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THELONIOUS MONK - Thelonious Monk with John Coltrane - Album

Thelonious Monk es una leyenda del jazz y una excelente fuente de inspiración para comenzar si quieres iniciarte en el jazz. Su discografía es enorme, no hay espacio para poner todos los discos aquí, pero voy a resaltar y recomendar uno en particular. El lanzamiento de 1961 titulado "Thelonious Monk with John Coltrane", un disco maravilloso donde obtienes la oferta de dos por uno; es decir, dos de los más grandes músicos de jazz juntos en un solo álbum. El LP ha sido elogiado por sus interpretaciones innovadoras y virtuosas, así como por su importancia histórica al documentar el encuentro de dos gigantes del jazz.

 

¿Quién era Thelonious Monk?

 
Thelonious Sphere Monk fue un pianista y compositor de jazz estadounidense. Tenía un estilo de improvisación único e hizo numerosas contribuciones al repertorio de jazz estándar, incluyendo temas como "'Round Midnight", "Blue Monk", "Straight, No Chaser", "Ruby, My Dear", "In Walked Bud" y "Well, You Needn't". Thelonious Monk es el segundo compositor de jazz con más grabaciones después del legendario Duke Ellington.

Thelonious Monk - músico de jazz

Las composiciones e improvisaciones de Monk presentan disonancias y giros melódicos angulares y son consistentes con su enfoque poco ortodoxo del piano, que combinaba un ataque percusivo con un uso abrupto y dramático de cambios de teclas, silencios y vacilaciones.

Monk tenía una apariencia distinta que incluía trajes, sombreros y gafas de sol; un "cool motherf*cker" realmente genial. También tenía una manía idiosincrásico durante sus actuaciones: mientras otros músicos seguían tocando, Monk se detenía, se levantaba y bailaba unos momentos antes de volver al piano.

Thelonious Monk murió el 17 de febrero de 1982. Fue uno de los más grandes intérpretes de jazz en la historia del género.

 

ALBUM: Thelonious Monk with John Coltrane

 
Disco publicado en 1961 que consta de material grabado cuatro años antes (1957), cuando Monk trabajó extensamente con John Coltrane, publicado después de que Coltrane se convirtiera en un líder y estrella del jazz por derecho propio.

ALBUM: Thelonious Monk with John Coltrane 1961

El LP original fue armado con material de tres sesiones diferentes. El impulso para el álbum fue el descubrimiento de tres pistas de estudio utilizables grabadas por el Monk Quartet con Coltrane en julio de 1957 al comienzo de la residencia de seis meses de la banda en el legendario club "Five Spot" de Nueva York. El productor Keepnews incluyó dos tomas descartadas del álbum "Monk 's Music" grabadas el mes anterior y una toma adicional de "Thelonious Himself" grabada en abril. El LP original contiene seis canciones con lanzamientos posteriores en 2010 con un extra, "Monk 's Mood".

Considerada universalmente como una de las mayores colaboraciones entre los dos músicos más influyentes del jazz moderno (con permiso de Miles Davis). Si bien el dominio de los dos está fuera de toda duda, también hay que darle crédito al bajista Wilbur Ware, está absolutamente sólido. Dicho esto, los músicos invitados en este LP (Art Blakey, Coleman Hawkins, Gigi Gryce (ver lista completa abajo))... es increíble.

Los números "Off Minor" y "Epistrophy" de tres minutos con los legendarios saxofonistas Coleman Hawkins, Gigi Gryce y el brillante trompetista Ray Copeland son canciones distintivas que todo fan del jazz debería escuchar. De las cuatro sesiones del cuarteto, el corte "Trinkle Tinkle" pone a prueba el temple de Coltrane, ya que combina perfectamente con Monk, pero por el contrario no fue forzado durante "Nutty" antes de romper. El piano solo de Monk, en este LP, es "Functional", y tiene un sabor a blues y boogie-woogie. No obstante, todas las composiciones del disco se encuentran entre las mejores de Monk y algunas de estas versiones pueden considerarse definitivas (en particular la canción de apertura "Ruby My Dear").

 

Disco recomendado

 
Un álbum venerado que presenta a dos de los mejores músicos de todos los tiempos del siglo XX, tocando realmente muy bien juntos. Tan maravilloso como históricamente importante, este es un álbum absolutamente esencial para tu colección de jazz y también es un excelente punto de partida para cualquiera que busca familiarizarse con las personalidades musicales de dos de los nombres más conocidos de todo el género.

Video del tema "Trinkle, Tinkle":

Tracklist (formato LP vinilo original):

Cara A:

“Ruby, My Dear” – 6:17
“Trinkle, Tinkle” – 6:37
“Off Minor [take 4]” – 5:10

Cara B:

“Nutty” – 6:35
“Epistrophy”  – 3:07
“Functional [take 1]” – 9:46

Personnel - músicos:

  • Thelonious Monk – piano
  • John Coltrane - saxofón tenor, pistas 1 a 5, 7
  • Ray Copeland - trompeta en "Off Minor" y "Epistrophy"
  • Gigi Gryce - saxofón alto en "Off Minor" y "Epistrophy"
  • Coleman Hawkins - saxofón tenor en "Off Minor" y "Epistrophy"
  • Wilbur Ware: bajo en todos excepto en "Functional"
  • Shadow Wilson - batería en "Ruby, My Dear", "Trinkle, Tinkle" y "Nutty"
  • Art Blakey - batería en "Off Minor" y "Epistrophy" 

LUNGFISH - The Unanimous Hour - Album

Lungfish (Banda)


Grupo de rock estadounidense formado en 1987 en Baltimore, Maryland. En 2005, la formación de Lungfish estaba formada por Daniel Higgs (voz, guitarra), Asa Osborne (guitarra), Sean Meadows (bajo) y Mitchell Feldstein (batería). Los dos bajistas anteriores fueron John Chriest y Nathan Bell. La música de la banda abarca el emocore, rock alternativo y post-hardcore. Los críticos también han añadido que la música es muy intensa, minimalista pero compleja donde "Lungfish" abarca desde el taoísmo hasta el estoico.

 

ALBUM: The Unanimous Hour

 
El octavo álbum de estudio fue publicado en junio de 1999. En mi opinión, el más sólido. La edición original se agotó, pero apareció en 2011 en formato CD remasterizado, lo que le dio una increíble experiencia de sonido "nueva".

ALBUM: The Unanimous Hour de LUNGFISH

Antes de avanzar haré una breve advertencia al lector, "Lungfish" te aburrirá o lo pondrá en un trance trascendental; dicho de otra manera, "o lo entiendes o no lo entiendes". Depende de cómo enfoques la música. Básicamente, utilizan dos o tres "riffs" simples y monótonos por canción, agregan un bajo contundente, una batería pesada y eso es todo. Sin "solos", sin salidas. Agregue a eso las letras "esotéricas" de Daniel Higgs que bordean la línea entre la biología y la filosofía oriental, y lo tendrás..... esto es "Lungfish". Yo personalmente lo pillo..

Después de editar trabajos anteriores estilo post-rock, "Lungfish" re-introdujo en "The Unanimous Hour" elementos de disonancia y poder vocal, reviviendo la energía punk del grupo. Algunas de las canciones más dinámicas de la banda se encuentran aquí en este disco muy bien desarrollado. Dos temas destacados de su carrera: "Space Orgy", mientras que el zumbido más familiar de "God 's Will" establece los mantras más descifrables del cantante Daniel Higgs. "The Unanimous Hour" termina con unos sólidos temas tipo instrumental al estilo Mogwai ("Sands of Time", "Return to the Caves") y un experimento vocal extraño y de mano dura ("Metatron"). Es una obra de viaje cósmico musical.

La banda de post hardcore LUNGFISH

Disco recomendado

 
"The Unanimous Hour", quizás es el esfuerzo más impresionante de "Lungfish". Este octavo disco es un buen punto de entrada al catálogo singular de la banda. "The Unanimous Hour" también es un punto de inflexión entre los primeros años de la banda y el riff minimalista guiado que predominará en sus tres últimos discos. Es un trabajo post-hardcore cósmico para la "persona pensante" (y flipao).

Atrévete y buscarlo.

Video del tema "Searchlight":

Tracklist:

1.Space Orgy
2.Web of Mirrors
3.Searchlight
4.Vulgar Theories
5.God's Will
6.Mated
7.Metatron
8.Sands of Time
9.Return to the Caves
10.Hallucinatorium

TOTO - Toto IV - Album

Propongo a los melómanos una banda que más por su buena música destacaron por ser músicos excepcionales y de primer nivel, cada uno un especialista en lo suyo y reconocido dentro del gremio. Hablo de la banda americana TOTO, una formación de expertos músicos que ofrecieron rock adulto, mainstream, commercial y (para mi gusto, muy americano). Esto no es malo, en absoluto, fueron una banda con mucho éxito, vendieron millones de discos. A mi lo que me fascina de ellos es la calidad y el nivel de los músicos y en particular su disco "TOTO IV".

 

¿Quiénes eran la banda Toto?

 
Banda estadounidense de rock formada en 1977 en Los Ángeles. Toto combina elementos de pop, rock, soul, funk, rock progresivo, hard rock, R & B, blues y jazz. Han editado hasta el momento 14 álbumes de estudio y vendido más de 40 millones de discos en todo el mundo

David Paich (teclados, voz) y Jeff Porcaro (batería) habían tocado juntos como músicos de sesión en varios álbumes y formaron la banda; David Hungate (bajo), Steve Lukather (guitarra), Steve Porcaro (teclados, voz) y Bobby Kimball (voz) fueron reclutados antes del lanzamiento del álbum debut homónimo de la banda en 1978.

Toto - banda de rock americana

Aparte de ser miembros de Toto, dicho componentes también colaboraban con otros como "músicos de sesión", músicos profesionales contratados para tocar en los discos (conciertos) de otros músicos, muchas veces solo con un crédito en la contraportada (pero super pagados).

A continuación una pequeña lista seleccionada de grupos donde los miembros de TOTO han colaborado como invitados-músicos de sesión: Alice Cooper en su álbum "From the Inside", Miles Davis, Pink Floyd, Quincy Jones, Eric Clapton, Paul McCartney, Michael McDonald, the Eagles, Earth, Wind & Fire, Yes, Eddie Van Halen, Michael Jackson en su álbum "Thriller" and Ringo Starr & His All-Starr Band ...etc y etc. Hay más, aunque los nombres ya impresionan.

 

ALBUM: Toto IV

 
Es el cuarto álbum de estudio de la banda de rock "Toto", publicado en marzo de 1982. Prescindiendo en gran medida del rock de estudio que había caracterizado sus tres primeros lanzamientos, la banda trabajó más en las melodías, trabajó letras simples que trataban temas románticos y ralentiza el tempo a lo que llegó a conocerse como el ritmo de "power ballad". El resultado fue un gran avance y un gran éxito, vendiendo millones de álbumes y ganando tres premios Grammy, incluidos "Álbum del año" y "Disco del año" Una verdadera obra maestra del "AOR" (Rock orientado a adultos) en composición y musicalidad.

ALBUM: Toto IV (1978) por la banda TOTO

El single principal, "Rosanna", alcanzó el puesto #2 durante cinco semanas en las listas Billboard Hot 100, mientras que el tercer single del álbum, "Africa", que encabezó la lista Hot 100, se convirtió en el primer y único éxito #1 del grupo.

También fue el último álbum de Toto que contó con su bajista original David Hungate hasta su regreso en 2014 (con el lanzamiento de su álbum Toto XIV en 2015) cuando fue reemplazado por Mike Porcaro después de la grabación del álbum por parte de la banda, y también del álbum final para presentar al vocalista principal original Bobby Kimball hasta su regreso en 1998 (con el lanzamiento del álbum Mindfields en 1999).

Aparte de los dos sencillos mencionados, este disco tiene algunas joyas escondidas como el conmovedor "Waiting for your Love", junto con los temas más rockeros "Lovers in the Night" y "Afraid of Love", que hacen de "Toto IV" un álbum completo, gratificante y una experiencia auditiva, aunque sea más para un oído más "mainstream".

La producción de este álbum es impecable. En el "rock L.A" (Los Ángeles) no hay nada mejor que esto, y en lo que respecta al personal (músicos), este álbum es esencialmente una precuela del mega disco de Michael Jackson, "Thriller", ya que la mayoría de los miembros de Toto actúan en ese disco que se lanzaría posteriormente en el mismo año de 1982.

 

Disco recomendado

 
Toto "IV" es un gran álbum de pop rock sofisticado. No se puede subestimar la musicalidad y la instrumentación. Estos músicos estaban altamente en demanda para tocar con "cientos" de otros artistas. Eran (son) la "creme de la creme".

Si el pop rock comercial no es tu estilo musical, te recomiendo que escuches este disco por su musicalidad y trabajo de producción. Una escucha obligada para los fans y, creo, para los futuros músicos y técnicos de producción. Una verdadera clase magistral, un álbum tan perfectamente producido que no puedes evitar admirar.

Video del tema "Africa":

Tracklist (formato LP vinilo):

Cara A:

1.         "Rosanna"       5:31
2.         "Make Believe"          3:43
3.         "I Won't Hold You Back"                 4:53
4.         "Good for You"                     3:17
5.         "It's a Feeling"                        3:05

Cara B:

6.         "Afraid of Love"        3:52
7.         "Lovers in the Night" 4:25
8.         "We Made It" 3:56
9.         "Waiting for Your Love"                   4:12
10.       "Africa"          4:55

PROCOL HARUM - Procol Harum - Album

La historia de la música rock está llena de historias (eventos) en los que una canción es más popular que la banda que la compuso y la interpretó. Un caso así es el de la banda inglesa "Procol Harum" y su éxito mundial y canción más reconocida "A Whiter Shade of Pale".

Seguro que conoces el tema en cuestión. Quiero llamar tu atención sobre el grupo responsable de dicha canción y el álbum donde aparece. Un buen disco de finales de los 60 que merece más reconocimiento junto con la banda.

 

¿Quiénes eran el grupo Procol Harum?

 
Procol Harum fue una banda de rock inglesa formada en Essex en 1967. Su grabación más conocida es el single de 1967 "A Whiter Shade of Pale", uno de los pocos sencillos que ha vendido más de 10 millones de copias. Aunque Procol Harum destaca por su influencia barroca y clásica, la música del grupo se describe como rock psicodélico y proto-progresivo con toques de blues, R & B y soul.

PROCOL HARUM - Banda

En 2018, la banda fue honrada por el "Salón de la Fama del Rock and Roll" cuando "A Whiter Shade of Pale" fue incluido en la nueva categoría de Singles. Como ya mencionado este single es histórico.

 

ALBUM: Procol Harum

 
Este es el álbum debut de estudio de la banda de rock inglesa Procol Harum. Fue publicado en septiembre de 1967 en los EE. UU., tras su gran canción e inmensamente popular sencillo "A Whiter Shade of Pale". Esta canción no aparece en la versión británica del álbum. Todas las canciones fueron acreditadas originalmente a Gary Brooker (música) y Keith Reid (letra), excepto "Repent Walpurgis" escrita por Matthew Fisher, basada en obras del organista francés Charles-Marie Widor y el compositor alemán Johann Sebastian Bach.

PROCOL HARUM - Procol Harum - Album

Los críticos han descrito "Procol Harum" como un álbum de pop-rock inteligente, artístico y psicodélico con muy buenos músicos. Si bien no se considera el "primer álbum progresivo" de la historia, ha atraído la atención a lo largo de los años y ayudó a forjar muchos fans de Procol Harum. Con el tiempo, "Procol Harum" se considera uno de los mejores álbumes de rock progresivo de todos los tiempos, uno de los álbumes debut más impresionantes de todos los tiempos y uno de los mejores álbumes del año que dio forma al rock en 1967. Es un placer escuchar el teclado y órgano de Matthew Fisher y el piano de Gary Brooker. También lo es el suave y musculoso trabajo del guitarrista Robin Trower, y si eso no fuera suficiente, "Procol Harum" también cuenta con uno de los bateristas más ágiles, B.J. Wilson.

Este disco es recordado principalmente por su exitoso sencillo "A Whiter Shade of Pale", pero en general la música del LP es una atractiva combinación de rock psicodélico, blues e influencias clásicas, llena de letras fantasmales (oscuras). Canciones como "Conquistador", "Kaleidoscope", "A Christmas Camel" y "Repent Walpurgis", con influencia de Bach, son canciones geniales, y "Good Captain Clack" es rockera y divertida. Este disco dominó las ondas durante "The Summer of Love" de San Francisco junto con el álbum de The Beatles "Sgt. Pepper" y The Doors "Light My Fire".

Y como anécdota, todo el disco es en mono; algo bastante común en 1967, y su productor en ese momento, Denny Cordell, ¡no "creía" en estéreo! Nunca se ha encontrado ninguna mezcla en estéreo.

 

Disco recomendado

 
Conocerás su single "A Whiter Shade of Pale", pero seguro que pocos sabrán el nombre de la banda ni del álbum. Una obra maestra psicodélica que mezcla rock y blues tradicionales con sonidos clásicos y música de cámara. Este LP se mantiene mejor que la mayoría de los discos de rock psicodélico o progresivo de la época. Si eres fan del rock progresivo, esto lo disfrutarás.

Video del tema "A Whiter Shade of Pale":

Tracklist (formato LP vinilo US):

Cara A:

1.         "A Whiter Shade of Pale"                  4:04
2.         "She Wandered Through the Garden Fence"                       3:18
3.         "Something Following Me"              3:37
4.         "Mabel"                      1:50
5.         "Cerdes (Outside the Gates of)"                   5:04

Cara B:

1.         "A Christmas Camel"            4:48
2.         "Conquistador"                      2:38
3.         "Kaleidoscope/Salad Days (Are Here Again)"                    6:31
4.         "Repent Walpurgis"               5:05

Procol Harum:

  •  Gary Brooker - voz, piano
  • Robin Trower - guitarra (todos menos versión EE.UU 1)
  • Matthew Fisher - órgano
  • Dave Knights - bajo
  • B. J. Wilson - batería (todos menos EE.UU 1)
  • Ray Royer - guitarra (versión EE. UU. 1)
  • Keith Reid - letra

Personal adicional:

  • Bill Eyden - batería (versión EE. UU. 1)

KISS - Destroyer - Album

Pocos grupos de hard rock de los años 70 (Siglo XX) aprovecharon mejor el poder desenfrenado de la angustia adolescente que la banda estadounidense KISS, además de ser pioneros como ningún otro en las técnicas de marketing donde crearon nuevos flujos de ingresos, especialmente a partir del merchandising. También llevaron los alter egos de los "superhéroes" a un nuevo nivel junto con espectáculos en vivo que eran más que musicales sino que incluían teatro y pirotecnia elevando a la "experiencia total de entretenimiento".

Kiss fue eclipsado por sus propios monstruos; los personajes de fantasía maquillados que lanzaban fuegos artificiales, los escupitajos de sangre en el escenario, el guitarrista alienígena volador y el merchandising complementario. Sin embargo, su música y maestría musical fueron incuestionables y brillantes.

Yo, como la mayoría de mi generación, crecí con KISS y sus discos, también atrapado por la fantasía, el maquillaje y las camisetas, junto con su sonido hard rock. Un disco que me marcó y sigue siendo uno de mis favoritos es "Destroyer".

 

ALBUM: Destroyer

 
Es el cuarto álbum de estudio de la banda estadounidense Kiss, publicado el 15 de marzo de 1976. El LP marcó un alejamiento del sonido crudo de los primeros tres álbumes de la banda. Este disco de estudio llega después de su álbum en directo "Alive", que los rompió comercialmente con el exitoso himno, "Rock and Roll All Nite", y las expectativas eran extremadamente altas. Esta fue la primera vez que Kiss capturó la exagerada teatralidad de su presencia escénica en vinilo.

KISS - Destroyer - Album

"Destroyer" como obra es también más oscura, más enérgica, elaborada, inteligente y grandiosa en todo momento. Una visión musical del hard rock vertiginosa que encajaba y se transmitía a la imagen física y al espectáculo escénico que la banda había creado para sí mismos. Tiene la sensación de un álbum conceptual, pero no lo es.

 

Arte de la portada:

La portada de "Destroyer" fue creada por el artista de fantasía Ken Kelly. "Destroyer" también marcó la primera vez que apareció una ilustración de cómic de la banda en la portada, confirmando que la banda se estaba transformando de "hard rockers" a superhéroes.

KISS - banda de rock

 
"Destroyer" es uno de los álbumes de estudio más experimentales de Kiss, pero también uno de los más fuertes e interesantes. El productor Bob Ezrin (Alice Cooper-Pink Floyd), estuvo presente y animó a la banda a experimentar; hay un uso extensivo de efectos de sonido ("Rock and Roll Party"), la aparición de un coro de niños ("Great Expectations") y la balada cargada de orquesta ("Beth"). Pero también hay mucho heavy rock de Kiss, como el demoníaco "God of Thunder" y los himnos "Flaming Youth", "Shout It Out Loud", "King of the Night Time World" y "Detroit Rock City"(este la historia de un asistente al concierto condenado, con efectos de sonido del violento accidente automovilístico). Más tarde, Nirvana haría un cover del tema "Do You Love Me?".

Kiss - banda de rock

Uno de los grandes puntos fuertes del álbum es la implicación creativa de toda la banda. Las huellas de Paul Stanley están por todas partes, escribiendo o co-escribiendo 6 de las 9 canciones. Gene Simmons incluso canta "God of Thunder" de Stanley, haciéndola completamente suya, y escribió o coescribió 4 de las otras canciones. "Flaming Youth" suena como si Ace Frehley tuviera una gran influencia como co-compositor y la participación compositiva de Bob Ezrin en 7 de las 9 pistas eleva claramente el material. La banda nunca volvió a grabar un álbum tan completo, pero estuvieron cerca un par de veces. Este fue uno de esos momentos en el que todas las estrellas se alinearon y las fichas cayeron en los lugares correctos.

Por último, seguro que hay álbumes que compraste en tu juventud y que nunca olvidas. Si creciste en las décadas de 1970 y 1980, fuiste a la escuela secundaria en las décadas de 1970 y 1980, o tuviste hermanos o hermanas mayores que eran adolescentes en los años 70 o viceversa, es probable que el álbum "Destroyer" estuviera en algún lugar de tu casa, en la habitación de alguien, en el tocadiscos de alguien y probablemente con muchos rayones porque todos tocamos este disco, todo el tiempo.

 

Disco recomendado

 
"Destroyer" sigue siendo un gran álbum y es, sin duda, uno de los mejores álbumes de rock de los años 70. Es un hito por fusionar los mitos de KISS con su sonido y extender su alcance desde el heavy rock hacia un espectro más amplio de musicalidad. El álbum "Destroyer" impulsó a KISS hacia su objetivo de convertirse en la banda más popular del mundo

Dejando a un lado los personajes y el maquillaje de superhéroes, las travesuras en el escenario y los aspectos de merchandising, es un gran disco de hard rock en el sentido más amplio. Posiblemente el mejor LP de estudio de KISS, junto con en mi opinión, "Dynasty". Musicalmente tiene algo para todos y no tiene ninguna debilidad.

Este álbum es donde recomiendo debería empezar un nuevo interesado en KISS. Pídele a cualquier fan de Kiss que nombre su álbum favorito de Kiss y es más que probable que diga "Destroyer".

Video del tema "Detroit Rock City":


Tracklist (formato LP vinilo):

Cara A:

1.         "Detroit Rock City"               5:17
2.         "King of the Night Time World"                   3:19
3.         "God of Thunder"                  4:13
4.         "Great Expectations"             4:24

Cara B:

1.         "Flaming Youth"                    2:59
2.         "Sweet Pain"              3:20
3.         "Shout It Out Loud"              2:49
4.         "Beth"             2:45
5.         "Do You Love Me?"              3:33
6.         "Rock and Roll Party"           (instrumental) 1:25

Kiss:

  • Paul Stanley - voz principal, guitarra rítmica
  • Gene Simmons - coros y voz principal, bajo
  • Peter Criss - batería, coros, voz principal en "Beth"
  • Ace Frehley - guitarra principal, coros

Músicos adicionales:

  •  Dick Wagner: solo de guitarra en "Sweet Pain", licks de guitarra en "Flaming Youth", guitarra acústica en "Great Expectations" y "Beth"
  • Brooklyn Boys Chorus - voces adicionales en "Great Expectations"
  • David y Josh Ezrin - voces en "God of Thunder"
  • Filarmónica de Nueva York - orquesta en "Beth"

Producción:

  • Bob Ezrin – productor, orquestación, teclados, piano en "Beth"

FAUST - Faust IV - Album

Dentro del estilo de música rock denominado "KRAUTROCK", el disco "Fausto IV" es uno de los álbumes más interesantes de su época, una obra maestra del género.

Dicho género ha dado lugar a muchas grandes bandas ahora aclamadas como innovadoras y pioneras experimentales como Neu!, Can, Circle, Cluster, etc. En este caso en particular la banda en cuestión es Faust, creadores del álbum "Faust IV".

 

¿Quiénes eran la banda Faust?

 
Banda de rock alemana de Hamburgo. Formado en 1971 por el productor y ex periodista musical Uwe Nettelbeck, el grupo estaba compuesto originalmente por Werner "Zappi" Diermaier, Hans Joachim Irmler, Arnulf Meifert, Jean-Hervé Péron, Rudolf Sosna y Gunther Wüsthoff, en colaboración con el ingeniero de sonido Kurt Graupner.

La banda alemana FAUST

Su música se orientó en torno a la disonancia, la improvisación y los sonidos electrónicos experimentales, e influiría en la música ambient e industrial posterior. La carrera inicial del grupo a principios de los años 70 produjo una serie de álbumes que reinventaron radicalmente el papel del estudio de grabación, introduciendo técnicas de corte de cintas al rock psicodélico libre.

El grupo se disolvió en 1975 y algunos de los miembros fundadores se volvieron a reunir en 1990.

 

ALBUM: Faust IV

 
Este es el cuarto álbum de estudio del grupo alemán de krautrock "Faust", publicado en 1973. Se lo conoce como un "clásico del krautrock". Este fue el último álbum de la primera encarnación de la banda: Werner "Zappi" Diermaier – batería, Hans Joachim Irmler – órgano, Jean-Hervé Péron – voz, bajo, Rudolf Sosna – voz, guitarra, teclados y Gunther Wüsthoff – sintetizador. saxófono.

ALBUM: Faust IV - de la banda alemana FAUST

En comparación con discos anteriores, "Faust IV" es relativamente más moderado y convencional (más accesible), aunque todavía está por delante de todo lo que estaba haciendo la escena del rock de vanguardia alemán en ese momento. Esta "accesibilidad" fue criticada por los fans "incondicionales" como una "traición", muy dura crítica y una reacción exagerada en mi opinión, ya que abrió a Fausto a una audiencia más amplia. Dicho esto, el sonido general es muy experimental: una mezcla de ruido industrial, drones, rock psicodélico y música abstracta, hipnótica y atmosférica. También hay alguna que otra voz, sintetizador, teclados y saxofón.

El primer corte electroacústico de casi 12 minutos "Krautrock" es un número característico que prepara el escenario. Hay un par de temas pop más extraños que capturan el sentido del humor surrealista del grupo: uno, "The Sad Skinhead", a través de su ritmo tipo reggae (recuerda también un poco a "The Clash"), y otro, "It's a Bit of a Pain", interrumpiendo un número pastoral de guitarra acústica con los ruidos de sintetizador más molestos que la banda pueda evocar. También hay una tendencia general hacia canciones más cortas y más voces en este LP, pero todavía hay algunos cambios repentinos e impredecibles en las piezas instrumentales.

Faust

Hay varios temas de paisajes sonoros sin ritmo, en su mayoría electrónicos, llenos de efectos de sintetizador vibrantes y flotantes, así como muchos toques de guitarra inspirados en "The Velvet Underground" característicos del grupo (por ejemplo, "Jennifer"), e incluso algunos pasajes de jazz-rock (por ejemplo, " Just A Second" y "Giggy Smile") y canciones psicodélicos.

En general, cada canción es muy diferente de la otra y existe en su propio espacio, mientras que el resultado global es una experiencia psicodélica. Quizás para el oído de los "lectores más jóvenes" FAUST IV pueda ser difícil de asimilar en la primera escucha, estoy de acuerdo. Sin embargo, si eres paciente y le das tiempo, este LP crecerá en ti. De hecho, muchos amigos músicos encuentran este disco muy agradable ya que su "formación musical" ha entrenado sus oídos para captar más fácil que los de los no músicos. Mantén la calma, este no es un disco "elitista", solo algunos captan más rápido que otros, como he mencionado, dale tiempo y te entusiasmará.

 

Disco recomendado


Es el mejor y más accesible álbum de Faust.

"Fausto IV" en su momento (y años después) no se parecía a nada escuchado antes. Es impredecible, extraño, inconexo y, sin embargo, también es extrañamente accesible y escuchable.

Esto es progresivo y experimental, pero al mismo tiempo es pegadizo y divertido, una mezcla poco común. Grandes ritmos. Mezcla sin esfuerzo pop, fuzz de los 60, ruido, ambient, jazz, folk, melodía y rarezas. Todavía hoy suena sorprendentemente moderno.

Es una escucha imprescindible para melómanos y los amantes del krautrock y la música experimental. "Fausto IV" seguiría influyendo en una generación de músicos y grupos de art-rock.

Video del tema "Just A Second":

Tracklist (formato LP vinilo):

A1 Krautrock
A2 The Sad Skinhead
A3 Jennifer 

B1 Just a Second
B2 Giggy Smile / Picnic on a Frozen River [mal etiquetado como Picnic on a Frozen River, Deuxieme Tableau]
B3 Läuft... Heisst das es läuft oder es kommt bald... Läuft [mal etiquetado como Giggy Smile]
B4 Run [mal etiquetado como Läuft... Heisst das es läuft oder es kommt bald... Läuft]
B5 It's a Bit of a Pain

STEVEN WILSON - Hand. Cannot. Erase - Album

Como fan de la banda "Porcupine Tree", quiero darle espacio en este blog de musica a su líder Steve Wilson. Un músico excepcional y también un artista en el verdadero sentido de la palabra. También tiene una brillante carrera en solitario y quiero recomendarles uno de sus muchos grandes discos, el álbum conceptual titulado "Hand. Cannot. Erase".

 

¿Quién es Steven John Wilson?

 

Es un músico inglés. También es el fundador, guitarrista, vocalista principal y compositor de la banda de rock "Porcupine Tree", además de ser miembro de varias otras bandas, incluidas "Blackfield", "Storm Corrosion" y "No-Man". También es solista y ha lanzado por ahora seis álbumes en solitario desde su debut en solitario, "Insurgentes" en 2008. En una carrera que abarca más de 30 años, Wilson ha hecho música prolíficamente y ha obtenido elogios de la crítica.

STEVEN WILSON  - musico

Como anécdota, Wilson es un compositor, productor, ingeniero de audio, guitarrista y teclista autodidacta, y toca otros instrumentos según sea necesario, incluido el bajo, el autoarpa, el dulcimer martillado y la flauta. Sus influencias y su trabajo han abarcado una amplia gama de géneros que incluyen pop, psicodelia, rock progresivo y electrónica, entre otros, cambiando su dirección musical a través de sus álbumes.

 

ALBUM: Hand. Cannot. Erase.

 

Es el cuarto álbum de estudio en solitario del músico inglés Steven Wilson. El disco fue lanzado el 27 de febrero de 2015. Steven Wilson describe este álbum como menos "jazz" en comparación con el trabajo anterior, con sólo unas pocas partes escritas para flautas y saxofones. Wilson también describió el álbum como un reflejo más de todo el material diferente de su catálogo anterior, presentando elementos de música electrónica y canciones pop sencillas junto con pistas largas de orientación progresiva. Junto a Wilson, el álbum cuenta con la voz de la israelí Ninet Tayeb. En pocas palabras, encontrará una exquisita artesanía musical, una musicalidad virtuosa por parte de cada participante y voces potentes en todo momento.

ALBUM: Hand. Cannot. Erase. (STEVEN WILSON)

Según Wilson, el álbum está escrito desde una perspectiva femenina, y el concepto y la historia están inspirados en el caso de Joyce Carol Vincent, una mujer que vive en una gran ciudad (Londres) que muere en su apartamento y nadie la extraña desde hace más de dos años, a pesar de tener familiares y amigos. Sus vecinos, amigos y familiares la describieron como extrovertida, atractiva y ambiciosa, pero de alguna manera nadie la echó de menos. ¡Espeluznante!

Como trabajo conceptual, es majestuoso y exquisitamente elaborado, "Hand. Cannot. Erase" es una obra maestra de Steven Wilson. Desde el dolorosamente magnífico "Three Years Older" hasta el celestial "Ascendant Here On...", la música conmueve, las letras cautivan y el trabajo completo es una experiencia asombrosa.

Complementando a Wilson, Guthrie Govan realiza un vertiginoso trabajo de guitarra y los teclados de Adam Holzman brillan en todas partes (notablemente en la canción "Regret #9). La voz de Wilson parece completamente intacta por el tiempo; su conmovedor trabajo vocal es lo más destacado.

Diseñado por Steve Orchard y producido y mezclado por Wilson, el álbum es rico y detallado en cuanto a sonido. Es un paisaje inmenso e imaginativo que fusiona el rock clásico de los álbumes, el pop sofisticado de los 80, el metal, el progresivo y la electrónica en canciones elaboradas por expertos.

 

Canciones:

 

La joya absoluta del álbum es la canción "Routine". Cuenta la historia de una mujer que perdió a su marido y a sus hijos en un tiroteo en la escuela. La rutina la mantiene viva, pero también la mantiene en el sueño de que todo sigue como antes. ¡Brillante!

Otros temas destacados incluyen "3 Years Older", "Hand Cannot Erase", "Regret #9", "Happy Returns", "Home Invasion" y "Perfect Life", aunque es un disco muy sólido.

Steven Wilson en vivo

Para poner un último punto, a pesar de que en los discos hay muchos temas oscuros, "Hand. Cannot. Erase". es elogiado por su concepto sólido, diversos estilos musicales y musicalidad excepcional. El álbum muestra el talento integral de Steven Wilson como compositor, productor y conceptualista, lo que hace de este trabajo una obra de arte inteligente, conmovedora e inmersiva.

 

Disco recomendado

 
"Hand. Cannot. Erase." está para ser escuchado en un solo tirón. Escucharás la "vibra" de finales de los 70 y principios de los 80 que recuerda a los tiempos de Pink Floyd, Genesis y Yes.

Un registro inquietante pero profundamente conmovedor: un tratado metafórico sobre la alienación social, la soledad y la dislocación urbana, ofrecido sin pretensiones. Es estéticamente atractiva y al mismo tiempo resonante emocional e intelectualmente; la música pop no puede esperar lograr más.

Hazte un favor y escucha esto sin molestias. Sumérgete en el mundo catártico y solitario de Steven Wilson y no te decepcionarás. Dicho esto, lo admito y advierto que a los oídos de los lectores más jóvenes puede resultarles "difícil", tener paciencia y escuchar también lo que sucede de fondo. Todo encajará.

Video del tema "Home Invasion/Regret #9":

Tracklist (formato original):

1.         "First Regret" (instrumental)  2:01
2.         "3 Years Older"          10:18
3.         "Hand Cannot Erase" 4:17
4.         "Perfect Life" 4:46
5.         "Routine"        8:58
6.         "Home Invasion"        6:24
7.         "Regret #9" (instrumental)     5:00
8.         "Transience"    2:43
9.         "Ancestral"     13:30
10.       "Happy Returns"        6:00
11.       "Ascendant Here On..." (instrumental)         1:54

Músicos:

  •  Steven Wilson: voz principal, Mellotron (pistas 1 a 10), teclados (pistas 1, 2, 4, 6, 7 y 8), guitarras (pistas 2 a 10), bajo (pistas 1, 2 y 5 a 7) , banjo (pista 7), dulcimer martillado (pista 9), programación (pistas 1–5, 9 y 10), agitador (pistas 3, 5 y 6), efectos (pistas 1, 2, 4, 5 y 9–11 )
  • Guthrie Govan - guitarra (pistas 1, 2, 6, 7, 9 y 10), guitarra solista (pistas 5, 7 y 9)
  • Nick Beggs: bajo (pistas 3 y 9), Chapman Stick (pistas 4, 6, 7 y 10), coros (pistas 2, 4–6, 9 y 10)
  • Adam Holzman: piano (pistas 1–3, 5–7 y 9–11), órgano Hammond (pistas 1–3, 5–7, 9 y 10), celesta (pistas 3, 5 y 9), Fender Rhodes (pistas 3, 4, 6 y 9), Wurlitzer (pista 7), sintetizador Moog Voyager (pista 7)
  • Marco Minnemann - batería (pistas 2 a 7 y 9)

Músicos adicionales:

  •  Dave Gregory - guitarras (pistas 2, 3 y 10)
  • Chad Wackerman - batería (pista 10)
  • Ninet Tayeb - voz (pistas 5 y 9), coros (pista 3)
  • Theo Travis – flauta y saxofón barítono (pista 9)
  • Katherine Begley - palabra hablada (pista 4)
  • Leo Blair - voz solista (pista 5)
  • Schola Cantorum de la Cardinal Vaughan Memorial School - coro (pistas 5, 10 y 11)
  • London Session Orchestra - cuerdas (pistas 9 y 10)

Producción:

  •  Steven Wilson: producción, composición, arreglos, mezcla, mezcla 5.1, diseño artístico.

MISSISSIPPI FRED McDOWELL - I Do Not Play No Rock 'N' Roll - Album

Introducción:

 
"Mississippi" Fred McDowell, era uno de los grandes defensores del "Delta Blues", dejó una huella indeleble en la música con su inconfundible guitarra slide y su conmovedora voz. En este blog post, recomiendo uno de sus grandes discos "I Do Not Play No Rock 'N' Roll", una oferta de música blues que también es significativa para McDowell al cambiar de la guitarra acústica a la eléctrica y acompañado por una sección rítmica.


El legado de "Mississippi" Fred McDowell:

 
Nacido en el corazón de Mississippi en 1904, Fred McDowell creció inmerso en la rica herencia del blues de la región del Delta. Adoptó magistralmente la distintiva técnica de la guitarra slide, combinándola con su inquietante voz, que se convirtió en su marca registrada. La música de Fred McDowell reflejaba el dolor, las luchas y las alegrías de la vida afroamericana en el Mississippi del siglo XX.

MISSISSIPPI FRED McDOWELL - Bluesman

Aprendió a tocar la guitarra relativamente tarde en su vida, en 1933, debido a la influencia que ejerció el gran bluesman Charlie Patton sobre él. Nunca se dedicó realmente profesionalmente 100% a la música, llevando siempre una vida de granjero, tocando sólo los fines de semana y en ocasiones muy especiales. El historiador Alan Lomax lo grabó, por primera vez, en 1959.

Con el creciente interés por el blues y la música folklórica en los Estados Unidos a principios de los años 60, las grabaciones de campo de McDowell para Alan Lomax llamaron la atención de los aficionados al blues y de los productores discográficos, y en un par de años, finalmente se había convertido en músico y artista de grabación en su propio derecho. Sus LP resultaron bastante populares y actuó en festivales y clubes de todo el mundo. Se convierte en uno de los grandes bluesmen del Delta.

Fred McDowell murió de cáncer en 1972, a los 68 años.


ALBUM: I Do Not Play No Rock 'N' Roll


Publicado como LP de vinilo negro en 1969 (Reino Unido, 1970), fue también publicado como álbum mono (SM 409) y reeditado como CD de disco sencillo ampliado y como CD doble con ilustraciones. Un trabajo significativo en el género del blues country y delta, siendo reconocida su canción "61 Highway" como una composición clave. Este álbum marcó una transición para Fred McDowell, ya que era la primera vez que tocaba una guitarra eléctrica, acompañada de una sección rítmica compuesta por bajo y batería.

MISSISSIPPI FRED McDOWELL - I Do Not Play No Rock 'N' Roll - Album

Al principio, los puristas del blues estaban un poco molestos por esta transición, ya pasaría algo parecido en el caso de Bob Dylan y de ciertos músicos de jazz experimentales, causando cierta controversia y revuelo en estos círculos. Sin embargo, la música de este disco ahora clásico se destaca junto con lo mejor del resto del material de Mississippi Fred. La voz de McDowell es un instrumento poderoso en sí mismo y a lo largo de este LP se encuentran intermezzos hablados, que brindan una maravillosa visión del hombre detrás de la música.

Fred McDowell interviene en este disco acompañado de una sección rítmica. Las actuaciones son trascendentes y su blues es profundo. Aprenderás mucho sobre el blues, la cultura afroamericana y la historia estadounidense con este álbum.

Video del tema "Good Morning Little Schoolgirl":

Y sí, también está presente su fantástico estilo cuello de botella (slide guitar). Fred McDowell realmente demuestra sus habilidades aquí. Cada corte comienza con una introducción hablada de él mismo, explicando la forma en que toca la guitarra y sobre los orígenes del blues. Además encontrarás magníficas interpretaciones de conocidas canciones estándar de blues ("Baby Please Don't Go" y "Good Morning Little Schoolgirl"), y originales como "Kokomo Me Baby" o "Red Cross Store". Incluso interpreta algunos espirituales al final, sus actuaciones religiosas también son trascendentes llenas de soul.

 

Disco recomendado

 
Este álbum se erige como una obra maestra atemporal, un tesoro de la música cruda y sincera de Fred McDowell que sigue siendo tan impactante hoy como lo fue cuando se lanzó. A través de su puro arte, McDowell nos transportará al corazón del Delta, recordándonos por qué el blues ha perdurado y continúa cautivando al público de todo el mundo. Este es un elemento de escucha esencial y una delicia para la colección de cualquier amante del blues de Delta.

Video del tema "Highway 61":


Tracklist (formato LP vinilo):

A1.Baby Please Don't Go 4:48
A2.Good Morning Little Schoolgirl 4:26
A3.Kokomo Me Baby 3:00
A4.That's All Right Baby 5:04
A5.Red Cross Store 4:04

B1.Everybody's Down on Me 9:12
B2.61 Highway 4:43
B3.Glory Hallelujah 2:47
B4.Jesus Is on the Mainline 3:38

Músicos:

  • Fred McDowell: guitarra, voz, escritor.
  • Jerry Puckett - bajo
  • Darin Lancaster- batería
  • Tommy Couch - productor

ONE LAST WISH - 1986 - Album

¿Eres un fan del punk y hardcore? ¿Quizás eres seguidor de grupos como "Rites of Spring" y "Fugazi"? Si es así, es posible que no conozcas la banda "One Last Wish" y su único disco "1986". Sigue leyendo ...

¿Quiénes eran la banda One Last Wish?

 
Fueron una formación americana post-hardcore de corta duración pero no menos influyente de Washington, D.C. Fue formada en mayo de 1986 por miembros de "Rites of Spring" y se separó en enero de 1987.

ONE LAST WISH - Banda Hardcore

En medio de la disolución de "Rites of Spring" en 1986, tres de sus cuatro miembros, Guy Picciotto, Janney y Branden Canty, formaron "One Last Wish" después de contratar a Michael Hampton, ex guitarrista de Faith and Embrace. La única grabación en LP de la banda se realizó en noviembre de 1986, producido por Ian MacKaye.

Tras la disolución de la banda, tanto Canty como Picciotto se unirían a MacKaye en la banda Fugazi. "One Last Wish" se separó poco después de que se completara la mezcla de "1986" y, como resultado, el álbum no fue lanzado hasta 13 años después, en noviembre de 1999, en el sello "Dischord Records" de Ian MacKaye.

 

ALBUM: 1986

 
Grabado en noviembre de 1986 pero publicado en 1999, 13 años después. El único álbum de estudio grabado por "One Last Wish". Proporciona una idea del alcance cada vez mayor que asumieron los miembros de la banda como músicos. En contraste con sus formaciones anteriores, especialmente "Rites of Spring", One Last Wish inyectó melodía y optimismo en su crudo tinte punk. Tales incursiones proporcionarán planos fundamentales para la eventual carrera de Guy Picciotto y Brendan Canty con Fugazi el año siguiente. El álbum es considerado un clásico de los géneros post-hardcore y emo.

ONE LAST WISH - 1986 - Album

Como se describe, era un fenómeno musical de corta duración, el disco "1986" fue la única grabación del grupo, realizada en unos pocos meses. El sonido es como un híbrido de todos los elementos de sus otros proyectos musicales; por ejemplo, el material de "Rites of Spring" que se quedó colgado. La voz conmovedora de Guy Picciotto es tan feroz (y delicada) como siempre, y la música es agitada, bien compuesta y compasiva a la vez. 

Algunos fans y críticos musicales describen "1986" como Rites of Spring tocando new wave; mucho más pop, con melodías tintineantes tocadas a una velocidad vertiginosa. Hermosas armonías, coros eufóricos y musicalidad catártica. En mi opinión, esta es una gran y brillante joya del punk y hardcore americano.

Algunas canciones destacadas del álbum "1986" de One Last Wish incluyen: "Hide", "Burning in the Undertow", "Break to Broken", "Friendship Is Far", "My Better Half" y "Loss Like a Seed", aunque todo el disco es muy sólido. La lista de canciones muestra el estilo post-hardcore crudo y emotivo y la sensación melódica de la banda. De hecho, algunos lo describen como un album prototipo del estilo "emo".

 

Disco Recomendado

 
Una joya escondida del punk y del post-hardcore. Una evolución de "Rites of Spring" y el salto antes de "Fugazi". Si eres fan de "Rites of Spring" y "Fugazi" y aún no estás familiarizado con este disco, entonces este es el "eslabón perdido". Es increíblemente edificante y una pieza "imprescindible" (hay que escuchar) en el género post-hardcore y emo.

Video del tema "Hide":

Tracklist:

1.Hide 2:12
2.Burning in the Undertow 2:09
3.Break to Broken 2:02
4.Friendship Is Far 2:37
5.My Better Half 1:57
6.Loss Like a Seed 2:01
7.Three Unkind Silences 1:39
8.Shadow 1:51
9.Sleep of the Stage 1:35
10.One Last Wish 2:19
11.This Time 1:59
12.Home Is the Place 1:38

Músicos:

  • Michael Hampton - guitarra, coros
  • Brendan Canty - batería
  • Guy Picciotto - guitarra, voz principal,
  • Edward Janney - bajo, coros, voz principal

WIPERS - Is This Real? - Album

ALBUM: Is This Real?

 
El disco debut de la banda de punk rock Wipers, con sede en Portland, Oregón (miembros: el guitarrista y vocalista Greg Sage, el bajista Dave Koupal y el baterista Sam Henry), publicado originalmente en vinilo en enero de 1980. El álbum fue reeditado en CD por Sub Pop en 1993, aumentado con las tres canciones del EP "Alien Boy". Un álbum de punk rock que presenta acordes muy distorsionados, tempos rápidos y voces agresivas. El trabajo de guitarra es particularmente digno de mención, con la forma de tocar de Greg Sage que va desde rápida y frenética hasta lenta y melódica. El sonido del álbum ha sido descrito como una mezcla de punk, post-punk y (anticipó) grunge.

ALBUM: Is This Real? de los WIPERS
 
El álbum (y la música de la banda en general) ganó notoriedad y una audiencia más amplia a principios de la década de 1990, cuando la banda de grunge "Nirvana" hizo un cover de las canciones "Return of the Rat" y "D-7" en un álbum tributo a Wipers y en el EP "Hormoaning" del grupo. En 1993, el vocalista y guitarrista de Nirvana, Kurt Cobain, incluyó "Is This Real?", junto con otros dos álbumes de Wipers, en su lista de los 50 álbumes que pensaba que eran los más influyentes para el sonido de Nirvana. El prestigioso DJ de BBC Radio 1, John Peel, declaró en una entrevista de 1993 que era uno de sus 20 álbumes favoritos.

En mi caso, mi disco favorito de los Wipers es “Youth of America” de 1981. Sin embargo, "¿Is This Real?" es un gran trabajo de punk rock y un gran álbum debut para una banda que iba a dejar su huella en el punk rock americano.

La producción es tosca con su batería que suena metálico, pero, afortunadamente, los aspectos positivos de este álbum superan este punto menor. El guitarrista y vocalista Greg Sage compone grandes canciones simplistas con acordes potentes, y cada melodía es contagiosa.

Es un disco de punk ahora clásico de finales de los años 70 y principios de los 80 (siglo XX). La producción tosca y sencilla complementa bien la composición y la letra. Los temas líricos de angustia, rebelión contra el status quo y lucha para evitar la soledad combinan bien con la instrumentación y la voz. El trabajo de guitarra de Greg Sage es una locura. Este disco contiene algunos de los mejores riffs de la música punk y la canción "Return of the Rat" es increíble. Los amenazadores tonos de guitarra, los enormes riffs de bajo, la batería y las voces melancólicas se unen para formar lo que, en mi opinión, es un disco de punk en su momento innovador.

la banda punk rock WIPERS

 A lo largo del álbum, hay una sensación oscura y siniestra en el material (por ejemplo, "D-7"), pero se vuelve interesante en temas como "Alien Boy", que cambia de tempo. Greg Sage también tiene un estilo de guitarra único en el que rasguea los acordes y los deja sostener con retroalimentación, lo que crea ricas texturas en las canciones (por ejemplo, "Potential Suicide" y "Don't Know What I Am"). Posiblemente lo más destacado de este LP imprescindible son también los cortes "Return Of The Rat", "Tragedy", "Window Shop For Love" y "Wait A Minute".

En general, la banda parece optar por un enfoque punk más directo, tomando la fórmula que una banda como "Ramones" creó y llevó al límite. La mitad de las canciones no superan la marca de los 3 minutos, pero son entretenidas debido a la cantidad de energía que transmite el trio. El lado B adopta un enfoque más orientado al post-punk (proto-grunge), extendiendo las canciones y ralentizando las cosas sin sacrificar nada de la agresión. Estas canciones en formato más largo son brillantes y brindan una variación sutil para que el álbum no parezca una sola nota, además "Wipers" brinda una idea de lo que vendrá a continuación en su carrera.

Algunos críticos musicales incluso sostienen que el "lado B" de este disco es lo más proto-grunge posible. Explicando la enorme influencia sobre bandas como "Nirvana", "Descendants" y "Weezer".

 

Disco recomendado

 
Gran punk rock al estilo Ramones con un toque post-punk oscuro. Atmosférico y solitario pero simple y conciso, ruidoso y pesado, con riffs creativos; recorre esa línea entre el post punk y el punk. Los "Wipers" lanzaron posteriormente varios discos históricos, pero "¿Is This Real?" es donde comenzó toda la grandeza y es el lugar ideal para que comiencen los no iniciados.

Video del tema "D-7":


 Tracklist (formato LP vinilo):

Side + (mi anotación: Punk side)

1.         "Return of the Rat"    2:37
2.         "Mystery"       1:46
3.         "Up Front"      3:04
4.         "Let's Go Away"        1:47
5.         "Is This Real?"            2:39
6.         "Tragedy"       1:59
7.         "Alien Boy"    3:18

Side - (mi anotación: Grunge side)

1.         "D-7"   4:04
2.         "Potential Suicide"     3:35
3.         "Don't Know What I Am"     2:56
4.         "Window Shop for Love"      2:59
5.         "Wait a Minute"         3:05

STARS OF THE LID - The Tired Sounds of Stars of the Lid - Album

¿Qué pensarías si alguien recomendará un álbum que a menudo se describe como una experiencia de genuina trascendencia espiritual, en la que sonidos drones sobrenaturales parecen más bien transmisiones de otra dimensión? Curiosidad por decir algo, imagino. 

Si a esto le sumas que también eres un fan de la música ambient (música electrónica) que disfruta de artistas como Brian Eno, Boards of Canada, Aphex Twin, Biosphere, Eluvium, Tim Hecker, etc., entonces es posible que te guste la siguiente formación y disco.

Deseo presentarte un dúo americano de ambient, "Stars of the Lid", y uno de sus álbumes, "The Tired Sounds of Stars of the Lid".

 

¿Quiénes son Stars of the Lid?

 

Eran un dúo de música ambient estadounidense que anteriormente estaba formado por Brian McBride y Adam Wiltzie. El dúo se formó en Austin, Texas, en 1993. Han sido aclamados por su música que incorpora zumbidos, guitarras tratadas con efectos junto con piano, cuerdas y trompetas, sin la intrusión de baterías o voces. Entre sus influencias enumeraron a compositores minimalistas y electrónicos como Arvo Pärt, Zbigniew Preisner, Gavin Bryars, Henryk Górecki y Brian Eno, así como la banda de post-rock Talk Talk.

STARS OF THE LID

Ambos músicos siguieron un proyecto paralelo, pero cuando McBride murió en 2023, efectivamente terminó el proyecto "Stars of the Lid".

 

ALBUM: The Tired Sounds of Stars of the Lid

 

Es el sexto álbum de estudio del grupo de música ambient "Stars of the Lid". Fue publicado a finales de 2001 en dos CD y también en formato de tres LPs (vinilo). El álbum presenta composiciones largas, minimalistas y zumbantes creadas a partir de guitarra, trompa, flauta, piano y otros instrumentos clásicos muy tratados. Es una música ambient-drone larga y sinuosa. Se siente muy estático la mayor parte del tiempo, pero los lentos cambios de sentimiento son su punto fuerte. Es difícil expresar la paz que aporta este álbum. Es un hermoso disco.

ALBUM: The Tired Sounds of Stars of the Lid

Dicho esto, no es un trabajo para todos. Debes disfrutar de la "música ambient". Es un género que ha perdido terreno entre los oyentes más jóvenes y está más afín al oyente veterano que disfruta también de la música electrónica o del material tipo Brian Eno. Dicho de otra manera, definitivamente tienes que estar "sintonizado" (en paz, contemplativo, tranquilo...), pero una vez ahí, muy pocos proyectos se comparan. Este álbum evoca una relajante mezcla de belleza, atmósfera e hipnosis. Muchos consideran "The Tired Sounds of Stars of the Lid" una obra maestra de la música ambient atemporal.

Es un trabajo minimalista con muchas capas, que evoca un sentimiento etéreo y celestial que puede trascender al oyente desde cualquier entorno en el que esté escuchando. "The Tired Sounds of Stars of the Lid" es tan sublime que puede entrelazarse perfectamente con cualquier configuración.

Las canciones fluyen como una especie de extraña melaza ingrávida, lenta pero efervescente. No te pesa como lo hacen otras músicas de drone, pero aun así tiene un impacto emocional intenso. No pensarías que melodías tan lentas se quedarían contigo, pero lo hacen porque este álbum fue elaborado con paciencia y cuidadosa atención y cada nota, cada ondulación del violonchelo ha sido cuidadosamente considerada. "The Tired Sounds of Stars of the Lid" tiene una sensación cinematográfica, evocando imágenes claras en la mente del oyente.

Cuenta con 19 pistas distribuidas en dos CD (o tres LP), cuatro de los cuales son suites de varias partes. El efecto puede ser calmante ("Réquiem for Dying Mothers"), hipnótico ("Broken Harbors") o inquietante ("Austin Texas Mental Hospital"). Los característicos cortes analógicos de guitarra/cinta están siempre presentes. En la mezcla se superponen rastros de piano, cuerdas e incluso trompetas, principalmente en el segundo disco con "Mulholland", "FAC 21" y "Piano Aquieu". Las dos últimas suites, "Ballad of Distances" y "A Lovesong (For Cubs)", se basan en introducciones de piano de una y dos notas que están muy tratadas y cuentan con un acompañamiento mínimo de cuerdas que brillan de fondo en melodías inquietantes y un ambiente zumbante. telones de fondo.

STARS OF THE LID

Canciones destacadas:


Estas son algunas de las canciones destacadas de "The Tired Sounds of Stars of the Lid": 

  • "Requiem for Dying Mothers, Part 2": esta pista presenta una muestra de una mujer cantando un himno, que luego se enrolla y se extiende sobre un lecho de cuerdas y cuernos zumbantes. El resultado es una pieza musical inquietante y hermosa.

  • "The Lonely People (Are Getting Lonelier)": esta pista presenta una melodía de piano simple que se acompaña de capas de cuerdas y trompetas, creando un ambiente melancólico e introspectivo.

  • "Piano Aquieu": Esta pista es una pieza lenta y meditativa que presenta una melodía de piano simple a la que se unen gradualmente capas de cuerdas y instrumentos de viento. El resultado es una pieza musical hermosa y relajante.

  • "A Lovesong (For Cubs)": esta pista es una de las piezas más melódicas del álbum, con una sencilla melodía de guitarra acompañada de exuberantes cuerdas y trompetas. El resultado es una pieza musical hermosa y melancólica.

En general, "The Tired Sounds of Stars of the Lid" es un álbum muy apreciado por los críticos y fans de la música ambient-drone. El sonido lento y meditativo del álbum y el uso de instrumentos clásicos crean un sonido rico y profundo que es a la vez hermoso e inquietante. Si bien el álbum está destinado a ser experimentado en su totalidad, estas piezas destacadas y sugeridas por mi son un buen punto de partida para aquellos que son nuevos en el álbum.

Disco recomendado

 
"The Tired Sounds of Stars of the Lid" es muy recomendable para aquellos que están cansados de las canciones convencionales y buscan algo menos, algo indescriptiblemente hermoso y decididamente innombrable en su vasta y exuberante eliminación de cualquier categoría musical. Los paisajes auditivos que Brian McBride y Adam Wiltzie pintaron con su música celestial son de una belleza incomparable.

Dicho esto, es para un melómano particular con un gusto muy amplio y con una búsqueda musical variada. Es un álbum y una experiencia de escucha pacífica y muy larga, paciente y con atención que levanta las emociones más con lo que sucede de fondo de lo que se percibía en un principio. Es música ambient en su máxima expresión.

Video del tema "Broken Harbors I":

Tracklist (CD):

Disc one:

1.         "Requiem for Dying Mothers, Part 1"           6:36
2.         "Requiem for Dying Mothers, Part 2"           7:37
3.         "Down 3"        5:46
4.         "Austin Texas Mental Hospital, Part 1"        2:48
5.         "Austin Texas Mental Hospital, Part 2"        12:18
6.         "Austin Texas Mental Hospital, Part 3"        5:47
7.         "Broken Harbors, Part 1"       3:31
8.         "Broken Harbors, Part 2"       6:47
9.         "Broken Harbors, Part 3"       9:16 

Disc two:

1.         "Mullholland" 6:48
2.         "The Lonely People (Are Getting Lonelier)" 10:07
3.         "Gasfarming"  3:20
4.         "Piano Aquieu"           10:54
5.         "FAC 21"        3:08
6.         "Ballad of Distances, Part 1" 3:36
7.         "Ballad of Distances, Part 2" 3:00
8.         "A Lovesong (For Cubs) +, Part 1"   6:45
9.         "A Lovesong (For Cubs) +, Part 2"   8:05
10.       "A Lovesong (For Cubs) +, Part 3"   7:45