NEIL YOUNG - Tonight’s the Night: duelo y rock inmortal

Antes de entrar en el disco "Tonight’s the Night", conviene dejar una idea sobre la mesa: Neil Young no llegó a este disco buscando hacer una obra oscura, ni un manifiesto contra el éxito, ni una pieza de culto para futuros coleccionistas. Llegó exhausto, golpeado por la muerte de dos personas muy cercanas y bastante lejos del lugar cómodo al que el álbum "Harvest" lo había llevado apenas unos años antes. Por eso este álbum no se escucha como una colección de canciones perfectamente ordenadas, sino como una noche larga en la que una banda intenta mantenerse en pie tocando para sus amigos ausentes. Ahí empieza su rareza, quizás también su grandeza.

ALBUM: Tonight’s the Night

Cuando escuché "Tonight’s the Night", no tuve la sensación de entrar en un disco, sino en una habitación mal iluminada a la que nadie me había invitado. Se oye una banda que parece tocar demasiado tarde, con demasiadas copas encima y demasiado dolor en el cuerpo. Neil Young no canta como quien quiere convencer a nadie. Canta como quien acaba de recibir una noticia terrible y todavía no sabe qué hacer con ella.

Publicado en junio de 1975, aunque grabado casi dos años antes, entre agosto y septiembre de 1973, "Tonight’s the Night" es el sexto álbum de estudio de Neil Young y una de las obras más extrañas, incómodas y diría, necesarias de la música rock de los años setenta (siglo XX). No es un disco perfecto en el sentido pulido de la palabra. De hecho, su grandeza está precisamente en lo contrario, en su voz rota, sus tempos torcidos, sus pianos tambaleantes, sus guitarras que entran como si empujaran una puerta medio cerrada.

Después de Harvest:

Para entender mejor este álbum hay que recordar dónde estaba Neil Young en 1972. Venía de publicar Harvest, un disco enorme, popular, ubicuo, de esos que durante años aparecían en cualquier tienda de segunda mano junto a Carole King o Cat Stevens. "Heart of Gold" lo había colocado en el centro de la carretera, en ese lugar donde el éxito se vuelve cómodo para todos menos para quien lo ha escrito.

Young, sin embargo, no parecía hecho para quedarse ahí. La celebridad le pesaba. La limpieza de aquel country folk emocional empezaba a sonarle demasiado segura. En las notas de Decade escribiría después que viajar por el medio de la carretera se volvió aburrido, así que se fue hacia la cuneta. "Tonight’s the Night" es, probablemente, el punto más oscuro de ese desvío.

También es el cierre de la llamada "Ditch Trilogy", junto a Time Fades Away y On the Beach. Tres discos que parecen escritos contra la comodidad, contra la imagen del cantautor sensible y domesticado, contra la idea de que el éxito cura algo. Aquí no cura nada. Aquí solo deja más espacio para escuchar el ruido.

Danny Whitten, Bruce Berry y una banda tocando para los fantasmas:

El corazón del álbum late alrededor de dos muertes. Danny Whitten, guitarrista y voz de Crazy Horse, murió en noviembre de 1972 tras ser apartado de los ensayos de la gira de Harvest porque ya no podía tocar. Bruce Berry, roadie cercano al círculo de Young, murió de sobredosis de heroína en junio de 1973. Dos pérdidas demasiado cercanas, demasiado concretas, demasiado culpables.

Por eso el disco empieza nombrando a Bruce Berry. No como símbolo, sino como persona. "Bruce Berry was a working man", canta Young en la canción titular, y esa frase tiene algo casi documental. No está intentando construir una gran metáfora sobre la muerte. Está diciendo, este hombre existió, cargaba una furgoneta, recogía guitarras, cantaba cuando la noche se vaciaba, y ahora ya no está.

La grabación se hizo en buena parte en Studio Instrument Rentals, el negocio fundado por Bruce Berry y su hermano Ken. No era un estudio lujoso, sino un espacio de ensayo con un escenario pequeño. Young, el productor David Briggs y la banda se reunían allí por la noche. Bebían, hablaban, jugaban, esperaban a que algo pasara. Cuando pasaba, grababan.

La banda, conocida como Santa Monica Flyers, estaba formada por Neil Young, Ben Keith a la pedal steel guitar, Nils Lofgren al piano y la guitarra, y la sección rítmica de Crazy Horse, Billy Talbot al bajo y Ralph Molina a la batería. No suenan como músicos contratados para hacer un trabajo impecable. Suenan como supervivientes intentando seguir juntos.

Un sonido sucio, vulnerable y extrañamente hermoso:

Lo fascinante de "Tonight’s the Night" es que muchas veces parece a punto de derrumbarse, pero nunca se cae del todo. La voz de Neil Young se quiebra en las notas altas, especialmente en "Mellow My Mind", donde el esfuerzo físico de cantar ya cuenta parte de la historia. El piano de "Speakin’ Out" entra con una torpeza casi doméstica, como si alguien hubiera encendido la grabadora antes de que todos estuvieran preparados. Y, sin embargo, esa falta de preparación es el alma del álbum.

Algunos discos que usan la crudeza como pose. Este no. Aquí la crudeza parece una consecuencia natural de no tener fuerzas para fingir. En 1973, mientras otros artistas exploraban las posibilidades más sofisticadas del estudio, Young grababa un disco que parecía venir del fondo de una trastienda. Frente a la precisión elegante de Steely Dan o el brillo controlado del rock californiano, Neil Young eligió la madera húmeda, el amplificador saturado, el micrófono demasiado cerca, el silencio incómodo después de una frase.

Y en medio de todo aparece Ben Keith, que es uno de los grandes secretos emocionales del álbum. Su pedal steel guitar no suaviza el dolor, lo estira. En "Albuquerque", sus notas parecen nubes lentas sobre una carretera vacía. Young canta sobre querer encontrar un lugar donde a nadie le importe quién es, y Keith convierte esa huida en una imagen sonora preciosa, amplia, casi cinematográfica.

"Borrowed Tune" es otro de esos momentos que se quedan pegados. Young admite que ha tomado prestada la melodía de "Lady Jane" de los Rolling Stones porque está demasiado gastado para escribir la suya. Podría sonar como una broma, pero no lo es. Es una confesión de agotamiento creativo, emocional y físico. Lo que en otro artista sería descuido, aquí se vuelve verdad.

El final de los años sesenta:

Aunque "Tonight’s the Night" nace del duelo personal, también habla de una época que se estaba descomponiendo. En "Roll Another Number", Young se distancia de Woodstock con una frase que suena a despedida generacional. Ya no hay helicópteros, comunas luminosas ni promesas de paz universal. Hay cansancio, habitaciones vacías, drogas que han dejado de parecer una aventura y amigos que no vuelven.

En ese sentido, el disco conversa con obras como Berlin de Lou Reed o There’s a Riot Goin’ On de Sly and the Family Stone. No porque suenen igual, sino porque comparten una misma intuición, la fiesta de los sesenta había terminado, y alguien tenía que recoger los vasos rotos. Sly lo hizo desde el funk envenenado. Lou Reed desde el teatro de la devastación urbana. Neil Young lo hizo desde un rock de carretera, borracho, rural, casi fantasmal.

"Tired Eyes" quizá sea el punto más sombrío. La canción cuenta una historia de violencia, cocaína y hombres muertos en un campo abierto, pero Young la canta como si apenas pudiera articularla. No hay morbo. Hay desgaste. Esa manera de decir “tell me more” suena menos a curiosidad que a alguien atrapado en una conversación que preferiría no haber empezado nunca.

Y luego está "Come On Baby Let’s Go Downtown", grabada en directo en 1970 con Danny Whitten cantando al frente. Es una canción viva, eléctrica, casi alegre, pero dentro de este álbum se vuelve escalofriante. Escuchamos a Whitten antes del desastre, cantando sobre salir, buscar, arder. Su presencia no funciona como homenaje solemne. Funciona como un fantasma que de pronto se sienta a la mesa.

Por qué se debe recuperar:

Con los años, "Tonight’s the Night" ha sido reconocido como uno de los grandes discos de Neil Young y del rock estadounidense. Llegó al número 25 del Billboard 200, pero su importancia no se mide por ventas. Su legado está en haber demostrado que un álbum podía ser grande sin sonar acabado, que la emoción no siempre llega ordenada, que el duelo también puede parecer una banda tocando demasiado fuerte a las tres de la mañana.

No es un disco fácil para entrar en Neil Young. Quizá por eso me parece una puerta magnífica para una generación acostumbrada a canciones limpias, mezclas perfectas y emociones empaquetadas en tres minutos. Aquí todo respira de otra manera. Las canciones no intentan gustarte de inmediato. Te miran desde un rincón y esperan a que te acerques.

Escribo sobre "Tonight’s the Night" porque todavía me sorprende. Porque cada vez que lo escucho encuentro algo nuevo en su aparente desorden, una línea de bajo que empuja con dignidad, un golpe de batería que llega medio segundo tarde y por eso parece más humano, una frase de Young que no pretende ser poética y acaba siéndolo.

Disco recomendado

Mi recomendación es sencilla, escuchadlo entero, de noche si puede ser, sin convertirlo en una pieza de museo. No busquéis un clásico respetable. Buscad un álbum herido, vivo, incómodo, lleno de humo y de cariño por los que ya no están. Tonight’s the Night no consuela, pero acompaña. Y a veces, en la música, eso vale mucho más.

Video del tema "Tonight´s the Night":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1. "Tonight's the Night" (4:39)

Neil Young – piano, voz; Nils Lofgren – guitarra; Ben Keith – guitarra pedal steel, voz; Billy Talbot – bajo; Ralph Molina – batería, voz. Grabado en S.I.R., Hollywood, 26/08/1973. Producido por David Briggs y Neil Young.

2. "Speakin' Out" (4:56)
Neil Young – piano, voz; Nils Lofgren – guitarra; Ben Keith – guitarra pedal steel, voz; Billy Talbot – bajo; Ralph Molina – batería. Grabado en S.I.R., Hollywood, 26/08/1973. Producido por David Briggs y Neil Young.

3. "World on a String" (2:27)
Neil Young – guitarra, armónica, voz; Nils Lofgren – piano; Ben Keith – guitarra pedal steel; Billy Talbot – bajo; Ralph Molina – batería, voz. Grabado en S.I.R., Hollywood, 26/8/1973. Producido por David Briggs y Neil Young.

4. "Borrowed Tune" (3:26)
Neil Young – piano, armónica, voz. La letra, de Young, está basada en la melodía de "Lady Jane" de Mick Jagger/Keith Richards. Tanto el título como la letra ("Estoy cantando esta melodía prestada / que tomé de los Rolling Stones") indican el origen de la canción.
Grabado en Studio, Broken Arrow Ranch, 5/12/1973. Producido por Neil Young.

5."Come On Baby Let's Go Downtown" (3:35)
Neil Young – guitarra, voz; Danny Whitten – guitarra, voz; Jack Nitzsche – piano; Billy Talbot – bajo; Ralph Molina – batería, voz
Grabado en Fillmore East, Nueva York, 7 de marzo de 1970. Producido por David Briggs y Neil Young.

6. "Mellow My Mind" (3:07)
Neil Young – guitarra, armónica, voz; Nils Lofgren – piano; Ben Keith – guitarra pedal steel; Billy Talbot – bajo; Ralph Molina – batería. Grabado en S.I.R., Hollywood, 26 de agosto de 1973. Producido por David Briggs y Neil Young.

Cara B:

1. "Roll Another Number (For the Road)" (3:02)
Neil Young – guitarra, voz; Nils Lofgren – piano, voz; Ben Keith – guitarra pedal steel, voz; Billy Talbot – bajo; Ralph Molina – batería, voz
Grabado en S.I.R., Hollywood, 9 de septiembre de 1973. Producido por David Briggs y Neil Young.

2. "Albuquerque" (4:02)
Neil Young – guitarra, voz; Nils Lofgren – piano, voz; Ben Keith – guitarra pedal steel, voz; Billy Talbot – bajo; Ralph Molina – batería, voz. Grabado en S.I.R., Hollywood, 13/09/1973. Producido por David Briggs y Neil Young.

3. "New Mama" (2:11)
Neil Young – guitarra, voz, vibráfono; Nils Lofgren - piano; Ben Keith – voz; Ralph Molina – voz; George Whitsell – voz. Grabado en S.I.R., Hollywood, 10/09/1973. Producido por David Briggs y Neil Young.

4. "Lookout Joe" (3:57)
Neil Young – guitarra, voz; Ben Keith – guitarra slide, voz; Tim Drummond – bajo; Jack Nitzsche – piano; Kenny Buttrey – batería
Grabado en Studio, Broken Arrow Ranch, 15/12/1972. Producido por Elliot Mazer y Neil Young.

5. "Tired Eyes" (4:38)
Neil Young – guitarra, armónica, voz; Nils Lofgren – piano, voz; Ben Keith – guitarra pedal steel, voz; Billy Talbot – bajo, voz; Ralph Molina – batería, voz.Grabado en S.I.R., Hollywood, 26/08/1973. Producido por David Briggs y Neil Young.

6. "Tonight's the Night – Part II" (4:52)
Neil Young – piano, voz; Nils Lofgren – guitarra; Ben Keith – guitarra pedal steel, voz; Billy Talbot – bajo; Ralph Molina – batería, voz. Grabado en S.I.R., Hollywood, 13/09/1973. Producido por David Briggs y Neil Young.

Músicos:

• Neil Young – voz; guitarra en "World on a String", "Come On Baby Let's Go Downtown", "Mellow My Mind", "Roll Another Number", "Albuquerque", "New Mama", "Lookout Joe" y "Tired Eyes"; piano en "Tonight's the Night", "Speakin' Out" y "Borrowed Tune"; armónica en "World on a String", "Borrowed Tune" y "Mellow My Mind"; vibráfono en "New Mama"
  
  
• Ben Keith – guitarra de pedal steel, voz en "Tonight's the Night", "Speakin' Out", "Roll Another Number", "Albuquerque" y "Tired Eyes"; guitarra de pedal steel en "World on a String" y "Mellow My Mind"; voz en "New Mama" Guitarra slide y voz en "Lookout Joe"
  
  
• Nils Lofgren: piano en "World on a String", "Mellow My Mind", "Roll Another Number", "Albuquerque", "New Mama" y "Tired Eyes"; voz en "Roll Another Number", "Albuquerque" y "Tired Eyes"; guitarra en "Tonight's the Night" y "Speakin' Out"
  
  
• Danny Whitten: voz y guitarra eléctrica en "Come On Baby Let's Go Downtown"
  
  
• Jack Nitzsche: piano eléctrico en "Come On Baby Let's Go Downtown" Piano en "Lookout Joe"
  
  
• Billy Talbot – Bajo en todos los temas excepto "Borrowed Tune", "New Mama" y "Lookout Joe"
  
  
• Tim Drummond – Bajo en "Lookout Joe"
  
  
• Ralph Molina – Batería y voz en todos los temas excepto "Borrowed Tune", "New Mama" y "Lookout Joe"
  
  
• Kenny Buttrey – Batería en "Lookout Joe"
  
  
• George Whitsell – Voz en "New Mama"

UNCLE TUPELO - No Depression - Album

Antes de que Wilco se convirtiera en un nombre reconocido en el mundo indie, y mucho antes de que el "country alternativo" tuviera nombre, existía la banda "Uncle Tupelo", una formación de tres jóvenes músicos de Belleville, Illinois, que, sin saberlo, transformaron la música estadounidense con un álbum debut grabado con un presupuesto limitado. "No Depression" no llegó con bombos y platillos ni en las listas de éxitos, pero tocó la fibra sensible de quienes buscaban algo más honesto, más sólido y más crudo que lo que el country o el rock convencional ofrecían en aquel momento. Para entender por qué este lanzamiento de 1990 sigue siendo importante, quizás más que nunca, hay que remontarse a donde todo empezó: en la intersección entre la crudeza rural y la rebeldía punk, en un momento en el que el pasado y el futuro de la música roots colisionaron en un disco feroz e inolvidable.

ALBUM: No Depression 

Cuando Uncle Tupelo publicó "No Depression" en junio de 1990, pocos podrían haber predicho el cambio radical que este modesto disco traería. Con un presupuesto de solo $3,500, un trío de músicos de un pequeño pueblo de Belleville, Illinois, y un pedal steel prestado por un amigo de los productores, crearon algo crudo y resonante: un álbum que aún perdura como humo en las vigas de la música estadounidense. No solo ayudó a dar nombre a una revista o a un género. Redefinió como la música antigua podía sonar nueva de nuevo.

Comienzo de un nuevo movimiento:

Lo más sorprendente de "No Depression" no es solo su fusión de acento country y pegada punk, sino la sinceridad con la que se compromete con ambos. Nacido de la garra del Medio Oeste americano y la desilusión juvenil, el disco se mueve en una línea torcida entre la angustia y la empatía, utilizando el lenguaje del folk y la urgencia del punk para contar historias de personas que simplemente intentan salir adelante. Este no fue un trabajo creado por compositores de Nashville ni por productores de grandes sellos discográficos; fue un trabajo a martillazos, como una silla de porche hecha con madera recuperada y algunos vinilos usados.

Jeff Tweedy, Jay Farrar y Mike Heidorn, amigos de la infancia que perfeccionaron su talento tocando para pequeños públicos en bares locales, nunca buscaron un éxito. Intentaron decir algo honesto. Y en "No Depression", lograron precisamente eso. En canciones como "Graveyard Shift" y "Factory Belt", dieron voz a las frustraciones no mencionadas de la clase trabajadora, no como protesta, sino como una experiencia compartida.

Expresando su tradición y tensión:

Escucha el riff inicial de "Graveyard Shift" y oirás más que distorsión: es una declaración. Te espera algo que no se inmuta ante la incomodidad. Y luego vienen las palabras: "Todo el día, ante mis ojos llegan pequeñas visiones de los tiempos". Estas no son solo canciones. Son meditaciones sobre la monotonía y la evasión, la desesperación y la resiliencia. "Life Worth Livin'" cambia una estrofa por una visión de esperanza que se desvanece ante el estribillo. "Whiskey Bottle" hierve con pedal steel y tristeza, trazando la soledad como una hoja de ruta a través de pueblos olvidados.

Si bien las asperezas provienen de Hüsker Dü y The Replacements, el alma del disco reside en lo más profundo: en el fantasma de Woody Guthrie, en los himnos de la familia Carter, en las pequeñas narraciones que definen al folk estadounidense. No es que Uncle Tupelo haya inventado algo completamente nuevo. Es que combinaron elementos de una manera que resultaba desconocida pero inevitable.

Raíces punk en tierra rural:

Llamar a "No Depression" un álbum "country" le hace un flaco favor. Pero llamarlo punk también resulta incompleto. Es un álbum que suena como si hubiera sido construido con manos callosas: duro, contundente, pero con una ternura sorprendente. La banda no usó el género como destino. Lo usaron como vehículo. Y aunque la voz ronca de Farrar domina la mayor parte del álbum, es la posterior evolución de Tweedy como compositor lo que pone de manifiesto lo fértil que fue esta base.

Los productores Sean Slade y Paul Kolderie, conocidos entonces por trabajar con figuras clave del indie rock como Dinosaur Jr., captaron esta tensión a la perfección. Hay una energía vibrante que recorre el álbum, como si la banda pudiera estallar en cualquier momento. Pero también hay moderación. Escucha "Screen Door" o la versión acústica de "No Depression in Heaven" de Carter Family y casi puedes sentir la humedad de Missouri presionando.

Incluso la elección del título fue deliberada. Tomado de una vieja canción folk, "No Depression" trataba menos de escapismo y más de afrontar la realidad. Y esa honestidad se popularizó. Primero como frase usada en salas de chat online. Luego como título de una revista de música roots. Y finalmente, como descripción de todo un movimiento.

Se niega a desvanecerse:

En retrospectiva, lo que hace perdurar a "No Depression" no es su refinamiento, sino sus imperfecciones. Este es un debut, y suena como tal. No todas las ideas están completamente formadas. Las influencias de la banda se perciben a veces con demasiada claridad: hay ecos de Rank and File, Meat Puppets e incluso de los primeros Little Feat. Pero la cohesión reside en la sinceridad. Estas son canciones compuestas por personas que no solo escuchaban música: la vivieron, la heredaron y la transmitieron.

No hay ningún "gran éxito" aquí, ningún sencillo revolucionario diseñado para la radio. Pero casi todos los cortes tienen algo que decir. "Outdone" avanza con una sensación de colapso inminente, mientras que "Train" ralentiza el ritmo hacia algo más triste. Y eso es parte de la brillantez del disco: no se limita a una sola nota. Oscila entre la rabia y la ensoñación, el estruendo y la claridad, haciéndolo más humano, más vivido.

Ecos de lo que vino después:

Las consecuencias de "No Depression" son bien conocidas. Uncle Tupelo se separaría en 1994, con Farrar formando Son Volt y Tweedy lanzando Wilco; ambos forjando con el tiempo importantes legados propios. Pero el ADN de este disco es más profundo. Está presente en el alt-country de finales de los 90 y principios de los 2000. En bandas que no querían elegir entre cuerdas de acero y acordes potentes. En artistas que querían cantar sobre la lucha de la clase trabajadora sin ironía.

A pesar de su alcance inicial relativamente modesto (15.000 copias en el primer año), el álbum se convirtió en un referente. Como dijo Tweedy en una ocasión: «Solo queríamos compartir algo que habíamos descubierto. El hecho de que otros conectaran con él, eso era lo que realmente importaba».

Y esa es la clave: "No Depression" no fue diseñado para ser un hito. Simplemente se convirtió en uno. No a través del marketing ni la mística, sino por su capacidad de hacer que algo desgastado vuelva a sentirse urgente.

Un disco para redescubrir:

Puede que "No Depression" no sea el debut más pulido ni de mayor alcance de su época, pero sí uno de los más conmovedores. Captura a una banda en plena búsqueda, encontrando su voz, forjando un espacio donde la energía punk pudiera encontrarse con el country soul. Si alguna vez te has encontrado en una encrucijada entre géneros, si alguna vez has sentido el dolor silencioso del estancamiento de un pueblo pequeño o la emoción de crear algo de la nada, este disco habla tu idioma.

Disco recomendado

Así que aquí está la recomendación: escucha "No Depression" no como un artefacto que define un género ni como el favorito de un historiador, sino como un documento vivo. Uno que todavía suena inquieto, todavía se siente real y todavía importa. Para los fans de Wilco o Son Volt, esta es la raíz del árbol. Pero incluso para los recién llegados, es un disco que no requiere nostalgia, solo la voluntad de escuchar la verdad en acordes y los acordes en llamas.

Video del tema "Graveyard Shift":

Tracklist (Original):

1. "Graveyard Shift" 4:43
2. "That Year"          2:59
3. "Before I Break" 2:48
4. "No Depression" 2:20
5. "Factory Belt"         3:13
6. "Whiskey Bottle" 4:46
7. "Outdone"                 2:48
8. "Train"                  3:19
9. "Life Worth Livin'" 3:32
10. "Flatness"          2:58
11. "So Called                  3:12
12. "Screen Door"         2:42
13. "John Hardy" (CD only bonus track) traditional, arr. Lead Belly 2:21

Uncle Tupelo:

• Jay Farrar – voz, guitarra, banjo, mandolina, violín, armónica
• Mike Heidorn – batería, platillos
• Jeff Tweedy – voz, guitarra acústica, bajo

Personal adicional:

Rich Gilbert – pedal steel guitar
Sean Slade – producción, piano, ingeniería, coros
Paul Q Kolderie – producción, ingeniería de audio, efectos de sonido

KEVIN MORBY | Harlem River

Doy espacio a un músico que hasta relativamente poco era prácticamente desconocido para mi. No se si fue intencional, coincidencia o un accidente que me hizo cruzarme con un medio de música al que le hacía referencia y que me animó investigar y escuchar su material. Me quedé muy impresionado con su álbum debut en solitario...

Kevin Morby (Músico)

Kevin Robert Morby es un músico americano (Lubbock, Texas), cantante y compositor. Salió de las sombras hacia una carrera en solitario, escribiendo canciones que fusionan la mística lírica al estilo de Bob Dylan con una producción arraigada. Junto con contemporáneos como Angel Olsen y Kurt Vile, Morby representa una ola de compositores agudos e independientes de la década de 2010 cuyas audiencias crecieron exponencialmente a medida que se volvían más fuertes. El desarrollo de Morby fue particularmente rápido, su visión tomó forma en una serie de discos bien recibidos. Morby cita a Lou Reed, Bob Dylan, Nina Simone y Simon Joyner entre sus artistas favoritos y se aprecia mucho "el espíritu" de dichos artistas en su oferta musical.

Kevin Morby saltó definitivamente hacia su carrera musical cuando se unió al grupo de folk-noise de "Woods" como bajista. Mientras, se hizo amigo cercano de Cassie Ramone del trío punk "Vivian Girls", y los dos formaron un proyecto paralelo llamado "Babies", y lanzaron álbumes en 2011 y 2012. Tras su mudanza a Los Ángeles (desde NYC), Kevin Morby grabó una colección de canciones con el productor de Babies, Rob Barbato, que pretendía ser un homenaje a la ciudad de Nueva York. Las nuevas canciones representaron un cambio estilístico hacia un sonido indie más orientado a las raíces y también incluyeron al baterista de The Babies, Justin Sullivan, junto con varios otros artistas invitados. Publicado en 2013, la colección de ocho canciones se llamó "Harlem River" y se convirtió en el debut de Morby como solista. Desde entonces ha sido muy productivo y ha grabado y publicado otros cinco álbumes. A continuación la discografía de KEVIN MORBY en solitario hasta el momento:

2013 Harlem River    
2014 Still Life
2016 Singing Saw     
2017 City Music       
2019 Oh My God     
2020 Sundowner       

Descubro a Kevin Morby con su disco debut titulado "Harlem River". Su discografía es muy sólida y ofrece muy buenos trabajos, un ejemplo el álbum "Singing Saw" (2016). Sin embargo, de todo en oferta me gusta más el debut, quizás es algo sentimental al ser el disco que me introduce a este talentoso artista...yo pienso más bien porque es un discazo.

ALBUM: Harlem River

Es el álbum debut de Kevin Morby publicado el 26 de noviembre de 2013. Después de documentarme sobre el artista y su pasado musical, me parece un trabajo confiado mezclando el ambiente urbano con el "Folk"... Me recordaba mucho en partes a "Mazzy Star" (ya estaba ganado). Ocasionalmente, su grupo de apoyo transmite aires de Bob Dylan y en otras ocasiones adquiere un toque más country y de lo-fi. Elementos jugosos y apetecibles para mis gustos.

El álbum, comentado por Morby, es un breve viaje a través de la ciudad Nueva York que el músico llamó su hogar durante los cinco años anteriores a su grabación. Atrás quedó el experimentalismo lo-fi de su banda "Woods" y el punk urbano de The Babies. En cambio, Morby emplea en su debut una estética decididamente “vintage” más acorde con el ajetreado y folclórico de "Blonde on Blonde" (de Dylan) o los primeros discos de Leonard Cohen.

Los poemas largos y melancólicos sobre la vida de la ciudad se reproducen sobre un lecho de cálidas guitarras y órgano. Las canciones son personales y profundas con ecos del "Greenwich Village" de los años 60 en lugar de los estilos autoconscientes de la era moderna de Brooklyn. La producción es intencionalmente "retro" (productor Rob Barbato) y de estilo propio. Harlem River es un viaje que vale la pena emprender, a mi me impresionó. 

Guitarras arropantes, riffs deliciosamente cálidos, batería cepillada agradable para el oído y líneas de bajo vibrantes. La entrega me convence, te sitúa en algún lugar entre Leonard Cohen y un Lou Reed (Velvet) más suave. Las mejores canciones son para mi, "Miles, Miles, Miles", "If You Leave and If You Marry" y el excelente "Slow Train" (con Cate Le Bon), pero todo el disco sólido.

Un disco recomendado. Un álbum para escuchar quizás sol@ en tu habitación durante una tarde de descanso, o durante un día gris de lluvia (no digo que sea un álbum tristón) para acompañar la atmósfera. Un disco acogedor y, para mi, placentero.

Video del tema "Slow Train":

Tracklist:

1.         "Miles, Miles, Miles"  4:49
2.         "Wild Side (Oh, the Places You'll Go)"        5:40
3.         "Harlem River"           9:15
4.         "If You Leave, and If You Marry"   3:40
5.         "Slow Train" (con Cate Le Bon)      5:50
6.         "Reign"           4:09
7.         "Sucker in the Void (The Lone Mile)"          4:03
8.         "The Dead They Don't Come Back" 4:39

BAND OF HORSES | Cease To Begin

BAND OF HORSES

Banda americana (ciudad de Seattle) de estilo Indie-Folk Rock formada por Ben Bridwell (guitarra y voz) y Mat Brooke (guitarra) en 2004 después de que su grupo anterior, "Carissa's Wierd", se separará. No obstante, el grupo ha experimentado muchos cambios en su formación con Ben Bridwell siendo fijo.

La banda ha generado comparaciones con otra banda, "My Morning Jacket", en gran medida debido a las similitudes vocálicas entre Ben Bridwell y Jim James, vocalista de My Morning Jacket. Esto parece evidente en sus primeros álbumes, aunque son formaciones diferentes y son simplemente comparaciones obvias y anecdóticos.

Discografía, hasta el momento:

• Everything All the Time (2006)
• Cease to Begin (2007)
• Infinite Arms (2010)
• Mirage Rock (2012)
• Why are you OK (2016)

No es una banda que tengo presente en primera línea de atención, aunque si recurro a un par de álbumes para escuchar tranquilamente. El primero el debut "Everything All the Time" y el segundo "Cease to Begin", el álbum que más me gusta.

ALBUM: Cease to Begin

El segundo álbum de estudio publicado el 9 de octubre de 2007. Técnicamente el disco se basa en los puntos fuertes del primer álbum "Everything All the Time" (2006), la voz distinto de Ben Bridwell y las guitarras chocantes acompañado del órgano suave. Este trabajo es despues de que uno de los fundadores, el guitarrista, Mat Brooke dejara la banda para crear "Grand Archives".

Es el disco que me introduce a Band of Horses, despues de que el tema "Is There A Ghost" me impactara en su día. Me hizo buscar este trabajo e investigar el álbum anterior para hacerme un seguidor de la banda en adelante. Lo que me gusta de este disco es su sonido Lo-Fi y Alternative Country, donde se aprecian las texturas, cierta madurez y la tranquilidad. Canciones por destacar son "Is There a Ghost", "Ode to LCR", "No One's Gonna Love You", "Cigarettes, Wedding Bands" y "Window Blues", por ejemplo.

Un disco recomendado. Un álbum ideal para buscarte un tiempo para ti mismo y dejarlo de fondo para practicar la introspección personal. Para mi un muy buen álbum sin ser un disco de los que siempre vuelves o esta en tus top favoritos. Lo escuchas y lo aprecias, y apreciando lo vuelves a buscar en los momentos que te da el antojo. Es bueno tenerlo cerca para cuando lo pide las emociones.

Video: Band of Horses - Is There a Ghost:



Tracklist del álbum "Cease to Begin":
1."Is There a Ghost" - 2:59
2."Ode to LRC" - 4:16
3."No One's Gonna Love You" - 3:37
4."Detlef Schrempf" - 4:28
5."The General Specific" - 3:07
6."Lamb on the Lam (in the City)" - 0:50
7."Islands on the Coast" - 3:34
8."Marry Song" - 3:23
9."Cigarettes, Wedding Bands" - 4:35
10."Window Blues" - 4:01

THE DELINES | The Imperial | Disco 2019

Comienzo la semana llamando la atención a una banda americana muy interesante y con mucha calidad. Se llaman THE DELINES y acaban de publicar su segundo álbum titulado "The Imperial". Un súper grupo con la voz de Amy Boone, Jenny Conlee: teclado (The Decemberists), Sean Oldham: percusión y Willy Vlautin: guitarra (Richmond Fontaine) y Tucker Jackson (Minus 5)...y otros

Es sin duda un gran disco, todo un DISCO 2019 tan temprano para el año, con sonidos Country-Soul mágicas, deliciosas y temas de dramas humanas.

Exceptional!

CODY JINKS | Talento Country Music

La música "Country" no es un genero que normalmente me llama la atención. Me gusta más el "folk" y "el "indie / alt folk" pero en vez en cuando me llama la atención algún artista del genero que me hace investigar y escuchar su oferta.

A pasado con el americano (Denton, Texas) CODY JINKS donde he tenido acceso a unos avances de su nuevo álbum "Must Be The Whiskey" y no esta nada mal, el hecho es que mola.

La voz quizás es el típico sonido country americano, pero las composiciones, letra y historias de sus canciones son llamativas, entretenidas, fotos de su contexto y artísticas. Te pongo el video de su single avance y hacemos que mantengamos un ojo en el nuevo disco. Mi curiosidad me ha hecho explorar sus otros álbumes anteriores y este tío tiene talento.

UNCLE TUPELO | No Depression

Te animo para este fin de semana descubrir, si ya no lo has hecho, la banda americana UNCLE TUPELO. Grupo de alternative-country rock activo desde 1987 - 1994 donde también salio Jeff Tweedy del ahora "Wilco". El disco de referencia es el debut "No Depression" (1990) considerado uno de los mejores dentro del genero. Pongo un video de uno de los cortes de dicho álbum.

Buen fin de semana astronauta...no te metas con nadie!

ANDREW COMBS | 2017

Simplemente buena música, Country-Folk, por ANDREW COMBS. Nuevo disco para escuchar tranquilamente, claro, si este es tu estilo de música. Si te va el estilo, buscarlo!

STURGILL SIMPSON | Disco 2014

Otro disco más para escuchar y flipar. STURGILL SIMPSON y su disco de este año ""Metamodern Sounds In Country Music". Un trabajo impresionante, ya que en esencia es "Country Music", pero este artista lo da un giro y introduce elementos de Psicodelia, Blues y Rock. Resultado final es un recuerdo de Beck, John Lennon, Roland Orzabal, Tricky ... y cosas que no esperas de algo Country. Fantástico álbum, muy recomendado, y un Disco 2014.

Visiona y escucha el vídeo.

MC TYLOR - HISS GOLDEN MESSENGER | 2014 | Recomendado

Simplemente, un muy buen disco, el cuarto de M C TYLOR bajo HISS GOLDEN MESSENGER titulado "Lateness of Dancers". Introspectivo pero no aburrido, con arreglos de "country-blues-folk" muy agradables y entretenidos. Recomendado!

THE MEN | Disco 2014

THE MEN, de Nueva York ( Brooklyn ), y su DISCO 2014 titulado "Tomorrow's Hits". Una pasada de álbum. Estamos enhorabuena, nos aparecen joyas por semanas. Este disco es "la ost*a", vamos buscarlo ahora mismo!!!

ANGEL OLSEN | Hi Five

Su primer disco "Half Way Home" de 2012 llamo la atención por su particular y encantada voz y por los sonidos "alternative country". ANGEL OLSEN ahora nos presenta el segundo trabajo titulado "Burn Your Fire For No Witness". Más de lo mismo pero con una madurez que se nota en la letra de sus canciones. La música parece tener algo más de "soul", feeling que transmite desde dentro y da el álbum un encanto. Si te animas a buscar el disco por la red te puede dar una grata sorpresa.

MARISSA NADLAR | Escuchadlo

¿Vas a tener tiempo este fin de semana ya que el tiempo con lluvia y frío te han quitado las ganas de salir de casa? Te propongo MARISSA NADLAR y su nuevo disco "July". Curioso que el productor de este álbum es Randall Dunn más conocido por "pilotar" a bandas de heavy y siendo aquí más emotivo y casi más dulce con los sonidos. Eso si, se intuye una cortina "negra" colgando en el fondo de este trabajo.

PHOSPHORESCENT | Disco 2013

Es curioso llevas más de cinco discos bajo la cintura y ahora - este año - el publico en general ( la masa ) te reconoce como gran artista. El americano Matthew Houck, alias PHOSPHORESCENT, entra como serio candidato a DISCO 2013 con su trabajo "Muchacho". Merecido!

WIDOWSPEAK | Disco 2013

Esto es lo que te pasa cuando un dúo de Nueva York ( Molly Hamilton y Robert Earl Thomas ) se va por el sur de los Estados Unidos y se empapan  influencias "Blues" y "Tex-Mex" sonidos. Bendito sea!

WIDOWSPEAK lanzan su nuevo trabajo titulado "The Swamp" y es una joya. Ahora, la voz semejante a Hope Sandoval de "Mazzy Star" me ayuda a concluir que es uno de mis discos ahora en alta rotación y dentro de mi lista - aun por filtrar - de los mejores discos del 2013. Quizás no se necesita mucho para "excitarme", puede ser, pero esos sonidos que te recuerdan al desierto de Arizona con el sol cayendo y tu en un descapotable en plena carretera, me chifla! Un gran disco!

DAUGHN GIBSON | Lejano Oeste

Este artista americano se llama DAUGHN GIBSON y su álbum "Me Moan" que salió la semana pasada. Hasta aquí bien ya hemos dado un post sobre Gibson en el pasado. Lo llamativo sigue siendo su semejanza con otros cantantes como Johnny Cash o Chris Isaak, con una voz bajo en tono y con aires del lejano oeste americano. Pero lo curioso es que hay temas que tienen toques "electrónicos" que me parecen atrevidos y a su vez acertados en su conjunto.

Un trabajo interesante, recomendado y merecedor de al menos una buena escucha. Llevo con el disco este fin de semana y solo me falta un caballo para ir buscando sitios para tomar unos tequilas con limón. Te imaginas :O)

DAUGHN GIBSON | Electronica de mal vivir

¿Imaginas que Portishead cambia Beth Gibbons por Johnny Cash como cantante? Esto te hará una idea de este artista, su propuesta y su debut disco titulado “All Hell”. Ya se, dirás que Cash esta muerto, si lo esta, pero su espíritu continua más vivo que nunca y el americano y camionero transformado artista DAUGHN GIBSON encarna ese country-folk-blues ahora arropado con la electrónica.

No es nada nuevo, el ingles Perry Blake, lo hizo y sigue haciéndolo de igual modo. A diferencia de Perry que esta melancólico por los dolores del amor, Gibson canta a los dolores de las borracheras, del mal vivir y de estar metafóricamente atrapado del espíritu de Jack Kerouac. Y esto, deliciosamente apoyado y estructurado en la fibra de la electrónica.

Un trabajo llamativo, innovador, oscuro, moderno y de calidad que lo convierte en un disco recomendado y para escuchar. Engancha y mucho, ya que te recuerda de tantos del pasado y te lleva suficientemente adelante para hacerlo fresco y adictivo. Buen disco.

GIANT SANDS | El country más latino

Propongo esta gente y su álbum. Son los americanos de de Arizona GIANT SAND con el disco "Tucson: A Country Rock Opera".

Lo primero que viene a la mente es "Alternative Country" y/o "Tex-Mex sonidos". Bien, así es, pero el disco es más ecléctico y desde luego muy interesante. Hay una constante referencia y influencias del vecino país del sur que para nosotros latinos nos hace entrar mejor el trabajo.

Paisajes de atardecer sobre un desierto lleno de cactus y con una margarita en la mano. Buen disco!

MOUNT MORIAH | Para escuchar atentamente

Se llaman MOUNT MORIAH y el disco para ponerte a buscar desde ahora esta titulado como ellos mismos La propuesta musical es un country emotivo pero sin ser puramente el "country" de toda la vida. A mi me recuerda el álbum a veces a "The Sundays", y francamente, me basta con eso. Es un disco para sentarse y escuchar, si, utilizar tus dos orejas y apreciar lo que te dicen musicalmente esta gente con mucho talento. La voz de Buffy ( la chica) es excepcional y bello, si, me basta también con eso. Enhorabuena a la banda, gran disco.

THOSE DARLINS | Que suerte para el tío

THOSE DARLINS son cuarteto de Nashville (EE.UU.) - 3 chicas potentes y un tío de apoyo logístico musical - que lanzan su segundo disco “Screws Get Loose”. Una banda curiosa que mezcla country, folk, rockabilly y garage con un sonido casi de los años de oro americano de los 50. Su fuerte es el directo y animo desde aquí a los promotores de conciertos de estudiar esta divertida opción para España. Digo divertido por los videos que hacen y que supongo son indicativo de lo que pueden ofrecer en sus conciertos. Este álbum es un gran paso adelante del debut dejando atrás lo “folky” para acelerar cosas con un rock mas vibrante y divertido, incluyendo las letras que contienen su particular y contextual sentido de humor. Yo lo pongo aquí como pieza informativa y dejo que veas el video de uno de los cortes del nuevo disco. Como siempre, en tus manos esta para investigar más sobre ellos. Yo ya les tengo en mi “colección listening de la semana”.