BASS DRUM OF DEATH - Say I Won´t - Album

Bass Drum of Death (Banda)

Grupo estadounidense de garage rock de Oxford, Mississippi, Estados Unidos. Conocidos por su bullicioso, blues-garage y lo-fi rock. El creador y líder de la banda, John Barrett, formó "Bass Drum of Death" en 2008 como una banda de un solo hombre. Eventualmente comenzó a hacer giras, trabajando con una variada formación de músicos para los espectáculos en directo.

Un atuendo genial que siempre te da un buen rock and roll "sucio" con atmósfera de "garage".

ALBUM: Say I Won't

Este quinto álbum se publicó el 27 de enero de 2023. Pesado en poderosos riffs de acordes y ritmos de conducción, "Say I Won't" es un disco de rock muy bueno y lo disfrutarán los fans del rock de garaje con grandes ganchos. Ciertamente me emocionó esta nueva oferta, y aunque no es "revolucionaria", ciertamente es una excelente escucha.

Producido por Patrick Carney de "The Black Keys", Say I Won't es el primer LP del grupo que presenta la formación del cantante y guitarrista fundador John Barrett, su hermano, el guitarrista Jim Barrett (quien se unió en 2020) y el baterista Ian Kirkpatrick.

"Say I Won't" tiene una energía elevada y vibrante que te atrapa desde el principio. El productor Carney permite que la banda profundice en su sonido simplificado mientras agrega la atmósfera suficiente a la voz ronca de John Barrett. Puedes escuchar y sentir el ritmo natural de la banda y sentir sus amplificadores individuales fusionándose entre sí. Momentos hipnóticos aparecen en todo este disco, como por ejemplo en "Find it", "Head Change" y los ganchos estilo MC5 de "No Soul". La canción "Say Your Prayers" es una colaboración con Mike Kerr de "Royal Blood" y "Everybody 's Gonna Be There" es un rodillo. En general, es una obra "groover" de rock de garaje.

Disco recomendado. En "With Say I Won't", Bass Drum of Death evoca un álbum de rock de los años 70, infundiendo una innegable inmediatez cruda y sensual propia. Entretenido y buen trabajo.

Video del tema "Everybody's Gonna Be There" (Live):

Tracklist:

1. Find It 2:46
2. Head Change 2:59
3. No Soul 2:24
4. Say Your Prayers 3:00
5. Keys to the City 3:20
6. Wait 3:02
7. Swerving 2:42
8. White Vine 3:15
9. No Doubt 3:16
10.Everybody's Gonna Be There 2:15
11.Say I Won't 2:38
12.Too Cod to Hold 3:10

THE DREAM SYNDICATE - The Days of Wine and Roses

ALBUM: The Days of Wine and Roses 

El segundo disco y el álbum debut de larga duración de la banda estadounidense de rock alternativo "The Dream Syndicate". Producido por "Chris D." (ex vocalista de los "Flesh Eaters") fue publicado el 28 de octubre de 1982. Desde entonces se ha convertido en un clásico del género indie rock, especialmente dentro de la categoría de noise-rock. Este LP ayudó a dar forma al sonido del movimiento indie rock estadounidense.

La música de "The Dream Syndicate" se caracteriza por su fusión de rock psicodélico, post-punk, jangle...,  y la visión única de la banda de estos géneros se muestra por completo a lo largo de este álbum.

Podría decirse que es el mejor LP que salió de la "escena del Paisley Underground" de los años 80. El sonido es el empuje entre la guitarra solista de Karl Precoda, ruidosa y elemental pero inspirada y el agudo estallido de la guitarra rítmica de Steve Wynn, produciendo un sonido más duro y abrasivo. Las ráfagas del grandioso pero siniestro caos del rock & roll cuyo rápido ataque basado en la guitarra se mantuvo en su lugar gracias al inteligente minimalismo del bajista Kendra Smith y el baterista Dennis Duck.

El álbum abre con "Tell Me When It 's Over", una pieza propulsora. La canción presenta riffs de guitarra que impulsan, una sección de ritmo fuerte y la voz cruda y emotiva de Steve Wynn. Las letras están llenas de imágenes y metáforas. "Definitely Clean", sigue con un estribillo pegadizo y un ritmo de conducción. La letra de la canción es conmovedora y poderosa. "That 's What You Always Say" es un tema destacado con un riff de guitarra memorable y un estribillo pegadizo con letras que tratan sobre la frustración y la incertidumbre del amor. La actuación de la banda es estrecha y enfocada, con cada miembro contribuyendo a la energía. Las cosas siguen adelante y otro tema destacado es "Then She Remembers" con sus riffs y tintineos que se mueven como un tren. La pieza central del álbum es "Halloween", 6 minutos que muestra la destreza de improvisación de la banda. La interacción de los miembros es fascinante, con cada componente contribuyendo al tapiz sónico. Las cosas continúan con "When You Smile" y "Until Lately", otra pieza impulsada por la guitarra y muestra la voz cruda y emotiva de Wynn. "Too Little, Too Late" es el número más lento con su voz femenina que recuerda a "Nico". El álbum se cierra con "The Days of Wine and Roses", la canción principal y una de las canciones emblemáticas de la banda. La canción presenta un riff de guitarra jangle, una sección rítmica de conducción y la voz intensa y emotiva de Wynn. Por último, para finalizar este breve resumen de canciones, la producción sencilla del productor Chris D. captura bien a la banda, el mayor placer de este disco es escuchar cómo tocan tan bien juntos.

En general, después del ejercicio de escucha será evidente que de todas las "bandas de la escena de Paisley Underground", "The Dream Syndicate" fueron en realidad las más influenciadas musicalmente por la "Costa Este". Escucharás ritmos (sonidos) definidos de "The Velvet Underground" ("Lou Reed") a lo largo de todo este disco.

Disco recomendado. "The Dream Syndicate" tenía un sonido llamativo, un sonido de desmoronarse y volverse a juntar justo a tiempo para desmoronarse de nuevo. La banda en este debut toma los materiales más elementales: poesía murmurada, guitarra torcida y una mala actitud ("badass") y graba algo grandioso. Ahora es un álbum histórico que ayudó a establecer a "The Dream Syndicate" como una de las bandas más innovadoras e influyentes de la década de 1980. También es imprescindible para los fans de la guitarra "noise" y cualquier persona interesada en el rock alternativo de los 80.

Video del tema "The Days of Wine and Roses":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1."Tell Me When It's Over" – 3:27
2."Definitely Clean" – 3:25
3."That's What You Always Say" – 3:08
4."Then She Remembers" – 4:03
5."Halloween"  – 6:29 

Cara B:

1."When You Smile" – 4:10
2."Until Lately" – 6:50
3."Too Little, Too Late" – 3:17
4."The Days of Wine and Roses" – 7:22

THE WATERBOYS - This Is the Sea - Album

Súper conocido para algunos, desconocido para otros...

ALBUM: This Is the Sea

El tercer álbum de la banda escocesa de folk rock "The Waterboys" publicado el 16 de septiembre de 1985 considerado el mejor álbum de su primer sonido orientado al rock. Descrito como "épico", fue el primer álbum de "The Waterboys" en ingresar a las listas del Reino Unido, alcanzando el #37. Steve Wickham hace su debut discográfico con los Waterboys tocando el violín en "The Pan Within" y posteriormente se unió a la banda. Además, este es el último álbum con aportes de Karl Wallinger, quien dejó el grupo para formar su propia banda, "World Party".

"This Is the Sea" contiene el single más vendido de "The Waterboys", la canción "The Whole of the Moon". Esta canción ha trascendido su papel original, ya que ha sonado en todos los formatos de radio, anuncios de televisión, series de televisión, partituras de películas... desde entonces. Además, este tema se ha grabado en la mente de toda una generación en todo el mundo. Solo por esta canción, vale la pena destacar este disco; pero hay mucho más.

El álbum se destaca por su fusión de folk, rock e influencias celtas, así como por su sonido expansivo y épico y temas líricos de espiritualidad, amor y búsqueda de significado. Los ejemplos, los temas de espiritualidad ("Spirit", "The Pan Within"), amor romántico ("Trumpets") y política inglesa ("Old England"), mientras que el sencillo homónimo del álbum ("This Is The Sea") utiliza la alusión al río que fluye como una vida que afirma el reconocimiento de constante renovación y regeneración. En su conjunto, es un disco que toca la fibra emocional. Es magnífico en su ambición y hermoso en su realización, mientras que la pasión de la música y la voz de Mike Scott provocan pequeñas "revoluciones" que te hacen ir arriba. La profundidad lírica y la fuerza instrumental (elementos celtas incluidos) inducen a la piel de gallina, pero en particular, las últimas cuatro canciones son ejemplos brillantes de las posibilidades de grandeza que se pueden lograr dentro del medio de la música rock. Extraordinario, y más aún en el momento que salió en los años 80 (Siglo XX).

Para los "baby boomers" este es posiblemente un disco que no necesita presentación ni necesidad de recuerdo, ya que la mayoría de nosotros crecimos con este LP y su sencillo "The Whole of the Moon". Sin embargo, para la gente más joven, esto puede ser un LP esperando a ser descubierto y si es así, bien puede ser un "regalo" que envía ondas de choque por la columna vertebral de emoción musical (sí, estoy de acuerdo, crees que estoy exagerando).

Disco recomendado. Una obra de arte magistral que muestra el sonido y la visión de "The Waterboys". Su sonido épico y expansivo y sus letras poéticas lo convierten en un álbum destacado de la década de 1980 y un clásico perdurable del género folk-rock. Lo más cercano a una experiencia espiritual que la música puede traerte.

Por último, el siguiente álbum "Fisherman 's Blues" fue igual de grande y, por lo tanto, también le recomiendo que lo escuches.

Video del tema ""The Whole of the Moon":

Tracklist:

1."Don't Bang the Drum"  – 6:46
2."The Whole of the Moon" – 4:58
3."Spirit" – 1:50
4."The Pan Within" – 6:13
5."Medicine Bow"  – 2:45
6."Old England" – 5:32
7."Be My Enemy" – 4:16
8."Trumpets" – 3:37
9."This Is the Sea" - 6:29

TH FAITH HEALERS - Imaginary Friend - Album

Th´ Faith Healers (Banda)

 
Una banda de rock indie difícil de clasificar con sede en Hampstead, Inglaterra, que estaba formada por la cantante Roxanne Stephen, el guitarrista y segundo vocalista Tom Cullinan, el bajista Ben Hopkin y el baterista Joe Dilworth. Grabaron varios EPs y singles junto con dos LP completos:

Discografía (LP completos):

• Lido (1992)
• Imaginary Friend (1993)

Sorprendentemente, sus discos pasan la prueba del tiempo mucho mejor que los de sus contemporáneos. Para mí su segundo LP es muy bueno, y lo recomiendo aquí.

Tuvieron más éxito fuera del Reino Unido, aunque breve, haciendo una gran gira por los Estados Unidos apoyando a "The Breeders".

Th' Faith Healers se separó en la primavera de 1994. Cullinan formó una nueva banda, "Quickspace". Stephens volvió a la facultad de arte, Dilworth abrió un estudio de fotografía y Hopkin se convirtió en podador ("médico") de árboles - este último es verdaderamente rock and roll.

ÁLBUM: Imaginary Friend

Me surge la pregunta, ¿por qué este disco no ha entrado un sitio en las colecciones de los grandes discos de indie & noise rock de todo el mundo? Generalmente desconocido o incluso olvidado, este LP lo tiene todo, todo a la vez (como el título de la última canción). 

Es el segundo y último álbum de estudio de "Th' Faith Healers", publicado el 18 de octubre de 1993. Si necesitas un resumen rápido, es uno de esos álbumes que amas desde el principio, no puedes explicarlo y otros realmente no pueden entender por qué. "Th' Faith Healers" ha sido generalmente categorizado como "Krautrock", porque cubrieron brillantemente la canción de "Can", "Mother Sky". Sin embargo, escucha esto, y es muy diferente. Su música tiene tantos elementos de noise y drone que parece haber pasado a gustar más a los oyentes de música más "space". La producción de lo-fi se suma al conjunto, lo que da a este LP un sonido un poco más "sucio" que añade a la experiencia auditiva.

"Imaginary Friend" logra flotar de un lado a otro entre ondas de guitarras distorsionadas y tonos limpios, resonantes; toma las canciones "Kevin" y "Heart Fog". El verdadero talento de la composición de canciones de la banda radica en la forma en que pueden surgir momentos pop sorprendentes del desorden del sonido, como en "See-Saw", un inesperado estallido de melodía que trasciende todas las tendencias más ruidosas de la banda. Mi canción favorita de este LP es "People", escúchala a continuación (video adjunto). Por último, la canción final del disco, la jam session de casi 20 minutos "Everything, All at Once Forever", puede ser demasiado indulgente, pero también merecían divertirse un poco los chicos. 

Un disco recomendado, para mí el que álbum define "Th Faith Healers", y eso hace que valga la pena escucharlo. Difícil de entender cuánto fueron subestimados (y este disco). Si te gusta "My Bloody Valentine", "Sonic Youth", "Pixies"... o el indie noise rock en general hay que escuchar este álbum.

Y termino, si quieres escuchar "Th Faith Healers" con un sonido más pesado, más "shoegaze", busca su LP debut "Lido". También te va a sorprender.

Video del tema "The People":

Tracklist:

1.         "Sparklingly Chime"   4:52
2.         "Heart Fog"                 6:53
3.         "See-Saw"                   3:18
4.         "Kevin"                       5:39
5.         "The People"               7:12
6.         "Curly Lips"                4:29
7.         "Everything, All at Once Forever" 19:59

N.W.A - Straight Outta Compton - Album

N.W.A (Hip Hop)

N.W.A (una abreviatura de "Niggaz With Attitude") fue un grupo de hip hop estadounidense (Los Ángeles) cuyos miembros se encontraban entre los primeros y más importantes divulgadores y figuras controvertidas del subgénero "gangsta rap", y el grupo es ampliamente considerado como uno de los más grandes y más importantes formaciones influyentes en la historia de la música rap e hip hop.

Miembros de N.W.A:

• Arabian Prince 
• DJ Yella 
• Dr. Dre 
• Eazy-E (murió en 1995)
• Ice Cube 
• MC Ren 

Grabaron solo dos álbumes de estudio, con muchas tensiones internas y la muerte de Eazy - E limitó su carrera. Sin embargo, su LP debut "Straight Outta Compton" es histórico.

 

ALBUM: Straight Outta Compton

 

El álbum debut de estudio publicado el 8 de agosto de 1988, producido por los miembros de N.W.A; Dr. Dre, DJ Yella y Arabian Prince, con letras escritas por los miembros Ice Cube y MC Ren junto con el rapero Ruthless "The D.O.C". "Straight Outta Compton" no fue el primer álbum de "gangsta rap", pero fue el primero en encontrar una gran audiencia comercial y definió el género desde entonces. También estableció el "West Coast Rap" en general como una fuerza comercial.

Este LP describe la violencia de "Compton" (suburbio de Los Angeles), la letra amenaza repetidamente a los compañeros (otros rappers) y a la policía. El tema "F*ck tha Police" atrajo la carta de advertencia del FBI, lo que ayudó a la notoriedad del grupo y ellos auto denominándose "el grupo más peligroso del mundo". "N.W.A" básicamente impartió "gangsta rap", con descripciones exageradas de la vida en la calle, la resistencia a la autoridad y la violencia machista. Sin casi ninguna ayuda de la radio (las razones son obvias), se convirtió en el primer álbum platino certificado de "gangsta rap", con un millón de copias vendidas. Dada la fuerza de "en tu cara" de este disco, la producción es muy simple, con un bajo presupuesto, y en su mayoría scratches de DJ y una caja de ritmos, además de algunas explosiones de trompeta sampleadas y pedazos de guitarra funk.

A lo largo del álbum, "N.W.A" ofrece una serie de cortes intransigentes y provocativos que abordan una amplia gama de problemas que afectan a las comunidades negras en Estados Unidos. Uno de los puntos fuertes de "Straight Outta Compton" es la gran diversidad de sus temas. Canciones como el ya famoso "F*ck tha Police" y "Gangsta Gangsta" confrontan la brutalidad policial y los perfiles raciales, mientras que temas como "Express Yourself" y "Something Like That" abordan cuestiones de autoexpresión e identidad. El álbum combina a la perfección el rap duro con ganchos de R & B conmovedores y ritmos funky de la "Costa Oeste". Esta fusión de estilos ayudó a crear el sonido único que definiría la escena del "West Coast Hip Hop" en los años posteriores. Como dice el dicho, "a menudo imitado, nunca duplicado". Además, el legado del álbum ha sido duradero y de largo alcance. Ha sido citado como una influencia por innumerables artistas en las décadas posteriores a su lanzamiento, y sigue siendo una piedra de toque cultural para los fans del hip-hop en todo el mundo.

Disco recomendado. Un álbum considerado como uno de los discos más influyentes e innovadores en la historia del rap y el hip-hop. Es un testimonio del poder de la música para abordar problemas sociales y políticos e inspirar el cambio. Además, también se le atribuye haber llevado el "gangsta rap" a la corriente principal y haber cambiado el panorama del hip-hop para siempre. Si no estás familiarizado con N.W.A y eres fan del Rap-Hip-Hop, deberías escuchar este álbum. Como consta en este LP: "You are about to witness the strength of street knowledge."-Eazy-E ( tema: "Straight Outta Compton").

Video del tema "Straight Outta Compton":

Tracklist:

1                      Straight Outta Compton - 4:19
2                      F*ck Tha Police - 5:45
3                      Gangsta Gangsta - 5:36
4                      If It Ain't Ruff - 3:34
5                      Parental Discretion Iz Advised - 5:16
6                      8 Ball (Remix) - 4:52
7                      Something Like That - 3:35
8                      Express Yourself - 4:25
9                      Compton's N The House (Remix) - 5:20
10                    I Ain't Tha 1 - 4:54
11                    Dopeman (Remix) - 5:20
12                    Quiet On Tha Set - 3:59
13                    Something 2 Dance 2 - 3:32

N.W.A detalle técnico y contribuciones:

• Eazy-E - rap (siete canciones)
• Ice Cube - rap (seis canciones)
• MC Ren - rap (ocho canciones)
• Arabian Prince: programación de teclados y batería (cinco canciones) y rap (una canción)
• Dr. Dre: programación de teclados y batería (cinco canciones), rap (cinco canciones)
• DJ Yella: sampleo y programación de batería (siete canciones), rap (una canción)
• The D.O.C (invitado) – rap (una canción)

LIVE - Throwing Copper - Album

LIVE (Banda)

Para aquellos que no están familiarizados, LIVE es una banda de rock estadounidense formada en York, Pensilvania, en 1984 por Ed Kowalczyk (voz principal, guitarras), Patrick Dahlheimer (bajo), Chad Gracey (batería) y Chad Taylor (guitarras). Fueron etiquetados dentro del género post-grunge.

Aquí está su discografía hasta el momento:

The Death of a Dictionary (1989)

Mental Jewelry (1991)

Throwing Copper (1994)

Secret Samadhi (1997)

The Distance to Here (1999)

V (2001)

Birds of Pray (2003)

Songs from Black Mountain (2006)

The Turn (2014)

En 2009, Ed Kowalczyk dejó la banda, pero se reincorporó en 2016. Las peleas internas continuaron con el despido de Taylor y la partida posterior de Gracey y Dahlheimer. Kowalczyk ya solo y con el "nombre de la banda" comenzó a hacer giras con otros músicos en octubre de 2022.

Volviendo a la música... El disco de 1994 "Throwing Copper" es su obra magna.

ALBUM: Throwing Copper

 
Es el tercer álbum de estudio publicado el 26 de abril de 1994 y producido por Jerry Harrison de "Talking Heads". Este disco está considerado como el mejor álbum de "Live", habiendo vendido más de 8 millones de copias y certificado 8 × platino (RIAA). El álbum presenta una colección de canciones que muestran el sonido característico de la banda, que combina rock alternativo, post-grunge y hard rock.

"Throwing Copper", hizo grande a "Live", muy grande, y como anécdota, la banda nunca se recuperó realmente del repentino éxito y el estrellato. Se las arreglaron para encontrar su auténtico sonido aquí, agregando crescendos estrepitosos para un efecto dramático e inyectando ira en su sonido y composición. Uniendo el sonido de "Pearl Jam" con la astuta entrega de "R.E.M.", "Throwing Copper" es uno de los mejores álbumes "post-grunge" de los 90 (Siglo XX); al menos los 8 millones de ventas respaldan este pensamiento.

El grupo también diluyó la narrativa de la "filosofía oriental" presente en anteriores discos; el resultado es un registro más coherente y memorable. Curiosamente, "Throwing Copper" con menos espiritualidad es, en última instancia, un álbum más apasionado, gracias a temas como "I Alone", "Selling the Drama" y "All Over You", todos los cuales fueron grandes éxitos comerciales y recibieron una difusión masiva en la radio. El tema, "Lightning Crashes", el mayor éxito del álbum, fue escrito en memoria de Barbara Lewis, una compañera de clase que fue asesinada por un conductor ebrio en 1993. Otros números destacados incluyen "Stage", el apocalíptico "White, Discussion", el incesante bajo de "Iris" y el oscuro "Dam at Otter Creek". Ya mencioné que la religión se diluyó para este LP, pero Ed Kowalczyk no pudo resistirse a poner la canción titulada "T.B.D". (Tibetan Book of the Dead), basado en el lento descenso a la muerte de Aldous Huxley, ayudado por la heroína.

Cambiando de tercio, otra de las cosas que distingue a "Throwing Copper" de otras obras de la época es su contenido lírico. Los temas del álbum giran en torno al amor y las cuestiones sociales, y las letras son poéticas y provocan la reflexión. Las letras del cantante principal Ed Kowalczyk son tanto personales como universales, y logran ser tanto introspectivas como socialmente conscientes al mismo tiempo.

Además de su fuerte composición y maestría musical, este álbum también se beneficia de su producción. El álbum fue producido por Jerry Harrison, mejor conocido por su trabajo con "Talking Heads", y logra dar a las canciones un sonido muy limpio y pulido sin sacrificar su energía bruta. En general, es un gran disco de riffs estruendosos, tambores estruendosos y letras asombrosas y enigmáticas entregadas por el estilo de canto único de Ed Kowalczyk. Este es un álbum de dinámicas y semánticas abrasadoras, de luces y sombras, y sin duda uno de los grandes álbumes de la década de 1990.

Disco recomendado. "Throwing Copper" es crudo, vanguardista y trascendente. Un álbum ahora clásico que aún resiste la prueba del tiempo. Sus canciones están bien elaboradas y son memorables, y los temas del álbum son atemporales y relevantes. Seas un fan de toda la vida o un recién llegado a la música de Live, "Throwing Copper" es un álbum que merece un lugar en tu colección de música. Es el mejor disco publicado por LIVE de su discografía. 

Video del tema "Lightning Crashes":

Tracklist (original):

1.         "The Dam at Otter Creek"     4:43
2.         "Selling the Drama"    3:26
3.         "I Alone"        3:50
4.         "Iris"    3:59
5.         "Lightning Crashes"   5:25
6.         "Top"   2:42
7.         "All Over You"          3:59
8.         "Shit Towne"  3:48
9.         "T.B.D."          4:28
10.       "Stage"            3:08
11.       "Waitress"       2:49
12.       "Pillar of Davidson"   6:46
13.       "White, Discussion"   6:08
14.       "Horse" (hidden track)           4:16

THE RAIN PARADE - Emergency Third Rail Power Trip - Album

The Rain Parade (Band)

 
Originalmente llamado "The Sidewalks", el grupo fue fundado en Minnesota por los compañeros de habitación de la universidad, Matt Piucci (guitarra, voz) y David Roback (guitarra, voz) en 1981. El hermano de David, Steven Roback (bajo, voz) se unió a la banda poco después. David y Steven habían estado en una banda llamada "The Unconscious" con la vecina Susanna Hoffs (quien se convirtió en miembro de "The Bangles"). La banda pronto agregó a Will Glenn (teclados y violín) y más tarde a Eddie Kalwa (batería).

La formación se separó en 1986 (solo grabaron dos LPs) y los miembros formaron o se unieron a otras bandas como Matt Piucci uniéndose a "Gone Fishin'" y más tarde a Crazy Horse. Steven Roback pasó a formar "Viva Saturn". David Roback formó "The Clay Allison Band" y "Opal", ambos con el ex bajista de "Dream Syndicate", Kendra Smith, y luego formó "Mazzy Star" con Hope Sandoval. El teclista Will Glenn también fue miembro del proyecto "Rainy Day", "The Three O'Clock" y "Viva Saturn". También grabó con Mazzy Star bajo el nombre de William Cooper. Mark Marcum se unió a la banda de heavy metal "Savage Grace". 

ALBUM: Emergency Third Rail Power Trip

El álbum debut fue publicado en 1983. Es uno de los discos más destacados del "movimiento Paisley Underground" de la década de 1980. El álbum ahora se considera un hito en el género del rock psicodélico. Este LP muestra la destreza musical de la banda, incorporando elementos de psicodelia, jangle pop y post-punk para crear un sonido único e influyente. Rain Parade son muy consistentes, con suaves canciones artesanales al estilo trippy con letras visuales hipnóticas.

Escuchándolos apreciarás un tradicional pop psicodélico suave, especialmente con los temas "What 's She Done to Your Mind" y "This Can't Be Today" (con Kendra Smith de Dream Syndicate). Una de las canciones más destacadas es "Talking in My Sleep", que presenta una melodía inquietante e instrumentación atmosférica. La canción se construye lentamente, con capas de guitarra, teclados y percusión que se suman al ambiente. Las voces en esta canción son particularmente impresionantes, con la voz del cantante principal flotando sobre la música. Más canciones para destacar del álbum son "Kaleidoscope", que presenta un ritmo de conducción y un riff de guitarra pegadizo, junto con canciones estilo psicodélica como "Look At Merri" y "1 Hour 1/2 Ago".

Realmente estaban muy adelantados a su tiempo, y pasarían años antes de que el "dream pop" se hiciera comercialmente popular. Este disco no suena más hecho en los años 80 que en los años 60 o 90. Es algo bastante notable, y lo más llamativo es el trabajo de guitarra, en gran parte tocado por el futuro ex Mazzy Star, David Roback.

Disco recomendado y un debut excepcional de "The Rain Parade". El sonido y la sensación general son suaves pero no demasiados. Las melodías son memorables y de ensueño y se puede encontrar un toque de distorsión aquí y allá, agregando un toque más rock de las canciones. Incluso podrás tener algunos "flashbacks" de "The Beatles" (Revolver), "The Byrds", "The Velvets Underground" y "Spacemen 3" escuchando. En fin, si eres fan del rock psicodélico o de la música alternativa de los 80, este es un LP que debes buscar y escuchar.

Video del tema "Talking in My Sleep":

Tracklist:

1."Talking in My Sleep"  – 3:49
2."This Can't Be Today"  – 4:36
3."I Look Around"  – 3:07
4."1 Hour 1⁄2 Ago"  – 4:14
5."Carolyn's Song"  – 4:05
6."What She's Done to Your Mind"  – 2:56
7."Look at Merri"  – 6:34
8."Saturday's Asylum"  – 3:45
9."Kaleidoscope"  – 5:35
10."Look Both Ways"  – 3:10 

Personal:

•  David Roback - voz, guitarra, percusión
• Matt Piucci – voz, guitarra, sitar, armónica
• Steven Roback - voz, bajo
• Will Glenn - teclados, violín
• Eddie Kalwa – batería

MARK LANEGAN - Whiskey for the Holy Ghost - Album

Para tener una imagen completa del cantante, compositor y poeta estadounidense Mark Lanegan (ex cantante principal de "Screaming Trees", entre otros) como solista, el disco "Whiskey for the Holy Ghost" y su trabajo anterior, "The Winding Sheet", encapsula a un vocalista verdaderamente dotado en su mejor momento expresando la oscuridad en su alma.

 

ALBUM "Whiskey for the Holy Ghost"

 
El segundo LP en solitario fue publicado el 18 de enero de 1994. El disco se basa en la música de "roots" que Mark Lanegan había previamente establecido con su debut "The Winding Sheet". "Whiskey for the Holy Ghost" está más realizada que la primera, las melodías son más memorables y la emoción más controlada. El álbum consta de doce temas, con una duración total de alrededor de 50 minutos. Es un escaparate de la voz única de Lanegan, que es profunda, grave y cargada de emociones. Las canciones son una mezcla de blues, folk y rock, con letras oscuras e introspectivas con el artista invitando a compartir íntimamente su batalla contra sus demonios internos. Básicamente todo está construido sobre un montón de guitarras acústicas, con violines, violonchelos, saxofones y su profunda voz irritado por fumar.

Aquí encuentras a Mark Lanegan y al productor e instrumentista Mike Johnson construyendo fondos instrumentales resonantes pero de bajo perfil para las historias de angustia, alcohol y esperanzas frustradas del cantante. "Whiskey for the Holy Ghost" también habla con una confianza tranquila pero férrea de un artista que emerge con su propia visión distinta. Las canciones son literarias, los arreglos son sutiles y de apoyo (a menudo evitando las guitarras eléctricas por teclados e instrumentos acústicos) la voz de Lanegan transforma el profundo dolor del country blues en algo nuevo, convincente y completamente propio.

El álbum abre con "The River Rise", una canción lenta y melancólica que marca la pauta para el resto del álbum. La letra es poética y evocadora. La segunda pista, "Borracho", es un número de blues que presenta la voz de Lanegan en su forma más cruda y poderosa. Es una canción sobre beber y el precio que le cuesta a una persona. Dan Peters de la banda "Mudhoney" toca la batería en esta canción (también lo hace en "House A Home").

Otros temas destacados del LP incluyen "House a Home", una balada inquietante con una melodía melancólica, y "Kingdoms of Rain", una canción lenta y lúgubre con un hermoso solo de guitarra. "El Sol", con su estribillo pegadizo y su riff de guitarra de inspiración española, es una de las canciones más animadas del álbum.

Otra de las cosas destacables de "Whiskey for the Holy Ghost" es la forma en que Mark Lanegan consigue transmitir tanta emoción con tan pocas palabras. Sus letras suelen ser escasas y abiertas a la interpretación, pero las imágenes que crea son vívidas y poderosas. El álbum también se destaca por sus músicos invitados (ver la lista debajo de la lista de canciones).

Disco recomendado, una pieza brillante de música oscura e introspectiva y de rock folk-country. Es un álbum que recompensa las escuchas repetidas, ya que cada tema revela nuevas profundidades de emoción y significado. La voz de Lanegan es el corazón y el alma del álbum, y es un testimonio de su talento como cantante y compositor que es capaz de crear un LP tan poderoso y conmovedor. "Whiskey for the Holy Ghost" deja claro que Mark Lanegan realmente había llegado como solista, y se ubica junto al álbum "Everclear" de American Music Club como uno de los mejores álbumes del "lado oscuro del alma".

Video del tema "Beggar's Blues":

Tracklist: 

1.         "The River Rise"         4:29
2.         "Borracho"      5:40
3.         "House a Home"         3:07
4.         "Kingdoms of Rain"   3:24
5.         "Carnival"       3:40
6.         "Riding the Nightingale"       6:17
7.         "El Sol"           3:42
8.         "Dead on You"           3:11
9.         "Shooting Gallery"     3:32
10.       "Sunrise"         2:55
11.       "Pendulum"    2:12
12.       "Judas Touch" 1:37
13.       "Beggar's Blues"         5:36

Personal (y artistas invitados):

•  Mark Lanegan - voz, guitarras acústicas y eléctricas
• Mike Johnson: bajo, guitarra acústica, eléctrica y slide, órgano, piano, armónica, coros
• Frank Cody - piano, órgano
• Ted Trewhella-piano
• Justin Williams - órgano
• Kurt Fedora - bajo
• Phil Sparks - contrabajo arqueado y vertical
• Dave Kreuger - violín
• Mike Stinette - saxofón
• Tad Doyle, J Mascis, Dan Peters, Mark Pickerel - batería
• Krisha Augerot, Sally Barry - coros

JERRY'S KIDS - Is This My World? - Album

JERRY'S KIDS (Banda Hardcore Punk)

Un grupo de hardcore punk de Boston, Massachusetts (EE.UU), formado en 1981. Un conjunto que ha sufrido numerosos cambios de miembros y se ha separado varias veces; ahora siguen en activo localmente en el área de Boston.

El líder original Bryan Jones y el guitarrista rítmico Dave Aronson dejaron la banda muy pronto. El bajista Rick Jones (hermano de Bryan) cambió a la voz y Chris Doherty del grupo "Gang Green" se hizo cargo de la guitarra rítmica. Fue esta formación la que grabó el clásico LP de 12 canciones "Is This My World?" con canciones como "Cracks In The Wall", "Build Me A Bomb" y "Vietnam Syndrome".

La banda vendió 3.000 copias en muy poco tiempo, pero después de que el sello discográfico desapareciera la banda también se disolvió en 1985, pero se reformó en 1987 con un sonido más "speed metal" y lanzó un LP "Kill Kill Kill".

 

ALBUM: Is This My World? 

¡Advertencia! Este disco es una excavadora de rabia y poder que puede ser demasiado para el oyente de música rock "más suave".

Es el álbum de estudio debut publicado en 1983. El LP es ampliamente considerado un clásico de la primera escena estadounidense de hardcore punk, y su sonido crudo y agresivo ha influido en innumerables bandas de punk en las décadas posteriores a su lanzamiento.

"Is This My World?" es una pieza clásica de hardcore si alguna vez hubo uno. "Jerry's Kids" produce el thrash furioso más rápido, apretado y súper enérgico pensable y con un poder atronador. Uno de los otros aspectos más notables de "Is This My World?" es la producción. El álbum fue grabado en directo en el estudio sin sobre-grabaciones, lo que le da un sonido crudo y sin pulir que captura perfectamente la energía y la intensidad de los shows de la banda. Las voces a menudo están enterradas en la mezcla, lo que se suma a la sensación arenosa y casera del álbum. La virulenta intensidad de canciones como “Cracks in the Wall”, “No Time”, “Lost” e “Is This My World?” hacen del disco un “hay que tener” incondicional si esto es tu estilo.

Líricamente, el álbum trata temas que eran comunes en la escena punk temprana, como la alienación social, la frustración con el statu quo y una sensación general de nihilismo. Sin embargo, no dejes que esto te de el bajón, muchos expertos en el género afirman que este es el mejor disco de sonido de guitarra hardcore-punk jamás lanzado. Dejo que tú decidas, pero esto no está nada mal para un primer álbum.

Disco recomendado. “Is This My World?” es ahora un clásico de la primera escena del hardcore punk estadounidense y una escucha esencial para cualquier persona interesada en el género. El sonido crudo y agresivo del álbum y las letras poderosas lo convierten en un trabajo atemporal que aún resuena entre los fans del punk en la actualidad. Si eres fan de bandas como "Minor Threat", "Black Flag" o "Bad Brains", este álbum debería estar en lo más alto de tu lista de nuevos descubrimientos.

¿Buscabas algo diferente, poderoso y aplastante? Pues aquí lo tienes.

Video del tema "No Time":

Tracklist (formato LP):

A1     I Don't Belong    
A2     Cracks In The Wall / Tear It Up   
A3     Crucify Me   
A4     Break The Mold
A5     Raise The Curtain    

B1     Vietnam Syndrome
B2     Build Me A Bomb   
B3     New World
B4     Lost
B5     No Time    
B6     Is This My World?

THE CURE - Faith - Album

The Cure (Banda)

Para mi generación el grupo británico "The Cure" es un clásico, casi todos los de mi edad (y algo menos) han comprado sus discos, los han seguido, los han visto en concierto o conocen mínimamente su música y existencia, especialmente su cantante Robert Smith. Todavía están activos desde que se formaron en 1978.

Con la generación de hoy son menos conocidos, o vistos como música rock para "viejos". Sin embargo, hay un interés renovado a medida que algunos jóvenes amantes de la música (melómanos), y al menos los de mente musicalmente más abierta, buscan descubrir nuevos sonidos o profundizar en los inicios del "rock gótico-siniestra". De cualquier manera, es saludable y "The Cure" tiene un montón de material grabado de todos los estilos y sonidos diferentes para adaptarse a la mayoría de los gustos de la música rock.

Personalmente, puedo recomendar algunos álbumes para que comiences tu exploración si no estás familiarizado: el debut "Three Imaginary Boys" (1979) es un clásico, los tres lanzamientos seguidos: "The Head on the Door" (1985), "Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me" (1987), "Disintegration" (1989, y un favorito) y "Wish" (1992). Todos estos son simplemente geniales.

Sin embargo, daré espacio a un disco menos popular pero no menos excelente lanzado en 1981 titulado "Faith". Este trabajo es uno de mis favoritos porque es el primer LP que compré de "The Cure", y porque es quizás el más introvertido, uno de los más oscuros y ciertamente "muy gótico". Sus elementos musicales y las letras pueden haber dejado una marca en la mente de un adolescente "confundido y lleno de hormonas" (el mío) que aún hoy trae recuerdos de mi adolescencia.

ALBUM: Faith

El tercer álbum de estudio de "The Cure" publicado el 17 de abril de 1981. Contra la mayoría de los críticos, para mí "Faith" es uno de los mejores y más influyentes álbumes de "The Cure". La adición de un bajo de 6 cuerdas (interpretado por Robert Smith) por primera vez significa que el álbum no suena en absoluto como sus dos LP anteriores. También es "sombrío" principalmente debido a que varios miembros de la banda perdieron familiares durante este período. Se trata, pues, de la mediación sobre la fe (la necesidad y la falta de ella), un registro a la vez catártico y con un aura triste. Sin embargo, la banda se volvió aún más oscura y enojada con su siguiente álbum, "Pornography", por lo que este LP no es tan extremo.

"Faith" no es una colección de canciones, sino una pieza completa. "The Holy Hour", "All Cats Are Grey" y "Faith" son piezas atmosféricas lentas que cuando se comparan junto a las canciones más rápidas como el single "Primary" y "Doubt", ilustran el panorama general de los altibajos contenidos en el escenario emocional de la banda en ese momento.

Este álbum también es un hito para "Robert Smith" líricamente, diversificándose en cuestiones de fe y espiritualidad que "The Cure" nunca volvió a tocar tan bien. Como comentaba, es un disco deprimente, sin duda, pero también uno de los álbumes más subestimados y hermosos de "The Cure". The Cure no volvería a explorar tan bien esa exuberante tristeza hasta su excelente disco "Disintegration" (1989). Quizás la "conexión" de este último con "Faith" haga de "Disintegration" uno de mis favoritos dentro de la discografía de "The Cure".

Volviendo al disco "Faith" en sí, aquí hay una breve reseña de las canciones:

• The Holy Hour: abre con una solemne introducción de órgano que establece el ambiente para todo el álbum. La canción se desarrolla con guitarras inquietantes, un bajo palpitante y la voz distintiva de Robert Smith. Las letras tienen un tema religioso y exploran la pérdida de la fe y la búsqueda de la redención.
  
  
• Primary: es más optimista y enérgica. La canción presenta un riff de guitarra pegadizo, una línea de bajo de conducción y un coro infeccioso. Las letras tratan el tema de la obsesión y la necesidad de control, que es un tema recurrente a lo largo del álbum. Es un tema destacado que muestra la capacidad de The Cure para crear canciones pop pegadizas con un toque más oscuro.
  
  
• Other Voices: más lenta y atmosférica con mínima instrumentación. La letra describe la sensación de estar perdido y solo en el mundo, que es un tema común en la música de "The Cure". La canción presenta teclados inquietantes y un ritmo de batería hipnótico, creando un paisaje sonoro de ensueño que atrae al oyente.
  
  
• All Cats Are Grey: una canción hermosa e inquietante que presenta algunos de los sonidos más atmosféricos y etéreos de "The Cure".
  
  
• The Funeral Party: este tema es uno de los más destacados del álbum y presenta una línea de bajo que conduce, una batería optimista y guitarras arremolinadas. La letra trata sobre la muerte y el paso del tiempo, pero la canción es más de celebración que de luto.
  
  
• Doubt: La letra trata el tema de la duda y la incertidumbre, mientras el protagonista lucha por encontrar su lugar en el mundo.
  
  
• The Drowning Man: tiene las melodías más inquietantes y hermosas de este disco. La letra trata el tema del ahogamiento y la sensación de estar abrumado por la vida. El clímax de la canción es intenso y emotivo, con la voz de Robert Smith alcanzando un punto álgido.
  
  
• Faith: hermosa canción que da título al álbum, y una de mis favoritas. Las letras tratan el tema de la pérdida y la búsqueda del sentido de la vida. La canción es llevada por un riff de guitarra repetitivo y una línea de bajo pulsante, creando una atmósfera hipnótica y meditativa.

En general, reconozco que "Faith" no sea para todos, ya que requiere cierta medida de atención y paciencia para un cierto estado mental: es un LP para ser disfrutado y considerado como una obra de arte independiente con su sutilmente abigarrado capas y timbres y su sentimiento predominantemente oscuro pero ciertamente no monótono, que debe subirse alto para dejar que sus hermosas texturas sonoras te envuelvan lentamente. Creo que, dada la oportunidad, encontrarás este disco una escucha maravillosa, fascinante y gratificante.

Disco recomendado. Este álbum marcó un punto de inflexión en el sonido de "The Cure", estableciéndolos como una de las bandas más influyentes en el "rock gótico" y el "post-punk". Escucha obligada para los fans de la música oscura y alternativa, y un gran punto de partida para aquellos que buscan explorar las obras de "The Cure". Aparte de esto, es genial escucharlo para cualquiera que esté interesado en el krautrock (Neu!), el post-glam (Eno-Bowie), el post-punk (Joy Division) o el post-rock (Slint, Tortoise).

PD. Si te gusta este disco y su estilo "rock gótico". Esto no es ni tan intenso ni tan "siniestro" como el próximo LP de "The Cure" "Pornography". Tal vez quieras experimentar emociones "más oscuras" y más "fuertes".

Video del tema "Faith":

Tracklist (formato LP):

Cara A: 

1.         "The Holy Hour"        4:25
2.         "Primary"                    3:35
3.         "Other Voices"           4:28
4.         "All Cats Are Grey"   5:28

Cara B:

1.         "The Funeral Party"    4:14
2.         "Doubt"                       3:11
3.         "The Drowning Man" 4:50
4.         "Faith"                         6:43

WIRE TRAIN - In a Chamber - Album

WIRE TRAIN (Banda)

Grupo de rock alternativo con sede en San Francisco (EE.UU), que lanzó seis álbumes en las décadas de 1980 y 1990. Pocos saben realmente sobre esta banda, excepto aquellos especializados en new wave (jangle pop), ya que no tuvieron un gran impacto en general. Sin embargo, esta no es una razón para mantenerlos en la oscuridad, ya que grabaron un material melódico realmente agradable. Tuvieron una carrera que vio a la banda pasar por cambios de formación, peleas con sus discográficas y enfoques musicales cambiantes continuos. Estas razones pueden explicar la falta de éxito.

No obstante, daré espacio a uno de sus LPs que todavía reproduzco o busco en las plataformas de música en streaming.

ALBUM: In a Chamber

El primer álbum de estudio fue publicado a principios de 1984 por "Wire Train". Fue producido por David Kahne, conocido por su trabajo con Talking Heads, The Bangles y Romeo Void, entre otros.

Al escuchar esto, puedes pensar que la banda es británica, pero no, son de San Francisco. El cuarteto toca una especie de rock de guitarra en capas y de jangle que se basa en la energía del post-punk, la psicodelia y tiene una sólida composición. La comparación más cercana bien puede ser la banda australiana "The Church", ya que la voz de Anders Rundblad es similar a la del cantante australiano Steve Kilbey.

La producción del álbum es realmente buena, con cada instrumento y parte vocal reproduciendo claramente. Las canciones son pegadizas y memorables, pero también poseen una ventaja que las distingue de otras bandas pop de la época. Las influencias de la banda, que van desde el punk rock hasta el new wave y el pop clásico, son evidentes a lo largo de este LP, pero el sonido de la banda es propio.

Es un debut repleto de canciones up-tempo con la sección rítmica del bajista Anders Rundblad y el baterista Federico Gil-Sola empujando hacia adelante y las guitarras de Kevin Hunter y Kurt Herr. El single "Chamber of Hellos" fue un éxito en su momento, un número de pop moderno realmente pegadizo. La canción de jangle pop "Never" es instantáneamente contagiosa, "I'll Do You" es otra gran canción alegre con un coro insistente y una melodía súper himno realzada por su guitarra etérea, mientras que "I Forget It All" es igual de entretenida.

Hay un par de canciones más lentas y melancólicas que amplían y mejoran el impacto de este disco. Las líneas de bajo dobladas, las guitarras tintineantes y las voces desencantadas de "Slow Down" y las guitarras en espiral de "Like" muestran otro lado de la banda, haciéndolo todo bien. En general, la banda es sólida y la guitarra altísima de Kurt Herr realmente brilla colocándolo como uno de los grandes guitarristas del movimiento del new wave estadounidense (si no es generalmente reconocido). Es un disco divertido, no pretende ser más de lo que es y tiene canciones pegadizas.

Disco recomendado. Este LP muestra la combinación única de la banda de sensibilidades post-punk, new wave y pop. No hubo muchos álbumes de pop de guitarra de principios de los 80 con ganchos, sonido o atractivo indie alternativo como este trabajo. El sonido puede ser algo anticuado, pero los fans de bandas como las mencionadas The Church, Go-Between, R.E.M ... y del jangle - power pop en general encontrarán esto entretenido. Si no estás familiarizado con la banda o este disco, buscarlo y escúchalo.

Video del tema "Everything's Turning Up Down Again":

Tracklist:

1."I'll Do You"
2."Everything's Turning Up Down Again"
3."Never"
4."Like"
5."I Forget It All (When I See You)"
6."Chamber of Hellos"
7."Slow Down"
8."She's on Fire"
9."I Gotta Go"
10."Love Against Me"

Personal:

•  Anders Rundblad - bajo, voz,
• Federico Gil-Sola - batería,
• Kevin Hunter - voz, guitarra,
• Kurt Herr - voz, guitarra,

PUBLIC IMAGE LTD. - Metal Box

ALBUM: Metal Box

Segundo álbum de estudio de Public Image Ltd (PiL), publicado el 23 de noviembre de 1979. El álbum se empaquetó originalmente en un bote de película metálica, de ahí el nombre "Metal Box". Posteriormente se reeditó en un empaque de vinilo estándar como "Second Edition" en febrero de 1980. 

El álbum es una desviación del debut de PiL en 1978, "First Issue", con la banda moviéndose hacia un sonido más vanguardista, ritmos inspirados en el dub liderados por el bajista Jah Wobble y un sonido de guitarra abrasivo y "metálico" desarrollado por el guitarrista Keith Levene. "Metal Box" es ampliamente considerado como un hito del género post-punk.

El disco fue grabado en el apogeo del movimiento post-punk y presenta una combinación única de dub reggae, ruido industrial y experimentación. El álbum muestra el talento de la formación principal de la banda, que estaba formada por el vocalista principal John Lydon (anteriormente conocido como Johnny Rotten de "Sex Pistols"), el guitarrista Keith Levene, el bajista Jah Wobble y el baterista Martin Atkins. Personalmente, este es mi disco favorito de Jah Wobble, incluso siendo solo un miembro y no su grupo.

Si conoces la discografía de PiL "Metal Box" es sin duda su ápice. Es un sello distintivo del post-punk intransigente y desafiante, que apenas suena como algo del pasado, presente o futuro. Lo que consiguieron con este disco es una hora completamente única del "noise" vanguardista.

La canción de apertura, "Albatross", establece el tono con su ominosa línea de bajo, un riff de guitarra distorsionado y la inquietante voz de Lydon. La historia cuenta que el guitarrista Keith Levene, el bajista Jah Wobble y el baterista David Humphrey inventaron la canción sobre la marcha y la grabaron en una sola toma. El álbum continúa con "Memories", que presenta un intenso ritmo de batería y la voz gutural de Lydon. La tercera pista, "Swan Lake", es una reelaboración del tema del ballet clásico, con un paisaje sonoro atmosférico y espeluznante que incorpora elementos de dub reggae. El corte "No Birds Do Sing" (también enumerado simplemente como "No Birds") presenta una línea de "La Belle Dame sans Merci", un poema de John Keats que Lydon "tomó prestado".

La segunda mitad del álbum es un viaje punk rock más sencillo, con una sección rítmica de conducción y el riff de guitarra angular de Levene. "Careering" (la favorita de Jah Wobble) y "Graveyard" son melancólicas y atmosféricas que presentan líneas de bajo y efectos de sonido repetitivos. Todo termina con las melodías fantasmales de "Socialist/Chant/Radio 4" (en el formato original) de poco más de 12 minutos que es alucinante. El baterista que colaboraba Richard Dudanski citó a "Chant" como uno de sus favoritos.

En pocas palabras, "Metal Box" es un logro para su época, tanto sonora como artísticamente. La fusión única del álbum de dub reggae, ruido industrial y experimentación vanguardista sentó las bases para una generación de bandas post-punk e industriales. La voz de Lydon se destaca, con su entrega distintiva y gutural que proporciona un contrapunto perfecto para el sonido anguloso y austero de la banda. Los valores de producción del álbum también son excepcionales, con un sonido crudo y pulido. Se puede decir con seguridad que cambió el juego y reescribió las reglas, o mejor dicho, las arrojó por la ventana. Apareció en el momento y lugar adecuado para tener un impacto que todavía resuena hasta el día de hoy en lo profundo del subsuelo como el estruendo del bajo de Wobble o la guitarra destrozada de Keith o los susurros hablados de la voz de Lydon.

Disco recomendado. La energía del punk con un ritmo embriagador y, de hecho, podría ser lo mejor a lo que John Lydon haya prestado su voz, mientras que PiL nunca volvió a acercarse a este nivel. "Metal Box" ahora se considera un álbum seminal que sigue siendo un lanzamiento histórico en el género post-punk, lo que lo convierte en una escucha obligada para cualquier persona interesada en la historia del post-punk y la música experimental. Además, si estás aprendiendo o eres bajista, debes escuchar este disco solo para seguir (aprender) a Jah Wobble, uno de los grandes bajistas.

Video del "Swan Lake":

Tracklist (formato LP de 1979):

Side A

1.         "Albatross"     10:34 

Side B

1.         "Memories"     5:05
2.         "Swan Lake"   4:11

Side C

1.         "Poptones"      7:46
2.         "Careering"     4:32

Side D

1.         "No Birds"      4:41
2.         "Graveyard"    3:07

Side E

1.         "The Suit"       3:29
2.         "Bad Baby"    4:30 

Side F

1.         "Socialist/Chant/Radio 4"      12:34

 

Public Image Limited (Personal):

• John Lydon - voz, piano ("No Birds" y "Bad Baby")
• Keith Levene - guitarra, sintetizadores, batería ("Poptones" y "Radio 4"), bajo ("Radio 4")
• Jah Wobble - bajo (excepto "Radio 4"), batería ("Careering" y "The Suit"), piano ("The Suit")
• David Humphrey - batería ("Albatross" y "Swan Lake")
• Richard Dudanski - batería ("Memories", "No Birds", "Graveyard", "Socialist" y "Chant")
• Martin Atkins - batería ("Bad Baby")

THE MURDER CAPITAL - When I Have Fears

ALBUM: When I Have Fears

 
El álbum debut de la banda post-punk irlandesa, "The Murder Capital", publicado el 16 de agosto de 2019 y producido por la famoso Flood (New Order, U2, Nine Inch Nails, Depeche Mode, Gary Numan, Nick Cave and the Bad Seeds, PJ Harvey, Orbital, Sigur Rós, The Jesus and Mary Chain, The Smashing Pumpkins, The Killers, Interpol... son algunos de sus colaboraciones).

Obra intensa, pero no abrumadoramente visceral. El tema de este trabajo es ciertamente oscuro (cantar sobre perder a un amigo cercano por suicidio). Por lo tanto, y obviamente, es un álbum profundamente personal, con letras que exploran temas asociados de mortalidad, pérdida y la búsqueda de significado en un mundo que a menudo puede parecer cruel e indiferente. El título del álbum está tomado del poema del mismo nombre de "John Keats", y la banda se basa en este sentido de introspección poética a lo largo del disco.

Escucharás toques de otras bandas como Joy Division, The Chameleons, Nick Cave, Ian McCulloch y los primeros años de The Cure sin distraerte del sonido general. La banda se las arregla para darle su propio giro único a las influencias mencionadas, creando un sonido que es a la vez familiar y claramente propio. Etiquetado por la crítica como "post-punk" con las primeras escuchas entenderás la conexión. De todos modos, la interpretación desafinada proporciona una dimensión favorable junto con la inmediatez de la música.

El álbum comienza con la canción "For Everything", un instrumental melancólico y atmosférico que establece el tono para el resto del disco. La segunda pista, "More Is Less", abre con un riff de guitarra tintineante antes de que la intensa voz del cantante James McGovern tome el centro del escenario. "Green & Blue" es una de las canciones más destacadas del álbum, con un sonido de combustión lenta que gradualmente llega a un clímax, mostrando el rango dinámico de la banda. La voz de McGovern es particularmente poderosa y transmite una sensación de vulnerabilidad y dolor emocional profundo. Del mismo modo, "On Twisted Ground" es inquietante, con la voz de McGovern casi susurrando sobre la música lenta y monótona. El crescendo de la canción es una explosión visceral de ruido que captura perfectamente la sensación de fatalidad inminente que impregna el tema. Otros números destacados son "Don't Cling to Life" y el apasionante "Love, Love, Love". En general, oscuro pero quejumbroso de principio a fin.

El único "momento de alarma" del disco es su puro dinamismo que amenaza con descarrilar todo el disco, pero su dedicación a los temas lo hace coherente, con los momentos más suaves resaltando los más fuertes y viceversa. Como se mencionó, es sorprendentemente cautivador y valientemente desgarrador en su entrega y muy intenso.

Disco recomendado. Un excelente debut que está cargado de emociones y una exploración musicalmente dinámica de la condición humana, con una profundidad y complejidad que recompensa las escuchas repetidas.

The Murder Capital han lanzado su segundo álbum titulado "Gigi 's Recovery" (enero de 2023) y aunque diferente y bueno, no ha superado la crudeza y versatilidad de este disco debut. No hay problema, los segundos álbumes siempre son difíciles, esta banda irlandesa tiene mucho talento para seguir adelante por un tiempo y seguramente seguirá lanzando grandes trabajos en el futuro. 

Escucha "When I Have Fears" primero y luego el segundo "Gigi's Recovery" para decidir si estoy en lo cierto. De cualquier manera, es una buena excusa para obtener la experiencia musical completa de "The Murder Capital".

Video de tema "More Is Less":

Tracklist: 

1.         "For Everything"        5:14
2.         "More Is Less"            2:55
3.         "Green & Blue"          6:16
4.         "Slowdance I"             4:01
5.         "Slowdance II"           3:15
6.         "On Twisted Ground"            6:10
7.         "Feeling Fades"          4:10
8.         "Don't Cling To Life" 2:27
9.         "How the Streets Adore Me Now"   4:39
10.       "Love, Love, Love"    4:55