BOSTON SPACESHIPS - Let It Beard

En 2011, mientras buena parte de la conversación musical miraba hacia la electrónica, el hip hop y las nuevas mutaciones del pop, Robert Pollard seguía confiando en una idea bastante sencilla, una guitarra eléctrica, una melodía capaz de quedarse en la memoria y una canción que no necesitara pedir permiso para terminar cuando ya lo había dicho todo.

ALBUM: Let It Beard

El resultado fue "Let It Beard", el quinto y último álbum de Boston Spaceships, publicado el 2 de agosto de 2011. Veintiséis canciones, más de setenta minutos y una sensación constante de estar recorriendo una casa enorme en la que cada puerta conduce a una habitación distinta. Algunas están iluminadas por un pop inmediato, otras parecen talleres llenos de amplificadores, cables y guitarras distorsionadas. También hay rincones oscuros, pasillos psicodélicos y momentos que parecen haber sido rescatados de una cinta olvidada.

No quiero presentar este disco como una obra que deba estudiarse con solemnidad. Prefiero recomendarlo como uno de esos lugares musicales en los que todavía es posible perderse.

El talento de Robert Pollard

Para acercarse a Boston Spaceships conviene conocer, aunque sea brevemente, a Robert Pollard. El músico de Ohio se hizo conocido como líder de Guided by Voices, una de las bandas fundamentales del rock alternativo estadounidense. Su manera de escribir combina el instinto melódico del pop británico, la energía del rock de garaje, la imaginación surrealista y una forma muy particular de entender la duración de una canción.

Bob Pollard puede encontrar una melodía extraordinaria, desarrollarla durante noventa segundos y abandonarla justo antes de que pierda su misterio. En lugar de estirar una idea hasta convertirla en una pieza convencional, suele dejarla suspendida. Esa forma de escribir exige cierta adaptación, pero también convierte su música en una fuente permanente de descubrimientos.

Boston Spaceships nació como un trío formado por Robert Pollard, Chris Slusarenko y John Moen, músico también relacionado con The Decemberists. Entre 2008 y 2011 publicaron cinco álbumes. "Let It Beard" fue la despedida del proyecto y, al mismo tiempo, su obra más extensa.

El disco apareció en un momento de transición. Pollard había disuelto Guided by Voices años antes, aunque el grupo ya había comenzado a reunirse y preparaba nuevo material. Boston Spaceships había funcionado durante ese periodo como uno de sus principales espacios creativos, una banda en la que podía recuperar canciones antiguas, probar ideas nuevas y trabajar junto a músicos capaces de ordenar su torrente compositivo.

Esa colaboración resulta esencial. Aunque Pollard ocupa el centro del álbum, Slusarenko y Moen aportan estructura, músculo y claridad. Las canciones conservan el carácter imprevisible de su autor, pero suenan como piezas construidas por una banda real, no como simples apuntes acumulados.

Un álbum que cambia de forma constantemente:

El comienzo de "Let It Beard" ya anuncia que no estamos ante un disco lineal. "Blind 20 20" se despliega en varias secciones y conduce hacia "Juggernaut Vs. Monolith", una pieza más directa, ruidosa y física. En pocos minutos, el álbum pasa del collage sonoro al golpe de guitarra, como si estuviera cambiando de emisora sin salir de la misma canción.

A lo largo del recorrido aparecen rastros del rock británico de los años sesenta y setenta, del punk, del pop independiente estadounidense y de la psicodelia casera. La influencia de The Who asoma en la forma en que algunas guitarras avanzan con fuerza, especialmente en "Minefield Searcher", pero Pollard nunca se limita a imitar. Su música utiliza el pasado como quien emplea materiales encontrados en un garaje, mezclándolos hasta crear objetos nuevos y ligeramente extraños.

Uno de los grandes atractivos del álbum es su sonido de guitarras. No se trata únicamente de volumen. Hay acordes luminosos, punteos angulares, capas de distorsión, rasgueos acústicos y solos que irrumpen como personajes inesperados.

En "Tourist U.F.O." aparece J Mascis, de Dinosaur Jr., con un solo final que ensancha la canción sin romper su carácter melódico. Colin Newman, de Wire, participa en "You Just Can’t Tell", aportando una guitarra cortante que hace avanzar la pieza con una tensión casi mecánica. Steve Wynn, de The Dream Syndicate, interviene en "I Took on the London Guys", mientras Mick Collins, de The Dirtbombs, añade una energía abrasiva a "Toppings Take the Cake".

Estas colaboraciones no convierten el disco en una exhibición de invitados. Funcionan más bien como pequeñas corrientes eléctricas que atraviesan el lenguaje de Boston Spaceships. Cada músico deja una textura reconocible, pero las canciones continúan perteneciendo al mundo de Robert Pollard.

Canciones que aparecen de la nada:

La sorpresa no procede únicamente de las guitarras. "Christmas Girl" incorpora metales con un aire casi festivo, aunque su melodía conserva una tristeza delicada. Es una de esas canciones capaces de parecer alegres y melancólicas al mismo tiempo, una cualidad que Pollard maneja especialmente bien.

"A Dozen Blue Overcoats" utiliza un violonchelo que aporta profundidad a una composición brevísima. La canción comienza con calma y termina abriéndose de manera abrupta, como si una ventana se cerrara justo cuando empezaba a entrar el viento.

En el extremo más extraño aparece "A Hair in Every Square Inch of the House". Las voces suenan lejanas, casi enterradas, y el conjunto avanza con una pesadez incómoda. No es una canción diseñada para resultar amable, pero su presencia evita que el álbum se acomode demasiado tiempo en un mismo tono.

Frente a esos experimentos, piezas como "Tabby and Lucy", "Make a Record for Lo Life" o "No Steamboats" muestran la facilidad de Pollard para construir melodías inmediatas. "Tabby and Lucy" posee esa combinación de impulso y vulnerabilidad que acerca el disco a algunos de los mejores momentos de Guided by Voices. "Make a Record for Lo Life" se instala lentamente en la memoria. "No Steamboats", más contenida, tiene una belleza discreta que puede pasar inadvertida durante la primera escucha y convertirse después en una de las razones para regresar.

Letras surrealistas para la vida cotidiana:

Las letras de "Let It Beard" se mueven entre imágenes absurdas, escenas domésticas y frases que parecen haber llegado desde un sueño. Pollard escribe sobre conducir, cocinar, recoger el correo o visitar ventas de garaje, pero también introduce personajes, objetos y situaciones que no necesitan una explicación lógica.

Esa mezcla dice bastante sobre el momento vital del autor. No intenta fingir que sigue siendo un adolescente encerrado en un local de ensayo. Es un músico de más de cincuenta años que observa la vida cotidiana y la transforma mediante el lenguaje. Lo doméstico no elimina la fantasía, la alimenta.

El propio título resume ese espíritu. "Let It Beard" juega con una expresión conocida y la convierte en una invitación a dejar que las cosas se vuelvan raras. El humor evita que la ambición del álbum resulte pesada. Aunque estamos ante un disco doble y expansivo, nunca parece estar reclamando una importancia histórica.

Música para descubrir:

Escuchar las veintiséis canciones seguidas puede resultar abrumador, pero no considero que sea obligatorio hacerlo. "Let It Beard" funciona también como un territorio que se explora poco a poco. Una canción puede llevar a otra, un estribillo puede abrir la puerta hacia Guided by Voices y un solo de guitarra puede conducir hasta Dinosaur Jr., Wire, The Dream Syndicate o el rock independiente de los años noventa.

Para los oyentes más jóvenes, acostumbrados a descubrir música mediante canciones aisladas y recomendaciones automáticas, este álbum propone una experiencia diferente. No exige abandonar esos hábitos, pero sí ofrece la posibilidad de profundizar. Sus imperfecciones, cambios de tono y pequeños accidentes producen una sensación de humanidad difícil de fabricar.

Disco recomendado

Recomiendo "Let It Beard" porque está lleno de ideas sin parecer calculado, porque celebra la guitarra sin convertirla en una reliquia y porque demuestra que el rock alternativo puede ser melódico, extraño, divertido y emocional dentro de una misma obra. Es un disco excesivo, pero también ágil, un álbum que se dispersa y, aun así, conserva una personalidad reconocible.

A quienes buscan música nueva y sorprendente, aunque haya sido publicada en 2011, les propongo comenzar por "Tourist U.F.O.", "Tabby and Lucy", "Christmas Girl" o "No Steamboats", y después dejarse llevar. Quizá no todas las habitaciones de este enorme edificio resulten igual de acogedoras, pero las mejores guardan melodías que merecen ser descubiertas. Boston Spaceships cerraron aquí su historia, aunque para muchos oyentes, especialmente los que todavía no conocen a Robert Pollard, Let It Beard puede ser exactamente lo contrario, un comienzo.

Video del tema "Tourist U.F.O":

Tracklist:

Blind 20-20 - 3.03
Juggernaut Vs. Monolith - 1.12
Tourist U.F.O. - 4.18
Minefield Searcher - 2.17
Make A Record For Lo-Life - 3.03
Let More Light Into The House - 5.10
You Just Can't Tell - 2.01
Chevy Marigold - 2.19
Earmarked For Collision - 3.45
Toppings Take The Cake - 1.09
Tabby And Lucy - 3.28
(I'll Make It) Strong For You - 1.56
A Hair In Every Square Inch Of The House - 4.46
The Ballad Of Bad Whiskey - 2.18
I Took On The London Guys - 2.40
Red Bodies - 2.53
A Dozen Blue Overcoats - 1.29
Pincushion - 1.15
Christmas Girl - 2.48
Let It Beard - 4.14
The Vice Lords - 3.27
German Field Of Shadows - 3.32
Speed Bumps - 2.16
No Steamboats - 2.38
You In My Prayer - 2.30
Inspiration Points - 5.24

Banda:

• Robert Pollard - voz
• John Moen - batería, percusión
• Chris Slusarenko - guitarra, bajo, teclados

BECK - Sea Change Álbum: su más íntimo

Para entender el disco "Sea Change" no basta con solo situarlo dentro de la discografía de Beck, hay que escucharlo como el momento en que un artista acostumbrado a moverse entre disfraces decide quedarse quieto delante del espejo. Después de años jugando con el folk lo-fi, el hip hop fragmentado, el funk irónico y la psicodelia de laboratorio, Beck entregó un disco que parecía venir de una habitación cerrada, con las luces bajas y ninguna intención de impresionar a nadie. Ahí empieza realmente este álbum, en ese cambio de temperatura: menos máscara, menos ruido, más verdad.

ALBUM: Sea Change

A Beck siempre se le había dado bien escapar. Escapar de una etiqueta, de una escena, de una expectativa, de sí mismo incluso. Cuando parecía un trovador de basurero con Mellow Gold, se metía en el laboratorio imposible de Odelay. Cuando el mundo quería más collages, funk torcido y frases absurdas, aparecía con Mutations. Cuando alguien pensaba que ya le había entendido, se vestía de soulman pasado de vueltas en Midnite Vultures. Por eso Sea Change, publicado el 24 de septiembre de 2002, sorprende de una forma distinta, no porque Beck cambiara de piel, sino porque esta vez parecía quitársela.

Cómo nació el disco Sea Change:

El origen de Sea Change está marcado por una historia sentimental bastante concreta. Tras la gira de Midnite Vultures, Beck rompió con Leigh Limon, su pareja durante nueve años. Según se ha contado muchas veces, descubrió una infidelidad poco antes de cumplir los treinta. El golpe lo dejó en un estado de tristeza, aislamiento e introspección del que salieron la mayoría de las canciones del disco.

Lo interesante no es el morbo biográfico, sino lo que Beck hizo con ese material. Podría haberlo convertido en un diario cerrado, en un ejercicio de autocompasión, en una colección de quejas privadas. No lo hizo. Sea Change habla de una ruptura, sí, pero su verdadera fuerza está en que nunca parece estar pidiendo que mires por el ojo de la cerradura. Más bien te invita a sentarte al lado de alguien que todavía no sabe cómo nombrar lo que le pasa.

Grabado en Los Ángeles con Nigel Godrich, productor de Mutations y colaborador esencial de Radiohead, el disco abandona casi por completo el gusto de Beck por los samples, los disfraces sonoros y la ironía. En su lugar aparecen guitarras acústicas, bajos lentos, teclados que flotan, batería contenida, campanas, cuerdas arregladas por su padre, David Campbell, y una voz que suena más grave, más cansada, más cerca del cuerpo.

Folk triste, pop barroco y carretera nocturna:

El arranque con The Golden Age ya coloca el disco en otro paisaje. No hay chiste, no hay guiño, no hay truco. Hay una carretera nocturna, una ventanilla bajada, una cabeza que no consigue descansar. La canción avanza como si alguien condujera sin destino, solo para seguir en movimiento. Ese detalle me parece importante, porque Sea Change no es un disco inmóvil aunque muchas canciones sean lentas. Es un álbum de tránsito, de alguien que se va de un sitio emocional sin haber llegado todavía a otro.

Musicalmente, el disco mira hacia varios lugares sin copiar ninguno de forma servil. Hay algo del country rock californiano de los setenta, pero sin postal soleada. Hay ecos de Nick Drake en el modo en que las guitarras parecen sostener la voz en vez de acompañarla. Hay una sombra de Serge Gainsbourg, sobre todo en Paper Tiger, con ese bajo espeso y esas cuerdas que recuerdan a Histoire de Melody Nelson, pero pasadas por una niebla angelina. También podría emparentarse con Blood on the Tracks de Bob Dylan o con In the Wee Small Hours de Frank Sinatra, no porque suenen igual, sino porque pertenecen a esa tradición de discos donde una separación obliga al artista a cantar sin demasiadas defensas.

Paper Tiger es uno de los momentos más fascinantes del álbum. La canción tiene algo de amenaza elegante. No explota, no necesita hacerlo. Las cuerdas entran como si cortaran el aire, el ritmo camina con una pesadez casi hipnótica y Beck canta desde una fragilidad extraña, no quebrada, sino consciente de que puede romperse. Es una de esas canciones que muestran que el dolor, cuando está bien contado, no tiene por qué sonar pequeño.

Letras más limpias más profundas:

Hasta entonces, Beck había construido buena parte de su encanto sobre frases enigmáticas, imágenes absurdas y humor lateral. En Sea Change, las letras son más directas, aunque nunca planas. Guess I’m Doing Fine funciona precisamente por esa contradicción entre lo que se dice y lo que se escucha. El título parece una respuesta educada, casi automática, esa frase que uno suelta cuando no quiere dar explicaciones. Pero la canción está llena de cansancio, mentiras asumidas y pérdida.

En Lonesome Tears, el dramatismo crece sin caer en el exceso. Las cuerdas suben lentamente, como si el propio arreglo estuviera intentando contener algo que termina desbordándose. No es solo una canción triste, es una canción sobre el agotamiento de estar triste. Esa diferencia cambia mucho la escucha. Beck no canta desde el primer impacto de la ruptura, sino desde esa fase posterior en la que el dolor ya no sorprende, simplemente se ha instalado.

Lost Cause es, quizá, la canción más accesible del disco, y también una de las más duras. Tiene una melodía que se queda, guitarras acústicas luminosas dentro de la penumbra general, y una frase central que resume el momento exacto en que una persona deja de pelear por algo que ya no puede salvarse. No hay victoria en esa rendición. Hay alivio, pero también una tristeza seca.

Nigel Godrich y la belleza del espacio:

La producción de Nigel Godrich es clave porque entiende que este disco no necesitaba adornos para parecer importante. Necesitaba aire. Las canciones respiran con una amplitud casi cinematográfica, pero nunca suenan hinchadas. Las cuerdas aparecen como paisaje emocional, los teclados añaden una luz tenue, la batería suele caminar despacio, sin reclamar protagonismo, y las guitarras acústicas conservan una textura humana, de madera, dedos y habitación.

Me gusta especialmente cómo el disco evita la tentación de sonar “pobre” para parecer sincero. Sea Change está cuidadosamente producido, tiene capas, detalles y profundidad, pero no utiliza esa riqueza para esconder la herida. La amplifica. En Round the Bend, por ejemplo, las cuerdas envuelven la melodía con una delicadeza casi fantasmal. En Sunday Sun, el álbum se abre hacia una psicodelia suave, con un aire sesentero que no rompe el tono general, sino que lo eleva durante unos minutos.

Disco de ruptura que no buscan melodrama:

El gran acierto de Sea Change es que no convierte el desamor en espectáculo. No hay venganza, no hay pose de mártir, no hay grandes frases para tatuarse. Hay confusión, cansancio, pequeñas imágenes, aceptación incompleta. Por eso sigue funcionando más de dos décadas después. La tristeza que contiene no pertenece solo a Beck ni al año 2002. Pertenece a cualquiera que haya pasado por ese momento en que la vida sigue, pero uno todavía no sabe cómo seguirla.

En el contexto de la música alternativa de principios de siglo, el disco también decía algo importante. Veníamos de una década en la que la ironía había sido casi un idioma común. Beck había sido uno de sus grandes arquitectos, un artista capaz de convertir restos de cultura pop, folk, hip hop, funk y ruido en canciones brillantes. Sea Change no reniega de esa inteligencia, pero la pone al servicio de otra cosa, la vulnerabilidad. No suena ingenuo, suena desarmado.

Sea Change es uno de los grandes álbumes de Beck:

No creo que Sea Change sea grande solo porque sea triste. Hay muchos discos tristes que se agotan en su propio gesto. Este permanece porque está escrito con canciones de verdad, producido con una sensibilidad extraordinaria y cantado por un artista que descubrió, casi de golpe, que podía emocionar sin esconderse detrás de un personaje.

También me parece importante para entender a Beck en conjunto. No es una rareza aislada, aunque parezca un giro radical frente a Midnite Vultures. En realidad, conecta con zonas que ya estaban en One Foot in the Grave y Mutations, pero aquí aparecen más enfocadas, más adultas, más inevitables. Años después, Morning Phase sería presentado como una especie de pieza compañera, pero Sea Change conserva una temperatura emocional única. No tiene la serenidad luminosa de aquel disco, tiene todavía barro en los zapatos.

Disco recomendado

Recomendaría Sea Change a quien piense que Beck es solo el tipo del tema "Loser", a quien disfrute de la música rock cuando baja la voz, a quien busque un álbum nocturno sin dramatismo barato, a quien haya amado algo que terminó mal y no necesite que nadie le explique demasiado. Ponte The Golden Age, deja que Paper Tiger te arrastre, espera a que Lonesome Tears crezca, y cuando llegue Lost Cause, probablemente ya estarás dentro. No es un disco para levantar el ánimo, pero sí para acompañarlo cuando no sabe muy bien dónde apoyarse.

Video del tema "The Golden Age":

Tracklist:

1. "The Golden Age" 4:35
2. "Paper Tiger" 4:36
3. "Guess I'm Doing Fine" 4:50
4. "Lonesome Tears" 5:38
5. "Lost Cause" 3:48
6. "End of the Day" 5:04
7. "It's All In Your Mind" 3:06
8. "Round The Bend" 5:16
9. "Already Dead" 2:59
10. "Sunday Sun" 4:45
11. "Little One" 4:27
12. "Side of the Road" 3:24

Músicos:

• Beck Hansen – voz (pistas 1–12), guitarra acústica (pistas 1, 3, 5–12), sintetizador (pistas 1, 3, 7), glockenspiel (pistas 1, 10), armónica (pista 3), coros (pistas 3, 5, 10–11), teclados (pista 4), banjo (pista 5), ​​percusión (pistas 5, 10–11), guitarra eléctrica (pistas 7, 10–11), Wurlitzer (pista 7), piano (pista 10)
• Justin Meldal-Johnsen – bajo eléctrico (pistas 1–4, 6, 9–11), coros (pistas 3, 5, 11), guitarra eléctrica (pista 4), contrabajo (pistas 5, 7–8, 10, 12), glockenspiel (pistas 5, 10), percusión (pistas 1–11) 5, 10–11), piano (pista 10)
• Roger Joseph Manning Jr. – sintetizador (pistas 1, 5, 7, 10), Wurlitzer (pistas 1, 7, 10, 12), glockenspiel (pista 1), piano (pistas 3, 10–11), Clavinet (pistas 3, 5–6, 10–11), coros (pistas 3, 5, 11), percusión (pistas 5, 10–11), armonio (pista 10), banjo (pista 10), banjo indio (pista 10)
• Smokey Hormel – guitarra eléctrica (pistas 1, 3, 5, 7, 10), guitarra acústica (pistas 4, 5, 7, 9), percusión (pistas 5, 10), coros (pista 5), ​​guitarra slide acústica (pistas 6, 10, 12), piano (pista 10), saxofón de bambú (pista 10), megaboca (pista 10), grabadora (pista 10)
• Joey Waronker – batería (pistas 1, 3, 5, 7, 10–12), percusión (pistas 1–7, 10–12), coros (pistas 3, 11), batería beatbox (pista 10)
• James Gadson – batería (pistas 2, 4, 6, 9)
• Jason Falkner – guitarra eléctrica (pistas 2, 11), coros (pista 11), percusión (pista 11)
• Nigel Godrich – teclados (pistas 2, 4, 6), percusión (pista 2), sintetizador (pista 3)
• Suzie Katayama – violonchelo (pista 7)

Técnico:

• David Campbell – arreglista de cuerdas (pistas 2, 4, 8), director de orquesta (pistas 10–12) 2, 4, 8)
• Nigel Godrich – arreglos de cuerdas (pista 8), productor, ingeniero, mezcla
• Beck Hansen – arreglos de cuerdas (pista 8)

GALAXIE 500 - This Is Our Music - Album

Antes de sumergirnos en la belleza multifacética del disco "This Is Our Music", conviene comprender la posición de la banda Galaxie 500 en el momento de su lanzamiento. No perseguían la fama ni formaban parte de ningún gran movimiento, al menos no todavía. En cambio, operaban en un rincón tranquilo de la escena indie de finales de los 80 (siglo xx), creando canciones que parecían secretos compartidos entre amigos cercanos. Con este tercer y último álbum, la banda ofreció no solo una continuación de su sonido, sino una despedida más definida y segura: una última palabra dicha con suavidad, pero con propósito. 

ALBUM: This Is Our Music

En los últimos días de vida de una banda, no siempre hay una despedida como "Dios manda". A veces, el final llega sin previo aviso: una silenciosa deriva hacia el silencio, un último concierto que nunca fue el último. Galaxie 500, el trío de culto de Boston (EE.UU.), nos regaló algo diferente: "This Is Our Music", una despedida de grandeza silenciosa, ambición susurrada y melodía conmovedora. Publicado en septiembre de 1990 a través del sello discográfico Rough Trade Records, el álbum es tanto un epílogo como una rotunda declaración de identidad.

El título, tomado de un LP de free jazz de 1961 de Ornette Coleman, insinúa algo más grande que la suma de sus ensoñadoras líneas de guitarra. Es una declaración: Esta frágil, brillante y a veces extraña colección de canciones es nuestra música. Tómala o déjala. Y, en muchos sentidos, eso es lo que la hace una obra atemporal.

Sueño Disolviéndose:

Galaxie 500, formado por Dean Wareham a la guitarra y voz, Naomi Yang al bajo y Damon Krukowski a la batería, se formó en la universidad y forjó un sonido que combinaba moderación y emoción pura. Su último álbum se adentra en esa dualidad más que nunca.

El tema inicial, "Fourth of July", arranca con un verso tan hilarantemente surrealista como cautivador: "Escribí un poema en una galleta para perros, y tu perro se negó a mirarlo". No pretende ser profundo. Simplemente lo es. Respaldado por un ritmo grave y la inconfundible inexpresividad de Wareham, marca el tono de un álbum que se deleita en estar ligeramente descentrado. La batería redobla y las guitarras brillan, y en algún lugar de la neblina, hay una especie de alegría solitaria difícil de sacudir.

La producción, a cargo de nuevo de Mark Kramer, colaborador habitual, es más nítida aquí. La reverberación aún impregna las canciones, pero la banda se siente más cercana, más audaz, incluso con una confianza coqueta por momentos. Donde los discos anteriores se inclinaban hacia la intimidad lo-fi, "This Is Our Music" llega un poco más allá, no para complacer a nadie, sino quizás para completar la idea.

Melancolía Majestuosa:

Es fácil llamar a la banda "minimalista", pero eso pasa por alto la densidad emocional de canciones como "Summertime", que de alguna manera equilibra la ingravidez y el anhelo a partes iguales. La construcción lenta, la melodía casi vacilante, el sutil dolor en la voz de Wareham: es el sonido de largos paseos en solitario, repasando viejas conversaciones en la cabeza.

Por otra parte, Naomi Yang lidera una fascinante versión de "Listen, the Snow is Falling" de Yoko Ono, que se extiende durante casi ocho minutos sin alargarse demasiado. Su voz, suave y firme, se funde con la nevada de sonido, percusión ligera, acordes con eco y lo que Kramer llamó en broma una "flauta barata", creando algo más evocador que cualquier producción costosa podría ofrecer.

El momento de cierre del álbum, "King of Spain, Part Two", reelabora una cara B de sus inicios en una despedida silenciosa y triunfal. No es un final dramático, sino más bien un telón corrido con cuidado. Sientes que la puerta se cierra tras de ti.

Bajo la Simplicidad y la Complejidad:

Uno de los encantos perdurables de "This Is Our Music" reside en cómo se desenvuelve con ligereza en su inteligencia. Los tres miembros son graduados de Harvard, pero su forma de componer no tiene nada de académico. En cambio, adoptan una especie de distanciamiento lúdico: letras que oscilan entre lo absurdo y lo profundo, música que nunca fuerza un clímax.

Hay momentos en los que todo se siente intencionadamente vago. En "Way Up High", Dean Wareham canta: "Abre los ojos / Ven a ver mi edredón", y nadie sabe qué significa. Pero si escuchas, puedes sentir su peso: la cama, la comodidad, la necesidad de que alguien te vea. Se trata menos de narrativa, más de sensación. Y ese es el secreto de Galaxie 500: no tienes que experimentarlo para sentirlo.

Un regalo de despedida, no un canto del cisne:

Algunos fans y críticos consideran que el álbum no alcanza el brillo de los anteriores como "Today" o "On Fire". Quizás sea cierto que "This Is Our Music" presenta un tono un poco más sobrio. Hay menos descubrimientos impactantes, más refinamiento. Pero lo que se pierde en energía pura se gana en complejidad emocional. Este álbum no intenta revivir el pasado; es concluir una historia.

Existe la sensación de que sabían que sería el último. Poco después del lanzamiento, Dean Wareham dejó el grupo y formó Luna, otro grupo querido que nunca se alejó demasiado del ADN de Galaxie 500. Yang y Krukowski continuaron juntos como Damon & Naomi, creando música igual de introspectiva, aunque con nuevas texturas.

Aun así, ninguno de los dos proyectos logró recapturar lo que Galaxie 500 creó en esos breves años dorados. Y quizás no importa. Quizás ese sea el punto.

Por qué sigue siendo importante:

Décadas después, "This Is Our Music" se siente inquietantemente relevante. En una época en la que el bedroom pop, el indie lo-fi y la melancolía ensoñadora dominan las listas de reproducción de Spotify, se pueden escuchar ecos de Galaxie 500 por todas partes: en las guitarras ondulantes de Beach House, la quietud de Cigarettes After Sex, la estética lo-fi de Clairo.

Pero donde los artistas más nuevos a menudo parecen seleccionados, Galaxie 500 simplemente existía. Su música no buscaba ser escuchada; simplemente estaba, esperando pacientemente a que los oyentes la alcanzaran.

Escuchando ahora, "This Is Our Music" ofrece más que nostalgia. Es un modelo para la rebeldía silenciosa, para hacer algo completamente propio, aunque nadie lo note al principio. Es una invitación a reflexionar, a encontrar la belleza en la repetición, a escuchar el mundo de una manera ligeramente diferente.

Disco recomendado

Si nunca has escuchado Galaxie 500, este es el punto de partida perfecto y conmovedor. Si ya lo has hecho, vale la pena revisitarlo con oídos más maduros, en otra época del año, bajo otros cielos. Puede que "This Is Our Music" no exija atención, pero la recompensa profundamente.

Brillantez sutil y belleza de combustión lenta en una obra maestra olvidada del dream pop. En un mundo de ruido, este disco es un susurro silencioso y potente, que aún vale la pena escuchar.

Video del tema "Listen, the Snow Is Falling":

Tracklist:

1. "Fourth of July" 5:35
2. "Hearing Voices" 3:34
3. "Spook" 4:35
4. "Summertime" 5:59
5. "Way Up High" 4:03
6. "Listen, the Snow Is Falling" Yoko Ono 7:48
7. "Sorry" 4:15
8. "Melt Away" 4:35
9. "King of Spain, Pt. 2" 5:07

Galaxie 500

• Damon Krukowski – batería, coros
• Dean Wareham – guitarra, voz
• Naomi Yang – bajo, voz en "Listen, the Snow Is Falling"

Personal adicional:

Mark Kramer – producción, ingeniería de sonido,"flute" y coros

THE BUG CLUB - On The Intricate Inner Workings Of The System

ALBUM: On The Intricate Inner Workings Of The System

Cuando te topas con una banda como The Bug Club, es difícil no sentir curiosidad. Su tercer álbum de estudio, “On The Intricate Inner Workings Of The System”, es una montaña rusa de humor, energía y narración. Originarios de la modesta ciudad de Caldicot, en el sur de Gales, The Bug Club demuestra que las grandes ideas pueden surgir de los lugares más pequeños. Este disco no es solo un álbum, es una invitación a abrazar el caos, reírse de las absurdeces de la vida y, lo más importante, bailar mientras lo haces.

Compuesto por Sam Willmett (voz/guitarra), Tilly Harris (voz/bajo) y Dan Matthew (batería), el trío se ha ganado un espacio único en el indie rock moderno. Desde su creación en 2016, han sido imparables, produciendo diez sencillos, dos EP y tres álbumes de larga duración mientras realizan más de 200 espectáculos al año. Su productividad creativa sería intimidante si no fuera tan alegre, y su último trabajo es un testimonio del encanto de su enfoque.

Humor y Power Chords

 
El álbum, que se publicó el 30 de agosto de 2024, cobra vida con “War Movies” y “Quality Pints”, canciones que muestran la habilidad de The Bug Club para convertir lo mundano en algo entretenido. "War Movies" es al mismo tiempo un comentario descarado sobre los clichés cinematográficos y una muestra del feroz trabajo de guitarra de Sam Willmett, mientras que "Quality Pints" se adentra en el ritual de encontrar consuelo en una cerveza bien servida. Es una salva inicial llena de energía que se siente irreverente y profundamente sincera, un tono que mantienen magistralmente a lo largo del disco.

El secreto de estos números, y gran parte del álbum, radica en las voces duales de Sam y Tilly. Sus voces rebotan entre sí con una química natural que solo surge de años de colaboración, agregando capas de profundidad y humor incluso a las líneas más simples.

Espíritu punk

En esencia, “On The Intricate Inner Workings Of The System” combina la energía del punk con las melodías contagiosas del garage rock. Es lo-fi, pero intencionalmente, lo que le da al álbum una sensación íntima, casi en vivo. Sus influencias son claras pero no abrumadoras: está la irreverencia juguetona de The Modern Lovers, el humor de The Moldy Peaches e incluso algo de la entrega contundente de Buzzcocks. Y, sin embargo, The Bug Club sigue siendo completamente ellos mismos, canalizando estas inspiraciones en algo innegablemente fresco.

Tomemos “Pop Single”, por ejemplo. Su comentario meta sobre la industria musical es a la vez agudo y divertido: pero debajo del humor se esconde una melodía genuinamente pegadiza a la que es imposible resistirse. De manera similar, “Lonsdale Slipons” convierte un homenaje irónico al infame calzado del Reino Unido en un himno desenfrenado, mientras que “We Don’t Care About That” logra burlarse de las conversaciones triviales con un encanto implacable.

El humor con sustancia

 
Si bien el humor está presente en todas las canciones, hay una sorprendente cantidad de profundidad en las letras. La canción “Actual Pain”, por ejemplo, revela un lado más oscuro de la personalidad generalmente alegre de la banda. Debajo de la superficie se encuentra una reflexión conmovedora sobre cómo el humor puede actuar como un mecanismo de defensa.

En otro lugar, “Better Than Good” adopta la simplicidad tanto en su arreglo como en su mensaje: “No puedes conseguir algo mejor que lo bueno”. Es una declaración de satisfacción envuelta en una línea de bajo al estilo de Violent Femmes y una producción lo-fi que se siente deliciosamente sin pulir.

Incluso la canción principal, que dura poco menos de dos minutos, logra ofrecer una crítica mordaz de los sistemas sociales con una urgencia que perdura mucho después del acorde final.

 

Banda para el pueblo

 
Lo que distingue a The Bug Club es su capacidad de hacer que cada canción parezca una broma interna de la que te invitan a reírte con ellos. Su mentalidad de espectáculo en vivo se filtra en el disco, y cada riff, letra y ritmo de batería parece estar destinado a ser compartido con una multitud. Este espíritu comunitario se ejemplifica mejor quizás en la duración del álbum, poco más de 30 minutos, pero lleno de tanta energía e ingenio que parece una aventura mucho más larga.
 

Disco recomendado

 
El encanto de The Bug Club reside en su negativa a tomarse demasiado en serio. Están aquí para divertirse y quieren que te unas a ellos. Ya sean las sarcásticas reflexiones de “A Bit Like James Bond” o la energía implacable de “War Movies”, este álbum ofrece una rara combinación de ingenio agudo y talento musical innegable.

Hay algo refrescante en una banda que puede criticar el mundo con tanta ligereza. En una época en la que la música a menudo parece demasiado seria o completamente distante, The Bug Club encuentra un equilibrio, recordándonos que el humor y el corazón no son mutuamente excluyentes.

Reflexiones finales

 
El álbum “On The Intricate Inner Workings Of The System” es un disco alegre, caótico y humano. Es música que te hace reír, pensar y bailar, todo en el lapso de unos pocos minutos. Ya seas un fan de toda la vida o nuevo en el mundo de The Bug Club, este álbum es una escucha obligada. Una encantadora sorpresa y descubrimiento.

Video del tema "Quality Pints":

Tracklist:

1. War Movies 02:24
2. Quality Pints 02:18
3. Pop Single 02:53
4. Best Looking Strangers in the Cemetery 01:55
5. A Bit Like James Bond 02:38
6. We Don't Care About That 04:26
7. Lonsdale Slipons 02:13
8. Better Than Good 02:40
9. Actual Pain 02:15
10. Cold. Hard. Love. 03:14
11. The Intricate Inner Workings of the System 01:39

ELLIOTT SMITH - Elliott Smith - Album

Elliott Smith fue un músico y cantautor estadounidense. El instrumento principal de Smith era la guitarra, aunque también tocaba el piano, el clarinete, el bajo, la batería y la armónica. Tuvo un estilo vocal distintivo en su carrera como solista. También era adicto al alcohol y substancias con trastorno por déficit de atención con hiperactividad (TDAH) y depresión. Su lucha contra las drogas y las enfermedades mentales afectó su vida y su trabajo, e influyó en sus letras. Murió en su casa de Los Ángeles a causa de dos puñaladas en el pecho a los 34 años en 2003.

Un músico brillante con una vida difícil, nos dejó una música maravillosa. Una de esas piezas que quiero recomendar es su disco homónimo.

ALBUM: Elliott Smith

 
Este es el segundo álbum de estudio del cantautor estadounidense del mismo nombre. Fue grabado entre finales de 1994 y principios de 1995 y se publicó el 21 de julio de 1995.

Este LP no es un disco más, es un diario privado. Este no es un álbum que simplemente escuchas; es uno que puedes sentir. Smith abre un espacio crudo, íntimo y profundamente personal, ofreciendo a los oyentes una visión de una mente que lucha con las fuerzas más oscuras de la vida. Para cualquiera que busque honestidad en la música, este disco es una invitación.

Desde el principio, la simplicidad del álbum es obvia. Elliott Smith elige un enfoque minimalista y de baja fidelidad (lo-fi), solo su voz y una guitarra suavemente rasgueada en su mayor parte, aunque cada nota tiene un peso. No hay una producción pesada, no hay capas de sonido detrás de las cuales esconderse. Deja que su voz y sus letras respiren, dejando que cada palabra tranquila y rasgueo lleguen directamente al oyente. Los pequeños detalles, como la armónica solitaria en "Alphabet Town", por ejemplo, dan la sensación de que está susurrando secretos.

En cuanto a las letras, Smith no tiene filtros. No tiene miedo de ahondar en los temas difíciles: la adicción, la duda y la pesadez de simplemente existir. La canción de apertura "Needle in the Hay" y "Coming Up Roses" lo dejan todo al descubierto, trazando un camino a través de las luchas de Elliott Smith de una manera que se siente tan personal como universal. Sus letras están entretejidas con detalles crípticos, dejando partes de sí mismo atrás para cualquiera que esté dispuesto a profundizar un poco más. No estás simplemente escuchando; estás resolviendo un rompecabezas, juntando las piezas de su historia, descubriendo nuevas capas de significado con cada escucha.

Dicho esto, la magia de este disco radica en cómo Elliott Smith equilibra sus letras crudas con una entrega suave. Su voz es frágil pero firme, como si estuviera cargando un gran peso pero se negara a dejar que lo derribe.

Sin embargo, a pesar de toda la melancolía de este LP, la música tiene una belleza delicada. Canciones como "Clementine" tienen una cualidad similar a la de un aullido, envolviendo la tristeza en suavidad. De alguna manera, Smith logra convertir su dolor en un cálido abrazo, ofreciendo consuelo a través de la experiencia compartida. Incluso cuando está en su peor momento, hay un toque de calidez en su voz.

Y si bien la obra explora la soledad y la lucha, no todo es pesimismo. En "St. Ides Heaven", por ejemplo, Smith deja que el humor brille, pintando escenas de vagabundeos nocturnos con una curiosidad casi resignada. Sus observaciones son agudas, capturando los absurdos de la vida y recordándonos que no está completamente perdido en la oscuridad. La canción final, "The Biggest Lie", nos deja con esa misma sensación de dualidad, una canción que es a la vez honesta y esperanzadora. Es como la última confesión susurrada de Smith, dejándonos un eco de sus luchas pero también de su fuerza.

Por último, este álbum no trata de perfección; trata de conexión. Es crudo, a veces doloroso, y sin embargo es reconfortante, como escuchar a otra persona poner palabras a sentimientos que creías que eran tuyos. Para cualquiera que quiera música que llegue a lo profundo, "Elliott Smith" ofrece algo único. Es un disco que crece contigo con cada escucha, al que vuelves una y otra vez, y cada vez escuchas algo nuevo.

Disco recomendado

La verdad es que Elliott Smith sabía cómo escribir una canción. Guitarras acústicas brillantes y discretas, arreglos con letras que te golpean profundamente el alma. Este era Smith en sus comienzos de carrera en solitario, explorando y expandiendo los planos de los Beatles de la mejor manera posible. Un disco maravilloso.

Video del tema "Needle in the Hay":

Tracklist (canciones):

1.         "Needle in the Hay"   4:16
2.         "Christian Brothers"   4:30
3.         "Clementine"  2:46
4.         "Southern Belle"         3:06
5.         "Single File"    2:26
6.         "Coming Up Roses"   3:10
7.         "Satellite"        2:25
8.         "Alphabet Town"       4:11
9.         "St. Ides Heaven"       3:00
10.       "Good to Go" 2:24
11.       "The White Lady Loves You More" 2:24
12.       "The Biggest Lie"       2:39

Músicos:

• Elliott Smith: voz, guitarras acústicas, batería (2, 6, 9), guitarra eléctrica (6, 7, 10), pandereta (3), órgano de aire (6), armónica (8), violonchelo (11)

Personal adicional:

•  Neil Gust: guitarra eléctrica ("Single File"), fotografía de la portada
• Rebecca Gates: coros ("St. Ides Heaven")

WEEN - Pure Guava - Album

Quiero destacar en este blog de música a un dúo indie absolutamente extraño cuya obsesión por la parodia y la novedad disfraza su habilidad para crear excelentes canciones que van desde el rock hasta el country. Detrás de sus locuras y letras casi sin sentido se esconden músicos talentosos que empujan los límites de la música.

WEEN, tiene una extensa discografía y una base de fans leales que les otorga una posición privilegiada en la escena de la música alternativa estadounidense. Su álbum de 1992 "Pure Guava" es quizás su mejor lanzamiento, un trabajo que quiero recomendar a los melómanos.

¿Quién es la banda "Ween"?

 
Son un dúo de rock estadounidense de New Hope, Pennsylvania, formado en 1984 por Aaron Freeman y Mickey Melchiondo, más conocidos por sus respectivos nombres artísticos, Gene y Dean Ween. Categorizada como una banda de rock alternativo, la banda es conocida por su irreverente y ecléctico catálogo de canciones inspiradas en el funk, el gospel, el prog, la psicodelia, el heavy metal y el punk rock. La banda ha declarado influencias específicas que incluyen a The Beatles, Parliament-Funkadelic, Butthole Surfers, Pink Floyd, Dead Kennedys, James Brown, Devo, The Residents y Sly and The Family Stone.

A pesar de no haber recibido un gran reconocimiento por parte del público en general, "Ween" ha conseguido un gran número de seguidores fieles y ha cosechado elogios de la crítica. El disco de 1992 "Pure Guava" ayudó a "Ween" a lograr todo esto.

 

ALBUM Pure Guava

 
Este es el tercer trabajo de estudio y debut con una importante discográfica (Elektra Records) de la banda "Ween" publicado el 10 de noviembre de 1992. El álbum incluye una de las canciones más conocidas de "Ween", "Push th' Little Daisies". Muchas de las canciones de este álbum provienen de al menos dos cintas que la banda hizo solo para amigos. Dicho esto, para muchos este es un disco muy extraño y nada fácil, pero su humor esta fuera de lo común es excepcional.

Con 19 canciones, "Pure Guava" es pulido y conciso, pero está repleto de humor. Es rápido, brillante y nítido, particularmente en temas como "Pumpin' 4 the Man" y el gran éxito "Push Th' Little Daisies". La fascinación de "Ween" por el rock progresivo surge en "The Stallion, Pt. 3" y en "Don't Get 2 Close To My Fantasy", que tiene letras maravillosamente inanes. Con "Pure Guava", el dúo se alejó de los fragmentos de locura aleatoria que definieron sus primeros dos álbumes hacia un estilo más organizado, aunque sigue siendo caótico.

Para ayudarte a darte una idea de qué trata este disco, aquí hay varias canciones destacadas que resaltan su estilo experimental y ecléctico:

•  "Push th' Little Daisies": como se mencionó anteriormente, es la más conocida del álbum y ejemplifica el enfoque peculiar de "Ween" hacia la música. Su melodía pegadiza pero muy extraña, combinada con la voz impregnada de helio, la convirtió en una canción definitiva para la banda.

• "Don't Get 2 Close (2 My Fantasy)": con su sencilla estructura de rock, esta canción se destaca por sus estribillos pegadizos y letras humorísticas. A menudo se la elogia por su atractivo melódico y es una de las favoritas entre los fans.

• "Big Jilm": inspirada en un vendedor de automóviles, es celebrada por sus letras excéntricas y su entrega enérgica.
  
  
• "Poop Ship Destroyer": un tema recurrente en vivo de "Ween", conocido por sus sesiones de improvisación prolongadas durante los conciertos. La versión de estudio presenta una interpretación más estructurada pero aún más caprichosa del tema.
  
  
• "Reggaejunkiejew": destaca por su interpretación satírica de la música reggae.

Estas canciones ilustran colectivamente la combinación única de humor, experimentación y música que desafía los géneros y que define a "Pure Guava" como un álbum destacado de la discografía de "Ween".

Por lo tanto, "Pure Guava" se considera un álbum por excelencia de "Ween". También representa una época en la que las grandes discográficas estaban dispuestas a asumir riesgos con grupos poco convencionales. El legado del álbum es un testimonio del poder de la libertad artística y el atractivo de la música que desafía el status quo.

Disco recomendado

 
Este es un disco que desafía cualquier clasificación fácil, ofreciendo un viaje salvaje a través del paisaje musical imaginativo y surrealista de "Ween". Su mezcla de humor, experimentación y producción cruda continúa resonando entre los fans y los críticos por igual, lo que lo convierte en un destacado en la discografía ecléctica de "Ween".

No es un disco fácil de digerir dada su locura, experimentación y los gustos musicales modernos de actualidad. Es divertido y entretenido si se le da la paciencia necesaria para absorber sus locuras. Como mínimo, es muy diferente de lo que se está lanzando hoy en día, y para mí, esto es una bendición.

Dicho esto, acepto que es un disco el cual te gusta o lo odias, no hay un medio.

Video del tema "Little Birdy":

Tracklist:

1.         "Little Birdy"             3:30
2.         "Tender Situation"                 3:40
3.         "The Stallion Pt. 3"                3:30
4.         "Big Jilm"                   2:10
5.         "Push th' Little Daisies"                     2:48
6.         "The Goin' Gets Tough from the Getgo"                  2:08
7.         "Reggaejunkiejew"                 4:51
8.         "I Play It Off Legit"              3:20
9.         "Pumpin' 4 the Man"              1:30
10.       "Sarah"            2:09
11.       "Springtheme" 3:00
12.       "Flies on My Dick"                3:26
13.       "I Saw Gener Cryin' in His Sleep"                1:48
14.       "Touch My Tooter"                2:23
15.       "Mourning Glory"                  5:14
16.       "Loving U thru It All"                       2:28
17.       "Hey Fat Boy (Asshole)"                   1:53
18.       "Don't Get 2 Close (2 My Fantasy)"             3:23
19.       "Poop Ship Destroyer"                       2:16

Ween (Banda):

• Dean Ween
• Gene Ween

Músicos adicionales:

• Mean Ween (Chris Williams) – segunda voz en "Little Birdy"
• Guy Heller – voz en "Flies on My Dick"
• Larry Curtin – coros y solo silbando en "I Saw Gener Cryin' in His Sleep"
• Scott Lowe – segunda voz y solo silbando en "Don't Get 2 Close (2 My Fantasy)"

Aspectos técnicos:

• Dean Ween – productor, ingeniero de sonido
• Gene Ween – productor, ingeniero de sonido
• Andrew Weiss – mezcla 

OSEES - SORCS 80 - Album

Una banda como los "OSEES" con 29 álbumes de estudio (todos bajo diferentes nombres del grupo) es una señal de resistencia, aceptación universal y de un talento para mantenerse actualizados en un mercado musical en constante cambio. La banda ha editado el disco "SORCS 80", una combinación loca de sintetizadores lo-fi, punk, garage y neo-psicodelia, todo grabado de manera poco ortodoxa.

El resultado final es un disco interesante que lo distingue de lo que se ha lanzado últimamente y será apreciado por los fans del rock garage-punk y la música experimental. Por eso quiero destacar el álbum "SORCS 80" para los lectores de este blog de música.

¿Quiénes son la banda "Osees"?

 
Una formación de rock estadounidense formada en San Francisco, California en 1997, ahora con sede en Los Ángeles. Originalmente el proyecto de grabación en solitario de John Dwyer, la banda ha evolucionado a través de numerosos cambios de formación y nombre desde su fundación, con Dwyer como líder de la banda y compositor principal en todo momento. Además de Dwyer, la formación actual de la banda incluye a miembros veteranos, Tim Hellman (bajo), Dan Rincon (batería), Paul Quattrone (batería) y Tomas Dolas (teclados). La banda ha actuado o lanzado bajo los nombres de Orinoka Crash Suite, OCS, Orange County Sound, The Ohsees, The Oh Sees, Thee Oh Sees, Oh Sees y Osees.

El sonido de la banda tiene una variedad de influencias: garage rock, krautrock, psicodelia y música folk.

Quiero recomendar su nuevo disco "SORCS 80".

 

ALBUM: SORCS 80

 

Este es el vigésimo noveno álbum de estudio de la banda estadounidense de garage rock "Osees", que se publicó el 9 de agosto de 2024. Este trabajo marca otro capítulo en la carrera de la banda, conocida por su innovación y mezcla de géneros. Bajo el liderazgo de John Dwyer, "Osees" ha superado constantemente los límites del garage rock, y este álbum no es una excepción.

"SORCS 80" elimina las guitarras en favor de algo más vanguardista y distintivo. Buscando una nueva forma de ser lo más punk posible, John Dwyer grabó demos en casete en casa, luego él y Tom Dolas los transfirieron a un sampler y activaron cada sonido usando baquetas.

Esto le da a la música una sensación de punk sintetizado lo-fi y sofisticado. Para acompañar los bucles de batería y los samples activados, Dwyer también trajo a un par de saxofonistas. También recogió fragmentos de conversaciones que había oído, cosas que le habían dicho sus amigos y sus propios puntos de vista sobre la naturaleza de la vida moderna, y los gruñe, canta y grita con su inusual voz. "SORCS 80" une así todos los hilos en algo insistente e intenso.

Entre las canciones que merecen la pena destacar se encuentran "Look at the Sky", la discreta y funky "Also the Gorilla..." o el sonido gótico de "Earthling". Todo el álbum es una mezcla de canciones de rock electrónico con el espíritu del garage y el punk en el aire. Además, las canciones hacen sombra con los oídos y se entrelazan con las tendencias del garage y el pop con una aplicación constante de fuerza. Suena bien alto y esta también bien fundamentado y sin miedo a seguir las convenciones probadas y verdaderas del rock and roll donde mejor se las sirve.

Dicho esto, no es el álbum perfecto, necesita ser escuchado con paciencia y entendido como lo que es, un intento de darle al garage-punk algunos elementos nuevos en un contexto moderno. A veces puede resultar "cansino", pero la energía y la intensidad compensan. Personalmente, lo encuentro divertido y entretenido.

Disco recomendado

 
Ya se ha hecho punk sin guitarras antes. Sin embargo, pocos lo han hecho con la combinación de habilidad, imaginación y compromiso que "Osees" exhibe en "SORCS 80". Si te gusta el punk lo-fi con sintetizadores y el garage, estoy seguro de que esto te resultará interesante y divertido.

Video del tema "Earthling":

Tracklist:

1.         "Look at the Sky"       2:28
2.         "Pixelated Moon"       2:43
3.         "Drug City"    2:56
4.         "Also the Gorilla..."    4:11
5.         "Termination Officer" 2:34
6.         "Blimp"           2:49
7.         "Cochon D'Argent"    2:10
8.         "Cassius, Brutus & Judas"     2:48
9.         "Zipper"          3:11
10.       "Lear's Ears"   4:01
11.       "Earthling"      3:32
12.       "Plastics"         1:20
12.       "Neo-Clone" 3:59

AMERICAN MUSIC CLUB - Everclear - Album

AMERICAN MUSIC CLUB es un grupo estadounidense infravalorado pero aclamado por la crítica, con brillantes melodías pesimistas y letras inteligentes. Algunos críticos han etiquetado el atuendo:"la mejor banda perdida". 

Quiero dar espacio a este talentoso grupo y al álbum "Everclear".

¿Quiénes eran la banda "American Music Club"?

 
Una formación de indie rock estadounidense con sede en San Francisco, dirigida por el cantautor Mark Eitzel. Formada en 1982, la banda editó siete álbumes antes de separarse en 1995. Se reformaron en 2003 y lanzaron dos álbumes más.

La banda ha sido categorizada con los géneros de indie rock, folk rock y slowcore, aunque sus inicios tuvieron elementos rock americana.

Es con el disco "Everclear" con el que deseo llamar tu atención y recomendar.

ALBUM: Everclear

El quinto disco de estudio de la banda estadounidense de indie rock "American Music Club". Fue publicado el 5 de octubre de 1991. Este LP lleva a los oyentes en un viaje a través de las sombras de la experiencia humana, explorando temas de angustia, adicción y la búsqueda de significado en un mundo que a menudo parece sombrío e implacable.

"Everclear" es el mejor trabajo de "American Music Club". Beneficiándose de valores de producción mejorados, el álbum cristaliza la visión errática de la banda en un todo unificado y complejo todo. Si bien los arreglos son difusos - las canciones "Crabwalk" es alegre, "Royal Cafe" es dulce country-pop y "Rise" es un himno de rock alternativo - hay una consistencia de tono y un sentido de lugar que lo recorre.

Las composiciones de Mark Eitzel destacan y logran un equilibrio emocional; las atmosféricas "Miracle on 8th Street" y "The Confidential Agent" ofrecen evocaciones cinematográficas y vérité de relaciones en el punto de ruptura, mientras que la fuerza bruta de lamentos alcohólicos como "Sick of Food" (mi canción favorita) o el fúnebre "Why Won't You Stay" son memorables. Nunca antes ni después un personaje "perdedor" (narrativa) había sido tan grandioso.

También hay una gran interacción entre la voz altamente emotiva y que roba la atención de Mark Eitzel (que recuerda a David Sylvian) y la forma en que la banda toca de una manera tranquila y sutil que resalta todos los ricos detalles. Además de la variedad, lo más importante, al menos para mí, es la creación de estados de ánimo. Este disco los transmite. La producción confusa, orgánica y cálida aumenta los placeres incluso si el álbum es algo corto con poco más de 36 minutos.

Con todos sus magníficos momentos y elogios de la crítica, el álbum no logró encontrar una audiencia mayoritaria, un hecho que el propio Eitzel reconoció con su característico autodesprecio. En los años transcurridos desde su lanzamiento, "Everclear" se ha ganado un culto entre los fans del indie rock y la música alternativa. La influencia del LP se puede escuchar en el trabajo de otros artistas que se han inspirado en la visión poética de Eitzel y la capacidad de la banda para crear música que es a la vez profundamente personal y universalmente resonante.

En general, "Everclear" es una gran obra de indie rock que merece ser celebrada y redescubierta por amantes de la música (melómanos) de todas las generaciones.

 

Disco recomendado

 
"Everclear" es una obra imprescindible para los fans del indie rock y del "American Music Club". Su mezcla de elementos folk, rock y country, combinada con las letras conmovedoras y la voz de Mark Eitzel, crean una sensación de intimidad y vulnerabilidad que atrae al oyente.

Un "disco" perdido, es hora de redescubrir a la banda y este álbum y darlo el mérito que realmente merece.

Video del tema "Sick of Food":

Tracklist - canciones:

1.         "Why Won't You Stay"         2:59
2.         "Rise"  3:11
3.         "Miracle on 8th Street"          4:07
4.         "Ex-Girlfriend"           2:49
5.         "Crabwalk"     3:33
6.         "The Confidential Agent"      4:10
7.         "Sick of Food"           4:02
8.         "The Dead Part of You"        2:42
9.         "Royal Café"  3:23
10.       "What the Pillar of Salt Held Up"     2:38
11.       "Jesus' Hands"            3:02

Ficha:

American Music Club (músicos):

• Mark Eitzel - voz, guitarra, teclados, composición
• Bruce Kaphan – pedal steel, teclados, bajo, percusión, lap steel, dobro, guitarra, dulcimer
• Dan Pearson – bajo, guitarra, dulcimer, mandolina, banjo, voz
• Mike Simms - batería
• Vudi – guitarra, acordeón, bajo

American Music Club - producción
Bruce Kaphan – producción, mezcla, grabación
Norman Kerner - producción, grabación

SMOG - Knock Knock - Album

Post dedicada a Bill Callahan, bajo el nombre SMOG. Quiero recomendar a los melómanos su disco "Knock Knock".

 

¿Quién era la banda SMOG?

 
Pioneros de la revolución lo-fi, "Smog" era el alias del músico Bill Callahan, un cantante y compositor que personificó claramente los principios y excesos del boom de las grabaciones caseras. Melancólica, conmovedora y obsesionada consigo misma, la producción de cuatro pistas de Bill Callahan ofrecía una visión de un mundo insular de alienación y agitación interior; sus canciones dolorosamente íntimas exhiben recuerdos de la infancia, relaciones fallidas, fetiches extraños y esperanzas frustradas.

ALBUM: Knock Knock

Es el séptimo álbum de estudio de Bill Callahan, lanzado bajo su alias "Smog". Fue publicado originalmente en enero de 1999. "Knock Knock" es quizás el mejor lugar para comenzar cualquier colección de "Smog". Contiene algunas de las canciones más fuertes de Bill Callahan y su más amplia variedad de música en un solo álbum: krautrock, folk-rock, metal y ritmos con coros de niños. La portada del álbum de "Tiger (Cat) and Lightning" evoca la música: absurda, surrealista, llamativa y, lo que es más importante, memorable.

Este disco demuestra ser la colección de canciones más sutiles de Bill Callahan. Uno de los grandes logros del álbum es su tono optimista. Es un álbum conmovedor en muchos niveles; las canciones no sólo tienen la intimidad emocional habitual de "Smog", sino que sus sujetos se alejan de situaciones difíciles y claustrofóbicas hacia la madurez y la aceptación.

Canciones como "Let 's Move to the Country" y "I Could Drive Forever" tratan sobre cómo escapar. A medida que el álbum recorre los espacios emocionales entre las personas, el propio Callahan parece más alejado de estas canciones; más que nunca, sus canciones parecen más cuentos que entradas de diario, particularmente en "River Guard" y en "Sweet Treat". Los cortes "Cold Blooded Old Times" y la maravillosa "Teenage Spaceship" capturan la incomodidad de la juventud, mientras que "Left Only With Love" acepta con calma la partida de un amante.

Musicalmente, es muy folk con un sonido fluido, recuerda a Lou Reed, pero agrega giros como loops de batería, guitarras eléctricas y, si un coro de niños. "Hit the Ground Running" combina los tres elementos, impulsados por guitarras ondulantes y acentuados con cuerdas, con el coro de niños. Los loops de batería, guitarra y retroalimentación de "Held" adoptan un enfoque de collage para un sonido de rock clásico; junto con ""Cold Blooded Old Times" y "No Dancing".

Disco recomendado

Con el paso del tiempo, "Knock Knock" se revela como quizás el mejor álbum de Smog. Es extraño, desconcertante pero también muy conmovedor y, además, querrás repetirlo una y otra vez.

Busca este álbum si no estás familiarizado o con "Smog".

Video del tema "Teenage Spaceship":

Tracklist:

1.         "Let's Move to the Country"  3:05
2.         "Held" 4:02
3.         "River Guard" 6:22
4.         "No Dancing" 3:00
5.         "Teenage Spaceship"  3:58
6.         "Cold Blooded Old Times"   4:14
7.         "Sweet Treat" 2:59
8.         "Hit the Ground Running"     6:56
9.         "I Could Drive Forever"        5:15
10.       "Left Only with Love"           2:52