UK SUBS - Another Kind of Blues - Album

Doy cobertura en este blog de música a la banda "U.K. Subs", una de las 5 mejores bandas de punk que surgieron de la generación europea del 77. U.K. Subs, son una de las formaciones más subestimadas y menos queridas entre los críticos, aunque podrían rivalizar con la ira y la ferocidad de sus contemporáneos, dejando atrás un importante legado en la historia del punk.

 

¿Quiénes eran los "U.K. Subs"?

 
Una banda de punk rock inglesa, una de las primeras de la ola de punk británico. Formada en 1976, el pilar de la banda ha sido el vocalista Charlie Harper. Una de las primeras bandas de hardcore punk, con elementos de música rítmica y blues, incluida la armónica, como elemento en su trabajo.

Musicalmente, el tempo de "UK Subs" superó el de muchas de las bandas de punk británicas originales, lo que les valió la reputación de ser pioneros de la música hardcore, especializándose en "estallidos caóticos de menos de tres minutos de rock 'n' roll duro".

Su mejor disco, en mi opinión, es "Another Kind of Blues".

 

ALBUM: Another Kind of Blues

 
El primer álbum de estudio publicado por la banda de punk inglesa U.K. Subs. Fue editado en el Reino Unido el 14 de septiembre de 1979. Se considera un clásico de la era punk y fue producido por John McCoy.

El estilo de música toma prestado del blues y el rock'n'roll, pero infunde gran parte de la energía y los comentarios sociales que estaban dando forma a la escena punk rock más amplia en el momento de su lanzamiento. Las primeras 20.000 copias se imprimieron en vinilo azul.

Este LP puede mantenerse con cualquier otro clásico del punk lanzado durante su periodo. Musicalmente, los "U.K. Subs" son similares a los primeros Clash, pero con su humor sardónico. Algunas de las canciones de "Another Kind of Blues" son un poco básicas, pero en general no hay duda del valor de entretenimiento general de los 17 números breves y simples pero poderosos.

La música en este disco tiene sus raíces en las influencias punk típicas y muy comentadas: los "New York Dolls", los "Velvet Underground" y los primeros "Who", pero la banda añade un toque del clásico R&B británico de los años 60 de grupos como los "Yardbirds". Es melódico, contundente y rápido, y ofrece el poder de golpe necesario sin volverse demasiado abrasivo o dulce. Algunas canciones del álbum incluso incluyen armónica, lo que se suma al subtexto de “blues” que recorre todo el álbum.

Los miembros de la banda en este LP son Charlie Harper (voz principal, armónica), Nicky Garratt (guitarra, coros), Paul Slack (bajo) y Pete Davies (batería). La poderosa carga vocal de Harper, destetada por el blues, es una característica destacada del disco, que compensa cualquier elemento percibido como faltante.

 

Canciones:

Algunos cortes destacados de "Another Kind of Blues" son:

•  "C.I.D.": Esta es la canción que abre el álbum y marca la pauta para el resto,
  
  
• "Tomorrow's Girls": un sencillo que llegó a las listas y sirve como el perfecto precursor del álbum,
  
  
• "I Live in a Car": Esta canción es considerada un himno de banda siempre listo,
  
  
• "Disease": un ejemplo temprano de oi!/street punk, un subgénero del punk que surgió a finales de los años 1970,
  
  
• "Stranglehold": este es el corte final del álbum y es un buen ejemplo del punk-pop de la época.

Estos temas son rápidos, melódicos y tienen un estilo contundente, y combinan energía punk con influencias de blues.

 

Disco recomendado

"Another Kind Of Blues" es un clásico del punk. Muchos fans consideran este LP uno de los mejores álbumes de punk de todos los tiempos. Esto puede ser discutido, hay muchos, pero aún así es sobresaliente y merece ser redescubierto por una nueva generación.

Video del tema "I Live in a Car":

Tracklist: 

1.         "C.I.D."                      2:10
2.         "I Couldn't Be You"  2:06
3.         "I Live in a Car"         1:36
4.         "Tomorrows Girls"     2:24
5.         "Killer"                       1:28
6.         "World War"              1:06
7.         "Rockers"                   3:15
8.         "I.O.D."                     1:22
9.         "T.V. Blues"               2:08
10.       "Blues"                                   1:50
11.       "Lady Esquire"                      1:50
12.       "All I Wanna Know"  1:48
13.       "Crash Course"                       1:40
14.       "Young Criminals"     2:18
15.       "B.I.C."                      1:35
16.       "Disease"                   1:25
17.       "Stranglehold"                        2:26

UK Subs (músicos):

• Charlie Harper - voz principal, armónica
• Nicky Garratt - guitarra, coros
• Paul Slack - bajo
• Pete Davies - batería

PARANNOUL - After The Magic - Album

Este es posiblemente el disco sorpresa del año. Desde Corea del Sur, una impresionante obra de shoegaze-post rock del músico "Parannoul".

¿Quién es Parannoul?

 
Parannoul es un músico anónimo de estilo shoegaze de Corea del Sur. Ha editado tres álbumes en solitario: Let's Walk on the Path of a Blue Cat (2020), To See the Next Part of the Dream (2021), and After the Magic (2023). También lanzó un álbum en colaboración, Downfall of the Neon Youth (2021) con sus compañeros músicos de shoegaze "Asian Glow y sonhos tomam conta". Parannoul también ha editado música con otros seudónimos, incluido Rough and Beautiful Place (2022) como "Mydreamfever", así como varios álbumes ahora eliminados como "laststar".

Es uno de los músicos más representativos de la escena shoegaze, que se ha erigido como una nueva tendencia en la escena musical indie surcoreana desde 2021.

Su tercer álbum de 2023, "After The Magic", es una agradable sorpresa y descubrimiento.

 

ALBUM: After the Magic

 
El tercer álbum de estudio y el debut en un sello importante del músico shoegaze "Parannoul". Un músico anónimo de Corea del Sur cuya música es una mezcla ruidosa y catártica de emo y shoegaze, ocasionalmente con arreglos lo suficientemente complejos y ambiciosos como para ser etiquetado como post-rock o math rock. Un trabajo publicado el 28 de enero de 2023.

Parannoul describe el álbum como "no lo que esperabas, sino lo que siempre quise" y afirmó que estaba inspirado en los sueños que tenía.

Si bien los esfuerzos anteriores de "Parannoul" son igualmente impresionantes considerando que eran grabaciones de dormitorio sin presupuesto de un artista desconocido, a escuchar su "back catálogo", sonaban algo limitados, el espíritu y la energía están ahí, pero las habilidades técnicas del artista aún no se habían desarrollado completamente. Sin embargo, con "After the Magic" no hay tales problemas. El álbum es sin dudas un momento decisivo, con algunas composiciones memorables y arreglos impresionantes.

"After the Magic" se basa en el rock alternativo melódico de los 90, agregando florituras electrónicas como fallas y ritmos sutiles, e incluso acercándose al pop de chamber con arreglos de cuerdas de invitados Rei Miyamoto de Vampillia y trompeta de Fin Fior. Hay algunas ráfagas explosivas de guitarra ruidosa, pero están controladas con una producción deslumbrante.

Este álbum logra hacerte sentir como si estuvieras en una película de la manera más eufórica. No entiendo coreano, pero la música sí lo hace por mí porque sientes muy llena de vida. Una gran sorpresa y hallazgo para mí, una gran incorporación al creciente canon shoegaze. Altamente recomendado para los fans del género y debe ser elogiado por su capacidad de traspasar fronteras para transmitir emociones y significados más allá del lenguaje.

 

Disco recomendado

 
Resumiendo, una mezcla de indie rock, dream-pop, emo y shoegaze, con elementos de bedroom pop y ajustes preestablecidos de sintetizador. Una mezcla maximalista de melodías pop gloriosas y exuberantes superpuestas por ruido texturizado, cada canción llena de emoción.

Este álbum es algo digno de escuchar, y candidato para ser uno de los mejores álbumes que han salido en 2023. "After the Magic" es una maravilla de obra.

Video del tema "Imagination":

Tracklist:

1.         "북극성 (Polaris)"      4:22
2.         "불면증 (Insomnia)"  4:49
3.         "도착 (Arrival)"          7:44
4.         "우리는 밤이 되면 빛난다 (We Shine at Night)"   6:27
5.         "Parade"          7:34
6.         "스케치북 (Sketchbook)"      7:02
7.         "Imagination" 4:37
8.         "Sound Inside Me, Waves Inside You"        5:13
9.         "개화 (Blossom)"       6:11
10.       "After the Magic"       5:02

Músicos adicionales:

• Della Zyr - voz
• 은해 – voz (8)
• Rei de Vampillia – cuerdas, arreglo de cuerdas
• Fin Fior - trompeta (4, 5, 9)
• Asian Glow - guitarra (7)
• eajik - guitarra

Producción:

•  eeajik – productor, mezcla, masterización
• Parannoul – productor, mezcla, masterización, portada del álbum
• Sarah Álvarez - portada del álbum

CRYSTAL CASTLES - Crystal Castles (2008)

ALBUM: Crystal Castles

 
El disco debut del dúo canadiense de música electrónica "Crystal Castles". En el momento de su lanzamiento, publicado el 18 de marzo de 2008, el grupo estaba formado por el productor Ethan Kath y la cantante Alice Glass. Los dos se conocieron en 2004 y se inspiraron para comenzar un proyecto que hiciera "música noise", pero en lugar de guitarras, usarían sonidos electrónicos hechos con un Atari 5200 con circuito doblado. El álbum ha sido descrito como una fortaleza poderosa de desorientación electro-punk, que sirve como una introducción perfecta al retorcido mundo de Ethan Kath y Alice Glass.

El LP "Crystal Castles" es una recopilación de sencillos de "éxito" que popularizaron al dúo a nivel internacional, así como demos inéditos grabados en 2004 junto con dos nuevos temas: "Courtship Dating" y "Tell Me What to Swallow". El contenido incluye samples de temas de gente como "Death from Above 1979" ("Untrust Us"), "Grandmaster Flash and the Furious Five" ("Magic Spells"), "Luciano Berio" ("Air War"), "Drinking Electricity" ("Good Time" ) y "Van She" ("Desaparecido").

Este álbum popularizó un nuevo sonido en la música electrónica. Se trata de patrones de percusión 1-2-1-2, un sintetizador de graves profundos y chorros de teclado con sonido de 8 bits con eco, todo ello unido por las voces angustiadas de Alice Glass. No eran los pioneros pero llevaron este sonido a una audiencia masiva. Su fórmula es simple, pero las composiciones creadas te cubren en un oscuro lodo de sonido.

Aunque sus sintetizadores de baja resolución no pueden evitar sonar nostálgicos, Crystal Castles suena fresco, más complejo y mucho menos sofisticado de lo que cabría esperar. Las canciones de Crystal Castles son oscuras y violentamente pegadizas como "Alice Practice", que enfrenta el canto cerrado pero melódico de Glass con un sintetizador ondulante, ametrallador y estroboscópico, junto con "Crimewave" que le da un ritmo inquietante. Sin embargo, Crystal Castles logra profundizar en el resto del álbum, equilibrando el orden y el caos, el ruido y la melodía, la energía y la atmósfera de maneras impredecibles pero interesantes.

Alice Glass te puede sorprender. Ella es un androide que hace cortocircuito en "Xxzxcuzx Me" cantando de "amor robótico" y una chica del valle distraída bailando al ritmo alegre de "Good Time". De hecho, la melancolía abunda desde el tema inicial, "Untrust Us", hasta la tristeza bailable de "Vanished" y la melancólica, casi serena de "Magic Spells" y el electro claustrofóbico de "Love and Caring". A pesar de todo el ruido y los rápidos ritmos de baile, el disco termina tranquilamente con una balada tipo shoegaze tocada con una guitarra acústica.

Si deseas degustar rápidamente este disco, algunas de las canciones más destacadas son "Alice Practice", "Crime Wave", "Vanished", "Air War" y "Good Time".

Disco recomendado

 
Un debut vanguardista, inocente, amenazante, audaz, lleno de matices y totalmente impactante. "Crystal Castles" muestra el enfoque innovador del dúo hacia la música electrónica, combinando varios estilos e influencias para crear un sonido distintivo y memorable.

Los fans de la música electrónica encontrarán este LP divertido y muy peculiar.

Video del tema "Vanished":

Tracklist (formato original):

1.         "Untrust Us"               3:06
2.         "Alice Practice"          2:42
3.         "Crimewave" (Crystal Castles vs. Health) 4:18
4.         "Magic Spells"                        6:07
5.         "Xxzxcuzx Me"                      1:54
6.         "Air War"                   4:12
7.         "Courtship Dating"     3:30
8.         "Good Time"              2:56
9.         "1991"                        1:53
10.       "Vanished"                 4:02
11.       "Knights"                    3:13
12.       "Love and Caring"     2:18
13.       "Through the Hosiery"           3:07
14.       "Reckless"                  3:28
15.       "Black Panther"                      2:56
16.       "Tell Me What to Swallow"  2:14

Samples: 

• "Untrust Us" contiene un sample de "Dead Womb" de Death from Above 1979.
• "Magic Spells" contiene un sample de "The Message" de Grandmaster Flash and the Furious Five.
• "Air War" contiene un sample de "Thema (Omaggio a Joyce)" de Luciano Berio.
• "Good Time" contiene un sample de "Good Times" (Dance Mix) de Drinking Electricity.
• "Vanished" contiene un sample de la pista vocal y la melodía de "Sex City" de Van She.

Ficha (Músicos): 

• Crystal Castles - producción vocal (pistas 5, 12, 13)
• Ethan Kath – producción (todas las pistas); mezcla (pistas 3, 6, 16); producción vocal (pistas 7, 13)
• Alice Glass - voz

Personal adicional:

• Health – gritos de respaldo (pista 7)
• Alex Bonenfant – grabación vocal adicional (pista 7); mezcla (pista 11); grabación (pista 16)
• Matthew Wagner - grabación vocal (pista 2); producción vocal (pistas 5, 12)
• Squeak E. Clean - producción vocal (pistas 7, 13, 15)

WOLFMOTHER - Wolfmother - Album

Encontré revisando mi colección el primer disco de la banda australiana "Wolfmother". Después de escucharlo, me vinieron recuerdos y pensé en presentar a la banda y el primer disco homónimo con un post en este blog de música.

¿Quiénes son la banda "Wolfmother"?

 
Una formación australiana de hard rock de Sydney. Formado en 2004, el grupo se centra en el vocalista y guitarrista Andrew Stockdale, quien es el único miembro constante. La banda ha pasado por muchos cambios de personal desde su formación, y la encarnación actual incluye al baterista Hamish Rosser y al bajista Brad Heald, ambos ex miembros de "The Vines". La formación original, y de mayor éxito comercial, incluía al bajista y teclista Chris Ross y al baterista Myles Heskett. Ross y Heskett dejaron "Wolfmother" después de cuatro años en 2008.

 

Estilo de música:

 

Tras el lanzamiento de su álbum debut, "Wolfmother" recibió comparaciones con bandas de hard rock y heavy metal de las décadas de 1960 y 1970, en particular Led Zeppelin, Black Sabbath y Blue Cheer. Comparaciones más contemporáneas han incluido The White Stripes y Queens of the Stone Age.

Hasta la fecha la discografía de "Wolfmother" es la siguiente:

• Wolfmother (2005)
• Cosmic Egg (2009)
• New Crown (2014)
• Victorious (2016)
• Rock'n'Roll Baby (2019)
• Rock Out (2021)

Para mí su mejor álbum es el primer lanzamiento homónimo.

 

ALBUM: Wolfmother

 
Este es el álbum debut de estudio de la banda de rock australiana "Wolfmother", publicado originalmente el 31 de octubre de 2005 en Australia. Posteriormente, el álbum fue editado internacionalmente en varias fechas en 2006, con la adición de la canción "Love Train" y una lista de canciones reorganizada. Del álbum debut de Wolfmother nacieron seis impresionantes sencillos: "Mind 's Eye" (con "Woman"), "White Unicorn", "Dimension", "Woman", "Love Train" y "Joker & the Thief". Es el único álbum que presenta a los miembros cofundadores Chris Ross y Myles Heskett, quienes dejaron la banda en agosto de 2008.

La portada del álbum, tomada de "The Sea Witch" de Frank Frazetta, muestra a una ninfa parada contra un cielo azul/naranja, sobre una roca.

Desde el principio se hace evidente que "Wolfmother" se crió en el rock, específicamente en el rock de los 70. Encuentras bonitos ganchos, riffs gruesos y composiciones sólidas en este debut que marca el comienzo del resurgimiento del Hard Rock en el milenio. El trío de "OZ" canaliza el espíritu de Black Sabbath, Led Zeppelin y Deep Purple de forma segura y confiada. Los jóvenes (muy jóvenes cuando salió este LP) han abrazado los finales de los 60 y principios de los 70 con su distorsión, una voz aguda y chillona, acordes potentes y pesados, un afro y zapatos de punta con suelas resbaladizas. Incluso lograron incluir alguna flauta en el corte "Witchcraft" al estilo "Jethro Tull". La banda también experimenta con su sonido en canciones como "Where Eagles Have Been", que pasa de guitarras limpias a órganos sucios que gimen durante las transiciones, y el ritmo lento e intenso se vuelve optimista y explosivo justo a tiempo para el solo de guitarra.

Redondeando, la voz de Andrew Stockdale ha sido comparada con la de un joven Ozzy Osbourne, dando una sensación estimulante y enérgica de desesperación y satisfacción catártica. En general, la banda suena fresca y viva, trayendo recuerdos de bandas de metal de los 70.

 

Disco recomendado

 
Un exitoso álbum debut que emula auténticamente un sonido clásico con la convicción y el hambre de una banda joven en camino de encontrar una voz más singular. 

Este álbum tiene elementos de muchos de mis sonidos favoritos a lo largo de décadas, desde "Cream" hasta "The White Stripes". Dicho esto, no se parecen mucho a nadie.

Si te gusta el rock n roll, y duro, este es un álbum divertido. Buscarlo.

Video del tema "Woman":

Tracklist (original, versión Australiana):

1.         "Colossal"       5:02
2.         "Woman"        2:55
3.         "White Unicorn"         5:01
4.         "Pyramid"       4:28
5.         "Mind's Eye"  4:53
6.         "Joker & the Thief"    4:39
7.         "Dimension"   4:25
8.         "Where Eagles Have Been"   5:32
9.         "Apple Tree"   3:28
10.       "Tales from the Forest of Gnomes"   3:35
11.       "Witchcraft"   3:25
12.       "Vagabond"    3:47

SPACEMEN 3 - The Perfect Prescription - Album

ALBUM: The Perfect Prescription

 
Este es el segundo álbum de estudio de la banda neo psicodélica británica Spacemen 3, publicado en 1987. Aquí encontrarás la dinámica que llevaría a los Spacemen, la banda "The Darkside", "Spiritualized" y Sonic Boom de "Spectrum", a galaxias futuras y distantes.

Este álbum ha sido elogiado por su tratamiento único y especial del "concepto", profundizando en los intereses musicales y líricos centrales de las drogas de principio a fin, lo que lo convierte posiblemente en el pináculo de la neo-psicodelia. Ha sido votado muchas veces como uno de los grandes discos de la década de 1980.

Spacemen 3 reunió material anterior y algunas canciones nuevas para unir las cosas en "The Perfect Prescription". Un álbum conceptual, este disco funciona donde muchos otros fallaron debido a la fuerza de las canciones individuales, así como al enfoque inteligente del concepto en cuestión: una visión de un viaje de drogas (un trip) desde el inicio hasta su conclusión, con altibajos completamente intactos. Es un "viaje" de disco, nunca mejor dicho. La banda sonora de un "trip".

La música se vuelve progresivamente más orquestal y serena hasta el momento álgido del viaje, representado por "Ecstasy Symphony"/"Transparent Radiation (Flashback)", pasando al momento de la realización donde el éxtasis se ha desvanecido y sobreviene el descenso, representado por el duros acordes de guitarra iniciales en "Things'll Never Be the Same". El "bajón" está representado en el corte de blues "Come Down Easy", mientras que los efectos potencialmente fatales de una sobredosis se representan en la pista final, "Call the Doctor".

La música fue escrita por "Spacemen 3", excepto "Transparent Radiation", que es una versión de Red Krayola del álbum de 1967 "The Parable of Arable Land". La banda también toma prestado el estándar gospel "In My Time of Dying" en "Come Down Easy" y rinde homenaje a Lou Reed en "Ode to Street Hassle".

Existen críticas para este disco, el enfoque de la banda en el consumo de drogas y la fuga de la realidad, en lugar de buscar la iluminación o el despertar espiritual, le da a este álbum un tono oscuro y existencialista. ¿Mi opinión? Cada uno con sus interpretaciones personales, yo, por mi parte, no estoy animando a nadie.

Dicho esto, "The Perfect Prescription" ha tenido una influencia significativa en otros músicos y bandas. La combinación única de rock psicodélico y alternativo del álbum ha sido citada como una gran influencia por bandas como Jessamine, Bardo Pond y Brian Jonestown Massacre. Además, el álbum ha sido reconocido como un trabajo pionero que allanó el camino para otras bandas como Ride, Loop, Galaxie 500 y Mercury Rev. El sonido único del álbum y su enfoque innovador en la creación de álbumes continúan inspirando a nuevas generaciones de artistas.

Otros aspectos del álbum "The Perfect Prescription":

El posterior trabajo posterior de Sonic Boom con "Spectrum" y "E.A.R." se escucha a través de la repetición del corte "Transparent Radiation". Es increíble escuchar la entrega sin aliento de Sonic del clásico Red Krayola, combinada con el elegante arreglo. Mientras tanto, "Walkin' With Jesus" es prácticamente el nacimiento de "Spiritualized", las muy diferentes tomas anteriores ahora se convierten en una combinación reflexiva de guitarra acústica, líneas de teclado de dos notas y el anhelo y el deseo doloroso de Jason Pierce. 

Y añado, este disco cuenta con artistas invitados de "The Jazz Butcher", incluido Alex Green en el saxo, quien ayuda a ampliar el rango sonoro del disco.

 

Disco recomendado

 
En general, encontrarás una vibra del "Velvet Underground" junto con algunos temas innovadores, agradables y tranquilos, aunque el tema esté "influenciado totalmente por la temática de las drogas". Spacemen 3 fue inequívocamente pionero en el aspecto hipnótico del género space-rock/shoegaze. Este LP bien puede ser un candidato firme como una de las joyas musicales más relajadas de todos los tiempos del Rock.

Por último, esta es la declaración definitiva de los Spacemen y la base de los mundos sonoros que Peter Kember y Jason Pierce pasarían el resto de sus respectivas carreras musicales expandiéndose en direcciones muy diferentes.

Encuentra este álbum, siéntate, relájate y escucha esto de principio a fin sin paradas. Lo que hagas para acompañar depende de ti. Es un disco brillante, una experiencia psicodélica de rock chill out. Una "banda sonora" para un (tu) "viaje".

Video del tema "Take Me to the Other Side":

Tracklist (formato original):

1.         "Take Me to the Other Side" 4:40
2.         "Walkin' with Jesus"              5:03
3.         "Ode to Street Hassle"                      3:54
4.         "Ecstasy Symphony"             1:54
5.         "Transparent Radiation (Flashback)" 9:03
6.         "Feel So Good"                     5:24
7.         "Things'll Never Be the Same"          5:58
8.         "Come Down Easy"              6:42
9.         "Call the Doctor"                   3:45 

Personal - Músicos:

• Pete Kember (Sonic Boom): guitarra, voz, trémolo, órgano
• Jason Pierce - guitarra, voz, órgano, órgano Farfisa
• Peter Bain - bajo
• Sterling “Rosco” Roswell - batería, percusión

Personal adicional - invitados:

• Alex Green - saxofón
• Mick Manning - trompeta
• Owen John - violín

LOW - I Could Live in Hope

ALBUM: I Could Live in Hope

 
El álbum debut de estudio de la banda estadounidense de indie rock "Low". Fue publicado el 2 de diciembre de 1994. Se dice que es parte de una reacción al estilo duro del rock alternativo de principios de la década de 1990, especialmente cuando el grunge era popular. Low "evitó la composición convencional en favor del estado de ánimo", lo que animó a muchos a citarlos como "pioneros del slowcore": es decir, música de ritmo lento impulsada por instrumentos que mantiene una estética indie. Sin embargo, ninguna categoría puede revelar verdaderamente la belleza del disco debut de Low.

Influenciada por "Brian Eno" y los ingleses "Joy Division", la banda, en colaboración con el veterano productor y figura del underground neoyorkino Mark Kramer, favoreció composiciones de ritmo lento, un mínimo de instrumentación y una economía de lenguaje. Considerado un trabajo fundamental en el género slowcore, este álbum se caracteriza por su sonido escaso y melancólico y su enfoque minimalista, con composiciones simples. El uso que hace la banda de tempos tranquilos y lentos y de inquietantes armonías vocales crea una experiencia auditiva profundamente atmosférica y emocionalmente resonante.

Sin embargo, aunque contiene un "feel" oscuro, "I Could Live in Hope" es un viaje increíblemente alegre de espíritu y sensibilidad compositiva. El disco permanece suave y escaso en todo momento (solo guitarra, bajo, charles y caja, y voces angelicales del equipo formado por marido y mujer formado por Alan Sparhawk y Mimi Parker).

En esta obra "Low" examina sus propios miedos y experiencias inquietantes, vinculandose ocasionalmente con referencias bíblicas, mientras consuela a los oyentes con cálidas capas de voces etéreas y ondas de reverberación de guitarra. Las canciones son títulos simples de una palabra y eso es todo lo que requieren; más información arruinaría la elegancia del disco.

Quizás por eso el álbum abre con "Words", una canción sobre el uso excesivo e incorrecto del lenguaje, que marca la pauta de todo el álbum, hasta su quejosa y apasionada versión de "Sunshine". Cada pequeño matiz de la producción es evidente al capturar los paisajes sonoros más exuberantes. Por lo tanto, "I Could Live in Hope" para mí es un debut casi impecable, producido con destreza por Mark Kramer. Cada canción es vital y es una pieza integrada del rompecabezas más grande. El estado de ánimo general y la atmósfera del álbum, con un enfoque en crear una sensación de estado de ánimo y movimiento en lugar de la composición convencional, es contemplativo e hipnótico, centrándose tanto en el espacio que ocurre entre las notas como en las notas mismas.

Aquí hay algunas canciones destacadas: "Cut", "Rope", "Lullaby", "Down", "Lazy", "Fear" - quizás la canción más fuerte. Un disco en general absolutamente impresionante.

Por último, este LP dejó un legado. Con un "ritmo sin precedentes en la entonces floreciente escena underground", "I Could Live in Hope" ayudó a dar origen al género "slowcore" y fortalece el "dream pop", estilos que abarcan bandas desde "Bedhead" hasta "Codeine" en la década de 1990.

Disco recomendado

 
"I Could Live in Hope" de Low es un importante álbum debut que sentó las bases para el sonido característico de la banda y los estableció como pioneros del "género slowcore". El enfoque minimalista del álbum, las inquietantes armonías vocales y los temas introspectivos han dejado un impacto duradero en la industria musical y continúan resonando entre los oyentes. "Low" pueden ser etiquetados como "slowcore", pero en realidad simplemente hacen que la música hermosa parezca sencilla.

Busca este disco, es realmente hermoso.

Video del tema "Rope":

Tracklist: 

1.         "Words"           5:45
2.         "Fear"              2:12
3.         "Cut"               5:43
4.         "Slide"            3:46
5.         "Lazy"             5:35
6.         "Lullaby"        9:46
7.         "Sea"               1:45
8.         "Down"           7:24
9.         "Drag"             5:11
10.       "Rope"            6:11
11.       "Sunshine" (Oliver Hood)      2:59

Músicos:

• Alan Sparhawk - guitarra, voz
• Mimi Parker - percusión, voz
• John Nichols - bajo

 Mark Kramer – producción

Video del impresionante tema "Lullaby":

EMITT RHODES - Emitt Rhodes - Album

Quiero llamar tu atención sobre un músico maravilloso y talentoso junto con uno de sus álbumes que ha estado relativamente perdido en el tiempo, excepto dentro del circuito pop y power pop underground donde el artista y el LP han alcanzado un estatus de culto.

Estoy hablando del músico prodigio EMITT RHODES y su disco homónimo de 1970.

 

¿Quién era Emitt Rhodes?

 

Emitt Lynn Rhodes fue un cantautor, multi-instrumentista e ingeniero de grabación estadounidense. A los 14 años, Rhodes comenzó su carrera en el conjunto "The Palace Guard" como baterista del grupo antes de unirse a la formación "The Merry-Go-Round" como multi-instrumentista. Con el tiempo y bajo sus trabajos en solitario Emitt Rhodes se ganaría el título de "One-Man Beatles" debido al estilo y habilidad de su composición e instrumentación. Su álbum homónimo - "Emitt Rhodes" - de 1970 suena como si hubiera sido grabado por los cuatro de Liverpool.

Como miembro de "The Merry-Go-Round", Rhodes escribió o coescribió once de las doce canciones del primer y único álbum de la banda, editado en 1967. Durante los dos años siguientes, Rhodes escribió y grabó varias canciones en orden para cumplir con una obligación contractual que la banda tenía con "A & M Records". Tras la disolución de la banda, esas canciones se lanzaron como el álbum "The American Dream (1970)", un álbum acreditado a Rhodes pero publicado sin su participación.

Por lo tanto, el álbum debut en solitario de Emitt Rhodes generalmente se considera su lanzamiento homónimo de 1970, que grabó en el estudio de su casa. Luego grabó y editó dos álbumes en solitario más, "Mirror" (1971) y "Farewell to Paradise" (1973).

Su carrera terminó en 1973 debido a un juicio con su sello "Dunhill". El sello afirma que Rhodes firmó un acuerdo para publicar un álbum cada 6 meses, una hazaña difícil de lograr para cualquier artista teniendo en cuenta que Rhodes tardó entre 8 y 9 meses solo en el disco "Emitt Rhodes".

Silencioso durante décadas, se convirtió en una figura de culto de la música pop psicodélica.

 

ALBUM: Emitt Rhodes

 
El segundo álbum del músico Emitt Rhodes, publicado en 1970, aunque generalmente se considera su álbum debut, ya que "The American Dream" (como se menciona anteriormente) era una obligación contractual, lanzado sin la participación de Rhodes.

Emitt Rhodes grabó su LP homónimo en el estudio de su casa poco después de disolver la banda "The Merry Go-Round".  En lugar de grabar con una banda o utilizar músicos de estudio, el multi-instrumentista decidió construir un pequeño y primitivo estudio en casa y grabar el disco completo allí. Emitt Rhodes grabó los instrumentos en una grabadora de cuatro pistas y luego se acercó al sello "Dunhill", quien le dio un contrato. Posteriormente transfirió las grabaciones instrumentales de cuatro pistas a una grabadora de ocho pistas para agregar las voces en los cuatro canales adicionales usando un micrófono de calidad. Los resultados son sorprendentes, además teniendo en cuenta que Rhodes solo tenía 20 años. En una entrevista con "Mojo Magazine", Rhodes declaró:

"Cuando grabé "Emitt Rhodes", básicamente estaba invirtiendo en mí mismo. Así fue como yo lo vi. Gasté todo el dinero que gané haciendo los discos con la compañía discográfica para comprar el equipo que usé para hacer mis propios discos".

Este disco es ampliamente considerado como un clásico de la época, una colección de 12 canciones de pop casi perfectas que muestran el talento musical y composición de Rhodes. Los críticos y fans elogian este LP por sus melodías, canciones pop ricamente detalladas y meticulosamente elaboradas, y la individualidad de Rhodes brilla a través de la música. Este LP también se describe como una destilación del piano pop predominante en ese momento, con comparaciones del trabajo de Paul McCartney y The Beatles. Temas como "With My Face on the Floor", "Live Till You Die" y "Someone Made For Me" se destacan como ejemplos del genio de Rhodes y el atractivo perdurable del álbum.

Escuchando esta obra en su totalidad, no hay duda de que Emitt Rhodes estuvo influenciado por los "Beatles", y en particular por Paul McCartney, quien prevalece en el enfoque musical de Rhodes aunque pone su sello personal en sus canciones. Por lo tanto, se le dio a Rhodes el término "One-Man Beatles", siendo la canción antes mencionada "Live Till You Die" un excelente y claro ejemplo, ya que el tema suena como los "Beatles" y especialmente George Harrison en la guitarra. Para profundizar en la comparativa de los "Beatles", también algunos críticos han mencionado que este disco suena como un segundo álbum de "Ram", de McCartney. En cualquier caso, si eres fan de los "Beatles" seguro que te encantará, mientras que si simplemente eres un seguidor de la música pop será un verdadero descubrimiento si no estás familiarizado con él.

Dicho todo esto, el meticuloso estilo de grabación de Rhodes va más allá y también incorpora una amplia gama de sonidos de finales de los años 60 y principios de los 70, incluido el folk-rock al estilo "Byrds", la psicodelia melódica y los ganchos pop que recuerdan a otras bandas como "The Raspberries", y más recientes "Big Star". De este modo la música de Rhodes en este LP representa muchos nichos y facetas diferentes de la escena musical pop y rock de los años 60-70, lo que hace que el álbum sea una excelente escucha tanto para los veteranos de la música de los años 60-70 como para aquellos melómanos que buscan una excelente introducción a la atmósfera sonora de la época.

 

Disco Recomendado

 
Para mí, este es uno de los mejores álbumes pop de la década de 1970. El disco es quizás uno de los álbumes más pasados por alto y menospreciados de todos los tiempos. Una auténtica joya perdida de la música pop que merece ser redescubierta y disfrutada por los amantes de la música. Será amado por los fans de los "Beatles" sin duda debido a su enfoque musical similar, pero también permite brillar solo al intérprete y resaltar los maravillosos talentos musicales de Emitt Rhodes.

Por último, a pesar de los desafíos que enfrentó en su carrera, la música de Emitt Rhodes sigue resonando, convirtiéndose en una figura de culto en el mundo del pop (power pop).

Video del tema "Live Till You Die":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "With My Face on the Floor" 3:06
2.         "Somebody Made for Me"     2:23
3.         "She's Such a Beauty"            2:21
4.         "Long Time No See"  3:14
5.         "Lullabye"       1:05
6.         "Fresh as a Daisy"      2:46 

Cara B:

1.         "Live Till You Die"    2:44
2.         "Promises I've Made" 3:21
3.         "You Take the Dark Out of the Night"         2:54
4.         "You Should Be Ashamed"   2:38
5.         "Ever Find Yourself Running"          2:34
6.         "You Must Have"       2:04

BRIAN SETZER - Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records - Album

Es un músico y guitarrista extraordinario. Sus días con la banda "Stray Cats" me convencieron para convertirme en fan y su carrera en solitario es igual de impresionante. Quiero dedicarle un post en este blog de música a Brian Setzer y recomendarte un disco suyo, "Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records" que sé que disfrutarás.

 

¿Quién es Brian Setzer?

 
Brian Robert Setzer (nacido 1959) es un guitarrista, cantante y compositor estadounidense. Encontró un gran éxito a principios de la década de 1980 con el grupo de rockabilly "Stray Cats", y regresó a la escena musical a principios de la década de 1990 con su banda de swing revival, "The Brian Setzer Orchestra".

Tres veces ganador del premio Grammy, ha logrado un hito tras otro en su carrera. Ha vendido millones de álbumes y es un "músico de músicos" al que se le atribuye arriesgarse continuamente con estilos musicales innovadores y atrevidos. A Setzer se le atribuye ampliamente el mérito de tomar dos géneros olvidados, el rockabilly y el swing, agregarles su propia mezcla y reinventarlos por completo y resucitarlos sin ayuda de nadie en el proceso.

 

ALBUM: Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records

 
Un vinilo 2xLP publicado originalmente en 2005. Ha sido reeditado en 2021. 

El músico rinde homenaje al legendario sello de Memphis, Tennessee, "Sun Records", que produjo algunas de las mejores y más icónicas músicas de la década de 1950. Brian Stezer rinde homenaje a los nombres más importantes de la década de 1950, incluidos Carl Perkins, Johnny Cash, Jerry Lee Lewis, Elvis Presley y más.

La idea de Brian Setzer está claramente expresada en el título y la ejecución es más o menos lo que esperarías de uno de los grandes revivalistas del rockabilly de la música contemporánea. El músico se toma un descanso en la "composición" y limita su enfoque aproximadamente desde 1954 hasta principios de 1957 y se queda con la música producida por el rey de los sellos discográficos de música country; y Setzer lo hace realmente bien. De hecho, Setzer aborda el proyecto como un purista musical. Al grabar en Tennessee, su banda utilizó micrófonos antiguos y creó efectos de eco con una vieja cisterna de agua. El baterista Bernie Dressel estudió y tocó sus partes exactamente como aparecían en su forma original, y Setzer abordó sus partes de guitarra de la misma manera.

El conjunto de 23 canciones está lleno de opciones obvias como "Blue Suede Shoes" y "Boppin' the Blues" de Carl Perkins y "Get Rhythm" de Johnny Cash, pero también está dominado por artistas menos conocidos como Kenny Parchman, Ernie Barton y Tommy Blake. Brian Setzer incluso localizó a Jumpin' Gene Simmons para terminar "Peroxide Blonde in a Hopped Up Model Ford" cuando se descubrió que parte de la copia maestra original había sido borrada. Sorprendentemente, Elvis está representado sólo por la canción "Just Because", un breve homenaje al Rey que también ilustra cómo muchos otros artistas habían producido música casi tan vital desde el mismo pequeño estudio de grabación en Memphis.

Setzer llama colaboradores a los "Jordanaires" para que hagan coros, aportando aún más autenticidad a este doble disco. Las versiones elegidas son sencillas, con bajo, batería minimalista, piano acústico y saxo ocasional que aportan todo el toque instrumental. Lo que personalmente disfruto son los ardientes solos de guitarra de Brian Setzer que suenan sencillos, mezquinos y nunca dominan las canciones. Está en una forma brillante; claramente tiene el corazón en ello y parece que realmente lo está disfrutando.

Esta es una hora de música divertida, sin baladas y sin interrupciones de rockabilly clásico que muestra cuánta buena música surgió en un período tan corto y de un solo sello discográfico - "Sun Records". Los fans de Brian Setzer estarán encantados y aquellos que escuchen estas canciones por primera vez querrán volver para explorar de primera mano la rica historia del género.

 

Disco recomendado

Este álbum es un trabajo de amor. Dicho de manera simple, si te gusta el rockabilly o el rock'n'roll temprano, esto te encantará.

Video del tema "Boppin' The Blues":

Tracklist (original 2xLP) 

A1                   Red Hot - Written by William R. Emerson
A2                   Slow Down - Written by Jack Earls
A3                   Real Wild Child - Written by David Owens, John Greenan, John O'Keefe
A4                   Rockhouse - Written by Harold L. Jenkins, Sam C. Phillips
A5                   Put Your Cat Clothes On - Written by Carl Perkins
A6                   Lonely Weekends Backing Vocals – The Jordanaires - Written by Charlie Rich
A7                   Get It Off Your Mind - Written by Kenny Parchman 

B1                   Just Because - Written by Bob Shelton, Joe Shelton, Sydney Robin
B2                   Glad All Over - Written by Aaron Schroeder, Roy C. Bennett, Sid Tepper
B3                   Flatfoot Sam - Backing Vocals – The Jordanaires- Written by Clara V. Wills
B4                   Rock'n'Roll Ruby - Written by John R. Cash
B5                   Blue Suede Shoes - Written by Carl Perkins
B6                   Tennessee Zip - Written by Kenny Parchman

SWEET - Desolation Boulevard - Album

Una de las grandes bandas que surgió de la escena británica del Glam Rock fue "Sweet". Un grupo que se hizo famoso no sólo por sus pegadizas canciones sino también por sus trajes espacio-galácticos, que eran estrambóticos. Por cierto, algo "normal" dentro del glam de los 70.

The "Sweet" se hicieron grandes en los Estados Unidos y aunque el Glam Rock se desvaneció, hoy su música sigue resonando porque era (es) realmente divertida y melódicamente pegadiza.

Quiero recomendarte uno de sus discos.

 

¿Quien era la banda "Sweet"?

 

Un grupo británico de glam rock formado en Londres en 1968 que saltó a la fama en la década de 1970. Su formación más conocida estaba formada por el vocalista principal Brian Connolly, el bajista Steve Priest, el guitarrista Andy Scott y el baterista Mick Tucker. El grupo originalmente se llamó "The Sweetshop".

Después de un éxito local relativamente admirable con el glam, la banda recurrió más a un estilo más hard rock con el sencillo "Turn It Down" de 1974. Siguiendo esta línea, con el éxito "Fox on the Run" (1975) alcanzaron el #2 en las listas del Reino Unido. Estos resultados fueron superados en Alemania Occidental y otros países de la Europa continental. También lograron mucho éxito y popularidad en Estados Unidos con los éxitos "Little Willy", "The Ballroom Blitz" y "Love is Like Oxygen", su último éxito internacional en 1978.

Brian Connolly dejó el grupo en 1979 para comenzar una carrera en solitario y los miembros restantes continuaron como trío hasta su disolución en 1981. Brian Connolly murió en 1997, Tucker en 2002 y Priest en 2020.

La banda "Sweet" ha vendido más de 35 millones de álbumes en todo el mundo.

Su mejor disco, para mí, es el LP de 1974 "Desolation Boulevard".

 

ALBUM: Desolation Boulevard

 
Es el tercer disco de estudio de la banda británica de glam rock "Sweet", publicado originalmente en el Reino Unido en noviembre de 1974. Se lanzaron dos versiones notablemente diferentes del álbum: una por RCA Records en Europa y otra por Capitol Records en los Estados Unidos, Canadá y Japón.

La versión RCA contiene el sencillo "Turn It Down" y la grabación original de "Fox on the Run". La versión Capitol (la mejor de las dos para mí), fue editado en los Estados Unidos en julio de 1975, donde incluye el exitoso sencillo de 1973 de la banda, "The Ballroom Blitz", y la versión single de "Fox on the Run". En los EE. UU., el álbum alcanzó el #25 el 25 de octubre de 1975. Este álbum es una mezcla de power-pop, heavy-rock y canciones aptas para la radio que han resistido la prueba del tiempo.

La portada del álbum fue realizada por el grupo de diseño artístico "Hipgnosis", famoso por trabajar con artistas como Pink Floyd, Genesis, The Alan Parsons Project y Led Zeppelin. La foto de fondo fue tomada cerca de la entrada de un club de música rock llamado "Filthy McNasty 's", ubicado en 8852 Sunset Boulevard en West Hollywood, California. Hoy en día, es el sitio de "The Viper Room".

"Desolation Boulevard" es para mí el mejor álbum de "Sweet". Aquí la banda combina power pop y metal. La banda alcanza la cima de sus poderes en "Desolation Boulevard", una gran colección de melodías "glam" y grandes "hooks". El disco en realidad consta de tres grandes canciones impulsadas por un montón de buenos rellenos. Los singles en cuestión son el enorme éxito "Ballroom Blitz" (un favorito de todos los tiempos), "The 6-Teens" y "Fox on the Run", tres adictivos trozos de dulce glam rock. Los rellenos son agradables, con "Sweet F.A.", "I Wanna Be Committed" y "No You Don't" que suenan como una especie de prototipo extraño de los "Ramones".

Sigue siendo un álbum importante e influyente en la historia del Glam Rock británico, y su impacto todavía se siente en la industria musical actual. "Desolation Boulevard" fue innovador en el momento de su lanzamiento y ha sido citado como una gran influencia en el rock de famosas bandas como KISS, Mötley Crüe y Def Leppard.

 

Disco recomendado

Si estás buscando sumergirte en la banda "Sweet", este es el álbum. Un disco divertido y que suena sorprendentemente fresco hoy en día, incluso con todas sus técnicas de producción kitsch de los años 70. Una obra Hard Rock Glam que representa "Sweet" en su versión más heavy y es mi favorito personal de esta banda. 

Video del tema "Fox on the Run":

Tracklist (original LP version US):

Cara A:

"Ballroom Blitz" (Chapman, Chinn) – 4:00
"The Six Teens" (stylized as "The 6-Teens") (Chapman, Chinn) – 4:04
"No You Don't" (Chapman, Chinn) – 4:36
"A.C.D.C." (Chapman, Chinn) – 3:28
"I Wanna Be Committed" (Chapman, Chinn) – 3:14

Cara B:

"Sweet F.A." (Scott, Tucker, Connolly, Priest) – 6:16
"Fox on the Run" (Scott, Tucker, Connolly, Priest) (version single) – 3:28
"Set Me Free" (Scott) – 3:59
"Into the Night" (Scott) – 4:25

Musicos:

• Brian Connolly - voz principal
• Steve Priest – bajo, voz principal (pista 3 de EE. UU.), coros
• Andy Scott: guitarras, sintetizador, voz principal (pista 9 de EE. UU.), coros
• Mick Tucker - batería, percusión, coros

SHERELLE - Fabric Presents Sherelle - Album

Voy a recomendar un disco concepto "Dj mix" para el fan de la música electrónica. Un CD titulado "Fabric Presents Sherelle" del ya asentado y prestigioso Dj británico "SHERELLE" que se ha hecho un hueco dentro de la escena drum and bass.

SHERELLE (Dj)

 
Sherelle Camille Thomas, conocida artísticamente como SHERELLE (estilizada en mayúsculas), es una DJ y músico británica de música electrónica. Tiene experiencia en dancehall y música rave, y Sherelle es mejor conocida por sus sesiones y mezclas de DJ. Sherelle también es conocida por cofundar el sello "Hoversound" con Naina y por fundar "BEAUTIFUL" (estilizado en mayúsculas), un sello y proyecto musical para músicos negros y de LGBT.

Sherelle es conocida por el ritmo de 160 pulsaciones por minuto en su música: jungle o drum & bass. Su música se considera hardcore y, cuando actúa como DJ, a menudo mezcla música lanzada a lo largo de varias décadas. Sus sesiones y mezclas de DJ también han sido descritas como breakbeat, acid house y footwork.

 

ALBUM: Fabric Presents Sherelle

 

Publicado el 26 de noviembre de 2021, este es un tributo de alta energía a los ritmos de la jungle, el footwork, con un BPM que rara vez cae por debajo de 150 BPM. Es una mezcla recopilatoria seleccionada para la serie de "fabric" (famoso Club londinense).

Sherelle presenta una mezcla agresiva pero extática de música dance, fusionando temas breakbeat de la vieja escuela, hardcore y jungle, además de producciones más nuevas con el mismo espíritu, y estableciendo conexiones entre las escenas rave del Reino Unido y las comunidades de footwork de Chicago.

Tiene otras sesiones, pero con esta Sherelle comienza profundamente en un estado de frenesí eufórico, con un tema lleno de sirenas de 1993 de Cloud 9 (también conocido como Nookie) antes de pasar sin esfuerzo a cortes producidos casi tres décadas después por Tim Reaper, Dev/ Null, Dwarde y otros de la escena neo-jungle. El set pasa por varios momentos de breakbeats explosivos, solo para ser atenuado con sintetizadores exuberantes y aireados y samples suaves.

La producción propia de Sherelle, "Jungle Teknah", se destaca en el centro del disco (mix), combinando bombos rápidos y ritmos aleatorios con agudos toques de piano. Siguiendo pistas incondicionales nuevas y antiguas, incluida una joya de QBass; el set se desliza hacia el modo de "footwork" con producciones de Kush Jones, DJ Rashad, AceMo y otros, con un remix de RP Boo de una pista de Basic Rhythm que es un vívido híbrido de Chicago y del Reino Unido. El tramo final de la mezcla no es más que una jungle asesina, y solo se vuelve más intensa hasta llegar a la línea de meta.

 

Disco recomendado

Si te gusta la música electrónica, especialmente el "jungle" rápido, lo disfrutarás. Mezcla techno  de la vieja escuela, acid rave y breakbeat hardcore con footwork en un emocionante set de 75 minutos.

Video del tema "The Clash - Sherelle feat: Dub One":

Tracklist (CD):

1. You Got Me Burnin' - Sherelle feat: Cloud 9 - 03:00
2. Globex Corp, Vol. 1. A1 - Sherelle feat: Dwarde / Tim Reaper - 02:36
3. DarkPhase - Sherelle feat: Dev/Null / Dev / Null - 03:35
4. The Howler - Sherelle feat: Champa B - 03:47
5. U92 [FFF Remix] - Sherelle feat: NewKiller - 03:31
6. Oasis - Sherelle feat: S. Kid - 02:43
7. The Path, Pt. 2 - Sherelle feat: Gridzone - 02:36
8. Feel Real - Sherelle feat: Aphrodite / Nutty Jim - 02:23
9. Rivers of Blood [VIP] - Sherelle feat: R-Core - 02:24
10. Greed and Prejudice - Sherelle feat: Vince Rollin - 02:24
11. JUNGLE TEKNAH - Sherelle - 02:11
12. Pinnacle, Pt. 2 - Sherelle feat: Innercore - 01:59
13. The Dark - Sherelle feat: NewKiller - 02:36
14. Deepa - Sherelle feat: QBass - 02:05
15. F*ck Off - Sherelle feat: Kush Jones - 03:24
16. Acid Bit - Sherelle feat: DJ Rashad - 02:00
17. Perpetrator - Sherelle feat: AceMo - 03:48
18. SUPER GALACTIC - Sherelle feat: INVT - 02:24
19. Destroy the Matrix - Sherelle feat: Neuropunk - 01:59
20. House Monster - Sherelle feat: DJ Phil - 02:22
21. 2 Da Core [RP Boo Remix] - Sherelle feat: Basic Rhythm - 02:01
22. Bite Off the Hand That Feeds You - Sherelle feat: LCY - 01:23
23. Sanity Melting - Sherelle feat: The Response - 03:36
24. Losing Control - Sherelle feat: Worldwide Epidemic / Tim Reaper - 02:24
25. You Got Me [Sanz Remix] - Sherelle feat: The Fringe - 03:11
26. Navigator - Sherelle feat: Aphrodite - 03:12
27. The Clash - Sherelle feat: Dub One - 06:02