P22 | Human Snake

Llevo ya un tiempo pensando, y expresando mi observaciones aquí, que hay un resurgimiento de sonidos Punk (Punk Rock) que pueden ser - entre otras cosas - una respuesta al dominio de la música pop comercial sin sentido y de "chicle" (masticar, saborear y escupir). La otra razón es, cíclico, la historia de la música está documentada con resurgimientos de estilos "old school" para ser adaptados por las nuevas generaciones a su contexto histórico.

Con esto en mente, me viene a mi atención una banda de jóvenes que me han sorprendido gratamente con su oferta musical de rock, al estilo punk, o quizás mejor dicho, su adaptación del mismo. Como suele pasar, son tan "nuevos" que tienen muy poca información sobre ellos por Internet, y cuesta saber de donde vienen, que piensan y donde quieren ir. Espero que su manager les anime a subir una biografía extensa y en condiciones sobre el grupo en breve.

Mientras se hacen con las técnicas de marketing, voy a presentarte esta formación y su álbum-ep debut. Hablo de...

P22 (Banda)


Es un grupo de post-punk de la ciudad de Los Ángeles, California. Son un cuarteto formado en 2015 por Sofia Arreguin, Nicole-Antonia Spagnola, Justin Tenney y Taylor Thompson.

P22 (Banda punk americana)

La banda P22 podría clasificarse como "punk", aunque es una etiqueta demasiado restrictiva para situar el grupo que hace música más ecléctico. Hay sonidos hardcore, pero está envuelto de diferentes texturas y tempos: hay elementos de free jazz, jangle, noise, no wave y pop, con una entrega vocal que se siente tanto impulsado por la poesía beat como por el post-punk. Para ayudarte a situarlos mejor te gustaran si te mola bandas como Suicidal Tendencies, Black Flag, Metal Machine Music etc.

El grupo publicó su álbum debut titulado "Human Snake" en 2020, aunque quizás es mejor describirlo como un "EP long-play de 12". Da igual el formato, contiene nueve temas muy buenos que me tienen enganchado.

 

ALBUM: Human Snake (EP)

 
Es el álbum (EP) debut de la banda P22 publicado el 3 de abril de 2020. El disco fue grabado y producido durante el verano de 2019 por el conocido productor de rock indie Mike Kriebel, después de una breve pausa del grupo. En realidad es un vinilo EP (de nueve canciones) que consiste en material escrito a lo largo de casi tres años a partir de una recopilación de materiales concebidos entre 2017 y 2019.  Si eres fan de la escena "hardcore costa oeste americana" te recordarán a bandas como Urinals, CCTV, Seems Twice etc., aunque P22 mantiene su propia distancia y personalidad. Solo hay que escuchar el violín del primer tema “Intro” y las castañuelas en “Reprise For Steer” (ellos lo llaman influencia flamenca), para darte cuenta que siguen su propio camino musical.

ALBUM: portada de "Human Snake (EP)" de la banda P22

Es un trabajo relativamente corto de temas de poco más de un minuto (algunos menos). Como el dicho...corto pero potente. Hay algunos temas que realmente me molan mucho, como "Farrowing Crate", "Reprise For Steer" y "Manager"...cortes  con voces planos, agresivas guitarras eléctricas y tonos de "maracas" electrónicas. Una oferta de belleza minimalista con bordes de punk con un inicio lento que desciende rápidamente al caos y termina antes de comenzar. Impacta por dejarte con las ganas de escuchar más, una oferta corta pero intensa.

Un disco recomendado que es novedad para mi y quizás para la mayoría del público fuera de su círculo de actuación. Una tarjeta de presentación que nos promete más y mejores trabajos por venir en un futuro espero a corto plazo: quizás un álbum propiamente dicho de nuevo material.  Les tengo ya fichados y bajo mi radar. Por ahora tenemos "Human Snake" para gozar y vacunarnos de las ondas continuas e incesantes del pop comercial "chicle". Esta en formato vinilo, pero se puede escuchar por todas las conocidas y habituales plataformas digitales (Bandcamp, Soundcloud, Spotify etc.)

Video del tema “The Manger”, y más, play y dejar:


Tracklist:

1. Intro            4:29
2. Farrowing Crate     1:12
3. The Manger          1:01
4. The Industrialist Heartthrob          1:21
5. Reprise For Steer    0:58
6. Human Snake, 1978           2:20
7. Ode to Rio Arriba  1:50
8. Shortly        0:59
9. Endling Chorus for the Terminarch           3:03

BIG BILL BROONZY | Big Bill Broonzy Sings Folk Songs

Big Bill Broonzy (Bluesman)


Fue un cantante, compositor y guitarrista de blues. Se refería a sí mismo como el último de los grandes cantantes de blues rural y su llegada a la ciudad de Chicago de la preguerra consistía en quitar el puesto del #1 del Chicago Blues, Hudson Whittaker. Sin embargo, su  legado irá más lejos que solo reemplazar al mítico Tampa Red. Un compositor prolífico, Broonzy es considerado una de las figuras más importantes del Blues del Siglo XX.

Big Bill Broonzy (Bluesman)

Una breve historia:

William Lee Conley Broonzy, nacido en 1893 en Scott, Mississippi y criado en Pine Bluffs, Arkansas, fue uno de los 17 hijos de padres pobres que fueron esclavos. Trabajó en una granja desde la edad de ocho años, pero cuando no estaba trabajando en los campos, se le podía encontrar tocando un violín de caja de construcción tosca, en el que rápidamente se convirtió en un experto, actuando por la zona. Las influencias de Broonzy incluyeron la música folclórica, espirituales, música ragtime, hokum y country blues que escuchó mientras crecía y los estilos de sus contemporáneos, incluidos Jimmie Rodgers, Blind Blake, Son House y Blind Lemon Jefferson. Broonzy combinó todas estas influencias en su propio estilo de blues, que presagió el blues de Chicago de la posguerra, luego refinado y popularizado por artistas como Muddy Waters y Willie Dixon.

En 1920, después de un período en el ejército, Broonzy se aventuró al norte de Chicago. Allí se conectó con el "Bluesman", "Papa Charlie Jackson", y pasó del violín a la guitarra comenzó su carrera como músico. Con una voz suave pero fuerte acompañada de una hábil forma de tocar la guitarra, Big Bill Broonzy pronto impresionó a la gente con su country blues de inflexión urbana, y luego grabó su primer disco, en 1927. Grabó bajo una variedad de nombres artísticos en sus primeros años: Big Bill And Thomps, Big Bill Johnson, Big Bill Broomsley, por nombrar algunos, y en 1938 apareció en el prestigioso "Carnegie Hall de Nueva York" (que hasta ese momento había sido exclusivamente un lugar de música clásica) en la famosa serie "From Spiritual To Swing" de conciertos organizados por el legendario A&R y descubridor de talentos John Hammond. Un concierto que originalmente tenía a Robert Johnson como cabeza de cartel que fue reemplazado por Big Bill Broonzy después de su muerte de Johnson.

Broonzy amplió su trabajo durante la década de 1940 mientras perfeccionaba sus habilidades para escribir canciones, lo que mostraba una habilidad especial para atraer a un público urbano más sofisticado, así como a personas que compartían sus raíces rurales. Su trabajo en este período muestro que actuaba en un espectro musical más amplio que casi cualquier otro bluesman antes o después, incluyendo en su repertorio ragtime, hokum blues, country blues, blues urbano, canciones con tintes de jazz, canciones folclóricas y espirituales. Después de la Segunda Guerra Mundial, Broonzy grabó canciones que fueron el puente que permitió a muchos músicos más jóvenes cruzar hacia el futuro del blues: el blues eléctrico de la posguerra de Chicago. Sus grabaciones de 1945 de "Where the Blues Began", con Big Maceo al piano y Buster Bennett al saxo, y "Martha Blues", con Memphis Slim al piano, mostraron el camino a seguir. Una de sus canciones más conocidas, "Key to the Highway", apareció en este momento. En 1948, Mercury Records firmó con Broonzy.

En la década de 1950, un regreso a sus raíces tradicionales de folk-blues lo convirtió en una de las figuras principales del resurgimiento de la música folk estadounidense emergente y una estrella internacional. Broonzy no fue un converso al estilo de blues eléctrico que surgió en Chicago en los años 50, pero continuó ejerciendo su oficio en un entorno acústico, lo que resultó en que se lo percibiera en gran medida como un músico folk. Fue un período en el que, a pesar de sus próximos años de crepúsculo, viajó al extranjero y estuvo tocando en conciertos "sold out" de toda Europa.

Su larga y variada carrera lo marca como una de las figuras clave en el desarrollo de la música blues en el siglo XX. Broonzy registró los derechos de autor de más de 300 canciones durante su vida, incluidas adaptaciones de canciones folclóricas tradicionales y canciones de blues originales. Como compositor de blues, fue único en escribir canciones que reflejaban sus experiencias rurales a urbanas. Broonzy como guitarrista acústico inspiró a Muddy Waters, Memphis Slim, Ray Davies, John Renbourn, Eric Clapton, Rory Gallagher, Ronnie Wood, Tom Jones, Jerry García, Ben Taylor y Steve Howe etc.

Big Bill Broonzy murió de cáncer de garganta a los 65 años en agosto de 1958.

A continuación una lista de los muchos álbumes que publicó y que pueden servir como introducción al músico de Blues:

  •  Big Bill Broonzy and Washboard Sam (1953)
  • His Story (1957)
  • Big Bill Broonzy Sings Country Blues (1957)
  • Blues with Big Bill Broonzy, Sonny Terry and Brownie McGhee (1959)
  • The Bill Broonzy Story (1961)
  • Big Bill Broonzy Sings Folk Songs (1962)
  • Big Bill Broonzy Sings Folk Songs (Smithsonian Folkways, 1989) (reissue)
  • Best of the Blues Tradition (1991)
  • Do That Guitar Rag (1928–1935) (1991)
  • Trouble in Mind (2000)
  • Broonzy Volume 2: 1945–1949: The Post War Years (2000)
  • Big Bill Broonzy in Concert (2002)
  • Big Bill Broonzy on Tour in Britain: Live in England & Scotland (2002)
  • Big Bill Blues: His 23 Greatest Songs 1927–42 (2004)
  • Get Back (2004)
  • Big Bill Amsterdam Live Concerts 1953 (2006)
  • Keys to the Blues (2009)
  • All The Classics 1936-1937, Vol. 4 (2019)

Cualquier álbum de la discografía podría servir bien para introducirte a Big Bill. Uno muy bueno es "The Big Bill Broonzy Story" (1961); múltiples temas grabadas en 1957 en un estudio de Chicago para lo que se convertirá en una gigantesca caja de 5 LP. Solo él con su guitarra acústica sentado frente a un micrófono. A su lado está el productor Bill Randle, y detrás de la sala de control un ingeniero de grabación. Personalmente me gusta algo más el disco "Big Bill Broonzy Sings Folk Songs" de 1962. Un álbum excelente para conocer el "auténtico" Broonzy y que está disponible en vinilo y CD.

ALBUM: Big Bill Broonzy Sings Folk Songs


Álbum publicado en 1962 cuatro años después de su muerte. Clasificado entre los grandes del blues como Robert Johnson, Son House y Elmore James, Big Bill Broonzy fue durante muchos años el último practicante superviviente del estilo "Delta Blues". Este disco, grabado para "Smithsonian Folkways" en 1956, captura a Broonzy al final de su carrera, pero aún durante la cima de su poder. Un álbum que inmortaliza una actuación magistral.

Una obra de canciones que demuestra a Broonzy en excelente forma. Su poderosa voz y guitarra se exhiben en un conjunto que incluye blues tradicionales, gospel y canciones populares, todas interpretadas con una autoridad innegable. Broonzy tenía problemas de salud en 1956 cuando se grabaron las canciones, pero nunca lo sabrías escuchando este disco. La interpretación de Broonzy es maravillosamente fluida, mientras que su forma de tocar la guitarra impresiona. Es solo Big Bill y su guitarra, tocando canciones folclóricas en un estilo acústico-blues y country-blues.

ALBUM: portada de "Big Bill Broonzy Sings Folk Songs" (1962)

Algunos de los temas fueron grabados en concierto por la radio "WFMT" en la Universidad Northwestern. El clásico góspel "This Train" es de esa actuación, con la guitarra conductora de Broonzy asumiendo el control mientras el público se une al canto. La canción "I Don't Want No Woman (To Try To Be My Boss)" es puro country blues, al igual que "Martha", un punto culminante del disco, ya que los gritos de tristeza del cantante expresa su añoranza por su mujer. El último tema de la cara A, "Tell Me Who", destaca su destreza con la guitarra. La cara B también contiene algunas canciones geniales: "Bill Bailey", "Tell Me What Kind of Man Jesus Is", "John Henry" y "Glory of Love".

Broonzy aprovecha la oportunidad que le brinda "Big Bill Broonzy Sings Folk Songs" para demostrar la variedad de influencias musicales que ha dominado con éxito a lo largo de su carrera. Demuestra estar igualmente cómodo tanto en el folk country como en el blues puro, ofreciendo interpretaciones brillantes donde Broonzy canta un interesante conjunto de letras poco comunes, doblando la melodía con un inspirado cambio de blues.

Un disco recomendado. Este álbum demuestra sin duda uno de los puntos altos de la carrera de Broonzy. Imprescindible para los fans de blues y genial para introducirte al maestro. Después de disfrutar de este disco busca "The Big Bill Broonzy Story" (1961) por las plataformas digitales para continuar gozando.

Video del tema "Tell Me Who":


Tracklist (formato LP):

Cara A:

A1                   Backwater Blues
A2                   This Train
A3                   I Don't Want No Woman (To Try To Be My Boss)
A4                   Martha
A5                   Tell Me Who

Cara B:

B1                   Bill Bailey
B2                   Alberta
B3                   Goin' Down This Road
B4                   Tell Me What Kind Of Man Jesus Is
B5                   John Henry
B6                   Glory Of Love

JAPAN | Tin Drum - Album

Japan (Banda)


Grupo new-wave inglés formado en 1974 en Londres por David Sylvian (voz, guitarra, teclados), Steve Jansen (batería) y Mick Karn (bajo), junto con Richard Barbieri (teclados) y Rob Dean (guitarra) al año siguiente. Inicialmente una banda inspirada en el glam rock alternativo, Japan desarrolló su sonido y apariencia andrógina para incorporar música electrónica e influencias "world music". A principio de su carrera, el grupo emuló el sonido y la imagen de artistas-bandas de glam-rock como David Bowie y The New York Dolls. La voz peculiar y acentuada de David Sylvian, muy en la línea de Bryan Ferry, también le valió a Japón comparaciones con Roxy Music. Con el paso del tiempo Japan evoluciono su música hacia un elegante y sofisticado synth pop que les convirtió en uno de los grupos más interesantes y exitosos de su época. Tanto que contribuyeron a hacer el movimiento "New Romantics" popular abriendo el camino a bandas como  Duran Duran, Spandau Ballet, Wham e incluso Depeche Mode de su primera etapa.

Japan (Banda)

La banda logró el éxito a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980, pero se separó en diciembre de 1982. Las diferencias entre los miembros de la banda llegaron a un punto crítico cuando la novia del bajista Mick Karn se mudó con David Sylvian. Los miembros individuales avanzaron con sus otros proyectos: Sylvian comenzó una exitosa carrera en solitario y también entró en una serie de colaboraciones con los artistas Ryuichi Sakamoto, Holger Czukay y Robert Fripp, mientras que Karn editó un LP en solitario de 1982, "Titles", antes de fundar el dúo "Dali's Car" con Peter Murphy de Bauhaus. En 1986, mientras tanto, Jansen y Barbieri publicaron "Worlds in a Small Room" con sus propios nombres antes de grabar juntos como Dolphin Brothers. Japan se reformó brevemente a principios de la década de 1990 bajo el nombre de "Rain Tree Crow", publicando un álbum en 1991.

La discografía de Japan:

  • Adolescent Sex (1978)
  • Obscure Alternatives (1978)
  • Quiet Life (1979)
  • Gentlemen Take Polaroids (1980)
  • Tin Drum (1981)
  • Rain Tree Crow (1991)

El álbum debut, "Adolescent Sex" es muy bueno y capta la "esencia" de Japan, mientras "Gentlemen Take Polaroids" es maduro, comercialmente un éxito y quizás su más conocido trabajo. Sin embargo, me inclino más hacia "Tin Drum" como su mejor álbum.

 

ALBUM: Tin Drum


El quinto y "último álbum" de estudio de Japan publicado en noviembre de 1981. Alcanzó el puesto #12 en las listas del Reino Unido y es considerado como el mejor y más original obra de la banda. Tin Drum continuó la mezcla ya establecida de la banda de elementos electrónicos con instrumentación tradicional, pero se inclina mucho más hacia las influencias orientales y del "Lejano Oriente" que cualquiera de sus álbumes anteriores. Líricamente, las canciones incluyen nociones de romance, melancolía, viajes y de huida, con la particular fascinación de David Sylvian por la cultura oriental. Un álbum minimalista, apenas tiene guitarra, mientras que los sintetizadores utilizados están restringidos a un "Oberheim OBX", "Prophet 5" y ocasionalmente el "System 700", con el trabajo dividido entre Barbieri y Sylvian. Resumiendo de otra manera una descripción general del disco, "Tin Drum" mezcla el New Wave con música asiática con el resultado fascinante: ocho canciones que te hacen viajar musicalmente por Japón y China (países).

ALBUM: portada de "Tin Drum" de la banda JAPAN

El disco es innegablemente moderno y la musicalidad de esta grabación es de primer nivel. Es una obra inteligente, artística y sofisticada. La voz de David Sylvian es embriagadora combinada con el bajo sobrenatural de Mick Karn y la batería exótica de Steve Jansen. Agregue el color electrónico de Richard Barbieri y tienes delante una obra maestra del "Art Rock". Menciono al músico y maestro japonés Ryuichi Sakamoto, que ya tenía una relación con David Sylvian (vía  "Yellow Magic Orchestra" ) y se escucha ya la influencia sobre él en este álbum. Más adelante,  y después de la ruptura de Japan, Sylvian y Sakamoto publicaron una auténtica joya de canción "Forbidden Colours" (tema de la película "Merry Christmas Mr Lawrence", con actores David Bowie y Sakamoto)…pero esto es para otro día.

Una vez escuchado "Tin Drum" te das cuenta que es un logro asombroso. Nada parecido a esto había sido publicado bajo la etiqueta de música pop en esos momentos. Cada miembro de Japón estaba, en este punto, en el apogeo de sus poderes: sea testigo del bajo de Mick Karn en 'Canton' y compárelo con su trabajo en 'Sons of Pioneers' en cuanto a variedad y poder. Las canciones tienen una estructura sólida, ningún directamente similar pero con un tema musical común. La inusual programación de sintetizadores no conoce límites: lo que lograron con el Oberheim OBX-a y un sistema modular, es un testimonio del talento de Barbieri. Solo la banda americana "Talking Heads" mostraron el mismo intento de alcance y variedad en ese momento, al menos en el mundo del rock occidental, pero Japón superó a la banda de Nueva York con su puro sentido del estilo teatral. Y sorprendentemente, Japan fue más popular que nunca, con el tema "Ghosts" (una balada inquietante que se destaca por su disposición absolutamente minimalista) convirtiéndose en un Top 10 en el Reino Unido. No se espera que un tema de estas características sea "el hit", con lo cual ya te indica la evolución y nivel de sofisticación que se encontraba la banda.

Momentos estelares para mi son los temas "Canton" o "Cantonese Boy", "Ghost", el espectacular "Cantonese Boy", "Visions of China" y "The Art of Parties"...aunque en realidad es un disco completo.

Un disco recomendado, el mejor álbum de Japan y la mejor forma de terminar como banda. Cuando hablan de "Art Rock" piensa en este disco. Un trabajo atrevido, innovador, ecléctico, sofisticado, abierto y con una musicalidad de escándalo. El aficionado y practicante del bajo debe escuchar como toca Mick Karn en este disco (Mick Karn murió de cáncer en enero de 2011), simplemente majestuoso. Gran álbum, quizás no apto para los jóvenes oídos de hoy, pero musicalmente superior.

Video del tema "Cantonese Boy":

Tracklist (formato LP):

Cara A:
1.         "The Art of Parties" (re-recorded version) 4:09
2.         "Talking Drum"                     3:34
3.         "Ghosts"                    4:33
4.         "Canton"                     5:30

Cara B:
5.         "Still Life in Mobile Homes"            5:32
6.         "Visions of China"                 3:37
7.         "Sons of Pioneers"                 7:07
8.         "Cantonese Boy"                   3:44

THE LIBERTINES | Up The Bracket

Hay que tener cuidado con la siguiente banda, el perfil público eclipsa su oferta musical. Liderado por personajes que pasaban más tiempo en las portadas de los medios de comunicación por sus escándalos de orden público y sus adicciones, polarizan la audiencia entre los que les "adoran" y los "odian".

Dejó claro desde el principio que me encuentro con el último grupo. No los "odio" - sentir esto es demasiado para personas que no conoces - como personas publicas me crean un cierto rechazo por exagerar y sobrepasar el ideal de "estilo de vida" del Rock N Roll.

No obstante, si separas lo público (y la mercadotecnia) de la música, cambian las cosas. Un enfoque exclusivo sobre la oferta musical hace que aceptes que han publicado un par de álbumes excepcionales de mención.

The Libertines (Banda)


Grupo de rock inglés, formada en Londres en 1997 por los líderes Carl Barât (voz / guitarra) y Pete Doherty (voz / guitarra). La banda, centrada en la asociación de compositores de Barât y Doherty, también ha incluido a John Hassall (bajo) y Gary Powell (batería) durante la mayor parte de su carrera. La banda fue parte del renacimiento del "garage rock" y encabezó el movimiento en el Reino Unido. Tanto que son reconocidos por la crítica como una de las bandas británicas más influyentes de la década de 2000. A pesar de su éxito crítico y comercial, la música de la banda se veía eclipsada por sus conflictos internos, derivados de las adicciones de Doherty al crack y la heroína, que finalmente llevaron a la ruptura de la banda.

The Libertines (Banda)

La oferta musical de "The Libertines" embarca el indie rock y garage rock con influencias del punk rock. Los cantantes y guitarristas Doherty y Barât representan cada uno diferentes influencias musicalmente. Doherty se inspiró en bandas como The Jam, Sex Pistols y The Smiths, mientras Barât admira The Velvet Underground, The Clash, The Doors y Nirvana. Esto es bueno, y explica como "The Libertines" amplían su red musical sobre tantos fans de diversos gustos.

Sus álbumes son de estilo lo-fi. El método de grabación de Mick Jones (ex-Clash, productor de los dos primeros álbumes) fue sin intervención: permitió que la banda interpretará una canción varias veces y luego eligió la mejor toma. Realizó un mínimo de mezcla y doblaje de audio.

La banda ha sido comparada con muchos grupos de rock británico clásico, ya que su ángulo sobre el rock es exclusivamente de naturaleza local. Su sonido se compara con el de los primeros discos de The Jam y The Kinks, así como con el primer álbum y los primeros singles de The Clash. También hay similitudes con los Buzzcocks. El cantante de "The Smiths", Morrissey, es otra fuerte influencia citada por los miembros de la banda. Muchas de las letras de las canciones de "The Libertine" hacen referencia a elementos de la vida británica y usan jerga inglesa -"cockney". En su actitud, a veces se les compara con "The Sex Pistols" debido a sus caóticas y enérgicas actuaciones en directo. Fuera del escenario, fueron salpicados por escándalos en comportamiento alimentado por los excesos del alcohol y las drogas. Eran jóvenes que interiorizaban como una forma de vida el lema "Sex, Drugs & Rock n Roll". Un "cocktail" que mezclado con "la fama" distorsiona la mente de cualquier joven. Tanto eran los escandalosos que ponían en segundo plano la música.

Y es la música donde está el mérito de "The Libertines". A principios de la década de 2000, los "expertos" estaban de luto proclamando "la muerte del Rock N Roll". La banda neoyorkina "The Strokes" había publicado "Is This It", y en el proceso resucitó de nuevo el Rock bajo el "garage rock revival". Esta nueva briza de aire fresca, ideas, sonidos, tendencias...esperanza, tuvo su réplica en el Reino Unido con "The Libertines". Una banda que agrupó toda la larga tradición del rock británico para acentuar "lo British" bajo una música "revival". Se puede decir, que salvaron el "rock británico", un legado que cayó sobre una de las bandas menos cualificadas para llevar ese peso sobre sus hombros, pero supieron transmitir y conectar con toda una nueva generación de millennials que sabían cosas del "Old school rock n roll" pero buscaban personajes modernos afines con ellos. Mientras la música conecto, los personajes se pasaron de frenada y eventualmente causó una desconexión con el público. Era insostenible ver y/o adorar un "rockstar" tan impresentable con llego ser Pete Doherty y compañía. 

The Libertines tocaron el que sería su último concierto en París el 17 de diciembre de 2004, sin Doherty. Barât decidió disolver The Libertines ya que ya no estaba dispuesto a hacer giras y grabar bajo el nombre sin Pete Doherty.

En 2010, los cuatro miembros de los Libertines se reunieron para tocar en una serie de conciertos. En abril de 2014, The Libertines anunciaron que volverían a reformarse para un espectáculo en el "Hyde Park" de Londres y en noviembre de 2014, la banda firmó un contrato discográfico con Virgin EMI Records y publicó su tercer álbum, "Anthems for Doomed Youth" … el resto, "stay tuned". No obstante, esta "segunda etapa" es prácticamente irrelevante, ya que el contexto en donde nacieron como grupo ha cambiado y el daño a la imagen de "Doherty" necesita un "milagro" para recuperarse (también su salud). Lo que tienen en su favor es que la gente tiene una corta memoria, quizás nos sorprendan de nuevo algún día.

La discografía de álbumes de estudio hasta ahora es:

  • Up the Bracket (2002)
  • The Libertines (2004)
  • Anthems for Doomed Youth (2015)

El álbum que más fama tiene es el segundo titulado "The Libertines". Personalmente me gusta más el debut "Up the Brackets", un álbum que prácticamente coincide con el disco "Is This it" de The Strokes y añade fuerza al tsunami de "garage rock revival" que animaría e inyectaría con nueva fuerza y ideas al Rock N Roll mundial para el Siglo XX.

ALBUM: Up The Bracket


El álbum debut publicado en octubre de 2002. El disco fue parte de un resurgimiento de la escena rock indie-alternativa británica recibiendo elogios de la crítica convirtiéndose en uno de los mejores álbumes de la década de 2000. La portada del álbum se basa en una imagen de la policía antidisturbios enfrentándose a los manifestantes durante la crisis económica argentina de 1999-2002. Ya desde primera visita el disco respira rebeldía, protesta y un espíritu punk que se pensaba que se había evaporado hace años (revival).

ALBUM: portada de "Up The Bracket" de la banda THE LIBERTINES

Y aquí está el secreto de "The Libertines": tienen todo que ver con el espíritu, el espíritu del rock n roll. A priori este álbum parecía no tener posibilidad de ser un buen álbum: la sección de ritmo apenas toca bien, los dos cantantes principales no pueden cantar una m*erda y la banda suena como si estuvieran "colgados" bajo la influencia durante la grabación. Pero de alguna manera este desorden de álbum resultó ser uno de los discos más inspiradores de su momento y para los años después.

Quizás es la producción de Mick Jones (ex-Clash) de mezcla sucia y a su vez limpia. Ninguna de las canciones está sobre producidas con un acabado brillante, aunque tampoco son agresivamente sucias y de baja fidelidad. Es una gran e inteligente combinación de ambas que hace que sea una obra pegadiza pero abrasiva al mismo tiempo. Mike Jones se las arregla para que sea todo sucio y delicado, agresivo y romántico, desordenado y melódico, haciendo de "Up the Bracket" una obra estelar en la música rock moderna. Continuando con las posibles explicaciones porque rompe tan fuerte este álbum como lo hizo, tal vez es las excelentes composiciones de Doherty y Barat, tal vez es la pasión y la energía puesta en este disco. Podría ser todas esas cosas, la cosa es que funciona, y funcionó tan brillantemente que no puedes pasar por alto el álbum.

No es sólo la voz ronca de Pete Doherty lo que le da a este álbum su especial carácter, todas las canciones de "Up the Bracket" están llenas de guitarras vivaces, agresivas y ganchos irresistibles que lo convierten en un álbum sólido. The Libertines tocan rápido y suelto con cuatro décadas de historia del rock británico a sus espaldas, mezclando todo, desde el sonido del British Invasion, mod, punk y britpop. Un mezcla prácticamente irresistible.

Una crítica, el álbum es un poco corto con solo 36 minutos de duración. Pero es lo suficientemente largo para que sea un debut brillante; lo peor que se puede decir de sus temas más débiles es que son realmente sólidas y pegadizas. Sean "poetas punk", muchachos engreídos, hipsters londinenses: The Libertines desempeñan muchos papeles diferentes en "Up the Bracket", todos los cuales les sienten bien. Roles que proyectan sobre la audiencia para reforzar el mito universal del "Rockstar" que todos deseamos vivir sin saberlo, además de una maquinaria potente de marketing (hype, la revista NME...etc.) para asegurar el estrellato que consumió finalmente a la banda cinco años más tarde, con alguno aún perdido. Volviendo a la música (y este álbum),  el grupo no solo supera a la mayoría de sus compañeros, sino que comienzan a alcanzar la grandeza con brillante melodías y miradas satíricas sobre la sociedad británica. Aparece este álbum en el momento más adecuado, hay una comunión con su contexto británico (socio, económico, político y cultural) que pocas veces se ve o se consigue.

Algunos momentos para destacar del disco son: "Death On The Stairs", "Up The Bracket", "Good Old Days", "Time For Heroes"...aunque el disco es sólido en su totalidad.

Un disco recomendado. Pocas bandas pueden componer una canción que fluya perfectamente de una sección a otra, un álbum rebosante de personalidad y con un sentido de vulnerabilidad juvenil que a la vez irradia total confianza. Dentro del caótico mundo de "The Libertines" nos dejan un grandísimo disco de puro rock'n'roll que perdurará por mucho tiempo.

Video del tema “Up the Bracket”:


Tracklist:
  1. "Vertigo" – 2:37
  2. "Death on the Stairs" – 3:24
  3. "Horrorshow" – 2:34
  4. "Time for Heroes" – 2:40
  5. "Boys in the Band" – 3:42
  6. "Radio America" – 3:44
  7. "Up the Bracket" – 2:40
  8. "Tell the King" – 3:22
  9. "The Boy Looked at Johnny" – 2:38
  10. "Begging" – 3:20
  11. "The Good Old Days" – 2:59
  12. "I Get Along" – 2:51

VINCE STAPLES | Summertime ´06

Es uno de mis artistas favoritos de Hip Hop. Lo descubrí con su EP de 2014 "Hell Can Wait", concretamente con el tema "Fire". Desde entonces soy fan y sigo de cerca sus trabajos. Hablo de...


Vince Staples (Músico Hip Hop)


Vincent Jamal Staples es un rapero, cantante, compositor y actor estadounidense.  Es miembro del trío de hip hop "Cutthroat Boyz" junto a sus compañeros Aston Matthews y Joey Fatts. Vince Staples fue colaborador cercano de "Odd Future", en particular Mike G y Earl Sweatshirt. Es uno de los artistas más talentosos y progresistas del rap; uno de sus puntos fuertes son sus rimas socialmente conscientes. Además, inteligente para rodearse del mejor talento (producción) para ofrecer una música siempre de vanguardia.

Vince Staples (Músico Hip Hop)

Staples saltó a la fama con apariciones en álbumes de miembros de "Odd Future" y su mixtape colaborativo titulado "Stolen Youth" con Mac Miller, quien produjo el proyecto. En octubre de 2014, lanzó su EP debut Hell Can Wait, que incluía los sencillos "Hands Up" y "Blue Suede". Su álbum debut, Summertime '06, fue lanzado el 30 de junio de 2015 con gran éxito de crítica y fue su trampolín hacia el éxito y reconocimiento universal.

Una breve historia:


Vince Staples nació en Compton, Los Ángeles, pero creció en "North Long Beach", después de que su madre decidiera que quería mudarse de Compton debido a las altas tasas de criminalidad. Staples es el menor de cinco hermanos, dos hermanos y tres hermanas. La infancia y adolescencia de Staples está marcada por la pobreza, elemento que ha moldeado su visión musical.

Staples fue descubierto por Dijon "LaVish" Samo y Chuck Wun, junto a su primo Campbell Emerson. LaVish llevó a Staples a un viaje a Los Ángeles, donde se hizo amigo de los miembros del colectivo "Odd Future", Syd tha Kyd, Mike G y Earl Sweatshirt. Aunque no tenía la intención de convertirse en rapero, hizo algunas apariciones especiales en sus canciones, sobre todo "epaR" del mixtape "Earl" de marzo de 2010 de Earl Sweatshirt. Después de aparecer en algunas canciones extra, decidió seguir una carrera en el rap. Lanzó su mixtape debut oficial, llamado "Shyne Coldchain Vol.1" en 2011. En octubre de 2012, lanzó un mixtape en colaboración con Michael Uzowuru, titulado "Winter in Prague". En junio de 2013, Miller (bajo el alias de Larry Fisherman) y Staples lanzaron un mixtape titulado "Stolen Youth". El mixtape cuenta con apariciones especiales de Miller, Ab-Soul, Schoolboy Q, Da $ H, Hardo y el co-miembro de "Cutthroat Boyz" de Staples, Joey Fatts. Tras el lanzamiento de "Stolen Youth", realizó una gira como telonero en la gira "Space Migration Tour" de Miller. Después de hacer tres apariciones en el álbum de estudio debut de Earl, Doris, incluido el single "Hive", firmó con el sello discográfico de hip hop Def Jam Recordings (mejor dicho, el sello ARTium, de Ernest Dion Wilson..."Def Jam" haría la distribución). Su álbum debut se publicó en 2015 titulado "Summmertime ´06", y desde entonces ha publicado dos discos más...

La discografía de álbumes de estudio de Vince Staple, hasta ahora:

  • Summertime '06 (2015)
  • Big Fish Theory (2017)
  • FM! (2018)

Vince Staples es un artista hip hop atípico. Gestiona un equilibrio entre su parte más "de la calle" y un sentido de profesionalidad como músico y persona. Ha declarado que nunca ha bebido alcohol ni consumido drogas ilícitas y que sigue un estilo de vida sencillo. Staples siempre ha sido franco con respecto a su participación en las pandillas durante su infancia y está involucrado en hablar con los jóvenes de su comunidad sobre los peligros del estilo de vida de las drogas y la delincuencia. Persona involucrado con su comunidad, se aleja de "malas influencias" para canalizar sus "malas experiencias" de joven vía su música. 

Cualquiera de sus tres álbumes son para recomendar, quizás "Big Fish Theory" es el más coherente y equilibrado, es fantástico. No obstante, me tira algo más su debut de 2015, "Summertime ´06", quizás por ser el primero y yo experimentar esa sensación de estar descubriendo algo muy especial, aparte la producción que es la bomba. El álbum no es perfecto, es demasiado largo, pero lo bueno es muy, muy bueno.

ALBUM: Summertime '06


Es un álbum doble de estudio (debut) publicado 30 de junio de 2015. El álbum fue producido principalmente por No I.D., junto con una variedad de productores de alto perfil, incluidos DJ Dahi, Clams Casino, Brian Kidd, Christian Rich y Mikky Ekko. Se lanzaron de este álbum tres singles: "Señorita", "Get Paid" y "Norf Norf".

ALBUM: portada "Summertime '06" del músico VINCE STAPLES

Summertime '06 es consistentemente atmosférico: es oscuro, algo siniestro y melancólico durante la totalidad de su tiempo de ejecución de sesenta minutos. La cohesión sonora de los instrumentales se puede atribuir a la producción de "No I.D.", quien tocó casi todos los ritmos del álbum, y los únicos que no tocó fueron de los productores "Clams Casino" y "DJ Dahi". Juntos crean una atmósfera palpable de peligro, una cuerda floja por la que Vince Staple ha caminado toda su vida, equilibrando un propósito furioso y una introspección fría y despreocupada, según la situación. Es casi un relato autobiográfico.

El álbum está dividido en dos partes: disco 1 " - Summertime" y disco 2 - "06", algo novedoso y llamativo en su momento y dentro de su género. Sin embargo, peca de ser demasiado largo, todo lo impactante y asombroso está en el disc #1. Si, hay temas buenos en el #2, pero todo lo que haya que decir o enfatizar ya se ha presentado previamente. No obstante, no es un problema, es un efecto colateral de muchos doble álbumes, quieres incluir tanto material que te pasas de frenada.

Otro aspecto que me gusta de este disco es la manera que los productores arropan a la composición y rap de Vince Staple con la "imagen ideal" de la calle. No es ningún secreto que el Hip Hop va dirigido a un público donde la "cultura gangster" es casi adorada (idolatrada) gracias a la forma en que lo proyecta los medios de comunicación. Ser un éxito, un hit comercial, tienen que satisfacer este público y sus percepciones, y Vince Staple se proyecta como un "malote" misterioso, elusivo y oscuro que ni es o deja de ser un "callejero de East Los Ángeles". Esa ambigüedad es lo que hace este álbum tan bueno y tan atractivo. 

Además hay una historia (quizás una leyenda) que la portada es una referencia a "Unknown Pleasures" de Joy Division. Si es el caso, y porque no puede serlo, también ilustra la cultura musical y aceptación de diferentes estilos de Vince Staple. Buen gusto.

Los momentos destacables del álbum para mi son los temas: "Lift Me Up", "Birds & Bees", Norf Norf, Señorita, Summertime, 3230, Like It …aunque hay para todo los gustos.

Un disco recomendado. Uno de esos álbumes para tomarse el tiempo para digerir y poder apreciar todo lo que ofrece en letra, sonidos y producción. Las cosas mejoran para Staples después de este álbum, los dos siguientes son igualmente de buenos, sino mejores. Este es un gran álbum de Hip Hop donde ha ganado su sitio entre los mejores y que anuncia la aparición de un magnífico artista que aún tiene mucho que decir y darnos.

Video del tema "Lift Me Up":

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Tracklist:

Disc 1: Summertime

1.         "Ramona Park Legend, Pt. 1" 0:36
2.         "Lift Me Up"    4:31
3.         "Norf Norf"      3:03
4.         "Birds & Bees" (featuring Daley) 2:41
5.         "Loca"             2:41
6.         "Lemme Know" (featuring Jhené Aiko and DJ Dahi)    3:41
7.         "Dopeman" (featuring Joey Fatts and Kilo Kish)          1:53
8.         "Jump Off the Roof" (featuring Snoh Aalegra)  3:44
9.         "Señorita"                    3:07
10.       "Summertime"              4:19

Disc 2: '06

1.         "Ramona Park Legend, Pt. 2"              1:27
2.         "3230" 2:52
3.         "Surf" (featuring Kilo Kish) 2:31
4.         "Might Be Wrong" (featuring Haneef Talib aka GeNNo and eeeeeeee) 3:59
5.         "Get Paid" (featuring Desi Mo) 3:12
6.         "Street Punks" 3:06
7.         "Hang N' Bang" (featuring Aston Matthews)    2:06
8.         "C.N.B."          4:13
9.         "Like It Is"       4:36
10.       "'06"     0:47