THE LOTUS EATERS - No Sense of Sin - Album (Revisited)

Si eres como yo, hay álbumes que no se quedan en la estantería, sino que viven en tus recuerdos, marcando etapas de tu vida con su sonido. Hoy quiero compartir contigo uno de esos discos excepcionales. Es un debut que pasó desapercibido para muchos, pero que se ha convertido silenciosamente en uno de mis favoritos: "No Sense of Sin" de la banda británica The Lotus Eaters. Dejarme escribir por qué esta joya olvidada de 1984 sigue sonando tan atemporal, y por qué quizá tú también lo encuentres encantador.

ALBUM: No Sense of Sin 

Los primeros años de los 80 (siglo XX) fueron una época curiosa para los amantes de la música. En una década que oscilaba entre la euforia neón y una melancolía profunda y melancólica, el dúo inglés The Lotus Eaters creó discretamente "No Sense of Sin", un álbum que se asemeja tanto a un diario secreto como a una colección de brillantes canciones pop. Publicado en 1984 por Arista Records, contiene uno de los himnos más bellos de la época, el sencillo "The First Picture of You", pero el álbum ofrece mucho más que un simple éxito.

En un panorama musical donde la imagen reinaba y los sintetizadores comenzaban su dominio, "No Sense of Sin" se distinguía. Susurraba en lugar de gritar. Abrazaba la vulnerabilidad sin cinismo. Al escucharlo hoy, sigue siendo una pequeña obra maestra subestimada, una frágil joya de una década compleja.

¿Quiénes eran The Lotus Eaters?

The Lotus Eaters, con la voz penetrante de Peter Coyle y la delicada guitarra de Jeremy Kelly como base, surgieron de la fértil escena post-punk de Liverpool (UK). Mientras contemporáneos como The Smiths comenzaban a encabezar el cartel, The Lotus Eaters siguieron un camino más sutil. Sus canciones no rugían de ira ni se pavoneaban con bravuconería. En cambio, irradiaban una belleza introspectiva, combinando guitarras pop tintineantes y melodías cinematográficas en una atmósfera de melancólica añoranza.

Coyle, con su voz etérea pero a la vez firme, parecía capturar el vaivén emocional de la adolescencia: la esperanza, la angustia, el anhelo de ser diferente, pero también el terror de la soledad. En otra vida, podría haberle arrebatado la "Corona del Saco Triste" de la cabeza a mismísimo Morrissey.

Un tapiz emocional:

Desde las primeras notas de "German Girl", queda claro que "No Sense of Sin" es más que una simple colección de canciones pop. Es un fresco cuidadosamente elaborado de sueños de juventud y desilusión agridulce.

"Love Still Flows" brilla con un piano suave y una guitarra vibrante, creando una atmósfera que evoca el primer cálido día de primavera tras un largo invierno. En "Can You Keep a Secret", dos jóvenes amantes parecen vivir en un mundo creado por ellos mismos, aislados pero invencibles. Estos primeros temas marcan la pauta: canciones que hablan menos de fuegos artificiales y más de momentos tranquilos, casi sagrados, de claridad emocional.

"Out on Your Own" y "Put Your Touch on Love" ofrecen cambios sutiles, manteniendo la delicadeza característica del álbum, pero explorando matices más profundos de melancolía. Sin embargo, la producción, con tres productores diferentes, a veces diluye las intenciones más puras de la banda. Temas como "Alone of All Her Sex", por ejemplo, sufren un poco por la contundencia de la batería, especialmente en comparación con la magia cruda de sus "John Peel Sessions" cortes.

Aun así, cuando el álbum se eleva, se eleva. "Set Me Apart", con su violín arrollador y su sincera súplica, demuestra la capacidad de la banda para combinar la vulnerabilidad con paisajes sonoros grandiosos y emotivos. Y, por supuesto, "The First Picture of You" se yergue imponente, un momento pop inmortal. Mientras Coyle canta sobre flores que gritan... alegría, las guitarras te elevan y te llevan a un recuerdo iluminado por el sol que parece casi demasiado perfecto para pertenecer a la vida real.

Por qué no conquistaron el mundo:

En una época dominada por imágenes glamurosas y una auto-mitificación aguda, The Lotus Eaters parecían demasiado sinceros para su propio bien. Mientras Boy George, Annie Lennox y Martin Fry deslumbraban con su extravagancia visual, Coyle y Kelly, sentados con las piernas cruzadas, intentaban con ahínco explorar el lado más tierno de la naturaleza humana a través de la música.

Irónicamente, su autenticidad pudo haber sido su perdición. Carecían del refinamiento y el dramatismo que el público del New Wave esperaba. Y aunque "No Sense of Sin" rebosa de melodías exuberantes y letras emotivas, llegó a un mercado que priorizaba el espectáculo sobre la sutileza.

Además, "The First Picture of You" fue difícil de igualar. Sencillos posteriores como los maravillosos "You Don't Need Someone New" y "Set Me Apart" insinuaron nuevos rumbos, pero no lograron entrar significativamente en las listas. Cuando el álbum finalmente llegó a las tiendas, The Lotus Eaters ya estaban siendo archivados silenciosamente como maravillas de un solo éxito.

Video del tema "Set Me Apart":

El contexto más amplio de los 80:

Es importante recordar el clima cultural general. Para 1984, el post-punk se había fracturado en múltiples direcciones: algunas se inclinaban hacia la oscuridad (The Cure, Joy Division), otras hacia un escapismo brillante, impulsado por sintetizadores (Depeche Mode). The Lotus Eaters se situaban en un punto intermedio, ofreciendo canciones que se sentían atemporales en su tristeza, pero esperanzadoras en sus melodías.

Hay una profundidad filosófica en "No Sense of Sin" que es fácil pasar por alto. El deseo de Peter Coyle de explorar "el orden a partir del caos" a través de la delicada música pop resuena aún hoy, especialmente en un mundo que aún negocia el equilibrio entre la sensibilidad y la fuerza. Su voz, a menudo buscando algo inalcanzable, encarna un anhelo muy humano: de conexión, de comprensión, de un mundo más amable.

Una influencia duradera:

Al escucharlo ahora, "No Sense of Sin" sigue sonando fresco. De hecho, podría decirse que suena más relevante hoy que cuando se publicó. La introspección, la maestría, el romanticismo sin ironía: estas son cualidades que resuenan en una generación cada vez más atraída por la autenticidad sobre el espectáculo.

Si eres fan del indie pop tierno, de la música que huye de lo obvio y abraza la belleza serena, "No Sense of Sin" merece tu exploración. Ya sea que te atraiga la suave melodía de "Love Still Flows" o te sientas atormentado por el dolor agridulce de "Start of the Search", el álbum ofrece un mundo en el que puedes perderte.

Disco recomendado

Hay álbumes que admiras y álbumes con los que convives. "No Sense of Sin" es de estos últimos. Es un compañero tranquilo para las tardes solitarias, un bálsamo reconfortante para las noches de insomnio. Te invita a mirar hacia dentro en lugar de hacia fuera, a celebrar la fragilidad en lugar de esconderte de ella.

Décadas después de su lanzamiento, "No Sense of Sin" sigue siendo para mi un clásico de culto con razón. Es el tipo de disco que no te llama la atención a gritos, simplemente espera a que lo descubras.

Si buscas música que se sienta como un secreto susurrado, dale a "No Sense of Sin" un lugar en tu colección musical. Créeme, es un disco al que querrás volver una y otra vez.

Video del tema "First Picture of You":

Tracklist (Formato vinilo LP original):

Cara A:

1. "German Girl"         3:10
2. "Love Still Flows"                 3:57
3. "Can You Keep a Secret" 3:10
4. "Out on Your Own"         3:55
5. "Put Your Touch on Love"      3:55
6. "Too Young"                 2:49

Cara B:

1. "Set Me Apart"                 3:56
2. "You Fill Me with Your Need" 3:39
3. "The First Picture of You" 3:36
4. "Alone of All Her Sex" 2:48
5. "When You Look at Boys" 3:59
6. "Start of the Search" 3:24

The Lotus Eaters

• Peter Coyle – intérprete, producción
• Jeremy Kelly – intérprete, producción
  
  
• Gerrard Quinn – intérprete, producción

Personal técnico:

• Bob Sargeant – producción (pistas A3, A6, B1, B2, B4 y B6)
• Dale Griffin – producción (pista B5)
• Nigel Gray – producción (pista B3)

SHARP PINS - Radio DDR - Album

A mi siempre me ha gustado el jangle-pop y, de vez en cuando, surge una nueva banda que se siente como un descubrimiento dentro de este estilo. Sharp Pins, el proyecto solista de Kai Slater, captura ese momento. Con raíces en la vibrante escena indie de la ciudad de Chicago (EE.UU), su música combina melodías nostálgicas con una urgencia juvenil imposible de ignorar. Al adentrarnos en su álbum "Radio DDR", queda claro que Sharp Pins no solo forman parte de la conversación, sino que están a punto de liderarlo. 

ALBUM: Radio DDR 

Cuando se trata de capturar la electrizante sensación de ser joven, enamorado y gloriosamente incierto, pocos discos de este año se acercan a "Radio DDR", el último lanzamiento de Sharp Pins. Reeditado oficialmente el 21 de marzo de 2025, este disco merece más que una simple mención pasajera. Es una inmersión vigorizante e irresistible en guitarras vibrantes, nostalgia embriagadora y reflexiones agridulces sobre el tiempo que se nos escapa.

Sharp Pins es la aventura en solitario de Kai Slater, también conocido como el líder de la emergente banda de noise-punk de Chicago, Lifeguard, y la mente detrás del célebre fanzine Hallogallo. Mientras que su trabajo con Lifeguard presenta un sonido crudo y confrontativo, Sharp Pins se inclina hacia un power pop lo-fi brillante y cálido. Piensa en la magia melódica de Guided by Voices, los rasgueos melancólicos de The Kinks o la vibrante melancolía de los mejores momentos de Elephant 6. Sin embargo, Sharp Pins no se limita a combinar influencias. En "Radio DDR", Slater crea un mundo íntimamente suyo.

Más allá de la nostalgia:

Desde el inicio de "Every Time I Hear", "Radio DDR" marca su tono: brillante pero conmovida, rebosante de la urgencia que solo alguien consciente de su fugaz juventud puede transmitir. Slater, con tan solo 20 años, se adentra por completo en un tema universal y profundamente personal: la euforia y el dolor simultáneos de crecer.

Canciones como "You Have A Way" y "Is It Better" no se conforman con regodearse en las vibras retro. Persiguen el tiempo mismo, con letras llenas de anhelo por aferrarse a los segundos fugaces y estribillos diseñados para cantar a coro improvisados. La sinceridad de Slater brilla sin caer en el sentimentalismo; en cambio, equilibra la invencibilidad de la juventud con un temor latente de que este momento, este sentimiento, pueda ser el mejor de la vida.

Un sonido casero:

Uno de los logros más notables de Radio DDR es su sonido tan auténtico. A pesar de sus humildes orígenes de grabación casera, el álbum se siente expansivo y plenamente desarrollado. Las guitarras resuenan como cielos abiertos; las líneas de bajo rebotan con una claridad renovada, e incluso la batería, antes elástica y distante en el debut de Sharp Pins, Turtle Rock, ahora impacta con una inmediatez satisfactoria.

Video del tema "Sycophant":

Las once canciones originales del álbum (ampliadas a catorce en la reedición) fluyen como un mixtape cuidadosamente seleccionado. "Lorelei" brilla como la luz del sol abriéndose paso entre las nubes de tormenta, mientras que "Circle All The Dots" y "If I Was Ever Lonely" flirtean con el soul de los 60 y las influencias del country polvoriento de los 70 sin perder su esencia. "Sycophant" y "Chasing Stars" bajan el ritmo a ritmo de balada, revelando el talento de Slater para crear melodías conmovedoras que te dejan paralizado.

Sin embargo, incluso cuando el ritmo baja, la carga emocional nunca lo hace. Estas canciones tienen un pulso: un corazón acelerado, un deseo desesperado de capturar un instante fugaz antes de que se disuelva en la memoria.

Disco recomendado

En un panorama musical obsesionado con la novedad y la refinada calidad, "Radio DDR" es un cálido refugio. Nos recuerda que no se necesitan estudios millonarios para crear algo bueno, solo una guitarra, un corazón abierto y la voluntad de capturar las emociones fugaces que definen quiénes somos.

"Radio DDR" de Sharp Pins no es solo un álbum para escuchar; es uno que habitas. Un disco para escuchar en viajes por carretera, paseos nocturnos o momentos en los que necesitas recordar cómo se sentía ser inquebrantablemente joven, aunque solo sea por un ratito. En mi caso, la juventud es ya pasado y me gusta revivir.

Si buscas un nuevo álbum de 2025 que te recuerde a un viejo amigo, "Radio DDR" te espera. ¡Disfrútalo!

Video del tema "Circle all the Dots":

Tracklist (reissue LP):

A1 Every Time I Hear
A2 Lorelei
A3 You Don't Live Here Anymore
A4 If I Was Ever Lonely
A5 Circle All The Dots
A6 Sycophant
A7 You Have A Way

B1 When You Know
B2 Chasing Stars
B3 Is It Better
B4 Race For The Audience
B5 I Can't Stop
B6 Storma Lee
B7 With A Girl Like Mine

THE CHURCH - Starfish - Album (Revisited)

Antes de empezar, déjame decirlo sin rodeos: "Starfish" no es solo uno de mis discos favoritos de los 80 (siglo XX), sino uno de esos raros álbumes que todavía me sorprende, incluso después de décadas escuchándolo. Como fan de la banda australiana The Church desde hace mucho tiempo, siempre he admirado su capacidad para moverse entre mundos: psicodelia, post-punk, dream pop, sin perder jamás su propia identidad, extraña y hermosa. Pero "Starfish" es algo completamente distinto. Es donde todo se alinea: el sonido, las canciones, el misterio. Tanto si nunca has oído hablar de The Church como si solo conoces su gran single "Under the Milky Way", este álbum merece toda tu atención. Por eso quiero recomendarlo (revisited) a los lectores de este blog de música.

ALBUM: Starfish 

Cuando The Church publicó "Starfish" en febrero de 1988, pocos podrían haber predicho que un enigmático grupo de rock de Sydney, Australia, produciría un álbum que, sutil pero poderosamente, resonaría en todos los continentes. En una década saturada de brillo, reverberación y peinados extravagantes, "Starfish" fue una excepción, un álbum que se sintió menos como un grito y más como un susurro llevado por el viento. Un susurro que, contra todo pronóstico, se convertiría en el disco más exitoso de The Church, obteniendo disco de oro en Estados Unidos con más de 600.000 copias vendidas.

Aunque la atención se centró inevitablemente en el conmovedor éxito "Under the Milky Way", lo que subyace es una colección de canciones con cuerpo y matices que reflejan una banda en transición, tanto musical como personal.

The Church encuentra su brújula en Los Ángeles:

Hasta ese momento, The Church se había labrado una respetable reputación en Australia y Europa, pero "Starfish" marcó un giro radical: su primera grabación fuera de Australia, bajo la dirección de los reconocidos productores angelinos Greg Ladanyi y Waddy Wachtel. Conocidos por su trabajo con artistas como Don Henley y Stevie Nicks, este equipo aportó una producción pulida y espaciosa que frenó las tendencias psicodélicas de The Church y le dio a la música un toque más nítido, ideal para la radio.

No siempre fue una colaboración cómoda. Como recordaría más tarde el guitarrista Marty Willson-Piper, el estilo suelto y atmosférico de la banda a menudo chocaba con la obsesión de los productores por el tempo y el control. El baterista Richard Ploog, en particular, tuvo dificultades para adaptarse, tanto que el legendario músico de sesión Russ Kunkel fue contratado discretamente para tocar la batería en "Under the Milky Way".

Sin embargo, a pesar de toda la tensión, esa fricción pudo haber sido justo lo que "Starfish" necesitaba.

Sonido espacioso y conectado:

Las diez canciones de "Starfish" logran un equilibrio inusual: sobrias pero ricas, contenidas pero con gran potencia emocional. Desde la inquietante y etérea "Destination", la primera canción, hasta el agridulce "Hotel Womb", el disco evoca un paisaje tan vasto como el desierto australiano y tan enigmático como el cosmos.

Las letras son a menudo crípticas, poéticas sin ser pretenciosas. El barítono de Steve Kilbey rara vez se impone, perdura, sugiere. Tomemos como ejemplo la frase de Destination: "No es una religión, es solo una técnica". Podría tratarse de meditación, música o algo completamente interno. Esa ambigüedad forma parte de su atractivo.

La característica interacción de guitarras gemelas de la banda, entre Willson-Piper y Peter Koppes, es más rica que nunca. Canciones como "North, South, East and West" presentan riffs entrelazados que alternan entre arpegios vibrantes y acordes potentes y densos. Mientras tanto, "Antenna" y "Lost" se despliegan lentamente, como un time-lapse de nubes formándose sobre un desierto.

Incluso la producción, a veces criticada por esterilizar los instintos más salvajes de la banda, le otorga al álbum una claridad que ha envejecido notablemente bien. Donde muchos álbumes de los 80 ahora suenan atrapados en el ámbar, "Starfish" todavía se siente, si no exactamente moderno, sí atemporal.

El single:

Resulta irónico que "Under the Milky Way", la canción que definiría el legado de The Church, se considerara inicialmente un descarte. Coescrita por Kilbey y su entonces pareja, Karin Jansson, comenzó como una maqueta antes de ser transformada, casi quirúrgicamente, por técnicos de estudio con un Synclavier y músicos de sesión.

El resultado final es extraordinario. La introducción acústica de 12 cuerdas, acompañada de la guitarra eléctrica suavemente distorsionada de Peter Koppes, se convierte en una meditación dolorosa sobre el anhelo y la escala cósmica. Y luego, ese solo con sonido de gaita creado con samples invertidos.

La banda, inicialmente ambivalente, quedó atónita con la respuesta del público. La canción alcanzó el puesto número 24 en el Billboard Hot 100 de EE. UU., se convirtió en un clásico de MTV y más tarde aparecería en todo tipo de temas, desde Donnie Darko hasta anuncios de Subaru. El propio Kilbey dijo una vez que había crecido "más que la banda".

Video del tema "Under The Milky Way":

No es solo un álbum de una sola canción:

Pero "Starfish" no se basa en un solo momento de magia. Ni mucho menos. De hecho, algunos de los momentos más impactantes del álbum se encuentran en otras partes.

"Reptile", el otro sencillo del álbum, es un estallido de paranoia áspero y tenso, con su riff inicial memorable al instante, su letra cáustica y extraña: "Te deslizas con un aguijón en la cola". Sigue siendo uno de los clásicos en vivo de la banda hasta el día de hoy.

Luego está "Hotel Womb", el cierre, una canción que el guitarrista Marty Willson-Piper ha calificado como su favorita del álbum. Comienza con acordes oníricos antes de convertirse en un ritmo hipnótico que gradualmente se desarrolla hasta un crescendo de guitarra apasionado. Es una de las canciones más emotivas que la banda jamás grabó, y una despedida perfecta.

Incluso temas profundos como "Spark", escrita e interpretada por Willson-Piper, ofrecen un contraste bienvenido: una explosión de energía new wave más corta y contundente que, de alguna manera, no desentona con los temas más lánguidos.

Las consecuencias y el resplandor:

El éxito comercial de "Starfish" catapultó a The Church a la fama mundial durante un breve periodo. Su siguiente disco, Gold Afternoon Fix, fracasó debido a la presión del sello y a conflictos internos. Ploog dejaría la banda poco después. Salvo por un breve periodo, The Church fueron los favoritos internacionales, acaparando portadas de revistas, agotando entradas y conquistando a oyentes que nunca habían oído hablar de sus anteriores LPs, "Of Skins and Heart" o "The Blurred Crusade".

A pesar de su refinamiento, "Starfish" es un álbum nacido de la contradicción. Se creó en tensión, entre el deseo de libertad de la banda y la insistencia de los productores en el orden. Fue concebido en la expansión sintética de Los Ángeles por un grupo de artistas más a gusto con la belleza caótica de la experiencia interior. Y fue elevado por una canción que la banda casi descartó.

Disco recomendado

Hay una razón por la que "Starfish" sigue siendo descubierto por nuevos oyentes décadas después de su lanzamiento. No es solo nostalgia. Este disco aún habla, de forma silenciosa y conmovedora, de algo elemental: el dolor de la distancia, la atracción de la belleza, la búsqueda de algo inalcanzable.

Si te encantan las guitarras soñadoras, las letras filosóficas o simplemente quieres escuchar algo de los 80 que no suene a los 80, entonces "Starfish" debería estar en tu colección. Es un disco de atmósfera, no de actitud. Y a veces, eso es justo lo que necesitamos. Magnífico, me encanta.

Video del tema "Hotel Womb":

Tracklist (versión original):

1. "Destination" 5:51
2. "Under the Milky Way" 4:57
3. "Blood Money" 4:23
4. "Lost" 4:47
5. "North, South, East and West" 4:59
6. "Spark" 3:45
7. "Antenna" 3:51
8. "Reptile" 4:56
9. "A New Season" 2:58
10. "Hotel Womb" 5:40

The Church (Banda):

• Steve Kilbey – Bajo, Voz principal
• Marty Willson-Piper – Guitarras, Voz principal en "Spark"
• Peter Koppes – Guitarras, Voz principal en "A New Season"
• Richard Ploog – Batería, Percusión

Personal adicional:

• Greg Kuehn – Teclados
• Russ Kunkel – Batería y percusión (2)
• David Lindley – Mandolina (7)
• Awesome Welles – Synclavier
• Waddy Wachtel – Coros

Producción:

Producido por Greg Ladanyi, Waddy Wachtel y The Church

THE JESUS AND MARY CHAIN - Darklands - Album (Revisited)

Antes de sumergirme en el álbum "Darklands", vale la pena detenerse a considerar el cambio radical que supuso este trabajo, no sólo para "The Jesus and Mary Chain", sino para la idea misma de lo que podría ser el noise-pop. Si Psychocandy era el sonido de una revuelta en tus oídos, "Darklands" es lo que sucede después de que termina la revuelta, cuando te quedas solo con tus pensamientos, tus arrepentimientos y una caja de ritmos. Lo que sigue es más que una retrospectiva, es una carta de amor musical a un álbum que nunca necesitó gritar para dejar huella.

ALBUM: Darklands

En una era en la que los legados musicales se redefinen constantemente a través del redescubrimiento, pocos álbumes resuenan con la elegancia oscura y perdurable de "Darklands". Publicado a finales del verano de 1987, este segundo álbum de larga duración del dúo escocés The Jesus and Mary Chain sigue siendo una escucha fascinante para quienes prefieren el pop melancólico, el rock introspectivo y los corazones rotos adornados con retroalimentación y ritmos sintéticos.

No fue simplemente otro lanzamiento para los hermanos Reid. Fue una declaración. Una transición. Un retiro del caos distorsionado de su anterior LP "Psychocandy", hacia algo menos abrasivo, pero no menos intenso. "Darklands" no es un trabajo que grite para ser escuchado, sino que acecha, medita y susurra hasta instalarse en tu memoria.

De la retroalimentación a las cajas de ritmos:

La marcha de Bobby Gillespie, quien se fue para liderar Primal Scream, no fue solo un cambio de formación, sino un giro creativo. Con él se fueron las baterías en vivo, sustituidas por cajas de ritmos implacables. Este cambio le dio a "Darklands" su pulso mecánico y austero, un acompañante adecuado para unas letras que a menudo parecen notas de suicidio garabateadas con delineador de ojos.

Mientras Psychocandy era una descarga de distorsión y energía primitiva, "Darklands" ofrece algo más pausado, más deliberado. Donde antes había un muro de sonido, ahora hay espacio. Espacio para la tristeza, para la sencillez y para las melodías.

Las canciones se expanden en este disco. Hay margen para que la melancolía eche raíces. "Happy When It Rains" podría haber sido solo otro título irónico, pero en cambio, se convierte en un himno sutil para quienes han intentado sonreír bajo la tormenta. "April Skies" trajo un destello de luminosidad, una sensibilidad pop escondida bajo capas de penumbra. Incluso logró entrar en el Top 10 del Reino Unido, un raro momento de reconocimiento mainstream para una banda que rara vez lo buscó.

Paisaje lírico:

Los temas que recorren "Darklands" son crudos, incluso brutales en ocasiones. La lluvia aparece como una metáfora casi constante, arrastrando la esperanza y el color por igual. No son las calles empapadas de romanticismo, sino los cielos grises del desprecio hacia uno mismo y del desapego. El amor, cuando aparece, no es amable. A menudo, es cómplice de la crueldad misma de la vida.

Toma la canción "Nine Million Rainy Days", donde William Reid cambia su faceta de héroe de la guitarra por una interpretación vocal cansada que suena más resignada que rebelde. Las letras sugieren un universo que conspira contra el narrador, con la persona a la que ama aparentemente aliada con ese universo. Y, sin embargo, hay belleza en esa desolación. Un extraño consuelo al escuchar a alguien expresar con tanta precisión el peso del vacío.

"Deep One Perfect Morning" empieza como una marcha fúnebre para el optimismo, declarando “mejor pintar mi odio en las paredes”. Es grafiti emocional, crudo, sin filtro y personal.

Sonidos y sombras:

Musicalmente, "Darklands" canaliza los fantasmas del glam, el punk y el proto-shoegaze a través de una lente más melódica y sosegada. Piensa en David Bowie en una bajada o en The Velvet Underground mirándose en un espejo que ya no reconocen.

El tema que da título al disco, con William Reid al micrófono, es uno de los momentos más sobrecogedores del álbum. Su estructura esquelética, básica, repetitiva, hipnótica, parece una reducción intencionada. Cuanto menos daban los Reid, más escuchábamos. El sonido no es escaso, sino deliberado. Cada acorde empapado de reverberación, cada golpe de caja que resuena, está colocado con esmero. Aquí no hay relleno, solo emoción.

En "On the Wall", encontramos una de las piezas más largas del disco. Estira el tiempo como un cigarrillo, quemándose lento y constante. Más un lamento que una melodía, es la prueba de que la desolación puede alargarse hasta convertirse en algo poético, incluso cinematográfico.

El legado de Darklands:

Aunque Psychocandy suele considerarse la declaración definitoria de la banda, "Darklands" quizá habla más alto desde su silencio. Marcó el momento en que The Jesus and Mary Chain dejaron de reaccionar a las expectativas del punk y comenzaron a refinar su propia visión de la desesperanza y la belleza.

El álbum alcanzó el puesto #5 en las listas del Reino Unido, aún su mayor éxito comercial. Pero lo más importante es que abrió un espacio para la introspección sombría dentro del rock alternativo mucho antes de que estuviera de moda. Sin "Darklands", ¿habríamos tenido el mismo tipo de resonancia emocional en bandas como Mazzy Star, The National o incluso Interpol? Posiblemente. Pero no habría sonado igual.

No son sólo los críticos quienes han mantenido viva la llama: "Darklands" aparece en el icónico libro "1001 discos que hay que escuchar antes de morir", y con razón. No es simplemente un disco que hay que oír; es uno en el que hay que habitar. Sentarse con él. Comprenderlo con el tiempo.

Merece tu atención hoy:

No hace falta que seas fan de los 80, ni del shoegaze, ni siquiera de la melancolía para apreciar lo que The Jesus and Mary Chain lograron aquí. "Darklands" trasciende su época porque habla un idioma que todos entendemos: el dolor de la pérdida, la niebla de la depresión, el anhelo de algo real.

En una era de streaming musical marcada por la distracción y las playlists dictadas por algoritmos, "Darklands" pide paciencia. Premia con cada nueva escucha. Crece contigo, cambia de significado según el momento vital en el que te encuentres. Es menos un disco y más un espejo, uno que refleja el clima emocional que estás viviendo ese día.

Disco recomendado

Si nunca has escuchado "Darklands", ahora es el momento. Si ha pasado un tiempo, vale la pena volver a él. Póntelo de noche, en soledad. Deja que resuene en el fondo mientras la lluvia golpea la ventana. Deja que te recuerde que hay belleza que nace de las sombras, no de la luz.

The Jesus and Mary Chain no intentaron reinventarse con "Darklands". Solo despejaron el ruido hasta que la tristeza que había debajo comenzó a cantar más fuerte. Y de algún modo, al hacerlo, crearon uno de los álbumes más poderosamente silenciosos de los años 80 (siglo XX).

Video del tema "About You":

Tracklist (formato original LP):

Cara A:

1. "Darklands" 5:29
2. "Deep One Perfect Morning" 2:43
3. "Happy When It Rains" 3:36
4. "Down on Me" 2:36
5. "Nine Million Rainy Days" 4:29

Cara B:

6. "April Skies" 4:00
7. "Fall" 2:28
8. "Cherry Came Too" 3:06
9. "On the Wall" 5:05
10. "About You"

The Jesus and Mary Chain:

• Jim Reid – voz (todas las pistas excepto 1, 5 y 9)
• William Reid – voz (pistas 1, 5 y 9); producción (todas las pistas)

BEASTIE BOYS - Check Your Head - Album (Revisited)

Antes de que los Beastie Boys se convirtieron en íconos culturales venerados, eran solo tres amigos en busca de un sonido auténtico. Para 1992, ya habían saboreado la fama, la rebelión y el olvido. "Check Your Head" no fue solo su tercer álbum, sino un reinicio completo, una reinvención desordenada, conmovedora y audaz. Si solo has escuchado sus éxitos o los has considerado "ese grupo fiestero", es hora de reconsiderarlo. Esta es una entrada de blog sobre el álbum que los convirtió de nuevo en una banda y por qué sigue brillando con luz propia décadas después.

ALBUM: Check Your Head

El tercer álbum de los Beastie Boys, publicado el 21 de abril de 1992, detonó silenciosamente una revolución. Lanzado tres años después del fracaso comercial, pero aclamado por la crítica, "Paul's Boutique", este disco marcó el momento en que tres traviesos MCs de Nueva York se transformaron en una banda plenamente formada que fusionaban géneros. Con su energía pura, instrumentación en vivo y caóticas variaciones de género, "Check Your Head" sigue siendo un disco que resiste cualquier clasificación fácil, y quizás esa sea su mayor fortaleza.

El regreso que no se suponía que iba a suceder:

Preparemos el escenario. Después de que "Licensed to Ill" vendiera millones y los catapultará al estrellato en las fiestas universitarias, los Beastie Boys se encontraron en una situación precaria. Su siguiente álbum de 1989, "Paul's Boutique", repleto de samples superpuestos y juegos de palabras surrealistas, fue un fracaso comercial: disco de platino, disco de oro. Para Capitol Records, las cifras no cuadraban.

Entonces, ¿qué haces después de que tu gran auge artístico se topa con la confusión colectiva? Si eres los Beastie Boys, te mudas a Los Ángeles, alquilas un estudio, recoges tus instrumentos polvorientos y empiezas de cero, literalmente. El trío, junto con el productor Mario Caldato Jr. y el teclista Money Mark, no se limitó a grabar un álbum. Re-imaginaron quiénes eran.

De samplers a cuerdas: una reinvención:

Por primera vez desde sus días de hardcore punk pre-rap, Mike D estaba tras la batería, MCA aporreaba el bajo y Ad-Rock destrozaba los acordes de guitarra como si tuviera algo que demostrar. Este no era solo un álbum de rap. Ni siquiera era solo un álbum de funk, punk o jazz. "Check Your Head" era todo eso y más, fusionado con una sensibilidad lo-fi y DIY que le daba alma.

Canciones como "Gratitude" combinan una guitarra fuzz densa con ritmos de bongó. "Something’s Got to Give" se abre paso con un ritmo sobrio y meditativo y una voz fantasmal que recuerda más al humo del incienso que a la estructura de una canción. "Lighten Up" fusiona la percusión tribal con el funk cósmico, y "Namaste" cierra el disco con una serenidad susurrante que se asemeja más a una exhalación espiritual que a un outro.

Esto no fue solo una fusión de géneros, fue una liberación de géneros. Y, de alguna manera, funcionó.

Un Nuevo Tipo de Voz:

Si buscas acrobacias líricas, aquí las tienes, pero pasan a un segundo plano. Solo unas pocas canciones, "Pass the Mic", "So What'cha Want", "Finger Lickin' Good" y "Professor Booty", ofrecen el tipo de rimas contundentes que dominaron sus álbumes anteriores. Pero cuando rapean, el resultado es perfecto.

En "Pass the Mic", el trío se turna con precisión, intercambiando versos como jazzistas. La confesión de Mike D: "Lo único que me salvó siempre fue la música", toca la fibra sensible. Y MCA, cuya voz profunda se convirtió en el pilar del grupo, ofrece versos con una arrogancia zen que insinuaba el hombre en el que se estaba convirtiendo: "Medita en tu rima, porque tu mi*rda apestará cuando yo vaya por la mía".

Estos momentos no son solo líricos. Son reflexivos. Los chicos estaban creciendo, pero no lo hacían con pulcritud. Tropezaban, gritaban, tocaban interludios de jazz extraños y vociferaban sobre jefes funky que los dejaban en paz. No se deshicieron de su juventud; la reutilizaron.

Sudor y Soul:

Mientras que "Paul's Boutique" usaba samples como si fueran bordados finos, "Check Your Head" reemplazó el cortar y pegar con sudor y práctica. Pero eso no significa que los samples desaparecieran. Simplemente se usan de forma diferente.

Fíjense en el tema inicial, "Jimmy James". Arranca con un sample del Live at Budokan de Cheap Trick y se convierte en un homenaje a Hendrix tan crudo que parece grabado en un sótano lleno de humo. (Casi lo fue: la versión original tuvo que ser modificada debido a problemas de autorización con los herederos de Hendrix).

Luego está "Funky Boss", un collage de gritos vocales, congas y líneas de bajo que apenas se considera una "canción" según los estándares tradicionales, pero que jamás te perderías. Cada número se integra al siguiente, funcionando más como actos de una obra de teatro que como sencillos de un disco. Ya sea la bravuconería b-boy de "The Maestro" o el hardcore desgarrador de "Time for Livin'", cada número tiene su lugar, y cada desvío importa.

Los protagonistas - Money Mark y Mario Caldato:

Si bien los tres Beastie Boys merecen crédito por tomar sus instrumentos y dejarse la piel, este disco debe gran parte de su esencia a los dos hombres que desarrollaron su estructura.

Mario Caldato Jr. no solo era productor; era el intérprete del grupo, convirtiendo las caóticas sesiones de improvisación en algo escuchable. Mientras tanto, los teclados clásicos de Money Mark no solo llenaban el espacio, sino que pintaban paisajes sonoros completos. Sus florituras de órgano en "So What'cha Want" y "Live at PJ's" otorgan a esos temas una textura que ningún sampler podría jamás replicar.

Juntos, hicieron que el álbum pareciera vivido, no simplemente cosido.

El impacto, entonces y ahora:

En 1992, "Check Your Head" debutó en el Top Ten de Billboard, una hazaña impresionante para un grupo cuyo último disco se consideró un fracaso. Los Beastie Boys habían logrado hacer lo que pocos artistas logran: reinventarse sin alienar su esencia. No siguieron modas. Crearon las suyas propias.

Y el momento no pudo haber sido mejor. El rock alternativo estaba en auge, el hip-hop se estaba fragmentando y los fans estaban listos para algo que no encajara perfectamente en una sección de la tienda de discos. El álbum se convirtió en uno de los favoritos no solo para los fans del hip-hop o los skaters, sino para cualquiera que amara la música que no se disculpara por ser rara, ruidosa o con ritmo.

Por qué deberías seguir escuchándolo hoy:

Décadas después, "Check Your Head" no ha perdido su fuerza. Sigue siendo impredecible, sigue siendo caótico en el mejor sentido de la palabra, y sigue siendo difícil de explicar a alguien que nunca lo ha escuchado. Eso es lo que lo hace genial.

Es el tipo de disco que te recompensa por volver. Quizás la primera vez te enganche "So What'cha Want". La siguiente, te quedes atrapado en el pulso hipnótico de "Something's Got to Give". Entonces, un día, "Mark on the Bus" impacta de forma diferente. La música crece contigo.

Este no es solo un álbum, es un ecosistema. Y en una era digital llena de algoritmos y listas de reproducción, nos recuerda lo que solían ser los álbumes: viajes.

Disco recomendado

Si nunca has escuchado "Check Your Head", no empieces con expectativas. Simplemente dale al play y déjate llevar. Deja que los Beastie Boys te guíen a través del hip-hop, el funk, el punk y sonidos extraños que no sabías que necesitabas. No es perfecto, y ese es el punto. Ya no buscaban ser estrellas. Buscaban ser artistas. Y en este disco, lo lograron.

Así que sí, años después de su lanzamiento, recomiendo a los lectores "Check Your Head". Porque a veces, la música más vanguardista es la que mira al pasado con amor y se proyecta hacia el futuro con propósito.

Video del tema "Gratitude":

Tracklist:

1. "Jimmy James" 3:14
2. "Funky Boss" 1:35
3. "Pass the Mic" 4:17
4. "Gratitude" 2:45
5. "Lighten Up" 2:41
6. "Finger Lickin' Good" 3:39
7. "So What'cha Want" 3:37
8. "The Biz vs. The Nuge" 0:33
9. "Time for Livin'" 1:48
10. "Something's Got to Give" 3:28
11. "The Blue Nun" 0:32
12. "Stand Together" 2:47
13. "Pow" 2:13
14. "The Maestro" 2:52
15. "Groove Holmes" 2:33
16. "Live at P.J.'s" 3:18
17. "Mark on the Bus" 1:05
18. "Professor Booty" 4:13
19. "In 3's" 2:23
20. "Namasté" 4:01

Beastie Boys:

• Ad-Rock – voz, guitarra
• MCA – voz, bajo
• Mike D – voz, batería

Personal adicional:

• Money Mark – sintetizador, clavinet, órgano, Wurlitzer
• James Bradley, Jr. (Pistas 2, 4, 10, 13, 16, 20) – percusión
• Juanito Vázquez (Pistas 5, 15) – percusión (cuica, conga)
• Art Oliva (Pistas 5, 19) – percusión
• Drew Lawrence (Pista 6) – percusión
• Biz Markie – voz en "The Biz Vs. The Nuge"
• Alexandra "Xan" Cassavetes (acreditada como "Nax Setevassac") – coros en "The Maestro"

Personal técnico:

• Beastie Boys – productor
• Mario Caldato, Jr. – Productor, ingeniero de sonido
• Tom Baker – masterización
• Glen E. Friedman – fotografía

THE RUTS - The Crack - Album (Revisited)

En el caos de finales de los 70 (siglo xx) en Gran Bretaña, donde el punk ya empezaba a decaer y muchas bandas perdían fuerza, surgió un grupo con un sonido urgente, inquebrantable y refrescantemente original. Ese grupo fue THE RUTS, y su álbum debut, "The Crack", no fue un simple disco de punk más: fue una declaración que desafió el género con algo vital que decir. Exploramos en por qué esta joya olvidada de 1979 sigue llamando la atención hoy en día y es una recomendación de este blog de música.

ALBUM: The Crack 

En un año en el que el punk se apagaba, "The Crack", el único álbum de estudio del cuarteto londinense The Ruts, irrumpió en la escena como un cóctel molotov a través del escaparate de la alta sociedad. Publicado en septiembre de 1979, no fue un simple debut punk más; fue una declaración de intenciones, un manifiesto y, en retrospectiva, una advertencia de que la brillantez a menudo se apaga demasiado rápido.

The Ruts nunca fueron una banda que se conformara con tres acordes y una mueca de desprecio. Formados en 1977 a partir de fragmentos de proyectos anteriores, fusionaron su amor por el punk, el dub y el rock clásico en algo más duro y elástico de lo que la mayoría de sus contemporáneos se atrevieron a intentar. Para cuando firmaron con "Virgin Records", ya habían demostrado su valía en círculos antirracistas y conciertos comunitarios, mientras que su sencillo debut, "In A Rut", lanzado en el sello People Unite, afiliado a Misty In Roots, era una aguda fusión de punk y reggae que captó la atención de influente periodista musical John Peel, de la BBC.

Lo que siguió no solo fue un gran avance, sino un hito. Y "The Crack" aún se siente fresco, furioso y vital casi cinco décadas después.

Babylon's Burning y la nación escucha:

El tema de apertura, "Babylon’s Burning", convirtió a The Ruts en un fenómeno de la noche a la mañana. Alcanzando el número 7 en las listas del Reino Unido en junio de 1979, es un asalto implacable de sirenas, paranoia social y furia callejera. Pero lo que destaca hoy no es solo la urgencia, sino la maestría musical. Los riffs serrados del guitarrista Paul Fox atraviesan la canción como una sierra circular, mientras que los patrones de charles de Dave Ruffy y el bajo con tintes dub de John “Segs” Jennings inyectan profundidad y sofisticación bajo el barniz punk.

El líder Malcolm Owen, con raíces en el funk y una voz que podía pasar de un ladrido a un sermón en un instante, lo une todo con un carisma que se siente a la vez confrontativo y confesional. En Babylon’s Burning, no canta sobre un disturbio; está en medio de uno, arrastrándote con él. El sencillo que le siguió, "Something That I Said", alcanzó el número 29 ese mismo año y añadió toques glam y pop. Su energía contagiosa contrasta con las canciones más oscuras del álbum, pero siempre mantiene su fuerza.

Punk se encuentra con el dub:

Es imposible hablar de "The Crack" sin reconocer la fluidez con la que The Ruts entretejieron el reggae y el dub en el ADN del álbum. "Jah War", una reflexión de casi siete minutos sobre la brutalidad policial tras los disturbios de Southall, es un ejemplo impresionante. Los timbales resuenan con las líneas de metal y los ritmos fuera de ritmo, sumergiendo al oyente en un ritmo que arde en lugar de explotar. A pesar de su accesibilidad, la BBC se negó a reproducirlo, prueba de que The Ruts no estaban interesados ​​en ir a lo seguro.

Otro tema destacado es "S.U.S.", que da la sensación de ser perseguido por la autoridad en un callejón oscuro. Nombrada en honor a la ley de vagancia utilizada para los registros y cacheos en el Londres de los años 70, es una de las canciones con mayor explícito político de la era punk. El ritmo de Ruffy, cargado de toms, se arrastra como un pulso nervioso, mientras que la interpretación de Owen es fría, contenida y, por ello, aún más aterradora.

Incluso un tema como "It Was Cold" desafía las expectativas del género: con influencias de las bandas Magazine y The Police, combina atmósferas melancólicas con un lirismo introspectivo y una tensión que crece lentamente y sugiere paranoia nuclear y decadencia urbana.

Más allá del ruido:

Si bien el trasfondo político de "The Crack" es profundo, el álbum dista mucho de ser unidimensional. Temas como "Dope For Guns" combinan la energía de una guitarra potente con una base de ska, criticando la hipocresía del tráfico de armas. "Criminal Mind" se inclina hacia la ferocidad del street-punk, y "Backbiter" hierve con la traición personal envuelta en dinámicas de hard rock. Luego está "Out Of Order", un himno abrasador sin intención de ser cortés. Y cerrando con "Human Punk" en directo, el disco no deja lugar a dudas: The Ruts fueron una banda hecha tanto para el escenario como para el estudio.

El empaque fue tan icónico como el contenido. La portada del álbum, una pintura de 1,5x1,5 metros de John H. Howard, es un collage punk-pop que presenta no solo a la banda, sino a un quién es quién de la cultura de finales de los 70, desde Captain Sensible hasta Patrick Moore, desde Jimi Hendrix hasta John Peel (enfrascados en un surrealista cuadro relacionado con el chocolate). Es una metáfora visual adecuada para un álbum que desdibujó límites, ignoró las convenciones e insistió en que el punk no necesitaba ser musicalmente primitivo para ser poderoso.

Legado truncado, pero jamás olvidado:

"The Crack" alcanzó el número 16 en las listas de éxitos del Reino Unido y se esperaba que marcará el comienzo de una carrera larga e impactante. Trágicamente, no fue así. Malcolm Owen murió de una sobredosis de heroína en julio de 1980, justo cuando la banda se preparaba para su segundo álbum. Tenía 26 años.

A pesar de algunos lanzamientos póstumos y su reinvención como Ruts DC, la formación original solo produjo este álbum de estudio juntos. Pero ¡menudo álbum! Se pueden sentir las horas pasadas en salas de ensayo de sudor, la influencia de los discos jamaicanos compartidos tras los mostradores de las tiendas de discos y la rabia de los jóvenes que veían cómo su sociedad se fracturaba en líneas raciales, económicas y políticas.

The Crack sigue siendo importante:

La primera ola del punk alcanzó su apogeo en 1979, pero The Ruts le dio un nuevo impulso. No eran solo otra banda furiosa con una causa: eran músicos hábiles, no temían la hibridación y estaban profundamente comprometidos con crear arte a partir del activismo. Introdujeron el funk en el punk, el reggae en la rebelión y la conciencia en el caos.

"The Crack" es uno de esos raros discos que no solo resiste las repetidas escuchas, sino que las exige. Cada vuelta revela un sutil toque de bajo, una letra ingeniosa, un cambio rítmico que lo distingue. Es música de una banda que entendió que la protesta podía tener ritmo, que el dolor podía ser poético y que el punk, sobre todo, nunca debía conformarse.

Disco recomendado

Tanto si eres un fan del punk rock, un recién llegado interesado en la influencia del reggae en la cultura juvenil británica, como si simplemente buscas un álbum que siga sonando crudo, auténtico y relevante, "The Crack" es una escucha imprescindible. No solo se erige como uno de los discos más importantes de 1979, sino también como un recordatorio atemporal de que la rebelión, cuando se forja con inteligencia y alma, puede resonar mucho después de que terminen los disturbios. 

Video del tema "Babylon's Burning":

Tracklist:

1. "Babylon's Burning" 2:35
2. "Dope for Guns" 2:11
3. "S.U.S." 3:49
4. "Something That I Said" 3:53
5. "You're Just A..." 2:55
6. "It Was Cold" 6:48
7. "Savage Circle" 3:05
8. "Jah War" 6:55
9. "Criminal Mind" 1:34
10. "Backbiter" 3:02
11. "Out of Order" 1:50
12. "Human Punk" (live at The Marquee, London, 19 July 1979) 4:34

The Ruts (Banda):

• Malcolm Owen – voz
• Paul Fox – guitarra, coros; órgano ocasional en "Jah War"
• John "Segs" Jennings – bajo, coros; piano ("un Steinway espectacular") en "Jah War"
• Dave Ruffy – batería, percusión, coros

con:

• Richard Mannah – coros en "S.U.S." y "Criminal Mind"
• Bertie, Pocky, Rocky – coros en "Jah War"
• Mick Glossop – efectos de sintetizador en "It Was Cold"
• Gary Barnacle – saxofón
• Luke Tunney – trompeta

Técnica:

Mick Glossop – producción.

DEFTONES - Ohms - Album

Después de décadas de carrera, Deftones no tienen nada que demostrar y sin embargo, continúan haciéndolo. Ohms, el noveno álbum de estudio, es una declaración de intenciones que mezcla furia, melancolía y precisión quirúrgica. A continuación, exploramos juntos por qué este disco merece un lugar destacado en su legado.

ALBUMS: Ohms 

Deftones lleva años y años sin sonar repetitivo. Cuando una banda mantiene su núcleo creativo durante tanto tiempo — Chino Moreno, Stephen Carpenter, Abe Cunningham y Frank Delgado — es fácil caer en la nostalgia o la repetición. Pero "Ohms", su noveno álbum de estudio publicado el 25 de septiembre de 2020, demuestra que aún hay fuego bajo la superficie. Es el primer trabajo producido por Terry Date desde el inédito Eros (2008) y marca también la última participación del bajista Sergio Vega. Y aunque la historia detrás del disco tiene su dosis de reencuentros y despedidas, lo que brilla realmente es el contenido: un álbum afilado, compacto y casi despiadadamente preciso.

Suena a colisión de mundos:

Desde "Genesis", la canción inicial, queda claro que este álbum no es una simple repetición de fórmulas. Hay algo más urgente, más visceral. Stephen Carpenter regresa al centro con una guitarra de nueve cuerdas que ruge como si no hubiese mañana. Chino Moreno, por su parte, despliega toda su gama vocal, de susurros agónicos a gritos desgarradores, sin perder el control. Frank Delgado, maestro del sintetizador, rellena los espacios con texturas.

"Ohms" no intenta ser innovador por el mero hecho de parecer moderno. En lugar de eso, su fuerza proviene de una búsqueda de equilibrio entre extremos. Belleza y caos, serenidad y violencia, melancolía y rabia. Como si la banda hubiese encontrado un punto medio entre las etapas que definieron "White Pony" y la madurez sombría de "Diamond Eyes".

Canciones de estados emocionales:

En lugar de analizar el álbum como una serie de números aislados, conviene verlo como un continuo emocional. “Ceremony”, por ejemplo, juega con tensiones internas y cambios de humor súbitos, en los que la distorsión y la armonía colisionan. “Urantia” arranca como una estampida y muta, inesperadamente, en una pieza casi onírica. Hay un guiño evidente a Smashing Pumpkins en el fraseo melódico de su estribillo, y no parece accidental: Deftones siempre ha sabido tejer influencias sin perder identidad.

Pero quizá el momento más profundo llega con “The Spell of Mathematics”. Aquí, la banda crea un paisaje envolvente, donde bajos reverberantes, chasquidos de dedos y una atmósfera densa sumergen al oyente en una especie de trance. La experiencia es más sensorial que racional, y el efecto permanece incluso después de que la última nota se disuelva.

De la introspección al abismo:

"Ohms" no es un álbum complaciente. En “Error”, las guitarras punzantes y la voz casi susurrada de Chino Moreno dibujan un retrato de desesperación contenida. “Pompeji” eleva esa sensación al máximo: comienza con una calma engañosa, se adentra en aguas turbulentas y culmina con una explosión emocional que incluye incluso sonidos de gaviotas y olas. Es una meditación existencial que termina con una acusación directa al cielo: “Jesus Christ, we hold you to blame / You gave your life but we died in vain”.

El contraste es brutal con “This Link Is Dead”, que no da respiro. Pura furia. Moreno tira versos como si quisiera desgarrar su propia garganta, mientras Carpenter machaca sin piedad. La banda suena cruda, violenta, viva.

“Radiant City” pone el foco en la brutalidad del riff. Todo en esta canción gira alrededor del poder casi físico del sonido. No es solo Carpenter mostrando lo que su guitarra de nueve cuerdas puede hacer: es el grupo entero subiendo el volumen de la tensión hasta que se hace insoportable.

Nostalgia, experiencia y un cierre perfecto:

Si hay un momento para recuperar el aliento, ese llega con “Headless”. Aunque no deja de ser intenso, su tempo más pausado y tono contemplativo permiten que la narrativa baje unas revoluciones antes de la recta final. En esta canción resuena una sensación de vigilancia externa: “They’d like to violate our brainwaves”, canta Chino. La paranoia y el desencanto político están presentes, pero nunca explícitos, lo que permite múltiples lecturas.

Y luego llega “Ohms”, el cierre y el resumen. Quizá el corte más accesible del álbum, con un groove hipnótico que mezcla optimismo y cinismo en dosis iguales. La canción mira hacia atrás — “we’re surrounded by debris of the past” —, pero también hacia adelante. Es, de alguna forma, un epitafio y una resurrección.

¿Qué significa Ohms en los 2020s?

En un año en que muchas bandas de los 90 se han disuelto o se arrastran en giras de nostalgia, Deftones ofrece un disco que no solo suena actual, sino necesario. Puede que "Ohms" no rompa moldes como lo hizo White Pony, pero tampoco lo necesita. Su mérito está en cómo condensa la esencia del grupo en menos de 45 minutos sin sonar forzado. Es un álbum que no pretende impresionar a primera escucha, pero que recompensa la atención constante.

Lo que Deftones ha logrado aquí no es menor: un trabajo que honra su pasado sin quedar atrapado en él. Un disco que muestra que la fórmula no está agotada, sino refinada. Que todavía pueden construir mundos sonoros donde las emociones contradicen a la lógica.

Disco recomendado

Si has seguido a Deftones desde sus inicios, "Ohms" te resultará familiar, pero no predecible. Si estás descubriendo al grupo ahora, este es un excelente punto de entrada: directo, potente y emocionalmente complejo. Con su mezcla de distorsión abrasiva y momentos de lirismo casi etéreo, este álbum no solo reafirma lo que la banda representa, sino que invita a nuevas interpretaciones. Escúchalo con calma. Y en volumen alto.

Video del tema "Urantia":

Tracklist:

1. "Genesis" 5:17
2. "Ceremony" 3:27
3. "Urantia" 4:30
4. "Error" 4:50
5. "The Spell of Mathematics" 5:27
6. "Pompeji" 5:25
7. "This Link Is Dead" 4:37
8. "Radiant City" 3:35
9. "Headless" 4:59
10."Ohms" 4:10

Banda:

• Chino Moreno: voz, guitarras.
• Stephen Carpenter: guitarras.
• Sergio Vega: bajo.
• Abe Cunningham: batería.
• Frank Delgado: samples, teclados.

DOVES - Lost Souls - Album (Revisited)

Antes de convertirse en una de las bandas más queridas del indie británico, Doves renacieron de una tragedia. "Lost Souls" no solo marcó su debut, sino también el inicio de una nueva identidad sonora. Este es un viaje por un disco que transformó el dolor en belleza y dejó una huella en la música de comienzos de siglo.

ALBUM: Lost Souls 

En abril del año 2000, el mundo escuchó por primera vez el nombre de Doves asociado no a la euforia de la pista de baile, sino al crepitar lento y nebuloso de guitarras melancólicas. La banda británica, formada por los hermanos Jez y Andy Williams junto a su viejo amigo Jimi Goodwin, había dejado atrás su vida como "Sub Sub", un trío de música house que rozó la gloria con el hit "Ain’t No Love (Ain’t No Use)" y emergían de entre los restos de un estudio incendiado con un disco que, más que un debut, fue una declaración de supervivencia. Ese disco fue "Lost Souls".

De las ruinas al renacimiento:

No todas las bandas pueden decir que empezaron literalmente de cero. Doves sí. El incendio de su estudio en 1996 marcó un punto de inflexión: lo que podría haber sido un final se convirtió en un nuevo comienzo. Ya cansados del circuito clubs y con el espíritu de Manchester aún latiendo en sus venas, decidieron redirigir su energía hacia un sonido más introspectivo, sin abandonar del todo sus raíces electrónicas.

Esa transición se siente desde el primer segundo del disco. "Firesuite", una introducción instrumental, no grita ni busca impacto inmediato. Se desliza lentamente, con guitarras acuáticas y una atmósfera brumosa que parece salir de las sombras de la madrugada. Es la forma de Doves de abrir no solo un álbum, sino una nueva etapa.

Viaje emocional entre euforia y vacío:

"Lost Souls" no es un álbum que puedas escuchar con prisa. Es una experiencia de principio a fin, con subidas brillantes y bajadas. En canciones como "Here It Comes", el pasado rave se entrelaza con una resignación serena. “This is the day, this is the time to stare at the world in wonder”, canta Goodwin sobre un piano que avanza con soltura, casi como si narrara el fin de una era.

La melancolía se profundiza con "Break Me Gently", donde los arpegios delicados y las voces distorsionadas dibujan el contorno de un desamor. Luego llega "Sea Song", un número que parece escrito desde el ojo de una tormenta. Sus guitarras, su percusión palpitante, su armónica herida: todo se funde en una plegaria sin palabras para calmar una tristeza que no se sabe explicar.

Pero hay luz en este disco, aunque tenue. "Rise" (una de mis favoritas) y "Melody Calls" ofrecen breves momentos de flotación, como si Doves recordaran que el amanecer, por muy lejano que parezca, siempre acaba llegando. En "Catch the Sun" incluso se permiten un guiño más pop, con riffs contagiosos y una energía que contrasta con el tono general del álbum.

Crear sin fórmulas:

Doves nunca siguió el camino más fácil. Mientras muchos de sus contemporáneos buscaban "el hit", ellos apostaron por construir atmósferas, dejar espacio para la contemplación, y confiar en su instinto. Canciones como "The Man Who Told Everything" o "The Cedar Room", esta última, una de sus piezas más celebradas, son buenos ejemplos de eso. No están pensadas para sonar en la radio ni para llenar estadios. Son canciones que se quedan contigo, que necesitan tiempo para revelarse, y que lo hacen con una honestidad que pocas veces se encuentra en los debuts.

El tema "The Cedar Room", en particular, se alza como el corazón del álbum. Ocho minutos de clímax emocional que combinan letras de ruptura con un mantra instrumental hipnótico. Es, sin duda, una de las cumbres de la banda, y también del indie británico de principios de siglo.

Producción casera con ambición global:

Pocas bandas podrían grabar un disco como "Lost Souls" prácticamente por su cuenta, pero Doves lo hicieron. Sin grandes estudios, sin productores de renombre, excepto Steve Osborne en "Catch the Sun", el trío se encerró durante meses a construir su obra con la disciplina de un ejército. Su experiencia como productores de música electrónica les dio las herramientas para controlar cada detalle del sonido, y eso se nota en la profundidad del álbum. Hay capas que no se descubren en la primera escucha. Ni en la segunda. Este no es una obra para el consumo rápido.

Más que post-Britpop:

Aunque se les suele encasillar dentro del paraguas del post-Britpop junto a Elbow, Travis o incluso Coldplay, Doves siempre ocuparon un lugar propio. "Lost Souls" no busca definir una generación, sino capturar ese instante intermedio entre lo que se fue y lo que está por llegar. En ese sentido, es un disco liminal. Está hecho de recuerdos y de deseos aún no cumplidos. Y quizás por eso sigue resonando tanto tiempo después.

Un legado que aún respira:

"Lost Souls" no fue un superventas, pero sí un disco que caló. Fue nominado al Mercury Prize, y para muchos, críticos incluidos, fue el mejor debut británico desde "Definitely Maybe" de Oasis. Pero, a diferencia del desenfreno de los Gallagher, Doves ofrecía introspección, profundidad y belleza serena.

Años después, sigue siendo un álbum que merece ser redescubierto. No todas las canciones son perfectas, el título homónimo, por ejemplo, es algo disperso, pero el conjunto tiene una coherencia y una honestidad que pocos discos debut logran. "Lost Souls" no es el tipo de álbum que se escucha de fondo. Es uno que exige y recompensa la atención.

¿Por qué deberías escucharlo hoy?

Si estás cansado de la música que suena igual. Si buscas algo que no se limite a gustar, sino a acompañarte. Si quieres un disco que puedas revisitar en distintos momentos y que siempre te diga algo nuevo. Entonces "Lost Souls" es para ti.

Tal vez no lo entiendas del todo en la primera escucha. Tal vez te atrapen solo unas pocas canciones. Pero si te das el tiempo, descubrirás un álbum hecho de cicatrices y luz, de despedidas y comienzos, de humanidad sin artificios.

Disco recomendado:

"Lost Souls" es más que un álbum de debut. Es el testimonio de una banda que decidió renacer y hacerlo con autenticidad. Una obra densa, rica en matices, y emocional. Si aún no conoces a Doves, este es el lugar ideal para empezar. Y si ya los conocías, vale la pena volver. Porque hay discos que no envejecen: simplemente se revelan, una vez más, cuando el momento es el adecuado.

Video del tema "Sea Song":

Tracklist:

1. "Firesuite" (instrumental) 4:36
2. "Here It Comes" A. Williams (verses), Goodwin (chorus) 4:50
3. "Break Me Gently" Goodwin 4:38
4. "Sea Song" Goodwin 6:12
5. "Rise" Goodwin (verses), J. Williams (chorus) 5:38
6. "Lost Souls" Goodwin 6:09
7. "Melody Calls" A. Williams 3:27
8. "Catch the Sun" Goodwin 4:49
9. "The Man Who Told Everything" Goodwin 5:47
10. "The Cedar Room" Goodwin 7:38
11. "Reprise" (instrumental) 1:45
12. "A House" Goodwin 3:40

Banda:

• Jez Williams – guitarras eléctricas y acústicas, coros, programación
• Jimi Goodwin – voz principal (pistas 1–6, 8–10, 12), bajo, guitarra acústica, batería en "Here It Comes", simples
• Andy Williams – batería, coros, voz principal (pistas 2, 7), armónica (pistas 2, 4, 7), sencillos

Músicos adicionales:

• Martin Rebelski – piano en "Here It Comes"
• Stuart Warburton – armónica en "Rise"
• Richard Wheatley – piano y Rhodes en "Firesuite", "Sea Song" y "Break Me Gently"
• Cuerdas en "The Man Who Told Everything" – Kate Evans, Jane Coyle, Barbara Grunthal, Wendy Edison

Producción:

• Todas las canciones fueron producidas por Doves, excepto "Catch the Sun", producida por Steve Osborne con Doves
• "Catch the Sun", mezclada por Steve Osborne, asistido por Bruno Ellingham