CBGB & OMFUG: A New York City Soundtrack - Box Set

Hay momentos en las que uno siente que la historia de la música se puede tocar, o mejor dicho, escuchar de una forma casi física. Me ha pasado esta semana al experimentar la caja de "CBGB & OMFUG: A New York City Soundtrack", he tenido la sensación de que una corriente de aire viciado del Bajo Manhattan de mediados de los años setenta (siglo XX) entraba de golpe. He pasado estos días sumergido en sus cuatro discos, perdiéndome entre grabaciones crudas y melodías que parecen haber sido rescatadas de un incendio, y os aseguro que la experiencia va mucho más allá de la nostalgia convencional. Es una invitación a entender por qué un local con los baños más infames de la historia acabó siendo el útero de todo lo que hoy nos importa en el rock, y por eso necesito que me acompañéis en este viaje por las venas abiertas de la Gran Manzana.

Box Set: CBGB & OMFUG: A New York City Soundtrack 

Cierro los ojos e intento imaginar a qué sentía la libertad artística en 1975. Probablemente una mezcla de cerveza rancia, orina, sudor frío y la electricidad estática de amplificadores a punto de reventar. Esa es la atmósfera que inunda la habitación apenas comienzas a reproducir la nueva caja recopilatorio que acaba de aterrizar gracias al sello Cherry Red Records. Hablo de "CBGB & OMFUG: A New York City Soundtrack", una colección monumental que no solo documenta música, sino que captura el espíritu de una era irrepetible. Con su lanzamiento este pasado 30 de enero de 2026, nos enfrentamos a cuatro discos que funcionan como una máquina del tiempo sónica, transportándonos directamente al Bowery del Bajo Manhattan, a ese antro legendario fundado por Hilly Kristal que, sin pretenderlo, se convirtió en la zona cero de la cultura pop moderna.

No estamos ante la típica compilación de éxitos que uno encuentra en las estanterías de las grandes superficies. Esto es una inmersión arqueológica profunda, una carta de amor sucia y honesta a una década que definió lo que hoy entendemos por música alternativa y actitud punk. Al escuchar estas canciones, uno entiende que el mito del CBGB no se construyó sobre el marketing, sino sobre la necesidad visceral de una generación de decir algo, aunque fuera a gritos y desafinando.

El nacimiento de una escena:

Resulta fascinante pensar en la ironía que esconde el nombre del local. Como bien nos recuerda la historia y se documenta en las notas de este box set, las siglas correspondían a "Country, Bluegrass, Blues and Other Music For Uplifting Gourmandizers". Su dueño Hilly Kristal abrió el local en diciembre de 1973 con la intención de convertirlo en un santuario para la música de roots. Sin embargo, la realidad de Nueva York tenía otros planes. Tras el colapso del Mercer Arts Center, las bandas de la ciudad se quedaron huérfanas de escenarios. Manhattan, en su decadencia de los setenta, no ofrecía refugio a quienes no tenían un contrato discográfico bajo el brazo.

Es aquí donde reside la magia de esta historia del rock. Hilly Kristal, un hombre que quizás no entendía del todo el ruido que hacían esos chavales ("Nadie va a quereros, pero podéis volver", le dijo a Joey Ramone), tuvo la visión, o quizás la indiferencia necesaria, para dejarlos tocar. Fue esa política de puertas abiertas la que permitió que floreciera algo único. Entre 1974 y 1976, bandas como Television, Ramones, Blondie, Patti Smith y Talking Heads no solo debutaron allí, sino que hicieron del club su cuartel general. Como relata Richard Hell, ellos mismos "soñaron la existencia del CBGB". Lo que esta caja recopilatorio logra de manera magistral es ilustrar cómo ese vacío cultural fue llenado no por un solo sonido, sino por una explosión de creatividad diversa que iba desde el art-rock hasta el hardcore más abrasivo.

Un análisis sonoro:

Al adentrarnos en los cuatro discos de "CBGB & OMFUG: A New York City Soundtrack", lo primero que golpea al oyente es la textura del sonido. No todo es punk de tres acordes y chaquetas de cuero, aunque hay mucho de eso y es glorioso. La curaduría de Rob Tannenbaum es exquisita porque equilibra a los gigantes conocidos con una cantidad abrumadora de "caras B" y rarezas que definen el verdadero tejido de la escena.

El primer disco-CD nos sitúa en el epicentro de la explosión. Escuchar la versión en vivo de "A Clean Break" de Talking Heads es recibir una lección de nerviosismo funk y precisión rítmica que te eriza la piel. Pero donde realmente brilla esta colección es en los descubrimientos. Hay una corriente subterránea de power pop que a menudo se olvida en las crónicas oficiales del punk. Temas como "Forgive and Forget" de Marbles o "Christmas Weather" de Student Teachers aportan una frescura melódica, un contrapunto pop que equilibra la crudeza del resto del material. Esos momentos de claridad melódica nos recuerdan que, en el fondo, muchos de estos chicos solo querían escribir la canción perfecta, aunque lo hicieran con amplificadores rotos.

La producción de los temas varía salvajemente, lo cual es parte del encanto. Pasamos de la urgencia lo-fi de bandas como Tot Rocket and the Twins con su tema "Reduced", a la sofisticación inesperada de grupos como Mink DeVille. Hay una sensación táctil en estas grabaciones; puedes casi sentir la humedad de las paredes del club y la vibración del suelo pegajoso. Es una experiencia auditiva que privilegia la autenticidad sobre la perfección técnica, algo que en nuestra era de producción digital aséptica se siente como un abrazo humano.

A medida que avanzamos en los discos-Cds, el viaje se torna más oscuro y experimental. La colección documenta brillantemente la evolución hacia el No Wave y el post-punk. Encontramos joyas disonantes como el "falso jazz" de The Lounge Lizards en "Do the Wrong Thing" o el funk retorcido de China Shop. Es aquí donde el CBGB demuestra que era mucho más que la casa de los Ramones; era un laboratorio de vanguardia. La inclusión de James Chance & The Contortions interpretando "Jailhouse Rock" en directo es un momento cumbre: Chance regañando al público por vivir en el pasado mientras deconstruye un clásico del rock and roll es la definición misma de la actitud punk.

Diversidad y ruptura de barreras:

Uno de los aspectos más valiosos de mi recomendación del Box-set es destacar cómo la compilación desmonta el estereotipo del punk como un club exclusivo de hombres blancos enfadados. La escena del CBGB fue, en muchos sentidos, mucho más inclusiva que la industria musical que la rodeaba. Las mujeres no eran meras espectadoras o musas, sino arquitectas del sonido. Desde la omnipresencia de Patti Smith y Debbie Harry hasta figuras esenciales como Cherry Vanilla, Model Citizens y Helen Wheels, el box set deja claro que el género no era una barrera para subirse a ese escenario.

De igual forma, la presencia de artistas negros es fundamental para entender la riqueza sonora de la época. No se trata solo de la fusión ska-punk de Bad Brains, que llegaría más tarde para cimentar el hardcore, sino de pioneros como Pure Hell con su abrasivo "I Feel Bad" o la experimentación de James "Blood" Ulmer. También encontramos a Nona Hendryx aportando su visión única. Esta diversidad racial y de género no se siente forzada en la recopilación, sino que fluye orgánicamente, demostrando que el underground neoyorquino era un crisol donde lo único que importaba era la originalidad y la capacidad de conmocionar.

Las letras de estas canciones son otro mapa fascinante. Pasan del nihilismo urbano de The Testors ("You Don't Break My Heart") a la ironía intelectual de bandas como The Ordinairies. Hay una constante tensión entre el deseo de escapar de la realidad y la necesidad de documentarla con una crudeza brutal. Cuando The Cramps cantan "¿Quieres hablar de la verdadera basura?" en "Garbage Man", están lanzando un desafío estético que resuena hasta hoy. Es música hecha en una ciudad en bancarrota, donde el alquiler era barato y el peligro real, lo que fomentaba una libertad creativa sin las ataduras comerciales de hoy en día.

Conexiones culturales y legado:

Es inevitable comparar este documento sonoro con otras escenas musicales. Mientras que el punk británico de 1977 a menudo se centraba en la política y la clase social con una rabia muy específica, la escena del CBGB & OMFUG capturada aquí se siente más artística, más bohemia y, paradójicamente, más intelectual. Hay una línea directa que conecta la poesía callejera de Lou Reed y The Velvet Underground con lo que escuchamos en estos discos. Bandas como Suicide o Sonic Youth, presentes en la colección, tomaron ese legado y lo llevaron hacia el ruido y la textura, sembrando las semillas para todo el rock alternativo de los años 80 y 90.

Lo que esta caja nos dice sobre su tiempo es que fue una era de posibilidades infinitas. A pesar de la suciedad y la decadencia, o quizás debido a ellas, había un optimismo feroz en el acto de crear. Hilly Kristal, fallecido en 2007, y su club, cerrado en 2006, dejaron un legado que va más allá de los ladrillos. Crearon un espacio donde el "hazlo tú mismo" no era un eslogan, sino una estrategia de supervivencia. Al escuchar a grupos oscuros como The Miamis o The Raybeats junto a las leyendas, entendemos que la historia no la escriben solo los vencedores, sino todos aquellos que se atrevieron a subirse a la tarima.

Por qué mola este Box-set:

¿Por qué deberíamos invertir nuestro tiempo en 2026 escuchando grabaciones de hace cincuenta años? La respuesta es simple: porque esta música está viva. "CBGB & OMFUG: A New York City Soundtrack" no es una pieza de museo cubierta de polvo; es una fuente de energía renovable. En un momento cultural donde todo parece prefabricado y diseñado por algoritmos para el consumo rápido, la honestidad brutal de estas 101 canciones actúa como un limpiador de paladar.

La calidad del audio, remasterizado pero respetuoso con la suciedad original, permite apreciar matices que se perdían en viejos casetes piratas. El trabajo de Cherry Red Records y la curaduría de Rob Tannenbaum merecen un aplauso de pie. Han logrado equilibrar lo académico con lo emocional, entregándonos un producto que sirve tanto para el historiador musical como para el neófito que busca su próxima banda favorita. La relación entre éxitos y descubrimientos es asombrosamente alta; es casi imposible no encontrar una joya oculta que te haga correr a buscar más información sobre una banda que solo existió durante seis meses en 1979.

Este álbum es bueno hoy porque nos recuerda que la cultura no se pide permiso. Se toma. Nos recuerda que la música más influyente del último medio siglo nació en un bar de mala muerte donde el dueño solo quería escuchar Bluegrass. Es una lección de humildad y de poder. La influencia de estos sonidos resuena en cada banda de indie rock, en cada grupo de post-punk revival y en cada chaval que coge una guitarra en un garaje.

Box Set Recomendado

Si alguna vez te has sentido fuera de lugar, si alguna vez has pensado que tu arte no encaja en los moldes establecidos, o si simplemente amas el rock and roll en su forma más pura y visceral, necesitas escuchar esta caja recopilatorio. Hazte un favor: apaga las notificaciones de tu teléfono, sírvete una bebida barata, sube el volumen hasta que los vecinos se quejen y déjate llevar por el sonido de Nueva York cuando Nueva York era el centro del universo salvaje. Es un viaje que no olvidarás.

Video del tema “The Kid with the Replaceable Head”:

Tracklist (4 CD Box Set):

1. The Dictators – (I Live For) Cars and Girls
2. The Harlots of 42nd Street – S&M (I Can't Live Without You)
3. The Magic Tramps – S&M / Leather Queen
4. Patti Smith – Free Money
5. The Brats – Be a Man
6. City Lights – Travelin' Man
7. The Hounds – Call Me (Previously unreleased on CD)
8. Erasers – It Was So Funny (That Song That They Sung)
9. Ramones – Beat on the Brat
10. Stuart's Hammer – Everybody's Depraved (Live at CBGB)
11. The Planets – Come On Up (Previously unreleased)
12. Milk ’N’ Cookies – Not Enough Girls (In the World)
13. Just Water – They Live by Night
14. Television – See No Evil
15. Mumps – Crocodile Tears
16. The Heartbreakers – Born to Lose
17. Testors – You Don't Break My Heart
18. The Dead Boys – Ain't Nothing to Do
19. The Senders – You Really Piss Me Off
20. The Electric Chairs – Fuck Off
21. Marbles – Forgive and Forget
22. Cherry Vanilla – Hard as a Rock
23. Tuff Darts – Fun City
24. Talking Heads – A Clean Break (Let's Work) (Live)
25. Suicide – Ghost Rider
26. Pure Hell – I Feel Bad
27. Helen Wheels – Room to Rage
28. Blondie – Picture This
29. Mars – Helen Forsdale
30. Come On – Don't Walk on the Kitchen Floor
31. Mink DeVille – “A” Train Lady
32. The Heat – Instant Love (Previously unreleased on CD)
33. Genya Ravan – Aye Co'lorado
34. Theoretical Girls – Lovin' in the Red
35. Richard Hell & The Voidoids – The Kid with the Replaceable Head
36. The Stilettos – Pink Stilettos
37. The Paley Brothers – Baby, Let's Stick Together
38. Neon Leon – Rock ’n’ Roll Is Alive (Previously unreleased on CD)
39. Revelons – The Way (You Touch My Hand)
40. New York Ni**ers – Just Like Dresden ’45
41. L.O.K. – Fun House (Previously unreleased on CD)
42. Material – O.A.O.
43. The Laughing Dogs – I Need a Million
44. Shrapnel – Combat Love
45. Peroxide – Heart Disease
46. Student Teachers – Christmas Weather
47. Tom Verlaine – Breakin' in My Heart
48. Richard Lloyd – Number Nine
49. James Chance & The Contortions – Jailhouse Rock (Live at CBGB 1978)
50. The Cramps – Garbage Man
51. The Dots – I Don't Wanna Dance (With You) (Previously unreleased on CD)
52. The Miamis – We Deliver
53. Model Citizens – Shift the Blame
54. The dB's – Black and White
55. The Rattlers – On the Beach
56. Love of Life Orchestra – Revolution Is Personal
57. Urban Verbs – Next Question (Previously unreleased)
58. Sylvain Sylvain – Teenage News
59. Stimulators – Loud Fast Rules
60. Tot Rocket and the Twins – Reduced
61. The Bongos – Telephoto Lens
62. Outsets – I'm Searchin' for You
63. Sorrows – Teenage Heartbreak
64. The Lounge Lizards – Do the Wrong Thing
65. Nervus Rex – There She Goes
66. The Cosmopolitans – Wild Moose Party
67. Polyrock – You're Dragging Feet
68. Lenny Kaye with The Lone Wolves – Child Bride (Previously unreleased on CD)
69. R.L. Crutchfield's Dark Day – Arp's Carpet
70. The Colors – Jealousy
71. TV Toy – (Don't Blame It on the) Weekend
72. DNA – Blonde Red Head
73. The Rudies – Sherri Goodbye
74. The Raybeats – Tight Turn
75. Phosphenes – Asexual (Previously unreleased on CD)
76. Minor Threat – Straight Edge
77. Bush Tetras – Things That Go Boom in the Night
78. Human Switchboard – (Say No to) Saturday's Girl
79. Disturbed Furniture – Information
80. The Necessaries – Back to You
81. Chemicals Made from Dirt – Oriental Television
82. China Shop – If It's New
83. James Blood Ulmer – Open House
84. Nihilistics – You're to Blame
85. Beastie Boys – Egg Raid on Mojo
86. The Individuals – My Three Sons (Revolve Around the Earth)
87. Rhys Chatham – Drastic Classicism (Edit)
88. Unknown Gender – Boys-Girls (Radio)
89. Khmer Rouge – Hinterland
90. Bad Brains – Banned in D.C.
91. Heart Attack – English Cunts
92. Outpatients – Fight
93. Vatican Commandos – Housewives on Valium
94. Sonic Youth – The World Looks Red
95. Jeff & Jane Hudson – Operating Instruction
96. Glorious Strangers – Deception
97. Nona Hendryx – Transformation
98. Reagan Youth – No Class
99. Rat at Rat R – Assassin
100. Ritual Tension – Social Climber
101. The Ordinaires – Grace

CBGB's — A NYC STORY (Documentary):

WILLIE DIXON - I Am the Blues

ALBUM: I Am the Blues

La influencia de Willie Dixon en el blues es inconmensurable, pero para muchos su nombre permanece a la sombra de las leyendas que ayudó a definir. El disco "I Am the Blues" es su momento de protagonismo, una colección de canciones que dieron forma al sonido del blues de Chicago y más allá. Este álbum es más que una declaración personal; es una lección de historia, un testamento y una invitación a sumergirse en las raíces de la música moderna.

Willie Dixon fue el arquitecto del blues de Chicago, la mente detrás de algunas de las canciones más reconocibles del género y la fuerza que unió las antiguas tradiciones del Delta con la energía urbana del blues eléctrico. Sus huellas están por todas partes en el sonido de Muddy Waters, Howlin' Wolf y Little Walter, y si alguna vez has escuchado un riff de blues saliendo de un amplificador en un disco de rock, es probable que Dixon haya contribuido a inspirarlo.

Pero con "I Am the Blues", editado en 1970, Dixon hizo algo diferente. No se trata de una simple colección de canciones, sino de un momento de protagonismo que se esperaba desde hacía mucho tiempo para un hombre que había pasado décadas dando forma al blues desde detrás de escena. Dixon dio un paso adelante, no solo como compositor o productor, sino como narrador, intérprete y la encarnación misma de la música a la que había dedicado su vida.

La voz detrás de las canciones:

Cuando grabó "I Am the Blues", Dixon ya había compuesto más de 500 canciones, muchas de ellas inmortalizadas por otros artistas. El álbum reúne algunas de sus composiciones más conocidas, canciones que ya habían cimentado su lugar en la historia del blues a través de las voces de Muddy Waters, Howlin' Wolf y Otis Rush. Pero aquí, Willie Dixon las reivindica como suyas, entregándolas con el peso de la experiencia, una voz que transmite historias de lucha, resiliencia y alegría.

Tomemos como ejemplo "Back Door Man". La versión de Howlin’ Wolf era toda amenaza, un himno carnívoro y acechante, pero Dixon la interpreta con una autoridad irónica, como si le recordara al oyente: “Aquí es donde empezó”. Su fraseo es relajado pero autoritario, un narrador que saborea cada verso. En “I Can’t Quit You Baby”, cambia la intensidad abrasadora de Otis Rush por un tono más mesurado y cansado del mundo, enfatizando el agotamiento emocional de la canción en lugar de su desesperación.

“The Little Red Rooster” es otra canción destacada. Mientras que la versión de Wolf tenía un aura primitiva, casi mística, Dixon le da un giro juguetón, casi travieso, convirtiendo la imagen del corral en un guiño cómplice. “I Ain’t Superstitious”, grabada años antes por Howlin’ Wolf con un aire nervioso y atormentado, es más mesurada aquí, el humor más agudo, la interpretación más sólida.

El sonido del blues de Chicago, refinado:

Willie Dixon se rodea de una formación impecable. El trabajo de armónica de Walter Horton es expresivo pero nunca abrumador, entrando y saliendo de los arreglos con sutileza y gracia. El piano, dividido entre Lafayette Leake y Sunnyland Slim, se desarrolla como una conversación callejera, a veces juguetona, a veces conspirativa. Johnny Shines maneja la guitarra, agregando acentos de buen gusto en lugar de solos llamativos, y Clifton James en la batería mantiene todo ajustado y en el bolsillo.

La producción, dirigida por Abner Spector, se mantiene fiel al espíritu del blues de Chicago. No hay nada brillante, nada diseñado para impresionar con pura destreza técnica. En cambio, es crudo, íntimo e inmediato, blues como se supone que debe sentirse, no solo escucharse.

Más que una colección de canciones:

Lo que distingue a "I Am the Blues" de otros discos de blues no es sólo la lista de clásicos o la imponente presencia de Dixon, sino la cohesión del álbum. No se trata sólo de una colección de canciones destacadas; es una conversación con el oyente, una visita guiada por el paisaje del blues. Capta el ingenio, la sabiduría y la experiencia vivida de un hombre que no sólo escribió las canciones, sino que vivió las historias detrás de ellas.

Escuchar "I Am the Blues" es como sentarse con el propio Dixon, dejar que te guíe por el mundo del blues de Chicago, canción por canción. Hay arrogancia en "I'm Your Hoochie Coochie Man", humor en "The Seventh Son" y una tensión latente en "You Shook Me" que subraya la profundidad emocional del género. La voz de Dixon no se trata de perfección técnica, se trata de autoridad, de saber exactamente cómo contar una historia para que se quede contigo.

Su legado:

Dixon dijo una vez: “El blues son las raíces y las otras músicas son los frutos”. Este álbum se erige como una de las expresiones más puras de esa creencia. Es un documento de dónde proviene el blues, pero también un recordatorio de cuánto moldeó todo lo que vino después. No es exagerado decir que sin la composición de Dixon, el rock and roll tal como lo conocemos no existiría, pregúntenle a los Rolling Stones, Led Zeppelin o Cream, todos los cuales tomaron prestado generosamente de su trabajo.

Sin embargo, a pesar de todos los elogios, Willie Dixon nunca se convirtió en un nombre familiar de la manera en que lo hicieron Muddy Waters o Howlin’ Wolf. Su influencia fue enorme, pero su rostro rara vez apareció en las portadas de los álbumes.

Disco recomendado

Para cualquiera que sea nuevo en el blues, "I Am the Blues" es un punto de partida esencial. Es el blues en su forma más pura, directamente de uno de sus más grandes arquitectos. Y para los fans del blues de toda la vida, es un recordatorio de cuánto Dixon le dio al género, no solo las canciones, sino la actitud, el humor y la verdad innegable que hay en el corazón de todo.

Si quieres entender el blues, comienza por aquí. Willie Dixon no solo fue parte de la historia, escribió el libro.

Video del tema "Back Door Man":

Tracklist (formato vinilo):

Cara A:

"Back Door Man" – 6:08
"I Can't Quit You, Baby" – 6:40
"The Seventh Son" – 4:15
"Spoonful" – 4:56

Cara B:

"I Ain't Superstitious" – 4:03
"You Shook Me" (Willie Dixon, J.B. Lenoir) – 4:15
"(I'm Your) Hoochie Coochie Man" – 4:48
"The Little Red Rooster" – 3:36
"The Same Thing" – 4:40

Ficha:

• Willie Dixon – voz, bajo

Chicago Blues All Stars:

• Walter Horton – armónica
• Lafayette Leake – piano
• Sunnyland Slim – piano
• Johnny Shines – guitarra
• Clifton James – batería

Técnica:

• Abner Spector – productor

BOB DYLAN - The Freewheelin' Bob Dylan - Album

Algunos discos capturan un momento en el tiempo; otros lo trascienden. "The Freewheelin' Bob Dylan" hace ambas cosas. Editado en 1963, no era solo otro LP de folk, era una declaración. Con una mezcla de himnos de protesta, canciones de amor y humor mordaz, Bob Dylan demostró que era más que un músico; era un narrador de historias, un comentarista y una voz que exigía ser escuchada. Este álbum no solo influyó en la música folk, sino que transformó la música popular en su conjunto.

Aprovecho que se estrena película "A Complete Unknown" con el actor Timothée Chalamet quien encarna un joven Bob Dylan, para recomendar el LP "The Freewheelin' Bob Dylan".   

ALBUM: The Freewheelin' Bob Dylan

En 1963, un Bob Dylan de 22 años emergió de la escena folk de Nueva York con "The Freewheelin' Bob Dylan", un álbum que redefiniría lo que significaba ser un cantautor. Si bien su debut homónimo lo había presentado como un intérprete de folk y blues tradicionales, Freewheelin' era algo completamente diferente. Once de sus trece canciones eran composiciones propias, lo que marcaba la llegada de un artista cuyas palabras tenían peso más allá de los cafés de Greenwich Village. Esto ya no era solo música folk; esto era Dylan, crudo e intransigente, forjando un nuevo espacio en la música estadounidense.

Protesta y poesía:

El álbum comienza con el ahora clásico "Blowin' in the Wind", una canción que pronto se convertiría en un himno mundial por los derechos civiles. Su estructura engañosamente simple, que plantea preguntas que siguen siendo tan urgentes hoy como lo fueron entonces, ayudó a cimentar la reputación de Bob Dylan como cantante de protesta, aunque más tarde rechazaría esa etiqueta. Pero Freewheelin' no se trata solo de activismo. El álbum oscila entre temas políticos contundentes como "Masters of War" y "A-Gonna Fall de A Hard Rain" (acusaciones mordaces de guerra e injusticia) y momentos más suaves e introspectivos como "Girl from the North Country" y "Don’t Think Twice, It’s All Right", canciones que diseccionan el amor y la pérdida con una claridad casi inquietante.

Lo que hace que el álbum sea tan notable es la facilidad con la que Dylan se mueve entre estos extremos. En un momento, está lanzando un ataque mordaz contra los belicistas y, al siguiente, está tejiendo reflexiones tiernas y nostálgicas sobre relaciones pasadas. Es esta dualidad (urgencia política mezclada con reflexión personal) lo que le da a Freewheelin’ su poder de permanencia.

Narración con ingenio y mordacidad:

El don de Dylan para contar historias brilla en todo el disco, no solo en sus cortes más serios, sino también en el humor irónico y absurdo de canciones como "Bob Dylan’s Blues" y "I Shall Be Free". Su ingenio es agudo, a veces cortante, como en "Talkin’ World War III Blues", donde teje una visión oscura y cómica de la América postapocalíptico. Este no era el tipo de humor que suavizaba su mensaje; era el humor que hacía que su mensaje fuera aún más agudo, sus palabras aún más difíciles de ignorar.

Un sonido atemporal:

Reducida a solo voz, guitarra y armónica, la producción de Freewheelin’ es tan pura como el propio Dylan. No hay adornos, ni pulido de estudio, solo el hombre y sus canciones. Y, sin embargo, el álbum nunca se siente monótono. La interpretación de Dylan por sí sola lleva cada pista, su voz pasando de un suave canturreo en "Girl from the North Country" a una intensidad casi burlona en "Masters of War". La escasez de la instrumentación hace que parezca inmediato, como si Bob Dylan estuviera sentado allí mismo en la habitación contigo, rasgueando su guitarra y exponiendo sus verdades.

Legado:

Cuando este álbum llegó a las tiendas, Dylan todavía era un gran desconocido fuera del circuito folk. Pero Freewheelin’ cambió eso casi de la noche a la mañana. No fue solo un éxito de crítica; fue un cambio cultural. En cuestión de meses, Dylan estaba siendo aclamado como un “portavoz de una generación”, una etiqueta de la que pasaría gran parte de su carrera tratando de deshacerse. The Beatles se dieron cuenta, y John Lennon recordó más tarde cómo el álbum influyó en su composición. Décadas más tarde, artistas desde Bruce Springsteen hasta Taylor Swift lo han citado como una piedra de toque para su propio trabajo.

Sin embargo, a pesar de todos los elogios, lo que hace que Freewheelin’ perdure no es solo su importancia histórica, es la música en sí. Incluso ahora, las canciones se sienten tan vitales y urgentes como lo fueron en 1963.

Disco recomendado

Para aquellos que aún no han descubierto a Bob Dylan, "The Freewheelin' Bob Dylan" es el lugar perfecto para comenzar. Lo captura en un momento en el que todavía estaba encontrando su voz, pero ya la manejaba con increíble poder. Si quieres un disco que te haga pensar, que te haga sentir y que incluso pueda cambiar tu forma de ver el mundo, este es el tuyo.

Escucharlo y deja que las palabras y melodías de Dylan te lleven. Algunos discos son solo álbumes; "The Freewheelin' Bob Dylan" es una experiencia.

Video del tema "A Hard Rain's a-Gonna Fall":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1. "Blowin' in the Wind" 2:48
2. "Girl from the North Country" 3:22
3. "Masters of War" 4:34
4. "Down the Highway" 3:27
5. "Bob Dylan's Blues" 2:23
6. "A Hard Rain's a-Gonna Fall" 6:55

Cara B:

1. "Don't Think Twice, It's All Right" 3:40
2. "Bob Dylan's Dream" 5:03
3. "Oxford Town" 1:50
4. "Talkin' World War III Blues" 6:28
5. "Corrina, Corrina" 2:44
6. "Honey, Just Allow Me One More Chance" 2:01
7. "I Shall Be Free" 4:49

Ficha:

• Bob Dylan – guitarra acústica, armónica, voz

Músicos adicionales

• Howie Collins – guitarra en "Corrina, Corrina"
  Leonard Gaskin – contrabajo en "Corrina, Corrina"
  Bruce Langhorne – guitarra en "Corrina, Corrina"
  Herbie Lovelle – batería en "Corrina, Corrina"
  Dick Wellstood – piano en "Corrina, Corrina"

Ficha Técnica:

• John H. Hammond – producción
• Don Hunstein – fotógrafo de la portada del álbum
  Tom Wilson – producción

AC/DC - Back in Black - Album (Revisted)

En 2007 hice un blog post sobre el disco "Back in Black". Un trabajo de AC/DC editado en 1980 que sigue hoy relevante y popular. No es solo un álbum más de AC/DC; es una declaración audaz, un regreso triunfante tras una tragedia y un testimonio del poder inquebrantable del rock. Este disco marcó un antes y un después en la historia de la banda, con un nuevo cantante, Brian Johnson, al frente. A pesar de la dolorosa pérdida de Bon Scott, AC/DC logró capturar su esencia rebelde y su energía arrolladora, llevando el rock a nuevas alturas. Este álbum se convirtió en un clásico instantáneo, resonando con la misma fuerza y vitalidad hoy en día, como una de las obras más emblemáticas del género.

Por esto quiero volver a dedicar espacio en este blog de música a este extraordinario disco.

ALBUM: Back in Black

 
En el mundo del rock and roll, los regresos son un tema de conversación frecuente, pero rara vez se materializan con el impacto sísmico de "Back in Black" de AC/DC. Publicado el 25 de julio de 1980, el álbum es a la vez un homenaje al fallecido Bon Scott y una declaración triunfal de la resiliencia de la banda. Con Brian Johnson en el lugar de Scott, AC/DC creó una obra maestra que trascendió la tragedia de su pérdida y consolidó su lugar como leyendas del rock. No es solo un álbum; es un himno a la supervivencia, la rebelión y el poder inquebrantable de la música rock.

Una campana para una nueva era

 
El sonido inicial de "Hells Bells" es más que una simple introducción; es una proclamación. El inquietante sonido de la campana (una bestia de hierro de una tonelada hecha a medida) anuncia una era de desafío y celebración. La voz gruñona de Brian Johnson atraviesa la mezcla con una ferocidad que parece menos un panegírico y más un grito de guerra: "Eres joven, pero vas a morir". Si el espíritu de Bon Scott se mantuvo en este álbum, fue menos triste y más travieso, incitando a la banda a festejar más, tocar más fuerte y vivir más salvajemente.

A partir de ahí, "Back in Black" estalla en una exhibición electrizante de riffs y energía contagiosa. Angus y Malcolm Young manejan sus guitarras como arietes gemelos, entregando riffs icónicos con la precisión de artesanos y la ferocidad de guerreros.

Una transición perfecta

 
Cuando Brian Johnson tomó el micrófono, el escepticismo estaba a flor de piel. ¿Podría alguien reemplazar a Bon Scott, el carismático escocés-australiano cuyo encanto travieso y actitud despreocupada habían definido a AC/DC? Brian Johnson no sólo reemplazó a Scott, sino que reinventó el papel. Su aullido áspero, a partes iguales salvaje y melódico, trajo una energía fresca pero familiar a la banda. Canciones como "Shoot to Thrill" y "You Shook Me All Night Long" muestran su habilidad para mezclar potencia bruta con un toque de encanto descarado. Johnson no intentó imitar a Scott; hizo suyo el papel al tiempo que honraba el espíritu de la banda.

En "You Shook Me All Night Long", Brian Johnson canaliza una exuberancia juguetona que hace de la canción una de las mejores canciones de rock para cantar a coro. Es una tormenta perfecta de metáforas, que compara una escapada romántica con un combate de boxeo, una comida y un paseo en coche, todo en menos de cuatro minutos. El hecho de que la canción se convirtiera en el primer éxito de AC/DC en el Top 40 en los EE. UU. habla de la integración perfecta de Johnson en el ADN de la banda.

Riffs que aún resuenan

Si AC/DC tiene un arma secreta, es su habilidad para crear riffs que se meten en tu cerebro y se niegan a irse. La canción principal, "Back in Black", lo ejemplifica. Su riff inicial es material de leyenda, un ritmo musculoso y traqueteante que se siente elemental, como si siempre hubiera existido, esperando a que AC/DC lo desentierre. La guitarra rítmica de Malcolm Young ancla la canción con una precisión implacable, mientras que los solos abrasadores de Angus Young se elevan como rayos a través del cielo tormentoso de la canción.

Temas como "Have a Drink on Me" y "Givin' the Dog a Bone" continúan el asalto, equilibrando el humor irreverente con el rock blusero y aplastante. Incluso cuando las letras viran hacia el territorio descarado ("Ella está usando su cabeza otra vez, yo solo le estoy dando un hueso al perro"), el compromiso de la banda con su arte evita que las canciones caigan en la parodia. En cambio, se presentan como celebraciones alegres de los placeres más simples y salvajes de la vida.

Un homenaje sin lágrimas

A pesar de su portada fúnebre y la sombra del fallecimiento de Bon Scott, "Back in Black" es todo menos sombrío. El álbum no es un canto fúnebre; es una celebración, un velorio en forma de 42 minutos de rock implacable. Canciones como "Let Me Put My Love Into You" reducen ligeramente el ritmo, ofreciendo un ritmo con infusión de blues que muestra la capacidad de la banda para agregar matices sin perder su filo. Aun así, el tema general es claro: mantener las bebidas fluyendo, las guitarras aullando y los buenos momentos continuando.

Quizás el momento más conmovedor llega en la última canción del álbum, "Rock and Roll Ain't Noise Pollution". Con su construcción lenta y deliberada, la canción se siente como un manifiesto, una declaración de que la música rock no es solo entretenimiento, es una forma de vida. Mientras Johnson grita: “El rock and roll no es contaminación acústica, el rock and roll nunca morirá”, es imposible no creerle.

Un legado forjado en negro

 
Más de varias décadas después de su lanzamiento, "Back in Black" sigue siendo uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos, con más de 50 millones de copias vendidas (y continuando). Pero los números por sí solos no pueden capturar su importancia. Este álbum no solo catapultó a AC/DC al estrellato mundial; redefinió lo que podía ser un álbum de rock. Demostró que incluso ante una pérdida devastadora, una banda puede emerger más fuerte, más audaz y más unida.

Disco recomendado

 
"Back in Black" es más que una simple colección de canciones. Es una cápsula del tiempo de rebelión, una clase magistral de resiliencia y un recordatorio de que la buena música rock no necesita reinvención, solo necesita pasión, precisión y mucho volumen. Para cualquiera que nunca haya experimentado la alegría atronadora de este álbum, ahora es el momento de sumergirse en él. Y para aquellos que ya lo saben de memoria, suban el volumen, porque esta obra maestra nunca pasa de moda.

Video del tema "Shoot to Thrill" (Live):

Tracklist (canciones):

Cara A:

1.         "Hells Bells"   5:10
3.         "What Do You Do for Money Honey"         3:33
4.         "Givin the Dog a Bone"         3:30
5.         "Let Me Put My Love into You"       4:16 

Side B:

6.         "Back in Black"          4:15
7.         "You Shook Me All Night Long"      3:30
8.         "Have a Drink on Me"           3:57
9.         "Shake a Leg" 4:06
10.       "Rock and Roll Ain't Noise Pollution"          4:15

AC/DC (Banda):

• Brian Johnson – voz principal
• Angus Young – guitarra principal
• Malcolm Young – guitarra rítmica, coros
• Cliff Williams – bajo, coros
• Phil Rudd – batería

Producción

• Robert John "Mutt" Lange – producción
• Tony Platt – ingeniería de sonido

NIRVANA - MTV Unplugged in New York - Album

La mayoría de los críticos musicales y el público amante de la música en general consideran que el "MTV Unplugged in New York" de Nirvana no es solo un álbum en vivo, es un retrato íntimo de vulnerabilidad y arte. Grabado en 1993, este set acústico desafió las expectativas, mezclando covers (versiones) inquietantes con reinterpretaciones "unplugged" de sus propias canciones. Despojado de "grunge", reveló la profundidad emocional de Kurt Cobain y la banda, creando una actuación que sigue siendo un testimonio atemporal.

Quiero recomendar este disco a los lectores de este blog de música, especialmente a aquellos de la generación más joven que pueden haber parado en sus LP más famosos: Nevermind e In Utero, y pueden haberse perdido esta obra maestra.

 

ALBUM: MTV Unplugged in New York

 
En noviembre de 1993, Nirvana entró en los estudios Sony Music de Manhattan para grabar una actuación que trascendería y desafiaría las expectativas tanto de sus seguidores como de sus detractores y, en última instancia, redefiniría su legado. "MTV Unplugged in New York" no fue simplemente otra entrada en la popular serie de MTV. Fue una declaración inquietante y visceral de una banda en la cima de su fama, pero tambaleándose al borde del colapso.

Este álbum, publicado póstumamente para Kurt Cobain en noviembre de 1994, muestra a Nirvana bajo una luz completamente diferente. Lejos de los himnos empapados de distorsión que los catapultaron al estrellato, la actuación despoja a su música de su núcleo orgánico y emocional. Sin embargo, no es simplemente una versión atenuada de sus éxitos; es un acto deliberado y desafiante de reinvención. Cobain y la banda evitaron la mayoría de sus éxitos más importantes en favor de originales oscuros, cortes profundos y una variedad ecléctica de versiones. Al hacerlo, crearon un disco que se parece menos a un concierto y más a una confesión íntima.

Rompiendo las reglas

 
La serie "MTV Unplugged" se construyó sobre la premisa de desnudar las canciones de rock y pop a su esencia acústica, a menudo como una muestra de "autenticidad". Sin embargo, Nirvana nunca estuvo interesado en seguir las reglas. Desde el principio, su enfoque desafió el formato. Kurt Cobain insistió en usar una pastilla en su guitarra acústica, pasándola por pedales y un amplificador. Dave Grohl, cuya poderosa batería era un sello distintivo del sonido de Nirvana, tuvo que adaptarse a escobillas y hot rods para mantener la estética sobria del set. Incluso la lista de canciones era poco convencional, sin "Smells Like Teen Spirit" ni "Heart-Shaped Box". En su lugar, optaron por originales menos conocidos como "Something in the Way" y versiones de artistas que iban desde David Bowie hasta el bluesman Lead Belly. 

Esta desviación intencional no estuvo exenta de tensión. Los ensayos fueron tensos, Cobain llegó tarde y visiblemente bajo los efectos. El día de la grabación, luchaba contra los síntomas de abstinencia, el dolor de estómago y la inseguridad. El productor Alex Coletti recordó la precariedad de la situación: todo parecía a punto de desmoronarse. Sin embargo, contra todo pronóstico, Nirvana ofreció una actuación que se convertiría en un icono.

Una intimidad cuidada

 
La meticulosa atención de Kurt Cobain a los detalles se extendió más allá de la música. El escenario estaba adornado con velas negras y lirios que evocaban una atmósfera de funeral. Esta elección estética, aunque algo escalofriante en retrospectiva, reflejó la dualidad de belleza y desesperación que impregna la actuación. La voz de Cobain, frágil pero imponente, dejó al descubierto sus luchas, en particular en la escalofriante canción de cierre, “Where Did You Sleep Last Night”.

Las versiones también fueron una declaración. “The Man Who Sold the World” de David Bowie se convirtió en una inquietante meditación sobre la identidad y la alienación, mientras que las canciones de Meat Puppets introdujeron al público de Nirvana al subgénero del cowpunk. “Where Did You Sleep Last Night” de Lead Belly ancló el set en las tradiciones del folk y el blues, conectando la angustia de Nirvana con un linaje humano más amplio de dolor y resiliencia.

Video del tema ""Where Did You Sleep Last Night":

Más que "Grunge"

Si Nirvana era sinónimo de grunge, "MTV Unplugged in New York" demostró que eran mucho más que eso. Esta actuación puso de relieve su capacidad para mezclar géneros e influencias, punk, folk, blues e incluso glam rock, en algo único y propio. La decisión de Cobain de incluir canciones de artistas que admiraba, como "The Vaselines" y "The Meat Puppets", fue tanto un homenaje como una invitación a los fans a explorar más allá de lo convencional.

El álbum también reveló un lado más tranquilo de Nirvana que se había insinuado en canciones como "Dumb" y "Pennyroyal Tea". Estos números, al despojarse de su refinamiento de estudio, parecían atemporales. Fue un testimonio de la composición de Cobain, que podía ser abrasiva y delicada, desesperanzada y esperanzadora, todo a la vez.

Un legado de vulnerabilidad

 
Escuchar "MTV Unplugged in New York" hoy es a la vez fascinante y desgarrador. Es imposible separar la música de la tragedia de la muerte de Kurt Cobain, que ocurrió menos de cinco meses después de la grabación. Sin embargo, en lugar de sentirse como un réquiem, el LP se erige como un recordatorio de la humanidad de Cobain. Sus luchas, expuestas en cada nota tensa y letra susurrada, resuenan universalmente.

Mientras que el disco "Nevermind" acercó el grunge a las masas e "In Utero" confronta las realidades más oscuras de la fama, "MTV Unplugged" captura a Nirvana en su momento más vulnerable y quizás más auténtico. La actuación no fue perfecta, pero esa imperfección es lo que la hace tan profundamente conmovedora. Es una instantánea de una banda atrapada entre dos mundos, tambaleándose al borde de la grandeza y el olvido, y sigue siendo quizás uno de los álbumes en vivo más íntimos y duraderos en la historia de la música.

Disco recomendado

En definitiva, "MTV Unplugged in New York" es más que un álbum en directo. Es un retrato de un artista y una banda que luchan por encontrar su lugar en el mundo. Es una invitación a la mente de Cobain, donde la belleza y el dolor coexisten en una armonía inquietante. Y es un recordatorio de que, a veces, el mayor poder de la música no reside en la perfección, sino en el coraje de ser verdadero y auténtico.

No puedo recomendar este disco lo suficiente, a los fans, a los no fans y a aquellos que buscan música que va más allá, que redefine a una banda.

Video del tema "Something in the Way":

Tracklist-canciones:

1.         "About a Girl"            Bleach 3:37
2.         "Come as You Are"               Nevermind      4:13
3.         "Jesus Doesn't Want Me for a Sunbeam" (The Vaselines cover) Dying for It         4:37
4.         "The Man Who Sold the World" (David Bowie cover) The Man Who Sold the World     4:20
5.         "Pennyroyal Tea"                   In Utero          3:40
6.         "Dumb"                      In Utero          2:53
7.         "Polly"            Nevermind      3:16
8.         "On a Plain"               Nevermind      3:44
9.         "Something in the Way"                   Nevermind      4:01
10.       "Plateau" (Meat Puppets cover)                     Meat Puppets II         3:38
11.       "Oh Me" (Meat Puppets cover)                     Meat Puppets II         3:26
12.       "Lake of Fire" (Meat Puppets cover)             Meat Puppets II         2:55
13.       "All Apologies"                     In Utero          4:23
14.       "Where Did You Sleep Last Night"  Lead Belly                 5:08

Nirvana (Banda)

• Kurt Cobain – voz principal, guitarra electroacústica (1–9, 13, 14)
• Krist Novoselic – bajo acústico (1, 2, 4, 6–9, 13, 14), acordeón (3), guitarra rítmica acústica (10–12)
• Dave Grohl – batería (todas excepto 5), coros, bajo acústico (3)
• Pat Smear – guitarra acústica (1–4, 6–9, 13, 14)

Músicos adicionales

Lori Goldston – violonchelo (3, 4, 6–9, 13, 14)
Cris Kirkwood – bajo acústico, coros (10–12)
Curt Kirkwood – guitarra acústica principal (10–12)

Producción

Alex Coletti – producción

THE BEATLES - Rubber Soul - Album

Sí, soy un gran fan de The Beatles. Quiero elogiar y recomendar a los lectores, especialmente a los jóvenes melómanos, el álbum de 1965 "Rubber Soul". Aunque los LPs siguientes "Revolver" y "Sgt Peppers" alcanzarían el estatus de legendarios, "Rubber Soul" marcó un cambio de dirección musical y verdadera madurez. Es el génesis de lo que vendría después. Absoluta grandeza.

 

ALBUM: Rubber Soul

 
Publicado el 3 de diciembre de 1965 y producido por George Martin, este disco fue un punto de inflexión. Este es el LP en el que los Beatles dejaron de ser simplemente los adorables melenudos y comenzaron su evolución hacia algo mucho más profundo. Se puede decir que ya no grababan sencillos para llenar las listas de éxitos; había una verdadera profundidad y experimentación. Este fue su primer álbum grabado en un bloque de tiempo concentrado, sin las distracciones habituales de los sets de filmación o las giras mundiales. Y ese espacio les dio lugar para crecer, no solo como músicos sino como narradores de historias.

No es que de repente hayan dejado de hacer canciones de amor, que todavía están en este álbum, pero la forma en que compusieron sobre el amor dio un gran salto en madurez. Atrás quedaron los días del simple cántico de "She Loves me, yeah, yeah, yeah". Canciones como "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" y "Girl" están llenas de capas de ambigüedad, profundidad emocional e incluso un poco de amargura. John Lennon claramente canalizaba la influencia de Bob Dylan con sus letras más introspectivas, mientras que George Harrison nos dio una primera muestra de las influencias hindu con la guitarra sitar en "Norwegian Wood". Vale la pena considerar que una banda de rock que incorpora un sitar en 1965 se consideraba revolucionario, pero así fue.

Y luego está la canción "In My Life", una de las obras más introspectivas de John Lennon. Es nostálgica, conmovedora y es fácilmente una de los temas más hermosos que la banda haya escrito. Escuchas el piano que suena como un clavicémbalo gracias a la magia de estudio de George Martin y te das cuenta de lo lejos que habían llegado en tan poco tiempo.

Pero esto no es todo acerca de John Lennon. Paul McCartney también brilla y de manera genial. Su talento para la melodía está presente en "You Won't See Me" y en "I'm Looking Through You", de estilo acústico, que muestran un lado más suave, pero no menos reflexivo, del álbum.

Pero lo que más destaca es cómo "Rubber Soul" se sitúa en la encrucijada entre el pasado y el futuro de los Beatles. Es un LP de transición, en el que siguen jugando con estructuras pop ("Drive My Car"), pero también están claramente ansiosos por ir más allá. "If I Needed Someone" de George Harrison está llena de melodías al estilo de los Byrds, no es difícil verlo avanzar hacia los temas más espirituales que definirían su trabajo posterior. Incluso Ringo Starr se suma con "What Goes On", que, aunque no es exactamente innovadora, añade un poco de estilo de Nashville con sus riffs inspirados en el country.

Video del tema "If I Need Someone":

Y ahí está el legado. "Rubber Soul" no fue solo un paso adelante para los Beatles, fue un cambio radical para la música en general. Demostró que la música pop podía ser sofisticada, introspectiva y artísticamente ambiciosa. No puedes escuchar este álbum sin sentir los impulsos de lo que luego se convertiría en "Revolver" y "Sgt. Pepper's".

Disco recomendado

En resumen, "Rubber Soul" es donde "The Beatles" se convirtieron en algo más que una banda, se convirtieron en artistas. Y aunque alcanzarían alturas aún mayores, hay algo especial en este disco de transición, donde puedes escucharlos a caballo entre lo que eran y lo que estaban a punto de convertirse. Muy recomendable para fans y no fans de los Beatles. Un disco imprescindible de la música pop universal.

Video del tema "In My Life":

Tracklist - canciones (formato LP original):

Cara A:

1.         "Drive My Car"          McCartney with Lennon        2:25
2.         "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)"  Lennon           2:05
3.         "You Won't See Me"  McCartney      3:18
4.         "Nowhere Man"         Lennon           2:40
5.         "Think for Yourself" (George Harrison)        Harrison          2:16
6.         "The Word"    Lennon           2:41
7.         "Michelle"       McCartney      2:40 

Cara B:

1.         "What Goes On" (Lennon–McCartney–Richard Starkey)   Starr    2:47
2.         "Girl"   Lennon           2:30
3.         "I'm Looking Through You"  McCartney      2:23
4.         "In My Life"   Lennon           2:24
5.         "Wait" Lennon and McCartney         2:12
6.         "If I Needed Someone" (Harrison)    Harrison          2:20
7.         "Run for Your Life"   Lennon           2:18 

The Beatles (Banda):

• John Lennon – voz principal, armonías y coros; guitarras rítmicas, acústicas y principales; órgano en "Think for Yourself"; pandereta
• Paul McCartney – voz principal, armonías y coros; bajo, guitarras acústicas y principales; piano; maracas
• George Harrison – voz principal, armonías y coros; guitarras principal, rítmicas y acústicas; sitar en "Norwegian Wood"; maracas, pandereta
• Ringo Starr – batería, pandereta, maracas, cencerro, campanas, platillos; órgano Hammond en "I'm Looking Through You"; voz principal en "What Goes On"

Producción y personal adicional:

•  George Martin – producción, mezcla; piano en "In My Life", armonio en "The Word" y "If I Needed Someone"
• Mal Evans – órgano Hammond en "You Won't See Me"
• Robert Freeman – fotografía
• Charles Front – ilustración

JOHN COLTRANE - Blue Train - Album

Examinando todos los posts sobre música jazz en este blog de música, descubro que aún tengo que hacer una "recomendación" para el álbum "Blue Train" de John Coltrane. ¡Mi culpa melómanos! 

Aquí está la recomendación de uno de los mejores discos de la historia de la música jazz.

 

ALBUM: Blue Train

 
Disco de estudio del saxofonista y compositor de jazz "John Coltrane". Fue publicado en enero de 1958. Coltrane escribió cuatro de las cinco canciones. Su forma de tocar destaca los primeros elementos del estilo característico por el que más tarde se hizo famoso. El enfoque único de Coltrane hacia la improvisación es sobresaliente en este LP. "Blue Train" también es el primer gran álbum del saxofonista después de que dejó su adicción a la heroína para siempre.

El personal de este disco incluye a los compañeros de banda cuando con Miles Davis; Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería, quienes habían trabajado antes con el pianista Kenny Drew. Tanto el trompetista Lee Morgan como el trombonista Curtis Fuller eran músicos de jazz prometedores, y ambos fueron miembros de Art Blakey 's Jazz Messengers a su debido tiempo.

El estilo de interpretación musical del LP avisa el comienzo del estilo Coltrane. Sus solos son más armónicos y las líneas arpegiadas. Su sincronización está separada o por encima del ritmo, en lugar de tocar sobre él o detrás de él. Dicho esto, también notarás a Coltrane al escuchar por primera vez el gran volumen y la velocidad con la que toca. Se puede decir que fue quizás el mayor improvisador de la historia de la música jazz.

Este LP también muestra muy claramente la sólida evidencia sonora de las habilidades innatas de liderazgo de Coltrane. No sólo aborda las melodías, sino que al mismo tiempo se reinventa como un intérprete polifacético tanto del hard bop como de la balada sensible.

Los sorprendentes arreglos de triple trompeta incorporan una densidad sonora adicional que sigue siendo una marca registrada única tanto de esta banda como de este álbum. De particular mención para los fans del jazz es el trombón de tono uniforme de Curtis Fuller, que salta a lo largo de la canción principal, así como en el frenético "Moments Notice". Otros aspectos destacados que se pueden encontrar incluyen los sutiles riffs de Paul Chambers en "Blue Train", así como la gran energía e impacto de las contribuciones de Lee Morgan y Kenny Drew durante "Locomotion". La canción también presenta algunas contribuciones breves pero notables de Philly Joe Jones, cuyo trabajo a lo largo del disco se encuentra entre sus mejores.

En general, "Blue Train" muestra a Coltrane exhibiendo todo su paladar artístico y creativo, combinando todos los niveles de habilidad técnica, visión artística y exploración intelectual, maravillosamente mezclados para que el oyente los disfrute. Abarca muchos tipos de melodías de jazz expresivas, emotivas y reveladoras. Es una música vibrante y sofisticada. En pocas palabras, un paquete de músicos de primer nivel, arreglos de primer nivel y simplemente un gran álbum.

Por último, pero no menos importante, John Coltrane era una estrella en ascenso antes de que saliera "Blue Train", y continuaría desarrollándose como una fuerza creativa en el jazz a medida que pasaba el tiempo, pero este fue el álbum en el que por primera vez se defendió como uno de los mejores saxofonistas que la música jazz haya visto jamás.

 

Disco recomendado

 
"Blue Train" es donde John Coltrane lo reunió todo y puso todas las ideas que había estado gestando en el paquete más completo. Recomiendo ampliamente este álbum como un buen punto de partida para una colección de John Coltrane. Sin duda, "Blue Train" puede considerarse una de las obras más importantes e influyentes no sólo de la carrera de Coltrane, sino de todo el género de la música jazz.

Y por último, una vez que descubras este LP, también te recomiendo otro de mis favoritos de Coltrane, "Giant Steps" (1960). De nuevo, simplemente mágico.

Video del tema "Blue Train":

Tracklist - canciones (formato LP original):

Cara A:

1."Blue Train" – 10:43
2."Moment's Notice" – 9:10

Cara B:

1."Locomotion" – 7:14
2."I'm Old Fashioned" (Johnny Mercer, Jerome Kern) – 7:58
3."Lazy Bird" – 7:00

Músicos:

• John Coltrane – saxofón tenor
• Lee Morgan - trompeta
• Curtis Fuller – trombón
• Kenny Drew - piano
• Paul Chambers - bajo
• Philly Joe Jones - batería

Técnico:

Alfred Lion - productor

MARVIN GAYE - What´s Going On - Album

Voy a recomendar a los lectores de este blog de música un disco trascendental. Hay muy pocos álbumes que vayan más allá del espacio y el tiempo hacia el infinito como lo hace "What 's Going On" de Marvin Gaye. Es una obra que capta un período de la historia (americana) en su contexto socio, político y económico que irradia la experiencia (y el sufrimiento) humana a través de la música. Esta obra es también una especie de vehículo de búsqueda espiritual por parte de un hombre que desea exorcizar sus propios demonios.

Un disco gigante que, si aún no lo has escuchado, es necesario experimentarlo. Es posible que el lector veterano ya haya caído ante su magia, me dirijo mi recomendación más hacia el lector joven que quizás aún está en su viaje musical y que necesita escuchar este disco para su evolución. 

ALBUM: What's Going On

 
El undécimo disco de estudio del cantante de soul estadounidense Marvin Gaye. Fue publicado el 21 de mayo de 1971. Fue el primer LP de Gaye en acreditarlo como productor y en acreditar a los músicos de sesión internos de Motown, conocidos como "The Funk Brothers". 

Es un álbum conceptual en el que la mayoría de sus canciones pasan a la siguiente y ha sido categorizado como un "ciclo de canciones". La narrativa de las canciones se cuenta desde el punto de vista de un veterano de la guerra de Vietnam que regresa a su país de origen para presenciar el odio, el sufrimiento y la injusticia. Las letras de Gaye exploran temas como el abuso de drogas, la pobreza y la guerra.

Fue un éxito comercial y de crítica inmediato, llegó a ser visto por los expertos musicales como un clásico del soul de los años 70. Muchos (incluido yo mismo) consideran "What 's Going On" uno de los mejores álbumes de todos los tiempos y una grabación histórica en la música popular.

Volvemos a la narrativa del LP. Este álbum presagia convencionalmente los sentimientos y el espíritu del veterano estadounidense de Vietnam que regresa a casa y se enfrenta a las fuerzas que dieron forma a la cultura estadounidense a principios de la década de 1970, el momento en que el idealismo de los 60 chocó contra las realidades de la pobreza, el abuso de drogas y la incomprensión racial. Marvin Gaye no gritó, cantó. Esto de por sí sitúa su obra y este LP en otro plano.

A nivel personal, Marvin Gaye también estaba atravesando una importante transformación personal. Su matrimonio estaba empezando a deteriorarse, además consideraba que el material musical que estaba grabando para "Motown" era insignificante durante la agitación social que se apoderaba de Estados Unidos en ese momento. Quería crear un álbum que hablara en nombre de la gente atrapada en toda la agitación local, a pesar de que su sello discográfico quería restringir la expresión de lo que tenía en mente.

"What 's Going On" enmarca el destrozado sueño americano, con un sonido de jazz, atmosférico y oscuro, con letras sentidas para crear lo que muchos todavía perciben como la cúspide de la expresión musical artística.

Mi canción favorita, "Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)", ejemplifica cómo los jóvenes del gueto eran enviados a Vietnam para luchar, morir y sufrir sólo para regresar a casa con las dificultades urbanas que parecían empeorar después de la muerte arrojaron sus vidas, cuerpos y almas al riesgo de la guerra, una guerra para la cual nadie podía comprender por qué se libraba en primer lugar. En lo que a mí respecta, esto es material "muy heavy", material trascendental manifestado en canciones y a través de la música. Si no es suficiente, escucha "Flyin High (In the Friendly Sky)", que describe los peligros de la adicción a las drogas y el costo que les cobra a aquellos a quienes se les había señalado en la dirección del abuso de sustancias como una forma de escapismo para poder hacer frente a las dificultades del deterioro urbano. Marvin Gaye es un poeta de su pueblo, que documenta realidades que tal vez "la gente blanca y rica" prefería esconder bajo la alfombra.

Marvin Gaye también se vuelve espiritual en este LP con el tema "God Is Love" y muy sentimental en "Wholy Holy" y "Save the Children". También aporta algo de funk emocional en "What 's Happening Brother" y en una pieza de siete minutos llamada "Right On".

Sin lugar a dudas, un álbum profundamente personal para Marvin Gaye, y un cambio en la carrera musical que superó la línea de ensamblaje de Motown mientras equilibraba algunos problemas personales serios (adicción a la cocaína, un matrimonio fallido, problemas fiscales, intento de suicidio). Canalizó toda la frustración, el dolor y el quebrantamiento, y los transformó en uno de los discos más bellos y profundamente humanos de todos los tiempos.

Incluso decidió dar otro salto y producirse él mismo. Usó el multipista para superponer varias voces principales. Su álbum se convirtió en una suite interconectada, una galería de canciones que reflejaban la "realidad" tal como él la veía, desde los guetos abandonados hasta las prósperas iglesias comunitarias y el entorno abusado.

El resultado general de las canciones es notable, especialmente cuando se escuchan en su conjunto. Este álbum es material verdaderamente esencial. Décadas después de su lanzamiento, la música todavía te estremece.

 

Disco recomendado

 
Un trabajo de soul monumental y uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. No solo es la obra maestra de Marvin Gaye, es el disco más importante y apasionante que ha surgido de la música soul interpretado por una de sus mejores voces. Puro comentario social explicado musicalmente, un triunfo de sustancia y alma. La expresión más perfecta de la esperanza, la ira y las preocupaciones de un artista jamás registrada. 

Imprescindible, un disco para ser escuchado, interiorizado y elogiado antes de morir.

Video del tema "Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)":

Tracklist - canciones (formato LP original):

Cara A:

1.         "What's Going On"    3:51
2.         "What's Happening Brother" 2:57
3.         "Flyin' High (In the Friendly Sky)"   3:40
4.         "Save the Children"    3:04
5.         "God Is Love"            2:31
6.         "Mercy Mercy Me (The Ecology)"                3:05

Cara B:

1.         "Right On"      7:20
2.         "Wholy Holy" 3:20
3.         "Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)" 5:16

Ficha tecnica:

Todas las voces principales de Marvin Gaye

Producida por Marvin Gaye

• Miembros de la Orquesta Sinfónica de Detroit dirigida y arreglada por David Van De Pitte

Voces de fondo:

• Marvin Gaye
• Los Andantes (Jackie Hicks, Marlene Barrow y Louvain Demps)
• Mel Farr, Charlie Sanders y Lem Barney de los Detroit Lions
• Dave Bing de los Detroit Pistons
• Bobby Rogers de The Miracles
• Elgie Stover
• Kenneth Stover

Cuerdas, instrumentos de viento y metales

• Gordon Staples, Zinovi Bistritzky, Beatriz Budinzky, Richard Margitza, Virginia Halfmann, Felix Resnick, Alvin Score, Lillian Downs, James Waring - violines
• Edouard Kesner, Meyer Shapiro, David Ireland, Nathan Gordon - violas
• Italo Babini, Thaddeus Markiewicz, Edward Korkigan - violonchelos
• Max Janowsky – contrabajo
• Carole Crosby - arpa
• Dayna Hardwick, William Perich - flautas
• Larry Nozero, Angelo Carlisi, George Benson, Tate Houston - saxofones
• John Trudell, Maurice Davis - trompetas
• Nilesh Pawar – oboe
• Carl Raetz – trombón
• The Funk Brothers: instrumentación, interludio hablado ("What 's Going On") y trompetas solistas.
• Eli Fountain - saxofón soprano "What's Going On"
• Wild Bill Moore - saxofón tenor "Mercy Mercy Me"
• Marvin Gaye - piano, Mellotron ("Mercy Mercy Me"), caja de batería ("What's Going On")
• Johnny Griffith – celeste, teclados adicionales
• Earl Van Dyke - teclados adicionales
• Jack Brokensha – vibráfono, percusión
• Joe Messina, Robert White - guitarras eléctricas
• James Jamerson - bajo "What's Going On", "What's Happening Brother", "Flyin' High", "Save the Children", "God Is Love" y la cara B "Sad Tomorrows"
• Bob Babbitt - bajo "Mercy Mercy Me", "Right On", "Wholy Holy" y "Inner City Blues"
• Bosque de Chet - batería
• Jack Ashford – pandereta, percusión
• Eddie "Bongo" Brown - bongos, congas
• Earl DeRouen - bongos y congas "Right On"
• Bobbye Hall – bongós "Inner City Blue".