GEORGE HARRISON - All Things Must Pass

ALBUM: All Things Must Pass

Lanzado como un triple álbum en noviembre de 1970, fue el primer trabajo en solitario de George Harrison después de la disolución de "The Beatles" en abril de ese año. El LP original de vinilo consta de dos LP de canciones y un tercer disco de improvisaciones informales titulado "Apple Jam". Esta obra incluye los singles de gran éxito "My Sweet Lord" y "What Is Life", así como canciones como "Isn't It a Pity" y la canción principal que se había pasado por alto para su inclusión en los lanzamientos de "The Beatles". Entre el gran elenco de músicos de apoyo se encuentran Eric Clapton y miembros de la banda "Delaney & Bonnie & Friends", tres de los cuales formaron "Derek and the Dominos" con Clapton durante la grabación, así como Ringo Starr, Gary Wright, Ginger Baker, Billy Preston, Klaus Voormann, Peter Frampton, John Barham, Badfinger y Pete Drake

El álbum refleja la influencia de artistas sobre Harrison como Bob Dylan, The Band, Delaney & Bonnie and Friends y Billy Preston durante 1968–70, y su crecimiento como músico y compositor. Este disco también presenta el sonido de guitarra "slide" característico de Harrison y los temas espirituales presentes a lo largo de su trabajo en solitario posterior.

Este trabajo fue grabado durante un período creativo de George Harrison, después de la disolución de The Beatles. Presenta una mezcla de rock, folk y música folclórica de la India, y ha sido ampliamente aclamado por su composición y producción. El título y los temas del álbum reflejan el viaje espiritual y los puntos de vista filosóficos de Harrison. El álbum está fuertemente influenciado por el interés de Harrison en la música india y la espiritualidad, así como por su deseo de romper con las limitaciones de "The Beatles". Producido por Phil Spector, conocido por su estilo de producción "Wall of Sound", contiene un sonido rico y con capas (overdub) sonoras.

Durante años y años, Harrison se vio ensombrecido por los talentos de McCartney & Lennon para componer canciones. Las frustraciones de tener tantas grandes canciones rechazadas por John y Paul finalmente se convirtieron en una bendición, ya que George no solo se quedó con un montón de material de impresionantes composiciones, sino que también sintió la determinación de interpretarlas de la manera más apasionada y liberada posible. Este álbum es un gran logro para George Harrison; una extensa obra de tres discos que captura la esencia del artista en un momento crucial de su carrera y finalmente lo pone "oficialmente" al mismo nivel (y logra el reconocimiento) junto con sus ex compañeros de banda de "The Beatles".

La salida de Harrison de "The Beatles" estuvo marcada por un período de intensa creatividad y autodescubrimiento, y "All Things Must Pass" es el resultado de ese viaje. La mezcla de rock, folk y música india es perfecta, y es evidente que Harrison estaba ansioso por explorar nuevos horizontes musicales y expresarse de una manera que no era posible dentro de las limitaciones de su antigua banda. Basándose en su acumulación de composiciones no utilizadas, Harrison elaboró material que logró transmitir misticismo espiritual sin sacrificar la melodía y la accesibilidad.

Aquí hay algunas canciones sobresalientes que propongo que explores:

• "My Sweet Lord": una canción devocional que se convirtió en un gran éxito y una de las canciones más famosas de Harrison.
• "Isn't It a Pity": una balada sincera que muestra las habilidades de composición de canciones de Harrison,
• "What Is Life": una canción "funky" y alegre que presenta una mezcla de influencias de la India y el rock.
• "If Not for You" (versión de Dylan): una canción de amor dulce y gentil que ha sido versionada por muchos artistas.
• "Behind That Locked Door": una canción más introspectiva y espiritual que presenta un arreglo de guitarra acústica simple,
• "Let It Down": una canción folclórica y atmosférica que presenta una suave guitarra acústica y piano...

mencionadas estas, hay muchas otras canciones y material excelentes para satisfacer todos los gustos. En general, canción por canción, el disco es un tour de force, con la composición de temas de Harrison sincera, perspicaz y profundamente espiritual.

También hay mucho material de sesiones "jam" improvisadas que componen el último tercio (el tercer disco) del álbum interpretado por Eric Clapton, Carl Radle, Bobby Whitlock y Jim Gordon... etc. Algunos críticos afirman que este tercer disco de improvisaciones podría haberse quedado fuera, pero creo que los fans y los amantes de la buena música verán el valor y apreciarían su disponibilidad.

Un disco recomendado. Un álbum hermoso, fluido y pegadizo, "All Things Must Pass" es una obra maestra que muestra el crecimiento musical y espiritual de George Harrison, y sigue siendo uno de los álbumes más influyentes en el género del rock. Por último, este es posiblemente el mejor álbum en solitario entre todos los álbumes en solitario grabados por todos los demás "Beatles", con permiso de "Plastic Ono Band" de Lennon y "Ram" de McCartney. 

Si aún no lo conoces, especialmente el lector más joven, buscarlo por los canales digitales habituales de música y darlo una escucha.

Video del tema "My Sweet Lord":

Tracklist (formato 3xLP original):

Side 1:

"I'd Have You Anytime" (Harrison, Bob Dylan) – 2:56
"My Sweet Lord" – 4:38
"Wah-Wah" – 5:35
"Isn't It a Pity (Version One)" – 7:10

Side 2:

"What Is Life" – 4:22
"If Not for You" (Dylan) – 3:29
"Behind That Locked Door" – 3:05
"Let It Down" – 4:57
"Run of the Mill" – 2:49

Side 3:

"Beware of Darkness" – 3:48
"Apple Scruffs" – 3:04
"Ballad of Sir Frankie Crisp (Let It Roll)" – 3:48
"Awaiting on You All" – 2:45
"All Things Must Pass" – 3:44

Side 4:

"I Dig Love" – 4:55
"Art of Dying" – 3:37
"Isn't It a Pity (Version Two)" – 4:45
"Hear Me Lord" – 5:46

Side 5 (Apple Jam):

"Out of the Blue" – 11:14
"It's Johnny's Birthday" (Bill Martin, Phil Coulter, Harrison) – 0:49
"Plug Me In" – 3:18

Side 6 (Apple Jam):

"I Remember Jeep" – 8:07
"Thanks for the Pepperoni" – 5:31

Músicos:

• George Harrison: voz, guitarra eléctrica y acústica, dobro, armónica, sintetizador Moog, armonio, coros;
• Eric Clapton - guitarras eléctricas y acústicas, coros
• Gary Wright - piano, órgano, piano eléctrico
• Bobby Whitlock - órgano, armonio, piano, campanas tubulares, coros
• Klaus Voormann - bajo, guitarra eléctrica en "Out of the Blue"
• Jim Gordon - batería
• Carl Radle - bajo
• Ringo Starr - batería, percusión
• Billy Preston - órgano, piano
• Jim Price - trompeta, trombón
• Bobby Keys - saxofones
• Alan White - batería, vibráfono
• Pete Drake - pedal de acero
• John Barham - arreglos orquestales, arreglo coral, armonio, vibráfono
• Pete Ham - guitarra acústica
• Tom Evans - guitarra acústica
• Joey Molland - guitarra acústica
• Mike Gibbins - percusión
• Peter Frampton - guitarra acústica
• Dave Mason - guitarras eléctricas y acústicas
• Tony Ashton: piano
• Gary Brooker: piano
• Mal Evans - percusión, voz en "It's Johnny's Birthday"
• Ginger Baker - batería en "I Remember Jeep"
• John Lennon - aplausos en "I Remember Jeep"
• Yoko Ono - aplausos en "I Remember Jeep"
• Al Aronowitz - contribución no especificada en "Out of the Blue"
• Eddie Klein - voz en "It's Johnny's Birthday"

BRONSKI BEAT - The Age of Consent

ALBUM: The Age of Consent

El álbum debut de la formación británica "Bronski Beat" (Steve Bronski, Larry Steinbachek y Jimmy Somerville), publicado el 15 de octubre de 1984. Este fue el único disco lanzado por la banda con Somerville, quien dejó la banda en 1985. La funda interior del LP tiene una lista de tablas de la edad mínima para las relaciones homosexuales lícitas entre hombres en cada país de Europa, acompañada del número de teléfono de un servicio de asesoramiento jurídico gay.

Este es un álbum activista y necesita ser puesto en un contexto. Para 1984, muchos países europeos habían reducido la edad de consentimiento para actos homosexuales a 16 años, pero permaneció en los 21 en el Reino Unido, habiendo sido despenalizado parcialmente en 1967. Homosexualidad no fue 'legalizado' en Escocia, donde nació Jimmy Somerville, hasta 1981. La redacción de la legislación para despenalizar también incluía una redacción que imponía restricciones como hacer ilegal el uso de una habitación de hotel para el sexo. La homosexualidad fue estigmatizada aún más allá de las restricciones impuestas a las personas homosexuales, y la homofobia era un peligro para gays. En este contexto, el trío se formó en 1983 en Londres y luego lanzó este LP. En general, teniendo en cuenta el período y las actitudes anti-gay en curso de su época, este disco fue revolucionario, aparte de un gran álbum de dance synth pop. Muchas canciones fueron remezcladas y eran grandes éxitos de pista de baile que sonaron en todo el mundo, por ejemplo, "Smalltown Boy".

El tenor con la voz altísima, Jimmy Somerville, fue único y el elemento diferencial. Cantó canciones sobre temas relacionados con la homofobia y la alienación experimentada como hombre gay. Al principio, los críticos vieron todo como un "truco de marketing y de la moda" para aprovechar la explosión de la escena del baile (disco) enfocado al público gay. Pero con el tiempo finalmente se dio cuenta de que se pueden expresar poderosos mensajes sociales envueltos en música de baile electrónica brillante y entretenida. De hecho, esto fue "LGBTI" antes de que existieran las "letras" LGBTI.

"The Age of Consent" ahora se considera un gran disco de synth pop por varias razones:

•  Sonido innovador: el álbum combina el synth pop tradicional con elementos de la nueva ola (new wave) y la música dance "Hi-NRG",
• Mensaje político: Aborda importantes temas políticos y sociales como la homosexualidad y la crisis del SIDA, brindando un poderoso mensaje a través de su música,
•  Ganchos pegadizos: hay numerosos ganchos y coros memorables, lo que lo convierte en un divertido y bailable obra,
• Voz mágica: el cantante Jimmy Somerville ofrece una voz poderosa que agrega profundidad emocional a los temas,
• Atemporal: los temas y el sonido han resistido la prueba del tiempo, lo que lo convierte en un disco de synth pop clásico e influyente.

Las canciones que se destacan - para mi - son el gran éxito "Smalltown Boy" (la historia de un joven que huye de su familia después de ser intimidado por ser gay), "Why?", la versión de Gershwin "It Ain't Necessarily So" y el melody "I Feel Love / Johnny Remember Me / Love To Love You Baby", versiones de Donna Summer-Moroder. Además de música hi-energy disco, escucharás soul, sin mencionar las influencias de "Soft Cell". Recuerdo que en este periodo surgen "Pet Shop Boys", "Erasure", "Frankie Goes to Hollywood"...etc. 

Disco recomendado. Una obra audaz y pionera; Jimmy Somerville es un cantante increíble y único. La música es genial para bailar y todavía es una escucha fabulosa. Aunque su contenido social y activismo, etc. es aún necesario y está siempre presente, intenta ponerlo todo en un segundo plano y enfócate en la música, solo en la música.

¡Un gran álbum!

Video del tema "Smalltown Boy":

Tracklist:

1.         "Why?"                      5:55
2.         "It Ain't Necessarily So" 4:40           
(George Gershwin, Ira Gershwin, DuBose Heyward, Dorothy Heyward)
3.         "Screaming"               4:13
4.         "No More War"                     3:52
5.         "Love and Money"     5:08
6.         "Smalltown Boy"                  5:00
7.         "Heatwave"               2:41
8.         "Junk"                   4:17
9.         "Need-a-Man Blues"  4:19
10.       "I Feel Love/Johnny Remember Me" 5:59   
(Giorgio Moroder, Pete Bellotte, Donna Summer/Geoff Goddard)

MY BLOODY VALENTINE - Loveless

ALBUM: Loveless

El segundo álbum de estudio de la banda de rock anglo-irlandesa My Bloody Valentine fue publicado el 4 de noviembre de 1991. El vocalista y guitarrista Kevin Shields dirigió las sesiones de grabación experimentando con vibrato de guitarra, afinaciones no estándar, samplers digitales y meticulosos métodos de producción. La banda contrató diecinueve estudios diferentes y varios ingenieros durante la prolongada grabación del álbum. El disco se grabó en gran parte en sonido mono, ya que Shields consideró importante que el sonido del álbum consistiera en "el golpe de guitarra en el medio y sin coro, sin efecto de modulación" (sus palabras).

"Loveless" ha sido ampliamente citado por los críticos como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos, un trabajo histórico del subgénero shoegaze y una influencia significativa en varios artistas y bandas posteriores. Uno de los elementos más llamativos es la producción. Shields era conocido por su meticulosa atención a los detalles en el estudio, y eso se nota en el producto final. El álbum es una clase magistral en capas y diseño de sonido, con cada instrumento y elemento perfectamente ubicado en la mezcla. El resultado es una experiencia auditiva inmersiva que exige atención y exige ser escuchado en auriculares de buena calidad.

La canción que abre, "Only Shallow", establece el tono de todo el álbum con sus riffs de guitarra arremolinados y voces distorsionadas. El uso de la retroalimentación y manipulación de la guitarra es un tema recurrente a lo largo del álbum, agregando una capa de caos sonoro a las melodías. Los arreglos de "Loomer", "What You Want" y "To Here Knows When" son tan exuberantes que son prácticamente tangibles. Con sus voluptuosas pero etéreas melodías y arreglos, esta obra insinúa sensualidad y sexualidad en lugar de enunciarlas explícitamente; las voces de Kevin Shields y Bilinda Butcher combinan a la perfección con los sonidos sugerentes. Desde la apertura hasta reflexiones entrecortadas como "Sometimes" y "Blown a Wish", el álbum equilibra la complejidad y las melodías pop. La última canción, "Soon", aparentemente hizo flipar a Brian Eno al afirmar que era un "cambio de juego". Más compacto que los otros temas, los siete minutos de delicadas guitarras retumbantes ponen fin al estado de "dream" que induce este álbum. Por cierto, el "Andrew Weatherall Remix" de "Soon" es brillante, uno de los mejores remixes que se han hecho jamás y un gran éxito en las pistas de baile de todo el mundo en ese momento. Por favor busca y escucha.

El sonido del álbum es una mezcla de noise pop mezclado con dream pop con algo de gothic y electrónica para añadir color. Desde el principio, se presenta un "wall of sound" que envuelve por completo al oyente y continúa durante el resto del álbum. Esto no quiere decir que el álbum sea solo una gran pieza de noise, también hay momentos "suaves" a lo largo del álbum.

Un disco recomendado. No es una escucha fácil, pero es gratificante. Uno de los puntos fuertes de "Loveless" es su sencillez. En la superficie, el LP puede sonar complicado, pero las capas de sonido crean esa ilusión. Es un disco profundo con ideas simples, realzado por esas capas. Si bien muchos álbumes se pueden explicar de una manera que brinda a los oyentes una guía sobre qué esperar, este debe ser escuchado y agarrado. Algunos pueden "iluminarse" instantáneamente; muchos lo ignorarán demasiado pronto, y otros tendrán que luchar con él hasta que haga "clic"; quizás esta sea la más gratificante de las experiencias con esta obra.

Una verdadera obra maestra del género "shoegaze" y un álbum que empuja los límites de lo que es posible en la música. El uso del ruido y la disonancia por parte de la banda puede ser abrumador a veces, pero también agrega una sensación de profundidad y complejidad a las canciones. El disco es un auténtico clásico y de obligada escucha para cualquier aficionado al rock experimental y de vanguardia.

Video del tema "Soon":

Tracklist:

1.         "Only Shallow"                      4:17
2.         "Loomer"                    2:38
3.         "Touched"(instrumental) 0:56
4.         "To Here Knows When"        5:31
5.         "When You Sleep"     4:11
6.         "I Only Said"             5:34
7.         "Come in Alone"                   3:58
8.         "Sometimes"              5:19
9.         "Blown a Wish"                     3:36
10.       "What You Want"                 5:33
11.       "Soon"                        6:58

OTIS RUSH (ALBERT KING) - Door to Door - Album

Dedico un post a un extraordinario guitarrista e intérprete de blues de Chicago, Otis Rush. Después de un breve resumen del músico, recomiendo un álbum que está bajo la imagen de otra leyenda del blues, Albert King, pero que tiene a Otis Rush como el "otro músico" dentro del repertorio de 14 temas.

Otis Rush (Bluesman y guitarrista)

Conocido por su estilo único, se caracterizó por su fraseo intenso y emotivo y su uso de una técnica distintiva de tocar la guitarra eléctrica al revés para zurdos. Su estilo ha sido considerado como una de las influencias más importantes para muchos guitarristas de blues y rock, y ha sido descrito como un puente entre el blues tradicional de Chicago y el sonido moderno del blues rock. Otis Rush es un artista que merece más reconocimiento y respeto, y sus álbumes son considerados obras maestras atemporales del género blues.

ALBUM: "Door to Door" (Compilación)

Fue publicado en octubre de 1969, y aunque Albert King aparece en la portada y con la mayor parte de las canciones, seis de las catorce pistas provienen de Otis Rush y son algunas de sus mejores.

Albert King y Otis Rush comparten el centro de atención en una colección de canciones que muestran sus habilidades únicas con la guitarra y su poderosa voz. Incluye versiones de estándares de blues y algunas canciones originales, y se considera un gran ejemplo de la interpretación de los dos guitarristas. Pero hay una trampa que debe quedar clara desde el principio; si no supieras mejor, pensarías que un álbum acreditado a "Albert King & Otis Rush" es una especie de colaboración entre los dos guitarristas de blues zurdos. No lo es, "Door To Door" es simplemente una colección de los sencillos que King y Rush grabaron durante su corta permanencia con los hermanos Chess en Chicago.

Tres de los seis temas de Otis Rush son "remakes" de canciones que grabó años antes con "Cobra Records", pero estas sesiones también produjo la versión original de una de sus mejores canciones, "So Many Roads, So Many Trains", que presenta lo que debe ser uno de los mejores solos de guitarra de blues lento de todos los tiempos, así como la conmovedora interpretación de piano de blues de Lafayette Leake. Igual de buenas son "So Close", "I'm Satisfied" y "All Your Love"... por ejemplo.

Albert Kings no se queda atrás y su presencia se siente, escucha y se aprecia. Dos canciones son auténticas joyas: "Wild Woman", con los dedos de King y las cuerdas vocales en un dúo animado de una canción de Howlin' Wolf-Willie Dixon, y "Howlin' for My Darling", completa con trompeta, saxofones y un ritmo entrecortado.

En pocas palabras, este disco es un recopilatorio increíble y un lugar para apreciar a Otis Rush en sus mejores momentos. El valor es que uno también tiene a Albert King en "el paquete", por lo tanto, dos de los mejores músicos de blues de Chicago. Como se mencionó anteriormente, dos canciones realmente hacen que todo valga la pena: "All Your Love", una nueva versión de su anterior éxito Cobra Records: blues urbano con ritmo latino sólido de Willie Dixon y Odie Payne, y el ahora clásico, "So Many Roads". Estos, junto con "I Can't Quit You Baby", garantizan la inmortalidad de Otis Rush, la banda está completamente unida y Rush literalmente se ahoga de emoción.

Disco recomendado. "Door to Door" es una oferta brillante tanto para los fans del blues como para los nuevos en el género. El álbum muestra la maestría musical excepcional y la poderosa voz de Otis Rush y Albert King; dos de los mejores guitarristas de blues de todos los tiempos. El disco es un gran ejemplo del sonido del blues de Chicago, con ritmos de conducción, riffs de guitarra poderosos y voces emotivas. Es un LP imprescindible, ¿dónde puedes encontrar un álbum que ofrezca dos leyendas por el precio de una? Además, si estás descubriendo a Otis Rush, muchos también van a flipar con Albert King. Búscalo en las plataformas digitales de música habituales.

Video del tema "All Your Love":

Tracklist (formato LP):

A1                   Searching For A Woman       3:00
A2                   Bad Luck        3:01
A3                   So Close         2:46
A4                   Howlin' For My Darling        3:03
A5                   I Can't Stop    2:13
A6                   Won't Be Hangin' Around     2:54
A7                   I'm Satisfied   2:20

B1                   All Your Love            2:54
B2                   You Know My Love  2:40
B3                   Merry Way     2:52
B4                   Wild Woman  2:38
B5                   Murder            2:55
B6                   So Many Roads          3:10
B7                   California Blues         2:47

IDLES - Joy as an Act of Resistance

ALBUM: Joy as an Act of Resistance

El segundo álbum de estudio publicado el 31 de agosto de 2018. Lo he recuperado de mi selección éste discos para darlo una escucha y me confirma de nuevo lo bueno que es. Y con este pretexto dedico este post.

"Joy as an Act of Resistance" alcanzó el puesto #5 en la lista de álbumes del Reino Unido y lanzó dos singles oficiales: "Danny Nedelko" y "Never Fight a Man with a Perm". El disco es una pieza políticamente cargada y musicalmente dinámica que muestra la combinación única de energía punk y letras que invitan a la reflexión de la banda. El álbum trata temas de masculinidad, amor, salud mental e injusticia social, entregados con emoción y un sentido de urgencia. Fue aclamado por muchos como uno de los mejores álbumes de 2018.

Idles extrae influencias para este LP de una variedad de bandas punk y post-punk. La banda ha citado influencias como "The Clash", "Wire" y "Public Image Ltd", que se pueden escuchar en las letras políticas y en el sonido. El uso que hace la banda de contrastes dinámicos y estructuras de canciones poco convencionales recuerda a bandas post-punk como "Gang of Four" y "The Fall". El álbum también incorpora elementos de hardcore punk, con influencias como "Black Flag" y "Refused", que se pueden escuchar en las voces agresivas y la percusión. Además, el uso de la banda de samples de palabras e interludios hablados, así como la narrativa conceptual del álbum, recuerdan a las primeras bandas de música industrial como "Throbbing Gristle" y "Cabaret Voltaire".

La canción de apertura, "Colossus", marca la pauta con su percusión y letras puntiagudas sobre la masculinidad tóxica. Las siguientes canciones, como "Danny Nedelko" y "Never Fight a Man with a Perm", continúan abordando problemas sociales con una combinación de humor y críticas agudas. El uso que hace la banda de contrastes dinámicos, como la tranquila introspección de "June" y la energía explosiva de "Samaritans", mantiene el álbum interesante y variado. El corte destacado del álbum, "Television", es un poderoso himno sobre los peligros de consumir ciegamente los medios y la importancia de la autoconciencia. 

La instrumentación es genial, es pesada, lo suficiente como para que casi se pueda considerar un álbum de metal con cambios mínimos. La guitarra es fuerte con riffs originales que funcionan bien junto con las voces, el bajo trabaja para darle profundidad a la música y la percusión es sólida, se sienten reactivos a la música y bastante dinámicos a lo largo del álbum.

Por tanto, es crudo, intransigente y subversivo. Pero también es tierno, sincero y optimista. Con una excelente producción que evita muchas de las trampas de grabar música heavy, este disco se encuentra entre los más intensos emocionalmente y políticamente de los últimos años.

Disco Recomendado. "Joy as an Act of Resistance" es un álbum importante y poderoso que muestra la voz y el mensaje únicos de "Idles" en el género punk. Gran introducción a la banda y para los fans del rock políticamente cargado y musicalmente dinámico. En pocas palabras, un gran álbum.

Video del tema "Danny Nedelko":

Tracklist:

1.         "Colossus"      5:39
2.         "Never Fight a Man with a Perm"     3:48
3.         "I'm Scum"     3:09
4.         "Danny Nedelko"       3:24
5.         "Love Song"   3:05
6.         "June"  3:35
7.         "Samaritans"   3:30
8.         "Television"    3:12
9.         "Great"            2:44
10.       "Gram Rock"  2:29
11.       "Cry to Me" (Solomon Burke cover) 2:14
12.       "Rottweiler"    5:25

ARETHA FRANKLIN - Lady Soul

ALBUM: Lady Soul

El duodécimo álbum de estudio de la cantante estadounidense Aretha Franklin publicado el 22 de enero de 1968.

Aretha Franklin está aquí con toda sus fuerzas, demostrando que fue una de las mejores cantantes del siglo XX. La música también es excelente, con invitados como Bobby Womack y Eric Clapton a la guitarra, el coro de acompañamiento "The Sweet Inspirations" (formación con la madre de Whithey Huston, junto con las dos hermanas de Aretha), King Curtis... y otros. Es un álbum vibrante donde incluso las pocas canciones más lentas también tienen swing. El disco presenta algunas de las canciones más populares y duraderas de Franklin, que incluyen "(You Make Me Feel Like) A Natural Woman", "Chain of Fools" y "Since You've Been Gone (Sweet Sweet Baby)".

El LP se considera un clásico de la música soul y, a menudo, se cita como uno de los mejores trabajos de Franklin. Los críticos han elogiado el álbum por su combinación de voces poderosas, letras emotivas y la maestría musical. La voz de Franklin está en plena forma a lo largo del álbum, mostrando su increíble rango y habilidad para transmitir emociones. La composición de las canciones es fuerte y está bien elaborada, y muchas de las canciones siguen siendo populares y están siendo versionadas en la actualidad. Este es el mejor álbum de Aretha, en el que todo se unió, mostrando todo su potencial como cantante de soul y estrella del pop.

La canción que abre el álbum, "(You Make Me Feel Like) A Natural Woman", fue escrita por Carole King, Gerry Goffin y Jerry Wexler, y se convirtió en uno de los mayores éxitos de Franklin. La canción ha sido versionada por muchos artistas y es considerada una de las mejores canciones de todos los tiempos. "Chain of Fools", escrita por Don Covay, es otra destacada del álbum y le valió a Franklin un Grammy a la "Mejor Interpretación Vocal Femenina de R & B". "Since You've Been Gone (Sweet Sweet Baby)" es otro punto culminante, con su tempo alegre y un estribillo pegadizo, mientras que "People Get Ready" de Curtis Mayfield, un himno de derechos civiles de 1965, está tomado a un ritmo más lento que el original; después de un verso tranquilo, Franklin se suelta en medio de un magistral arreglo de metales de Arif Mardin. Otras dos versiones, "Come Back Baby" de Ray Charles y "Money Won't Change You" de James Brown, están brillantemente interpretadas.

La producción del álbum también es todo clase con Jerry Wexler y Arif Mardin como productores del álbum. Hicieron un gran trabajo al capturar la energía y el alma de las actuaciones de Franklin al mismo tiempo que proporcionaban un sonido pulido y bien elaborado.

Un disco recomendado. "Lady Soul" es un ahora clásico que muestra el increíble talento vocal y la composición emotiva de Aretha Franklin, lo que le valió el título de "La Reina del Soul". El álbum es ampliamente considerado como uno de los mejores álbumes de soul de todos los tiempos. Un disco para los fans del soul y una pieza esencial en cualquier colección de discos sería de música. Una pieza de la historia de la música americana que debe reproducirse regularmente para no permitir que se diluya en el tiempo. Recordarnos de la belleza del canto, del "soul".

Video del tema "Good to Me as I Am to You":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1.         "Chain of Fools"         2:46
2.         "Money Won't Change You" 2:08
3.         "People Get Ready"   3:42
4.         "Niki Hoeky"  2:31
5.         "(You Make Me Feel Like) A Natural Woman"       2:44

Cara B:

1.         "(Sweet Sweet Baby) Since You've Been Gone"     2:25
2.         "Good to Me As I Am To You"        3:56
3.         "Come Back Baby"    2:25
4.         "Groovin'"       2:57
5.         "Ain't No Way"          4:17

NEIL YOUNG - Everybody Knows This Is Nowhere - Album

Discos como "After The Gold Rush", "Harvest", "On the Beach", "Tonight's the Night", "Rust Never Sleeps", "Ragged Glory"...etc; son demasiados y sobresalientes de la discografía de Neil Young para poder seleccionar su mejor álbum. Cada uno es especial a su manera.

Sin embargo, me centro en un LP en solitario muy temprano, "Everybody Knows This Is Nowhere". Un disco que definió a Young como un artista de rock and roll, gracias también a su banda de acompañamiento "Crazy Horse". Más influenciado por la música country que otros, este también fue un trabajo pionero para lo que décadas más tarde se denominaría estilo "alt-folk rock".

ALBUM: Everybody Knows This Is Nowhere

 
El segundo álbum de estudio fue publicado el 14 de mayo de 1969, cuatro meses después de su primer álbum homónimo "Neil Young". Este disco es el primero con la banda de acompañamiento "Crazy Horse"; el trío de Danny Whitten (guitarra), Ralph Molina (batería) y Billy Talbot (bajo) que Young había extraído de Los Ángeles llamados "The Rockets". También es el debut del renombrado sonido "Shakey" de Young, un enfoque tosco, irregular y lo-fi que lo ubicaría entre la multitud grunge fans unas décadas más tarde. Estableciendo una ruptura clara con el período de "Buffalo Springfield" de una manera que no lo había hecho su debut, "Everybody Knows This Is Nowhere" abre una dimensión completamente nueva del sonido de Neil Young.

El álbum contiene cuatro canciones que se convirtieron en estándares en el repertorio de presentaciones en directo de Young: "Cinnamon Girl", "Down by the River", la canción principal y "Cowgirl in the Sand", todas las cuales fueron escritas en un solo día mientras - se comenta - Young estaba enfermo y con fiebre.

Young también bajó la voz del casi falsete empleado en su debut a un rango más expresivo, y cantó con mayor confianza, acompañado por Whitten y Robin Lane. "Everybody Knows This Is Nowhere" fue diferente cuando apareció en mayo de 1969, tanto para Young como para el rock en general, y revirtió su suerte comercial, convirtiéndose en un éxito moderado. Un año y medio después de su lanzamiento, se convirtió en un álbum de oro y desde entonces se ha convertido en platino.

El álbum abre con "Cinnamon Girl", que presenta un sonido de guitarra pesado y distorsionado, que se convirtió en una marca registrada de la música de Young. La canción tiene un estribillo pegadizo y un gran solo de guitarra. La canción principal, "Everybody Knows This Is Nowhere", establece el tono para el resto del disco con su sonido relajado e influenciado por el country. La canción tiene un gran riff de guitarra y la voz de Young es cruda y sin pulir, lo que le da una sensación de autenticidad y espontaneidad. "Round & Round (It Won't Be Long)" muestra las habilidades de composición de canciones de Young, ya que cuenta una historia de amor y angustia de una manera simple y efectiva. La canción tiene un gran riff de guitarra y una gran interpretación vocal. "Down by the River" es una epopeya de nueve minutos que muestra las habilidades de guitarra de Young, mientras toca un fascinante "solo" sobre un ritmo repetitivo. La canción tiene una cualidad hipnótica que mantiene al oyente enganchado en su totalidad. "The Losing End (When You're On)" es una canción que tiene un gran riff de guitarra y una gran interpretación vocal, y la letra cuenta una historia de angustia y pérdida. "Running Dry (Requiem for the Rockets)" es una canción que tiene un gran riff de guitarra y también otra gran interpretación vocal, y la letra cuenta otra historia de amor y pérdida. "Cowgirl in the Sand" es otra pista destacada y muy querida por fans incluso hoy.

Este disco estableció un patrón musical que Young y sus muchos descendientes musicales han seguido desde entonces. Muchas décadas después, Young todavía toca este tipo de música con "Crazy Horse", y muchas bandas contemporáneas tocan música claramente influenciada por ella. En general, este LP es el primero de muchos grandes discos del canadiense, las guitarras son crujientes y monótonas, tocan todas las notas correctas, las letras son poderosas y rencorosas con el sentimiento de estancamiento que Young estaba experimentando en ese momento. Gran obra de introducción para cualquiera que quisiera conocer y explorar la música de Neil Young.

Un disco recomendado. Neil Young hace algunos de sus mejores trabajos de guitarra aquí y logra escribir algunas canciones geniales. El sonido crudo y sin pulir del álbum le da una sensación de autenticidad y espontaneidad, y sigue siendo uno de los trabajos más perdurables e influyentes de Young. Un gran trampolín hacia una fascinante carrera en solitario. En mi opinión, la primera de una larga lista de obras maestras grabadas. 

Video del tema "Cinnamon Girl":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1.         "Cinnamon Girl"         2:58
2.         "Everybody Knows This Is Nowhere"          2:26
3.         "Round & Round (It Won't Be Long)"         5:49
4.         "Down by the River"  9:13

Cara B:

5.         "The Losing End (When You're On)"           4:03
6.         "Running Dry (Requiem for the Rockets)"   5:30
7.         "Cowgirl in the Sand"   10:03

PEARL JAM - Ten - Album

Pearl Jam formaba parte de los denominados "Cuatro Grandes" de Seattle: los otros eran Nirvana, Alice in Chains y Soundgarden. El disco "Nevermind" de Nirvana puede haber llevado el grunge y el rock alternativo al "mainstream", pero no se puede subestimar el papel que desempeñó Pearl Jam. El atractivo de Nirvana puede haber sido masivo, pero no fue universal; las radio de rock todavía consideraba a Nirvana muy punk, y algunos fans del hard rock los descartaron como extraños inadaptados. Pearl Jam hizo clic con la audiencia más comercial, no eran tan metálicos como sus contemporáneos recordando más a "Jimi Hendrix" y "Led Zeppelin".

El álbum debut "Ten" es su obra maestra.

ALBUM: Ten

 
El álbum de estudio debut fue publicado el 27 de agosto de 1991. Tras la disolución de su banda anterior "Mother Love Bone" en 1990, el bajista Jeff Ament y el guitarrista Stone Gossard comenzaron a ensayar con el nuevo guitarrista Mike McCready. El grupo grabó una cinta de demo instrumental de cinco canciones con Matt Cameron en la batería. Finalmente, se entregaron copias de la demo al baterista Dave Krusen y al vocalista Eddie Vedder, quienes fueron invitados a una audición para la banda en Seattle. El resto es historia.

A lo largo de los años, los críticos citan este LP como la quinta esencia del grunge, pero tiene una influencia más del rock clásico, junto con la voz distintiva de Eddie Vedder y una entrega apasionada. La letra de Vedder para "Ten" trata sobre temas como la depresión, el suicidio, la soledad y el asesinato. El álbum también aborda preocupaciones sociales como la falta de vivienda ("Even Flow") y el uso de hospitales psiquiátricos ("Por qué ir"). La canción "Jeremy" y el video que la acompaña se inspiraron en una historia real en la que un estudiante de secundaria se pegó un tiro frente a sus compañeros de clase. Dicho todo esto, y por deprimente que pueda parecer, "Ten" ayudó a consolidar el éxito comercial del grunge rock a principios de la década de 1990, pero fue fundamental en el auge y el dominio del rock alternativo a lo largo de la década. Desde entonces, el álbum ha sido clasificado por especialistas como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos.

En general, este álbum presenta un sonido crudo y enérgico que se basa en gran medida en las influencias del rock clásico y el blues. Está excelentemente producida, compuesta, escrita y muy bien ejecutada. El single principal del álbum, "Alive", es un corte poderoso y emotivo que muestra la voz apasionada de Vedder y la maestría musical de la banda. Otras canciones destacadas incluyen las ya citadas "Even Flow", con su riff de guitarra y la voz intensa y aulladora de Vedder y "Jeremy". A lo largo del disco, Pearl Jam demuestra un dominio de la composición dinámica y la maestría musical, cambiando sin problemas entre momentos tranquilos e introspectivos y arrebatos catárticos y explosivos. La química y la energía de la banda son palpables, y todas las canciones están elaboradas e interpretadas por grandes músicos. Explora también a los números menos citados (populares) de este álbum, como el tema de punk-grunge progresivo "Porch" y la profunda estilo Led Zeppelin "Oceans", absolutamente maravillosos. Además, Eddie Vedder en el último tema "Release" demuestra una de las mejores voces de la música rock.

Por último, evita las comparaciones entre este disco y los de sus contemporáneos. Los medios musicales (y las compañías discográficas) sacaron a relucir la "rivalidad" entre las bandas de Seattle, y si "Nevermind" o los otros LPs eran álbumes más influyentes que "Ten"... todo vendió más discos. Pearl Jam era su propia banda, y "Ten" era su propio álbum independientemente de las etiquetas grunge/rock alternativo. Escucha el disco como lo harías con una muy buena banda de música rock tocando por primera vez.

Disco recomendado

"Ten" es un álbum debut poderoso y duradero que muestra la energía y la maestría musical de Pearl Jam y su capacidad para escribir letras que invitan a la reflexión y con las que podemos identificarnos. Es imprescindible para cualquier amante de la música rock y un disco que define la era del rock alternativo de los 90. El resultado final es una obra maestra del hard rock impecablemente elaborada, un álbum que todo fan de la música debería escuchar, al menos una vez.

Video del tema "Black":

Tracklist:

1.         "Once"            3:51
2.         "Even Flow"   4:53
3.         "Alive"                        5:41
4.         "Why Go"                   3:20
5.         "Black"                       5:43
6.         "Jeremy"                     5:18
7.         "Oceans"                 2:42
8.         "Porch"                       3:30
9.         "Garden"                 4:59
10.       "Deep"         4:18
11.       "Release" (con Hidden Track "Salve/Master") 9:05

Pearl Jam (miembros):

• Eddie Vedder - voz, arte adicional
• Jeff Ament – bajo, dirección de arte/concepto
• Stone Gossard - guitarra rítmica, guitarra slide en "Deep"
• Mike McCready - guitarra solista, guitarra acústico-eléctrica en "Alive"
• Dave Krusen – batería, timbales

KRAFTWERK - Trans-Europe Express - Album

La influencia de los alemanes Kraftwerk en la música electrónica es innegable y su discografía es considerada un clásico. Sin embargo, se considera que el disco de Kraftwerk más influyente es "Trans-Europe Express" (1977). Trans-Europe Express se cita a menudo como quizás el álbum de Kraftwerk más accesible. Los temas melódicos se repiten a menudo y ocasionalmente se entrelazan sobre ritmos deliberados y resoplados, a veces con voces manipuladas; el efecto es mecánico pero hipnótico. Se considera un álbum histórico en el desarrollo de la música electrónica.

ALBUM: Trans-Europe Express

 
El sexto álbum de estudio fue publicado en marzo de 1977. El LP marcó una desviación del sonido más experimental de sus álbumes anteriores e introdujo un sonido más pulido con influencia de la música disco que influyó mucho en el desarrollo de géneros como synth-pop, new wave y hip-hop. Vio a "Kraftwerk" refinar su estilo electrónico melódico, con un enfoque en ritmos secuenciados, minimalismo y, ocasionalmente, voces manipuladas. Temáticamente, el disco suena como partes de dos álbumes conceptuales diferentes: uno, una meditación sobre las disparidades entre la realidad y la imagen (los temas "Hall of Mirrors" y "Showroom Dummies"), y el otro el optimismo reinante y la glorificación de Europa en el momento de la grabación. En pocas palabras; una visión utópica de una Europa de posguerra unida a través de los viajes de tren y la tecnología.

El álbum comienza con la canción principal, "Trans-Europe Express", que establece el tono del disco con sus ritmos mecánicos repetitivos y voces robóticas. La canción es un tributo instrumental al servicio de trenes Trans-Europe Express, y los propios miembros de la banda dicen que esta canción es un tributo al servicio de trenes y su conexión con el continente. La pista es una muestra de la capacidad de Kraftwerk para crear un sonido futurista y mecánico, combinando elementos de música disco, funk y electrónica.

Las otras canciones son igual de innovadoras, como "Showroom Dummies", una canción que trata esencialmente sobre la sensación de ser un producto de consumo en exhibición en una sala de exposición. La canción presenta un pegadizo riff de sintetizador que se convertiría en un elemento básico de la música electrónica en los próximos años y décadas. "Metal on Metal" tiene un sonido más industrial, con un uso intensivo de sonidos metálicos y elementos de percusión. La canción es un tributo al poder y la eficiencia de la tecnología, con letras que cantan las alabanzas de las máquinas y la industria. "Abzug" presenta un ritmo electrónico simple y repetitivo, junto con un hipnótico riff de sintetizador. El tema es instrumental, sin voces. "Franz Schubert" es un homenaje al famoso compositor (o al tren llamado "EC Franz Schubert"), con un sample de su música y letras que cantan las alabanzas del artista y su obra. La pista contrasta con la más mecánica y robótica en el álbum, y muestra la capacidad de Kraftwerk para combinar diferentes estilos de música. "Endless Endless" es un tema instrumental que sirve como cierre del álbum. Una pieza tenue y atmosférica que lleva el álbum a un cierre con una nota contemplativa.

En general, el álbum explora temas de tecnología, consumismo y alienación, al mismo tiempo que experimenta con la combinación de diferentes estilos de música. Las voces robóticas y los ritmos mecánicos repetitivos se consideran ejemplos clásicos de la música electrónica y el papel pionero de Kraftwerk en el género. "Trans-Europe Express" te ofrece la mejor mezcla de minimalismo, ritmos mecanizados y melodías artesanales y pegadizas del catálogo del grupo.

Recomendado. Es un disco maravilloso de principio a fin. Si eres seguidor del género de la música electrónica tienes que escuchar esta obra. "Trans-Europe Express" es un álbum histórico en el desarrollo de la música electrónica y continúa siendo celebrado tanto por fans como por críticos. La combinación de disco, funk y elementos electrónicos influyó mucho en el desarrollo de géneros posteriores como el synth-pop, el new wave e incluso el hip-hop temprano (por ejemplo, "Planet Rock" de Afrika Bambaataa). Este álbum es considerado un clásico y una obra maestra de la música electrónica, influyente para muchos artistas y géneros que siguieron. Ningún otro grupo puede afirmar haber dado forma a la música tan profundamente en un espectro tan amplio.

PD. Otros discos impresionantes para escuchar de Kraftwerk son "Autobahn" (1974), "The Man-Machine" (1978) y "Computer World" (1981). 

Video del tema "The Hall of Mirrors":

Tracklist:

1.         "Europe Endless" ("Europa Endlos") 9:40
2.         "The Hall of Mirrors" ("Spiegelsaal") 7:56
3.         "Showroom Dummies" ("Schaufensterpuppen")       6:15
4.         "Trans-Europe Express" ("Trans Europa Express")               6:52
5.         "Metal on Metal" ("Metall auf Metall")    2:11
6.         "Abzug[a]"                 4:53
7.         "Franz Schubert"                               4:26
8.         "Endless Endless" ("Endlos Endlos")                       0:55

MASSIVE ATTACK - Mezzanine

ALBUM: Mezzanine

El tercer álbum de estudio fue publicado el 20 de abril de 1998. Fue un éxito comercial y de crítica, alcanzando el #1 en la lista de álbumes del Reino Unido. El disco presenta un sonido más oscuro y experimental que los lanzamientos anteriores, con un uso intensivo de samples y elementos electrónicos. El single principal, "Teardrop", se convirtió en el mayor éxito del grupo. Otras canciones destacadas incluyen "Angel", que presenta la voz de Elizabeth Fraser de "Cocteau Twins", e "Inertia Creeps", que muestra la capacidad del grupo para crear una sensación de inquietud y temor. Líricamente, el álbum trata temas de aislamiento, alienación y el lado más oscuro de la naturaleza humana.

Mezzanine fue conceptualizado por el miembro principal de Massive Attack, Robert Del Naja, que quería centrarse en explorar una estética audiovisual más oscura con distintas influencias. La producción del álbum fue un proceso estresante y muy tenso; los desacuerdos casi dividen al grupo, incluido el desánimo de "Mushroom". Del Naja inicialmente produjo demos instrumentales de canciones de bandas post-punk británicas como "Wire" y "Gang of Four". Sessions continuó con muchas horas extras trabajando en bucles de bajo y batería, con Del Naja pasando la mayor parte del tiempo en el estudio desgarrando pistas y luego comenzando de nuevo. El artista de reggae y colaborador de Massive Attack, "Horace Andy", también contribuyó al álbum en varias canciones. La portada muestra un ciervo volante negro sobre un fondo blanco, fotografiado por Nick Knight en el Museo de Historia Natural de Londres.

Mezzanine marca una clara desviación del sonido más relajado e influenciado por el dub del trabajo anterior del grupo y solidifica la reputación de Massive Attack como uno de las formaciones más innovadoras e influyentes en el género trip hop. El álbum muestra la capacidad de Massive Attack para combinar elementos de dub, hip hop y rock con ritmos y samples electrónicos para crear un sonido único y poderoso. El sonido más oscuro y experimental del álbum puede atraer a aquellos que disfrutan de la música que crea una sensación de inquietud o temor. Este álbum, al final, está más cerca de Joy Division, Jah Wobble-era PiL y Cocteau Twins que del Hip Hop contemporáneo, lo que finalmente provocó que Andrew "Mushroom" Vowles dejara la banda por no estar en línea con el cambio de dirección musical.

El flujo de este álbum es brillante. El disco comienza muy fuerte con la deslumbrante "Angel", seguido en cadena por temas impresionantes como "Risingson", "Teardrop" e "Inertia Creeps". Obviamente, el resto del álbum no puede competir, pero ciertamente no hay señales de un bajón, ya que tanto Horace Andy como Elizabeth Fraser regresan con temas de medio tiempo en "Man Next Door" y "Black Milk", respectivamente. De principio a fin, no es más que un viaje trip hop cinematográfico oscuro que suena como nada que Massive Attack haya hecho antes. Todo el álbum suena en tu cabeza como una película de suspenso y tensa ambientada en Londres y sus alrededores. En pocas palabras, una obra maestra sublime, inquietante, palpitante y soñadora.

Disco recomendado para los amantes del trip hop, la música electrónica y experimental. En general, aunque para mí "Blues Lines" es el mejor disco de la banda, "Mezzanine" es un álbum magistral, atemporal y evocador que muestra la capacidad de Massive Attack para traspasar los límites de la música electrónica y crear una experiencia auditiva única y poderosa. Además, "Mezzanine" es considerado uno de los álbumes de trip hop más influyentes de todos los tiempos. Imprescindible para cualquier colección.

Video del tema "Risingson":

Tracklist:

1.         "Angel"           6:18
2.         "Risingson"     4:58
3.         "Teardrop"                  5:29
4.         "Inertia Creeps"          5:56
5.         "Exchange"     4:11
6.         "Dissolved Girl"         6:07
7.         "Man Next Door"       5:55
8.         "Black Milk"               6:20
9.         "Mezzanine"   5:54
10.       "Group Four"  8:13
11.       "(Exchange)"  4:08

THE BEATLES - Revolver - Album

¿Qué puedo añadir que no se haya escrito ya sobre este disco? Nada, o muy poco. Con esto reconocido, necesito publicar algo sobre este álbum, ya que un blog que se propone presentar y recomendar música y álbumes a sus lectores debe tener esto en su catálogo de opciones de búsqueda. Además, puedo tener suerte con los lectores más jóvenes que pueden no estar familiarizados con el disco y motivarlos a explorar y escuchar este "álbum imprescindible".
 

ALBUM: Revolver

El séptimo álbum de estudio fue publicado el 5 de agosto de 1966. El LP fue el último proyecto de grabación de The Beatles antes de su retiro como artistas en directo y marcó el uso más abierto de la tecnología de estudio hasta la fecha, basándose en los avances de su lanzamiento de finales de 1965, "Rubber Soul". La portada del álbum, diseñada por Klaus Voormann, combinó el dibujo lineal inspirado en Aubrey Beardsley con un collage de fotos. 

También es considerado por la crítica como el inicio del período psicodélico del grupo, las canciones reflejan su interés por la LSD, la filosofía oriental y la vanguardia mientras abordan temas como la muerte y la trascendencia desde las preocupaciones materiales. Este fue el álbum en el que The Beatles se encerraron en el estudio, con la libertad de explorar y, el presupuesto, el productor (George Martin) y los músicos de apoyo para acelerar su camino hacia cosas aún más grandes: Sgt Peppers..., The White Album … Abbey Road.

¿Por qué "Revolver" se considera tan influyente en la historia de la música? Considerado uno de los mejores álbumes de todos los tiempos, amplió los límites de la música pop, revolucionó las prácticas estándar en la grabación de estudio, avanzó los principios propugnados por la contracultura de la década de 1960 e inspiró el desarrollo del rock psicodélico, la electrónica, el rock progresivo y la música en general.

En 2022 se lanzó una edición remezclada y ampliada del álbum. Incluye una nueva remezcla estéreo del álbum de Giles Martin (hijo de George Martin), con la ayuda de la tecnología de desmezcla desarrollada por "WingNut Films" de Peter Jackson, así como la mezcla mono original, sesión grabaciones, demos y un EP que contiene nuevas mezclas de "Paperback Writer" y "Rain"

Volviendo...El álbum marcó una desviación del trabajo anterior de la banda, ya que presentaba un sonido más experimental y psicodélico. El disco incluye los ahora clásicos "Eleanor Rigby", "Taxman", "Tomorrow Never Knows" y la divertida "Yellow Submarine". Los diversos e innovadores sonidos, letras y técnicas de producción del álbum han tenido un impacto duradero en la industria de la música y sobre muchos otros artistas que lo han mencionado como una influencia directa: The Beach Boys, Pink Floyd, Genesis, The Grateful Dead, Jimi Hendrix, John Cale, The Velvet Underground, The Who... y así sucesivamente. La naturaleza experimental del álbum y su incorporación de diversos estilos musicales e instrumentos lo convierten en una obra maestra única y duradera de la era del rock.

Experimentando con una amplia gama de sonidos y estilos, The Beatles, combinados con sus habilidades de composición ya establecidas, crearon un cuerpo de trabajo increíblemente único y cohesivo. Desde la canción de apertura hasta el tema de cierre, el álbum presenta una mezcla ecléctica de influencias de rock, folk y psicodélicas que traspasaron los límites de la música popular. Hay algunas otras pistas realmente destacadas que han superado el tiempo como "I´m Only Sleeping" escrita por Lennon, "Love You To" compuesta por Harrison y el número de McCartney "Got to Get You Into My Life". El uso innovador de efectos de estudio, como bucles de cinta y grabación hacia atrás, también se suma a su atractivo atemporal. Sin embargo, quizás la verdadera genialidad del álbum es que suena tan natural como su material pop anterior; The Beatles logran romper los límites sin comprometer la capacidad de escucha. Por último, esto es discutible, aunque The Beatles continuaron ampliando los límites de la música rock de estudio durante los próximos tres años, nunca volverían a hacer un álbum tan majestuoso o consistente como este. Incluso hoy, "Revolver" continúa madurando y definiendo la música rock en sus propios términos. Por ejemplo, el rock alternativo y el indie le deben literalmente todo a este disco.

En general, "Revolver" es un testimonio de la versatilidad y creatividad de The Beatles como banda, y sigue siendo un álbum muy influyente y célebre en la historia de la música popular. Este álbum fue un punto de inflexión importante en la carrera de la banda, ya que comenzaron a alejarse de su sonido pop anterior e incorporar elementos más complejos y diversos en su música. En general, "Revolver" es un álbum importante e influyente que vale la pena escuchar (y volver a escuchar) para los fans y, lo que es más importante, para cualquier persona interesada en la historia de la música popular. Este álbum es quizás lo más cerca que los discos pueden llegar a la perfección, y siendo así se convierte en una asignatura de estudio y de contemplación musical.  

Video del tema “Tomorrow Never Knows”:

Tracklist (formato LP):

Cara A: 

1.         "Taxman"        Harrison          2:36
2.         "Eleanor Rigby"         McCartney      2:11
3.         "I'm Only Sleeping"   Lennon           3:02
4.         "Love You To"           Harrison          3:00
5.         "Here, There and Everywhere"          McCartney      2:29
6.         "Yellow Submarine"   Starr    2:40
7.         "She Said She Said"   Lennon           2:39 

Cara B:

1.         "Good Day Sunshine"            McCartney      2:08
2.         "And Your Bird Can Sing"    Lennon           2:02
3.         "For No One" McCartney      2:03
4.         "Doctor Robert"         Lennon           2:14
5.         "I Want to Tell You" Harrison          2:30
6.         "Got to Get You into My Life"         McCartney      2:31
7.         "Tomorrow Never Knows"  Lennon 3:00

HORSEGIRL - Versions of Modern Performance - Album

Horsegirl (Banda)

 
Formación de rock estadounidense de Chicago. Los miembros de la banda son Nora Cheng, Penélope Lowenstein y Gigi Reece. Se inspiran en el shoegaze de los 90, el noise rock y el indie pop, al tiempo que incorporan elementos del post-punk.

El trío se presenta a lo grande con el álbum debut de 2022, "Versions of Modern Performance", un muy interesante novedad para exponer.

 

ALBUM: Versions of Modern Performance

 
Publicado el 3 de junio de 2022, este es el disco debut. Mi primera impresión fue que los tonos de guitarra son buenos y diversos, con una producción muy buena y ligeramente diferente en cada canción; todo encaja perfectamente en su lugar en el paisaje sonoro que se ha creado. Imitando la escena del rock alternativo de los 90, las cosas se reinician para la década de 2020. 

Es un ejercicio triunfal de art rock y lo-fi. Siguiendo el ejemplo de bandas de slowcore de principios de los 90 como "Galaxie 500", "Velocity Girl" y "Pavement", el trío presenta uno de los discos más carismáticos en mucho tiempo. Las guitarras son irregulares y brillantes, se basan en fragmentos de distorsión y ruido, aunque es difícil identificar el estilo de la banda.

Dicho esto, "Horsegirl" juega mostrando una afición por la improvisación y la experimentación. El segundo tema "Anti-glory" es elástico y post-punk, mientras que las guitarras en el interludio instrumental "Bog Bog 1" se pinta a través del lienzo de la canción. “Dirtbag Transformation (Still Dirty)” y “World of Pots and Pans” tienen un estilo áspero y pop. “The Fall of Horsegirl” es todo borde afilado y rincones oscuros. La interacción vocal entre Nora Cheng y Penélope Lowenstein es casi telepática, y sus guitarras se combinan bien entre sí. Cheng hace el tintineo y toma las notas principales, mientras que Lowenstein sostiene el fondo con fuerza melódica. Detrás de ellos, el baterista Gigi Reece, una figura poderosa de bajo perfil. Por último, puedes escuchar algunas influencias de "Sonic Youth"; la razón es que Steve Shelley y Lee Ranaldo tocan como invitados en "Billy" y "Beautiful Song". Desde luego, muy buenos padrinos.

Disco recomendado. Es un eslabón interesante en la cadena que conecta el pasado con el presente de la música rock alternativa. Será del agrado de los fans de "Duster", "Pavement", "Sonic Youth", Dinasour Jr, "Yo La Tengo"...etc. Estaré a la espera de un segundo álbum, ya que "Horsegirl" es una banda a la que hay que vigilar a medida que se desarrolla su sonido y su carrera. Por ahora, "Versions of Modern Performance" es un comienzo prometedor. Mola!

Video del tema "Option 8":

Tracklist:

1                      Electrolocation 1
2                      Antiglory
3                      Beautiful Song
4                      Live And Ski
5                      Bog Bog 2
6                      Dirtbag Transformation (Still Dirty)
7                      The Fall Of Horsegirl
8                      Option 8
9                      World Of Pots And Pans
10                    The Guitar Is Dead 3
11                    Homage To Birdnoculars
12                    Billy