1988 finalizado la grabación de "Spirit of Eden", se envió un demo del álbum a EMI. Después de escucharlo, los directivos de EMI dudaron de que pudiera tener éxito comercial. Le pidieron a Mark Hollis que volviera a grabar unas canciones o reemplazará material, pero Hollis se negó a hacerlo. A pesar de las reservas hacia "Spirit of Eden", EMI finalmente publicó el disco y optó por ejercer su opción de extender el contrato de grabación con la banda. Sin embargo, Hollis quería rescindir el contrato por temor a que EMI no le diera el espacio de libertad creativa o los recursos financieros para que Talk Talk continúe con su exploración musical en el próximo álbum. Después de una larga batalla legal, en la que evitaré todos los detalles, Talk Talk fue liberado de su contrato con EMI y luego firmó con Polydor (Verve Records) bajo la condición de financiación total del próximo álbum y la no interferencia artística o creativa del sello. El resultado fue el último álbum de Talk Talk titulado "Laughing Stock" publicado en 1991, otra obra maestra del post-rock.

Nota Personal:

Y si el lector lo está pensando. ¿Cuál es el mejor álbum de Talk Talk para mí? Mi respuesta, el disco "The Colour of Spring".