CREEDENCE CLEAR REVIVAL - Cosmo´s Factory - Album

Elegir publicar sobre "Creedence Clearwater Revival" es una elección clásica. Sin embargo, mientras que el lector más veterano ya está familiarizado con esta legendaria formación americana, el melómano más joven que busca nuevas emociones musicales puede que no lo esté.

"Creedence Clearwater Revival" creó una síntesis única de rock & roll, swamp, blues, country & pop para conquistar la escena musical de finales de los años 60 con cuatro lanzamientos consecutivos; Bayou Country (1969), Green River (1969) Willy and the Poor Boys (1969) y Cosmo's Factory (1970). Cuatro discos extraordinarios que les aseguraron un lugar en la historia del rock estadounidense y millones de fans, entonces y aún hoy, en todo el mundo.

Podría haber elegido cualquiera de los álbumes mencionados, pero voy seleccionar "Cosmo´s Factory" como su mejor disco, y con suerte animar al lector a descubrir más.

 

ALBUM: Cosmo´s Factory

 

El quinto LP de estudio fue publicado en julio de 1970. El álbum pasó nueve semanas consecutivas en la posición #1 en la lista Billboard 200 y fue certificado 4x platino por la RIAA en 1990. "Creedence Clearwater Revival" alcanzó su cénit comercial con este disco. Entre 1969 y 1970, "Creedence" realizó giras sin parar y grabó lo mismo. Este álbum en particular se hizo durante el estrés y el caos, pero está lleno de temas rockeros, versiones y con una interpretación intensa. "Cosmo's Factory" muestra la amplia gama de ingredientes musicales que sirvieron de base para el sonido de "Creedence Clearwater Revival": R&B ("Before You Accuse Me" y "My Baby Left Me"), soul ("I Heard It Through the Grapevine " & "Long As I Can See the Light"), country ("Lookin' Out My Back Door"), rockabilly y rock and roll clásico ("Ooby Dooby" & "Travelin' Band") y psicodelia ("Ramble Tamble"). Como puedes ver, hay algo para todos los gustos musicales.

El álbum está repleto de algunas de las canciones más emblemáticas de los Creedence y no hay un mal momento teniendo en cuenta que fue su álbum más largo en ese momento. "Cosmo's Factory" muestra a la banda en la cúspide de sus poderes, con una composición extraordinaria de John Fogerty y actuaciones brillantes del grupo.

El corazón del álbum se encuentra en seis fantásticas canciones: "Travelin' Band", "Up Around the Bend", una de sus mejores, la magnífica "Run Through the Jungle", "Who'll Stop the Rain", "Lookin' out My Back Door" y "Long as I Can See the Light", la última canción del disco. También hay una excelente versión de 11 minutos de "I Heard It Through the Grapevine" de Marvin Gaye para resaltar sus habilidades musicales. Además una gran virtud de este álbum es combinar canciones cortas de 2 minutos con largos temas épicos.

Es, para mí, el mejor álbum de "Creedence" debido a la consistencia del material en todo momento. Es una gran introducción a la banda y un testimonio maravilloso de lo gran compositor que es John Fogerty. Difícil de creer que allá por finales de los 60 algunos de los célebres críticos de la música rock consideraban a "Creedence Clearwater Revival" una banda de "música chicle", debido a sus sencillos pop. Con el tiempo se han vuelto muy queridos por millones precisamente por su espíritu rockero. La banda se desintegraba en los próximos 2 años después de este lanzamiento, por lo que dejaron esta bandera en la cima de una montaña.

Disco recomendado. "Cosmo's Factory" es una escucha esencial para todos los fans del rock n' roll (jóvenes y mayores). Este disco (junto con otros álbumes de "Creedence") se ha convertido en parte de la psique americana y la banda sonora de la América de finales de los 60 y principios de los 70, algo que muy pocas obras artísticas han conseguido. 

Video del tema "Run Through the Jungle":

Tracklist (LP original):

Cara A:

1.         "Ramble Tamble"                              7:09
2.         "Before You Accuse Me"                  3:24
3.         "Travelin' Band"                    2:07
4.         "Ooby Dooby"                                   2:05
5.         "Lookin' out My Back Door"            2:31
6.         "Run Through the Jungle"                 3:09

Cara B:

1.         "Up Around the Bend"                     2:40
2.         "My Baby Left Me"               2:17
3.         "Who'll Stop the Rain"                      2:28
4.         "I Heard It Through the Grapevine"  11:05
5.         "Long as I Can See the Light"           3:33

THE ROLLING STONES - Aftermath - Album

No es mi álbum favorito de "The Rolling Stones" (ver mi lista de los 10 mejores), sin embargo, es muy amado entre los fans y es un hito para la banda que marcó el resto de su carrera.

ALBUM: Aftermath

Publicado en el Reino Unido el 15 de abril de 1966 y en los Estados Unidos el 2 de julio. Es el cuarto álbum de estudio británico y el sexto estadounidense de la banda.

Además del comienzo del dúo de compositores Jagger-Richards, Brian Jones surgió como un colaborador clave y experimentó con instrumentos que generalmente no se asocian con la música popular en los años 60, como el sitar, el dulcimer de los Apalaches, el koto japonés y las marimbas, así como la guitarra y la armónica. Los Stones también incorporaron una gama más amplia de acordes y elementos estilísticos más allá de sus influencias del blues, como el pop, el folk, el country, la psicodelia, el barroco y la música del Oriente. Jagger y Richards escribieron los temas del álbum en torno a temas psico-dramáticos de amor, sexo, deseo, poder y dominación, odio, obsesión, sociedad moderna y estrellato del rock. Las mujeres aparecen como personajes prominentes en sus letras a menudo oscuras, sarcásticas y "ofensivas". Algunos oyentes se sintieron muy ofendidos en ese momento por las actitudes "burlonas" hacia los personajes femeninos en ciertas canciones.

"Aftermath" fue un éxito comercial inmediato tanto en el Reino Unido como en los EE. UU., encabezó la lista de álbumes británicos durante ocho semanas consecutivas y finalmente logró la certificación de disco platino en los EE. UU. El álbum también tuvo éxito con la crítica y desde entonces ha sido considerado el más importante del período de música formativa temprana del grupo.

Conocido como el primer disco que hizo la banda de todas las composiciones originales abandonando las versiones (blues), también es importante porque es el primer gran álbum de la banda. Impulsado por las exploraciones musicales cada vez más experimentales del guitarrista Brian Jones, "Aftermath" es uno de los puntos de inflexión de los Stones. Redefine los límites de su amado blues, y sirvió como modelo para la definición de identidad de los Rolling Stones.

The Rolling Stones se definen aquí como los "chicos malos" del rock & roll con su actitud burlona hacia el mundo en general. Además, la banda comenzó a incorporar las influencias de la psicodelia y de Bob Dylan en su material con clásicos como "Paint It Black" (edición estadounidense), adornada con algunos de los mejores usos del sitar (interpretado por Brian Jones) en un disco de rock. Es obvio que la influencia de "The Beatles" y su LP "Rubber Soul" los impactó en grabar "Aftermath". Sin embargo, The Rolling Stones se diferencian de los "Fab Four" al reivindicar el "lado oscuro" del mapa musical con canciones que eran "controvertidas" para su época (por ejemplo, el tema de apertura "Mother's Little Helper" - edición del Reino Unido). Hoy "este escándalo" nos parece normal y parte de la cultura y la conversación diaria popular.

También vas a encontrar otros clásicos como el éxito "Under My Thumb" y la delicada balada "Lady Jane". Parte del material es "verde", ya que Mick Jagger y Keith Richards todavía estaban aprendiendo el arte de escribir canciones; "Goin' Home", el corte de blues de 11 minutos, destaca más por su duración (inusual para la época) que por su contenido. Por último, hay una joya menos apreciada en la lista de canciones; echa un vistazo a "I Am Waiting". 

Como mencioné al principio, no es el mejor disco de los Stones, pero este álbum es la expansión de la paleta musical del grupo. La banda continuaría mejorando este cambio de paradigma y pasaría del blues a canciones más pop en los próximos años. La música de este LP consolidó la imagen de rebeldes de la banda y fue pionera en el contenido psicológico y social más oscuro que el "glam rock" y el "punk rock" británico explorarán en la década de 1970, de ahí el impacto histórico. Además, "Aftermath" es el punto de partida de The Rolling Stones como un verdadero grupo de rock, único con su propia identidad y sonido (que abarcan el rock and roll oscuro, "malo" y sucio) que los llevaría a ser la banda de rock más grande del mundo y tal vez de la historia de la música.

Disco recomendado. Si estás comenzando a descubrir The Rolling Stones (quizás eres un lector joven), pon este en la parte superior de su lista. Luego, una vez escuchado, busca otros discos de los Stones (hay muchos) para seguir descubriendo. 

Video del tema "Paint It Black":

Tracklist (la edición USA):
* La edición UK abre con el gran tema "Mother's Little Helper" que no está en la edición US.

Cara A:

1."Paint It Black"  – 3:20
2."Stupid Girl" – 2:52
3."Lady Jane" – 3:06
4."Under My Thumb" – 3:20
5."Doncha Bother Me" – 2:35
6."Think" – 3:10

Cara B:

1."Flight 505" – 3:25
2."High and Dry" – 3:06
3."It's Not Easy" – 2:52
4."I Am Waiting" – 3:10
5."Goin' Home" – 11:35

MILES DAVIS - Sketches of Spain - Album

Una noche, Miles Davis acompañó a regañas a su entonces esposa Frances Taylor a ver al bailarín de flamenco español Roberto Iglesias. Estaba tan impactado por la actuación y de esta tradición musical "extranjera" que fue a una tienda de discos y compró todos los discos disponibles de flamenco. El resultado final fue....

ALBUM: Sketches of Spain

 
Grabado entre noviembre de 1959 y marzo de 1960, este disco es una versión ampliada del segundo movimiento del "Concierto de Aranjuez" (1939) del maestro Joaquín Rodrigo, además de incluir una pieza llamada "Will o' the Wisp", del ballet de Manuel de Falla, "El amor brujo" (1914-1915).

Publicado oficialmente el 18 de julio de 1960. Es cerebral, atmosférica, inquietante, melancólica y, en ocasiones, ambiental. Además, el arte de la portada del álbum es fantástico. La historia cuenta que Miles Davis le entregó a Evans la pieza emblemática del álbum, "Concierto de Aranjuez", después de escuchar una versión clásica en la casa del bajista Joe Mondragon. Evans estaba tan cautivado como Davis, y se dispuso a crear un álbum completo de material a su alrededor. El resultado es una obra maestra del arte moderno.

"Sketches of Spain" es uno de los logros más duraderos e innovadores de Miles Davis. También se considera una grabación ejemplar de "Third Stream", una fusión musical de jazz, música clásica europea y estilos de músicas del mundo. Grabado después de que John Coltrane y Cannonball Adderley dejaran la banda de Miles Davis, Davis se asoció con el genio arreglista canadiense Gil Evans, quien adaptó las obras y dirigió. Por cierto, las otras dos colaboraciones importantes de Miles-Gil Evans son "Porgy and Bess" y "Miles Ahead". 

En la pieza "Concierto de Aranjuez" (originalmente escrita para guitarra española y orquesta) el arreglo de Evans fusionó orquesta y una banda de jazz; con Paul Chambers, Jimmy Cobb y Elvin Jones. La pieza interpretada por Davis en un fiscorno con una sordina Harmon es una de las obras más memorables de la cultura popular del siglo XX. El control de Davis sobre su instrumento es asombroso, y la dirección de Evans es impecable. También la pieza "Saeta" es impresionante con uno de los solos técnicos más sorprendentes de la carrera de Davis, junto con el cierre del álbum, "Soleá" (aquí la música se detiene y Miles hace un solo en simpatía con la estatua de cristo que se transporta a través de un imaginario pueblo español es un epíteto). Cobb y Jones, con percusión sabor a flamenco, se destacan aquí, ya que permiten que la orquesta se entregue al arreglo apasionado que Gil Evans proporcionó para acompañar a Davis, quien claramente estaba en su momento más desafiante. Se trata de un músico de jazz americano que toca algo totalmente fuera de su género habitual y lo hace de forma soberbia. Aquí estaba el genio de Miles Davis, un músico que siempre miraba hacia adelante, probando cosas nuevas, explorando nuevas ideas y evolucionando para siempre. Miles entiende la universalidad de la música.

"Sketches of Spain" es quizás también la grabación más lujosa y estridentemente romántica que jamás haya hecho Miles Davis. Escucharlo ahora sigue siendo una experiencia, ya que uno se encuentra con una multitud de timbres, tonalidades y estructuras armónicas que rara vez se encuentran en el jazz. De hecho, para aquellos a quienes les resulta difícil escuchar música de jazz, este disco lo hace todo comprensible y fácil. Muchos han abrazado el jazz (y Miles) comenzando con este álbum.

Un disco recomendado. Este álbum es un logro artístico. Otros trabajos enormes de Miles Davis son la obra maestra "Kind of Blue", "Birth of the Cool", "In a Silent Way" y "Bitches Brew" (por nombrar sólo cuatro), sin embargo, desde la perspectiva de las habilidades puramente técnicas, esto es probablemente Miles Davis en su mejor momento, empujado al límite de sus considerables habilidades y conquistando el desafío con éxito. Es una obra maestra verdaderamente única en el arte.

Término, tal vez sea una ilusión, pero me emocionaría saber que un lector más joven (menos de 30 años), solo uno, que no está familiarizado con Miles o Jazz, en realidad se tomó el tiempo y buscó este disco para escucharlo y descubrir algo increíble. Quizás, si es tu caso, me lo puedas hacer saber con un comentario.

Video del tema "Solea" (sonido en mono):

Tracklist (LP original):

Cara A: 

1.         "Concierto de Aranjuez (Adagio)"    Joaquín Rodrigo         16:19
2.         "Will o' the Wisp"       Manuel de Falla          3:47 

Cara B:

1.         "The Pan Piper (Alborada de Vigo)" Traditional, Gil Evans            3:52
2.         "Saeta"            Traditional, Gil Evans            5:06
3.         "Solea"            Gil Evans        12:15

THE STRANGLERS - No More Heroes - Album

The Stranglers (Banda)

Obtuvieron fama durante la explosión inicial del punk británico, sin embargo, "The Stranglers" siempre se destacó de las demás bandas del género: ejemplos, Sex Pistols, The Damned, The Clash, etc. Su oferta musical era una versión más oscura del garage punk de los años 60 con una resaca psicodélica añadida por los teclados de Dave Greenfield. Prefirieron dejar de lado los temas políticos y sociales prefiriendo cantar historias de decadencia sexual, relaciones extrañas y mal comportamiento. Con el paso del tiempo, desarrollaron un sonido más orientado al pop. "The Stranglers" tenían actitud punk, pero sobre todo eran músicos talentosos e inventivos, con tres compositores melódicos en sus filas. Además, eran una banda en directo extraordinario.

Descubrí "The Strangers" con su LP de 1981 "La Folie" (disco recomendado), que incluía su gran éxito "Golden Brown". Con curiosidad comencé a examinar sus álbumes y descubrí sus primeros lanzamientos, de los cuales su segundo LP "No More Heroes" me impresionó y todavía lo escucho regularmente.

ALBUM: No More Heroes

 
El segundo álbum de estudio fue publicado el 23 de septiembre de 1977 y fue producido por Martin Rushent (también trabajó con The Human League y Buzzcocks).

El álbum consta de material nuevo con cuatro canciones sobrantes de las sesiones de "Rattus Norvegicus": "Something Better Change", "Bitching", "Peasant in the Big Shitty" y "School Mam". La formación de este disco es Hugh Cornwell (guitarras y voz principal), Jean-Jacques Burnel (bajo), Dave Greenfield (teclados) y Jet Black (batería).

"No More Heroes" es más rápido, más desagradable y mejor que su impresionante y exitoso debut "Rattus Norvegicus" bajo mi gusto. En el momento del lanzamiento, "The Stranglers" estaban en la cima de sus poderes, y la ferocidad y la ira que emanan de este disco nunca se repetiría. La canción principal es, por supuesto, un clásico, "Bring On the Nubiles" es una de las canciones más sucias y desinhibidas que surgieron de la escena punk del Reino Unido de 1977. Burnel es un bajista fabulosamente brutal, Greenfield es fascinante en los teclados, Cornwell está lleno de agresión y Jet Black simplemente golpea a toda "ost*a" la batería. En general, la maestría musical es asombrosa, las letras son brillantemente entretenidas (y pornográficas) y las canciones son muchas ahora himnos.

Un disco recomendado. Sonará "anticuado" para el oyente más joven, pero con el tiempo y paciencia, se convertirá en una escucha impresionante y, es una instantánea de la era post punk del Reino Unido. Para mí es una obra inmenso e intransigente. Los fans hardcore de "The Stranglers" comentaran que no es tan impactante (incluso sobrevalorado) como lo fue el debut "Rattus Norvegicus". Quizás esto sea cierto, para mí se trata más de un LP de rock and roll de garaje con mucha actitud (y teclado). El elemento punk es mínimo y nominal. La banda continuaría diluyendo aún más su sonido agresivo con más melodía y elementos pop en discos posteriores.

Por último, al escuchar las letras, a veces me pregunto si se habrían salido con la suya en estos tiempos nuestros de lo políticamente correcto. 

Video del tema "I Feel Like a Wog":

Tracklist (LP original):

Cara A:

1.         "I Feel Like a Wog"   3:16
2.         "Bitching"                   4:25
3.         "Dead Ringer"                        2:46
4.         "Dagenham Dave"                 3:18
5.         "Bring on the Nubiles"           2:15
6.         "Something Better Change" 3:35

Cara B:

7.         "No More Heroes"                 3:27
8.         "Peasant in the Big Shitty"    3:25
9.         "Burning Up Time"                2:25
10.       "English Towns"                                2:13
11.       "School Mam"                        6:52

BUDDY HOLLY & THE CRICKETS - The Chirping Crickets

ALBUM: The "Chirping" Crickets

 
El álbum debut fue publicado el 27 de noviembre de 1957. Es posible que hayan sido la primera banda de rock real, con dos guitarristas, un bajista y un baterista.

Pocos discos han influido e impactado tanto en otros artistas y bandas de rock. Buddy Holly murió trágicamente en 1959, junto con otros músicos de rock and roll emergentes como Richie Valens & The Big Bopper, en un accidente de avión. La pregunta sigue siendo hasta dónde habría llegado Buddy Holly en el género rock n roll si no hubiera muerto. Me pregunto lo mismo sobre otras leyendas, como Jimi Hendrix por ejemplo, adónde habría ido el rock & blues con la guitarra eléctrica. De todos modos, volviendo a este álbum...

El único disco con Buddy Holly lanzado durante su vida contiene el single #1 del grupo "That'll Be the Day" y su éxito Top Ten "Oh, Boy!". Otros clásicos incluyen ""Not Fade Away", "Maybe Baby" y "I'm Looking for Someone to Love". El resto de las canciones son de "menos calidad" que las cinco mencionadas, pero esas cinco se encuentran entre las mejores canciones de rock & roll de todos los tiempos, lo que convierte a este disco en unos de los más significativos en la historia del rock & roll. 

Su impacto, especialmente en el Reino Unido, fue importante. John Lennon y Paul McCartney estudiaron los discos de Holly, aprendieron su estilo de actuación y lirismo, y basaron su banda en torno a su personalidad. Inspirándose en los Crickets con temas de insectos de Holly, eligieron nombrar a su banda "The Beatles". Lennon y McCartney citaron más tarde a Holly como una de sus principales influencias. Este disco (y Holly) también influenció a una larga lista de futuros artistas y bandas, desde Bob Dylan, Eric Clapton, Mike Jagger, Keith Richards, Elton John, The Clash, Don McLean, Bruce Springsteen, Elvis Costello … etc. etc.

El disco "The Chirping Crickets" (banda formada por Buddy Holly, Jerry Allison, Bill Mauldin y Niki Sullivanis) es, como ya mencionado,  una pieza importante de la historia de la música. En 25 minutos, Buddy Holly y su banda repasan canciones que dan un ejemplo de cómo serían y sonarían los álbumes de rock'n'roll durante la próxima década, con canciones que suenan rápidas y duras y con algunas baladas más lentas añadidas. Buddy Holly y su banda toman la iniciativa de Chuck Berry, Little Richard, Jerry Lee Lewis  y Elvis Presley "cocinando" canciones al estilo del rock n roll hacia un plano más melódico (un sonido dulce) y más accesible. De hecho, este álbum nos enseña la otra cara de la moneda del rock n roll: un lado más inocente y pop.

Un disco bien escrito y con melodías pegadizas, unas letras memorables, excelente tono y estructura, una producción asombrosa y una composición fantástica. Y pensar que el principal responsable de esta ahora obra maestra, Bud Holly, tenía solo 20 años, lo que lo hace aún más asombroso.

Este es el único álbum que es a la vez un producto de su tiempo, pero atemporal en todos los aspectos. Su influencia no se puede medir ya que tantos músicos, que en ese momento eran niños, se animaron a tomar guitarras y decidir ganarse la vida tocando rock'n'roll. Este álbum único convirtió a Buddy Holly en una leyenda.

Es una pena que la fuerza creativa llamada Buddy Holly no viviera para liderar a "The Crickets" (o como solista) y poder definir y guiar aún más la floreciente escena musical. También pienso (con cierto sentido de humor) que si Holly hubiera tenido los amplificadores adecuados a todo volumen, habría sido un pionero del punk-rock.

El oyente más joven puede encontrar esta obra algo "old school", y no muy apetecible para los oídos de hoy. Estoy de acuerdo en que esta es una instantánea de los inicios del rock and roll con la tecnología de su época. Sin embargo, además de la juventud de los protagonistas, sienta las bases sobre las que se asentará el rock moderno hasta nuestros días. Por lo tanto, nuevamente para el lector más joven (tanto como para el mayor) merece una escucha, aunque sea desde el respeto y tener el aprendizaje de saber de dónde vienen las cosas. Sea como fuere, este es un disco fundamental para la Historia de la música.

Video del tema "Oh, Boy!":

Tracklist (LP original):

Cara A:

1.         "Oh, Boy!"                 2:07
2.         "Not Fade Away"                  2:21
3.         "You've Got Love"    2:05
4.         "Maybe Baby"                        2:01
5.         "It's Too Late"                        2:22
6.         "Tell Me How"                       1:58 

Cara B:

7.         "That'll Be the Day" (Brunswick version)     2:14
8.         "I'm Looking for Someone to Love"             1:56
9.         "An Empty Cup (And a Broken Date)"        2:11
10.       "Send Me Some Lovin'"                    2:33
11.       "Last Night"                           1:53
12.       "Rock Me My Baby"             1:47

YOUNG MARBEL GIANTS - Colossal Youth - Album

Young Marble Giants (Banda)

La formación galesa surgió de los restos de "True Wheel". Alison Statton (voz), Philip Moxham (bajo) y su hermano Stuart (guitarra y compositor principal), formaron "Young Marble Giants" en 1979.

El grupo duró poco, dejando atrás sólo unos pocos EP, demos y el disco "Colossal Youth", pero su influencia sería enorme en la elaboración de los sonidos de futuras bandas independientes, desde Nirvana hasta Belle and Sebastian.

ALBUM: Colossal Youth 

El único álbum de estudio publicado en febrero de 1980. A "Young Marble Giants" se les ofreció la oportunidad de grabar el álbum después de que el sello discográfico independiente "Rough Trade" escuchara solo dos canciones en su compilación "Is the War Over?". Este disco se grabó durante cinco días en un pequeño estudio en el norte de Gales (Reino Unido). El sonido es minimalista, con melodías increíblemente pegadizas que consisten en la voz estoica de Alison Statton, con un bajo eléctrico fluido, ritmos de caja esqueléticos inquebrantables y la punzada ocasional de guitarra o sonidos de órgano siniestro.

El punk rock se estaba convirtiendo en post-punk a finales de los 70, y "Young Marble Giants" se opuso a la agresión amplificada y al caos estilístico de muchos de sus contemporáneos para ofrecer algo muy diferente, pero igualmente pegadizo.

Este disco captura el enfoque único de la banda con 15 canciones cortas. Alison Statton y los hermanos Philip y Stuart Moxham habían tocado juntos antes de "Young Marble Giants" y fueron influenciados por Brian Eno, el grupo electrónico alemán Kraftwerk, Lou Reed, The Velvet Underground, David Bowie, Can...etc. Se respira en este disco el enfoque minimalista de los ya mencionados, los sonidos de las cajas de ritmos y el espíritu experimental y oscuro.

El tema que abre "Searching for Mr. Right" o "Credit in the Straight World", definen la aguda tensión creada por su enfoque de arreglos que se sienten inacabados. Esa tensión coexiste con una composición relativamente alegre a lo largo de "Colossal Youth". Young Marble Giants no fue la única banda que exploró el pop minimalismo, pero nadie más durante su tiempo o después capturó la misteriosa belleza oscura que recorre este disco. Las canciones suenan como un concierto en una sala vacía, con cada faceta del sonido tratando de ocupar el menor espacio posible dentro del todo. Los instrumentos acreditados son la voz, el bajo, la guitarra y el órgano, pero el quinto elemento imperativo del procedimiento es todo el espacio negativo entre las notas. Esto lo convierte en una obra maestra de la simplicidad.

En pocas palabras, "Colossal Youth" es única, pegadiza y reflexiva. Es impresionante porque no suena como nadie antes o después. Hay algo en las líneas de base robóticas, la caja de ritmos fría y sin vida, las voces casi aburridas y el órgano inquietante. Paradójicamente, todo es encantador. Todo es muy conciso y escaso. Algunos críticos han escrito que la música va más allá del minimalismo; a veces solo unas pocas notas en la guitarra, un ritmo apagado y una voz tenue. Todo podría caer en el olvido por el tintineo intruso de un triángulo. Es increíble cómo se puede extraer tanta sustancia y profundidad de algo tan esquelético.

Al escuchar "Colossal Youth", se puede entender cómo este álbum introvertido lleno de pequeños sonidos tuvo un impacto tan enorme. Es un álbum histórico de la era post-punk que expande su influencia más allá de otros géneros de rock. Kurt Cobain de "Nirvana", dijo en una entrevista de "Melody Maker" de 1992 que "Colossal Youth" era uno de los diez discos más influyentes que había escuchado. Otras bandas notables como Galaxie 500, The Magnetic Fields, The Vaselines, Hole & Belle and Sebastian … han hecho versiones de canciones.

Un disco recomendado. Con este único álbum la banda ejemplifica el dicho menos es más... y en este caso, más es enorme. Un clásico de post-punk excepcionalmente escaso y seco que puede ser difícil de digerir para el oyente moderno al principio (puede sonar anticuado) y necesita algo de paciencia. Prueba y escucha este disco de una "manera improvisada" casi como música de fondo mientras dejas que penetre tu mente para que descubras cómo es simple pero rico en sonidos y melodías.

Video del tema "Credit in the Straight World":

Tracklist (LP original):

1."Searching for Mr. Right" – 3:03
2."Include Me Out" – 2:01
3."The Taxi" – 2:07
4."Eating Noddemix" – 2:04
5."Constantly Changing" – 2:04
6."N.I.T.A." – 3:31
7."Colossal Youth" – 1:54
8."Music for Evenings" – 3:02
9."The Man Amplifier" – 3:15
10."Choci Loni"  – 2:37
11."Wurlitzer Jukebox!" – 2:45
12."Salad Days" – 2:01
13."Credit in the Straight World" – 2:29
14."Brand - New - Life" – 2:55
15."Wind in the Rigging" – 2:25

ZZ TOP - Tres Hombres

ALBUM: Tres Hombres

Es el tercer álbum de estudio publicado el 26 de julio de 1973. Fue el disco que les permitió dar el salto al éxito comercial. Este trabajo le dio a "ZZ Top" su primer disco Top Ten, convirtiéndolos en superestrellas de rock en todo el mundo.

"ZZ Top" interpreta bien su boogie-blues alegre. A medida que su sonido se solidifica, el productor Bill Ham les grabó al trío para que sonara indestructible, y el grupo trajo a la mesa el mejor conjunto de canciones que habían tenido hasta ese momento. 

No hay nada realmente especial en este disco, es solo un blues-rock de una banda de bar de Texas, pero eso es lo que lo hace único. Tiene ritmos sucios y una sensación contagiosa, gracias a las guitarras gruñonas de Billy Gibbons y la propulsión constante de la sección rítmica de Dusty Hill y Frank Beard.

La identidad misma de "ZZ Top" proviene de este álbum. "Tres Hombres" comienza rápido y genial, con "Beer Drinkers & Hell Raisers" y encaja perfectamente con las otras canciones infecciosas como "Waitin' for the Bus", "Jesus Just Left Chicago", "Move Me on Down the Line" y la cancion de John Lee Hooker - el riff es de la canción de 1948 "Boogie Chillen'' - el enorme éxitazo "La Grange". La instrumentación del disco se siente como un motor de ocho cilindros.

Disco recomendado. El blues crujiente y el rock finalmente se fusionaron aquí y, como resultado, este álbum se ha convertido en uno de los mejores (si no el mejor) de "ZZ Top". No tiene trucos, simplemente es boogie-blues tocado con fuerza y maestría musical y contiene un sonido que no se encontraba en el rock de la época. Por lo tanto, si hay un álbum de "ZZ Top" que necesita estar en tu colección, "Tres Hombres" es el indicado.

Terminado, el otro gran álbum de la banda es "Eliminator" de 1983 (también me encanta), pero se puede considerar que es una copia de "Tres Hombres" con tecnología de secuenciadores y sintetizadores de los años 80 (Siglo XX).

Video del tema "La Grange":

Tracklist (LP original):

Cara A:

1.         "Waitin' for the Bus"              2:59
2.         "Jesus Just Left Chicago"      3:29
3.         "Beer Drinkers & Hell Raisers"         3:23
4.         "Master of Sparks"                 3:33
5.         "Hot, Blue and Righteous"    3:14

Cara B:

1.         "Move Me on Down the Line"          2:30
2.         "Precious and Grace"             3:09
3.         "La Grange"                           3:51
4.         "Shiek"                                  4:04
5.         "Have You Heard"?               3:14

GREEN DAY - Dookie

ALBUM: Dookie

Tras el éxito "underground" del segundo álbum de la banda, "Kerplunk" (1991), varios sellos discográficos importantes se interesaron en "Green Day". 

"Dookie" es su tercer álbum de estudio y el primer debut en un sello discográfico importante (Reprise/WMG) publicado el 1 de febrero de 1994. También la primera colaboración de la banda con el productor Rob Cavallo, y escrita principalmente por el líder Billie Joe Armstrong. "Dookie" está lleno de energía estilo punk de ritmo rápido y con algunas de las canciones más conocidas e influyentes de la banda hasta la fecha.

El disco se basa en las experiencias personales de Armstrong, con temas como el aburrimiento, la ansiedad, las relaciones y la sexualidad. El álbum fue promocionado con cinco singles: "Longview", "Basket Case", una versión regrabada de "Welcome to Paradise" (originalmente en su álbum Kerplunk), "When I Come Around" y "She". "All by Myself" es un tema oculto interpretada por el baterista Tré Cool.

"Dookie" recibió elogios de la crítica tras su lanzamiento y le valió a la banda un "Premio Grammy" al "Mejor Álbum Alternativo" en 1995. Se le atribuye haber llevado el punk rock al "mainstream" e impulso a "Green Day" a la fama mundial vendiendo cerca de 20 millones de copias en todo el mundo.

Fue una especie de éxito accidental; el trabajo de un prometedor grupo underground que de repente se puso en marcha justo cuando conseguían su primera producción profesional, de gran presupuesto y con un gran sello discográfico. Green Day fue el producto del "underground americano" influenciada por el punk británico original, particularmente "Stiff Liitle Fingers" y "Buzzcocks". 

En sus primeros dos discos, se mostraron jóvenes promesas, pero con "Dookie", "Green Day" entregó un disco que encontró a Billie Joe Armstrong floreciendo como compositor, exhibiendo canciones melódicas infundidas con un irónico autodesprecio adolescente, tratando casi todo como broma y divirtiéndose tanto como sea posible. La clave de este disco es su actitud frívola y contagiosa, que convierte a "Dookie" en una pieza estelar del punk moderno que muchas otras bandas posteriores intentaron emular - Offspring, Blink 182 etc. - pero nadie mejoró. Aunque no son auténticos rockeros de la vieja escuela, al menos recuperaron el espíritu y la actitud punk con este álbum.

Canciones para destacar: Burnout, Basket Case, Longview, When I Come Around, She ...en general un trabajo solido.

Disco recomendado. Este es uno de los álbumes más pegadizos y divertidos para escuchar. "Dookie" ayudó a revivir la música punk, envolviéndola con actitud y con canciones pop y haciendo que la insatisfacción volviera a ser divertida. Personalmente, cuando la escucho hoy, es todo muy nostálgico. Me trae muchos recuerdos de mi período como un adulto joven.

Por último, si te gusta este disco, busca y escucha su otro gran álbum, "American Idiot" (2004).

Video del tema "Basket Case":

Tracklist (Canciones de "Dookie"):

1.         "Burnout"       2:07
2.         "Having a Blast"         2:44
3.         "Chump"         2:53
4.         "Longview"    3:59
5.         "Welcome to Paradise" (re-recording)           3:44
6.         "Pulling Teeth"           2:30
7.         "Basket Case" 3:02
8.         "She"   2:13
9.         "Sassafras Roots"       2:37
10.       "When I Come Around"        2:57
11.       "Coming Clean"         1:34
12.       "Emenius Sleepus"         1:43
13.       "In the End"   1:46
14.       "F.O.D" (contiene despues un hidden track "All By Myself")

FOR AGAINST - December - Album

For Against (Banda)

Los estadounidenses "For Against" inicialmente estaban formados por el bajista y vocalista Jeffrey Runnings, el guitarrista Harry Dingman y el baterista Greg Hill. Dingman y Hill se fueron después del álbum "December" de 1988 para formar "The Millions", y fueron reemplazados por Steven "Mave" Hinrichs y Paul Engelhard después de que otra formación no funcionara: Dingman regresó en la década de 2000.

Con un pie en el sonido post-punk británico y el otro en sonidos atmosféricos, "For Against" fue atesorado por muy pocos; debido a la geografía, las giras poco frecuentes y los lanzamientos en sellos pequeños que dependían más del boca a boca.

Sin embargo, grabaron un flujo constante de buenos álbumes. Aquí está su discografía:

• Echelons (1987)
• December (1988)
• Aperture (1993)
• Mason's California Lunchroom (1995)
• Shelf Life (1997)
• Coalesced (2002)
• Shade Side Sunny Side (2008)
• Never Been (2009)

Uno de sus mejores discos es su segundo, "December".

ALBUM: December

 
Segundo álbum publicado en 1988. Un disco maravillosamente escalofriante y quizás el mejor, y sin duda uno de los lanzamientos de "dream pop" más poderosos de finales de los 80. Las guitarras de Harry Dingman, el empuje rítmico ágil de Greg Hill y Jeffrey Runnings y la voz juvenil de Runnings se combinan para una escucha entretenida. Con su pegada fluida de bajo y batería y giros envolventes de guitarras, las primeras impresiones del disco recuerdan a "The Chameleons" con "Script of the Bridge".

El primer tema, "Sabres", hace que valga la pena el esfuerzo para encontrarla y escucharla. Además, hay algunos tonos de guitarra exquisitos que se encuentran en todo el repertorio; distorsión con coros y "phasing" que se suman a un sonido arremolinado y cautivador que te atrae a cada paso. Hay sonidos de guitarra realmente geniales (estilo jangle).

La banda ofrece aquí canciones con más sustancia, más melodía, más ritmo, más elegancia y, en última instancia, más soul. A pesar de todas sus cualidades hipnóticas e inductoras de trance, las bandas de "shoegaze" a menudo carecen de "soul", no es el caso aquí. La composición y la producción son muy buenas y consistentes a lo largo de todo el álbum.

Las nueve canciones flotan, saltan y deambulan con un nivel de gracia inmaculada que no se puede escuchar en la mayoría de los álbumes de la época. La canción "The Last Laugh" es uno de los otros lugares a donde ir para otro ejemplo del álbum en su mejor momento. Con sus 36 minutos, "December" suena breve pero deja el efecto de ser una obra épica. 

Un disco recomendado. Este es un gran álbum de "post punk", y uno de los más infravalorados. "For Against" fue contra la corriente musicalmente en su país de origen (Estados Unidos) y es por eso que nunca recibieron más que seguidores de culto. También los fans del “dream-pop” y el shoegaze disfrutarán de este disco. Sus tintes melancólicos no dejarán de provocar ese escalofrío involuntario de placer que solo las mejores melodías pueden provocar. Podrías comparar esto, además de con "The Cameleons", con los primeros años de "Ride".

En conclusión, una pequeña joya que sorprenderá gratamente especialmente al lector más joven que busca alguna "novedad" post-punk-shoegaze.

Video del tema "The Last Laugh":

Tracklist:

1.Sabres 3:26
2.Stranded in Greenland 3:12
3.Svengali 2:45
4.They Said  4:13
5.The Effect 4:43
6.December 5:08
7.The Last Laugh 4:30
8.Paperwhites 3:46
9.Clandestine High Holy  4:33

IGGY POP - The Idiot

ALBUM: The Idiot

El álbum debut de estudio publicado el 18 de marzo de 1977, producido por David Bowie y con mix adicional de Tony Visconti. El título del álbum se tomó de la novela del mismo nombre de Fyodor Dostoevsky, mientras que la pintura Rouquayrol de Erich Heckel inspiró la portada. Es un álbum oscuro, retorcido y pervertido, de una manera magnífica.

Después de la ruptura de su banda "The Stooges" en 1974, Iggy Pop luchó contra la adicción a las drogas. Después de una autoimpuesta estancia en un hospital psiquiátrico, un Iggy significativamente más funcional estaba desesperado por demostrar que podía mantener una carrera en la música, y su viejo amigo David Bowie le dio otra oportunidad, y en 1976, Iggy estaba listo para acabar con su adicción. Iggy Pop aceptó una invitación para acompañar a David Bowie en su "Isolar Tour". Al final de esa gira, Iggy acordó unirse a Bowie, que también luchaba contra la adicción a las drogas, y se mudó a Europa para deshacerse de sus adicciones. Los dos se instalaron en el Château d'Hérouville en Hérouville, donde Bowie accedió a producir este disco.

"The Idiot" marca un verdadero alejamiento del proto-punk de "The Stooges" hacia un sonido más tenue con influencias electrónicas. David Bowie compuso la mayor parte de la música y contribuyó con una parte importante de la instrumentación. Iggy escribió la mayoría de las letras en respuesta a la música que había creado Bowie. "The Idiot" es una "parte" con la música impresionista del "Período de Berlín" de Bowie (como "Heroes" y "Low"), con sus guitarras fragmentadas, líneas de bajo ominosas y partes discordantes de teclado en alto relieve.

Las canciones de este álbum se pueden dividir en tres categorías: 1. baladas de amor y lujuria atormentadas ("Baby", "China Girl" (luego rehecha por Bowie) y "Tiny Girls") que ya formaban parte de la conciencia lírica de Iggy; 2. celebraciones de la cultura nocturna de Berlín ("Nightclubbing" y "Funtime"); 3. exorcismos autobiográficos ("Sister Midnight" y "Dum Dum Boys").

"The Idiot" presenta a un Iggy Pop muy diferente, deja claro que Iggy era mayor, más sabio y todavía tenía mucho que decir; es un trabajo defectuoso pero poderoso y emocionalmente absorbente. El resultado final es una obra maestra. Su colaboración con David Bowie simplemente reinventó el Protopunk. Esta es la marca inicial de la escena post-punk, tomando prestadas líneas de bajo oscuras y funky, guitarras fuertemente distorsionadas y fantásticas voces de barítono bajo, creando un sonido de ambiente oscuro. La voz de Iggy realmente expone su poder más salvaje. Retrospectivamente, los comentaristas musicales y los fans han categorizado a "The Idiot" principalmente como art rock, pero notarás la presencia del rock gótico, el rock industrial, el post-punk y el punk rock.

Iggy Pop dejó atrás el punk y progresa hacia un área de sonido completamente nueva; debido a que David Bowie lo creó en gran medida, muchos fans generalmente no consideran este álbum como un verdadero representante de la producción de Iggy. Mi opinión es que esta es una declaración de aquellos que simplemente son perezosos para escuchar el álbum. Lo que aceptaré es que cuando se lanzó por primera vez confundió a los oyentes. Con el tiempo este disco ha conquistado a la mayoría de los amantes del rock. Es entretenido y si, fuertemente influenciado por David Bowie, aquí no hay duda. O dicho de otra manera, este es un disco de dos hombres a los que no les importa nada en lo más mínimo. Las ocho canciones golpean muy por encima de su peso y dan como resultado un ahora reconocido clásico. Hay una especie de estado de ánimo que solo este álbum puede transmitir, aquí su singularidad.

Disco recomendado. Un trabajo muy oscuro. Este álbum ha sido citado como una gran influencia sobre artistas de rock gótico, industrial y post-punk, incluidos Depeche Mode, Nine Inch Nails y Joy Division; el último álbum debut "Unknown Pleasures" (1979) se basó en gran medida en los "paisajes sonoros industriales" y la "persecución implacable" de pistas como "Nightclubbing" y "Mass Production". Además, el tema "Mass Production" ha sido una influencia en otras bandas modernas de rock alternativo como "Smashing Pumpkins" y "Radiohead". Aquí yace su originalidad, y también la resurrección de Iggy Pop.

Después de "The Stooges", la historia de "Iggy Pop" no estaba destinada a tener un segundo acto, y mucho menos uno bueno. Este álbum lo salvó personalmente y volvió a encaminar su carrera profesional. Un álbum con visión hacia el futuro. 

Video del tema "Nightclubbing":

Tracklist (LP original):

Cara A:

1."Sister Midnight" – 4:19
2."Nightclubbing" – 4:14
3."Funtime" – 2:54
4."Baby" – 3:24
5."China Girl" – 5:08

Cara B:

1."Dum Dum Boys" – 7:12
2."Tiny Girls" – 2:59
3."Mass Production" – 8:24

RUN DMC - Raising Hell

ALBUM: Raising Hell

El tercer álbum de estudio publicado el 15 de mayo de 1986. El disco fue co-producido por Russell Simmons y Rick Rubin (recién salido con LL Cool J "Radio LP"). "Raising Hell" se convirtió en el primer disco de rap de platino y multiplatino. El álbum incluye cuatro single de éxito: "My Adidas", el exitazo "Walk This Way" (una colaboración con "Aerosmith"), "You Be Illin'" y "It' s Tricky".

"Raising Hell" ha sido clasificado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. En 2018, fue incluido en el "Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso" por ser "cultural, histórica o artísticamente significativo".

Nadie estaba preparado para el éxito de "Raising Hell". En 1986 un álbum de rap multiplatino era algo que nunca se había visto. Este disco es reconocido y premiado con el logro de llevar el Rap (Hip Hop) al "mainstream". Dicho de otra manera, sacando los sonidos urbanos de la calle (beats, samples y rap) del "underground" a una "audiencia blanca", y por lo tanto, a un mercado más grande. Gracias al co-productor Rick Ruben, este disco fusiona dos culturas musicales, siendo el mejor ejemplo la versión de "Walk This Way" de Aerosmith, ya que le dio un punto de entrada a una audiencia que no estaba familiarizada con el rap. "Walk This Way" es la primera canción de rap rock.

Junto con Run-D.M.C. y el otro "productor" Russell Simmons, Rubin abrió las puertas de lo que el rap podía hacer con "Raising Hell" porque iba más allá del rap-rock y encontraba todo tipo de sonidos fuera de él. Musicalmente, hay más ganchos, más loops de batería, más scratching, más riffs, más de todo. Mientras que otros discos de rap tenían que ver con el ritmo, este se superpone con sonidos e ideas, lo que le da a la música un "flow" tangible. La música está completamente realizada y completamente vigorizante, pegando más fuerte y mejor que cualquiera de sus contemporáneos de rock o rap en 1986; y años después, esa sensación de emoción aún es palpable.

"Raising Hell" es simplemente más poderoso, funky, fresco y simpático que cualquiera de los trabajos anteriores "Run DMC". Mientras que su debut se presentó como una declaración con un poco de material de relleno e ideas prometedoras, "Raising Hell" mejora las ideas que probaron antes y expande su sonido a un nuevo territorio como se escucha en el tema de apertura "Peter Piper" y en "Is it Live" dando al álbum un flow mucho mejor que antes. Además, el grupo abre nuevos caminos al hacer de "Raising Hell" el primer álbum de rap convencional que utiliza las palabras "Motherf*cker", que se escuchan en "Hit It Run" y "Proud to be Black". En general, abundantes bucles de batería, ganchos, samples de rock y scratches salvajes de "Jam Master Jay" que hace un excelente trabajo. Las rimas escupidas entregadas por el dúo Joseph "Run" Simmons & Darryl "D.M.C." McDaniel transmite poder callejero y un sentido de humor utilizando unos juegos de palabras brillantes.

El álbum ha envejecido algo con el tiempo y ahora es más una referencia a la "Old Skool". Muchos lo citan como el sonido clásico de "la Costa Este" temprana. Además, el repertorio es a veces cíclico (con altibajos), pero bueno, la mayoría lo son. Sin embargo, su fuerza e importancia es que es un "game changer" (fusión del rap y el rock) y uno de los primeros grandes "cross-over" álbumes.

Disco recomendado. Un clásico. Este es el álbum que inició la edad de oro del hip-hop. Allanó el camino para otros (no negros) en el género hip hop, como los "Beastie Boys". Raising Hell es una pieza esencial de la historia del rap y el hip hop. Todo fan de la música urbana (y de la historia de la música moderna) debe tenerlo en su colección.

Video del tema "Walk This Way":

Tracklist (LP original): 

Cara A:

1.         "Peter Piper"              3:25
2.         "It's Tricky"               3:03
3.         "My Adidas"             2:47
4.         "Walk This Way" (con Aerosmith) 5:11
5.         "Is It Live"                 3:07
6.         "Perfection"               2:52

Cara B:

1.         "Hit It Run"               3:10
2.         "Raising Hell"            5:32
3.         "You Be Illin'"                       3:26
4.         "Dumb Girl"              3:31
5.         "Son of Byford"                    0:27
6.         "Proud to Be Black"   3:15

THE BEACH BOYS - Pet Sounds

ALBUM: Pet Sounds

 
¿Qué puedo añadir que no se haya añadido ya?

El undécimo álbum de estudio fue publicado el 16 de mayo de 1966. El disco fue producido, arreglado y compuesto casi en su totalidad por Brian Wilson con el letrista-compositor invitado Tony Asher. Se grabó en gran parte entre enero y abril de 1966, un año después de que Brian Wilson dejara de hacer giras con sus compañeros de banda. Su objetivo era crear "el mejor álbum de rock jamás realizado". Un álbum conceptual pionero que se compone principalmente de canciones introspectivas. La foto de portada fue tomada el 10 de febrero de 1966 por el fotógrafo George Jerman.

"Pet Sounds" revolucionó el campo de la producción musical y el papel de los productores dentro de la industria musical, introdujo la orquestación, el uso de sintetizadores, voces de acordes y armonías estructurales; el estudio de grabación se convierte en un instrumento más. "Pet Sounds" incorpora elementos de música pop, jazz, clásica y de vanguardia. Es a veces futurista, progresista y experimental. Tanto que también es considerado el disco de rock-pop psicodélico por excelencia. Por último, en esta tema, Brian Wilson ha declarado que "Pet Sounds" es como una "interpretación" de la técnica de producción "Wall of Sound" de Phil Spector".

Para mí es el mejor disco de los Beach Boys ("Smile" se acerca), y uno de los mejores jamás grabados. Afirma la madurez de la formación, tiempo para dejar las tablas de surf y convertirse en adultos. Destaca los verdaderos músicos que son, y Brian Wilson siendo el genio musical que es. Los chicos se sumergen en la experimentación pop y proto-psicodélica orientada a álbumes. El resultado es uno de los álbumes pop más innovadores y sónicamente fascinantes jamás producidos. Escucha este disco con auriculares.

Este álbum es también una impresionante muestra de composición, arreglos y vocalizaciones, casi perfecta en su ejecución. Alcanza un nivel completamente nuevo en términos de composición y producción, superponiendo pistas sobre pistas de voces e instrumentos para crear un sonido sinfónico. Teclados y guitarras convencionales se combinaron con toques exóticos de cuerdas orquestadas, campanas de bicicleta, órganos zumbantes, clavicémbalos, flautas, Theremin, instrumentos de cuerda con sonido hawaiano, latas de Coca-Cola, perros que ladran... etc.

Además, lo que es importante, tiene algunas de las canciones más hermosas de los Beach Boys. La calidad espiritual del material se ve reforzada por algunas de las voces y registros masculinos más hermosos (especialmente de Brian y Carl Wilson) jamás escuchadas en un disco de rock. "Wouldn't It Be Nice", "God Only Knows", "Caroline No" y "Sloop John B" son las canciones más conocidas, pero igualmente valiosas son "You Still Believe in Me", "Don't Talk", "I Know There's an Answer" y "I Just Wasn't Made for These Times".

Brian Wilson estuvo completamente a cargo, interactuando con los músicos y construyendo las canciones. Los músicos eran el grupo de músicos de sesión de Los Ángeles conocido, extraoficialmente en ese momento, como "Wrecking Crew". Incluía a Carol Kaye en el bajo, el baterista Hal Blaine y los guitarristas Tommy Tedesco y Glen Campbell.

Con una gran influencia desde su lanzamiento, inmediatamente catapultó a la banda al nivel más alto de los innovadores del rock. Creado como una respuesta al álbum "Rubber Soul" de The Beatles, Brian Wilson declaró... “Cuando lo escuché por primera vez me volví loco. Quería hacer un álbum así. Quería intentar superarlo, me sentía competitivo con The Beatles y quería hacer un álbum que rivalizara con Rubber Soul”. "Pet Sounds" luego impactó a The Beatles, quienes grabaron "Stg Peppers" y conquistaron el mundo. Ellos conquistaron el Mundo, no los "Beach Boys". Pero esto para otro post.

Muchos atribuyen el "colapso" mental final de Brian Wilson a este evento. Sin embargo, se dice que Paul McCartney declaró que... "nadie recibe educación musical hasta que escucha Pet Sounds". Algún reconocimiento directo al menos.

Cualquiera que sea el impacto en la salud mental, "Pet Sounds" es la perfección del pop. El álbum suena hoy tan fresco como en 1966. Todo el mundo debería escucharlo en su vida. Este trabajo ha sido igualado y/o superado por solo un puñado de otros discos en la historia de la música.

Disco recomendado. Para mí no es el "mejor de todos los tiempos", pero se acerca. Para mí es la mejor obra de "expresión humana de la emoción y autoexploración" respaldado por la música. Quizá aquí se pierde las distinciones. En cualquier caso una obra maestra, un disco imprescindible para cualquier melómano. 

Video del tema "Don't Talk (Put Your Head On My Shoulder)":

Tracklist (LP original):

Cara A:

1.         "Wouldn't It Be Nice"                       2:25
2.         "You Still Believe in Me"                  2:31
3.         "That's Not Me"                     2:28
4.         "Don't Talk (Put Your Head on My Shoulder)"       2:53
5.         "I'm Waiting for the Day"                 3:05
6.         "Let's Go Away for Awhile"             instrumental    2:18
7.         "Sloop John B"                       2:58 

Cara B:

1.         "God Only Knows"               2:51
2.         "I Know There's an Answer" 3:09
3.         "Here Today"             2:54
4.         "I Just Wasn't Made for These Times"                      3:12
5.         "Pet Sounds"              instrumental    2:22
6.         "Caroline, No" 2:51

*El LP costó una fortuna (equivalente a los años 60). Vea la cantidad de personas involucradas para grabar este álbum.

* Equipo

The Beach Boys:

• Brian Wilson – voz; cuerdas de piano en "You Still Believe in Me"; bajo, bajo danelectro y órgano en "That's Not Me"; piano en "Pet Sounds"; órgano o armonio sobregrabado en "I Know There's an Answer"
• Al Jardine – voz
• Bruce Johnston – voz
• Carl Wilson – voz; guitarra principal y guitarra eléctrica de 12 cuerdas sobregrabada en "That's Not Me"; Guitarra eléctrica de 12 cuerdas en "God Only Knows"
• Dennis Wilson – voz; batería en "Eso no soy yo"

Músicos invitados:

•  Tony Asher - cuerdas de piano en "You Still Believe in Me"
• Steve Korthof - pandereta en "Eso no soy yo"
• Terry Melcher - pandereta en "That's Not Me" y "God Only Knows"
• Marilyn Wilson - voces adicionales en la introducción de "You Still Believe in Me"
• Tony (apellido desconocido) - pandereta en "Sloop John B"

Músicos de sesion (aka "the Wrecking Crew"):

• Chuck Berghofer - contrabajo
• Hal Blaine: bocina de bicicleta, batería, percusión, cascabeles, timbales
• Glen Campbell - banjo, guitarra
• Frank Capp: campanas, vaso para bebidas, timbales, glockenspiel, pandereta, temple blocks, vibráfono
• Al Casey - guitarra
• Roy Caton - trompeta
• Jerry Cole - guitarra eléctrica, guitarra
• Gary Coleman - bongós, timbales
• Mike Deasy - guitarra
• Al De Lory - clavicémbalo, órgano, piano, tachuela de piano
• Steve Douglas: saxofón alto, clarinete, flauta, piano, temple blocks, saxofón tenor
• Carl Fortina - acordeón
• Ritchie Frost - batería, bongos, latas de Coca-Cola
• Jim Gordon - batería, sonido de vasos de jugo de naranja
• Bill Green – saxofón alto, clarinete, flauta, güiro, pandereta
• Leonard Hartman - clarinete bajo, clarinete, corno inglés
• Jim Horn: saxofón alto, clarinete, saxofón barítono, flauta
• Paul Horn – flauta
• Jules Jacob – flauta
• Plas Johnson – clarinete, güiro, flauta, flautín, pandereta, saxo tenor
• Carol Kaye - bajo eléctrico, guitarra
• Barney Kessel - guitarra
• Bobby Klein: clarinete
• Larry Knechtel - clavicémbalo, órgano, tachuela de piano
• Frank Marocco - acordeón
• Gail Martin - trombón bajo
• Nick Martinis – batería
• Mike Melvoin – clavecín
• Jay Migliori - saxofón barítono, clarinete bajo, saxofón bajo, clarinete, flauta
• Tommy Morgan - armónica de bajo
• Jack Nimitz - saxofón barítono, saxofón bajo
• Bill Pitman - guitarra
• Ray Pohlman - bajo eléctrico
• Don Randi - tachuela de piano
• Alan Robinson - corno francés
• Lyle Ritz - contrabajo, ukelele
• Billy Strange - guitarra eléctrica, guitarra, guitarra eléctrica de 12 cuerdas
• Ernie Tack - trombón bajo
• Paul Tanner – Electro Theremin
• Tommy Tedesco - guitarra acústica
• Jerry Williams - timbales
• Julius Wechter - campana de bicicleta, pandereta, timbales, vibráfono
• Las cuerdas de Sid Sharp
• Arnold Belnick – violín
• Norman Botnick: viola
• Joseph DiFiore: viola
• Justin DiTullio - violonchelo
• Jesse Erlich – violonchelo
• James Getzoff – violín
• Harry Hyams: viola
• William Kurasch: violín
• Leonard Malarsky – violín
• Jerome Reisler – violín
• Joseph Saxon – violonchelo
• Ralph Schaeffer: violín