TWISTED TEENS - Florida Water Blues: entre punk y country

El agua vaporosa de Florida puede ser un perfume, un remedio espiritual, una superstición sureña o algo que conviene no beber. En manos del dúo Twisted Teens se convierte en una sustancia todavía más extraña, una mezcla de resistencia, humor negro, cansancio y orgullo regional. "Florida Water Blues", publicado el 10 de julio de 2026, contiene trece canciones y dura algo más de cuarenta y dos minutos. Es el tercer álbum del grupo de Nueva Orleans, pero también parece la cara nocturna de una obra que comenzó a tomar forma apenas unos meses antes.

ALBUM: Florida Water Blues

Quien llegue a la formación Twisted Teens debe imaginar un punto de encuentro improbable. En una esquina están el garage rock, el punk primitivo y el impulso físico de The Stooges. En otra aparecen el country, el rockabilly, la guitarra de acero y la tradición de contar historias de carretera. En medio, Caspian Hollywell canta con una voz rasgada, casi mineral, mientras Razor Ramon Santos deja que su steel guitar se retuerza alrededor de las canciones como aire caliente sobre el asfalto.

El resultado no es una recreación nostálgica del sur de Estados Unidos. Twisted Teens utilizan esos sonidos como materiales contemporáneos, los deforman y los hacen convivir con cajas de ritmos, sintetizadores baratos, ruido, humor absurdo y personajes que sobreviven como pueden.

Nace junto a "Blame the Clown":

"Florida Water Blues" llegó solo unos meses después del disco "Blame the Clown", el segundo trabajo de Twisted Teens y uno de las obras que consolidaron su nombre durante la primera mitad de 2026. La cercanía entre ambos lanzamientos podría sugerir precipitación, pero los dos álbumes fueron grabados en el mismo periodo y funcionan mejor cuando se entienden como obras complementarias.

"Blame the Clown" capturaba la electricidad de una noche descontrolada. Sus canciones avanzaban con descaro, melodías inmediatas y una sonrisa torcida. "Florida Water Blues" comienza cuando esa noche ya ha terminado. La confianza sigue presente, pero ahora la luz revela el cansancio, la tristeza y las pequeñas derrotas que antes quedaban ocultas bajo el volumen.

El grupo no abandona su identidad. Hollywell continúa ocupándose de gran parte de la instrumentación, entre batería, guitarra, bajo, voz y sintetizadores. Santos mantiene la steel guitar como uno de los elementos más reconocibles del álbum. Sin embargo, las canciones respiran más y el proyecto se abre a colaboradores como Mel Billiard, Howe Pearson, Cameron Snyder y Darcey Blye. Sus intervenciones no decoran el disco, sino que amplían su mundo.

La masterización de Jaxon Vesely ayuda a que las partes más ruidosas conserven impacto sin aplastar los momentos íntimos. Se escuchan guitarras ásperas, acústicas secas, bajos profundos, ritmos mecánicos deliberadamente inestables y sintetizadores que, en determinados pasajes, parecen llegar desde una habitación contigua.

Garage punk, country y swamp:

"Why Did You Miss It?" abre el álbum con una síntesis casi perfecta del lenguaje de Twisted Teens. Tiene nervio punk, movimiento de garage rock y un marcado acento country, pero no se lanza directamente contra el oyente. La canción se instala en un pulso hipnótico y deja flotando su pregunta central.

"Hand Me a Cigarette" comienza con un delicado dibujo de guitarra y pronto se transforma en una descarga eléctrica. Ese cambio brusco resume buena parte del disco. Bajo la energía hay resignación. Pedir un cigarrillo no suena aquí como un gesto rebelde, sino como la aceptación de una costumbre que desgasta lentamente.

En "Swamp", el paisaje deja de ser un fondo y se convierte en protagonista. El pantano aparece como un lugar grotesco, magnético y peligroso, lleno de bacterias, comida grasienta, sustancias químicas y animales que observan desde el agua. La steel guitar de Santos no aporta un romanticismo campestre, sino una sensación de inestabilidad, como si el suelo pudiera hundirse en cualquier momento.

La canción titular, "Florida Water Blues", ocupa el centro emocional del álbum. Sus melodías avanzan sin prisa mientras la letra mezcla referencias literarias, alcohol, superstición y dureza aprendida. La memoria no ofrece consuelo, es turbia y poco fiable. Hollywell canta que necesita el agua de Florida para hacerse fuerte, y la frase tiene algo de broma, algo de oración y algo de amenaza.

Musicalmente, el álbum puede recordar en algunos momentos a Parquet Courts, especialmente por la combinación de sequedad rítmica e ironía. También hay ecos de The Gun Club, Country Teasers, Reigning Sound y los Meat Puppets de "Meat Puppets II". En "Top of the World Hwy No. 2" imagino una banda de bar descubriendo a Iggy Pop, mientras que "Sun Go Down" deja entrever una versión deteriorada y sureña del encuentro entre The Replacements y Bruce Springsteen.

Las comparaciones sirven como orientación, pero Twisted Teens no parecen interesados en imitar a nadie. Su personalidad surge precisamente del choque entre elementos familiares.

Historias de gente:

Las letras de "Florida Water Blues" están pobladas por trabajadores agotados, figuras políticas crueles, adolescentes marginados y personas atrapadas en empleos o relaciones que no ofrecen salida. No son personajes ejemplares, tampoco héroes románticos. Son personas que intentan aguantar un día más.

"Dancer" retrata a una mujer descontenta con su trabajo, sus clientes y la imposibilidad de escapar. "Concealed Weepin'" parte de la historia de un joven rechazado, pero acaba reflexionando sobre el dolor que se oculta detrás de gestos aprendidos. La batería de Howe Pearson aporta una flexibilidad poco habitual en el grupo, mientras las texturas de Casio de Cameron Snyder añaden un brillo extraño y doméstico.

"Business" expone las relaciones basadas en el poder y el intercambio con una ironía particularmente afilada. La voz adicional de Darcey Blye convierte la canción en una conversación y abre una segunda perspectiva emocional. Junto a "Javelina" y "Weather the Season", forma una especie de tríptico sobre la corrupción, la persecución y la contaminación de la verdad pública.

El álbum habla de 2026 sin mencionar continuamente el presente. Lo hace mostrando la desconfianza, la precariedad y el agotamiento de una época en la que la información parece manipulable y la supervivencia cotidiana exige una coraza. Sin embargo, Twisted Teens nunca permiten que la gravedad elimine el placer. Sus letras contienen detalles ridículos, imágenes incómodas y frases que se quedan en la memoria porque hacen reír justo antes de mostrar algo doloroso.

Un final entre la puesta de sol y noise:

"Sun Go Down" podría haber sido simplemente una hermosa balada country. Hollywell abandona gran parte de su agresividad vocal, las guitarras suenan cálidas y las armonías de Darcey Blye amplían la sensación de despedida. Durante unos minutos, Twisted Teens parecen transformarse en narradores tradicionales de canciones solitarias.

El falso final:

Tras un breve silencio, la canción se abre hacia un pasaje de cuerdas crujientes, sintetizadores graves y sonidos que parecen reproducidos al revés. Poco a poco aparecen pequeñas notas agudas, semejantes a estrellas surgiendo en el cielo. El disco no concluye con una resolución, sino con el aire suspendido antes de que vuelva la mañana.

Ahí reside buena parte de la grandeza de "Florida Water Blues". El álbum acepta sus contradicciones. Puede ser ingenuo y consciente, ruidoso y vulnerable, divertido y profundamente triste. Su punk no depende únicamente de tocar rápido, sino de negarse a elegir entre tradiciones que supuestamente deberían permanecer separadas.

Por qué merece explorarlo:

No sé si "Florida Water Blues" convertirá a Twisted Teens en una banda masiva, y sospecho que eso importa poco. Su valor está en la manera en que transforma referencias conocidas en una música propia, sucia y emocionalmente precisa. El grupo entiende que una melodía puede ser pegadiza sin resultar complaciente, y que una canción de country puede contener la misma incomodidad que una pieza de punk.

Disco recomendado

Recomiendo este álbum especialmente a quienes son jóvenes y todavía ven el rock clásico, el country o el garage como estilos pertenecientes a generaciones anteriores. Twisted Teens demuestran que esas músicas siguen vivas cuando alguien se atreve a tratarlas con irreverencia. "Florida Water Blues" es una puerta excelente hacia ese territorio, un disco entretenido en la primera escucha, desconcertante en la segunda y mucho más profundo cuando sus personajes, sonidos y paisajes comienzan a quedarse con nosotros.

Video del tema "Florida Water Blues":

Tracklist:

Why Did You Miss It?
Hand Me A Cigarette
Swamp
Guided Thunder
Florida Water Blues
Top Of The World Hwy No. 2
Concealed Weepin’
Riding
Business
Javelina
Weather The Season
Dancer
Sun Go Down

BOSTON SPACESHIPS - Let It Beard

En 2011, mientras buena parte de la conversación musical miraba hacia la electrónica, el hip hop y las nuevas mutaciones del pop, Robert Pollard seguía confiando en una idea bastante sencilla, una guitarra eléctrica, una melodía capaz de quedarse en la memoria y una canción que no necesitara pedir permiso para terminar cuando ya lo había dicho todo.

ALBUM: Let It Beard

El resultado fue "Let It Beard", el quinto y último álbum de Boston Spaceships, publicado el 2 de agosto de 2011. Veintiséis canciones, más de setenta minutos y una sensación constante de estar recorriendo una casa enorme en la que cada puerta conduce a una habitación distinta. Algunas están iluminadas por un pop inmediato, otras parecen talleres llenos de amplificadores, cables y guitarras distorsionadas. También hay rincones oscuros, pasillos psicodélicos y momentos que parecen haber sido rescatados de una cinta olvidada.

No quiero presentar este disco como una obra que deba estudiarse con solemnidad. Prefiero recomendarlo como uno de esos lugares musicales en los que todavía es posible perderse.

El talento de Robert Pollard

Para acercarse a Boston Spaceships conviene conocer, aunque sea brevemente, a Robert Pollard. El músico de Ohio se hizo conocido como líder de Guided by Voices, una de las bandas fundamentales del rock alternativo estadounidense. Su manera de escribir combina el instinto melódico del pop británico, la energía del rock de garaje, la imaginación surrealista y una forma muy particular de entender la duración de una canción.

Bob Pollard puede encontrar una melodía extraordinaria, desarrollarla durante noventa segundos y abandonarla justo antes de que pierda su misterio. En lugar de estirar una idea hasta convertirla en una pieza convencional, suele dejarla suspendida. Esa forma de escribir exige cierta adaptación, pero también convierte su música en una fuente permanente de descubrimientos.

Boston Spaceships nació como un trío formado por Robert Pollard, Chris Slusarenko y John Moen, músico también relacionado con The Decemberists. Entre 2008 y 2011 publicaron cinco álbumes. "Let It Beard" fue la despedida del proyecto y, al mismo tiempo, su obra más extensa.

El disco apareció en un momento de transición. Pollard había disuelto Guided by Voices años antes, aunque el grupo ya había comenzado a reunirse y preparaba nuevo material. Boston Spaceships había funcionado durante ese periodo como uno de sus principales espacios creativos, una banda en la que podía recuperar canciones antiguas, probar ideas nuevas y trabajar junto a músicos capaces de ordenar su torrente compositivo.

Esa colaboración resulta esencial. Aunque Pollard ocupa el centro del álbum, Slusarenko y Moen aportan estructura, músculo y claridad. Las canciones conservan el carácter imprevisible de su autor, pero suenan como piezas construidas por una banda real, no como simples apuntes acumulados.

Un álbum que cambia de forma constantemente:

El comienzo de "Let It Beard" ya anuncia que no estamos ante un disco lineal. "Blind 20 20" se despliega en varias secciones y conduce hacia "Juggernaut Vs. Monolith", una pieza más directa, ruidosa y física. En pocos minutos, el álbum pasa del collage sonoro al golpe de guitarra, como si estuviera cambiando de emisora sin salir de la misma canción.

A lo largo del recorrido aparecen rastros del rock británico de los años sesenta y setenta, del punk, del pop independiente estadounidense y de la psicodelia casera. La influencia de The Who asoma en la forma en que algunas guitarras avanzan con fuerza, especialmente en "Minefield Searcher", pero Pollard nunca se limita a imitar. Su música utiliza el pasado como quien emplea materiales encontrados en un garaje, mezclándolos hasta crear objetos nuevos y ligeramente extraños.

Uno de los grandes atractivos del álbum es su sonido de guitarras. No se trata únicamente de volumen. Hay acordes luminosos, punteos angulares, capas de distorsión, rasgueos acústicos y solos que irrumpen como personajes inesperados.

En "Tourist U.F.O." aparece J Mascis, de Dinosaur Jr., con un solo final que ensancha la canción sin romper su carácter melódico. Colin Newman, de Wire, participa en "You Just Can’t Tell", aportando una guitarra cortante que hace avanzar la pieza con una tensión casi mecánica. Steve Wynn, de The Dream Syndicate, interviene en "I Took on the London Guys", mientras Mick Collins, de The Dirtbombs, añade una energía abrasiva a "Toppings Take the Cake".

Estas colaboraciones no convierten el disco en una exhibición de invitados. Funcionan más bien como pequeñas corrientes eléctricas que atraviesan el lenguaje de Boston Spaceships. Cada músico deja una textura reconocible, pero las canciones continúan perteneciendo al mundo de Robert Pollard.

Canciones que aparecen de la nada:

La sorpresa no procede únicamente de las guitarras. "Christmas Girl" incorpora metales con un aire casi festivo, aunque su melodía conserva una tristeza delicada. Es una de esas canciones capaces de parecer alegres y melancólicas al mismo tiempo, una cualidad que Pollard maneja especialmente bien.

"A Dozen Blue Overcoats" utiliza un violonchelo que aporta profundidad a una composición brevísima. La canción comienza con calma y termina abriéndose de manera abrupta, como si una ventana se cerrara justo cuando empezaba a entrar el viento.

En el extremo más extraño aparece "A Hair in Every Square Inch of the House". Las voces suenan lejanas, casi enterradas, y el conjunto avanza con una pesadez incómoda. No es una canción diseñada para resultar amable, pero su presencia evita que el álbum se acomode demasiado tiempo en un mismo tono.

Frente a esos experimentos, piezas como "Tabby and Lucy", "Make a Record for Lo Life" o "No Steamboats" muestran la facilidad de Pollard para construir melodías inmediatas. "Tabby and Lucy" posee esa combinación de impulso y vulnerabilidad que acerca el disco a algunos de los mejores momentos de Guided by Voices. "Make a Record for Lo Life" se instala lentamente en la memoria. "No Steamboats", más contenida, tiene una belleza discreta que puede pasar inadvertida durante la primera escucha y convertirse después en una de las razones para regresar.

Letras surrealistas para la vida cotidiana:

Las letras de "Let It Beard" se mueven entre imágenes absurdas, escenas domésticas y frases que parecen haber llegado desde un sueño. Pollard escribe sobre conducir, cocinar, recoger el correo o visitar ventas de garaje, pero también introduce personajes, objetos y situaciones que no necesitan una explicación lógica.

Esa mezcla dice bastante sobre el momento vital del autor. No intenta fingir que sigue siendo un adolescente encerrado en un local de ensayo. Es un músico de más de cincuenta años que observa la vida cotidiana y la transforma mediante el lenguaje. Lo doméstico no elimina la fantasía, la alimenta.

El propio título resume ese espíritu. "Let It Beard" juega con una expresión conocida y la convierte en una invitación a dejar que las cosas se vuelvan raras. El humor evita que la ambición del álbum resulte pesada. Aunque estamos ante un disco doble y expansivo, nunca parece estar reclamando una importancia histórica.

Música para descubrir:

Escuchar las veintiséis canciones seguidas puede resultar abrumador, pero no considero que sea obligatorio hacerlo. "Let It Beard" funciona también como un territorio que se explora poco a poco. Una canción puede llevar a otra, un estribillo puede abrir la puerta hacia Guided by Voices y un solo de guitarra puede conducir hasta Dinosaur Jr., Wire, The Dream Syndicate o el rock independiente de los años noventa.

Para los oyentes más jóvenes, acostumbrados a descubrir música mediante canciones aisladas y recomendaciones automáticas, este álbum propone una experiencia diferente. No exige abandonar esos hábitos, pero sí ofrece la posibilidad de profundizar. Sus imperfecciones, cambios de tono y pequeños accidentes producen una sensación de humanidad difícil de fabricar.

Disco recomendado

Recomiendo "Let It Beard" porque está lleno de ideas sin parecer calculado, porque celebra la guitarra sin convertirla en una reliquia y porque demuestra que el rock alternativo puede ser melódico, extraño, divertido y emocional dentro de una misma obra. Es un disco excesivo, pero también ágil, un álbum que se dispersa y, aun así, conserva una personalidad reconocible.

A quienes buscan música nueva y sorprendente, aunque haya sido publicada en 2011, les propongo comenzar por "Tourist U.F.O.", "Tabby and Lucy", "Christmas Girl" o "No Steamboats", y después dejarse llevar. Quizá no todas las habitaciones de este enorme edificio resulten igual de acogedoras, pero las mejores guardan melodías que merecen ser descubiertas. Boston Spaceships cerraron aquí su historia, aunque para muchos oyentes, especialmente los que todavía no conocen a Robert Pollard, Let It Beard puede ser exactamente lo contrario, un comienzo.

Video del tema "Tourist U.F.O":

Tracklist:

Blind 20-20 - 3.03
Juggernaut Vs. Monolith - 1.12
Tourist U.F.O. - 4.18
Minefield Searcher - 2.17
Make A Record For Lo-Life - 3.03
Let More Light Into The House - 5.10
You Just Can't Tell - 2.01
Chevy Marigold - 2.19
Earmarked For Collision - 3.45
Toppings Take The Cake - 1.09
Tabby And Lucy - 3.28
(I'll Make It) Strong For You - 1.56
A Hair In Every Square Inch Of The House - 4.46
The Ballad Of Bad Whiskey - 2.18
I Took On The London Guys - 2.40
Red Bodies - 2.53
A Dozen Blue Overcoats - 1.29
Pincushion - 1.15
Christmas Girl - 2.48
Let It Beard - 4.14
The Vice Lords - 3.27
German Field Of Shadows - 3.32
Speed Bumps - 2.16
No Steamboats - 2.38
You In My Prayer - 2.30
Inspiration Points - 5.24

Banda:

• Robert Pollard - voz
• John Moen - batería, percusión
• Chris Slusarenko - guitarra, bajo, teclados

THE FROGS - It’s Only Right and Natural: el secreto pop

Buscar música "nueva" no siempre significa escuchar discos publicados esta misma semana. A veces consiste en abrir una puerta que llevaba décadas delante de nosotros y descubrir que, al otro lado, sigue sonando algo extraño, divertido y sorprendentemente vivo. Eso es lo que me ha ocurrido con "It’s Only Right and Natural", el segundo álbum de The Frogs, publicado en 1989. 

ALBUM: It's Only Right and Natural

Los hermanos Jimmy y Dennis Flemion grababan canciones en casa, improvisaban personajes, deformaban el folk, el pop y el rock, y convertían sus bromas privadas en pequeñas piezas musicales. El resultado desconcierta al principio, pero también tiene algo magnético. Cuanto más escucho el disco, más evidente me parece que debajo de la provocación existe una colección de melodías extraordinariamente pegadizas.

Un álbum no pensado para publicarse:

La historia de "It’s Only Right and Natural" forma parte de su encanto. Fue grabado en un magnetófono de cuatro pistas, en el salón de Dennis Flemion. No nació como una obra planificada para una discográfica, sino como una serie de canciones creadas por los hermanos para entretenerse y divertir a sus amigos.

Gerard Cosloy, responsable de Homestead Records, escuchó aquellas cintas caseras después de que circularan por la escena independiente. Los Flemion esperaban que el sello publicara su primer álbum, pero Cosloy vio algo especial en las canciones centradas en personajes y estereotipos homosexuales y les propuso convertirlas en un disco.

Así apareció en 1989 una obra que parecía llegada desde un universo paralelo. The Frogs exageraban hasta el absurdo las fantasías y prejuicios de la moral conservadora estadounidense.

Esta mezcla de grabación privada, teatro improvisado y música pop explica su peculiaridad. Suena como si hubiéramos entrado en una habitación donde dos hermanos inventan canciones para hacerse reír.

Pop, folk casero y melodías memorables:

Lo primero que me atrapó no fueron las letras, sino la música. The Frogs poseían una facilidad melódica difícil de esconder, incluso bajo la grabación rudimentaria, las voces exageradas y el humor incómodo.

"I’ve Got Drugs, Out of the Mist" abre el álbum como una aparición borrosa. La guitarra acústica, la voz arrastrada y la atmósfera casi psicodélica crean una entrada extraña, como si una canción folk hubiese pasado demasiadas horas despierta. A partir de ahí, el disco avanza entre rasgueos acústicos, baterías mínimas, teclados baratos, cuerdas frotadas y arreglos que aparecen cuando menos se esperan.

"I Don’t Care If U Disrespect Me, Just So You Love Me" tiene una energía cercana a una banda de garaje. El comentario "That was a good drum break", utilizado más tarde por Beck en "Where It’s At", resume bien el espíritu del álbum. El supuesto redoble no es espectacular, pero la frase convierte un instante torpe en algo inolvidable.

"Hot Cock Annie" se mueve por un folk psicodélico, mientras "Rosy Jack World" ofrece una guitarra animada y unas cuerdas de belleza inesperada. La canción terminó dando nombre a un EP de Blake Babies.

En "Baby Greaser George" escucho ecos del primer Marc Bolan y de Tyrannosaurus Rex. También existe algo de David Bowie y The Beatles en la capacidad de los Flemion para encontrar estribillos claros dentro de estructuras que parecen improvisadas.

El álbum nunca suena pulido, pero sí íntimo. Las voces se acercan demasiado al micrófono y algunos instrumentos parecen colocados en cualquier rincón disponible. Esa precariedad hace que todo resulte más cercano. Yo no siento que esté escuchando una sesión de estudio, siento que estoy presente en el salón.

Humor y personajes:

Recomendar este disco exige advertir que sus letras no son discretas. The Frogs trabajan con estereotipos, sexualidad explícita, religión, drogas y personajes grotescos. Algunas expresiones pueden resultar incómodas hoy. No conviene acercarse al álbum esperando una sátira que explique sus intenciones.

Lo que encuentro es una sucesión de personajes tan exagerados que terminan revelando el absurdo de los prejuicios que representan. Los hermanos no ofrecen una moraleja, prefieren empujar cada situación hasta que pierde cualquier apariencia de normalidad. Esa falta de explicación es parte de la experiencia y también la razón por la que el álbum ha provocado interpretaciones distintas.

Hay, sin embargo, momentos de verdadera ternura. "Been a Month Since I Had a Man" posee una melancolía suave que se abre paso entre el humor. "Homos", la canción final, es una pieza sorprendentemente bonita, con una melodía limpia y una calidez que cambia el color de todo lo escuchado antes. Cuando llega ese cierre, queda claro que el disco no se sostiene únicamente por la provocación. Hay afecto, soledad, deseo y una extraña vulnerabilidad escondida dentro de sus caricaturas.

Disco secreto de una generación alternativa:

Aunque "It’s Only Right and Natural" nunca alcanzó una popularidad masiva, encontró defensores muy influyentes. Kurt Cobain lo incluyó entre sus cincuenta álbumes favoritos y Nirvana lo utilizaba como música antes de algunos conciertos. Pearl Jam también lo escuchaba en ese contexto. Billy Corgan y James Iha, de The Smashing Pumpkins, fueron admiradores del grupo, y Corgan llegó a tocar con ellos.

También dejó rastros curiosos. Mondo Generator tomó el título de "A Drug Problem That Never Existed" de una frase del disco. En 2011, Animal Collective eligió a The Frogs para tocar el álbum completo en All Tomorrow’s Parties.

Estas conexiones ayudan a entender su huella. The Frogs demostraron que el espíritu punk también podía consistir en grabar en casa, inventar un mundo propio y publicar algo incompatible con cualquier expectativa comercial.

Merece la pena descubrir The Frogs:

Escuchar "It’s Only Right and Natural" en 2026 significa encontrarse con un disco nacido fuera de casi todas las reglas actuales. No busca una producción perfecta, no adapta su lenguaje para resultar cómodo y no intenta explicar su sentido. Esa libertad puede ser desconcertante, pero también refrescante.

Yo lo recomendaría a quienes disfruten con el pop alternativo de Beck, el folk excéntrico de Marc Bolan, la imaginación doméstica de Daniel Johnston o la irreverencia de Ween. No porque The Frogs suenen exactamente como ellos, sino porque comparten la sensación de que una buena idea puede ser más importante que una ejecución impecable.

Este álbum vibra, tropieza, se ríe de sí mismo y, de repente, encuentra una melodía preciosa. Su mundo no es elegante ni fácil de clasificar, pero posee una personalidad que muchos discos técnicamente perfectos nunca alcanzan.

Disco recomendado

A los lectores jóvenes que estén buscando "nueva música", les propongo una pequeña paradoja, viajen hasta 1989. Escuchen el álbum completo, dejen que sus canciones les sorprendan y no intenten decidir demasiado rápido qué clase de grupo eran The Frogs. Quizá la mejor manera de entenderlos sea aceptar que podían ser una banda de pop, una broma privada, una provocación y una obra de arte casera al mismo tiempo. "It’s Only Right and Natural" merece ser descubierto porque todavía suena libre, raro y profundamente humano.

Video del tema Men (Come On Men):

Tracklist:

1. "I've Got Drugs (Out of the Mist)" 2:20
2. "I Don't Care If U Disrespect Me (Just So You Love Me)" 2:04
3. "Hot Cock Annie" 2:19
4. "These Are the Finest Queen Boys (I've Ever Seen)" 2:12
5. "Rosy Jack World" 2:23
6. "Someone's Pinning Me to the Ground" 1:44
7. "Baby Greaser George" 1:54
8. "(Thank God I Died in) The Car Crash" 2:12
9. "Gather 'Round for Savior #2" 2:35
10. "Richard Dick Richards" 1:40
11. "Men (Come on Men)" 2:39
12. "Dykes Are We" 3:02
13. "Been a Month Since I Had a Man" 2:27
14. "Homos" 1:55

Banda:

• Jimmy Flemion - Guitarras, violonchelo, voz principal en las pistas 01, 07, 09, 12–14, coros en la pista 05
• Dennis Flemion - Batería, teclados, voz principal en las pistas 01–06, 08, 10–11, coros en la pista 12