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BEASTIE BOYS - Paul's Boutique - Album

En 2009 escribí un pequeño post sobre el disco "Paul´s Boutique" de los "Beastie Boys". Hace unos días volví a escucharlo y realmente es la o*stia. Estaba alucinando con la cantidad de "samples" usados de tantos diferentes géneros y artistas y,  el cambio de dirección musical que tomaron el trío: es impresionante. Estoy de acuerdo con los fans y críticos, es uno de los grandes álbumes en la historia. 

Y aunque el disco siguiente "Check Your Head" de 1992 sigue siendo para mi el mejor álbum de los Beastie Boys, voy a dar espacio de nuevo a "Paul´s Boutique" en el blog, pero esta vez con más detalle y análisis.
 

ALBUM: Paul's Boutique

 
Segundo álbum de estudio del grupo estadounidense de hip hop Beastie Boys  (Michael "Mike D" Diamond, Adam "MCA" Yauch, and Adam "Ad-Rock" Horovitz) publicado el 25 de julio de 1989 por "Capitol Records". La portada es una fotografía de Ludlow Street (tomada desde 99 Rivington Street), acreditada a Nathanial Hörnblowér, pero fotografiada por Jeremy Shatan, quien fue el bajista original de los Beastie Boys, cuando eran conocido como "The Young Aborigines". El titulo del disco lleva el nombre de una tienda de ropa ficticia.

ALBUM: Paul's Boutique de BEASTIE BOYS

Es considerado como una obra maestra del hip hop. Con su lanzamiento, el disco se alejó de los ritmos más comerciales del rap y se centró en una mezcla de samples y beats únicos. A lo largo de este blog post, exploramos juntos este álbum clásico desde diferentes perspectivas y analizaremos su impacto significativo en la música y la cultura.

Además de su destacada producción, "Paul 's Boutique" también cuenta con letras ingeniosas y pegadizas. Las canciones abordan temas como la vida en la ciudad, la cultura pop y la sociedad estadounidense de la época. Uno de los temas más emblemáticos del álbum es "Hey Ladies".

Pero ¿qué hay detrás de la creación de este álbum icónico?

 
Los Beastie Boys trabajaron en "Paul 's Boutique" durante más dos años, y se dice que la grabación fue un proceso intenso y exhaustivo. La formación grabó más de 100 horas de material, que luego tuvieron que reducir a las 15 canciones que finalmente aparecieron en el álbum.

El disco fue grabado en un momento en que los Beastie Boys estaban en una encrucijada en su carrera. Después del super éxito de su álbum debut "Licensed to Ill", los chicos se encontraron en una posición difícil, tratando de equilibrar su imagen pública de "gamberros" (y de "white rappers") con su deseo de evolucionar musicalmente y tener una credibilidad seria dentro del mundo rap dominado por afro-americanos. "Paul 's Boutique" fue el intento de alejarse del sonido de comercial de "Licensed to Ill" y demostrar que la banda era capaz de crear música mucho más sofisticada y madura.

"Paul 's Boutique" es ahora una obra que no solo es importante para los fans de Beastie Boys, sino también para la historia de la música en general. Con su producción innovadora y letras inteligentes, sigue siendo un ejemplo de cómo la música puede ser una forma de arte verdaderamente transformadora.

Aparte de "Hey Ladies" mencionado anteriormente, el álbum "Paul's Boutique" también cuenta con otras canciones destacadas y populares. Una de ellas es "Egg Man", que presenta un sample de la canción "Get Out of My Life, Woman" de Lee Dorsey. La canción es una mezcla única de rap y funk. Otra canción que no se puede pasar por alto es "High Plains Drifter", que presenta un sampleo de la canción "Low Rider" de War. El tema es un homenaje al oeste americano y cuenta con rimas ingeniosas y una producción impresionante. También hay cortes más experimentales en el álbum, como "B-Boy Bouillabaisse", que es una mezcla de varias pistas cortas que se unen para crear una obra maestra de casi 12 minutos.

El álbum fue producido por los "Dust Brothers", quienes utilizaron una gran cantidad de samples para crear el sonido único del disco. A pesar de que el disco tuvo poco éxito comercial comparado con el anterior de Beastie Boys, "Licensed to Ill", es considerado una auténtica obra maestra del hip hop y un hito en la historia del género. Con lo cual es un álbum que no puede faltar en la colección de cualquier fan del hip hop. Su mezcla de estilos, letras ingeniosas y producción impresionante, hace que sea una obra completa que sigue siendo relevante y emocionante hasta el día de hoy.

Un elemento interesante por destacar es que "Paul 's Boutique" fue un álbum que desafió las expectativas de la industria musical de la época. En un momento en que el hip hop estaba en pleno auge, los Beastie Boys decidieron alejarse del sonido más fácil y comercial y producir un disco que fuera una mezcla única de diferentes géneros musicales. De esta manera se convirtió en una obra adelantada a su tiempo.

Un aspecto de ese "adelanto" es su uso innovador de samples. Los Beastie Boys tomaron fragmentos de canciones de diferentes artistas y los mezclaron para crear nuevas piezas musicales. Este enfoque creativo no solo les permitió producir un sonido único, sino que también les permitió homenajear a los artistas que los inspiraron. 

Por otro lado, es importante mencionar que "Paul 's Boutique" también es un álbum que refleja la cultura de Nueva York de la década de 1980. Las letras de las canciones hablan sobre la vida en la ciudad, desde la perspectiva de tres jóvenes que crecieron en ella. Los Beastie Boys hablan sobre la moda, la comida, la música y la vida nocturna de Nueva York, y lo hacen de una manera que es auténtica, honesta y graciosa.

En definitiva, "Paul 's Boutique" es un LP que va más allá de la música. Es una obra de arte que refleja la creatividad y la innovación de los Beastie Boys, así como la cultura de Nueva York de la década de 1980. Su contenido lírico es tan relevante hoy como lo fue hace más de tres décadas, y su legado sigue inspirando a artistas de todo el mundo.

Beastie Boys

La historia detrás de la creación de "Paul's Boutique"

 
La producción del álbum estuvo a cargo de los Dust Brothers, un dúo de productores que habían trabajado previamente con artistas como Tone-Loc y Young MC. Los Dust Brothers tenían una visión clara de lo que querían lograr con "Paul 's Boutique": crear un álbum que fuera una mezcla de samples y sonidos nuevos y originales.

El proceso de producción fue largo y complicado. Los Dust Brothers trabajaron en el álbum durante dos años, manipulando y combinando samples de más de 100 fuentes diferentes. La complejidad en la producción y la mezcla de los samples fue lo que hizo que el álbum fuera tan innovador y original.

Además de la producción, la lírica del álbum también fue un proceso largo y complicado. Los Beastie Boys trabajaron en las letras durante años, tratando de crear algo que fuera más profundo y significativo que las letras de "Licensed to Ill".

Una exploración de los samples usados en Paul's Boutique

 
Los samples son una característica distintiva del álbum. En términos simples, un sample es un fragmento de una grabación existente que se utiliza en una nueva canción. En “Paul's Boutique” encontramos ejemplos ingeniosos del uso de samples. Desde el uso de "Rapper 's Delight" en "Shadrach", hasta "Bring the Noise" en "B-Boy Bouillabaisse", los Beastie Boys encontraron una forma de incorporar todos los elementos clásicos del hip hop.

El álbum también incorpora samples de otros géneros musicales. En la canción "Hey Ladies", los Beastie Boys samplearon la canción "Hush" de la banda de rock Deep Purple. Este sampleo le dio a la canción un toque de rock clásico. Otro ejemplo interesante de sampleo en el álbum es en la canción "High Plains Drifter". En esta canción, los Beastie Boys samplearon la canción "Rockin' Chair" de la banda de rockabilly Gwen Davis. Este sampleo le dio a la canción un sonido retro.

En fin, abajo está el tracklist y la lista de samples utilizados (los que yo sé) en cada cancion y es realmente alucinante.

* Unas notas extras: dudo mucho que este álbum se pudiera hacer hoy. Con tantos samples y la necesidad de distribuir "royalties" con los artistas sampleados, haría que fueran una obra poco viable económicamente. Además, los chicos tuvieron que pasar por un largo juicio cuando los demandaron por uso ilegal de los samples. Termino con los Beastie Boys ganando, pero sin antes pasándolo mal.

Beastie Boys y Dust Brothers

 

El impacto de Paul's Boutique: Cómo los Beastie Boys cambiaron el escenario musical

 
En la época del lanzamiento de "Paul 's Boutique", el hip hop y el rap eran relativamente nuevos. El álbum se consideró radical porque combinaba una variedad de estilos y técnicas. "Paul 's Boutique" es un ejemplo de cómo los Beastie Boys influenciaron el curso de la música en las décadas siguientes. Se volvieron más influyentes en su género, ganando la credibilidad de los afro-americanos y ahora son reconocidos como una de las bandas más influyentes de la cultura hip hop. En "Paul 's Boutique", el grupo combinó el hip hop con el rock, el funk y el soul. Esta combinación de estilos no solo hizo que el álbum fuera único, sino que también abrió nuevas posibilidades para la música hip hop.

Además de su capacidad para fusionar diferentes géneros musicales, los Beastie Boys también fueron conocidos por sus habilidades de producción. En "Paul 's Boutique", se creó un sonido (una técnica) que era innovador y que se convirtió en un referente para la música hip hop en los años venideros. El álbum también fue innovador en términos de su contenido lírico. Hay temas sociales y políticos en las canciones, lo que fue una rareza en el género del hip hop en ese momento.

Un análisis de las técnicas de producción utilizadas en Paul's Boutique

 
"Paul 's Boutique" es conocido por su uso de técnicas intensivas de producción. Con frecuentes cambios de pista, mezclas complejas y capas de sampleo, el trabajo detrás del álbum es realmente impresionante. Los productores Mike Simpson y The Dust Brothers crearon algo que desafió los enfoques típicos de la producción de la época. El resultado es un sonido que cambió el curso de la música de hip hop.

Como ya está mencionando, otro aspecto interesante de la producción de "Paul 's Boutique" es el uso de samples. Los productores tomaron fragmentos de canciones de diferentes artistas y los incorporaron en el álbum de manera creativa. Ejemplos alucinantes y creativos de samples utilizados incluyen "I'm Waiting for the Man" de The Velvet Underground y "Funky Worm" de Ohio Players. Estos samples no solo agregan textura y profundidad al sonido, sino que también muestran la habilidad de los productores para encontrar y utilizar sonidos únicos. Lo nunca escuchado entonces.

En cuanto a la mezcla, "Paul 's Boutique" es conocido por su uso de técnicas de panoramización. Los productores colocaron diferentes partes de las canciones en diferentes canales de audio, lo que crea una sensación de movimiento y espacio en el sonido. Esta técnica se puede escuchar claramente en canciones como "Shake Your Rump" y "Hey Ladies". En general, "Paul's Boutique" es un obra que destaca por su complejidad y creatividad en la producción.

Dicho esto el impacto en el hip hop también ha sido reconocido por la crítica como un álbum revolucionario. Contiene una gran cantidad de samples que fueron manipulados y combinados de una manera nunca antes vista en el hip hop. La complejidad de las canciones y la habilidad en la producción se convirtieron en una influencia clave para muchos artistas que vinieron después. El legado de "Paul 's Boutique" continúa hasta el día de hoy. Artistas como Kanye West, Eminem y Kendrick Lamar han citado a "Paul 's Boutique" como una influencia importante en su música

En resumen, "Paul 's Boutique" ha dejado una huella indeleble en la música hip hop y en la cultura popular, y sigue siendo una fuente de inspiración para muchos artistas.

Beastie Boys

Disco recomendado


Concluyendo este pequeño análisis de "Paul's Boutique", no se puede pasar por alto la importancia del álbum en la cultura pop. El disco es un ejemplo de cómo una banda, trabajando de manera diligente, puede crear algo realmente único, inspirador y duradero. Para los amantes del hip hop, Beastie Boys creó una obra de arte única que, con certeza, será recordada por generaciones venideras.

Si aún no estás familiarizado con este álbum (o los Beastie Boys), hazte el favor y busca "Paul's Boutique" y escuchalo atentamente. ¡Vas a flipar!


Un 5/5


Video del tema "Looking Down The Barrel Of A Gun"
:


Tracklist (incluye lista de samples utilizados):

1. «To All the Girls» 

Contiene sample de:
"Loran's Dance" de Idris Muhammad - 1:29

2. «Shake Your Rump»        

Contiene samples de:
"Funky Snakefoot" de Alphonse Mouzon
"Super Mellow" de Louis Bellson, Shelly Manne, Willie Bobo y Paul Humphrey
"Tell Me Something Good" de Ronnie Laws
"6 O'Clock DJ (Let's Rock)", "Born to Love You", y "Yo Yo" de Rose Royce
"Jazzy Sensation" de Afrika Bambaataa y The Jazzy 5
"Dancing Room Only" de Harvey Scales
"Get Off" de Foxy
"That's the Joint" de Funky 4 + 1
"8th Wonder" de The Sugarhill Gang
"Unity (Pt. 2 - Because It's Coming)" de Afrika Bambaataa y James Brown
"Rock the House" de The B-Boys  - 3:19

3. «Johnny Ryall»     

Contiene samples de:
"Momma Miss America" by Paul McCartney
"One of These Days" de Pink Floyd
"Magnificent Sanctuary Band" de Donny Hathaway
"Sharon" de David Bromberg
"Mr. Big Stuff" de Jean Knight
"Military Cut - Scratch Mix" de DJ Grand Wizard Theodore and Kevie Kev Rockwell
"AJ Scratch" de Kurtis Blow
"Kool Is Back" de Funk, Inc.
"(You Gotta) Fight for Your Right (To Party!)" and "The New Style" de Beastie Boys - 3:00

4. «Egg Man»

Contiene samples de:
"Superfly" de Curtis Mayfield
"The Murder" de Bernard Herrmann
"Dance to the Music" de Sly & the Family Stone
"Drop It in the Slot" de Tower of Power
"Sport" by Lightnin' Rod feat. Kool & the Gang
"Main Title (Theme From Jaws)" de John Williams
"I'm Ready" de Commodores
"Egg Raid on Mojo" de Beastie Boys
"Bring the Noise" and "You're Gonna Get Yours" de Public Enemy - 2:57 

5. «High Plains Drifter»        

Contiene samples de:
"Those Shoes" de The Eagles
"Up on Cripple Creek" de The Band
"Put Your Love (In My Tender Care)" de The Fatback Band
"Suzy Is a Headbanger" de Ramones
"Your Mama Don't Dance" de Loggins and Messina - 4:13

6. «The Sounds of Science» 

Contiene samples de:
"The End", "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)", "When I'm Sixty-Four", "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", y "Back in the U.S.S.R." de The Beatles
"Walk From Regio's" de Isaac Hayes
"Get Up, Get Into It, Get Involved" de James Brown
"Don't Sniff Coke" de Pato Banton
"My Philosophy" de Boogie Down Productions - 3:11

7. «3-Minute Rule»   

Contiene samples de:
"Brave & Strong" by Sly & the Family Stone
"Feel Good" de Fancy - 3:39 

8. «Hey Ladies»        

Contiene samples de:
"Come Let Me Love You (Instrumental)" de Jeanette "Lady" Day
"Machine Gun" de Commodores
"Magilla Gorilla" de Hoyt Curtin
"Holy Ghost" de Bar-Kays
"Ain't It Funky Now" and "Funky President (People It's Bad)" de James Brown
"Hey DJ" de World's Famous Supreme Team
"The Ballroom Blitz" de Sweet
"Shake Your Pants" de Cameo
"Jungle Boogie" de Kool & the Gang
"So Ruff, So Tuff" de Roger
"Party Time" de Kurtis Blow
"Pumpin' It Up (Special Club Mix)" de P-Funk All Stars
"Jazzy Sensation" de Afrika Bambaataa and The Jazzy 5
"High Power Rap" de Crash Crew
"Change the Beat (Female Version)" de Beside
"Hush" de Deep Purple - 3:47

 9.«5-Piece Chicken Dinner»

Contiene samples de:
"Shuckin' the Corn" by Eric Weissberg and Marshall Brickman - 0:23

10. «Looking down the Barrel of a Gun»    

Contiene samples de:
"Last Bongo in Belgium" de Incredible Bongo Band
“Put Your Hand in the Hand“ de Ocean
"Mississippi Queen" de Mountain
"Time" de Pink Floyd - 3:28

11. «Car Thief»         

Contiene samples de:
"Rien Ne Va Plus" de Funk Factory
"Hurdy Gurdy Man" de Donovan
"I'll Bet You" de The Jackson 5
"Drop the Bomb" de Trouble Funk
"Address to the Crowd" de Max Yasgur - 3:39

12. «What Comes Around»  

Contiene samples de:
"Moby Dick" de Led Zeppelin
"Put on Train" de Gene Harris y The Three Sounds
"It's Hot Tonight" de Alice Cooper - 3:07

13. «Shadrach»         

Contiene samples de:
"Loose Booty" de Sly & the Family Stone
"Funky Drummer" de James Brown
"Never Let 'Em Say" de Ballin' Jack
"Hot and Nasty" de Black Oak Arkansas
"Do Your Dance" de Rose Royce
"King Tim III (Personality Jock)" de The Fatback Band feat. King Tim III
"For Those About to Rock (We Salute You)" de AC/DC
"Say What!" de Trouble Funk
"That's the Joint" de Funky 4 + 1
"Sugarhill Groove" de Sugarhill Gang - 4:07

14. «Ask for Janice»              0:11

15. «B-Boy Bouillabaisse»

Se separan las nueve secciones del "B-Boy Bouillabaisse" suite en :

a. "59 Chrystie Street" (0:57)
b. "Get on the Mic" (1:14)
c. "Stop That Train" (1:59)
d. "A Year and a Day" (2:22)
e. "Hello Brooklyn" (1:32)
f. "Dropping Names" (1:03)
g. "Lay It on Me" (0:54)
h. "Mike on the Mic" (0:48)
i. "A.W.O.L." (1:46)»

Contiene samples de:
"Folsom Prison Blues" de Johnny Cash
"That Lady" de The Isley Brothers
"Loran's Dance" de Idris Muhammad
"Are You Experienced?" de Jimi Hendrix
"Burundi Black" de Burundi Steiphenson Black
"The Well's Gone Dry" de The Crusaders
"Ebony Jam" de Tower of Power
"Draw Your Brakes" de Scotty
"Save the World" de Southside Movement
"Let the Music Take Your Mind" de Kool & the Gang
"Into the Night" de Sweet
"When the Levee Breaks" de Led Zeppelin
"New York, New York" de John Battles, Cris Alexander y Adolph Green
"Buffalo Gals" de Malcolm McLaren
"Hey Pocky A-Way" de The Meters
"Good Times" de Chic
"High Power Rap" de Crash Crew
"Good to Go" by Trouble Funk
"Scenario" de Beastie Boys
"Rocket in the Pocket (Live)" de Cerrone
"Starski Live at the Disco Fever" de Lovebug Starski
"Here We Go (Live at the Funhouse)" de Run–D.M.C.
"Bob Marley Interview" de Good Day
"My Philosophy" de Boogie Down Productions
"Change the Beat" de Beside - 12:33

MC5 - Kick Out the Jams - Album

Descubre todo sobre el álbum "Kick Out the Jams" de MC5, una obra maestra del rock

MC5 (Banda)

Grupo americano de Lincoln Park, Michigan, formado en 1963. La formación original de la banda estaba formada por el vocalista Rob Tyner, los guitarristas Wayne Kramer y Fred "Sonic" Smith, el bajista Michael Davis y el baterista Dennis Thompson. Hicieron historia en la música y su primer álbum "Kick Out the Jams" ha sido una verdadera revolución. En este blog post, exploramos juntos su fascinante historia y su legado en la música.

ALBUM: Kick Out the Jams

El sonido revolucionario del álbum "Kick Out the Jams" de MC5

Cuando el álbum fue publicado en 1969, su impacto en la música fue inmediato e innegable. La banda fue capaz de capturar la intensidad y la energía de sus actuaciones en directo como nunca antes se había hecho. La voz del cantante Rob Tyner y la guitarra de Wayne Kramer se mezclan en un intenso comienzo con la canción que da título al disco. La energía cruda y rebelde de temas como "Rama Lama Fa Fa Fa" y "Borderline" lo convierte en un LP realmente impactante.

MC5 - Kick Out the Jams - Album

"Kick Out the Jams" fue producido por el "Jon Landau" (trabajo también con Livingston Taylor, Jackson Browne, Bruce Springsteen, Train, Shania Twain, etc.), quien ayudó a la banda a capturar su esencia sonora tal como era en directo. Aunque fue criticado por su contenido político y su uso de la palabra "motherf***ers" en la canción más conocida del LP, la realidad es que el álbum se convirtió rápidamente en un ícono que todavía hoy resuena en la música y la cultura popular.

MC5 fue una de las más importantes dentro del movimiento del rock proto-punk en los años 60 (siglo XX). Su estilo musical era una mezcla de rock, blues y jazz, y su actitud rebelde y política los convirtió en un referente del movimiento contracultural de la época.

Además de su música, MC5 también fue conocido por su activismo político. La banda se involucró en diversas causas sociales, incluyendo la lucha por los derechos civiles y la oposición a la Guerra de Vietnam. Su canción "The American Ruse" es una crítica directa a la política exterior de Estados Unidos en la época.

El legado de "Kick Out the Jams" en general sigue siendo relevante en la música actual. Bandas como "Rage Against the Machine" y "The White Stripes" han citado a MC5 como una influencia importante en su trabajo. Además, el LP ha sido incluido en varias listas de los mejores discos de la historia del rock.

En definitiva es un álbum que no solo es importante por su impacto en la música, sino también por su mensaje político y su actitud rebelde. Es un testimonio de una época en la que la música y la cultura popular se unían para cuestionar el “status quo” y luchar por un mundo mejor.

Cómo MC5 inició el movimiento del punk rock

 
El sonido crudo, gritón y políticamente cargado de "Kick Out the Jams" es sin duda lo que inspiró y dio forma al punk rock en los años 70 (siglo XX) y más allá. La banda de Detroit se negó a comprometer su sonido, tanto en el escenario como en el estudio, y la energía punk es evidente en temas como "Motor City Is Burning" y "I Want You Right Now". Como grupo de rock, fueron una fuerza de cambio en la escena musical, algo que se puede ver en las influencias que han tenido en otros artistas y géneros.

En sus letras, MC5 abogaba por la revolución y la lucha contra la opresión. Canciones como "The American Ruse" y "Ramblin 'Rose" reflejan su compromiso con la causa. La banda también se presentó en el histórico "Festival de Woodstock" en 1969, donde su mensaje de unidad y cambio resonó con la multitud de asistentes. 

MC5 no solo fue una banda de punk rock, sino también una voz para aquellos que luchaban por la justicia y la igualdad. Su legado continúa inspirando a músicos y activistas en todo el mundo.

Revisitando el clásico álbum debut de MC5

 
"Kick Out the Jams" es sin duda uno de los álbumes más influyentes del rock. Fue publicado en plena era de la contracultura y la revolución social. La banda, originaria de Detroit, se convirtió en una de las más importantes del movimiento proto-punk que estaba emergiendo en aquellos años.

El álbum fue grabado en directo en el "Grande Ballroom" de Detroit. La energía y la pasión de la banda se sienten en cada canción. Desde su gran tema con el icónico grito de "Kick Out the Jams, Motherf*ckers!" hasta el la versión de "Motor City Is Burning", el álbum es un torbellino de punk rock, blues y psicodelia.

Además de las canciones mencionadas anteriormente, el álbum también incluye clásicos como "Ramblin 'Rose" y "Rocket Reducer No. 62 (Rama Lama Fa Fa Fa)". La letra de "Ramblin 'Rose" es una oda a la libertad y la aventura, mientras que "Rocket Reducer No. 62" es un himno al poder del rock and roll.

La influencia de MC5 se puede sentir en bandas como The Stooges, The Clash y Nirvana, entre muchas otras.

Si tienes la oportunidad de escuchar alguna de las reediciones o versiones en vivo de este álbum, no lo dudes. Descubrirás una nueva dimensión de la música de MC5 y entenderás por qué son considerados una de las bandas más importantes del rock.

Explorando las influencias detrás de "Kick Out the Jams" de MC5

 
MC5 es una banda que ha dejado huella. Su música es una mezcla única de diferentes géneros y artistas que han influido en su sonido. Además, su compromiso político y social ha sido una parte importante de su mensaje y ha dado lugar a algunas de sus canciones más emblemáticas.

MC5 - banda hard rock

Uno de los artistas que ha influido en el sonido de MC5 es Jimi Hendrix. La banda ha declarado en varias ocasiones que Hendrix fue una gran inspiración para ellos. De hecho, se dice que el guitarrista Wayne Kramer aprendió a tocar la guitarra escuchando a Hendrix y que su estilo de tocar la guitarra se asemeja al de Hendrix en muchos aspectos.

Otro artista que ha influido en el sonido de MC5 es James Brown. La banda ha citado a Brown como una de sus mayores inspiraciones en cuanto a la energía que ponía en sus actuaciones. De hecho, el cantante Rob Tyner se inspiró en la forma en que Brown se movía en el escenario y la manera en que interactuaba con su público.

Disco recomendado

 
"Kick Out the Jams" de MC5 es un ejemplo de cómo la música puede ser una herramienta para el cambio social y la lucha por la justicia. Su legado sigue vivo y su música sigue siendo una fuente de inspiración y autenticidad para cualquier amante de la música que busque algo más que simples melodías.

Los lectores veteranos estarán familiarizados con este LP, estoy seguro, pero el lector más joven quizás no. Si es así, te animo a buscar este disco y darlo una escucha. Es un clásico y un LP histórico.

Video del tema "Kick Out the Jams":


Tracklist (LP original):

Cara A:

1.         "Ramblin' Rose"                     4:15
2.         "Kick Out the Jams"              2:52
3.         "Come Together"                   4:29
4.         "Rocket Reducer No. 62 (Rama Lama Fa Fa Fa)"               5:41 

Cara B: 

5.         "Borderline"               2:45
6.         "Motor City Is Burning"                    6:04
7.         "I Want You Right Now"                  5:31
8.         "Starship"                   8:15

Músicos:

  • Rob Tyner - voz principal
  • Wayne Kramer - guitarra principal, coros, voz principal en "Ramblin 'Rose"
  • Fred "Sonic" Smith - guitarra rítmica, coros
  • Michael Davis - bajo
  • Dennis Thompson - batería

PINK FLOYD - Wish You Were Here

PINK FLOYD (Banda)

Pink Floyd es una de las bandas más emblemáticas e influyentes de la historia de la música. Su legado musical sigue vigente hasta el día de hoy, y uno de sus álbumes más icónicos es "Wish You Were Here". Un clásico atemporal que sigue inspirando a generaciones de músicos y amantes de la música. En este blog post, te invito a explorar en detalle el álbum "Wish You Were Here" de Pink Floyd, desde su contexto histórico hasta su impacto en la música contemporánea.

PINK FLOYD (Banda)

Una introducción al álbum "Wish You Were Here"

 
"Wish You Were Here" es el noveno álbum de estudio de Pink Floyd, y se publicó en septiembre de 1975. Fue el sucesor del aclamado álbum "The Dark Side of the Moon" y es considerado uno de los mejores trabajos de la banda. En este álbum, Pink Floyd explora temas como la fama, la vida en la carretera, la locura y la ausencia. "Wish You Were Here" es un viaje musical épico que cuenta con algunas de las canciones más icónicas de la banda.

El contexto histórico y cultural de su lanzamiento 

 
En 1975, el mundo estaba en plena Guerra Fría y la música estaba experimentando una revolución cultural. El rock progresivo estaba en su apogeo y Pink Floyd se encontraba en el pináculo de su éxito comercial y creativo. "Wish You Were Here" es una reflexión sobre la condición humana en la sociedad moderna y su lanzamiento coincidió con una época de cambio y transformación en todo el mundo.

Los miembros de Pink Floyd en la época del álbum

 
La banda estaba compuesta por Roger Waters en el bajo y la voz, David Gilmour en la guitarra y la voz, Richard Wright en los teclados y Nick Mason en la batería. Durante la grabación del álbum, la tensión entre los miembros de la banda era alta debido a las diferencias creativas y personales.

A pesar de las tensiones, los miembros de Pink Floyd lograron trabajar juntos para crear un álbum que se ha convertido en un clásico de la música. La colaboración entre Roger Waters y Dave Gilmour en las letras y la música fue especialmente destacada en este álbum, y la habilidad de Wright en los teclados se puede escuchar claramente.

En resumen, es un disco que refleja la época en que fue creado y sigue siendo relevante hoy en día. La combinación de la música, las letras y el contexto histórico y cultural lo convierten en una obra maestra de Pink Floyd y del rock en general.

PINK FLOYD - Wish You Were Here - Álbum 1975

Examen de las canciones del álbum

 
El álbum "Wish You Were Here" cuenta con cinco canciones épicas, cada una con su propio sonido y significado. A continuación, analizaremos cada una de ellas:

  • "Shine On You Crazy Diamond"

Está canción de apertura es una oda al fundador de Pink Floyd, Syd Barrett, quien había desaparecido en la oscuridad de la fama y la locura. La canción se divide en dos partes y es una de las míticas de la banda. "Shine On You Crazy Diamond" es un testimonio del inmenso talento y genio de Syd Barrett. 

La letra de la canción habla sobre la tristeza y la nostalgia que siente la banda por la pérdida de su amigo y compañero de banda. La música es una mezcla de rock progresivo y jazz, con solos de saxofón y teclado que crean una atmósfera única y emocionante.

Además, la canción es un homenaje a la creatividad y originalidad de "Syd Barrett", quien fue una gran influencia en la música de Pink Floyd. Su legado sigue vivo en la música de la banda y en la memoria de sus fans.

  • "Welcome to the Machine"

Esta canción es una crítica a la industria musical y a la forma en que las estrellas son forjadas y manipuladas por el sistema. La canción presenta una atmósfera oscura y experimental.

La letra del tema habla sobre la pérdida de la individualidad y la creatividad en la música, y cómo el sistema trata a los artistas como productos en vez de seres humanos. La música es una mezcla de rock progresivo y electrónica, con efectos de sonido que crean una atmósfera inquietante y desconcertante.

Esta canción es un recordatorio de la importancia de la autenticidad y la originalidad en la música, y de la necesidad de mantenerse fiel a uno mismo en un mundo cada vez más comercial y homogéneo.

  • "Have a Cigar"

Esta canción es una sátira sobre la industria musical y los ejecutivos que manejan la carrera de los artistas. La canción presenta un sonido de rock duro y una letra sarcástica y divertida. "Have a Cigar" es una de las canciones más populares de la banda.

La letra de la canción habla sobre las falsas promesas y la hipocresía de los ejecutivos de la industria musical, que tratan de explotar a los artistas para su propio beneficio. La música es una mezcla de rock y blues, con un solo de guitarra que es uno de los más icónicos de la banda.

Esta canción es un recordatorio de la importancia de mantenerse fiel a uno mismo y de no dejarse manipular por los intereses de los demás. Es una crítica divertida y satírica a la industria musical y a la forma en que funciona.

  • "Wish You Were Here"

Esta canción es una balada emotiva y conmovedora sobre la ausencia y la nostalgia. La canción presenta un sonido acústico y una letra que habla directamente al corazón. "Wish You Were Here" es uno de los mayores éxitos de Pink Floyd y se ha convertido en un himno para muchas personas.

La letra de la canción habla sobre la pérdida y la nostalgia por alguien que ha desaparecido, ya sea por la muerte o por la distancia. La música es una mezcla de rock acústico y folk, con un solo de guitarra que es uno de los más emotivos de la banda.

Esta canción es un homenaje a todas las personas que han perdido a alguien importante en sus vidas, y un recordatorio de la importancia de valorar y apreciar a las personas que tenemos a nuestro alrededor.

  • "Shine On You Crazy Diamond (Parts VI-IX)"

Esta canción final es una continuación de la primera canción del álbum y es una oda final a "Syd Barrett". La canción presenta una atmósfera cósmica y experimental y es una de las favoritas de los fans de Pink Floyd.

La letra de la canción habla sobre la tristeza y la nostalgia por la pérdida de Syd Barrett, y sobre la importancia de su legado en la música de Pink Floyd. La música es una mezcla de rock progresivo y psicodélico, con solos de guitarra y teclado que crean una atmósfera única y emocionante.

Esta canción es un homenaje final a "Syd Barrett" y a su legado en la música de Pink Floyd. Su influencia sigue siendo evidente en la música de la banda y en la memoria de sus fans.

El proceso creativo detrás de "Wish You Were Here"

 
Es uno de los grandes álbumes de Pink Floyd, pero su creación no fue fácil. La banda enfrentó tensiones internas y desafíos creativos para dar vida a este trabajo maestro. El concepto original del álbum se centraba en la muerte y la ausencia, pero la banda decidió incluir temas más generales en las canciones para llegar a un público más amplio.

La colaboración entre Roger Waters y David Gilmour fue esencial para la creación del álbum, pero también hubo momentos de tensión y conflictos creativos. Ambos músicos tenían diferentes enfoques en cuanto a la dirección musical que debía tomar el álbum, pero finalmente lograron trabajar juntos.

La inspiración de Syd Barrett


Syd Barrett, el fundador de Pink Floyd
, fue una gran inspiración para el sonido y la atmósfera de "Wish You Were Here". Barrett había dejado la banda antes debido a su salud mental, pero su legado creativo nunca desapareció de la mente de sus antiguos compañeros de banda. Su estilo musical experimental y su enfoque en la improvisación y la creatividad inspiraron a Pink Floyd a explorar nuevos sonidos y a crear un álbum que rompiera con las convenciones musicales.

Syd Barrett

La colaboración entre Roger Waters y David Gilmour

 
Roger Waters y David Gilmour eran los principales compositores, y su colaboración fue esencial para la creación del disco. A pesar de las tensiones entre ellos, su creatividad conjunta resulta en algunos de los momentos más emotivos e impactantes del álbum. La canción "Shine On You Crazy Diamond" es un ejemplo perfecto de la colaboración entre Waters y Gilmour, con su emotiva letra y su impresionante solo de guitarra.

Roger Waters y David Gilmour  en el estudio


La producción y grabación del álbum

 
"Wish You Were Here' se grabó en los estudios Abbey Road en Londres, y la producción estuvo a cargo de Pink Floyd y de Brian Humphries
. El LP presenta una gran cantidad de efectos de sonido y grabaciones de campo, lo que le da un sonido experimental e innovador. La canción "Welcome to the Machine" es un ejemplo perfecto de esto, con sus efectos de sonido mecánicos.

El impacto y legado de "Wish You Were Here"

 
"Wish You Were Here' es uno de los álbumes más icónicos en la historia de la música. La música y las letras de Pink Floyd han sido una inspiración para muchas generaciones de músicos y fans de la música. Pero, ¿qué hace que este álbum sea tan especial?

La recepción crítica y comercial


El éxito comercial de "Wish You Were Here" fue impresionante. El disco vendió millones de copias en todo el mundo y se convirtió en uno de los LPs más vendidos de Pink Floyd. Además, fue aclamado por la crítica. Los críticos de música elogiaron la música, las letras y la producción del álbum. El álbum se convirtió en un parte-aguas para la banda y se considera uno de los mejores trabajos de Pink Floyd.

La música es una mezcla de rock progresivo, psicodélico y música experimental. Las letras profundas y emotivas tratan temas como la alienación, la fama y la muerte. La canción principal del álbum, "Wish You Were Here", es una de las canciones más emblemáticas de Pink Floyd y ha sido versionada por muchos artistas.

 

El lugar de "Wish You Were Here" en la discografía de Pink Floyd

 
Es un álbum esencial en la discografía de Pink Floyd. Se encuentra entre los trabajos más emblemáticos y respetados de la banda, y representa una evolución en su sonido y en su forma de hacer música. Además, el álbum marca la transición de Pink Floyd de una banda de rock progresivo a una banda de rock más experimental.

El disco fue creado después del éxito de "The Dark Side of the Moon", otro gran álbum de Pink Floyd (mi favorito de todos). La portada de este álbum, del fotógrafo y artista Storm Thorgerson, muestra a dos hombres estrechándose la mano en llamas, y es una metáfora de la industria musical y de cómo puede destruir a las personas que están involucradas en ella.


La influencia del álbum en la música contemporánea

 
"Wish You Were Here" ha sido una gran influencia en la música contemporánea. Artistas de todo el mundo han citado a Pink Floyd como una influencia importante en su música, y este álbum en particular ha inspirado a muchas personas a crear música honesta y emotiva.

La música de Pink Floyd ha sido una inspiración para muchos artistas de rock, metal, electrónica y música experimental. La música de este disco ha sido sampleada y versionada por muchos artistas de hip hop y electrónica. La canción "Shine On You Crazy Diamond" ha sido utilizada en películas y programas de televisión, y ha sido versionada por muchos artistas, incluyendo a David Gilmour, el guitarrista de Pink Floyd.

En resumen, es un grandísimo álbum que ha tenido un impacto significativo en la cultura popular y en la música contemporánea. La música y las letras de Pink Floyd han sido una inspiración para muchas generaciones de músicos y fans de la música. Este álbum seguirá siendo una influencia en la música durante muchos años más.

Disco recomendado

"Wish You Were Here" es un álbum que sigue inspirando a generaciones de fans de la música. Desde su contexto histórico y cultural hasta el proceso creativo detrás de su creación, este disco representa una de las cumbres de la música en el siglo XX. Si no has escuchado "Wish You Were Here" antes, te animo que lo hagas. Es una obra maestra que sigue resonando en muchos corazones y mentes hasta el día de hoy.

Video del tema "Have a Cigar":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Shine On You Crazy Diamond" (Parts I to V)                   13:32
2.         "Welcome to the Machine"                7:28 

Cara B: 

1.         "Have a Cigar"                       5:08
2.         "Wish You Were Here"                     5:35
3.         "Shine on You Crazy Diamond" (Parts VI to IX)    12:28
 

Ficha técnica:

Músicos:

  • David Gilmour: voz, guitarras, pedal steel guitar, EMS Synthi AKS, bajo adicional, armónica de cristal, efectos de cinta
  • Roger Waters: voz, bajo, EMS VCS 3, guitarra adicional, armónica de cristal, efectos de cinta
  • Richard Wright: órgano Hammond, conjunto de cuerdas ARP, Minimoog, piano Steinway, EMS VCS 3, Hohner Clavinet D6, piano eléctrico Wurlitzer EP-200, piano Rhodes, armónica de cristal, coros
  • Nick Mason: batería, percusión, timbales, platillos, efectos de cinta 

Músicos adicionales:

  •  Dick Parry - saxofono tenor y baritono en "Shine on You Crazy Diamond"
  • Roy Harper - voz en "Have a Cigar"
  • Venetta Fields - coros
  • Carlena Williams - coros

Producción:

  • Brian Humphries - ingeniero de sonido

La canción: Wish You Were Here


Quizás la más popular del álbum "Wish You Were Here".  David Gilmour y Roger Waters colaboraron en la escritura de la música, con Gilmour como vocalista principal.

Significado

La letra está inspirada en un sentimiento de nostalgia por la ausencia de un ser querido, y dedicada al antiguo miembro de la banda, Syd Barrett, que dejó la misma en 1968 por problemas mentales. Sin embargo, en el documental "The Story of Wish You Were Here", Gilmour y Waters describen por separado el concepto original que difiere de esta interpretación. Roger Waters, describe la letra como dirigida a sí mismo. Estar presente en la propia vida y liberarse para experimentar verdaderamente la vida es un tema principal en esta canción. Gilmour, por su parte, reconoce que nunca interpreta la canción sin recordar a Syd Barrett.

La disputa en curso entre Gilmour y Rogers parece haberse derramado en la interpretación de esta canción. Por lo tanto, todavía lo deja abierto a la interpretación.

La canción ha sido un gran éxito comercial, tanto en su lanzamiento original como en reediciones y versiones posteriores. Se ha convertido en una de las canciones más emblemáticas de Pink Floyd y una de las favoritas de los fans en todo el mundo. "Wish You Were Here" ha sido versionada y reinterpretada por numerosos artistas, y su mensaje simple sobre la pérdida y el anhelo de conexión emocional tiene una resonancia profunda.

"Wish You Were Here" - Letra:

Original Inglés:

So, so you think you can tell
Heaven from hell
Blue skies from pain
Can you tell a green field
From a cold steel rail
A smile from a veil
Do you think you can tell

Did they get you to trade
Your heroes for ghosts
Hot ashes for trees
Hot air for a cool breeze
Cold comfort for change
Did you exchange
A walk on part in the war
For a lead role in a cage

How I wish
How I wish you were here
We're just two lost souls
Swimming in a fish bowl year after year
Running over the same old ground
What have we found
The same old fears
Wish you were here

Traducido al Español:

Así que crees que puedes distinguir
el Paraíso del Infierno,
el cielo azul del dolor.
Puedes distinguir un campo verde
de un frío raíl de acero
Una sonrisa de un velo
Crees que puedes distinguirlo

Te hicieron cambiar
tus héroes por fantasmas
cenizas ardiendo por árboles
aire cálido por una brisa fresca
el frío confort por el cambio
Cambiaste un rol secundario en la guerra
por un papel protagonista en una jaula

Cómo desearía que estuvieras aquí
Sólo somos dos almas perdidas
nadando en una pecera,
año tras año,
corriendo sobre el mismo viejo suelo.
Y, qué hemos encontrado
Los mismos viejos miedos…
Ojalá estuvieras aquí

UFO - Strangers in the Night - Album

UFO (Banda)


Grupo de rock inglés formado en Londres en 1968. Se convirtieron en una banda de transición entre los inicios del hard rock y el heavy metal y la nueva ola del heavy metal británico.

UFO (Banda)

Han pasado por varios cambios de formación, pero personalmente disfruto más de la banda con el ex guitarrista de Scorpions y fundador de "Michael Schenker Group" (MSG), Michael Schenker, quien se unió a la edad de 19 años y fue miembro de UFO desde 1973 hasta 1978.

Influencia en bandas contemporáneas 

A lo largo de una carrera que abarca más de 50 años, UFO ha lanzado hasta ahora 22 álbumes de estudio, 14 grabaciones en vivo, 16 álbumes recopilatorios y un álbum de versiones. La influencia de UFO sobre otras bandas no puede subestimarse: Metallica, Iron Maiden, Judas Priest, Def Leppard, Dio, Guns N' Roses, Alice in Chains, Pearl Jam, Rage Against the Machine, The Smashing Pumpkins, Monster Magnet, Gun, Europa, etc., solo por mencionar algunos que han "bebido" de ellos.

La evolución del sonido de UFO 

El impacto de Michael Schenker en la carrera de UFO tampoco puede subestimarse. Antes de la llegada del adolescente alemán, el "space rock" de la banda había sido completamente ignorado en todas partes menos en Japón. Con Schenker, el sonido del grupo recibió una inyección de actitud, virando hacia el estilo anglo-hard rock y heavy metal que los haría famosos.

Su mejor álbum 

UFO tiene muchos buenos discos, pero "Strangers in the Night", el álbum doble en directo de 1979, tiene todo lo que necesitas en un solo lugar. Para mí es su mejor trabajo.

ALBUM: Strangers in the Night

 

La historia detrás de "Strangers in the Night"


Álbum en directo fue publicado por primera vez en 1979. El doble LP original se grabó en conciertos en octubre de 1978 en Chicago, Illinois y Louisville, Kentucky, mientras UFO estaba de gira. Además, algunas de las canciones se grabaron en un concierto de la gira de UFO con Blue Öyster Cult. Un lanzamiento absolutamente monolítico de música hard rock al estilo de los años 70 (Siglo XX) que contiene algunas de las mejores grabaciones de rock en directo. "Strangers in the Night" es la cima absoluta de la musicalidad de UFO. La excelente química en su momento entre los integrantes de la banda se palpa con Phil Mogg en la voz, Michael Schenker en la guitarra, Pete Way en el bajo y Andy Parker en la batería, donde logran crear una conexión especial con el público.

El guitarrista Michael Schenker dejó la banda durante la gira después de una pelea con Phil Mogg; esto llevó a la banda a reclutar al ex compañero de banda y ex guitarrista de Lone Star, Paul Chapman. Se ha comentado que Schenker se negó a grabar "overdubs" para el álbum, lo que haría de este un relato preciso de su trabajo de guitarra en directo. La otra historia es que Schenker no estaba contento con su solo de guitarra en "Rock Bottom" y quería volver a grabar algunas partes, pero el productor y sus compañeros de banda lo rechazaron. También estaba decepcionado con algunas de las tomas elegidas por los miembros de la banda. Cualquiera que sea la razón por la que Schenker se fuera, UFO nunca se recuperó después de perderlo y se hundió en la oscuridad.

UFO - Strangers in the Night - Album

Aquí encuentras una banda en su apogeo, con su formación principal y todas sus mejores canciones. El grupo se marca el ritmo al principio, optando por un material menor, pero comienza a dar un paso adelante con la canción y el himno "Doctor Doctor", seguido de "Mother Mary" y "This Kids", mientras que la introducción de "Love to Love" muestra el talento de los instrumentistas. "Lights Out" es una de las favoritas y una de las canciones más conocidas de la banda, mientras que el tema "Rock Bottom" (un tour-de-force y una clase magistral del estilo de guitarra Schenker) es uno de los favoritos de los fans. UFO cierra el set de doble LP con el single "Too Hot to Handle" y el corte de heavy metal "Let It Roll". Lejos de las canciones, la atmósfera generada en este álbum es verdaderamente eléctrica y la ejecución es de clase, con todo el paquete destacándose como una obra maestra en la entrega de Hard Rock.

El legado del álbum en la música rock

A menudo este LP es pasado por alto cuando surgen discusiones sobre los grandes álbumes de rock en vivo de los años 70; "Strangers in the Night" merece estar a la altura de Kiss' Alive! y Live and Dangerous de Thin Lizzy. La revista de heavy metal "Kerrang!" enumera el álbum en el puesto 47 entre los "100 mejores álbumes de heavy metal de todos los tiempos". Slash, el guitarrista de Guns N' Roses, ha declarado que es su álbum en directo favorito. Los miembros fundadores de UFO, Pete Way (bajo) y Andy Parker (batería), dicen que es su disco favorito de UFO.

De este modo, "Strangers in the Night" es considerado por muchos seguidores del hard rock como uno de los mejores álbumes en vivo. Su impacto en la música rock ha sido enorme y su legado sigue siendo relevante hoy en día.

La calidad musical y la energía en directo que UFO demuestra en 'Strangers in the Night', ha sido una inspiración para muchas bandas y músicos en todo el mundo. La banda logró capturar la esencia del rock en su mejor momento y demostró por qué son consideradas una de las bandas más influyentes del género.

Disco recomendado 

En resumen, 'Strangers in the Night' es un álbum que ha resistido el paso del tiempo. La pasión y la energía que transmiten los músicos en cada una de las canciones es algo que nunca pasará de moda y seguirá inspirando a músicos y fans por igual durante muchos años más. Un álbum icónico que ha dejado una huella imborrable en la historia del rock. Su legado sigue siendo relevante y su influencia en la música rock es innegable.

Este es definitivamente el mejor punto de partida para cualquiera que esté comenzando a profundizar en el catálogo de UFO. Ahora un clásico del hard rock perdido hace mucho tiempo esperando a ser encontrado de nuevo. Es hora de volver a colocar este doble álbum en la lista de obras en directo de gran calidad y, frente a los fans más jóvenes del rock duro (heavy). Todo verdadero seguidor de la música rock debería tener esto en su colección.

Video del tema "Rock Bottom" (LIVE):


Tracklist (Doble LP formato original):

Disc 1.

Cara A:

1."Natural Thing"  – 3:57
2."Out in the Street"  – 5:07
3."Only You Can Rock Me"  – 4:08
4."Doctor Doctor" – 4:42

Cara B:

1."Mother Mary"  – 3:25
2."This Kid's"  – 5:11
3."Love to Love"  – 7:58

Disc 2:

Cara A:

1."Lights Out"  – 5:23
2."Rock Bottom"  – 11:08

Cara B:

1."Too Hot to Handle"  – 4:26
2."I'm a Loser"  – 4:13
3."Let It Roll"  – 4:48
4."Shoot Shoot"  – 4:07:49

THE RONDELLES - Fiction Romance Fast Machines - Album

The Rondelles (Banda)


Grupo estadounidense de garage punk rock, originario de Albuquerque, Nuevo México. Los tres miembros todavía estaban en la escuela secundaria cuando formaron la banda a mediados de la década de 1990: Juliet Swango en guitarra y voz, Yukiko Moynihan en bajo y Oakley Munson en batería y teclado. La formación consiguió ser teloneros (support act) para los shows en directo de "Sleater Kinney" y "Sonic Youth".

Esas giras ayudaron a los miembros de la banda a perfeccionar su sonido, que presenta un punk-pop estilo "jangle" con toques de música surf, mientras logra ser al mismo tiempo vanguardista.

The Rondelles (Banda punk rock)

El primer CD de larga duración del grupo, "Fiction Romance Fast Machines", fue lanzado por el sello "Smells Like Records" del baterista de "Sonic Youth" Steve Shelley.

Después de un comienzo genial con mucho entusiasmo y una sólida base de fans, la banda se separó a fines del verano de 2001, después de su primera y única gira europea. Más tarde se reunieron en 2010 pero solo para shows contados.

ALBUM: Fiction Romance Fast Machines


El álbum debut fue publicado en 1998. Este es un disco realmente divertido, y grabaron un segundo disco "The Fox" un año después, este es mi LP favorito del trío.

The Rondelles construyen fantasías intencionalmente pintorescas sobre "los buenos viejos tiempos" de la historia estadounidense, como los dorados años 50 con títulos como "Drag Strip Race" y "Mission: Irresistible", mezclándolos con un montón de temas atemporales sobre enamoramientos incipientes y dolorosos rupturas. Este álbum de 11 canciones registra un breve tiempo de 23 minutos; es tentadoramente corto, pero lo suficientemente largo como para ser realmente disfrutado. Otros temas destacados que encontrarás aquí son el corte de apertura "Distraction", "Shanghai Surprise" y "Do It for Me", todos los cuales están positivamente llenos de energía que poseen un espíritu y exuberancia propios.

ALBUM: Fiction Romance Fast Machines

El grupo logra mostrar su verdadero talento para crear canciones de rock pegadizas, divertidas y memorables. Las armonías de tres partes de la banda también son un punto culminante, ya que agregan profundidad y textura a cada canción. La producción del álbum también es destacable, con un sonido lo-fi que captura a la perfección la energía cruda de las actuaciones de la banda, un aspecto en directo por el que fueron famosos.

Un disco recomendado. Una pequeña joya perdida del punk rock americano que se anima con un divertido sonido de garage rock, influenciado por bandas como "Ramones" y "The Shangri-Las". Si eres fan del garage punk rock con un toque divertido, definitivamente vale la pena escuchar este álbum. Ve a buscarlo en las plataformas de música digital.

Video del tema "Distraction":


Tracklist:

1. Distraction
2. Can't Stop
3. Mission: Irresistible
4. Magazine
5. Drag Strip Race
6. Fake Fight
7. Shanghai Surprise
8. Do It for Me
9. He's Outta Sight
10.Indication
11.Catastrophe

SPOOKY - Gargantuan - Album

Este fin de semana me llevaron a un café-bar al aire libre con ambiente chill-out para disfrutar de un refresco con unos amigos. Como es típico de estos establecimientos, la multitud era tranquila, relativamente joven y disfrutaba de buena música. Durante mi presencia escuché un tema antiguo pinchado por el Dj del local que me trajo viejos recuerdos, un tema de hace 30 años. Una delicia, ya que todavía tenía un impacto encantador como cuando lo escuché por primera vez, junto con la gente más joven bailando a su ritmo.

Estoy hablando de...

ALBUM: Gargantuan


El álbum debut de estudio del dúo electrónico inglés Spooky publicado en marzo de 1993. El dúo había establecido su lugar en la vanguardia de la escena "progressive house" grabando este álbum usando producción analógica. Spooky, es un dúo formado por Duncan Forbes y Charlie May en Londres. El DJ y productor William Orbit descubrió al dúo en una tienda de discos y los firmó con su sello discográfico "Guerilla" a principios de la década de 1990.

ALBUM: "Gargantuan" de SPOOKY

"Gargantuan", con algunos nombres de canciones extrañas pero con buena música, es llamado y reconocido universalmente como el monumento del house progresivo de principios de los 90 (siglo XX) por una razón. Es un álbum excepcional que todavía suena fresco y "primaveral" incluso hoy.

El álbum es en gran parte instrumental e incorpora percusión y ritmos rígidos con fraseos melódicos de "House". El disco tuvo poco rendimiento comercial cuando se lanzó, sin embargo, fue aclamado por la crítica y hoy en día se considera un álbum innovador en la historia del house progresivo y la música dance británica.

Spooky , dúo de música electrónica

Como ya mencionado, este es uno de los LP emblemáticos (junto con "Leftism" de Leftfield) en el resurgimiento del house británico durante los años 90. "Gargantuan" te ofrece algunas canciones épicas como el sencillo "Schmoo", "Land of Oz" (con sample de la banda "Can") y "Don't Panic", junto con el excelente corte de dos partes "Little Bullet" y mi corte favorito "Orange Color Liquid", tema más chill-out.

En general, encontrarás un álbum que fusiona house melódico y "deep" con ritmos rígidos, todos caracterizados por "capas electrónicas" inventivas y ritmos palpitantes con un énfasis melódico y percusivo. Es decir, todos los ingredientes básicos que son muy apreciados por los aficionados a la música dance junto con los más conocedores de la música electrónica.

Un disco recomendado. Un álbum magistral que muestra el sonido único y el enfoque innovador de Spooky hacia la música electrónica. La capacidad del dúo para mezclar música ambient, techno y house en un todo cohesivo es impresionante, y los ritmos intrincados, las melodías inquietantes y las atmósferas temperamentales del álbum lo convierten en un álbum imprescindible para los fans de la música electrónica experimental

Y termino, volviendo a mis comentarios al principio de este post, es un placer poder seguir escuchando música de hace 30 años y sonando en un ambiente de gente joven.

Video del tema "Orange Coloured Liquid":


Tracklist: 

1."Don't Panic" – 7:02
2."Schmoo" – 5:37
3."Aqualung" – 5:42
4."Little Bullet Part One" – 6:57
5."Little Bullet Part Two" – 6:27
6."Land of Oz" – 7:36
7."Something's Got to Give" – 6:52
8."Orange Coloured Liquid" – 5:09
9."Schmoodub" – 7:32
10. "Let Go" - 7:26

DAUGHTER - Stereo Mind Game - Album

Daughter  (Banda)


Trío británico de folk indie. Encabezada por Elena Tonra, la banda se formó en 2010 tras la incorporación del guitarrista suizo Igor Haefeli y el baterista Remi Aguilella de Francia.

Daughter  (Banda)

Han lanzado cuatro EP y tres álbumes hasta ahora:

  • If You Leave (2013)
  • Not to Disappear (2016)
  • Stereo Mind Game (2023)

He escuchado "Stereo Mind Game" y me ha sorprendido gratamente.

 

ALBUM: Stereo Mind Game

 
El tercer y primer álbum de estudio en siete años publicado el 7 de abril de 2023. Hay belleza en este disco; las voces, las composiciones, las guitarras...etc. Mi escucha personal me lleva a pensar que este trabajo está arreglado con canciones que parecen explorar relaciones a larga distancia y la soledad.

El álbum se siente suave, sin embargo con una forma ansiosa que es a la vez inquietante y resplandeciente. Las voces y los instrumentos funcionan bien juntos, como en "Be On Your Way" y con la hermosa canción "Neptune". "Junkmail" crea olas arrolladoras con cuerdas y voces suavemente, mientras que "Future Lover" es una canción memorable sobre el insomnio y la inseguridad con un toque de electrónica y casi trip hop que se convierte en algo más pesado en su segunda mitad. El disco tiene más pequeñas joyas como la arremolinada y bailable "Swim Back" y el corte de glitch "Wish I Could Cross the Sea", que parece incorporar elementos de todas las canciones anteriores.

ALBUM: Stereo Mind Game

Producido por Elena Tonra y su compañero de banda Igor Haefeli, "Stereo Mind Game" es un álbum que suena como si hubiera sido ensamblado con mucho cariño. El guitarrista Igor Haefeli, el baterista Remi Aguilella y la cantante Elena Tonra han reunido un disco más grande y brillante que los trabajos anteriores que se acerca más al pop de lo que nunca antes se habían atrevido. Por lo tanto, este quizás sea su álbum más accesible mientras conserva su espíritu indie-alternativo. En general, descubrirás un conjunto diverso de influencias en exhibición, desde indie y punk hasta folk y trip hop; sorprenden los cambios sutiles entre las canciones y la forma en que el trío puede tejer sin problemas cada nuevo sonido. Es una escucha emocionante, que me hace pensar en voz alta, "bienvenidos de nuevo chicos" (después de su ausencia de 7 años).

Un disco recomendado. Es un trabajo muy bueno y cohesivo que seguramente resonará a través de sus exploraciones líricas de temas universales de soledad y distancia mientras cada canción está elaborada con una instrumentación impresionante. Además, es el tipo de disco que mejora con cada escucha. Todo el álbum es hermoso y hay mucha variedad de texturas sutiles. Seguro que te gustará si te mola la música shoegaze-indie o bandas como Feist, Beach House, etc.

Busca este disco en las plataformas digitales de música y dale una escucha.

Video del tema "Dandelion":


Tracklist:

1. Intro
2. Be On Your Way
3. Party
4. Dandelion
5. Neptune
6. Swim Back
7. Junkmail
8. Future Lover
9. (Missed Calls)
10. Isolation
11. To Rage
12. Wish I Could Cross The Sea

AEROSMITH - Toys in the Attic - 1975

ALBUM: Toys in the Attic

 
El tercer álbum de estudio de la banda estadounidense de rock  Aerosmith publicado el 8 de abril de 1975 y producido por Jack Douglas (también trabajó con John Lennon y Yoko Ono, Patti Smith, Cheap Trick y New York Dolls). El disco es el de mayor éxito comercial de la banda en los Estados Unidos, con nueve millones de copias vendidas, según la RIAA. Es ruidoso, arenoso y obsceno, infectado con el estilo de vida fiestero notoriamente reconocido de la banda.

ALBUM: Toys in the Attic

También fue un lanzamiento crucial. Aerosmith hasta ese momento solo tenía seguidores de culto y era hora de que crearan un álbum excepcional y rompedor. Lo lograron a lo grande y finalmente accedieron a los grandes escenarios de todo el mundo. A partir de este momento, gracias a "Toys in the Attic", Aerosmith progresará hasta convertirse en leyendas del rock.

Como ya mencionado, Aerosmith - Steven Tyler, Joe Perry, Tom Hamilton, Brad Whitford y Joey Kramer - finalmente perfeccionó su mezcla de riffs al estilo Stones y Zeppelin con "Toys in the Attic". Además el éxito del álbum se deriva de una combinación de mejora en las habilidades de composición y propósito musical. El guitarrista Joe Perry produce riffs indelebles en canciones como "Walk This Way" (más tarde grabado con el trío de rap "Run DMC"), "Toys in the Attic" y "Sweet Emotion", mientras que Steven Tyler adopta por completo la sordidez del rock con su alter-ego de escenario. Tyler, siguiendo la "tradición del blues" (de sutiles insinuaciones y de doble sentidos), compone sobre el sexo a lo largo de "Toys in the Attic", ya sea el muy directo "Big Ten Inch Record", las caricias adolescentes de "Walk This Way", el promiscuo "Sweet Emotion" o los dobles sentidos de "Uncle Salty" y "Adam's Apple". Este disco simplemente respira sexo (perverso).

Aerosmith - banda de rock

El resto de la banda, liderada por los riffs "sucios" de Perry, proporciona un respaldo sórdido. Antes de "Toys in the Attic", ninguna otra banda de hard rock sonaba así. Sí, Aerosmith "tomó prestado" de los Rolling Stones, Led Zeppelin y los New York Dolls, pero hizo que todo sonara propio y acompañado de imagen en el escenario. Aerosmith se convirtió en una banda que tocaba blues y hard rock para pasarlo bien; "Toys in the Attic" cristaliza esta actitud.

Pensando, no es tarea fácil elegir una canción que "debes escuchar". Siempre están las opciones populares como "Walk This Way" y "Sweet Emotion", junto con "Adam 's Apple" y "Round And Round", pero este álbum es verdaderamente experimentado en su totalidad.

En fin, un disco recomendado. Este es un grandísimo LP de rock clásico de la banda para catapultar al estrellato. Aquí el sonido de Aerosmith está bien afinado, en flor, pulido pero arenoso y sórdido. Solo escuchar el álbum es suficiente para recordar de alguna manera el hedor de los cigarrillos, el alcohol y el sexo. Difícil de decir categóricamente, pero para mí es su mejor álbum.

Una grabación de una de las mejores bandas de rock 'n' roll de los legendarios años setenta (siglo XX). Un escucha obligatoria y un álbum que hay que tener para los fans serios del rock n roll. 

Video del tema "Sweet Emotion":


Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Toys in the Attic"     3:05
2.         "Uncle Salty"              4:10
3.         "Adam's Apple"                     4:34
4.         "Walk This Way"                   3:40
5.         "Big Ten Inch Record"          2:16

Cara B:

1.         "Sweet Emotion"                        4:34
2.         "No More No More"                  4:34
3.         "Round and Round"                   5:03
4.         "You See Me Crying"                5:12