AIR - Moon Safari - Album (Revisited)

Hay álbumes que parecen no acumular polvo, sin importar cuántos años pasen ni cuántas veces se escuchen. Viven en el fondo de los cafés, aparecen en las películas, tararean en los viajes nocturnos en coche, y aun así, te invitan a sentarte y escuchar con atención. Al revivir "Moon Safari" de Air, décadas después de su lanzamiento, recuerdo que no es solo una reliquia de finales de los noventa, sino un disco que sigue vibrando y sorprendiendo. Es el tipo de álbum que transforma el ambiente de una sala desde el momento en que comienza, y al hacerlo, revela por qué sigue siendo tan esencial hoy como lo fue en 1998.

ALBUM: Moon Safari 

Cuando el dúo francés Air publico su álbum debut, "Moon Safari", el 16 de enero de 1998, pocos podrían haber predicho el alcance que alcanzaría. Nicolas Godin y Jean-Benoît Dunckel, dos músicos de Versalles, lograron forjar un sonido que no era ni de club ni estrictamente pop, sino algo completamente distinto: atmosférico, melódico e infinitamente transportable. Décadas después, el disco no ha perdido ni un ápice de su encanto. Sigue siendo un hito de la música de finales de los 90 (siglo XX), uno de esos raros álbumes que no solo definen un momento, sino que siguen vivos en el presente.

Un nuevo tipo de electrónica:

En aquel entonces, la electrónica estaba en auge. Sellos británicos como Warp impulsaban el techno puro, mientras que Mo' Wax defendía el trip-hop con samples. Sin embargo, "Moon Safari" sonaba diferente. Air no se conformaba con simplemente reciclar influencias. En cambio, aprendieron del pasado, desde los ritmos cinematográficos de Serge Gainsbourg hasta los exuberantes arreglos de Burt Bacharach, y crearon algo nuevo. Su música se basaba en sintetizadores y experimentación en el estudio, pero en su esencia residía una sólida composición.

El tema inicial, "La Femme d'Argent", marcó la pauta inmediatamente. Una línea de bajo se desliza suavemente bajo siete minutos de felicidad evolutiva, acentuada por teclados que se sienten como rayos de luz suave. No es una canción apresurada. Al contrario, invita a entregarse a su ritmo meditativo. A partir de ahí, el álbum cambia de tono pero nunca pierde la coherencia. "Sexy Boy", con su irónica celebración de la masculinidad, es juguetona pero sofisticada, mientras que "Kelly Watch the Stars!" estalla con voces robóticas y una energía alegre.

Una fusión de atmósfera y melodía:

Lo que distingue a Moon Safari es la forma en que equilibra la atmósfera con la melodía. Estas canciones no son solo un fondo musical; Tienen una gran carga emocional. "All I Need", con la cantante estadounidense Beth Hirsch, es una balada lastimera, casi al estilo de los Carpenters, que se siente a la vez íntima y cósmica. Hirsch también presta su voz a "You Make It Easy", una pieza delicada entretejida con una guitarra de bossa nova que captura una tierna sensación de anhelo.

En otros temas, el eclecticismo de Air brilla con luz propia. "Ce Matin La", con sus toques de trompa y armónica, podría haber musicalizado una película europea perdida de los años 60. "Talisman" se adentra en un espacio sobrenatural, mientras que "Remember" reintroduce voces de vocoder de una forma no escuchada desde el apogeo de Kraftwerk. El cierre, "Le Voyage de Pénélope", es una despedida exuberante, un viaje a la euforia que deja al oyente flotando entre la Tierra y la órbita.

Recepción y malentendidos:

Curiosamente, "Moon Safari" no fue aclamado universalmente al principio. Algunos críticos estadounidenses lo descartaron como música de fondo kitsch y "euro-cheese" disfrazada de sofisticación. La revista Rolling Stone le dio un 3,5 sobre 5, y Brent DiCrescenzo, de Pitchfork, bromeó diciendo que sería ideal para exposiciones de arquitectura minimalista o bandas sonoras de San Valentín. Sin embargo, estas críticas no captaron la esencia. Reducir "Moon Safari" a la ironía es ignorar su maestría.

El tiempo ha sido más benévolo. El álbum vendió cerca de dos millones de copias en todo el mundo, incluyendo casi 400.000 en Estados Unidos y un cuarto de millón en Alemania. En el Reino Unido, alcanzó el doble platino. En Francia, sin embargo, la recepción fue más fría: solo se vendieron 100.000 copias, y alcanzó el puesto número 21 en las listas. El uso de voces en inglés en Air, especialmente con las contribuciones de Hirsch, hizo que el disco pareciera más británico que francés para muchos en casa.

Identidad visual y contexto cultural:

Parte del impacto de Moon Safari provino de su presentación visual. La portada, diseñada por Mike Mills, retrataba a Godin y Dunckel como figuras de estilo cómic retro, con las palabras "French band" impresas junto al logotipo casi como una provocación. En aquel entonces, los grupos franceses luchaban por entrar en el mercado angloamericano. El éxito de Air ayudó a cambiar la percepción. Junto a contemporáneos como Daft Punk, demostraron que los músicos franceses podían crear música innovadora y con relevancia internacional.

El momento era ideal. En Gran Bretaña, el britpop se había derrumbado por su propio peso y los oyentes estaban listos para algo exótico pero familiar. Se redescubrían las influencias del easy listening y el lounge, a menudo con un toque de ironía, y el enfoque cálido y melódico de Air encajaba a la perfección con el ambiente. Canciones como "Sexy Boy" sonaban juguetonas, mientras que "Femme d'Argent" y "Ce Matin La" apelaban a la nostalgia por el sonido cinematográfico.

Un legado perdurable:

Al escuchar "Moon Safari" hoy, lo que más me impacta es su atemporalidad. Los sintetizadores analógicos, las líneas de bajo jazzeras, las capas atmosféricas…todo sigue sonando fresco. La ecléctica mezcla de influencias del álbum, desde la bossa nova hasta el pop espacial, significa que no envejece como muchos discos ligados a una escena específica. Al contrario, sigue cautivando a través de las generaciones.

También es un álbum profundamente versátil. Escuchado a un volumen bajo, crea un ambiente tranquilo y reflexivo en cualquier habitación. A un volumen alto, revela detalles intrincados: el brillo de los teclados, la sutil percusión, la interacción del bajo y la melodía. Es a la vez fondo y primer plano, atmósfera y sustancia. Pocos discos logran ese equilibrio.

Las canciones en sí mismas tienen una cualidad transportadora. "New Star in the Sky (Chanson pour Solal)" parece compuesta para la sala de estar de una estación espacial, orbitando la Tierra a intervalos de noventa minutos. "All I Need" todavía llega al corazón, su letra tan simple y conmovedora como siempre. Incluso el divertido "Kelly Watch the Stars!" posee un ritmo hipnótico.

Por qué es importante:

Entonces, ¿por qué debería alguien que descubre música hoy dedicarle tiempo a "Moon Safari"? Porque captura una combinación poco común: resonancia emocional, innovación sonora y accesibilidad duradera. Demostró que la música electrónica no tenía por qué ser fría o puramente funcional; podía ser cálida, humana y romántica. Conectó culturas, presentando la sensibilidad del pop francés a un público internacional. Y todavía suena como ningún otro.

Hace mucho tiempo, escuché el disco en un café-club, como probablemente hicieron muchos otros. Es apropiado, porque la música de Air tiene una forma de filtrarse en la vida cotidiana sin exigir atención; sin embargo, una vez que lo escuchas con atención, te recompensa con capas de riqueza. No es un álbum que te quedes atrás. Al contrario, crece contigo, adaptándose a tus estados de ánimo y entorno.

Disco recomendado

"Moon Safari" fue un debut, pero se siente como una declaración de intenciones completa. Godin y Dunckel lograron crear un álbum que es a la vez contemporáneo y trascendente, uno que desafió las nociones de lo que podría ser la música electrónica, sin dejar de ser profundamente melódico y humano. Tanto si eres nuevo en Air como si los revisitas después de años, este disco sigue siendo una puerta de entrada perfecta.

Para cualquiera que tenga curiosidad por cómo la música puede cambiar la atmósfera de una habitación, o por cómo los instrumentos electrónicos pueden crear algo cálido y orgánico, "Moon Safari" es una escucha imprescindible. Escucha y déjate transportar, no solo a 1998, sino a un lugar atemporal donde la melodía, el estado de ánimo y la imaginación se unen.

Por último, si buscas ampliar tu colección con un álbum inmersivo, relajante e infinitamente gratificante, "Moon Safari" es para ti.

Video del tema ""La Femme d'argent":

Tracklist (original):

1. "La Femme d'argent" "The Silver Woman"/"The Money Girl" 7:08
2. "Sexy Boy" 4:57
3. "All I Need" (lyrics: Beth Hirsch) 4:28
4. "Kelly Watch the Stars" 3:44
5. "Talisman" 4:16
6. "Remember" (music: Jean-Jacques Perrey, Dunckel, Godin) 2:34
7. "You Make It Easy" (lyrics: Hirsch) 4:00
8. "Ce matin là" (music: Dunckel, Godin, Patrick Woodcock) "That Morning" 3:38
9. "New Star in the Sky (Chanson pour Solal)" "Song for Solal" 5:38
10. "Le Voyage de Pénélope" "Penelope's Voyage" 3:10

Air

• Nicolas Godin – bajo (pistas 1–3, 5–10); pandereta (pistas 1, 2, 6); Minimoog (pistas 1, 3, 6, 9, 10); coros (pistas 1, 8); palmas (pistas 1, 4, 10); voz, siringe, solo de Moog (pista 2); Korg MS-20 (pistas 2, 10); guitarra eléctrica (pistas 2, 6, 8); talk box (pistas 2, 6, 9); guitarra acústica (pistas 3, 7–9); órgano, batería, Solina String Ensemble (pista 3); vocoder (pistas 4, 6, 9); bajo Moog, Casiotone (pista 4); glockenspiel (pistas 4, 7); Wurlitzer (pista 5); caja de ritmos (pistas 5, 7, 10); Roland String Ensemble (pista 6); percusiones, Moog Wave, frotamiento de manos (pista 7); armónica, ride inverso (pistas 7, 8); coro Rhodes, shaker (pista 8); piano (pista 10)
  
  
• Jean-Benoît Dunckel – Rhodes (pistas 1–7, 9, 10); Solina String Ensemble (todas las pistas); órgano (pistas 1–3, 6, 7, 10); syrinx, solo de Moog (pistas 1, 2, 4, 8); coros (pistas 1, 6, 8); Korg MS-20 (pistas 1, 4–6, 9); palmas (pistas 1, 4, 10); piano (pistas 1, 4, 7, 9); voz (pista 2); Wurlitzer (pistas 3, 6); introducción de Korg MS-20 (pista 3); Vocoder (pistas 4, 6, 9); glockenspiel (pista 4); clavinet (pistas 4, 8, 10); Minimoog (pistas 4, 5); Casiotone, frotamiento de manos (pista 7); Versos de Rhodes (pista 8); Mellotron (pista 9)

Músicos adicionales:

• Eric Regert – solo de órgano (pista 1)
• Alf – palmas (pista 1)
• Caroline L. – palmas (pista 1)
• Marlon – batería (pistas 2, 4, 5)
• Beth Hirsch – voz (pistas 3, 7); coros (pista 7)
• P. Woodcock – guitarra acústica (pista 3); Trombón (pista 8)
• David Whitaker – Arreglos de cuerdas, dirección (pistas 5, 7, 8)
• Enfants Square Burq – Risas (pista 9)

Técnica:

Jean-Benoît Dunckel – Producción, grabación
Nicolas Godin – Producción, grabación

Música Indie para estudiar: Playlist ideas

Con el nuevo curso escolar, muchos estudiantes están preparando no solo sus listas de lectura y horarios, sino también el ambiente en el que estudiarán. El silencio a veces puede resultar agobiante, y el ruido cotidiano no mejora. La música puede proporcionar ese equilibrio, un sonido que favorece la concentración sin acaparar la atención. Con esto en mente, pensé que los estudiantes lectores de este blog de música podrían agradecer una pequeña selección de canciones indie para enriquecer sus playlists o incluso inspirarlos a crear una nueva para los próximos meses.

Cigarettes After Sex – Apocalypse

Cigarettes After Sex domina el arte de las atmósferas oníricas. En "Apocalypse", las voces susurrantes parecen flotar en el aire, mientras las guitarras brillan como la luz a través del cristal esmerilado. Crea una burbuja que te protege de las distracciones externas. Suelo poner esta canción cuando necesito desconectar del bullicio del mundo y sumergirme en una larga sesión de lectura.

Explosions in the Sky – Your Hand in Mine

Si las palabras pesan demasiado en ese momento, Explosions in the Sky ofrece la alternativa perfecta. Your Hand in Mine dura más de ocho minutos, sin llegar a alargarse.

El grupo tejano construye crescendos con paciencia, liberando energía en oleadas que se sienten a la vez emocionales y purificadoras. Es el tipo de pieza que ayuda durante la concentración profunda, donde los pensamientos necesitan un impulso constante en lugar de interrupciones.

The xx – Intro

The xx publico Intro en 2009 y rápidamente se convirtió en un clásico moderno. Con solo una línea de guitarra repetitiva y ritmos minimalistas, la canción tiene un aire casi meditativo. A menudo pienso en ella como un mantra disfrazado de música. Su repetición hipnótica me mantiene anclado en el presente, perfecto para empezar a estudiar sin una descarga de adrenalina.

Bon Iver – Holocene

Holocene es una de esas canciones que se siente expansiva e íntima a la vez. La voz de Justin Vernon se superpone delicadamente a guitarras acústicas y una suave percusión, creando un paisaje sonoro que evoca una mañana brumosa. Cuando necesito perspectiva, cuando el estrés de una fecha límite me abruma, escucho esto. Me recuerda que la calma y la reflexión pueden existir incluso en momentos de mucha actividad.

Beach House – Space Song

Beach House se especializa en música que te transporta a otro mundo. Space Song, de su disco de 2015, Depression Cherry, combina teclados envolventes con melodías que parecen extenderse hasta el infinito. Es nostálgico y a la vez extrañamente futurista, y me transporta sin esfuerzo a un estado de fluidez.

José González – El Invento

Este tema "El Invento" marcó la primera composición en español de José González y transmite la sencillez y la gracia que han definido su obra durante décadas. Con solo una voz y una guitarra acústica, crea un momento íntimo. Los arpegios son constantes y reconfortantes, lo que lo convierte en uno de mis temas predilectos cuando necesito absorber material denso sin distracciones.

Sigur Rós – Hoppípolla

Pocas canciones de Sigur Rós son tan inspiradoras como Hoppípolla. Aunque la letra está parcialmente cantada en un idioma inventado, la emoción es universalmente comprensible. El arreglo orquestal sube y baja con una alegría infantil que es contagiosa sin ser agobiante. Esta canción me ha acompañado en más de una sesión nocturna, dándome ánimos cuando la energía me falta.

Khruangbin – White Gloves

Khruangbin son conocidos por mezclar influencias world music con un funk relajado. "White Gloves" es uno de sus temas más suaves, con un ritmo pausado pero cautivador. Las guitarras psicodélicas crean una atmósfera nebulosa, perfecta para mantener la energía constante durante largos periodos de tiempo tomando notas o escribiendo.

Kramies – Days Of

A Kramies se le suele describir como un trovador del dream pop, y Days Of explica por qué. Es suave, sobrenatural y ligeramente melancólico. Cuando lo escucho mientras estudio, me siento impulsado a la creatividad. Es el tipo de música que permite que las ideas afloren silenciosamente, sin forzarlas.

Ólafur Arnalds – saman

Desde Islandia llega Ólafur Arnalds, quien fusiona ideas neoclásicas con texturas electrónicas modernas. Saman se construye alrededor del piano y las cuerdas, tocado con tanta delicadeza que casi se siente como el silencio cobrando forma. Si hay una pieza que me despeja la mente y me permite concentrarme, es esta.

Moon Panda – Slow Drive

Moon Panda crea dream pop con calidez, y Slow Drive es una de sus canciones más atractivas. La suavidad de las voces y las capas de sintetizadores te hacen sentir como si estuvieras mirando por la ventana en una tarde lluviosa, seguro y absorto en tu trabajo. Es atmosférico sin llegar a ser sombrío, lo que lo convierte en una excelente opción para largos ratos de lectura.

Tame Impala – Yes I’m Changing

Kevin Parker de Tame Impala ha escrito muchos himnos psicodélicos, pero Yes I'm Changing muestra su lado más introspectivo. Las oleadas de sintetizador son lentas y envolventes, casi como una suave marea. Para mí, es ideal para escribir, cuando los pensamientos necesitan profundizar y conectar con la reflexión personal.

Recomendaciones

Estudiar es una actividad exigente, y la música adecuada puede hacer que las horas no solo sean más llevaderas, sino también más gratificantes. Esta colección no se trata de distracciones ruidosas ni de energía repentina, sino de crear un ambiente donde la concentración y la calma puedan coexistir. Cada una de estas canciones ofrece una textura diferente: algunas minimalistas, otras expansivas, pero todas comparten la cualidad de dejar espacio para que la mente divague productivamente.

Si buscas música que fomente la concentración sin abrumar tus pensamientos, te recomiendo empezar con esta lista de reproducción. Quizás descubras, como yo, que estas voces indie crean el ambiente ideal para el aprendizaje, la reflexión y la creatividad.

FOUR TET - Three - Album

El alquimista de "beats" Kieran Hebden ("FourTet") logra producir hermosa música electrónica que se puede escuchar con su uso del diseño de sonido, capaz de sonar fresca e innovadora años después. "Four Tet" ha lanzado 44 minutos de música downtempo con un ritmo suave bajo el título "Three", otra joya en su discografía que es consistente en tono y ritmo, además de estar llena de muchos sonidos bellamente arreglados.

 

ALBUM: Three

 
Es el duodécimo álbum de estudio del músico electrónico británico "Four Tet" (Kieran Hebden). Fue publicado el 15 de marzo de 2024. La carátula del álbum fue diseñada por Jason Evans y Matthew Cooper.

Este es un disco muy hermoso. Me llama la atención lo atractivo y envolvente que es este disco a la vez. Los ritmos se desvanecen suavemente en el fondo y proporcionan una atmósfera encantadora, mientras que las melodías superficiales no pueden evitar mantener al oyente activamente atento. Es un equilibrio que se juega maravillosamente en este estilo.

"Three" es un "regreso" que parece extraño llamarlo regreso, ya que estos últimos años han sido algunos de los más prolíficos en la carrera de "Four Tet", tal vez tanto que no hubo mucho tiempo para hacer otro LP. Se encontró el tiempo y este álbum continúa en la misma dirección en la que Hebden ha estado combinando su típico enfoque melódico con algunos ritmos ingeniosos.

El primer corte, "Loved", se desliza sobre un ritmo clásico y cálido de estilo hip hop, rematado con capas sencillas de sintetizadores brillantes. "Gliding Through Everything" es un tema ambient sin ritmo que se transforma en una pieza de dream pop. "Storm Crystals" recupera el hip hop downtempo con samples que brindan la maravillosa sensación de asombro que hace que la música de "Four Tet" sea tan cautivadora. "Daydream Repeat" funciona como la alegre pieza central del álbum. Un ritmo sordo y un chillido inician el proceso. Sin embargo, no pasa mucho tiempo antes de que Kieran Hebden regrese a su paleta de samples geniales. "Skater" combina hip hop con guitarra eléctrica que recuerda algunos de los primeros trabajos de Kieran Hebden. Brillantes sintetizadores estilo clavicémbalo rebotan y una voz femenina encantadora y melodiosa eleva la pista en el aire. "31 Bloom", uno de mis favoritos, inyecta algo de energía en la parte posterior del álbum a través de ritmos house y una línea de sintetizador que se suma al empuje de la pista. "So Blue" mantiene el sentimiento suave y celestial que cerró '31 Bloom'. La vocalista femenina aquí es angelical. "Three Drums" es impecable y magnífica en todos los aspectos. Muy positivo y afirmativo de la vida. Combina un ritmo enérgico pero relajante con lavados de sintetizadores al estilo de los 90.

En definitiva, en "Three" hay más de lo que parece: interrupciones que nunca ves venir, indicios de sonidos en las profundidades de la mezcla que no puedes distinguir. Eso es lo que separa a "Three" del mero ambient; dentro de los parámetros cuidadosamente pensados de lo que constituye un disco de "Four Tet", está encontrando formas nuevas y más tranquilas de sorprender al oyente.

Este disco también es testimonio del dominio de la música electrónica de "Four Tet". Ya seas un fan desde hace mucho tiempo o un recién llegado, este álbum es una excelente escucha. Une el pasado y el futuro, dejando una marca indeleble en el panorama de la música electrónica. Felicitaciones a Kieran Hebden por otra brillante incorporación a su ya magnífico catálogo. “Three” seguramente se convertirá en otro clásico para los entusiastas de la música electrónica de todo el mundo.

 

Disco recomendado

 
La mayoría de las canciones se encuentran entre las mejor ejecutadas por "Four Tet" en su estilo característico, y aunque no todo en este álbum es "orgásmico", todos los cortes contribuyen a un equilibrio realmente bueno que lo convierte en un disco agradable en general. Una elegante combinación de texturas orgánicas de los primeros trabajos con la electrónica cristalina y prístina de excursiones más recientes. Este álbum incorpora prácticamente todos los estilos de música que Kieran Hebden ha hecho a lo largo de los años, algo que los fans realmente apreciarán.

Búscalo y escúchalo tranquilamente, funciona de maravilla para correr temprano en la mañana, junto con momentos tranquilos a altas horas de la noche.

Video del tema "Three Drums":

Tracklist:

1.         "Loved"          4:03
2.         "Gliding Through Everything"          4:08
3.         "Storm Crystals"         6:40
4.         "Daydream Repeat"   6:08
5.         "Skater"          4:15
6.         "31 Bloom"     5:52
7.         "So Blue"        5:29
8.         "Three Drums"            8:15

BRIAN ENO - Ambient 1: Music For Airports - Album

Dedico espacio (blog post) a un género musical menos popular pero no menos importante. La música "ambient" es un género de música que se enfoca en crear texturas y paisajes sonoros atmosféricos en lugar de estructuras, melodías o ritmos de canciones tradicionales. Se caracteriza por su énfasis en el estado de ánimo, el tono y la experiencia auditiva en general, a menudo con el objetivo de evocar una sensación de calma, relajación o contemplación. La música "ambient" generalmente presenta arreglos minimalistas, tempos lentos y el uso de instrumentos electrónicos, como sintetizadores y samplers, para crear paisajes sonoros inmersivos y en evolución. 

El género fue "inventado" por Brian Eno a finales de la década de 1970 con su álbum "Ambient 1: Music for Airports". Exploramos juntos al artista y músico Brian Eno con un resumen extenso del disco "Ambient 1: Music for Airports" explicando su estructura, canciones, impacto y legado, con el fin de recomendar y animar su búsqueda al lector que no esté familiarizado con este trabajo.

Pero antes de analizar "Ambient 1: Music for Airports", conozcamos brevemente a Brian Eno.

¿Quién es Brian Eno?

Brian Peter George Eno, también conocido como Brian Eno, es un músico, compositor, productor y artista visual británico (nacido Melton, Suffolk), mejor conocido por sus contribuciones a la música ambient y su trabajo en rock, pop y electrónica. Brian Eno ha introducido conceptos y enfoques no convencionales a la música contemporánea. Es una de las figuras más influyentes e innovadoras de la música popular. En 2019, Eno fue incluido en el "Salón de la Fama del Rock and Roll" como miembro de Roxy Music.

Se unió al grupo de glam rock "Roxy Music" como teclista en 1971 antes de abandonar en 1973. Luego, Eno lanzó una serie de álbumes en solitario y comenzó a explorar una dirección minimalista.

Además de su trabajo en solitario, Brian Eno colaboró frecuentemente con otros músicos en la década de 1970, incluidos Robert Fripp, Cluster, David Bowie y David Byrne. También se estableció como un codiciado productor, trabajando en álbumes de John Cale, Jon Hassell, Talking Heads, Ultravox y Devo. En las décadas siguientes, Eno continuó grabando álbumes en solitario y produciendo para otros artistas, principalmente U2 y Coldplay, junto con el trabajo de artistas como Daniel Lanois, Laurie Anderson, Grace Jones, Slowdive, Karl Hyde, James, Kevin Shields y Damon Albarn.

Brian Eno inventa la música "ambient":

 
Brian Eno lanzó una serie de álbumes electrónicos "ambient" eclécticos. Él acuñó el término "música ambient", diseñado para modificar la percepción del oyente del entorno circundante. A Brian Eno se le atribuye la creación del género de música ambient.

El primer trabajo de música ambient de Eno fue "Discreet Music" (1975), es considerado un álbum emblemático del género. A esto le siguió su "Ambient series: "Music for Airports (Ambient 1)", "The Plateaux of Mirror (Ambient 2)" con Harold Budd en el teclado, "Day of Radiance (Ambient 3)" con el compositor estadounidense Laraaji , y "On Land (Ambient 4)".

La discografía de Brian Eno es muy extensa; en "Roxy Music", trabajos en solitario y colaboraciones, además de muchas producciones y mezclas. Te animo a buscar en la web tu mismo si estás interesado en los títulos.

Brian Eno: Influencia y legado:

Brian Eno es a menudo mencionado como uno de los artistas más influyentes de la música popular. Sus contribuciones a la música abarcan varios géneros, incluidos el rock, el ambient y la música electrónica.

Algunos aspectos clave de su influencia y leyenda en la música son:

• Música pionera - "ambient": se le atribuye a Brian Eno la creación del género de música "ambient", que se enfoca en crear texturas y paisajes sonoros atmosféricos en lugar de estructuras de canciones tradicionales. Su álbum de 1978 "Ambient 1: Music for Airports" se considera una obra fundamental en el género.

• Innovar en el estudio: Brin Eno es conocido por sus técnicas de producción innovadoras y el uso creativo de la tecnología en el estudio de grabación. Ha trabajado con numerosos artistas, ayudándolos a traspasar los límites de su sonido. Algunas colaboraciones notables incluyen la "Berlin Trilogy" de David Bowie (Low, Heroes y Lodger), "Remain in Light" de Talking Heads y The Unforgettable Fire", "The Joshua Tree" y "Achtung Baby" de U2.
  
  
  

• Estrategias oblicuas: Eno co-creó un juego de cartas llamado "Estrategias oblicuas" con el artista Peter Schmidt. Estas tarjetas ofrecen indicaciones y sugerencias creativas para ayudar a los artistas a superar los bloqueos creativos y pensar de manera diferente sobre su trabajo. Han sido utilizados por muchos músicos y artistas desde su creación en la década de 1970.

• Música generativa: Eno ha sido pionera en el campo de la música generativa, que implica la creación de sistemas que producen composiciones musicales en constante cambio. Su álbum de 1996 "Generative Music 1" fue uno de los primeros lanzamientos comerciales en utilizar este enfoque y ha seguido explorando el concepto en su trabajo.
  
  
• Arte visual e instalaciones: además de sus contribuciones musicales, Eno también ha estado involucrado en la creación de arte visual e instalaciones, a menudo incorporando elementos de luz y sonido. Su trabajo en esta área ha consolidado aún más su condición de artista multifacético e influyente.

En resumen, la influencia y la leyenda de Brian Eno en la música se pueden atribuir a su enfoque innovador de la composición, la producción y el proceso creativo, así como a su voluntad de explorar nuevas ideas y tecnologías. Su trabajo ha tenido un impacto duradero en una amplia gama de artistas y géneros, convirtiéndose en un verdadero ícono en el mundo de la música.

 

ALBUM: Ambient 1: Music for Airports

 

El sexto álbum de estudio de Brian Eno, publicado en 1978. Es el primero de los álbumes de Eno lanzados bajo la etiqueta de "música ambient", un género musical destinado a "inducir a la calma y un espacio para pensar". Si bien no es la primera entrada de Eno en el estilo, se le atribuye haber acuñado el término "Ambient". El álbum fue el primero de cuatro álbumes lanzados en la serie "Ambient" de Eno, que concluyó con Ambient 4: On Land de 1981. A lo largo de los años, el álbum "Ambient 1: Music for Airports" ha vendido más de 200.000 copias, lo que lo convierte en uno de los álbumes en solitario más vendidos de Eno.

El álbum "Ambient 1: Music for Airports" consta de cuatro composiciones creadas superponiendo bucles de cinta de diferentes longitudes, y fue diseñado para reproducirse continuamente en bucle como una instalación de sonido, con la intención de calmar la atmósfera tensa y ansiosa de una terminal de aeropuerto. Eno definió su enfoque en oposición al Muzak "enlatado" y las prácticas de escucha fácil.

El álbum "Ambient 1: Music for Airports" es universalmente considerado como el "mejor disco ambient de todos los tiempos".

Track por Track review:

 
El álbum consta de cuatro piezas (canciones) sutiles y de evolución lenta, cada una diseñada para crear una atmósfera relajante y envolvente. La intención de Eno era proporcionar un fondo sónico relajante para el entorno a menudo estresante de los aeropuertos.

• "1/1": el corte de apertura presenta una suave melodía de piano repetitiva acompañada de suaves tonos de sintetizador. Las notas del piano se tocan a intervalos irregulares, creando una sensación de espacio y atemporalidad. La pieza es minimalista, pero evoca una sensación de calma y tranquilidad. El tempo lento y el arreglo escaso permiten que el oyente se sumerja completamente en el paisaje sonoro.

• "2/1": esta composición presenta armonías vocales etéreas y sin palabras que flotan sobre un lecho de acordes de sintetizador cálidos y sostenidos. Las voces, interpretadas por miembros del conjunto vocal británico "The Cockpit", se procesan y reproducen en bucle, creando un efecto hipnótico de otro mundo.

• "1/2": el tercer corte presenta una serie de notas de sintetizador largas y sostenidas que cambian y evolucionan gradualmente con el tiempo. La pieza tiene una calidad más abstracta en comparación con las pistas anteriores, con el foco en los cambios sutiles de tono y textura. Se invita al oyente a perderse en el paisaje sonoro que se desarrolla lentamente.

• "2/2": La composición final vuelve al uso del piano, esta vez acompañado de una melodía de sintetizador delicada y aguda. La pieza tiene un sentimiento más melancólico e introspectivo, proporcionando una conclusión adecuada para el álbum.

 

El legado de "Ambient 1: Music for Airports" de Brian Eno":

 
El legado de "Ambient 1: Music for Airports" es significativo y de gran alcance, ya que ha tenido un profundo impacto en la industria de la música y el desarrollo del género "ambient". El enfoque innovador del álbum para la composición, el diseño de sonido y su propósito previsto ha influido en innumerables artistas y compositores, así como moldeado la forma en que pensamos y experimentamos la música en varios contextos.

Estos son algunos elementos clave del legado del álbum:

• Nacimiento de la música "ambient": "Ambient 1: Music for Airports" es ampliamente considerado como el primer verdadero álbum de música "ambient". Estableció los principios básicos del género, como el enfoque en la atmósfera, la textura y el minimalismo, así como la idea de la música como un elemento funcional y ambiental. El lanzamiento del álbum allanó el camino para que numerosos artistas explorarán y ampliarán el género "ambient".

• La música como elemento funcional: el concepto de Eno de crear música diseñada específicamente para el entorno del aeropuerto fue innovador (quién lo hubiera imaginado en ese momento). Introdujo la idea de la música como un elemento funcional que podría usarse para mejorar o alterar la atmósfera de un espacio, en lugar de solo servir como una forma de entretenimiento. Desde entonces, este concepto se ha aplicado a varios contextos, como la música para la relajación, la meditación e incluso los espacios comerciales como instrumento comercial de marketing.

• Influencia en la música electrónica: Las técnicas y los paisajes sonoros utilizados en "Ambient 1: Music for Airports" han tenido un impacto duradero en la música electrónica en general. El uso innovador de sintetizadores, bucles y técnicas de procesamiento del álbum inspiró a muchos músicos electrónicos a experimentar con enfoques similares, lo que llevó al desarrollo de subgéneros como downtempo, chillout e IDM (música de baile inteligente).

• Inspiración para las instalaciones sonoras y el arte sonoro: el trabajo de Eno en "Ambient 1: Music for Airports" también ha influido en el campo de las instalaciones sonoras y el arte sonoro. El enfoque del álbum en la creación de entornos sonoros inmersivos ha inspirado a los artistas a explorar la relación entre el sonido, el espacio y la experiencia del oyente, lo que lleva a una amplia gama de instalaciones y obras de arte innovadoras y que invitan a la reflexión.

• Impacto en la música popular: la influencia del álbum se extiende más allá de los géneros de música ambiental y electrónica. Muchos músicos populares, incluidos David Bowie, U2; Radiohead y Coldplay, han citado el trabajo de Eno en "Ambient 1: Music for Airports" como inspiración para su propia música, lo que demuestra el impacto de gran alcance del álbum en la industria de la música en general.

En general, el legado de "Ambient 1: Music for Airports" de Brian Eno es multifacético y perdurable. El disco no solo estableció el género de la "música ambient", sino que también introdujo nuevas formas de pensar y experimentar la música en varios contextos. Su influencia se puede experimentar en una amplia gama de estilos musicales y ha inspirado a innumerables artistas y compositores.

 

Músicos directamente influenciados por el álbum "Ambient 1: Music for Airports": 

Aquí hay algunos nombres:

•  Aphex Twin
• Sigur Rós
• Moby
• Biosphere
• Radiohead
• The Orb
• Stars of the Lid
• Steve Roach
• Tim Hecker
• Fennesz
• Jon Hopkins
• Eluvium

Disco recomendado

"Ambient 1: Music for Airports" es una obra fundamental en el género de la música ambient y electrónica, que destaca el enfoque innovador de Brian Eno para la composición y el diseño de sonido. Los arreglos minimalistas del álbum y el enfoque en la atmósfera y la textura han influido en innumerables artistas y compositores en los años transcurridos desde su lanzamiento. Además, recomiendo "Ambient 1: Music for Airports" de Brian Eno por su significado histórico, relajación y alivio del estrés, su composición innovadora y por ser un clásico atemporal. Simplemente dicho, es una obra que se debe tener y de escucha obligatoria para todos los amantes de la "música ambient" y electrónica.

Es un disco histórico!

Video del tema "2/1":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1.         "1/1" (Acoustic and electric piano; synthesizer.) Brian Eno, Rhett Davies, Robert Wyatt 16:30
2.         "2/1" (Vocals; synthesizer.)    Eno     8:20

Cara B:

3.         "1/2" (Vocals; acoustic piano.)           Eno     11:30
4.         "2/2" (Synthesiser) 6:00

Personal (Músicos):

• Brian Eno - sintetizador, piano eléctrico, voz
• Christa Fast - voz ("2/1", "1/2")
• Christine Gómez - voz ("2/1", "1/2")
• Inge Zeininger - voz ("2/1", "1/2")
• Robert Wyatt - piano acústico ("1/1", "1/2")

SPOOKY - Gargantuan - Album

Este fin de semana me llevaron a un café-bar al aire libre con ambiente chill-out para disfrutar de un refresco con unos amigos. Como es típico de estos establecimientos, la multitud era tranquila, relativamente joven y disfrutaba de buena música. Durante mi presencia escuché un tema antiguo pinchado por el Dj del local que me trajo viejos recuerdos, un tema de hace 30 años. Una delicia, ya que todavía tenía un impacto encantador como cuando lo escuché por primera vez, junto con la gente más joven bailando a su ritmo.

Estoy hablando de...

ALBUM: Gargantuan

El álbum debut de estudio del dúo electrónico inglés Spooky publicado en marzo de 1993. El dúo había establecido su lugar en la vanguardia de la escena "progressive house" grabando este álbum usando producción analógica. Spooky, es un dúo formado por Duncan Forbes y Charlie May en Londres. El DJ y productor William Orbit descubrió al dúo en una tienda de discos y los firmó con su sello discográfico "Guerilla" a principios de la década de 1990.

"Gargantuan", con algunos nombres de canciones extrañas pero con buena música, es llamado y reconocido universalmente como el monumento del house progresivo de principios de los 90 (siglo XX) por una razón. Es un álbum excepcional que todavía suena fresco y "primaveral" incluso hoy.

El álbum es en gran parte instrumental e incorpora percusión y ritmos rígidos con fraseos melódicos de "House". El disco tuvo poco rendimiento comercial cuando se lanzó, sin embargo, fue aclamado por la crítica y hoy en día se considera un álbum innovador en la historia del house progresivo y la música dance británica.

Como ya mencionado, este es uno de los LP emblemáticos (junto con "Leftism" de Leftfield) en el resurgimiento del house británico durante los años 90. "Gargantuan" te ofrece algunas canciones épicas como el sencillo "Schmoo", "Land of Oz" (con sample de la banda "Can") y "Don't Panic", junto con el excelente corte de dos partes "Little Bullet" y mi corte favorito "Orange Color Liquid", tema más chill-out.

En general, encontrarás un álbum que fusiona house melódico y "deep" con ritmos rígidos, todos caracterizados por "capas electrónicas" inventivas y ritmos palpitantes con un énfasis melódico y percusivo. Es decir, todos los ingredientes básicos que son muy apreciados por los aficionados a la música dance junto con los más conocedores de la música electrónica.

Un disco recomendado. Un álbum magistral que muestra el sonido único y el enfoque innovador de Spooky hacia la música electrónica. La capacidad del dúo para mezclar música ambient, techno y house en un todo cohesivo es impresionante, y los ritmos intrincados, las melodías inquietantes y las atmósferas temperamentales del álbum lo convierten en un álbum imprescindible para los fans de la música electrónica experimental. 

Y termino, volviendo a mis comentarios al principio de este post, es un placer poder seguir escuchando música de hace 30 años y sonando en un ambiente de gente joven.

Video del tema "Orange Coloured Liquid":

Tracklist: 

1."Don't Panic" – 7:02
2."Schmoo" – 5:37
3."Aqualung" – 5:42
4."Little Bullet Part One" – 6:57
5."Little Bullet Part Two" – 6:27
6."Land of Oz" – 7:36
7."Something's Got to Give" – 6:52
8."Orange Coloured Liquid" – 5:09
9."Schmoodub" – 7:32
10. "Let Go" - 7:26

GLOBAL COMMUNICATION - 76:14 - Album

ALBUM: 76:14

La música como medio de transporte emocional y psicológico. La mejor forma que tengo para resumir este increíble disco.

Es el segundo álbum de estudio de "Global Communication", un dúo inglés de música electrónica formado por Tom Middleton y Mark Pritchard. Publicado inicialmente el 1 de junio de 1994, el disco ha sido reeditado varias veces, la más reciente en 2020 en una versión ampliada y remasterizada con "Pentamerous Metamorphosis" (álbum de remezclas de Chapelhouse) y un disco seleccionado de sencillos y remezclas raros, titulado "Transmisiones".

El título del álbum, 76:14, pretende corresponder al tiempo de ejecución total del disco en minutos y segundos, aunque el tiempo de ejecución real es más corto. Del mismo modo, cada tema del álbum se titula correspondientemente según su duración respectiva.

Mark Pritchard y Tom Middleton producen uno de los mejores trabajos en el canon del ambient house (aunque esto se puede definir también como "chill-out"). Los unía su colección de discos y su amor por los músicos electrónicos europeos - Vangelis, Brian Eno, Jarre, Kraftwerk y especialmente, Tangerine Dream, además de ser fanáticos del Detroit Techno, como lo demuestra 76:14. Considerado ahora un clásico de la música ambient de los 90, también es un álbum pionero, una epopeya en expansión que se aleja de la música ambient para abarcar sintetizadores kosmische, shoegaze, técnicas de producción de dub y muchos otros géneros.

Es un equilibrio de belleza con una calidad inquietante. En varias canciones, el lado oscuro parece hacerse presente, pero durante la mayor parte de 76:14, las melodías y los ritmos lentos trazan un curso hacia lo optimista y positivo. Es una experiencia auditiva para escuchar desde principio a fin: tranquila, relajante, atmosférica y hermosa. Dicho de otra manera, es un viaje cerebral emocional a mundos sonoros etéreos como pocos han creado antes. Cada tema de este álbum es como un viaje persistente en el espacio. Después de todo este tiempo, la paleta de sonidos, desde el agua que cae hasta el siniestro silbido, sigue siendo absorbente.

Algunas canciones destacadas: 9:39, 7:39, 14:31 y 12:18, aunque en su totalidad es un disco enorme.

Un disco recomendado. Quizás, si no, el álbum chillout más perfecto de la historia, junto con Brian Eno "Airports", KLF "Chillout", The Orb "Adventures Beyond Ultraworld" y AphexTwin "Ambientworks..." (por mencionar algunos). Es un viaje musical, desconéctate del mundo que te rodea, ponte los auriculares y déjate llevar a otra dimensión. Es un disco imprescindible para cualquier fan a la música electrónica, género ambient o chillout. Simplemente esencial.

Video el tema "9:25":

Tracklist (original):

1.         "4:02"  
2.         "14:31"           
3.         "9:25"
4.         "9:39" 
5.         "7:39"
6.         "0:54" 
7.         "8:07" 
8.         "5:23" (titulo alternativo "Maiden Voyage")
9.         "4:14"  4:14
10.       "12:18"            12:18

THE ORB | The Orb's Adventures Beyond the Ultraworld

The Orb (Banda)

Es una formación de música electrónica fundada en 1988 por Alex Paterson y Jimmy Cauty. Conocidos por su sonido psicodélico, "The Orb" inventó (con THE KLF) virtualmente el género electrónico conocido como "ambient house", resucitando ritmos más lentos y envolventes y proporcionando una "banda sonora" para los "ravers" matutinos una vez que los clubes cerraron sus puertas (el chill-out). La fórmula es simple: ralentizas los ritmos del house clásico de Chicago y agregas trabajo de sintetizador y efectos inspirados en los pioneros del ambiente de los años 70 como Brian Eno y Tangerine Dream. Para hacer el conjunto un poco más accesible, a diferencia de lo bailable, se enlazan "samples" de vocales oscuras, lo que generalmente proporcionaba un tema para las pistas que carecían de voces.

Una breve historia:

Alex Paterson comenzó su carrera musical en la década de 1980 como "roadie" ("pipa") de la banda de post-punk "Killing Joke" antes de finalmente irse en 1986 para perseguir sus propios intereses musicales. Influenciado por la creciente popularidad de la música house de Chicago en el Reino Unido durante la década, poco después comenzó a trabajar con otro pionero del ambient house, Jimmy Cauty, que había estado involucrado en el proyecto paralelo de Killing Joke, "Brilliant", con el amigo de la infancia de Paterson, Martin Glover (bajista de Killing Joke) alias "Youth". Paterson, Cauty y Youth también realizaron sesiones de DJ "chill-out" en el club "Heaven" de Londres.

Como DJs de ambient y dub, las primeras actuaciones de "The Orb" se inspiraron en artistas electrónicos de la década de 1970, sobre todo Brian Eno y Kraftwerk. The Orb ha mantenido su estética de ciencia ficción característica a pesar de numerosos cambios de personal, incluida la salida de Jimmy Cauty y los miembros Kris Weston, Andy Falconer, Simon Phillips, Nick Burton y Andy Hughes. Alex Paterson ha sido el único miembro permanente.

Su influyente álbum debut de 1991, "The Orb's Adventures Beyond the Ultraworld", fue pionero en el incipiente movimiento de ambient house del Reino Unido, mientras que su seguimiento U.F.Orb, que encabezó las listas de éxitos del Reino Unido, representó el pico comercial del género.

La discografía de "The Orb" hasta ahora:

• The Orb's Adventures Beyond the Ultraworld (1991)
• U.F.Orb (1992)
• Orbus Terrarum (1995)
• Orblivion (1997)
• Cydonia (2001)
• Bicycles & Tricycles (2004)
• Okie Dokie It's the Orb on Kompakt (2005)
• The Dream (2007)
• Baghdad Batteries (Orbsessions Volume III) (2009)
• Metallic Spheres (2010) (with David Gilmour)
• The Orbserver in the Star House (2012)
• More Tales from the Orbservatory (2013)
• Moonbuilding 2703 AD (2015)
• COW / Chill Out, World! (2016)
• No Sounds Are Out of Bounds (2018)
• Abolition of the Royal Familia (2020)

Como se puede apreciar, "The Orb" sigue publicando álbumes, aunque sus mejores tiempos fueron los primeros cuatro discos, surfeando la ola del movimiento "ambient-house"/"chillout". Muchos recordarán los Clubs más "cool" y los sitios más "in" de verano de Grecia y Ibiza ("Cafe del Mar") poniendo "The Orb" para acompañar al público a ver atardecer el sol en los años 90.

Para mi el disco que más me gusta es el primero de 1991 "The Orb 's Adventures Beyond the Ultraworld", por su atrevimiento, genio e innovación. El segundo, "U.F.Orb" de 1992, fue el más exitoso comercialmente y venía ya con el impulso del debut. 

 

ALBUM: The Orb's Adventures Beyond the Ultraworld

Es el primer álbum de estudio publicado como un doble álbum el 2 de abril de 1991. Es una composición continua y progresiva que sigue un "viaje sonoro psicodélico" de dos horas a través de varios géneros, samples y efectos de sonido. Gran parte del álbum se grabó después de que el miembro fundador Jimmy Cauty dejara el grupo, dejando a Alex Paterson como miembro central, con contribuciones adicionales de Andy Falconer, Kris Weston y otros.

La obra fue bien recibida en Europa y alcanzó el puesto #29 en la lista de álbumes del Reino Unido. Desde entonces se le ha atribuido la popularización del naciente movimiento ambient-house del Reino Unido.

El doble álbum simula un viaje a través de los reinos exteriores, que avanza desde el pop ambient vertiginoso de "Little Fluffy Clouds" (que contiene "los samples" controvertidas de conversación de Ricky Lee Jones) y el colorado "Back Side of the Moon" (una referencia a la banda "Pink Floyd") al "Into the Fourth Dimension" y terminando (después de más de dos horas) con el mix en directo de "A Huge Ever Growing Pulsating Brain".

Un trabajo largo y desalentador que contiene muchos segmentos lentos que se rompen por momentos por la genialidad. The Orb traspasa los límites de la música electrónica en un momento en el que los singles eran un foco mayor que los álbumes. Este trabajo de característica conceptual realmente suena como la banda sonora de viajar a la velocidad de la luz a través del universo.

Hay un elenco de "samples" (voces, transmisiones espaciales, susurros en idiomas extranjeros...) magnificamente utilizados y cálidos tonos de sintetizador que brindan ritmos estilo house de medio tiempo y un ambient con inflexión de dub. Con un inteligente equilibrio de las bandas sonoras de "BBC Radiophonics Workshop", las obras de música ambient de los años 70 de Brian Eno, Hillage y Pink Floyd, además de la influencia constante de la sublime house de Larry Heard en Chicago, "The Orb's Adventures Beyond the Ultraworld" es el álbum que definió el movimiento ambient-house (aunque también hay que mencionar a "The KLF").

Un disco recomendado. Uno de los álbumes más importantes del género ambient-house, salido directamente de principios de los años 90. Algunos críticos musicales han llamado a este álbum el "Pink Floyd" de la música electrónica, otros el mejor método de "aterrizaje" (chill-out) después de una gran y larga noche de fiesta. Es un verdadero testimonio de la generación de los 90 y las nuevas tecnologías de la época, animadas por el descubrimiento de lo desconocido. Un trabajo simplemente sublime y una obra de arte que trasciende al mismo tiempo y espacio. Es un álbum de música electrónica casi perfecta, aunque no me atrevo a ser tan categórico con tantos buenos álbumes de música electrónica publicados y disponibles.

Video del corte "Little Fluffy Clouds":

 Tracklist: Vinilo lanzamiento original (doble):

Disc 1.

- Cara A -

1.         "Little Fluffy Clouds" (Earth Orbit One)      4:27
2.         "Earth (Gaia)" (Earth Orbit Two)                  9:48
3.         "Supernova at the End of the Universe" (Earth Orbit Three) 11:56

- Cara B -

1.         "Back Side of the Moon" (Lunar Orbit Four)           14:15
2.         "Spanish Castles in Space" (Lunar Orbit Five)         15:05

Disc 2.

- Cara A -

1.         "Perpetual Dawn" (Ultraworld Probe Six)    9:31
2.         "Into the Fourth Dimension" (Ultraworld Probe Seven)      9:16
3.         "Outlands" (Ultraworld Probe Eight)                       8:23

- Cara B -

1.         "Star 6 & 7 8 9" (Ultraworld Nine)   8:10
2.         "A Huge Ever Growing Pulsating Brain That Rules from the Centre of the Ultraworld" (Live Mix Mk 10; Ultraworld Ten)   18:49

CASINO VS JAPAN | Hitori + Kaiso: 1998 - 2001

Casino Versus Japan
(aka Eric Kowalski, música electrónica)

El nombre de grabación del americano Erik Kowalski, un músico que trabaja en música electrónica. El músico es conocido por producir hermoso techno auditivo, con melodías barrocas e inquietantes a ritmo de trip-hop beats distorsionados.

Erik Kowalski fue originalmente fuertemente influenciado por la música "Vangeles" y "Jean-Michel Jarre", y comenzó haciendo música con episodios grabados de la serie TV "Miami Vice", probando la música de "Jan Hammer", sampleándola y tocándola con el telón de fondo de otros géneros musicales. Recopilaba más samples de una variedad de fuentes y lo mezclaba con otras grabaciones caseras. Kowalski aprendió por sí mismo el piano en la escuela secundaria, junto con la guitarra y la batería, y comenzó a componer canciones sencillas. 

Grabando música ambient-experimental basada en la guitarra, Kowalski maduró en la comunidad de música electrónica clandestina en la ciudad de Milwaukee, Wisconsin. Trabajó en "Atomic Records" y también escribió para el fanzine alternativo "Milk Magazine" para mantenerse informado sobre los desarrollos dentro de muchos estilos de música innovadora.

A principios de 1998, se acercó a Mike Bailey del sello electrónico local "Star Star Stereo" con algunas cintas demos, y poco después, publico su debut homónimo Casino Versus Japan. Esto posteriormente llevó a actuaciones en directo (incluidas varias fechas de telonero para “Low”) con Charles Wyatt (Charles Atlas) acompañando a Kowalski en la guitarra. En enero de 2000, la discografica "Wobblyhead" publico el segundo disco "Go Hawaii". Desde entonces ha publicado otra tanda de álbumes y colecciones: a continuación su discografía hasta ahora:

• Casino Versus Japan, CD (1998)
• Go Hawaii, CD (2000) 2x12' LP (2001)
• Whole Numbers Play the Basics, CD and LP (2002)
• Hitori + Kaiso (1998–2001), Double CD (2004)
• Casino Versus Japan [Re-edición] (2010)
• Night on Tape (2010)
• Frozen Geometry (2016)
• Suicide By Sun (2018)

La música de Kowalski es electrónica con toques ambient y atmosféricos, que crean exquisitos paisajes mentales. Tiene un sonido hermoso; etiquetado chill, chill-space, ambient-techo o IDM (Intelligent Dance Music).

Hay un álbum (recopilatorio) que sirve muy bien para introducirte a "Casino Versus Japan", es decir, el mundo de Erik Kowalski. El trabajo en cuestión es "Hitori + Kaiso: 1998 - 2001".

ALBUM: Hitori + Kaiso: 1998 - 2001

Es el cuarto lanzamiento de Casino Versus Japan publicado el 9 de marzo de 2004 que reúne 29 temas inéditos en formato doble (compilación). Una obra de trabajos descritos como etéreo, misterioso, cálido, atmosférico, chill y psicodélico. Yo lo resumiría además como "Ambient-Techno y Down-tempo". Un disco maravilloso donde las canciones transmiten una especie de ambiente de paz y tranquilidad. Excelente álbum para introducirte al artista.

La discográfica "Attacknine Records" compiló y lanzó el álbum a partir de un gran archivo de material inédito presentado inicialmente como un regalo y no destinado al público. "Hitori + Kaiso: 1998 - 2001" es una colección de obras recomendado para un publico que prefiere escuchas solitarias y nocturnas, que les gusta la música de "Seefeel, Brian Eno, Floating Points...etc.",  los sonidos de ensueño, estar sentado en una mecedora mirando las montañas o los viajes en tren tranquilizado por los paisajes y el sonido.

Un álbum que por lo general presenta un sonido drone de teclado respaldados por ritmos "trip-hop" (beats) y funky. Es también una reinterpretación de Erik Kowalski del sonido de gente como "Boards of Canada", con espacios de silencios, ritmos de baja intensidad (tema "Said Virgo") y teclados que recuerdan a "Vangelis" (tema "Map Happy"). Además, Kowalski incluye temas donde toca la guitarra - "Stolen" y "Theme From Lazy Day" - para introducir más variedad y experimentación.

Dicho esto, no es un disco para todos los públicos. Siendo doble y de larga duración puede desconcertar y "aburrir" al oyente que no es un seguidor de la música electrónica más suave e introspectiva. Además, siendo una colección de temas inéditos hay bastante experimentación - prueba y error - por parte del artista-músico. No obstante, hay suficiente detalles de calidad y maestría en las composiciones, producción, ejecución y uso de "samples" - (ejemplo el tema "Marilyn Set Me Free" con sample de "When I Fall in Love" de Sandra Dee (1960)) - para hacer que le guste al fan de ambient, chillout...etc. Personalmente hay dos cortes que me gustan mucho, "Relay Goodbye" y "Wasted Snow Home", que quiero destacar por si hay duda sobre la belleza de algunos temas y la calidad de Erik Kowalski como productor de música electrónica.

Un disco recomendado. Magnifico "ambient-techo" o "chillout" rítmico con uso inteligente de los silencios y sonidos "drone" de teclados (y guitarra). Gran compilación para introducirte al artista para después seguir explorando su discografía de álbumes. Excelente colección de canciones para los fans de la música electrónica más introspectiva y contemplativa.

Video de tema "Wasted Snow Home":

Tracklist:

DISC 1:

1.The Passing By
2.Tropic
3.Stolen
4.Theme From Lazy Day
5.Slow Dance Of Dungeons
6.There Will Always Be Love
7.Porchswing
8.Said Virgo
9.Prop Or Premonition
10.Map Happy
11.Ho Hum And See
12.Running To Catch Up
13.Christmas Morning
14.Miamo: Little Miss 1565
15.Feeling Fine
16. Night Of April

DISC 2:

1.Dropsickle
2.Border Of Your Place
3.Search For The Sun
4.Troidic
5.To Be Roomy
6.Glossy Triad
7.Roo Bug
8.Marilyn Set Me Free
9.Bound By Your Smile
10.Wasted Snow Home
11.Relay Goodbye

IDM | TOP 10 álbumes esenciales

Intelligent Dance Music (IDM)

¿Qué es IDM música? Es decir, “Intelligent Dance Music”. ¿Cómo comenzó IDM? ¿Quiénes son los artistas más populares? ¿Cuáles son los mejores álbumes del estilo IDM? Voy a intentar responder a estas preguntas lo más “escueto” y conciso posible. Hay mucha literatura, muy experta y detallada por Internet, si quieres seguir investigando, o no te convence mi aportación. Además el principal motivo de este post es finalmente poder proponer una lista de los Top 10 álbumes del IDM, los discos esenciales del IDM, bajo mi punto de vista y así poder orientar al lector que busca introducirse en IDM. Pero antes, voy a introducir algunos conceptos y exponer los inicios del IDM.

¿Qué es la música electrónica IDM?

IDM tiene sus primeros inicios dentro del "chill-out ambient" de los primeros años de los 90 (Ej. de artistas británicos como KLF y The Orb), junto con la música electrónica siendo elaborado por productores de la ciudad de Detroit (EE.UU.) como Carl Craig. IDM salta al primer plano en 1992 con la primera álbum compilación titulado "Artificial Intelligence" del sello “Warp Records” y su concepto asociado de "música electrónica para escuchar en casa"; junto con el álbum de ese mismo año de Aphex Twin, "Selected Ambient Works 85-92". Warp Records fue ágil en detectar una "nueva tendencia", una oportunidad de marketing y siguió rápidamente la compilación con una serie de álbumes de "Inteligencia Artificial" (siete más) de artistas como Black Dog Productions, Autechre, Richard D. James (que opera bajo su alias Polygon Window, en lugar de como Aphex), Speedy J y otros. 

Los sellos más pequeños y especializados olieron al negocio y se subieron al carro para contribuir a la "tendencia”, como “Rephlex” y “GPR”. Pero fue “Warp Records” quien finalmente abrió el espacio como un nicho de mercado; música electrónica orientada hacia los álbumes y la escucha en casa, a diferencia del de baile orientada a las pistas y rave. IDM, cómo llegó a ser conocido, era privado e introspectivo, más que público y colectivo.

Sin embargo, el término "Intelligent Dance Music" (IDM) apareció formalmente en 1993, por miembros de una lista de correo online americana (de un forum-comunidad de Alan Parry) que consistía principalmente de fans y obsesivos de "Aphex Twin”... ¿Qué es exactamente la "inteligencia" tal como se manifiesta en la música? ¿Es una propiedad inherente de ciertos géneros, o más sobre un modo de escuchar toda la música?

El término se hizo popular (especialmente en los Estados Unidos) pero los principales artistas etiquetados dentro del "IDM" lo rechazaron. Para ellos era un término elitista (“snob”) que preferían no estar directamente asociados. Además el concepto de "escuchar música electrónica en casa" era muy limitado, muchos hacían música para también bailar. Y el término "Intelligent" (Inteligente) también levantaba ampollas ¿No es la música clásica o el jazz inteligente? Desde el principio, IDM estuvo cargado con suposiciones problemáticas y mucho debate.

Como suele pasar con muchas otras áreas de arte donde aspectos comerciales sirven de motor para avanzar, o simplemente da de comer a los creadores y los artistas, la aceptación por el gran público del término "IDM" consolidó su dominio. El consumidor final no pensaba en conceptos o entraba en debates, si era o no era IDM un término adecuado. Una vez que la mercadotecnia entró a funcionar a toda máquina creando "hype", "sensaciones de coolness" y diferenciación, el público lo demandaba, los medios lo engrasaba y los sellos discográficos lo vendían.

Y aunque a muchos músicos y bandas de electrónica no les gustaba el término "IDM", fueron suficientemente astutos para saber lidiar con "la ola IDM" y sacar el máximo aprovecho, sea creativamente o comercialmente. Solo hay que ver a continuación los siguientes nombres, los más populares, para ver la gran atracción del "movimiento IDM" y su cosecha.

Artistas IDM populares:

• Air Liquide
• Amon Tobin
• Andy Stott
• Aphex Twin
• Autechre
• B12
• Biosphere
• Björk
• The Black Dog
• Boards of Canada
• Burial
• Cabaret Voltaire
• Daedelus
• The Flashbulb
• Floating Points
• Flying Lotus
• Four Tet
• The Future Sound Of London
• Gas
• Global Communication
• Goldie
• Gridlock
• Himuro Yoshiteru
• Jon Hopkins
• LFO
• Mark Pritchard
• Meat Beat Manifesto
• Monolake
• Moderat
• Nathan Fake
• Oneohtrix Point Never
• The Orb
• Orbital
• Photek
• Prefuse 73
• Richard Devine
• Richard H. Kirk
• The Sabres of Paradise
• Seefeel
• Seekae
• Skylab
• Speedy J
• Squarepusher
• System 7
• Telefon Tel Aviv
• Thom Yorke
• Tim Hecker
• Trentemøller
• Two Lone Swordsmen
• Tycho
• Ulrich Schnauss
• µ-ZIQ
• Wagon Christ
• William Orbit 

… y dejó fuera de la lista muchos, muchos otros. No se puede negar, IDM es un gran negocio y para muchos la plataforma de lanzamiento de sus carreras.

Nos alejamos ahora de los comienzos de IDM y si es o no es un término adecuado. Es obvio que hay miles y miles de fans por todo el mundo que disfrutan de este “tipo” de música electrónica y hay otra tanda que lo descubre cada año. En esta línea surge otra pregunta ¿Cuáles son los mejores álbumes del IDM? Para responder a esta pregunta he elaborado un video de los “Top 10 álbumes de IDM” bajo mi humilde punto de vista. Como todo ejercicio de este propósito, es una lista subjetiva, y siempre abierto a debate. Cada uno tiene sus gustos,  propia lista y artistas (y álbumes) favoritos. No soy tan arrogante para proponer que mi elección de Top 10 es el definitivo, mucho menos, espero que pueda servir de orientación para aquellos que se preguntan o quieren introducirse al IDM. Y por supuesto, fermentar el debate constructivo.

Adjunto abajo un video que he elaborado, los “TOP 10 IDM Álbumes | Los Esenciales”, sin ningún orden en particular. Prefiero dejar "el ranking" abierto y que el lector ponga un calificativo numérico a los álbumes si lo desea:

(sin orden) 

• Aphex Twin - Selected Ambient Works 85-92 
• The Black Dog – Spanners 
• Flying Lotus – Cosmogramma 
• Boards of Canada - Music Has the Right to Children 
• Four Tet - Rounds 
• Autechre - Tri repetae 
•  Squarepusher - Big Loada 
• Jon Hopkins - Immunity 
•  Tim Hacker - Ravedeath, 1972 
• µ-ZIQ - Lunatic Harness