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Las 10 bandas más influyentes de la historia

Esta es una gran pregunta, y muy peligrosa.

¿Cuáles son las 10 bandas más influyentes de la historia de la música?

Un verdadero campo minado que tal vez ni siquiera debería plantearme atravesar, o mejor dicho, intentar definir. Se corre el riesgo de parecer pretencioso, demasiado confiado y, en el peor de los casos, ignorante. Sin embargo, es necesario darle vida a este blog de música y generar algo de reflexión y, sin duda, controversia en el sentido más sano entre melómanos.

Aquí la atención se centra en las bandas más que en los individuos, y la influencia que luego tuvieron en otras bandas y sobre la evolución de la música. Repito, se centra sobre las bandas.

Por supuesto, y esto no hace falta decir, es un planteamiento totalmente subjetivo, y conociéndome a mí mismo, si volviera a repetir este ejercicio dentro de 5 años mi lista podría perfectamente cambiar. Dicho esto, este ejercicio es también una excusa para sacar a relucir algunas bandas brillantes que deberían animar (sacudir) al lector más joven, y no tanto al veterano.

Sé por experiencia y conversaciones que los amantes de la música más joven, los menores de 25 años, tal vez nunca hayan oído hablar de las siguientes bandas. Si ese es el caso y este post anima para investigar y escuchar, entonces mi objetivo se ha cumplido.

Y para meterme en el barro y arriesgarme aún más, voy hacer un ranking de 10 a 1. Sé que me voy arrepentir, pero confío que el lector sabe de antemano que nada está escrito en piedra, y que lo realmente importante es la música, no el ranking en sí mismo.

En definitiva, en la historia de la música rock las siguientes bandas son imprescindibles, aquí no tenemos debate, con lo cual comenzamos.

Las 10 bandas más influyentes de la historia

En mi humilde opinión, de 10 al 1:

Número 10 - The Kinks


El heavy metal siempre tendrá una enorme deuda con Dave Davies (The Kinks). Sus explosivos inicios en el movimiento beat británico, sus incursiones en álbumes conceptuales y baladas acústicas. "The Kinks" han dejado un legado intachable al mundo del rock y los pilares de la música popular tal como la conocemos hoy. A menudo citado como una influencia en algunas de las bandas de art rock y de glam de los años 70.

La banda británica THE KINKS

Ejemplos que me vienen a la mente de grupos que han influenciado; The Doors, Jefferson Starship, The Who, Ramones, The Clash, Blondie, The Jam, Queen, Van Halen, Oasis, Blur ... por mencionar solo algunos.

Video del tema "You Really Got Me":


Número 9 - The Stooges


No he incluido a los Ramones ni a los Sex Pistols en esta lista porque siento, con razón o sin ella, que ambos (y muchas bandas) se sientan sobre los hombros de "The Stooges".

THE STOOGES (Iggy Pop)

Mientras que en los años 60 Pete Townshend (The Who) estaba muy influenciado por la autodestrucción, "The Stooges" estaban muy interesados en destruirse a sí mismos. Además de la imagen de lo que es ser una estrella del pop, eran mucho más punk antes que el punk. Se les considera una banda fundamental de proto-punk, que influye en el punk rock y el rock alternativo. Bandas como los Ramones, Joy Division, Blondie, Radio Birdman, Television, Sonic Youth, Nirvana, Soundgarden, Guns N Roses, R.E.M...etc, todas influenciadas por "The Stooges".

Video del tema "I Wanna Be Your Dog":


Número 8 - The Who


Un grupo de músicos que realmente no van juntos, que hacen música que estructuralmente no debería funcionar, pero de alguna manera funciona. Y eso es incluso antes de que tengamos el holocausto de sonido que tuvimos con el brillante álbum "Live at Leeds". Con "The Who", es el establecimiento de todo ese concepto de rock opera ("Tommy"). Sí, podría decirse que "The Who" no fueron los primeros, hubo otros que se metieron con todo eso antes, pero "The Who", como ha dicho Pete Townshend en entrevistas, fueron los primeros en lograrlo.

Banda británica THE WHO

Dicho esto su influencia sobre otras bandas es inmenso, especialmente los grupos power-pop. Ejemplos del abanico de grupos que citan a "The Who": Punk Floyd, Ramones, The Sex Pistols, The Clash, The Jam, Queen, Guns N Roses, Blur, Oasis, Green Day, Pearl Jam...etc y etc.

Video del tema "Who Are You":


Número 7 - Cream


Un trío increíblemente poderoso en aquella época que era un engranaje vital en la máquina que era la floreciente escena del proto-metal. Cream, aplaudió con una notable guitarra de Clapton, el bajo esculpido de jazz de Jack Bruce, así como la virtuosa batería de Ginger Baker. Ciertamente, con el peso y el volumen, mucha gente ve a esta banda como un presagio de bandas como "Led Zeppelin", "Black Sabbath" y "The Jeff Beck Group". Es decir, toda esa segunda ola de la invasión británica de Estados Unidos a finales de los 60; además de influir en el rock progresivo, el jazz y la fusión.

Cream, banda británica de hard rock

Enormemente influyentes, aunque creo que su estrella ha decaído un poco en los últimos años.

Video del tema "Sunshine of Your Love":


Número 6 - The Velvet Underground

La famosa cita, por supuesto, que se atribuye a "Brian Eno", de que todos los que salieron y compraron un álbum de los Velvet, y no eran muchos, en realidad formaron una banda. La primacía de esta música eran las letras del género urbano negro: voyeurista y  sucio (lleno de vicio). Influenciado por el arte y la literatura de vanguardia pasó a influir en el movimiento punk y en los movimientos de rock alternativo de los años 70 y 80.

The Velvet Underground

Me sorprendería que todas las bandas que tocaron en la famosa sala "CBGB" de Nueva York (cuna del punk rock) no tuvieran una copia de un disco de los Velvet Underground.

Video del tema "Sweet Jane":


Número 5 - Kraftwerk

De los años 80, posiblemente una de las bandas más influyentes del siglo XX. Y, por supuesto, el rock clásico habla de uno de los cambios de paradigma cultural más interesantes de la historia. El movimiento tectónico de "Kraftwerk" fue captado por niños afroamericanos modernos en el Bronx que entendieron el sutil funky de "Daz Robot" y lo usaron como plantilla para crear techno y, por extensión, hip hop. La influencia no termina ahí, hubo una gran influencia en "Brian Eno" y "David Bowie", especialmente en la trilogía de Berlín (los discos "Low" (1977), "Heroes" (1977) y "Lodger" (1979)). Toda la música basada en sintetizadores de los años 80, además de un pie en sentar las bases de cosas como el techno y el Acid House originan de los alemanes.

Kraftwerk, grupo aleman

Las pistas de baile le deben mucho a "Kraftwerk".

Video del tema "Das Model":


Número 4 - Black Sabbath


Ciertamente fueron increíblemente influyentes. Estaban construyendo sobre las bases establecidas por bandas como "Jimi Hendrix Experience" y "Cream". Toda una nueva industria se forjó con esta banda, forjando el sombrío tamborileo de la guitarra de Tony Iommi en las atmósferas cargadas de fatalidad. Aunque es justo decir que las bandas se hacían más ruidosas y pesadas a finales de los 60.

Creo que muchas (sino todas) de las bandas de metal ciertamente tienen algo del ADN de "Black Sabbath".

Video del tema "War Pigs":


Número 3  - Led Zeppelin


Posiblemente una de las primeras bandas que grabaron álbumes (tal cual), y ciertamente citada como progenitora tanto del hard rock como del heavy metal. ¿Qué banda de heavy metal de los años 70 y 80, y de la nueva ola de heavy metal británico, no conoce una enorme deuda con Led Zeppelin? La banda sentó la plantilla para cientos de guitarristas y cantantes líderes, aunque Roger Daltrey sostiene que Robert Plant le robó la mirada. Y Steve Marriott también podría tener algo que decir sobre la voz de Robert Plant. Sin embargo, influyeron absolutamente en todos, desde Queen, Aerosmith, Black Crows...etc.

LED ZEPPELIN

Sería difícil pensar en una banda de hard rock que de alguna manera no estuviera influenciada por ellos.

Video del tema "Communication Breakdown":


Número 2 - Pink Floyd

 
Pueden considerarse los arquitectos del space rock psicodélico, aunque el space rock es una etiqueta que Roger Waters odiaría. Quizás se sentiría más cómodo con el rock progresivo basado en el blues. Los años sin Sid Barret los vieron experimentar con sonidos más sonoros y tonos ambient. Es un hecho que "Dark Side of The Moon" y "The Wall" fueron discos increíblemente ambiciosos y únicos (singulares) que lograron un éxito estratosférico. Discos que continuaron informando e influyendo en bandas como Radiohead, Muse, Smashing Pumpkins, etc., y toda la nueva ola de rock progresivo. Y eso es antes de que lleguemos a los años de Sid Barrett.

PINK FLOYD

Dejó una huella imborrable a finales de los años 60. "Piper at the Gates of Dawn" es un momento histórico en la psicodelia británica que hizo que las bandas a menudo abandonaran sus raíces de R & B. Sid Barrett pasó con el paso del tiempo a influir en Blur, Kevin Ayres, Gong, Mark Bolan, Tangerine Dream, Julian Cope y David Bowie. Las canciones de Pink Floyd han sido versionadas por todos, desde R.E.M., Flaming Lips, Placebo, Smashing Pumpkins...y me quedo corto.

Video del tema "Have A Cigar":


Número 1 - The Beatles


A medida que pasaron de la sensación más pop, viva y de la sala "caverna" y lo que obtuvimos con esos primeros discos se convirtieron en compositores serios en 1965, sin duda influenciados por Bob Dylan (Brian Wilson). En lugar de simplemente escribir canciones sobre ese tipo de romance entre chico y chica, estaban empezando a mirar hacia adentro en busca de inspiración. Y en 1966, algo sísmico ocurrió con el álbum "Revolver", un año en el que todo el panorama del rock estaba cambiando y esto ciertamente tuvo un impacto en la composición del álbum "Sergeant Pepper". "Sergeant Pepper" fue increíblemente importante ya que permitió a las bandas alejarse de esa rutina de solo tocar en directo, pasar un poco de tiempo de estudio para grabar, básicamente rellenando con algunos sencillos, para producir álbumes que en sí mismos estaban en funcionamiento de arte.

The Beatles

Sin duda, "The Beatles" fueron fundamentales para mostrar al mundo lo que podría y debería ser un disco de pop

Video del tema "Revolution":


Ahí están, mis 10 bandas más importantes. Si pudiera tener un número 11, probablemente incluiría a Talk Talk, pocos conocidos en general (quizás no meritorios) aunque virtualmente creó el género post rock, junto quizás con los estadounidenses "Slint". Y si, lo reconozco "Talk Talk" es mi banda fetiche.

Por último omitió a propósito la banda "Jimi Hendrix Experience". Consideré que la personalidad de Jim Hendrix eclipsaba a la banda, por lo que lo veía más como un artista. Pero sí, muy importante, muy influyente. Y para cubrirme de la ola de críticas, lo se, ¿Y donde están "The Doors"?

En fin, una lista para animar conversación y quizás debate, y mucho más importante, animar a buscar las músicas de dichas bandas y escucharlas. Y lo digo con esperanza al lector más joven que quizás aún no conozcan las bandas ni su música.

LOUISIANA RED - The Lowdown Back Porch Blues - Album

Un homenaje a un gran músico de blues que tuvo que viajar fuera de los Estados Unidos para ser realmente querido por su música. Un acontecimiento que no es desconocido para muchos artistas de blues americanos, pero lamentablemente también está subestimado y merece un asiento junto a los grandes bluesmen del género. 

"Louisiana Red" fue un guitarrista y cantante brillante, que plasmó sus experiencias de la vida real en canciones para ofrecer un blues emotivo y, para mi, muy especial.

¿Quién fue Louisiana Red?

 
Iverson Minter, conocido artísticamente como "Louisiana Red", fue un guitarrista de blues, armonicista y cantante estadounidense, que grabó más de 50 álbumes. Eso en sí mismo es asombroso.

Nacido en la zona rural de Alabama, "Louisiana Red" fue un brillante compositor que utilizó las tragedias de sus propias experiencias de vida para producir una música blues vívida y visceral. Su técnica en la guitarra slide se remontaba a la Delta, pero también tocaba la armónica y la guitarra eléctrica estilo dedos, y a menudo hacía llorar con su apasionada entrega vocal.

El Bluesman, Louisiana Red

Su carrera incluye colaboraciones con artistas como MuddyWaters, John Lee Hooker, Eric Burdon y otros; los dos primeros héroes de la música de Red. No llegó al carisma de los Hooker, Hopkins, Waters o Wolf, pero fue realmente importante.

Como muchos bluesman, era más popular fuera de los Estados Unidos, viajó y en 1983 comenzó a vivir en Alemania (Hannover), donde fue (es) percibido como un verdadero héroe del blues. Louisiana Red murió de un derrame cerebral a la edad de 79 años en 2012.

Realmente no puedo entender cómo "Louisiana Red" no es más reconocido por su contribución al blues y, con esto en mente, voy a darle espacio en este blog de música con una publicación para honrar al bluesman y recomendar uno de sus grandes discos.

ALBUM: The Lowdown Back Porch Blues

 
Este lanzamiento es el fabuloso LP debut de "Louisiana Red" grabado en 1962 y editado en 1963. No estuvo disponible durante mucho tiempo, apareció en CD (2021) que deleitó a muchos fans del blues, incluido yo mismo.

LOUISIANA RED - ALBUM: The Lowdown Back Porch Blues

Se comenta que este es el álbum favorito de Red de toda su impresionante discografía, además es una introducción ideal a uno de los personajes más subestimados pero únicos y memorables del blues. Además del álbum LP original, hay una edición de coleccionista remasterizada que contiene 10 pistas adicionales, incluidas tomas alternativas y caras difíciles de encontrar de ese período (ver más abajo).

Grabado en Nueva York con Tommy Tucker, "Louisiana Red" cuenta con el apoyo de una sección rítmica básica donde Red toca un número de canciones tradicionales y originales. Su guitarra es casi tan poderosa y abrumadora como su voz, lo que hace que esta sea una verdadera delicia para los amantes de la música.

El trabajo de guitarra de "Louisiana Red" es la característica más destacada de este disco, y su forma de tocar se describe como "puro blues de Chicago de los años 60 hecho de una manera simple y convincente". Su hábil y emotivo trabajo es la fuerza impulsora, complementado por su voz valiente y conmovedora que transmite la profundidad de la tradición del blues. La estética minimalista del álbum permite que brille el talento natural de "Louisiana Red".

La letra del álbum profundiza en las luchas de la vida, el trabajo y las injusticias que enfrentan los afroamericanos. "Working Man 's Blues" examina las dificultades que supone equilibrar el trabajo duro con la búsqueda de la música, mientras que "Ride On Red, Ride On" ofrece un comentario desdeñoso sobre la disfunción sureña. La música de Red está profundamente arraigada en la experiencia afroamericana y se inspira en las tragedias de su propia vida, incluida la pérdida de sus padres a una edad temprana y el linchamiento de su padre por parte del "Ku Klux Klan". Esta narrativa sociopolítica es una característica definitoria de este extraordinario álbum, que lo convierte no solo en una colección de canciones sino en un comentario sobre el estado de Estados Unidos, particularmente el Sur, durante la década de 1960. La capacidad de Red para tejer humor en su música, a pesar de sus temas a menudo sombríos, añade una capa de complejidad a su trabajo, haciéndolo atractivo y estimulante.

Disco recomendado

 
Este álbum es quizás el mejor trabajo de "Louisiana Red" y una contribución fundamental al género del blues. Una grabación de blues magistral y atemporal que muestra el talento excepcional del artista y su profunda conexión con las raíces del género.

Es también un gran lugar para empezar a conocer a este talentoso músico de blues, un bluesman que fue un grande y merece más reconocimiento. Gran guitarra, canto y conmovedora narración de historias en la verdadera tradición del blues. Buscarlo por los canales digitales habituales.

Video del tema "I'm a Roaning Stranger":

Tracklist (LP vinilo 1971):

A1. Red's Dream
A2. Working Man Blues
A3. I'm Louisiana Red
A4. Sweet Aleese
A5. Keep Your Hands Off My Woman
A6. I'm a Roaning Stranger
B1. Ride on Red, Ride on
B2. I Wonder Who
B3. The Seventh Son
B4. Sad News
B5. Two Fifty Three
B6. Don't Cry

BONUS TRACKS – (formato CD 2021):

13. I DONE WOKE UP
14. I HAD A FEELING
15. I’M TOO POOR TO DIE
16. SUGAR HIPS
17. RIDE ON RED, RIDE ON [alt. take #1]
18. RIDE ON RED, RIDE ON [alt. take #2]
19. I WONDER WHO [alt. take]
20. FUNERAL HEARSE AT MY DOOR [as Rocky Fuller]
21. SOON ONE MORNING [as Rocky Fuller]
22. COME ON BABY, NOW [as Rocky Fuller]

Ficha (musicos):

  • Louisiana Red - voz, guitarra y armónica,
  • Carl Lynch - bajo,
  • Panama Francisco - batería.

Grabado originalmente en la ciudad de Nueva York, 1962.

LIGHTNING BOLT - Wonderful Rainbow - Album

Recomiendo una banda (un dúo) y uno de sus discos, que a priori es (son) difíciles de describir aunque el disco en mente es un gran álbum. Una bomba explosiva de ruido y distorsión que tiene un trasfondo melódico y ha dado forma al género del "noise rock".

La formación en cuestión son los estadounidenses "Lightning Bolt" y su obra maestra "Wonderful Rainbow" (2003).

 

¿Quién es la banda "Lightning Bolt"?


Son un dúo de noise rock estadounidense de Providence, Rhode Island, compuesto por Brian Chippendale a la batería y voz y Brian Gibson al bajo.

"Lightning Bolt" es conocido por sus presentaciones en vivo, donde normalmente tocan en el suelo en lugar de en un escenario, con la multitud reunida a su alrededor. El sonido de la banda es muy fuerte y agresivo, aunque el grupo cita a los compositores Philip Glass y Sun Ra como influencias compositivas. La música de la banda también se inspira en bandas japonesas de noise rock como Boredoms y Ruins.

LIGHTNING BOLT - Banda noise rock

El sonido de la banda consiste en la frenética batería de Chippendale, su voz generalmente incomprensible y el bajo rítmico de Gibson. En cuanto al género de la banda, se cita a Brian Gibson diciendo: "Odio, odio, odio la categoría" noise-punk ". Realmente no me gusta que me etiqueten con dos palabras que tienen tanto peso. Es asqueroso".

Dicho esto, no puedo encontrar otra descripción, es "ruido", aunque con algunas melodías y ganchos increíbles que todavía no puedo entender cómo el dúo logra encajarlos.

Lighting Bolt tiene una extensa discografía hasta ahora:

  • Lightning Bolt (1999)
  • Ride the Skies (2001)
  • Wonderful Rainbow (2003)
  • Hypermagic Mountain (2005)
  • Earthly Delights (2009)
  • Fantasy Empire (2015)
  • Sonic Citadel (2019)

El disco que más me mola es "Wonderful Rainbow", un álbum que te da un puñetazo mientras recibes un maravilloso mensaje sonoro. Realmente es difícil de explicar, pero lo intentaré.

 

ALBUM: Wonderful Rainbow

 
El tercer trabajo de estudio de la banda de noise rock "Lightning Bolt" publicado en 2003. Se considera su álbum más accesible, eso dice mucho, con pesados riffs de bajo y batería. Todo, excepto la batería, está distorsionado y la guitarra suena como una ráfaga de ametralladora, aunque el bajo tiene un gran sonido dinámico.

Es un asalto sónico. Es difícil creer que todo el ruido lo hacen sólo un guitarrista y un baterista, y a veces es aún más difícil creer que no hay manipulación electrónica involucrada.

LIGHTNING BOLT - Wonderful Rainbow - Album

Sin embargo se ordena su gran caos musical; es un sonido que atrae al menos con tanta fuerza como repele, y hay números en "Wonderful Rainbow" que tienen grandes ganchos. Por ejemplo, la brillante "Dracula Mountain", con sus voces muy procesadas y completamente indescifrables, o la igualmente maravillosa "Assassins". Otras canciones que son igual de atractivas son "On Fire", "Crown of Storms" y "Duel in the Deep", solo por dar algunas.

Lo más destacado, sin quitar el fenomenal bajo de Gibson, es la batería de Brian Chippendale. Este es el golpe de batería más frenético y febril que escucharás. Te preguntarás si Chippendale tiene más de dos brazos, ya que a menudo suena como si tuviera ocho o nueve apéndices completos, empuñando baquetas en duelo con cada uno de ellos.

Mencionado todo lo anterior, existe la advertencia obvia para los recién llegados: esto necesita una escucha con paciencia, es decir, puede ser repetitivo y abrumador. Sí, esto es noise rock llevado al extremo, pero hay melodía, ganchos y hay rock. ¿Eres suficientemente valiente? Entonces adelante.

En resumen, caracterizado por su naturaleza explosiva, con graves intensos y caóticos, hay que elogiar a "Lightning Bolt" por su capacidad para equilibrar una estética agresiva con una dinámica inesperada para crear una experiencia sonora única.

 

Disco recomendado

 
Un álbum que muestra la capacidad del dúo para evolucionar y ampliar sus horizontes musicales. Logra un delicado equilibrio entre la energía cruda y sin filtrar de sus primeros trabajos y una nueva sensación de diversidad y complejidad musical. Este álbum no sólo solidifica el lugar de "Lightning Bolt" en el noise rock, sino que también desafió y amplió los límites del género en sí.

Volviendo a un lenguaje más sencillo, este álbum simplemente te golpea, luego te da un dulce abrazo, luego te golpea a o*tias otra vez, luego te da otro gran abrazo, y la última vez te golpea hasta la mierda, y tú todo el tiempo lo disfrutas. Desde la percusión hábilmente caótica de Chippendale hasta el estilo y la interpretación alucinantemente virtuosos de Gibson, todo es fantástico.

La mayoría de los melómanos buscan constantemente música y bandas que los sorprendan. Bueno, aquí un dúo que es único y realmente rockero, rock de explosión y sucio. Si vas a escucharlo, al menos puedes controlar el nivel de volumen. Yo lo subo a tope!

Video del tema "Dracula Mountain":

Tracklist :

1.         "Hello Morning"         0:55
2.         "Assassins"     3:43
3.         "Dracula Mountain"   5:11
4.         "2 Towers"      7:08
5.         "On Fire"        4:42
6.         "Crown of Storms"     5:09
7.         "Longstockings"         3:17
8.         "Wonderful Rainbow"           1:29
9.         "30,000 Monkies"       3:50
10.       "Duel in the Deep"     6:16

Lightning Bolt (Banda):

  • Brian Chippendale - batería y voz
  • Brian Gibson - bajo

Personal técnico:

  • Dave Auchenbach - ingeniero de grabación
  • Mike McHugh - ingeniero de grabación
  • Jeff Lipton – masterización

STATUS QUO - On The Level - Album

La banda británica "Status Quo" ha sido y sigue siendo uno de mis grupos favoritos cuando sólo quiero pasar un buen rato escuchando música. Además, cuando busco buen rock n roll, este grupo (y la mayoría de sus álbumes) hacen el trabajo.

La última vez que los vi en directo fue en 2004 en Madrid compartiendo cartel con Deep Purple y Cheap Trick; los chicos británicos arrasaron y dominaron a todos en el escenario. Estaban absolutamente brillantes.

Mientras su doble álbum "Live!" (1977) es el LP para comenzar a conocerlos - tiene todo lo que necesitas - encontrarás una variedad de excelentes discos de su larga discografía. Uno de esos álbumes que es otro favorito personal es la obra de 1975 "On The Level", un LP sólido y divertido que contiene su gran sencillo "Down Down".

Con la excusa, voy a revivir viejos tiempos y recomendar a los lectores de este blog de música, el mencionado LP, si aún no lo conocen.

 

ALBUM: On the Level

 
Es el octavo disco de estudio de la banda de rock inglesa "Status Quo", publicado el 21 de febrero de 1975. Incluye a Francis Rossi, Richard Parfitt, Alan Lancaster y John Coghlan. El único single de este álbum, una versión editada de Rossi-Young, es el hit "Down Down". El sencillo le dio a la banda su único número uno hasta la fecha. Esto además ayudó a impulsar el álbum, que también entró en la lista en el puesto número 1 y, por lo tanto, lo convierte en su primer clásico.

ALBUM: On the Level, de STATUS QUO

Todas las canciones fueron escritas o coescritas por el grupo y su colaborador Bob Young, excepto "Bye Bye Johnny", que es una composición de Chuck Berry.

En este LP se reconoce que había una fórmula ganadora en los discos que hacían; tocar simple rock n roll de toda la vida. Status Quo era una banda compacta en ese momento, con un ritmo 100% contundente aliado a un verdadero talento para las melodías pop, los ganchos y las líneas de guitarra. Las letras no son las más profundas, pero reflejan su postura mayoritariamente de hombre trabajador que los hacen accesibles a casi todo el mundo.

El éxito - el hit - de este LP, la canción que representa todo lo que "Status Quo" fue y sigue siendo, "Down Down" es la canción perfecta, y el hecho de que no llegue hasta seis canciones dentro del álbum demuestra lo divertido que es acercarte a ello.

"On the Level" es Quo en su máxima expresión. No importa si se trata de conducir el boogie con la implacable precisión de "Little Lady" y "Over and Done" o de llamar a las puertas del blues y las baladas ("Most of the Time" y "Bye Bye Johnny"), o incluso hacerse una mirada retrospectiva a sus días como una de las mejores bandas de psicodélia pop británico ("What to Do"); todos los caminos conducen de regreso a "Down Down", el himno. Y, para hacerlo aún mejor, la versión del álbum es casi dos minutos más larga que el éxito, llena de comienzos en falso, finales falsos y uno de los desvanecimientos más crueles que jamás hayas escuchado. Viene justo cuando realmente te estás metiendo en el ritmo.

A nivel de producción, es autodirigido por la banda, suena crudo y sin pulir, lo que se adapta a lo genuino de la música. El sonido se caracteriza por un "boogie" musculoso de 12 compases, y cada canción muestra la interpretación ajustada de la banda y su enfoque sensato del rock 'n' roll. Hablando de sonido, la interacción de guitarras de Rossi y Parfitt es una característica definitoria del álbum, con sus riffs y solos en duelo impulsando la música. Las líneas de bajo de Lancaster no sólo son fundamentales sino también inventivas y añaden profundidad.

La banda británica STATUS QUO en 1975

Por lo tanto, "On The Level" se erige como un momento crucial en la carrera de la banda, destacando su evolución hacia la primera división del rock. Este álbum marca un pico creativo significativo para la banda, solidificando su sonido característico y estableciéndolos como una fuerza a tener en cuenta en la música rock y los espectáculos en vivo tipo arena.

 

Disco recomendado

 
Este es "Status Quo" al más puro estilo. La banda hace lo que mejor saben hacer, rock duro simple y sin complicaciones sin otra pretensión que la de pasar un buen rato. "On The Level" sigue siendo un punto culminante en la discografía de Status Quo y una escucha obligada para los fans del rock clásico. Escúchalo, te pondrá los pies en movimiento.

Video del tema "Down Down":

Tracklist - canciones (formato LP original):

Cara A:

1.         "Little Lady"              3:03
2.         "Most of the Time"     3:22
3.         "I Saw the Light"       3:40
4.         "Over and Done"                   3:55
5.         "Nightride"                 3:54

Cara B:

6.         "Down Down"                       5:25
7.         "Broken Man"            4:14
8.         "What to Do"             3:07
9.         "Where I Am"            2:45
10.       "Bye Bye Johnny" (Chuck Berry) 5:21

Status Quo (Banda-miembros):

  • Francis Rossi - guitarra, voz
  • Rick Parfitt - guitarra, teclados, voz
  • Alan Lancaster - bajo, guitarra, voz
  • John Coghlan - batería

THE DOORS - L.A.Woman - Album

Aunque mi álbum favorito de "The Doors" es su debut del mismo nombre, su sexto disco "L.A Woman" es también de mencion y el último que presenta al enigmático cantante Jim Morrison antes de su prematura muerte. Es su canto de cisne, un final, un ferviente adiós a la ciudad de Los Ángeles, y un gran disco de "blues".

Voy a recomendar "L.A Woman" e intentaré animar al lector más joven, quizás no familiarizado con el dicho LP, a explorar, encontrar y escuchar este disco.

 

ALBUM: L.A. Woman 

 
El sexto disco de estudio de la banda de rock estadounidense "The Doors", publicado el 19 de abril de 1971. Fue grabado sin el productor habitual Paul A. Rothchild después de que abandonó la banda por la percepción de falta de calidad. Posteriormente, la banda coprodujo el álbum con el ingeniero de sonido Bruce Botnick.

"L.A. Woman" tiene a la banda mezclando blues y rock, con algunos elementos de psicodélico y jazz rock de los inicios de su carrera. El concepto y diseño del álbum es de Carl Cossick y la foto es de Wendell Hamick.

THE DOORS - L.A.Woman - Album

A modo de anécdota, Jim Morrison grabó sus partes vocales en un baño. Evitando el lujo de "alta tecnología" de Sunset Sound, los Doors decidieron grabar en su modesto “taller” en 8512 Santa Monica Boulevard.

Este es el último álbum con Jim Morrison en la alineación durante su vida. "The Doors" salen con un resplandor de gloria, retomando las influencias del blues y el jazz que regresan donde las dejaron en LPs anteriores, pero volviéndose mucho más panorámicos, etéreos e impresionistas, sin quitarle "el sello" a la música.

El estado de ánimo y el tono de "L.A. Woman" puede describirse como una mezcla de realismo descarnado, introspección y un toque de misterio. Las canciones captan la esencia de la ciudad de Los Ángeles, retratando tanto su encanto como sus trasfondos más oscuros. Musicalmente, los números exudan una sensación de urgencia y empuje, con un regreso de la banda a sus raíces en el rock'n'roll basado en el blues. La letra pinta una imagen vívida de la ciudad, oscilando entre imágenes de belleza y melancolía, creando un retrato matizado de Los Ángeles como un lugar glamoroso pero conflictivo. Además, la incorporación de cambios de acordes y contrastes musicales añade profundidad a la composición, mejorando el estado de ánimo general de la canción con elementos de dramatismo y ensoñación.

Aquí todo el mundo está en plena forma, empezando por Jim Morrison, que aunque al borde de la muerte todavía tenía una gran voz, aquí es más profunda que en grabaciones anteriores. Ray Manzarek brilla como siempre en el órgano y crea algunos efectos inquietantes en algunas de las canciones. Robby Krieger también toca algunas de sus mejores pases de guitarras, con grandes solos en la mayoría de los temas, especialmente en "Been Down So Long" y "Crawling King Snake". John Densmore es sólido como una roca en la batería, como siempre. Dicho esto, para mí, la verdadera chispa que realmente impulsa este álbum proviene de Morrison, quien gruñe, grita y ruge a través del material. Quizás tuvo una premonición de que las cosas estaban llegando a su fin. Jim Morrison falleció a la edad de 27 años en circunstancias poco claras en París, unos meses después del estreno de "L.A. Woman".

La banda THE DOORS 1969

La canción principal de siete minutos es ya un clásico que celebra tanto el glamour como la sordidez de Los Ángeles; el otro corte largo, el inquietante "Riders on the Storm", es el grupo en su forma más melódica y siniestra. Este y "Love Her Madly" fueron sencillos de éxito, y "The Changeling" y "L'America" son destacados.

En retrospectiva, el disco "L.A. Woman" no es sólo una colección de canciones; es un artefacto cultural que refleja la transición de los idealistas años 60 a los más cínicos años 70. Es un álbum que captura "The Doors" en su forma más cohesiva, con cada miembro contribuyendo a un sonido que es simultáneamente crudo y sofisticado. Las influencias de blues de la banda son frontales, pero logran mantener el toque psicodélico que definió su trabajo anterior.

Para alguien que no esté familiarizado con este disco, "L.A. Woman" es una escucha obligada no sólo por su significado histórico sino también por su perdurable calidad musical. Es un álbum que muestra la evolución de "The Doors" como músicos y compositores, y sigue siendo una despedida poderosa y conmovedora de una de las figuras más emblemáticas del rock. Si eres un fan del rock clásico o un recién llegado al género, "L.A. Woman" es un disco que exige tu atención.

 

Disco recomendado

 
"L.A. Woman" resume prácticamente todo lo que hace que "The Doors" sea una escucha esencial. "The Doors" nunca tocó el blues con tanta fuerza como aquí, y por lo tanto un final apropiado para la carrera de "The Doors" con Jim Morrison.

Un final digno del cuarteto original. Un gran disco.

Video del tema "Been Down So Long":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "The Changeling"       4:20
2.         "Love Her Madly"      3:18
3.         "Been Down So Long"          4:40
4.         "Cars Hiss by My Window"  4:10
5.         "L.A. Woman"           7:49 

Cara B:

6.         "L'America"               4:35
7.         "Hyacinth House"                 3:10
8.         "Crawling King Snake"          John Lee Hooker        4:57
9.         "The WASP (Texas Radio and the Big Beat)"         4:12
10.       "Riders on the Storm"                       7:14

The Doors (Banda):

  • Jim Morrison - voz
  • Ray Manzarek – piano, órgano; incluido el órgano Hammond en "The Changeling", "Hyacinth House" y "The WASP (Texas Radio and the Big Beat)"; Vox Continental en "Love Her Madly" y el piano Rhodes en "L.A. Woman" y "Riders on the Storm". "; guitarra rítmica en "Been Down So Long"
  • Robby Krieger - guitarra solista
  • John Densmore - batería (con pinceles en "Cars Hiss by My Window"), pandereta en "Love Her Madly" y "Been Down So Long"

 Músicos adicionales:

  •  Jerry Scheff – bajo
  • Marc Benno - guitarra rítmica en "Been Down So Long", "Cars Hiss by My Window", "L.A. Woman" y "Crawling King Snake"

Técnico:

  • Bruce Botnick – producción
  • Carl Cossick - concepto y diseño del álbum
  • Wendell Hamick – fotografía de portada

MOVING TARGETS - Burning in Water - Album

Cada género tiene sus casos, unas piezas (obras) de música de auténtica calidad que son olvidados, o peor, no se les da el crédito que se merecen. Pero tengo que decir que el disco "Burning in Water" de la banda americana "Moving Target" es uno de los mejores debuts de punk o post punk de todos los tiempos.

Una desafortunada pieza de rock perdida, olvidada con el tiempo, este disco necesita ser redescubierto y colocado en una posición de mayor visibilidad junto con otros contemporáneos como los LPs de "Husker Du" y "Mission of Burma". Sí, localmente (área de Boston) son héroes del punk, pero en otros lugares son prácticamente desconocidos.

Quiero llamar la atención a los melómanos y fans del punk rock sobre el LP "Burning in Water" de "Moving Targets".

 

¿Quiénes son la banda "Moving Targets"?

 
Grupo estadounidense de punk rock de North Shore, Massachusetts, Estados Unidos.

Formado en 1982 como un power-trío de hardcore punk que mostraba la composición, el trabajo de guitarra y la emotiva voz de Kenny Chambers, la banda fue una parte importante de la escena del rock underground de Boston de la década de 1980, aunque nunca alcanzaron un grado significativo de éxito comercial. De hecho, el grupo tiene más seguidores en Europa que en casa, lo que le permite realizar giras por Europa y mantenerlos activos.

Banda de punk rock MOVING TARGETS

Influenciados por "Mission of Burma", como muchos, la formación más comúnmente asociada con la banda incluía al vocalista Kenny Chambers, el bajista Pat Leonard y el baterista Pat Brady, quienes con el productor Lou Giordano grabaron el impresionante álbum debut "Burning In Water". " en 1986.

El grupo tiene una larga carrera como se destaca en la siguiente discografía:

  • Burning in Water (1986)
  • Brave Noise (1988)
  • Fall (1991)
  • Take This Ride (1993)
  • Wires (2019)
  • Humbucker (2020)
  • In The Dust (2023)

Sin embargo, el estado intermitente y los cambios en las alineaciones no han ayudado. Personalmente sólo me gusta y escucho su primer disco, "Burning in Water".

 

ALBUM: Burning in Water

 
Este es el disco debut del trío de punk rock estadounidense "Moving Target", publicado en enero de 1986. Esta es una obra maestra del post-punk que se pasa por alto. Con su rock de guitarra hiperactivo, estos chicos fueron una de las pocas bandas que mantuvieron encendida la antorcha del punk cuando terminaron los años 80 y ayudaron que el espíritu punk rock original persistiera por un tiempo. La producción del álbum, a cargo de Lou Giordano, captura la energía en vivo de la banda al tiempo que brinda claridad a cada instrumento, permitiendo que brillen las intrincadas líneas de bajo y de guitarra. 

MOVING TARGETS - Burning in Water - Album

Un trabajo implacable como insinuó, este LP explosivo está lleno de una excelente composición y una musicalidad impresionante y agresiva. "Burning in Water" captura la banda en su apogeo inicial, quizás el mejor momento de su historia que nunca se alcanzó después. Cada canción de "Burning in Water" es un himno. Las canciones estallan, coloreadas con la guitarra agresiva pero cálida, dando la impresión de que "Moving Targets" suena como si esta fuera su última oportunidad de grabar.

"Burning in Water" también encarna el espíritu del punk rock con sus ritmos trepidantes, riffs de guitarra y voces intensas. Caracterizada por actuaciones llenas de energía y melodías pegadizas, la banda se mantiene fiel a las raíces del punk al tiempo que incorpora elementos del rock alternativo. La magia del álbum radica en su capacidad para cautivar al oyente con su actitud sin complejos y su espíritu rebelde, lo que lo convierte en un trabajo destacado en el punk rock.

Abriendo el LP con "The Other Side", "Moving Targets" declara su intención de combinar la energía del hardcore con el rock clásico e incluso el rock progresivo. El baterista Pat Brady también te da su tarjeta de bienvenida desde el principio. En cada canción, particularmente en "Faith" y "Let Me Know When", Brady encaja una cantidad imposible de ritmos, manteniéndose musical, dinámico y relativamente estable, incluso mientras toma cambios precisos en el tempo. Pero si la batería te impresiona, el guitarrista Kenny Chambers y el bajista Pat Leonard siguen el ejemplo, complementándose mientras exigen energía y el mejor desempeño el uno del otro.

Los tres actúan a la vez frenéticamente. Este trío fue la mejor formación de esta banda, una versión mágica. A medida que el álbum avanza hacia un tono más oscuro, acercándose en ocasiones al "drone" y la disonancia, las canciones presentan gruesos acordes de guitarra similares a los de AC/DC y, sobre todo, melodía. El material está bien organizado, mientras que algunas canciones presentan una multitud de secciones a menudo intrincadas (introducción, verso, estribillo, puente, final, etc.), ninguna alcanza la marca de los cuatro minutos, un enfoque disciplinado y rápido del hardcore. Incluso hay toques de folk celta acústico como en la introducción de "Urban Dub". Vocalmente Kenny Chambers canta sobre las relaciones interpersonales inestables, la falta de comunicación y las consecuencias emocionales posteriores. Su enfoque vocal inspirado en el punk le da un aire de importancia y agrega una expresión emocional que parece genuina y conversacional.

En resumen, "Burning in Water" es una enorme pieza de power rock, una intensa bola de fuego de sonido combinada con tempos rápidos, melodías desarrolladas y una actitud real. Es rápido, divertido, agresivo, melódico y convincente; este es un disco que vale la pena buscar y al que realmente vale la pena prestar atención.

 

Disco recomendado

 
"Burning in Water" es un álbum debut estelar que solidifica la posición histórica de la banda dentro de la escena punk rock. Con su música convincente, letras reveladoras y excelente producción, este álbum es imprescindible para los fans que buscan una experiencia musical auténtica y atractiva. Es un LP pasado por alto que necesita ser redescubierto, reactivado y reconocido como una joya del punk rock.

Video del tema "The Other Side":

Tracklist:

1. The Other Side
2. Faith
3. Let Me Know Why
4. Shape Of Somethings
5. Less Than Gravity
6. Almost Certain/Drone
7. Urban Dub
8. Always Calling
9. Underground
10. MTV
11. Funtime
12. Coming Home

Ficha:

  • Ken Chambers - guitarra, voz, letra
  • Pat Leonard - bajo, coros
  • Pat Brady - batería.

Lou Giordano - productor, ingeniero de sonido.

THE BETHS - Future Me Hates Me - Album

Quiero destacar en este blog de música una banda relativamente "novel" y joven desde Nueva Zelanda conocida por su rock indie impulsivo y contagioso. Inspirados, al menos en gran parte, por el punk-pop de su infancia, se basan en riffs de guitarra enérgicos, ganchos melódicos y armonías vocales de varias partes.

Presentó "The Beths", un cuarteto formado originalmente en música jazz (curioso) que produce melodías realmente dulces y de power-pop. Tienen tres discos hasta la fecha, pero es su LP debut "Future Me Hates Me" el que me ha convencido y el que quiero recomendar.

 

¿Quién es la banda "The Beths"?

 
Son un conjunto de indie rock de Nueva Zelanda, formado en Auckland en 2014. El grupo es principalmente la vocalista principal Elizabeth Stokes, el guitarrista Jonathan Pearce, el bajista Benjamin Sinclair y el baterista Tristan Deck. Conociéndose en la "Universidad de Auckland", la banda firmó con Carpark Records en 2018, donde han lanzado tres álbumes hasta la fecha: Future Me Hates Me (2018), Jump Rope Gazers (2020) y Expert in a Dying Field (2022).

THE BETHS, banda de Nueva Zelanda

El grupo es conocido por su uso de la armonía vocal, utilizando las voces de los cuatro miembros de la banda. La formación "Kiwi" ha citado a Alvvays, Rilo Kiley y Bully como inspiraciones para su música.

En mi caso, les descubrí a través de su primer disco "Future Me Hates Me". Me encantan las voces y su sonido power-pop jangle.

 

ALBUM: Future Me Hates Me

 
El disco de estudio debut de la banda de rock independiente de Nueva Zelanda "The Beths". Fue producido por el guitarrista principal de la banda, Jonathan Pearce, y publicado el 10 de agosto de 2018. "The Beths" ha recibido elogios por su energía contagiosa y melodías pegadizas. Este álbum es un monumento al power-pop, que muestra la destreza de la banda al ofrecer una colección de canciones que son a la vez musicalmente atractivas y líricamente introspectivas.

THE BETHS - Future Me Hates Me - Album

Liderado por la cantante y guitarrista Elizabeth Stokes, aporta un sonido refrescante a la escena de la música indie fusionado con guitarras brillantes, melodías y cantos de bandas que recuerdan al chicle rock de los sesenta. La voz de Stokes, junto con la instrumentación ajustada de la banda, crean una combinación dinámica que te mantendrá enganchado de principio a fin.

La banda de Nueva Zelanda te ofrece dos carriles de viaje auditivo en este debut: el primero es un sonido retro más clásico y orientado al pop, como una chica de los 60 con guitarras y una influencia shoegaze. El segundo es una diluida avalancha de rock alternativo de los 90, con riffs de nivel Superchunk, sonidos de Weezer y estilos vocales de Velocity Girl.

En este debut, "The Beths" saben cómo hacer que una canción se construya y explote, y luego regrese al momento sin perder el flujo. De alguna manera, sin ningún cambio real en las fórmulas, "The Beths" suena fresco y lleno de energía. No hay canciones realmente débiles en este álbum. Es una gran combinación de melodías memorables con gancho y con un espíritu dinámico de punk rock.

Por eso, para mí "Future Me Hates Me" es un gran primer álbum. Lo que funciona en este LP es la composición, que muestra al grupo explorando temas de "autodesprecio", depresión, amor y la caída de una ruptura y la culpa que conlleva. La carismática líder Elizabeth Stokes parece derramar su corazón. Cada línea se siente como una forma de dejar salir emociones reprimidas, con canciones como el tema principal, “River Run: Lvl 1” y la excelente “Uptown Girl” que parecen provenir directamente del estado emocional de Stokes. Hablando de canciones, mi favorita es "Not Running", solo para que conste.

La producción del álbum, a cargo del guitarrista y genio del estudio Jonathan Pearce, está pulida sin perder la energía cruda que da a las canciones su inmediatez. La educación de jazz de la banda es evidente en la musicalidad y los intrincados arreglos que evitan el exceso autoindulgente, en lugar de presentar las canciones con precisión y estilo con un "marco divertido para cantar".

En resumen, "Future Me Hates Me" es un primer disco muy bueno. Está lleno de ganchos contagiosos, melodías brillantes y composiciones accesibles que deberían atraer a una amplia audiencia. Este álbum también prepara bien las cosas para "The Beths" en cuanto los siguientes discos "Jump Rope Gazers" (2020), que tuvo más éxito comercial, y su tercer "Expert in a Dying Field" (2022), también bien recibido. Estos dos también merecen una escucha si estás interesado.

 

Disco recomendado

 
“Future Me Hates Me” es power pop y jangle que me mola. "The Beths" ha elaborado un álbum que es a la vez un guiño a sus influencias y un paso seguro en su propia dirección. La escritura es digna de mención, la voz de Elizabeth Stokes es excelente, la producción suena bien y todos en la banda hacen un trabajo fantástico al combinar las cosas.

Un disco recomendado para los amantes del indie-jangle y el power pop. Realmente divertido.

Video del tema "Not Running":


Tracklist:

1.         "Great No One"          3:22
2.         "Future Me Hates Me"           4:05
3.         "Uptown Girl"            2:31
4.         "You Wouldn't Like Me"       3:32
5.         "Not Running"           3:51
6.         "Little Death" 4:54
7.         "Happy Unhappy"      3:29
8.         "River Run: Lvl 1"     4:06
9.         "Whatever"     4:24
10.       "Less Than Thou"       4:17 

THE FLYING BURRITO BROTHERS - The Gilded Palace of Sin - Album

Si alguien te dijera que el disco "The Gilded Palace of Sin" del grupo americano "The Flying Burrito Brothers" es el equivalente al álbum "The Sgt. Pepper 's..." de los Beatles para el country-rock, al menos sentirías curiosidad.

Esa es mi intención con este post, despertar tu curiosidad de los melómanos y recomendarte la banda y el álbum mencionado para que los escuches.

 

¿Quiénes eran la banda "The Flying Burrito Brothers"?

 
Grupo estadounidense de country rock mejor conocido por su influyente álbum debut de 1969, "The Gilded Palace of Sin". Aunque el grupo es conocido por su conexión con los fundadores de la banda Gram Parsons y Chris Hillman (ambos anteriormente de "The Byrds"), la formación experimentó muchos cambios de personal y ha existido en varias encarnaciones.

THE FLYING BURRITO BROTHERS

La tragedia de esta banda fue cuando Gram Parsons murió a la edad de 26 años en 1973

El disco estrella es el aclamado primer lanzamiento "The Gilded Palace of Sin", un trabajo que todavía escucho regularmente.

 

ALBUM: The Gilded Palace of Sin 

 
El primer LP del grupo de country rock "The Flying Burrito Brothers", publicado el 6 de febrero de 1969. Es una continuación del trabajo de Gram Parsons y Chris Hillman en la música country moderna, fusionando fuentes tradicionales como el folk y el country con otras formas de música popular como el gospel, soul y rock psicodélico.

Como curiosidad, en la portada del disco aparece la banda con trajes "Nudie" (trajes cubiertos de pedrería, conocidos popularmente como "Nudie Suits, diseñados por Nudie Cohn, un famoso sastre ucraniano-estadounidense).

ALBUM: The Gilded Palace of Sin - The Flying Burrito Brothers

Aunque no fue un éxito comercial inmediato, "The Gilded Palace of Sin" ha sido ampliamente considerado como un disco importante del rock de los setenta. Algunos críticos han llegado a decir que es el "Santo Grial" de la música country-rock. Desde un punto de vista personal lo que es innegable es sus grandes armonías y música, absolutamente sobresaliente.

Para 1969, Gram Parsons ya era un referente del movimiento country-rock a través de su trabajo con la "International Submarine Band" y especialmente "The Byrds", pero su primer disco con "The Flying Burrito Brothers" es donde revela todo el alcance de su talento, y a da "vida" a uno de los mejores y más influyentes álbumes del género.

Dicho esto, Gram Parsons también tuvo suerte de trabajar con una banda que realmente contribuyó a su visión, en lugar de simplemente respaldarlo; sus colegas (hago hincapié a Chris Hillman) proporcionan un puente perfecto entre el country y el rock psicodélico.

Este álbum presenta excelentes composiciones y voces de Gram Parsons y Chris Hillman, junto con el sonido original de la guitarra con pedal de acero de “Sneaky” Pete Kleinow, quien se lleva el LP a su terreno con su reverberación y su tono de pedal de acero "espacial" en la mayoría de las canciones.

Como mencionó, como compositor, Gram Parsons ofrece algunos de sus mejores trabajos; "Hot Burrito No. 1" y "Hot Burrito No. 2" combinan el dolor de los llorones temas country clásicos. Otros aspectos destacados incluyen originales como "My Uncle", "Christine's Tune", "Sin City", "Wheels" y "Do You Know How it Feels", además de la versión definitiva de "Dark End of the Street", un clásico del soul de 1967 que se versiona con frecuencia grabado previamente por James Carr y Roy Hamilton, entre otras versiones de artistas notables Gregg Allman, Ry Cooder, Aretha Franklin, Dolly Parton y Linda Ronstadt.

Mientras que "The Gilded Palace of Sin" apenas dejó huella en la cultura pop en 1969, literalmente docenas de bandas, siendo "The Eagles" un excelente ejemplo, encontraron inspiración en esta música y luego se convertirían en megaestrellas. Además, grupos posteriores como Uncle Tupelo, Wilco, Son Volt, Whiskeytown, Sturgill Simpson y The Jayhawks, así como músicos como Dwight Yoakam, Lucinda Williams, Emmylou Harris y Steve Earle, han grabado música que tiene huellas de "The Gilded Palace of Sin".

 

Disco recomendado

 
Este álbum ha sido admirado durante mucho tiempo tanto por los fans del rock como del country y es uno de los mejores lanzamientos de country-rock de su tiempo. "The Gilded Palace of Sin" es el mejor momento de Gram Parson, pero también es un momento igualmente clásico de Chris Hillman. Si escuchas discos y te concentras en la musicalidad, esto es de primera calidad en todos los sentidos.

Comprendo que es más probable que resuene mejor en el lector veterano, pero estoy seguro de que el amante de la música más joven encontrará esto como un descubrimiento si se le da tiempo para afinar sus oídos.

Esto es simplemente un gran country-rock. Imprescindible para todos los seguidores de la música y melómanos.

Video del tema "Christine's Tune":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1."Christine's Tune" (aka "Devil In Disguise") (Gram Parsons, Chris Hillman) – 3:04
2."Sin City" (Hillman, Parsons) – 4:11
3."Do Right Woman"  – 3:56
4."Dark End of the Street"  – 3:58
"My Uncle" (Parsons, Hillman) – 2:37

Cara B:

1."Wheels" (Hillman, Parsons) – 3:04
2."Juanita" (Hillman, Parsons) – 2:31
3."Hot Burrito #1" [AKA "I'm Your Toy"] (Chris Ethridge, Parsons) – 3:40
4."Hot Burrito #2" (Ethridge, Parsons) – 3:19
5."Do You Know How It Feels" (Parsons, Barry Goldberg) – 2:09
6."Hippie Boy" (Hillman, Parsons) – 4:55

Ficha:

The Flying Burrito Brothers (miembros):

  • Gram Parsons: voz principal y armonía, guitarra acústica, piano, órgano
  • Chris Hillman: guitarra eléctrica y acústica, armonía, voz principal y coros, mandolina.
  • "Sneaky" Pete Kleinow (mal escrito "Sneeky" en la contraportada) - guitarra de pedal de acero
  • Chris Ethridge - bajo, coros, piano

Músicos adicionales:

  • Jon Corneal - batería (pistas 1, 3, 4, 5, 7)
  • Thomas "Popeye" Phillips - batería (pistas 8, 9, 11)
  • Eddie Hoh - batería (pistas 2, 10)
  • Sam Goldstein - batería (pista 6)
  • David Crosby - coros (pista 3)
  • Hot Burrito Chorus - coros (pista 11)

Técnico:

  • The Flying Burrito Brothers, Larry Marks, Henry Lewy - producción
  • Henry Lewy - ingeniero de sonido
  • Tom Wilkes – dirección de arte
  • Barry Feinstein – fotografía de portada