ENGLISH TEACHER - This Could Be Texas - Album

La música alternativa del Reino Unido está repleta de nuevos talentos (Dry Cleaning, Squid, IDLES y Black Country, New Road son algunos ejemplos) ahora otro más con la siguiente incorporación. Un colectivo talentoso que se hace llamar "ENGLISH TEACHER" se sitúa ligeramente por delante de la mayoría. Su disco debut, "This Could Be Texas", tiene una química sincera que marca un trabajo impresionante y potente.

Su intensidad, inspirada en la dificultad que es la vida, complementada con rayos de desamor y algo de calidez, hace que "This Must Be Texas" sea una pieza edificante y torturada que aprovecha al máximo su sentimiento autobiográfico.

Me he sentido desconcertado y sorprendido con este álbum y deseo recomendarlo a los melómanos lectores de este blog de música.

 

¿Quiénes son la banda "English Teacher"?

Grupo británico relativamente nuevo de la ciudad de Leeds, que se formó en el año 2020. Están formados por la vocalista Lily Fontaine, el guitarrista Lewis Whiting, el baterista Douglas Frost y el bajista Nicholas Eden. Han lanzado su primer disco de estudio "This Could Be Texas".

ALBUM: This Could Be Texas

 
El estudio debut del grupo británico "English Teacher", publicado el 12 de abril de 2024. Es producido por Marta Salogni (aquí hay algunos nombres con los que Salogni ha trabajado: Björk, Depeche Mode, Romy, Groove Armada, Animal Collective, Black Midi, Bar Italia, Daniel Avery...por mencionar algunos).

Esta oferta discográfica combina indie-prog, rock, folk electrónica y post-punk en un sonido expansivo. Para mí hay algunas influencias claras del post-punk, "Black Country, New Road" y "Radiohead", pero mencionar algunas.

Lily Fontaine destaca con letras inspiradas y contundentes. Como destaca la canción "The World 's Biggest Paving Slab" con su condena a quienes caminan entre las personas. Pero este corte tiene una de mis únicas críticas, el porqué del peculiar uso del autotune. Una pequeña mancha en una gran canción y sobre el álbum. Quizás la productora Salogni tenía que haber estado más atenta.

No obstante, los puntos fuertes son las canciones "R & B" y "Nearly Daffodils" que muestran lo mejor de esta banda. Si bien "R & B" puede ser una de las canciones que suenan más convencionales en un sentido musical, es la canción donde la personalidad de Fontaine más sale a la luz con letras cortantes y un crescendo que impresiona. Mientras que "Nearly Daffodils" utiliza letras inteligentes y poéticas para contar una cola agridulce de potencial no realizado, todo ello vestido con una melodía e instrumentación original.

Video del tema "Nearly Daffodils" Live WFUV):

Como la mayoría de las otras bandas recientes del post-punk, "English Teacher" captura una dualidad de sentimientos muy moderna; alternando entre furia y resignación. En un momento están cantando sobre un retrato devastador de la austeridad británica en “Broken Biscuits”, y al siguiente, la cantante Lily Fontaine confiesa su falta de rumbo en “Mastermind Specialism”. Pero la banda también es valiente y no tiene miedo de mostrar sus opiniones y, lo más importante, su música. Fontaine, cuyas letras se basan en su experiencia de crecer como una joven de color en la Gran Bretaña conservadora, demuestra una apreciación de lo personal como político e imbuye a su música de una clara amabilidad. Si bien, hay un gran despliegue de referencias culturales de la banda, desde "Doctor Who" hasta el actor "Lee Ingleby" y las "Pendle Witches", que se lee como un intento adicional de establecer una identidad, esta vez a través de comparaciones y obsesiones familiares con las que los jóvenes (público) pueden identificarse.

Los demás miembros están igual de bien. Los instrumentos complementan la letra a la perfección, con toques de guitarras tintineantes de estilo "The Smith" en "I'm Not Crying, You're Crying" y un piano que suena como "Radiohead" en el número de apertura "Albatross". De hecho, los instrumentos de todo el álbum son una agradable escucha melódica en los oídos.

En resumen, "This Could Be Texas" es una tarjeta de presentación impresionante de "English Teacher". El dinamismo que se ofrece es atractivo y está impulsado por la indecisión existencial, las relaciones fallidas y las narrativas de impotencia. Cuándo "English Teacher" alcanza su máxima velocidad, este es un álbum debut muy especial.

Disco recomendado

 
Gran álbum, aunque de ninguna manera revolucionario, "This Could Be Texas" no está exento de defectos, pero es un debut emocionante y prometedor para una nueva banda enérgica que merece toda nuestra atención. No espero más que grandes cosas de ellos en el futuro.

Por ahora, este álbum me parece uno de los mejores de este año.

Termino diciendo que vale la pena escucharlo, especialmente si te gusta "Black Country, New Road" y bandas similares.

Video del tema "R&B":

Tracklist:

1.         "Albatross"     3:14
2.         "The World's Biggest Paving Slab"   3:06
3.         "Broken Biscuits"       4:07
4.         "I'm Not Crying, You're Crying"       3:48
5.         "Mastermind Specialism"       4:41
6.         "This Could Be Texas"           4:48
7.         "Not Everybody Gets to Go to Space"         4:01
8.         "R&B" 2:48
9.         "Nearly Daffodils"     3:46
10.       "The Best Tears of Your Life"           3:28
11.       "You Blister My Paint"          3:57
12.       "Sideboob"     4:01
13.       "Albert Road" 4:40

Ficha (músicos):

•  Nicholas Eden - bajo (todas las pistas), piano (pista 13)
• Lily Fontaine – voz, sintetizador (todas las pistas); piano (pistas 2, 12, 13)
• Douglas Frost: batería, percusión, sintetizador (todas las pistas); piano (1, 3-13)
• Lewis Whiting: guitarra (todas las pistas), percusión (pistas 1, 3 a 13); programación, sintetizador (7); piano (13)

Colaboradores adicionales:

• Marta Salogni – producción, mezcla, programación
• Carlo Salogni - saxofón (pista 3)

DEVO - Freedom of Choice - Album

A veces, la mejor estrategia para comunicar (expresar) una crítica a los "poderes existentes" y del "pensamiento" dominante de la sociedad es a través del humor, y si eso se puede combinar con la música, aún mejor. El grupo americano "DEVO" lo hizo bien, y quiero destacar en este blog de música uno de sus discos que es particularmente bueno en hacer todo esto, "Freedom of Choice".

 

¿Quiénes son la banda DEVO?

 

Grupo estadounidense de música new wave de Akron, Ohio, formada en 1973. Su alineación clásica estaba formada por dos grupos de hermanos, los Mothersbaughs (Mark y Bob) y los Casales (Gerald y Bob), junto con Alan Myers.

La música y la presentación visual de DEVO (incluidos espectáculos teatrales y vestuario) tocaron temas kitsch de ciencia ficción, humor surrealista y comentarios sociales mordazmente satíricos. Sus primeros trabajos están marcados por el art punk experimental y disonante que fusionaba la música rock con la electrónica.

Su producción a finales de la década de 1980 abrazó más el synth-pop y el "mainstream", con un estilo menos conceptual, aunque el humor satírico y peculiar de la banda permaneció intacto. Su música demostró ser influyente en los movimientos posteriores, particularmente en los artistas de rock alternativo, industrial y de new wave.

El disco debut de la banda de 1978 "Q: Are We Not Men?A: We Are Devo!" es mi favorito. Sin embargo, se acerca mucho su tercer LP, "Freedom of Choice".

 

ALBUM: Freedom of Choice

 
Es el tercer trabajo de estudio de la banda estadounidense de new wave "DEVO" publicado el 14 de mayo de 1980. El álbum contiene su mayor éxito, "Whip It!", un éxito en las listas de radio, videos y ventas. Otras canciones también destacadas son "Girl U Want", "Freedom of Choice" y "Gates of Steel".

Este LP destaca la transición a un grupo de synth-pop de pleno derecho, produciendo posiblemente su obra más cohesiva musicalmente. Los sintetizadores están completamente integrados en el sonido de la banda, frecuentemente dominan los arreglos y al menos comparten el mismo tiempo con las guitarras. DEVO recluta al legendario productor de soul y funk, Robert Margouleff (que se hizo famoso por su trabajo con "Stevie Wonder"). Este fue uno de esos raros álbumes que irrumpieron en el "mainstream" y atrajeron al mundo del arte. Sin mencionar que empoderó a los "nerds" de todo el mundo.

Todo se realiza con una precisión fresca y pulida que refleja la uniformidad estilizada de las imágenes satíricas de la banda; la disonancia es más tenue que en el pasado, y los ritmos tensos ya no son discordantes, sino que bloquean a la banda en un flujo rígidamente uniforme.

También encontrarás en este álbum la estética distintiva de DEVO, caracterizada por sus característicos sombreros de cúpula de energía rojos y sus imágenes deconstruidas, que sirve como contraparte visual de su música. Es un recordatorio de que DEVO no es sólo una banda, sino un proyecto de arte multimedia que desafía las nociones preconcebidas.

Para mí, "Freedom of Choice" ayudó a llevar la música popular a otro nivel, mostrando que la música electrónica podía combinarse con las guitarras para producir algo completamente nuevo. Un álbum atemporal, pegadizo, retorcido y divertido. Dicho de otro modo, es un gran trabajo de art rock inteligente. DEVO hace ingeniosos intentos de "devolución" social con interesantes críticas y comentarios sociales. La mayoría de estas "críticas" pueden haber pasado desapercibidas para muchos oyentes, como lo hicieron los bufones medievales de la corte que camuflaban sus agudas observaciones bajo la apariencia del ridículo.

 

Legado:

 
El legado de "Freedom of Choice" de DEVO es multifacético y de gran alcance, y se extiende más allá de su lanzamiento inicial en 1980 para influir en las generaciones posteriores de músicos, artistas y movimientos culturales.

•  Pioneros en el Synth-Pop y la New Wave: "Freedom of Choice" jugó un papel fundamental en la configuración del sonido del synth-pop y la música new wave de los años 80. El uso innovador de sintetizadores y efectos electrónicos por parte de DEVO ayudó a allanar el camino para bandas como Depeche Mode, New Order y The Human League.

• Innovación artística: "Freedom of Choice" mostró el enfoque intrépido de DEVO hacia la experimentación y la superación de límites. Al combinar elementos de punk rock, new wave y música electrónica, el álbum desafió las nociones convencionales de cómo podría sonar la música pop, allanando el camino para una nueva ola de artistas alternativos y underground.

• Comentario social: la letra de "Freedom of Choice" ofrece comentarios incisivos sobre la cultura del consumo, la conformidad y los efectos deshumanizadores de la tecnología. Su visión satírica de los problemas sociales resonó en el público de entonces y continúa resonando hoy, destacando la perdurable relevancia del álbum.

• Estética visual: las imágenes icónicas, como sus sombreros rojos con forma de cúpula energética y los visuales deconstruidos, son sinónimos de la identidad de la banda. La estética visual de "Freedom of Choice" contribuyó al impacto del álbum y ayudó a establecer a DEVO como pioneros del arte y la performance multimedia.

 

Disco recomendado

Escucha esto si aún no lo has hecho. Hay que disfrutar y admirar este álbum, aunque sólo sea por el hecho de que ofrece doce canciones divertidas, todas ellas realmente fáciles de escuchar.

Luego, una vez experimentado, busca y escucha su disco debut "Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!", mi favorito personal de DEVO.

Video del tema "Whip It!":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Girl U Want"            2:55
2.         "It's Not Right"          2:20
3.         "Whip It"                    2:37
4.         "Snowball"                 2:28
5.         "Ton o' Luv"               2:29
6.         "Freedom of Choice" 3:28 

Cara B:

1.         "Gates of Steel"          3:26
2.         "Cold War"                 2:30
3.         "Don't You Know"    2:14
4.         "That's Pep!"               2:17
5.         "Mr. B's Ballroom"     2:45
6.         "Planet Earth"             2:45

Devo (músicos):

•  Mark Mothersbaugh – vocals, keyboards, guitar
• Gerald Casale – vocals, bass guitar, keyboards
• Bob Mothersbaugh – lead guitar, vocals
• Bob Casale – rhythm guitar, keyboards, vocals
• Alan Myers – drums 

Technical:

Devo – producción.

Video del tema "Freedom of Choice":

SMOG - Knock Knock - Album

Post dedicada a Bill Callahan, bajo el nombre SMOG. Quiero recomendar a los melómanos su disco "Knock Knock".

 

¿Quién era la banda SMOG?

 
Pioneros de la revolución lo-fi, "Smog" era el alias del músico Bill Callahan, un cantante y compositor que personificó claramente los principios y excesos del boom de las grabaciones caseras. Melancólica, conmovedora y obsesionada consigo misma, la producción de cuatro pistas de Bill Callahan ofrecía una visión de un mundo insular de alienación y agitación interior; sus canciones dolorosamente íntimas exhiben recuerdos de la infancia, relaciones fallidas, fetiches extraños y esperanzas frustradas.

ALBUM: Knock Knock

Es el séptimo álbum de estudio de Bill Callahan, lanzado bajo su alias "Smog". Fue publicado originalmente en enero de 1999. "Knock Knock" es quizás el mejor lugar para comenzar cualquier colección de "Smog". Contiene algunas de las canciones más fuertes de Bill Callahan y su más amplia variedad de música en un solo álbum: krautrock, folk-rock, metal y ritmos con coros de niños. La portada del álbum de "Tiger (Cat) and Lightning" evoca la música: absurda, surrealista, llamativa y, lo que es más importante, memorable.

Este disco demuestra ser la colección de canciones más sutiles de Bill Callahan. Uno de los grandes logros del álbum es su tono optimista. Es un álbum conmovedor en muchos niveles; las canciones no sólo tienen la intimidad emocional habitual de "Smog", sino que sus sujetos se alejan de situaciones difíciles y claustrofóbicas hacia la madurez y la aceptación.

Canciones como "Let 's Move to the Country" y "I Could Drive Forever" tratan sobre cómo escapar. A medida que el álbum recorre los espacios emocionales entre las personas, el propio Callahan parece más alejado de estas canciones; más que nunca, sus canciones parecen más cuentos que entradas de diario, particularmente en "River Guard" y en "Sweet Treat". Los cortes "Cold Blooded Old Times" y la maravillosa "Teenage Spaceship" capturan la incomodidad de la juventud, mientras que "Left Only With Love" acepta con calma la partida de un amante.

Musicalmente, es muy folk con un sonido fluido, recuerda a Lou Reed, pero agrega giros como loops de batería, guitarras eléctricas y, si un coro de niños. "Hit the Ground Running" combina los tres elementos, impulsados por guitarras ondulantes y acentuados con cuerdas, con el coro de niños. Los loops de batería, guitarra y retroalimentación de "Held" adoptan un enfoque de collage para un sonido de rock clásico; junto con ""Cold Blooded Old Times" y "No Dancing".

Disco recomendado

Con el paso del tiempo, "Knock Knock" se revela como quizás el mejor álbum de Smog. Es extraño, desconcertante pero también muy conmovedor y, además, querrás repetirlo una y otra vez.

Busca este álbum si no estás familiarizado o con "Smog".

Video del tema "Teenage Spaceship":

Tracklist:

1.         "Let's Move to the Country"  3:05
2.         "Held" 4:02
3.         "River Guard" 6:22
4.         "No Dancing" 3:00
5.         "Teenage Spaceship"  3:58
6.         "Cold Blooded Old Times"   4:14
7.         "Sweet Treat" 2:59
8.         "Hit the Ground Running"     6:56
9.         "I Could Drive Forever"        5:15
10.       "Left Only with Love"           2:52

STILL HOUSE PLANTS - If I Don't Make It, I Love U - Album

Un post dedicado a una joven banda de Glasgow, STILL HOUSE PLANTS, y su tercer disco "If I Don't Make It, I Love U". El grupo es la comidilla del circuito de rock underground británico y ha conquistado a la crítica.

 

¿Quiénes son el grupo Still House Plants?

 
Una banda de Glasgow formada por David Kennedy, Finlay Clark y Jessica Hickie-Kallenbach. Tocan improvisando con influencias de jazz, math rock y experimentación. Sin embargo no aplican reglas y puedes encontrar media docena de otros géneros experimentales. Habiéndose establecido con el brebaje singular mencionado y combinando la improvisación con voces emotivas y vertiginosas, "Still House Plants" se ha convertido en un elemento fijo del underground y en una de las bandas de las que más se habla en el Reino Unido.

 

ALBUM: If I Don't Make It, I Love U

 
El tercer álbum de estudio de la banda de rock británica "Still House Plants", publicado el 12 de abril de 2024. El trío, formado en la Escuela de Arte de Glasgow, está sellando un lugar en el rock alternativo. Impulsado por el canto de Jessica Hickie-Kallenbach, el trío británico explora el jazz y los detalles del math-rock. Sin embargo, hay más: improvisación libre, neo-soul, slowcore, post-rock y hip-hop. Pero se libran de las comparaciones trabajando con una configuración de voz, batería y guitarra simple y en su mayoría sin adornos.

"If I Don't Make It, I Love U", es un álbum singular, probablemente no haya nada igual en este momento. No es una escucha fácil con su ruido repetitivo - molesto a veces - donde con un poco de paciencia, poco a poco te agrada. El sonido del álbum está inspirado en la repetición de la música de club, el R & B, los patrones de percusión del jazz y el espíritu de invención.

Encuentras sonidos de guitarras, baterías y voces, chocando entre sí y alrededor de ellas, motas de acordes centelleantes deformándose y doblándose en tiempo real. El canto de Jessica Hickie-Kallenbach es a la vez técnico de contralto de jazz e incómodo. El principio más esencial de la filosofía musical de "Still House Plants" es que ningún miembro individual tiene un papel designado. Pueden tocar un instrumento específico, pero no sucumben a las estrategias típicas de composición.

El ruidoso sonido metálico de la guitarra es lo que impulsa las canciones, y la postproducción desdibuja la línea entre la utilidad de cada instrumento; hay pasajes en los que la melodía de la guitarra refleja la voz de Hickie-Kallenbach, como si los dos compartieran un dúo, pero luego asume un papel de percusión junto con la batería.

En resumen, "If I Don't Make It, I Love U" es un álbum poderoso y cargado de emociones que muestra la combinación única de art-rock, improvisación y energía cruda de "Still House Plants". El título del álbum y la portada reflejan el compromiso de la banda de expresar sus sentimientos a través de su música, mientras que la producción equilibra el estilo experimental de la banda con un enfoque más deliberado y caótico. El resultado es una escucha diversa que seguramente resonará en aquellos que buscan algo innovador.

 

Disco recomendado

 
"If I Don't Make It, I Love U" impresiona con el sonido de una banda solidificándose y avanzando hacia algo genuinamente suyo. Un buen trabajo. Sin embargo, no es para todos, el álbum puede cansarte, adolece de una fuerte tendencia repetitiva que puede ser molesto. Pero es este ruido hipnótico (fuera de lo cómodo) que revienta el cerebro lo que eventualmente te conquista.

Resumen, si buscas algo poco convencional, único, innovador, incómodo pero llamativo y valiente, este es tu álbum y tu nueva banda.

Video del tema "No Sleep Deep Risk":

Tracklist:

1.         "M M M"        5:46
2.         "Pant"  2:29
3.         "Sticky"          4:20
4.         "More Boy"    3:47
5.         "Probably"      3:13
6.         "3scr3w3"       3:47
7.         "Silver Grit Passes Thru My Teeth"   5:22
8.         "Headlight"     3:42
9.         "No Sleep Deep Risk"            4:13
10.       "Pushed"         3:08
11.       "More More Faster"    6:17

Still House Plants (músicos):

•  Jessica Hickie-Kallenbach - voz
• Finlay Clark - guitarra
• David Kennedy - batería

STEREOLAB - Switched On Volumes 1-5 - Box Set

De vez en cuando sale algo que es realmente especial. Los fans del grupo de avant-pop anglo-francés "Stereolab" estarán de enhorabuena, ya que el material menos conocido y los cortes especiales del grupo ya están disponibles en "Switched On Volumes 1-5". Una caja (box set) de antología que recopila los cinco volúmenes de la serie Stereolab Switched On.

Esta caja ofrece una inmersión profunda en el material de "Stereolab". Las pistas han sido meticulosamente remasterizadas, brindando a los oyentes una nueva perspectiva del viaje musical de la banda. La colección se presenta en una robusta caja con estampado de bloques de aluminio, que añade valor y elegancia a la presentación.

 

ALBUM: Switched On Volumes 1-5

Publicado el 29 de marzo de 2024. Un box-set de antología que compila los cinco volúmenes de la serie "Stereolab Switched On": 94 temas que no pertenecen a álbumes y otros números muy buscados. Incluye el LP recopilatorio original "Switched On" lanzado en 1992, "Refried Ectoplasm" [Switched On Volume 2] de 1995, "Aluminium Tunes" [Switched On Volume 3] de 1998, "Electrically Possessed" [Switched On Volume 4] de 2021 y "Pulse Of The Early Brain" [Switched] de 2022. En el volumen 5]. Todas las canciones han sido remasterizadas a partir de las cintas originales y supervisadas por Tim Gane.

Por lo tanto, para los fans de "Stereolab", esto es un sueño hecho realidad: todos los sencillos y rarezas de la banda que rastrean la evolución de la banda desde sus primeros drone-pop días hasta los sofisticados sonidos experimentales que produjeron a fines de la década de 2000 están todos en un sitio.

También es una excelente propuesta para comenzar si deseas conocer "Stereolab". Switched On reúne canciones del período inicial del grupo, con "Super-Electric" y "Au Grand Jour", destacando su sonido característico. "Doubt" y "Brittle" se encuentran entre sus canciones pop más vibrantes, mientras que "Contact" de ocho minutos es una ventana a canciones épicas que pronto dominaron. "Refried Ectoplasm", vol. 2 incluye algunas canciones clave de principios de los 90, como "Lo Boob Oscillator", "French Disko" y "John Cage Bubblegum".

Video del tema "Contact":

"Aluminium Tunes", vol. 3 muestra sonidos innovadores, con influencias de jazz y electrónica. También incluye el EP "Music for the Amorphous Body Center" de 1995, una obra compuesta para una instalación del artista visual Charles Long que presagia los intrincados experimentos que pronto aparecieron en los álbumes posteriores de Stereolab.

Abarcando lanzamientos de 1999 a 2008, "Electrically Possessed": vol. 4 cubre casi la mitad de la carrera del grupo, pero capta el sabor de su época tan completamente como los otros volúmenes de la serie.

Aunque los trabajos que Stereolab reunió en "Pulse of the Early Brain": vol. 5 no es tan fuerte como los otros volúmenes, incluye algo de la música más buscada de la banda. El principal de ellos es el EP "Low Fi" de septiembre de 1992, el primer lanzamiento que presenta a la vocalista y teclista Mary Hansen y al baterista Andy Ramsay. Ambos dejan su huella en la canción "Laisser-Faire" cuando la interacción vocal de Laetitia Sadier y Hansen y los teclados y guitarras borrosos alcanzan su cresta y chocan sobre la batería de Ramsay. La colaboración de Nurse with Wound de 1997, "Simple Headphone Mind", es una joya que transforma el sencillo "The Long Hair of Death" en un motorik eufórico y psicodélico.

Resumiendo, "Switched On Volumes 1-5" de Stereolab es un tesoro que ofrece un rico tapiz de sonidos que resaltan la combinación única de música alternativa e indie de "Stereolab".

 

Disco recomendado

Dado que "Stereolab" lanzó tanta música, cada colección de Switched On es una escucha esencial para los fans; tomados en conjunto en Switched On, Vols. 1-5, hacen una historia alternativa fascinante y gratificante de la carrera de la banda. Por lo tanto, esta caja es casi imprescindible para cualquier persona interesada en explorar el panorama musical diverso e innovador de Stereolab.

Video del tema "Simple Headphone Mind":

Tracklist:

DISK 1

SWITCHED ON

CD01 - 1 Super Electric
CD01 - 2 Doubt
CD01 - 3 Au Grand Jour’
CD01 - 4 The Way Will Be Opening
CD01 - 5 Brittle
CD01 - 6 Contact
CD01 - 7 Au Grand Jour
CD01 - 8 High Expectation
CD01 - 9 The Light That Will Cease To Fail
CD01 - 10 Changer

DISK 2

REFRIED ECTOPLASM [SWITCHED ON VOLUME 2]

CD02 - 01 Harmonium
CD02 - 02 Lo Boob Oscillator
CD02 - 03 Mountain
CD02 - 04 Revox
CD02 - 05 French Disko
CD02 - 06 Exploding Head Movie
CD02 - 07 Eloge D’eros
CD02 - 08 Tone Burst [Country]
CD02 - 09 "Animal Or Vegetable [A Wonderful Wooden Reason...]"
CD02 - 10 John Cage Bubblegum
CD02 - 11 Sadistic
CD02 - 12 Farfisa
CD02 - 13 Tempter

DISK 3

ALUMINUM TUNES [SWITCHED ON VOLUME 3] - PART ONE

CD03 - 01 Pop Quiz
CD03 - 02 The Extension Trip
CD03 - 02 How To Play Your Internal Organs Overnight
CD03 - 03 The Brush Descends The Length
CD03 - 03 Melochord Seventy-Five
CD03 - 04 Space Moment
CD03 - 04 Iron Man
CD03 - 05 The Long Hair Of Death
CD03 - 05 You Used To Call Me Sadness
CD03 - 06 New Orthophony
CD03 - 06 Speedy Car
CD03 - 07 Golden Atoms
CD03 - 07 Ulan Bator
CD03 - 08 One Small Step

DISK 4

ALUMINUM TUNES [SWITCHED ON VOLUME 3] - PART TWO

CD04 - 01 One Note Samba / Surfboard
CD04 - 02 Cadriopo
CD04 - 03 Klang Tone
CD04 - 04 Get Carter -
CD04 - 05 1000 Miles An Hour
CD04 - 06 Percolations [John Mcentire Remix]
CD04 - 07 Seeperbold
CD04 - 08 Check And Double Check
CD04 - 09 Munich Madness
CD04 - 10 Metronomic Underground [Wagon Christ Mix]
CD04 - 11 The Incredible He Woman

DISK 5

ELECTRICALLY POSSESSED [SWITCHED ON VOLUME 4] - PART ONE

CD05 - 01 Outer Bongolia
CD05 - 02 Intervals
CD05 - 03 Barock-Plastic
CD05 - 04 Nomus Et Phusis
CD05 - 05 I Feel The Air {Of Another Planet}
CD05 - 06 Household Names
CD05 - 07 Retrograde Mirror Form
CD05 - 08 Solar Throw-Away [Original version]
CD05 - 09 Pandora's Box Of Worms
CD05 - 10 L'exotisme Interieur

DISK 6

ELECTRICALLY POSSESSED [SWITCHED ON VOLUME 4] - PART TWO

CD06 - 01 The Super-It
CD06 - 02 Jump Drive Shut-Out
CD06 - 03 Explosante Fixe
CD06 - 04 Fried Monkey Eggs [Instrumental version]
CD06 - 05 Monkey Jelly
CD06 - 06 B.U.A
CD06 - 07 Free Witch and No Bra Queen
CD06 - 08 Heavy Denim Loop Pt 2
CD06 - 09 Variation One
CD06 - 10 Monkey Jelly [Beats]
CD06 - 11 Dimension M2
CD06 - 12 Solar Throw-Away
CD06 - 13 Calimero
CD06 - 14 Fried Monkey Eggs [Vocal]
CD06 - 15 Speck Voice

DISK 7

PULSE OF THE EARLY BRAIN [SWITCHED ON VOLUME 5] - PART ONE

CD07 - 01 Simple Headphone Mind
CD07 - 02 Trippin' With The Birds
CD07 - 03 Low Fi
CD07 - 04 [Varoom!]
CD07 - 05 Laisser-Faire
CD07 - 06 Elektro [he held the world in his iron grip]

DISK 8

PULSE OF THE EARLY BRAIN [SWITCHED ON VOLUME 5] - PART TWO

CD08 - 01 Robot Riot
CD08 - 02 Spool Of Collusion
CD08 - 03 Symbolic Logic Of Now!
CD08 - 04 Forensic Itch
CD08 - 05 Ronco Symphony [Demo]
CD08 - 06 ABC
CD08 - 07 Magne-Music
CD08 - 08 Blaue Milch
CD08 - 09 Yes Sir! I Can Moogie
CD08 - 10 Plastic Mile [Original Version]
CD08 - 11 Refractions In The Plastic Pulse [Feebate Mix] - Autechre Remix
CD08 - 12 Unity Purity Occasional
CD08 - 13 The Nth Degrees
CD08 - 14 XXXOOO
CD08 - 15 Cybele’s Reverie [Live at the Hollywood Bowl]

JOHN LEE HOOKER - That´s My Story - Album

Aunque el bluesman John Lee Hooker es más recordado como uno de los gigantes del blues eléctrico, tiene algunos trabajos acústicos destacados que ofrecen un estilo de blues más crudo, orgánico y en la línea de folk.

Uno de esos discos es "That 's My Story", obra que quiero recomendar a los lectores melómanos. Sin embargo, antes de hacerlo, será útil un breve "repaso" del músico, especialmente para el lector más joven.

¿Quién era el bluesman John Lee Hooker?

 
Cantante, compositor y guitarrista de blues estadounidense. Hijo de un aparcero, saltó a la fama interpretando una adaptación al estilo de guitarra eléctrica del blues Delta que desarrolló en Detroit. Influenciado por Blind Lemon Jefferson, Charley Patton y Blind Blake, Hooker también incorporó otros elementos, incluido el blues parlante y el blues de las colinas del norte de Mississippi. Desarrolló su sonido único de estilo boogie con ritmo de conducción, lo que le llevó al lema "rey del boogie sin fin". Sus ritmos monótonos, hipnóticos y de un solo acorde eran impulsivos, primitivos y ahora son atemporales.

Algunas de sus canciones más conocidas incluyen "Boogie Chillen'" (1948), "Crawling King Snake" (1949), "Boom Boom" (1962) y "One Bourbon, One Scotch, One Beer" (1966). John Lee Hooker fue incluido en el "Salón de la Fama del Blues" en 1980 y en el "Salón de la Fama del Rock and Roll" en 1991.

Según la lista de 2015 de los 100 mejores guitarristas de la revista de música estadounidense "Rolling Stone", Hooker ocupó el puesto 35.

John Lee Hooker murió el 21 de junio de 2001, y para entonces su estatura como icono cultural estadounidense estaba firmemente establecida.

 

ALBUM: That's My Story

 
Grabación del músico de blues estadounidense John Lee Hooker, publicada en 1960 por "Riverside Records". El álbum fue grabado en una sola sesión el 9 de febrero de 1960 y fue producido por Orrin Keepnews (conocido también por su trabajo en LPs de jazz) y con la sección rítmica del grupo del saxofonista "Cannonball Adderley", que incluía al bajista Sam Jones y al baterista Louis Hayes.

La presencia del productor Orruns Keepnews tiene un impacto directo sobre este LP. Tenía una visión de country blues acústico para Hooker, y que "That 's My Story" tendría un enfoque crudo y sencillo; sin guitarra eléctrica, sin distorsión y sin singles dirigidos a oyentes de rock n roll.

Desde temas aleccionadores como "Gonna Use My Rod" hasta el estilo gospel "One of These Days", las actuaciones de Hooker son de nivel. Como ya se menciona, la mayor parte del tiempo, lo acompañan dos destacados músicos de jazz, el bajista acústico Sam Jones y el baterista Louis Hayes, ambos parte del legendario grupo de músicos de jazz "Cannonball Adderley". Dicho esto, el bluesman no está acompañado por dichos músicos en algunas canciones, incluida la canción autobiográfica que da título al álbum y el tema político "Democrat Man".

La forma de tocar la guitarra y la voz de John Lee Hooker se caracterizan por la repetición y la intensidad, creando un sonido que está profundamente arraigado en el ritmo. Su estilo es una transposición del anterior estilo de piano boogie-woogie a la guitarra, creando un tipo de blues minimalista que a veces resulta hipnótico.

En resumen, "That 's My Story" es una oferta minimalista y sin grandes sorpresas, relacionada con el "credo de vida" de John Lee Hooker. Es una representación honesta y realista de las experiencias del músico de blues, centrándose en su narración personal más que en las exigencias comerciales.

Disco recomendado

Si bien "That 's My Story" no llega a ser un LP de esos "esenciales", es un álbum sólido y gratificante. Podría haber elegido media docena de otros títulos, más eléctricos y más orientados al rock n roll, pero elegí este para presentar otro aspecto del talento de John Lee Hooker.

Si eres fans del blues o simplemente un seguidor de la gran "narración" del blues acústico, esto es genial. Cualquiera que desee conocer al bluesman encontrará que este es un excelente punto de partida, antes de lanzarse al material más electrizante.

Video del tema "I Need Some Money":

Tracklist:

1."I Need Some Money" – 2:25
2."Come on and See About Me" – 3:06
3."I'm Wanderin'" – 5:12
4."Democrat Man" – 3:27
5."I Want to Talk About You" – 3:02
6."Gonna Use My Rod" – 4:20
7."Wednesday Evenin' Blues" – 3:34
8."No More Doggin' " – 2:42
9."One of These Days" – 4:05
10."I Believe I'll Go Back Home" – 3:42
11."You're Leavin' Me, Baby" – 3:51
12."That's My Story" – 4:34

Musicians:

• John Lee Hooker – guitar, vocals
• Sam Jones – bass
• Louis Hayes – drums
  

Tecnicos:

Orrin Keepnews - producer,
Jack Higgins – sound engineer.

DR FEELGOOD - Down by the Jetty - Album

El lector veterano seguramente estará familiarizado con mi siguiente recomendación. Es con los melómanos más jóvenes que quiero llamar su atención sobre la banda británica "Dr.Feelgood" y su LP debut "Down by the Jetty". Simplemente un rock n roll brillante.

 

ALBUM: Down by the Jetty

 
El disco debut de la banda de rock inglesa "Dr. Feelgood", publicado en enero de 1975. El álbum fue reeditado como un CD doble en 2006 (masterizado en estéreo). "Down By The Jetty" es una interpretación casi perfecta de R & B, interpretada por una de las mejores bandas que jamás haya aparecido sobre un escenario.

Un primer álbum divertido y realmente bueno, grabado en mono, que luego fue transferido a CD con un sonido limpio, nítido y cercano que recuerda las texturas sonoras del primer álbum de los Rolling Stones, incluso cuando se cruzan espadas con el "enemigo" de los Stones y rivales de la época "The Animals", como muestra una soberbia versión del tema "Boom Boom" de John Lee Hooker.

Editado en medio de una presencia importante en un panorama radiofónico competitivo con bandas como Thin Lizzy, Blue Öyster Cult y Kansas, "Down by the Jetty" era tan refrescante y sencillo como el rock de "roots" más básico. El canto de Lee Brilleaux no tiene nada que rehuir a la voz de Eric Burdon y el guitarrista Wilko Johnson podía tocar temas de Jimmy Reed, Chuck Berry o Bo Diddley con igual (y aparentemente sin esfuerzo) virtuosismo.

Este disco fue (todavía es) uno de los grandes álbumes de rock & roll de los 70 (siglo xx). En su formato original 13 canciones: 9 originales, todas escritas por Wilko, y 4 versiones. De los originales, destacan "She Does It Right", "Roxette", "I Don't Mind", "Twenty Yards Behind", 2Keep It Out Of Sight" y "All Through The City". Las versiones revelan el las raíces obvias de la banda como demuestran "Boom Boom" de John Lee Hooker, "Oyeh" de The Dakotas (durante el período de Mick Green en la banda), la canción "Cheque Book" del guitarrista local de Southend Mickey Jupp y un popurrí de "Bonie Moronie" de Larry Wliiams y "Tequila" de Danny Flores, grabado en vivo en "Dingwalls" en Camden (Londres) y con la participación de Brinsley Schwarz y Bob Andrews. Este último fue una muestra de lo que podrían hacer "Dr. Feelgood" sobre el escenario.

 

Legado:

 
Los dioses del rock británico Paul Weller y Bob Geldof han reconocido la influencia de "Down by the Jetty", al igual que los grupos de punk estadounidenses Blondie, los Ramones y músico Richard Hell, quienes conocieron el álbum gracias al baterista de Blondie, Clem Burke.

 

Disco recomendado

 
Un fantástico álbum debut de los maestros del proto-punk/pub-rock que fueron "Dr Feelgood". Encapsula un momento en el tiempo que todavía suena fresco. Arreglos sencillos, una sección rítmica muy ajustada, la maravillosa guitarra de Wilko Johnson tomando un doble papel rítmico principal y Lee Brilleaux cantando poderosamente y tocando el arpa melodiosa creando un rock n' roll preciso y vanguardista. Sonidos vieja escuela  que todavía está lista para ser redescubierta por una generación más joven de rockeros. Hazte un favor y busca este disco.

Video del tema "I Don't Mind":

Tracklist (original):

1."She Does It Right" – 3:25
2."Boom Boom" (John Lee Hooker) – 2:45
3."The More I Give" – 3:27
4."Roxette" – 2:58
5."One Weekend" – 2:17
6."That Ain't the Way to Behave" – 3:58
7."I Don't Mind" – 2:37
8."Twenty Yards Behind" – 2:13
9."Keep It Out of Sight" – 3:02
10."All Through the City" – 3:04
11."Cheque Book" (Mickey Jupp) – 4:08
12."Oyeh!" (Mick Green) – 2:32
13."Bony Moronie" / "Tequila" (Larry Williams) / (Danny Flores) – live recording – 4:50

Dr. Feelgood (Músicos):

• Lee Brilleaux - voz principal (1, 3–5, 7, 9–13), guitarra, armónica, guitarra slide
• Wilko Johnson – guitarra, piano, acompañamiento y voz principal (2, 6, 8)
• John B. Sparks - bajo
• John Martin, también conocido como "The Big Figure" - batería

con:

• Bob Andrews – órgano (3), saxofón (13)
• Brinsley Schwarz – saxofón (13)

Técnico:

• Vic Maile - productor
• Dave Charles, Kingsley Ward, Pat Moran - ingenieros

Video del team "Bonie Moronie / Tequila":

THE PRETTY THINGS - S.F.Sorrow - Album

Un post dedicado a una banda británica de R & B fundamental, "The Pretty Things", que nunca tuvo un gran éxito, a pesar del talento de sobra y una pequeña obra maestra de psicodélica en "S.F. Sorrow" (1968). Cómo permanecieron desconocidos sigue siendo un misterio para mí y para muchos.

 

ALBUM: S. F. Sorrow

 
El cuarto álbum de la banda de rock inglesa "The Pretty Things". Publicada en 1968, es conocida como una de las primeras "rock ópera" jamás estrenada. Una aventura de rock psicodélico que explora la vida de un personaje, Sebastian y su viaje para aprender a confiar en las personas y su desilusión final con una partitura pop psicodélica que capturó adecuadamente el ambiente del "Swinging London" de los años 60 (siglo xx).

Aunque el segundo LP de 1965 titulado "Get The Picture?" es quizás mejor y más accesible "S. F. Sorrow" por definición es un clásico perdido. Sonidos alucinantes. Una obra legendaria de la psicodelia británica, "The Pretty Things" destila perfectamente lo mejor de todos sus contemporáneos (especialmente "The Beatles") en esta pieza de primera ópera rock grabada 14 meses antes de "Tommy" de "The Who". Todavía es un misterio por qué este disco no está en el cañón de álbumes de escucha obligatoria para los jóvenes y los fans. Sí, su compañía discográfica "EMI" arruinó el lanzamiento, pero esta no es la historia completa. EMI simplemente no creía en ellos; el cantante principal, Phil May, tuvo que diseñar la portada de LP él mismo ya que no se había designado ningún artista de diseño oficial. ¿Es "The Pretty Things" la banda más desafortunada y subestimada de todos los tiempos?

Dejando de lado elementos técnicos, qué evolución musical de "The Pretty Things", su historia temprana en el estudio tiene a la banda con sus amplificadores a 11, pero durante "S.F. Sorrow" la música es suave bajada a siete o cuatro, o incluso dos, o sin ningún tipo de amplificación, y además están haciendo todo tipo de cosas folky aquí que todavía son lo suficientemente bluesy como para que nunca olvides quiénes son, en medio de pequeñas y extrañas digresiones sobre la percusión y el coro; voces armónicas que son espeluznantes, alucinantes, extrañas y encantadoras; "guitarra sitar" incluidos en el conjunto de instrumentos de cuerda; y un órgano que se esfuerza por sonar como un Mellotron.

Recordando al lector de nuevo, el álbum cuenta la historia de "S.F. Sorrow" (Sebastian), una especie de personalidad desafortunada y de clase trabajadora británica desde la cuna hasta la tumba. La historia y las canciones son algo pesimistas y un poco confusas, pero la idea en general es innovadora. Fue la primera vez, y hay algunas buenas ideas y toques de producción. Es una oferta musical singularmente inquietante, crudo, poderoso y alucinante, uniendo géneros como la psicodelia, el folk, el blues y el metal. En muchas maneras se adelantan los tiempos.

De este modo y en general, es un LP verdaderamente destacable. Grandes canciones, producción valiente, pero sobre todo ambición. Voy a ser honesto, "The Pretty Things" era una banda de rock promedio buena. Aún así, el tiempo, el lugar y tal vez las sustancias dieron como resultado esta pequeña obra maestra. La cara A del LP cuenta la vida de "S.F Sorrow". La cara B da un giro hacia una profunda estilo psicodelia. Pero a diferencia de los esfuerzos de sus contemporáneos, la música aquí es oscura, triste, confusa y amarga.

Personalmente disfruto mucho este LP cuando llego a la cara B, especialmente con los temas "Trust" y "Old Man Going".

 

Disco recomendado

Criminalmente subestimado, es rock psicodélico en su máxima expresión. Pasó a influir en muchas bandas, como The Who, Pink Floyd e incluso Green Day. Hay que escucharlo.

Y termino, si encuentras esto "muy trippy", busca su LP de 1965 "Get The Picture?", es igualmente de bueno y, más accesible antes de que nos dejarán boquiabiertos.

Video del tema "Trust":

Tracklist (version LP original):

Cara A:

1.         "S. F. Sorrow Is Born"                       3:12
2.         "Bracelets of Fingers"            3:41
3.         "She Says Good Morning"                3:23
4.         "Private Sorrow"                    3:51
5.         "Balloon Burning"                  3:51
6.         "Death"                                              3:05

Cara B:

7.         "Baron Saturday"       4:01
8.         "The Journey"             2:46
9.         "I See You"                3:56
10.       "Well of Destiny"       1:46
11.       "Trust"                        2:49
12.       "Old Man Going"                   3:09
13.       "Loneliest Person"      1:29

The Pretty Things (músicos):

• Phil May - voz
• Dick Taylor - guitarra principal, voz
• Wally Waller – bajo, guitarra, voz, instrumentos de viento, piano
• Jon Povey – órgano, sitar, Mellotron, percusión, voz
• Skip Alan – batería (en algunas pistas, abandona durante la grabación)
• Twink - batería (en algunas pistas, reemplazó a Alan), voz

Producción:

Norman Smith - productor

THE KINKS - The Kinks Are the Village Green Preservation Society - Album

Un post sobre una joya musical de los años 60 (siglo xx), que ha encontrado su lugar en la historia del rock británico. La banda "The Kinks" editó en 1968 "The Kinks Are the Village Green Preservation Society" (también conocida como "The Village Green Preservation Society") para consolidarse definitivamente como una banda importante de la época. Habían estado dando explosiones de "power pop" desde 1964 con excelentes lanzamientos, pero este es un álbum conceptual que incluye narrativas locales y ve a Ray Davies llevar su composición a otro nivel. 

El lector veterano de este blog de música seguramente estará familiarizado con este LP, no obstante deseo inspirar la curiosidad del lector más joven para que explore y escuche "The Kinks Are the Village Green Preservation Society".

 

ALBUM: The Kinks Are the Village Green Preservation Society

 
Es el sexto álbum de estudio de la banda de rock inglesa "The Kinks". Publicado el 22 de noviembre de 1968, se considera uno de los primeros álbumes conceptuales. Tuvo una acogida modesto con su salida, fue el primer disco de la banda que no hizo gran cosa en las listas ni en el Reino Unido ni en los Estados Unidos, pero fue elogiado por la crítica por su composición. Es un disco melódico y sólido. Las canciones nunca son aburridas y siempre tienen cambios sorprendentes y hermosos en las progresiones de acordes y la melodía. Las letras de este LP son destacadas, con algunas líneas realmente inteligentes invocando escenarios y personajes interesantes. Ray Davies es un letrista brillante y esta es una demostración de lo mejor de él.

Ray Davies domina este trabajo y crea un álbum conceptualizado como una colección de estudios de personajes, una idea que se basó en el drama radiofónico de 1954 de Dylan Thomas "Under Milk Wood". Centrándose en temas de nostalgia, memoria y preservación, el álbum refleja las preocupaciones de Davies sobre la creciente modernización y la creciente influencia de Estados Unidos y Europa sobre la sociedad inglesa. O dicho de otra manera, Davies hace un álbum conceptual que lamenta la desaparición de las antiguas tradiciones inglesas.

Musicalmente, el disco incorpora una variedad de influencias estilísticas, que incluyen música hall, folk, blues, psicodelia e incluso calipso. También fue el primer álbum que Davies produjo por su cuenta y el último en presentar la formación original de "The Kinks", ya que el bajista Pete Quaife dejó la banda en marzo de 1969. También marcó la colaboración final entre The Kinks y el teclista de sesión Nicky Hopkins, cuya interpretación se centra principalmente en el piano, el clavecín y el Mellotron.

A lo largo de esta obra, surgen una serie de historias, bocetos y personajes sobre una Inglaterra pintoresca que en realidad nunca existió. Es una obra encantadora y gentil, que evoca una pequeña ciudad rural británica y atrae al oyente a sus ritmos y sensibilidades. Obviamente hay una corriente subyacente de melancolía y arrepentimiento a lo largo del LP, el cariño de Davies por el pasado es manifiesto, lo que hace que el álbum parezca un sueño. Y considerando las interpretaciones tenues y las instrumentaciones detalladas, no sorprende que el disco parezca más un proyecto solista de Ray Davies que un álbum de "The Kinks".

La nota de blues de "Last of the Steam-Powered Trains" es lo más cercano que está el álbum al rock & roll, y el cameo de Dave Davies en la amenazadora "Wicked Annabella" es una sorpresa, ya que el LP es muy tranquilo. Pero calma no significa manso o insulso: hay infinitas capas de innovación musical y lírica en "The Village Green Preservation Society", y su desafiante sensibilidad británica se convirtió en la base de generaciones de bandas de guitarra pop británicos.

Muchos han dicho que este es el mejor álbum de "The Kinks", una obra maestra de Ray Davies. Posiblemente el disco más esencialmente inglés jamás realizado. Ignorado injustamente en un sentido comercial cuando se estrenó, "The Village Green..." ha ido adquiriendo gradualmente una reputación muy admirada a lo largo de los años. "The Kinks" no fueron plenamente apreciados durante su mejor momento; "The Village Green Appreciation Society" es el mejor ejemplo de lo buenos que eran.

Disco recomendado

 
"The Kinks" aprovechan la esencia de la cultura inglesa con este álbum y lograron que gran parte de él fuera universal, centrándose en los detalles de la vida en el campo inglés, y también lograron aprovechar la esencia de la cultura de las pequeñas ciudades en todas partes. Ahora es considerado como un clásico por todos. "The Village Green..." ha influido en muchas bandas, especialmente en artistas indies estadounidenses de finales de los 80 y 90 y en grupos de britpop como "Blur" y "Oasis".

Las infinitas capas de innovación musical y lírica en "The Village Green Preservation Society", y su desafiante sensibilidad británica se convirtió en la base de generaciones de guitar pop británico. Buscarlo y darlo una escucha.

Video del tema "Picture Book":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1."The Village Green Preservation Society" – 2:49
2. "Do You Remember Walter" – 2:28
3. "Picture Book" – 2:38
4. "Johnny Thunder" – 2:33
5. "Last of the Steam-Powered Trains" – 4:03
6. "Big Sky" – 2:49
7. "Sitting by the Riverside" – 2:21

Cara B:

1. "Animal Farm" – 2:57
2. "Village Green" – 2:08
3. "Starstruck" – 2:22
4. "Phenomenal Cat" – 2:37
5. "All of My Friends Were There" – 2:23
6, "Wicked Annabella" – 2:40
7. "Monica" – 2:13
8. "People Take Pictures of Each Other" – 2:10

Ficha:

Todas las pistas están escritas por Ray Davies.

The Kinks (músicos):

• Ray Davies: voz principal, guitarras, teclados, armónica ("El último de los trenes a vapor"); productor, mezclador
• Dave Davies – coros, guitarras; voz principal ("Wicked Annabella")
• Pete Quaife - coros, bajo
• Mick Avory - batería

Músicos adicionales:

• Rasa Davies - coros
• Nicky Hopkins - teclados
• David Whitaker - arreglo orquestal ("Animal Farm" y "Village Green")
• No identificado - congas ("Mónica")
• Músicos de sesión no identificados: oboe, violonchelo, viola y flautín ("Village Green"), sección de cuerdas ("Animal Farm")

Personal adicional:

• Brian Humphries - ingeniero de sonido
• Alan MacKenzie - ingeniero de sonido
• John Prosser - fotografía (portada) 

THESE IMMORTAL SOULS - I'm Never Gonna Die Again - Album

Un post para los seguidores del post punk de una banda impresionante que derramó sus corazones y demonios a través de un noise rock dulcemente melódico. El grupo es la banda australiana "These Immortal Souls".

 

¿Quiénes era la banda "These Immortal Souls"?

 
Formación australiana de post-punk formada en Londres en 1987 por Harry Howard al bajo, su hermano mayor Rowland S. Howard (quien saltó a la fama como colaborador de Nick Cave en "The Birthday Party") a la guitarra y voz, Epic Soundtracks (también conocido como Kevin Godfrey) en la batería (los tres ex-Crime & the City Solution) y Genevieve McGuckin en los teclados (la novia de mucho tiempo de Rowland). La banda publicó dos álbumes, "Get Lost (Don't Lie)" (1987) y "I'm Never Gonna Die Again" (1992). El grupo se mudó a Australia en 1995 y tocó con menos frecuencia antes de disolverse allí a mediados de 1998. Soundtracks - Kevin Godfrey - murió en noviembre de 1997 y Roland Howard murió en diciembre de 2009.

Voy a recomendar su disco "I'm Never Gonna Die Again".

 

ALBUM: I'm Never Gonna Die Again

 
Segundo disco de estudio publicado el 19 de octubre de 1992. Dirigido por Rowland S. Howard, la banda toca rock de guitarra dramático y majestuoso cantado con la voz del mismísimo diablo (ya sea con acento australiano).

La banda está formada por Rowland S. Howard, su hermano bajista Harry Howard, el baterista Epic Soundtracks (anteriormente de SwellMaps y Jacobites) y la tecladista Genevieve McGuckin. Es un trabajo oscuro, una oda al dolor y el sufrimiento con un ruido post punk que deja suficiente espacio para un juego melódico brillante que agrega elementos de esperanza.

"These Immortal Souls", editó un gran debut "Get Lost (Don't Lie!)" en 1987. Este segundo disco "I'm Never Gonna Die Again" aparece cinco años después, una vez de que Rowland S Howard sufriera una grave caso de bloqueo del escritor que básicamente dejó de lado "These Immortal Souls" hasta 1992. Lo que le pasó en esos cinco años a Rowland S Howard sólo se puede especular (una tórrida historia de adicción y problemas con la hepatitis C, etc.), pero este álbum se siente más desesperado y parece impulsado por otros demonios adquiridos.

Las canciones son violentamente melódicas mientras Howard canta como si cada palabra fuera la última, y desata algunos zumbidos de guitarra. No es música para los débiles de corazón, es un gusto adquirido, pero cualquiera cuyo corazón haya sido roto o destrozado encontrará que captura la desolación y el dolor de esas situaciones.

Sonoramente, el álbum está producido por John A. Rivers, quien agrega más capas de sonido permitiendo que cada instrumento cree su propio espacio en la mezcla. Como era de esperar, la voz y la guitarra de Rowland están al frente, pero la sección rítmica demuestra estar afinada y Epic Soundtracks toca la batería llenando los espacios entre notas con rellenos temerarios, redobles atronadores y platillos golpeados, básicamente tocando como si fuera un segundo guitarrista. El piano de McGuckin atraviesa la mezcla aportando toques de color perfectos que dan a las palabras un poder emocional extra, basta con escuchar "Black Milk".

Video del tema "Black Milk":

El álbum se tambalea a veces hasta el punto de que es demasiado doloroso. Afortunadamente, la banda retrocede justo en ese punto, cortando la dinámica y lanzando un coro brillante que agrega esperanza. "Shamed" es un ejemplo de esto, ya que el ruido de la música disminuye para un coro, casi a capella. Otras veces, "These Immortal Souls" simplemente atraviesa el sufrimiento, como en el número sobrealimentado "Hyperspace" hasta que los malos sentimientos se limpian en una mancha de velocidad y poder. Todas las baladas destrozadas, los encantamientos post-punk dañados por el ruido conducen a la última canción, "Crowned", que es el mejor momento de la banda (quizás su mejor tema jamás). Este momento culminante representa perfectamente todo lo grandioso de "These Immortal Souls" envuelto en una canción de duración épica que recorre los versos que explotan a través de un coro lleno de ganchos, desenrolla franjas de intrincados solos de guitarra y termina en una coda triunfante de tambores atronadores, acordes de piano jangle y masas de cuerdas de guitarra destructivas.

Video del tema "Crowned":

Disco recomendado

 
Es ruidoso, oscuro, melancólico, dramático, que desafía a la muerte y afirma la vida (sí, lo creas o no). "I'm Never Gonna Die Again" y la banda que lo hizo se destacan como puntos culminantes de la era alternativa tardía del post-punk temprano. Si eres fan de "The Birthday Party", de Nick Cave o incluso de las bandas góticas del post punk, disfrutarás de este disco.

Y termino, recomiendo escuchar las melodías, el uso de las teclas (piano) es exquisito como contrapunto a la desolación del ruido-distorsión.

Tracklist:

1. The King of Kalifornia 3:52
2. Shamed 4:55
3. Black Milk 5:23
4. Hyperspace 5:30
5. So the Story Goes 4:28
6. Insomnicide 2:31
7. All the Money's Gone 5:04
8. Crowned 8:09
9. [untitled] 1:14

Créditos (músicos):

• Rowland S. Howard - compositor, voz, guitarra
• Harry Howard - bajo, compositor
• Epic Soundtracks - compositor, batería
• Genevieve McGuckin - piano, órgano

Anthony Thistlethwaite - saxofón, mandolina, invitado

John Rivers - productor
These Immortal Souls -productor