CODEINE - Frigid Stars LP - Album (Revisited)

Vuelvo a escuchar "Frigid Stars LP" y me pasa lo de siempre, el mundo baja un punto de velocidad. Lo escribí en el blog hace años, en 2019, cuando todavía lo asociaba a una etapa muy concreta, y ahora, al retomarlo con más oído y menos prisa, me doy cuenta de que este debut de Codeine sigue teniendo una rara capacidad para colarse en el presente. Por eso me apetecía revisitarlo y contarlo de nuevo, sobre todo pensando en quienes leéis esto con otra edad, otro mapa emocional y quizá menos paciencia para los discos que no entran a la primera: si alguna vez te han atrapado las canciones que parecen susurrarte al oído y luego, sin aviso, te dejan temblando por dentro, aquí hay algo que merece tu tiempo.

ALBUM: Frigid Stars LP

Volver a "Frigid Stars LP" es como regresar a una habitación conocida en la que siempre hace un poco de frío, aunque ya sepas dónde crujen las tablas y cómo entra la luz. Recuerdo haber escrito en este blog de música sobre este disco en 2019 con la sensación de estar describiendo un estado de ánimo más que un álbum. Hoy, después de muchos años escuchándolo a intervalos irregulares, con etapas de obsesión y otras de silencio voluntario, confirmo algo sencillo pero importante: Frigid Stars LP no ha cambiado, pero yo sí. Y aun así, o precisamente por eso, el disco sigue funcionando.

Publicado en 1991, en ese punto extraño entre el final de los ochenta y un principio de los noventa (siglo XX) todavía sin nombre claro, el debut de Codeine apareció sin levantar demasiado ruido, pero dejando una huella que con el tiempo se volvió profunda. Se ha hablado mucho de su papel como piedra fundacional del slowcore, una etiqueta útil pero insuficiente. Porque lo que propone Frigid Stars LP no es solo lentitud, sino una manera muy concreta de habitar el tiempo, de estirar cada segundo hasta que pesa.

Un disco nacido del tedio, la afinidad y el desgaste

La historia de cómo se gestó este álbum importa, no como anécdota, sino como contexto emocional. Codeine surge del cruce de caminos de varios músicos vinculados a Oberlin College, un entorno fértil para artistas que parecían más interesados en explorar su incomodidad que en pulir una pose. Stephen Immerwahr, tímido, introspectivo, con una manera de cantar que nunca busca imponerse, empieza a escribir canciones casi como quien toma notas para sobrevivir al aburrimiento y al desencanto. John Engle aporta una guitarra que entiende el silencio como parte del lenguaje. Y Chris Brokaw, que aquí alterna guitarras y batería, demuestra algo que a menudo se pasa por alto: tocar lento exige una precisión casi quirúrgica.

Muchas de las canciones nacen de grabaciones caseras, de tardes largas, alcohol mediante, de una sensación compartida de no estar exactamente en el sitio correcto. No hay épica en ese origen, pero sí una honestidad que atraviesa todo el disco. Frigid Stars LP no suena a gran declaración artística, sino a algo más incómodo y duradero: un conjunto de canciones que no tenían prisa por gustar.

Sonido, tempo y esa gravedad constante

Desde el primer tema, "D", el álbum deja claro su pulso. O mejor dicho, su ausencia de pulso convencional. La batería marca golpes espaciados, casi antinaturales, como si el tiempo se hubiera desajustado. Las guitarras no rellenan, sostienen. El bajo no acompaña, arrastra. Y sobre todo eso, la voz de Immerwahr entra sin dramatismo, enumerando pequeñas derrotas cotidianas con una calma que resulta más inquietante que cualquier grito.

El truco del disco, si se le puede llamar así, es el juego entre contención y estallido. Muchas canciones avanzan con un minimalismo casi exasperante hasta que, de repente, una distorsión masiva lo cubre todo. Pero incluso esos momentos de volumen no suenan catárticos. Son pesados, opacos, como una ola que no libera, solo aplasta. "Gravel Bed" y "Pickup Song" funcionan así, construyendo una tensión que no busca resolverse del todo.

A menudo se compara este disco con trabajos posteriores de Low o con ciertas vertientes del post rock, pero aquí hay algo distinto. No hay espiritualidad ni abstracción. Todo es físico, terrestre, incluso cuando las letras parecen hablar en susurros. Las referencias a objetos rotos, a cuerpos que se desgastan, a gestos mínimos, refuerzan esa sensación de estar escuchando algo muy humano y muy cansado.

Canciones que se quedan

Hay discos que uno admira y otros que se le pegan. Frigid Stars LP pertenece claramente al segundo grupo. "Pickup Song" sigue teniendo uno de los finales más devastadores que recuerdo, no por grandilocuente, sino por cómo deja caer esa última frase, "Wish I’d never seen your face", y permite que la música se derrumbe sola. "Cave-In", con su estructura casi pop escondida bajo capas de ruido y sus versos inquietantes, anticipa dinámicas que luego serían habituales en los noventa, pero aquí todavía suenan peligrosas, sin domesticar.

"New Year’s", escrita originalmente por Sooyoung Park, introduce un ligero cambio de tono. Es más clara, casi esperanzada, aunque solo en apariencia. Codeine la adapta a su universo sin traicionarla, demostrando que incluso cuando el material no es propio, la identidad del grupo es inconfundible. Y luego está "Second Chance", con ese piano grave que aparece casi como un eco inesperado, sumando una textura fantasmagórica a un tema que parece suspendido en el aire.

El álbum no ofrece grandes contrastes, y eso puede desesperar a algunos oyentes. Pero escuchado de una sola vez, como una pieza continua, adquiere una coherencia hipnótica. No es un disco de canciones sueltas, sino de atmósfera sostenida.

Un espejo de su tiempo y del nuestro

Escuchar hoy  Frigid Stars LP también es escuchar un momento concreto de la cultura alternativa estadounidense, previo a la explosión mediática del grunge y ajeno a cualquier tentación de éxito masivo. Es un disco que no pretende representar a una generación, pero acaba diciendo mucho sobre ella. Habla de apatía, de desencanto, de relaciones erosionadas, sin convertir nada de eso en eslogan.

Quizá por eso sigue funcionando ahora. En una época saturada de estímulos, de urgencia constante, de opiniones amplificadas, este álbum propone lo contrario: quedarse quieto, escuchar cómo resuenan las cosas cuando se les da espacio. No es música para cualquier momento, ni debería serlo. Funciona mejor en días grises, en trayectos largos, en etapas de repliegue personal.

Por qué mola

Con los años, Frigid Stars LP se ha convertido en una referencia silenciosa. Muchos grupos han tomado elementos de aquí, la dinámica lento fuerte lento, la voz baja, la economía de recursos, pero pocos han capturado esa sensación de equilibrio frágil entre contención y colapso. No es un álbum perfecto, ni pretende serlo. Tiene momentos que se alargan más de lo necesario y otros que podrían desaparecer sin romper el conjunto. Pero precisamente ahí reside su encanto.

Disco recomendado

Revisitarlo ahora me recuerda por qué sigo volviendo a él cuando necesito bajar el volumen del mundo. No para encontrar consuelo fácil, sino para sentirme acompañado en una incomodidad compartida. Frigid Stars LP no ofrece respuestas, ni siquiera alivio. Ofrece presencia. Y a veces, eso es suficiente.

Si nunca lo has escuchado, mi recomendación es sencilla: hazlo sin prisas, del tirón, y deja que el disco marque su propio ritmo. No intentes descifrarlo de inmediato. Permite que te envuelva. Puede que al principio parezca distante. Puede incluso que te irrite. Pero si conectas, lo hará de una forma lenta y persistente, como esas estrellas frías del título, lejanas pero imposibles de ignorar.

Tema del video "Pickup Song":

Tracklist:

1. "D" 4:27
2. "Gravel Bed" 3:58
3. "Pickup Song" 2:44
4. "New Year's" (Seam cover) 3:34
5. "Second Chance" 4:45
6. "Cave-In" 3:37
7. "Cigarette Machine" 4:42
8. "Old Things" 4:59
9. "3 Angels" 4:51
10. "Pea" 3:38

Codeine:

• Chris Brokaw – batería, guitarra
• John Engle – guitarra
• Stephen Immerwahr – bajo, voz, todos los instrumentos en las versiones demo de "Pea", "Second Chance", "Pickup Song", "Cave-In" y "Kitchen"

Personal adicional:

• Mike McMackin – piano en "Pea"
• Peter Pollack – batería en "Castle", "Skeletons" y "3 Angels"
• Sooyoung Park – bajo en la versión demo de "Summer Dresses"

Producción:

Mike McMackin – producción

GALAXIE 500 - This Is Our Music - Album

Antes de sumergirnos en la belleza multifacética del disco "This Is Our Music", conviene comprender la posición de la banda Galaxie 500 en el momento de su lanzamiento. No perseguían la fama ni formaban parte de ningún gran movimiento, al menos no todavía. En cambio, operaban en un rincón tranquilo de la escena indie de finales de los 80 (siglo xx), creando canciones que parecían secretos compartidos entre amigos cercanos. Con este tercer y último álbum, la banda ofreció no solo una continuación de su sonido, sino una despedida más definida y segura: una última palabra dicha con suavidad, pero con propósito. 

ALBUM: This Is Our Music

En los últimos días de vida de una banda, no siempre hay una despedida como "Dios manda". A veces, el final llega sin previo aviso: una silenciosa deriva hacia el silencio, un último concierto que nunca fue el último. Galaxie 500, el trío de culto de Boston (EE.UU.), nos regaló algo diferente: "This Is Our Music", una despedida de grandeza silenciosa, ambición susurrada y melodía conmovedora. Publicado en septiembre de 1990 a través del sello discográfico Rough Trade Records, el álbum es tanto un epílogo como una rotunda declaración de identidad.

El título, tomado de un LP de free jazz de 1961 de Ornette Coleman, insinúa algo más grande que la suma de sus ensoñadoras líneas de guitarra. Es una declaración: Esta frágil, brillante y a veces extraña colección de canciones es nuestra música. Tómala o déjala. Y, en muchos sentidos, eso es lo que la hace una obra atemporal.

Sueño Disolviéndose:

Galaxie 500, formado por Dean Wareham a la guitarra y voz, Naomi Yang al bajo y Damon Krukowski a la batería, se formó en la universidad y forjó un sonido que combinaba moderación y emoción pura. Su último álbum se adentra en esa dualidad más que nunca.

El tema inicial, "Fourth of July", arranca con un verso tan hilarantemente surrealista como cautivador: "Escribí un poema en una galleta para perros, y tu perro se negó a mirarlo". No pretende ser profundo. Simplemente lo es. Respaldado por un ritmo grave y la inconfundible inexpresividad de Wareham, marca el tono de un álbum que se deleita en estar ligeramente descentrado. La batería redobla y las guitarras brillan, y en algún lugar de la neblina, hay una especie de alegría solitaria difícil de sacudir.

La producción, a cargo de nuevo de Mark Kramer, colaborador habitual, es más nítida aquí. La reverberación aún impregna las canciones, pero la banda se siente más cercana, más audaz, incluso con una confianza coqueta por momentos. Donde los discos anteriores se inclinaban hacia la intimidad lo-fi, "This Is Our Music" llega un poco más allá, no para complacer a nadie, sino quizás para completar la idea.

Melancolía Majestuosa:

Es fácil llamar a la banda "minimalista", pero eso pasa por alto la densidad emocional de canciones como "Summertime", que de alguna manera equilibra la ingravidez y el anhelo a partes iguales. La construcción lenta, la melodía casi vacilante, el sutil dolor en la voz de Wareham: es el sonido de largos paseos en solitario, repasando viejas conversaciones en la cabeza.

Por otra parte, Naomi Yang lidera una fascinante versión de "Listen, the Snow is Falling" de Yoko Ono, que se extiende durante casi ocho minutos sin alargarse demasiado. Su voz, suave y firme, se funde con la nevada de sonido, percusión ligera, acordes con eco y lo que Kramer llamó en broma una "flauta barata", creando algo más evocador que cualquier producción costosa podría ofrecer.

El momento de cierre del álbum, "King of Spain, Part Two", reelabora una cara B de sus inicios en una despedida silenciosa y triunfal. No es un final dramático, sino más bien un telón corrido con cuidado. Sientes que la puerta se cierra tras de ti.

Bajo la Simplicidad y la Complejidad:

Uno de los encantos perdurables de "This Is Our Music" reside en cómo se desenvuelve con ligereza en su inteligencia. Los tres miembros son graduados de Harvard, pero su forma de componer no tiene nada de académico. En cambio, adoptan una especie de distanciamiento lúdico: letras que oscilan entre lo absurdo y lo profundo, música que nunca fuerza un clímax.

Hay momentos en los que todo se siente intencionadamente vago. En "Way Up High", Dean Wareham canta: "Abre los ojos / Ven a ver mi edredón", y nadie sabe qué significa. Pero si escuchas, puedes sentir su peso: la cama, la comodidad, la necesidad de que alguien te vea. Se trata menos de narrativa, más de sensación. Y ese es el secreto de Galaxie 500: no tienes que experimentarlo para sentirlo.

Un regalo de despedida, no un canto del cisne:

Algunos fans y críticos consideran que el álbum no alcanza el brillo de los anteriores como "Today" o "On Fire". Quizás sea cierto que "This Is Our Music" presenta un tono un poco más sobrio. Hay menos descubrimientos impactantes, más refinamiento. Pero lo que se pierde en energía pura se gana en complejidad emocional. Este álbum no intenta revivir el pasado; es concluir una historia.

Existe la sensación de que sabían que sería el último. Poco después del lanzamiento, Dean Wareham dejó el grupo y formó Luna, otro grupo querido que nunca se alejó demasiado del ADN de Galaxie 500. Yang y Krukowski continuaron juntos como Damon & Naomi, creando música igual de introspectiva, aunque con nuevas texturas.

Aun así, ninguno de los dos proyectos logró recapturar lo que Galaxie 500 creó en esos breves años dorados. Y quizás no importa. Quizás ese sea el punto.

Por qué sigue siendo importante:

Décadas después, "This Is Our Music" se siente inquietantemente relevante. En una época en la que el bedroom pop, el indie lo-fi y la melancolía ensoñadora dominan las listas de reproducción de Spotify, se pueden escuchar ecos de Galaxie 500 por todas partes: en las guitarras ondulantes de Beach House, la quietud de Cigarettes After Sex, la estética lo-fi de Clairo.

Pero donde los artistas más nuevos a menudo parecen seleccionados, Galaxie 500 simplemente existía. Su música no buscaba ser escuchada; simplemente estaba, esperando pacientemente a que los oyentes la alcanzaran.

Escuchando ahora, "This Is Our Music" ofrece más que nostalgia. Es un modelo para la rebeldía silenciosa, para hacer algo completamente propio, aunque nadie lo note al principio. Es una invitación a reflexionar, a encontrar la belleza en la repetición, a escuchar el mundo de una manera ligeramente diferente.

Disco recomendado

Si nunca has escuchado Galaxie 500, este es el punto de partida perfecto y conmovedor. Si ya lo has hecho, vale la pena revisitarlo con oídos más maduros, en otra época del año, bajo otros cielos. Puede que "This Is Our Music" no exija atención, pero la recompensa profundamente.

Brillantez sutil y belleza de combustión lenta en una obra maestra olvidada del dream pop. En un mundo de ruido, este disco es un susurro silencioso y potente, que aún vale la pena escuchar.

Video del tema "Listen, the Snow Is Falling":

Tracklist:

1. "Fourth of July" 5:35
2. "Hearing Voices" 3:34
3. "Spook" 4:35
4. "Summertime" 5:59
5. "Way Up High" 4:03
6. "Listen, the Snow Is Falling" Yoko Ono 7:48
7. "Sorry" 4:15
8. "Melt Away" 4:35
9. "King of Spain, Pt. 2" 5:07

Galaxie 500

• Damon Krukowski – batería, coros
• Dean Wareham – guitarra, voz
• Naomi Yang – bajo, voz en "Listen, the Snow Is Falling"

Personal adicional:

Mark Kramer – producción, ingeniería de sonido,"flute" y coros

COWBOY JUNKIES - The Trinty Sessions - Album

En una escena musical a menudo dominada por sonidos sobre-producidos, el segundo álbum "The Trinity Session" (1988) de los Cowboy Junkies se destaca como un ejemplo de minimalismo y autenticidad emocional. Si estás buscando música que trascienda las tendencias y ofrezca una intimidad y profundidad genuinas, este disco innovador merece toda tu atención. A continuación, te propongo por qué la obra maestra sin pretensiones de esta banda canadiense sigue cautivando a los oyentes décadas después de su lanzamiento y, por lo tanto, quiero recomendarla a los lectores de este blog de música.

ALBUM: The Trinity Session

Cuando la banda Cowboy Junkies entró en la Iglesia "Church of the Holy Trinity" de Toronto en una fría noche de noviembre de 1987, no tenían idea de que su humilde sesión crearía uno de los álbumes emblemáticos de la música americana alternativa. "The Trinity Session", grabada con solo una grabadora DAT y un solo micrófono, se ha convertido en una escucha esencial para los amantes de la música que buscan autenticidad, profundidad e intimidad.

Un clásico reinventado:

Si bien Cowboy Junkies son famosos por su serena versión de "Sweet Jane" de Velvet Underground, su versión es excepcionalmente contemplativa, impregnada de melancolía e introspección. Sin embargo, no es la canción destacada del álbum. En cambio, la verdadera magia de "The Trinity Session" radica en la capacidad de la banda para transformar canciones familiares y composiciones originales en experiencias emocionales.

Canciones originales con profundidad emocional:

Canciones como "Misguided Angel" ilustran hermosamente las fortalezas líricas y melódicas de la banda. La cautivadora voz de Margo Timmins combinada con el delicado trabajo de guitarra de Michael Timmins crean una profunda exploración de la vulnerabilidad romántica. La escasa instrumentación a lo largo del disco intensifica la resonancia emocional, atrayendo a los oyentes a un espacio reflexivo.

Una noche, un micrófono:

El ahora legendario minimalismo de "The Trinity Session", grabado en una sola noche alrededor de un solo micrófono, da como resultado una experiencia íntima única. Este enfoque minimalista mejora significativamente la narración emocional, en particular en la conmovedora interpretación a capela de Margo de "Mining for Gold". Su voz triste establece de inmediato el tono contemplativo del álbum, cautivando a los oyentes desde el principio.

Versiones que redefinen los clásicos:

Cada versión del álbum está abordada con cuidado y reinventada con gran riqueza. El clásico atemporal de Hank Williams "I'm So Lonesome I Could Cry" está impregnado de una soledad inquietante, mientras que "Walking After Midnight" de Patsy Cline se convierte en un paseo oscuro e introspectivo a través de la nostalgia. "Blue Moon Revisited (Song for Elvis)" combina de manera única la composición original con el estándar clásico, creando una experiencia hermosamente fresca y emocionalmente resonante.

Margo Timmins:

La voz de Margo Timmins no depende de la gimnasia vocal; en cambio, su fortaleza es la autenticidad emocional. Sus expresiones sutiles y su delicada interpretación resuenan dentro de la acústica de la iglesia, estableciendo una rara cercanía entre la banda y el oyente. Igualmente integral es la guitarra de Michael Timmins, que complementa la interpretación vocal a la perfección, realzando la profundidad emocional sin eclipsarla.

Influencia en los géneros indie y americana:

Al fusionar elementos de country, folk y dream-pop atmosférico, Cowboy Junkies allanó sin querer el camino para lo que hoy conocemos como americana. Este enfoque de mezcla de géneros influyó significativamente en grupos indie posteriores como Mazzy Star, convirtiendo a "The Trinity Session" en un álbum silenciosamente revolucionario. Su ejecución pausada y sentida desafió la categorización en ese momento, pero sigue siendo influyente hasta el día de hoy.

Capturado en una sola toma:

Sorprendentemente, a pesar de su ritmo lento y atmósfera reflexiva, "The Trinity Session" se grabó casi en su totalidad en una sola toma, sin sobre-grabaciones ni mejoras de posproducción. Este enfoque despojado resalta el talento genuino de la banda y la química natural, brindando una autenticidad que a menudo está ausente en grabaciones de estudio muy producidas.

Disco recomendado

Tanto para los recién llegados como para los oyentes experimentados, "The Trinity Session" ofrece una experiencia musical incomparable, rica en sutileza, sinceridad y profundidad emocional. Este álbum es perfecto para quienes buscan una narración musical genuina, interpretaciones íntimas y un atractivo atemporal.

Recomendado para quienes deseen explorar la belleza de la auténtica música americana y alternativa.

Video del tema "I Don't Get It":

Tracklist: 

1. "Mining for Gold" (James Gordon) 1:34
2. "Misguided Angel" Margo Timmins Michael Timmins 4:58
3. "Blue Moon Revisited (Song for Elvis)" (No incluido en vinilo original) Margo Timmins Michael Timmins Richard Rodgers Lorenz Hart 4:31
4. "I Don't Get It" Margo Timmins Michael Timmins 4:34
5. "I'm So Lonesome I Could Cry" (Hank Williams) 5:24
6. "To Love Is to Bury" Margo Timmins Michael Timmins 4:47
7. "200 More Miles" Michael Timmins 5:29
8. "Dreaming My Dreams with You" (Allen Reynolds) 4:28
9. "Working on a Building" (No incluido en vinilo original) 3:48
10. "Sweet Jane" (Lou Reed) 3:41
11. "Postcard Blues" Michael Timmins 3:28
12. "Walkin' After Midnight" (Don Hecht Alan Block) 5:54

Cowboy Junkies:

• Margo Timmins – voz principal
• Michael Timmins – guitarra
• Alan Anton – bajo
• Peter Timmins – batería

Músicos adicionales:

• John Timmins – guitarra, coros
• Kim Deschamps – pedal steel guitar, dobro, bottleneck slide guitar
• Jeff Bird – violín, armónica, mandolina
• Steve Shearer – armónica
• Jaro Czwewinec – acordeón

Personal técnico:

Peter Moore – productor, ingeniero de mezcla, ingeniero de masterización

ETHEL CAIN - Perverts - Album

Bienvenido a una inmersión profunda en "Perverts", el nuevo y ambicioso lanzamiento de una artista que me conquistó con su primer álbum (Preacher's Daughter 2022), Ethel Cain. En este blog post, exploraremos cómo Cain ha vuelto a superar los límites de su arte, creando un paisaje sonoro que es tan inquietante como cautivador. Desde su exploración de la vergüenza y el deseo hasta sus composiciones envolventes cargadas de sonidos drone, "Perverts" es un viaje emocional y sonoro. Ya seas fan desde hace mucho tiempo o sientas curiosidad por esta artista innovadora, espero animarte para descubrir un disco que desafía las convenciones y perdura mucho después de la nota final.

ALBUM: Perverts 

Ethel Cain ha editado una pequeña obra de arte inquietante y desafiante que consolida su estatus como una de las voces más convincentes de la música contemporánea. Publicado el 8 de enero de 2025 a través de su sello propio "Daughters of Cain", esta obra de 89 minutos se aleja del camino trazado por su debut de 2022 "Preacher's Daughter". Mientras que su debut mezclaba la narración gótica sureña con melodías accesibles, "Perverts" cambia la calidez por la oscuridad absoluta, sumergiéndose de cabeza en las inquietantes profundidades del drone, el slowcore y la electrónica.

Una apertura audaz hacia la inquietud

La canción que da título al álbum marca el tono: "Perverts" comienza con un paisaje sonoro de 12 minutos que se siente a la vez escalofriantemente íntimo y cósmicamente distante. El álbum comienza con una interpretación distorsionada del himno "Nearer, My God, to Thee" de Cain y rápidamente se convierte en un abismo de sintetizadores monótonos y voces distorsionadas. En un momento, la voz apagada de Cain emerge y declara: "El cielo ha abandonado al masturbador". Esta declaración inquietante encapsula gran parte del peso temático del álbum: lidiar con la vergüenza, la culpa y las contradicciones inherentes del cuerpo.

El tema se niega a consolar o a ceder, y en cambio arrastra al oyente a un espacio de ansiedad e introspección. Es un comienzo audaz, que señala la negativa de Cain a satisfacer expectativas fáciles o experiencias de escucha convencionales.

Un viaje a través del terreno experimental

"Perverts" continúa superando los límites, tanto en lo sonoro como en lo emocional. A diferencia de los paisajes expansivos de "Preacher's Daughter", este disco se adentra en espacios confinados y sofocantes. Canciones como "Houseofpsychoticwomn" y "Punish" alternan entre collages de ruidos inquietantes y momentos de delicada intimidad. La primera superpone un estribillo repetitivo de "te amo" sobre texturas ambient estridentes, transformando la frase de un consuelo en un mantra siniestro. Mientras tanto, "Punish", uno de los pocos temas cantados tradicionalmente del álbum, resalta las habilidades vocales evocadoras de Cain al atravesar capas de distorsión y piano minimalista.

Las letras de Cain agregan otra capa de complejidad, ahondando en temas de autodesprecio, deseo y duda existencial. En "Onanist", una pieza hablada infundida con imágenes inspiradas en la Divina Comedia de Dante, reflexiona: "Quiero conocer el amor / Quiero saber cómo se siente", mezclando alegorías clásicas con exploraciones modernas de la autogratificación. Su capacidad para fusionar lo cerebral con lo visceral hace que "Perverts" sea tan estimulante como emocionalmente cautivante.

El peso del sonido y el silencio

Un sello distintivo de "Perverts" es su magistral uso del ritmo y la atmósfera. Ethel Cain emplea el silencio y la repetición no como espacio vacío, sino como componentes cruciales de la arquitectura emocional del álbum. Canciones como "Pulldrone", que dura 15 minutos, ponen a prueba la paciencia y la resistencia del oyente, superponiendo zumbidos industriales y frases habladas inquietantes sobre un zumbido implacable. El efecto es hipnótico y desorientador, y atrae a los oyentes a lo más profundo del paisaje sonoro cuidadosamente construido por Cain.

El álbum no está completamente desprovisto de respiro. Números como "Vacillator" ofrecen breves momentos de claridad, con melodías más limpias e instrumentación más sutil que recuerdan los elementos dream-pop del trabajo anterior de Cain. Sin embargo, incluso estos momentos están teñidos de inquietud, como si recordaran al oyente que la paz es fugaz en el mundo de "Perverts".

Un reflejo de oscuridad

Gran parte del peso emocional del álbum proviene de su cruda reflexión sobre la decadencia personal y social. Ethel Cain recurre a su educación en el sur de Estados Unidos, mezclando referencias culturales con reflexiones profundamente personales. Los temas de represión y perversión se entrelazan a lo largo del álbum, arrojando una luz dura sobre las contradicciones del deseo, la moralidad y la identidad. Sus paisajes sonoros, densos y a menudo abrasivos, reflejan esta tensión temática.

Colaboradores como Angel Diaz y Madeline Johnston contribuyen al sonido estratificado del álbum, agregando texturas que van desde la guitarra saturada hasta las voces espectrales. Estas contribuciones amplifican la calidad cinematográfica del disco, transformándolo en una experiencia inmersiva, casi visual.

Una escucha intensa

Escuchar "Perverts" no es una tarea fácil. Su duración, densidad e intensidad emocional exigen una atención total, y su negativa a adherirse a las estructuras o resoluciones tradicionales de las canciones puede resultar alienante. Pero para aquellos dispuestos a participar, las recompensas son inmensas. El arte de Cain brilla a través de su habilidad para crear un álbum que se siente a la vez profundamente personal y universalmente resonante.

Los temas finales, "Thatorchia" y "Amber Waves", encapsulan las dualidades del álbum de belleza y desesperación. El primero construye una cacofonía de guitarras distorsionadas y cantos en bucle, mientras que el segundo ofrece una conclusión sombría, casi frágil. Juntos, dejan al oyente en un estado de agotamiento catártico, un final apropiado para un álbum que desafía tanto como cautiva.

Disco Recomendado

Ethel Cain ha creado un álbum que desafía la categorización fácil. Es una exploración audaz del sonido y la emoción, un testimonio de su voluntad de superar los límites y aceptar la incomodidad. Si bien puede que no atraiga a todos, aquellos que se adentren en sus profundidades encontrarán una obra de honestidad y poder poco comunes.

Para cualquiera que busque música que no solo entretenga sino que provoque, inquiete y conmueva, "Perverts" es una escucha obligada. No es solo un álbum; es una experiencia que perdura mucho después de que se desvanece la última nota. Si estás listo para enfrentarte a las sombras, Ethel Cain te está esperando para guiarte a través de ellas.

Video del tema "Amber Waves":

Tracklist:

1. "Perverts" 12:04
2. "Punish" 6:40
3. "Housofpsychoticwomn" 13:35
4. "Vacillator" 7:44
5. "Onanist" 6:24
6. "Pulldrone" 15:14
7. "Etienne" 8:43
8. "Thatorchia" 7:24
9. "Amber Waves" 11:32 

Músicos:

• Ethel Cain – voz principal, producción, mezcla
• Matthew Tomasi – batería en "Vacillator", baqueta en "Amber Waves"
• Angel Diaz – guitarra lap steel en "Punish" y "Amber Waves", contrabajo en "Onanist", piano eléctrico en "Amber Waves"
• Bryan De Leon – guitarra acústica en "Etienne"
• Madeline Johnston – guitarra en "Amber Waves"

GALAXIE 500 - Uncollected Noise New York ’88-’90

El trío americano de rock alternativo "GALAXIE 500" existió entre 1987 y 1991 y en ese tiempo sólo publicó tres brillantes discos de estudio: Today (Aurora, 1988), On Fire (Rough Trade, 1989) y This Is Our Music (Rough Trade, 1990), todos ellos con canciones sencillas y directas que se elevaban por su simpleza.

Ahora, después de tanto tiempo, ponen a disposición todo su catálogo de estudio; aquellos cortes que no llegaron a aparecer en sus tres álbumes mencionados. Material de tomas alternativas (errores incluidos) que es un verdadero deleite para fans y no fans.

 

ALBUM: Uncollected Noise New York ’88-’90

 
Se publicó el 20 de septiembre de 2024. Es el primer lanzamiento de material de archivo nuevo de "Galaxie 500" en casi 30 años y es una colección completa de material de archivo inédito y raro producido y diseñado por Kramer entre 1988 y 1990.

Sus 24 canciones conforman las grabaciones de estudio de "Noise New York" completas de las tomas descartadas de la banda y las pistas que no aparecen en álbumes. Compilado por la banda, traza su carrera desde sus primeros momentos en el estudio hasta el último.

También encontrarás ocho cortes de estudio nunca antes escuchados seleccionados de todas las sesiones a lo largo de la carrera de "Galaxie 500", ordenados cronológicamente junto con material de estudio publicado anteriormente pero raro y descatalogado hace mucho tiempo. 

Es una oferta lenta pero explosiva en términos de melodía y emoción, "Galaxie 500" es una banda que alteró el curso de la música independiente. Su sonido es único en todos los niveles, con la batería sobria de Damon Krukowski, la voz aguda de Dean Wareham y los acordes de guitarra simples que dejan espacio para las líneas de bajo fluidas y contra-melódicas de Naomi Yang que lideran las canciones.

La influencia de "Galaxie 500" ha continuado y nuevas oleadas de fans han descubierto su escasa discografía de estudio. "Uncollected Noise New York 88-90" ofrece un anexo de material inédito, ya que su primera colección de rarezas se centra en la banda desde un disco extra que se incluyó en una caja en 1996.

Esta colección de 24 canciones de "Uncollected Noise New York '88-'90" sigue cronológicamente el desarrollo del grupo a medida que encontraron su sonido en el estudio de grabación "Noise New York" del productor Kramer a lo largo de su breve existencia como banda.

Los fans que ya están familiarizados con sus tres álbumes de estudio pueden esperar ocho tomas descartadas inéditas, todas restauradas a partir de las cintas originales. Algunas de estas canciones inéditas se alejan del sonido por el que el grupo se haría famoso. El corte de 1988 "Shout You Down" es más rápido, con Wareham tocando algunos acordes punk. De la misma sesión de 1988, "See Through Glasses" tiene indicios de psicodelia paisley que el grupo no exploró hasta más tarde, y otras canciones inéditas como la original de 1989 "Never Get to Heaven" y una versión de Buffy Saint Marie "Moonshot" muestran a la banda experimentando con ángulos más ásperos. Otras inclusiones como una mezcla alternativa del corte del álbum On Fire de 1989 "Blue Thunder", su versión de New Order "Ceremony" y una versión diferente de "Fourth of July" de su canto del cisne de 1990 This Is Our Music son todas emblemáticas.

Subgéneros indie como dream pop, slowcore, shoegaze y más deben su existencia a "Galaxie 500", y siguen siendo una de las bandas más influyentes que han surgido de la escena underground. "Uncollected Noise New York 88-90" es un tesoro para los fans, y la nueva perspectiva que ofrece la colección sobre la banda no hace más que reafirmar su influencia e importancia.

Dicho esto, para aquellos que no están familiarizados con la banda o su legado, Uncollected también es un gran lugar para empezar, con canciones de cada sesión que el grupo llevó a cabo mientras trabajaba en sus tres únicos álbumes.

Disco recomendado

 
"Uncollected Noise New York '88-'90" es un regalo para los fans. Suena como una historia secreta de la banda que sigue el arco de su crecimiento y expansión creativa desde el principio hasta el final de su carrera. Obviamente, las 24 canciones de Uncollected se dejaron de lado originalmente, por lo que para vivir la mejor experiencia de "Galaxie 500", echa a sus tres álbumes de estudio, pero estas canciones alternativas son el contexto en el que esos álbumes se formaron y perfeccionaron. Ofrece otra visión y una sensación diferente, una perspectiva diferente.

En resumen, muy, muy recomendable.

Video Uncollected Noise New York '88-'90 - Album Trailer:

Tracklist - canciones: 

1. Shout You Down 02:49
2. See Through Glasses 04:03
3. On the Floor 03:09
4. Can't Believe It's Me 03:55
5. Oblivious 03:21
6. King of Spain 04:35
7. Jerome 02:47
8. Song in 3 03:25
9. Crazy 01:55
10.I Wanna Live 02:33
11.I Will Walk 02:07
12.Cold Night 02:37
13.Ceremony 05:56
14.Never Get to Heaven 02:14
15.Maracas Song 03:54
16.Victory Garden 02:48
17.Blue Thunder (w/sax) 03:47
18.Cheese and Onions 03:06
19.Fourth of July (video mix) 04:40
20.Cactus 03:53
21.Moonshot 03:44
22.Them 03:44
23.Final Day 02:55
24.Here She Comes Now 05:58

AMERICAN MUSIC CLUB - Everclear - Album

AMERICAN MUSIC CLUB es un grupo estadounidense infravalorado pero aclamado por la crítica, con brillantes melodías pesimistas y letras inteligentes. Algunos críticos han etiquetado el atuendo:"la mejor banda perdida". 

Quiero dar espacio a este talentoso grupo y al álbum "Everclear".

¿Quiénes eran la banda "American Music Club"?

 
Una formación de indie rock estadounidense con sede en San Francisco, dirigida por el cantautor Mark Eitzel. Formada en 1982, la banda editó siete álbumes antes de separarse en 1995. Se reformaron en 2003 y lanzaron dos álbumes más.

La banda ha sido categorizada con los géneros de indie rock, folk rock y slowcore, aunque sus inicios tuvieron elementos rock americana.

Es con el disco "Everclear" con el que deseo llamar tu atención y recomendar.

ALBUM: Everclear

El quinto disco de estudio de la banda estadounidense de indie rock "American Music Club". Fue publicado el 5 de octubre de 1991. Este LP lleva a los oyentes en un viaje a través de las sombras de la experiencia humana, explorando temas de angustia, adicción y la búsqueda de significado en un mundo que a menudo parece sombrío e implacable.

"Everclear" es el mejor trabajo de "American Music Club". Beneficiándose de valores de producción mejorados, el álbum cristaliza la visión errática de la banda en un todo unificado y complejo todo. Si bien los arreglos son difusos - las canciones "Crabwalk" es alegre, "Royal Cafe" es dulce country-pop y "Rise" es un himno de rock alternativo - hay una consistencia de tono y un sentido de lugar que lo recorre.

Las composiciones de Mark Eitzel destacan y logran un equilibrio emocional; las atmosféricas "Miracle on 8th Street" y "The Confidential Agent" ofrecen evocaciones cinematográficas y vérité de relaciones en el punto de ruptura, mientras que la fuerza bruta de lamentos alcohólicos como "Sick of Food" (mi canción favorita) o el fúnebre "Why Won't You Stay" son memorables. Nunca antes ni después un personaje "perdedor" (narrativa) había sido tan grandioso.

También hay una gran interacción entre la voz altamente emotiva y que roba la atención de Mark Eitzel (que recuerda a David Sylvian) y la forma en que la banda toca de una manera tranquila y sutil que resalta todos los ricos detalles. Además de la variedad, lo más importante, al menos para mí, es la creación de estados de ánimo. Este disco los transmite. La producción confusa, orgánica y cálida aumenta los placeres incluso si el álbum es algo corto con poco más de 36 minutos.

Con todos sus magníficos momentos y elogios de la crítica, el álbum no logró encontrar una audiencia mayoritaria, un hecho que el propio Eitzel reconoció con su característico autodesprecio. En los años transcurridos desde su lanzamiento, "Everclear" se ha ganado un culto entre los fans del indie rock y la música alternativa. La influencia del LP se puede escuchar en el trabajo de otros artistas que se han inspirado en la visión poética de Eitzel y la capacidad de la banda para crear música que es a la vez profundamente personal y universalmente resonante.

En general, "Everclear" es una gran obra de indie rock que merece ser celebrada y redescubierta por amantes de la música (melómanos) de todas las generaciones.

 

Disco recomendado

 
"Everclear" es una obra imprescindible para los fans del indie rock y del "American Music Club". Su mezcla de elementos folk, rock y country, combinada con las letras conmovedoras y la voz de Mark Eitzel, crean una sensación de intimidad y vulnerabilidad que atrae al oyente.

Un "disco" perdido, es hora de redescubrir a la banda y este álbum y darlo el mérito que realmente merece.

Video del tema "Sick of Food":

Tracklist - canciones:

1.         "Why Won't You Stay"         2:59
2.         "Rise"  3:11
3.         "Miracle on 8th Street"          4:07
4.         "Ex-Girlfriend"           2:49
5.         "Crabwalk"     3:33
6.         "The Confidential Agent"      4:10
7.         "Sick of Food"           4:02
8.         "The Dead Part of You"        2:42
9.         "Royal Café"  3:23
10.       "What the Pillar of Salt Held Up"     2:38
11.       "Jesus' Hands"            3:02

Ficha:

American Music Club (músicos):

• Mark Eitzel - voz, guitarra, teclados, composición
• Bruce Kaphan – pedal steel, teclados, bajo, percusión, lap steel, dobro, guitarra, dulcimer
• Dan Pearson – bajo, guitarra, dulcimer, mandolina, banjo, voz
• Mike Simms - batería
• Vudi – guitarra, acordeón, bajo

American Music Club - producción
Bruce Kaphan – producción, mezcla, grabación
Norman Kerner - producción, grabación

SMOG - Knock Knock - Album

Post dedicada a Bill Callahan, bajo el nombre SMOG. Quiero recomendar a los melómanos su disco "Knock Knock".

 

¿Quién era la banda SMOG?

 
Pioneros de la revolución lo-fi, "Smog" era el alias del músico Bill Callahan, un cantante y compositor que personificó claramente los principios y excesos del boom de las grabaciones caseras. Melancólica, conmovedora y obsesionada consigo misma, la producción de cuatro pistas de Bill Callahan ofrecía una visión de un mundo insular de alienación y agitación interior; sus canciones dolorosamente íntimas exhiben recuerdos de la infancia, relaciones fallidas, fetiches extraños y esperanzas frustradas.

ALBUM: Knock Knock

Es el séptimo álbum de estudio de Bill Callahan, lanzado bajo su alias "Smog". Fue publicado originalmente en enero de 1999. "Knock Knock" es quizás el mejor lugar para comenzar cualquier colección de "Smog". Contiene algunas de las canciones más fuertes de Bill Callahan y su más amplia variedad de música en un solo álbum: krautrock, folk-rock, metal y ritmos con coros de niños. La portada del álbum de "Tiger (Cat) and Lightning" evoca la música: absurda, surrealista, llamativa y, lo que es más importante, memorable.

Este disco demuestra ser la colección de canciones más sutiles de Bill Callahan. Uno de los grandes logros del álbum es su tono optimista. Es un álbum conmovedor en muchos niveles; las canciones no sólo tienen la intimidad emocional habitual de "Smog", sino que sus sujetos se alejan de situaciones difíciles y claustrofóbicas hacia la madurez y la aceptación.

Canciones como "Let 's Move to the Country" y "I Could Drive Forever" tratan sobre cómo escapar. A medida que el álbum recorre los espacios emocionales entre las personas, el propio Callahan parece más alejado de estas canciones; más que nunca, sus canciones parecen más cuentos que entradas de diario, particularmente en "River Guard" y en "Sweet Treat". Los cortes "Cold Blooded Old Times" y la maravillosa "Teenage Spaceship" capturan la incomodidad de la juventud, mientras que "Left Only With Love" acepta con calma la partida de un amante.

Musicalmente, es muy folk con un sonido fluido, recuerda a Lou Reed, pero agrega giros como loops de batería, guitarras eléctricas y, si un coro de niños. "Hit the Ground Running" combina los tres elementos, impulsados por guitarras ondulantes y acentuados con cuerdas, con el coro de niños. Los loops de batería, guitarra y retroalimentación de "Held" adoptan un enfoque de collage para un sonido de rock clásico; junto con ""Cold Blooded Old Times" y "No Dancing".

Disco recomendado

Con el paso del tiempo, "Knock Knock" se revela como quizás el mejor álbum de Smog. Es extraño, desconcertante pero también muy conmovedor y, además, querrás repetirlo una y otra vez.

Busca este álbum si no estás familiarizado o con "Smog".

Video del tema "Teenage Spaceship":

Tracklist:

1.         "Let's Move to the Country"  3:05
2.         "Held" 4:02
3.         "River Guard" 6:22
4.         "No Dancing" 3:00
5.         "Teenage Spaceship"  3:58
6.         "Cold Blooded Old Times"   4:14
7.         "Sweet Treat" 2:59
8.         "Hit the Ground Running"     6:56
9.         "I Could Drive Forever"        5:15
10.       "Left Only with Love"           2:52

LUNA - Lunapark - Album

Una de mis bandas favoritas es "Galaxie 500". A partir de esta formación se creó otro maravilloso grupo por el líder, Dean Wareham, llamado Luna. "Luna" llegó a grabar algunos álbumes impresionantes que también son muy apreciados y escuchados regularmente por mi.

En este blog de música quiero destacar y llamar tu atención sobre el disco debut de "Luna" titulado "Lunapark". Una grabación maravillosa que sentaría las bases de su sonido y álbumes posteriores.

 

ALBUM: Lunapark

Es el debut de la banda de indie rock "Luna" publicado en 1992. El título del álbum lleva el nombre del parque de atracciones en Coney Island, Brooklyn, Nueva York.

Como la primera entrega musical de Dean Wareham desde la disolución de "Galaxie 500", "Lunapark" estableció las nuevas direcciones musicales de Wareham y adoptó un sonido musical que continuaría evolucionando durante el mandato de "Luna".

En este debut (y banda), Wareham forma equipo con Justin Harwood (bajo) y Stanley Demeski (batería) inmediatamente después de trabajar en "The Chills" y "The Feelies", respectivamente. Se puede decir que se trata de una especie de "supergrupo". El familiar sonido de Wareham y su guitarra en cámara lenta crean una maravillosa tensión cuando se yuxtaponen con el bajo melódico de Harwood y la batería hiperactiva de Demeski, como si cada miembro todavía estuviera tocando con su antigua banda.

El álbum creo relativos éxitos de radio, el edificante y depresivo "Slide" y el nervioso "Slash Your Tires", pero la mayoría de las 12 canciones tienen ganchos de guitarra memorables, estribillos pegadizos y las letras inexpresivas de un recién descubierto Dean Wareham. Las "joyas" menos conocidas incluyen "I Can't Wait" y el cierre "We're Both Confused". Los invitados a este disco cuentan notablemente con el co-líder de la banda "Mercury Rev", Grasshopper, quien agrega guitarra adicional a aproximadamente un tercio del álbum.

La música que se encuentra aquí es diferente a la que se encuentra en cualquier otro álbum posterior de "Luna", está un poco más dispersa, menos suave y bien definida, simplemente insinuando hacia dónde se dirigiría "Luna" en el futuro. Sin embargo, este disco sirve como preparación para su brillante siguiente (y su mejor) disco "Bewitched" (1994).

En resumen, "Lunapark" es un álbum importante que no sólo lanzó la carrera de "Luna" sino que también capturó un momento de transición para Dean Wareham. Es elogiado por su composición inteligente, melodías atractivas y el sonido distintivo que definiría a la banda en los años siguientes.

 

Disco recomendado

 
"Lunapark" es un debut significativo e influyente que ha resistido la prueba del tiempo, lo que lo convierte en una escucha obligada para los fans del indie pop y el rock alternativo. También es imprescindible para los fans del "Galaxie 500".

Video del tema "Slash Your Tires":

Tracklist:

1. "Slide" – 4:19
2. "Anesthesia" – 3:40
3. "Slash Your Tires" – 4:46
4. "Crazy People" – 3:35
5. "Time" – 2:04
6. "Smile" – 3:05
7. "I Can't Wait" – 2:42
8. "Hey Sister" – 3:41
9. "I Want Everything" – 4:25
10."Time to Quit" – 3:04
11."Goodbye" – 2:25
12."We're Both Confused" – 3:54

Créditos:

Luna (Banda):

•  Dean Wareham - guitarras, voz
• Justin Harwood - bajo, coros
• Stanley Demeski - batería, percusión

 con:

•  Grasshopper - guitarra eléctrica en "Slide", "Hey Sister" y "I Want Everything"
• Mark Kramer - piano en "I Want Everything", órgano Hammond en "We're Both Confused"
• David Kleiler - guitarra eléctrica en "Time to Quit"
• Sara T. Walker - coros en "Smile
• Fred Maher - guitarra acústica en "We're Both Confused"

Técnico:

• Fred Maher - productor

LOW - I Could Live in Hope

ALBUM: I Could Live in Hope

 
El álbum debut de estudio de la banda estadounidense de indie rock "Low". Fue publicado el 2 de diciembre de 1994. Se dice que es parte de una reacción al estilo duro del rock alternativo de principios de la década de 1990, especialmente cuando el grunge era popular. Low "evitó la composición convencional en favor del estado de ánimo", lo que animó a muchos a citarlos como "pioneros del slowcore": es decir, música de ritmo lento impulsada por instrumentos que mantiene una estética indie. Sin embargo, ninguna categoría puede revelar verdaderamente la belleza del disco debut de Low.

Influenciada por "Brian Eno" y los ingleses "Joy Division", la banda, en colaboración con el veterano productor y figura del underground neoyorkino Mark Kramer, favoreció composiciones de ritmo lento, un mínimo de instrumentación y una economía de lenguaje. Considerado un trabajo fundamental en el género slowcore, este álbum se caracteriza por su sonido escaso y melancólico y su enfoque minimalista, con composiciones simples. El uso que hace la banda de tempos tranquilos y lentos y de inquietantes armonías vocales crea una experiencia auditiva profundamente atmosférica y emocionalmente resonante.

Sin embargo, aunque contiene un "feel" oscuro, "I Could Live in Hope" es un viaje increíblemente alegre de espíritu y sensibilidad compositiva. El disco permanece suave y escaso en todo momento (solo guitarra, bajo, charles y caja, y voces angelicales del equipo formado por marido y mujer formado por Alan Sparhawk y Mimi Parker).

En esta obra "Low" examina sus propios miedos y experiencias inquietantes, vinculandose ocasionalmente con referencias bíblicas, mientras consuela a los oyentes con cálidas capas de voces etéreas y ondas de reverberación de guitarra. Las canciones son títulos simples de una palabra y eso es todo lo que requieren; más información arruinaría la elegancia del disco.

Quizás por eso el álbum abre con "Words", una canción sobre el uso excesivo e incorrecto del lenguaje, que marca la pauta de todo el álbum, hasta su quejosa y apasionada versión de "Sunshine". Cada pequeño matiz de la producción es evidente al capturar los paisajes sonoros más exuberantes. Por lo tanto, "I Could Live in Hope" para mí es un debut casi impecable, producido con destreza por Mark Kramer. Cada canción es vital y es una pieza integrada del rompecabezas más grande. El estado de ánimo general y la atmósfera del álbum, con un enfoque en crear una sensación de estado de ánimo y movimiento en lugar de la composición convencional, es contemplativo e hipnótico, centrándose tanto en el espacio que ocurre entre las notas como en las notas mismas.

Aquí hay algunas canciones destacadas: "Cut", "Rope", "Lullaby", "Down", "Lazy", "Fear" - quizás la canción más fuerte. Un disco en general absolutamente impresionante.

Por último, este LP dejó un legado. Con un "ritmo sin precedentes en la entonces floreciente escena underground", "I Could Live in Hope" ayudó a dar origen al género "slowcore" y fortalece el "dream pop", estilos que abarcan bandas desde "Bedhead" hasta "Codeine" en la década de 1990.

Disco recomendado

 
"I Could Live in Hope" de Low es un importante álbum debut que sentó las bases para el sonido característico de la banda y los estableció como pioneros del "género slowcore". El enfoque minimalista del álbum, las inquietantes armonías vocales y los temas introspectivos han dejado un impacto duradero en la industria musical y continúan resonando entre los oyentes. "Low" pueden ser etiquetados como "slowcore", pero en realidad simplemente hacen que la música hermosa parezca sencilla.

Busca este disco, es realmente hermoso.

Video del tema "Rope":

Tracklist: 

1.         "Words"           5:45
2.         "Fear"              2:12
3.         "Cut"               5:43
4.         "Slide"            3:46
5.         "Lazy"             5:35
6.         "Lullaby"        9:46
7.         "Sea"               1:45
8.         "Down"           7:24
9.         "Drag"             5:11
10.       "Rope"            6:11
11.       "Sunshine" (Oliver Hood)      2:59

Músicos:

• Alan Sparhawk - guitarra, voz
• Mimi Parker - percusión, voz
• John Nichols - bajo

 Mark Kramer – producción

Video del impresionante tema "Lullaby":

DUSTER - Stratosphere - 25th Anniversary edition - Album (2023)

Duster, la banda estadounidense de indie rock de San José, California, se formó en 1996. El grupo ha estado formado por los multiinstrumentistas Clay Parton, Canaan Dove Amber y Jason Albertini durante la mayor parte de su historia; Albertini dejó la banda en 2022. Duster está asociado con los movimientos del slowcore (lo-fi) y el space rock durante la década de 1990. La banda suele grabar en equipos de grabación antiguos y baratos, como casetes, lo que le da a su música una calidad de baja fidelidad.

Tienen un gran seguimiento de fieles que se ha renovado gracias a las redes sociales y la aparición de sus canciones. El sello discográfico "The Numero Group" ha reeditado su primer álbum "Stratosphere" bajo la "excusa" de celebrar su 25º aniversario.

El "mejor" disco de Duster - para mi - y hora el momento correcto para pasar la voz a quienes no están familiarizados con este grupo y este álbum.

ALBUM: Stratosphere - 25th anniversary edition

Este es el álbum debut de estudio de la banda estadounidense de slowcore "Duster". El disco se publicó por primera vez el 24 de febrero de 1998 y se ha reeditado el 29 de septiembre de 2023, coincidiendo con su 25 aniversario. La portada del álbum es una fotografía tomada de una edición de noviembre de 1970 de la revista "Life" por Sam Ehrlich en Alberta, Canadá.

Acertadamente llamado "Stratosphere", este disco navega a través del espacio exterior. Clay Parton y Dove Amber ofrecen un imaginativo sonido melódico lo-fi que fusiona noise rock, emo, post-rock y shoegaze. En este debut, "Stratosphere", Duster explora las profundidades de la melancolía. Al igual que la capa atmosférica de la que toma su nombre, este LP es una vasta extensión que anima a la mente a desenmarañar en una contemplación infinita. Utilizando melodías de guitarra cíclicas y simplistas y texturas electrónicas densamente tejidas, las canciones caen en un estado de sublimidad.

Escucharás piezas que te recuerdan a "Sonic Youth" en la forma en que se superponen las guitarras y a "Pavement" en los ritmos escalonados. Además, Duster tiene mucho en común con "Codeine", las dos bandas comparten el mismo sentimiento lento y emocional. Sin embargo, el espacio es la temática que siempre ha dominado la música de "Duster", junto con la melodía.

Las canciones avanzan con guitarras embarradas y cambios simples de acordes; las voces se esconden en la mezcla y lentamente se revelan hermosas melodías. Canciones como "The Landing" o "Inside Out" son hermosas a su manera y parecen transmisiones desde un puesto avanzado desolado en la galaxia. La mayor parte del álbum sigue este modelo básico, a veces con teclados añadidos o distorsión de guitarra. Todo es muy adormecedor, hipnótico, hasta que el grupo arranca la alfombra con una explosión de indie de vanguardia como el gran tema "Echo, Bravo", con sus tambores atronadores, retroalimentación y ruido de heavy metal o la canción principal, que tararea y zumba durante casi siete minutos. Luego, cuando la calma sonora y el ruido se combinan en la misma canción, como en "Reed to Hillsborough" o "Earth Moon Transit", es indie rock en su forma más brillante. Cuando el álbum termina, después de casi una hora de voces murmuradas, melodías delicadas, ruido y ensoñaciones, parece como si hubiera tenido lugar un viaje y estuvieras en el traje de astronauta.

En "Stratosphere", Duster reúne todos los componentes a la perfección. Este disco es una obra maestra del indie rock de baja fidelidad. Slowcore, con un puñado de temas que alguna vez alcanzan un tempo moderado. Este álbum sobresale en atmósfera.

Disco recomendado

Aquellos que extrañaron a Duster la primera vez están de enhorabuena con este álbum. Aquellos que los recuerdan bien, incluido yo mismo, disfrutaremos de este viaje al pasado.

A los melómanos y los amantes de la música que siguen a Codeine, Sonic Youth, Pavement y Galaxie 500 les encantará este disco. Es un gran álbum, encuéntralo y escúchalo.

Video del tema "Bravo, Echo":

Tracklist:

1 Moon Age
2 Heading for the Door
3 Gold Dust
4 Topical Solution
5 Docking the Pod
6 The Landing
7 Constellations
8 The Queen of Hearts
9 Two Way Radio
10 Inside Out
11 Stratosphere
12 Reed to Hillsborough
13 Shadows of Planes
14 Earth Moon Transit
15 The Twins/romantica
16 Sideria
17 Echo, Bravo (bonus Track)

Duster:

• Dove Amber (acreditada como C. Amber): actuación, producción, mezcla
• Clay Parton (acreditado como E. Parton): interpretación, producción, mezcla
• Jason Albertini - batería (pistas 2, 8, 12)