BEEN STELLER - Scream from New York, NY - Album

Gran sorpresa. El grupo de cinco integrantes BEEN STELLER de Nueva York (EE.UU) ha estado preparando silenciosamente algo especial, y con su disco, "Scream from New York, NY", han hecho su declaración más contundente hasta el momento. Firmados por el sello "Dirty Hit", la banda debutó en 2018 con "Sells Out", una presentación prometedora. Seis años después, su segundo álbum no solo supera las expectativas, sino que los establece firmemente como uno de los grupos más emocionantes del año.

Been Stellar combina la determinación de su ciudad, la urgencia de la juventud y un talento para crear música que es a la vez reflexiva y disruptiva. Los críticos ya están aclamando "Scream from New York, NY" como uno de los lanzamientos destacados de 2024, y por una buena razón, es un disco que captura el espíritu de la Nueva York moderna al tiempo que rinde homenaje a su rica historia del rock.

Quiero recomendar esta obra de 2024 a los lectores de este blog de música.

ALBUM: Scream from New York, NY

 
La ciudad de Nueva York ha sido durante mucho tiempo una musa para los músicos, un lugar donde el caos y el glamour se cruzan. Con su segundo álbum, "Scream from New York, NY", publicado el 14 de junio de 2024, Been Stellar no solo agrega otro capítulo al legado del rock de la ciudad, sino que lo gritan desde los rascacielos. El resultado es este gran álbum que captura la energía de una generación que lucha contra la nostalgia, la desilusión y el encanto de la Gran Manzana.

El quinteto, formado en la Universidad de Nueva York (NYU) y empapado de las tradiciones sonoras de las bandas icónicas de Nueva York, no rehúye de sus influencias. Escucharás ecos de la precisión melancólica de Interpol, el vigor crudo de The Strokes e incluso guiños al arte caótico de Sonic Youth. Pero Been Stellar logra inyectar su propia perspectiva, ofreciendo un sonido que trata menos sobre imitar a sus predecesores y más sobre lidiar con el mito de la ciudad que han heredado.

Este álbum comienza con la intensidad hirviente de "Start Again". Impulsada por las líneas de bajo pulsantes de Nico Burnstein y la batería precisa de Laila Wayans, la canción se siente como un manifiesto. El líder Sam Slocum grita, "Nueva York desperdiciada / ¡Comienza de nuevo, comienza de nuevo!", un grito de batalla para una generación que lucha con una ciudad donde los sueños parecen más precarios que nunca. Es a la vez un lamento y un llamado a la acción, que marca el tono para un álbum que oscila entre el desafío y la vulnerabilidad.

 

Ecos del pasado, historias del presente

 
Desde los acordes angulares de "Passing Judgement" hasta las texturas impregnadas de shoegaze del tema principal, la interacción de la banda entre los guitarristas Skyler Knapp y Nando Dale muestra un dominio de la tensión y la liberación. Canciones como "Pumpkin" y "Shimmer" se inclinan hacia un territorio más onírico y atmosférico, que recuerda las melodías brillantes de My Bloody Valentine o los primeros Radiohead. Pero hay una crudeza urbana única en su sonido, una especie de graffiti auditivo garabateado en las paredes del metro de su ciudad.

La canción que da título al álbum, "Scream from New York, NY", es quizás el núcleo emocional del álbum. La voz ronca de Slocum lidia con las contradicciones de la ciudad, haciendo referencia al incendio de la Middle Church en East Village e invocando el optimismo de la era Reagan solo para subvertirlo con un estribillo empapado de pavor. "Me preguntas quién hizo las ratas", se burla Slocum, retorciendo la decadencia de la ciudad en poesía. Es una imagen tan vívida como cínica, una encapsulación de la relación de su generación con Nueva York: enamorados pero críticos, inspirados pero cansados.

 

Una voz generacional

 

Si bien la música de Been Stellar está impregnada de la estética del rock neoyorquino de principios de los 2000, sus letras hablan de un existencialismo moderno. Las narrativas fragmentadas de Slocum son instantáneas de una generación que intenta encontrar un significado en un mundo fracturado. La vulnerabilidad de la banda brilla en canciones como “Takedown”, donde las melodías melancólicas dan paso a momentos de catarsis explosiva.

Incluso cuando la energía del álbum decae en su segunda mitad, la seriedad de la banda sigue siendo su ancla. Cortes como “Sweet” y “All in One” coquetean con la monotonía del medio tiempo, pero se ven alentados por la capacidad de la banda para canalizar la emoción incluso en sus momentos más tranquilos. Y la canción de cierre, “I Have the Answer”, es una epopeya extensa de seis minutos que se desarrolla hasta convertirse en un muro de sonido culminante, que te deja exhausto y eufórico.

 

La promesa de lo que viene

 

"Scream from New York, NY" no es un álbum perfecto. A veces, las influencias de la banda parecen demasiado cercanas, y hay una sensación persistente de que Been Stellar todavía está forjando una identidad completamente distinta. Pero lo que les falta en refinamiento, lo compensan con pasión musical.

Disco recomendado

 
Mientras Been Stellar lleva su sonido a escenarios más grandes, haciendo giras con Fontaines D.C. y abriendo para The 1975, está claro que están listos para dar el salto al estrellato. Queda por ver si se convertirán en los abanderados de una nueva ola de rock neoyorquino o trazarán un camino más idiosincrásico. Por ahora, "Scream from New York, NY" es tanto una carta de amor como una advertencia: la ciudad puede estar devastada, pero su pulso aún late fuerte. Y este disco, con todos sus pequeños defectos, presagia cosas mejores y lo coloca en mi lista de los mejores álbumes de 2024.

Video del tema "I Have An Answer":

Tracklist:

1.Start Again 03:46
2.Passing Judgment 03:58
3.Pumpkin 04:17
4.Scream from New York, NY 04:29
5.Sweet 03:46
6.Can't Look Away 04:14
7.Shimmer 03:40
8.Takedown 05:33
9.All In One 05:06
10.I Have the Answer 05:57 

THE CHISEL - What A Fucking Nightmare - Album

En esta época en la que el mundo parece desmoronarse, la música a menudo se convierte en un salvavidas. La oferta de la banda británica The Chisel titulada "What A F*cking Nightmare" es exactamente ese tipo de álbum: crudo, implacable y sin disculpas. Editado este 2024, el segundo trabajo de la banda de punk con sede en Londres captura el caos y la camaradería de la vida moderna con coros de himnos y letras mordaces que se niegan a dar marcha atrás. Quiero recomendar el dicho disco a los lectores de este blog de música.

ALBUM: What A F*cking Nightmare

 
Cuando parece que estamos al borde del caos, "What A F*cking Nightmare", el segundo álbum de la banda de punk británica The Chisel, ofrece una banda sonora apasionante y sentida para nuestras frustraciones colectivas. Publicado el 9 de febrero de 2024, este opus de 16 temas duplica todo lo que hizo de su debut de 2021, "Retaliation". Feroz, implacable y paradójicamente alentador, "What A F*cking Nightmare" consolida a The Chisel como una de las voces vitales del punk actual.

Del concepto a la revolución

 
The Chisel comenzó como un proyecto paralelo entre los veteranos del hardcore del Reino Unido, una salida para abrazar el street punk y los sonidos de Oi!. El vocalista Cal Graham lidera la carga junto con los guitarristas Luke Younger y Charlie Manning Walker, el bajista Momo y el baterista Lee Munday. Mientras que sus primeros trabajos se apoyaban fuertemente en la agresividad de UK82, este segundo trabajo expande su paleta sonora, mezclando riffs abrasadores con coros himnos y letras que llegan al hueso.

Un himno para una Gran Bretaña rota

 
"What A F*cking Nightmare" se siente como un grito catártico desde las profundidades de una sociedad en decadencia. Canciones como "No Gimmicks" y "Bloodsucker" canalizan la rabia, capturando la frustración de un mundo donde nada parece funcionar y todos están hartos. La voz de Graham es confrontativa, pero nunca pierde su toque humano. Ya sea que esté denunciando la hipocresía de los políticos o lamentando las luchas cotidianas, su forma de hablar se siente como una conversación con un compañero del pub, directa y sin filtros.

Tomemos la canción "F*ck 'Em", por ejemplo. Su ritmo vertiginoso y energía desenfrenada se combinan con letras que personifican el espíritu desafiante del álbum: "La vida es dura, pero sé que puedo vencerla". Mientras tanto, “Cry Your Eyes Out” profundiza en el costo emocional de vivir en un sistema quebrado, desafiando las estrechas definiciones de lo que significa proveer para la familia. Es punk rock con un propósito, que insta a cuestionar las normas sociales y exigir algo mejor.

Excellence en el Chaos

 
Lo que distingue a The Chisel es su capacidad para equilibrar la agresividad con una melodía innegable. Canciones como “Ain’t Seen Nothing Yet” y “Cuts Like a Knife” contienen estribillos contagiosos en medio del caos, creando momentos de excelencia musical inesperada. Esta última incluso incorpora un jingle de acordes de piano, lo que demuestra una voluntad de llevar su sonido en nuevas direcciones.

“Those Days” ofrece una mirada nostálgica al pasado, su coro himno hace eco de la camaradería y la resiliencia que definen la vida de la clase trabajadora. En el otro extremo del espectro, “Evil By Evil” y “What I See” abordan problemas sistémicos, este último con una aparición especial de Paul Bearer de "Sheer Terror". Estas canciones no solo son enojadas; son incisivas, diseccionando las estructuras de poder que mantienen a las personas divididas y oprimidas.

Una voz colectiva para los marginados

 
En esencia, "What A F*cking Nightmare" es un álbum para la gente. Las letras de The Chisel resuenan profundamente en cualquiera que alguna vez se haya sentido alienado, sobrecargado de trabajo o infravalorado. Temas como “Living for Myself” y “Tomorrow” hablan de la rutina que deja a tantos en la ruina, mientras que “Lying Little Rat (Propaganda)” denuncia la manipulación de los medios con una precisión mordaz.

Sin embargo, en medio de la rabia, hay una sensación de solidaridad y esperanza. “Nice To Meet Ya” y “What Do You Mean?” nos recuerdan que la comunidad y la conexión pueden ser poderosos antídotos contra la desesperación. La última canción del álbum, “What I See”, subraya este mensaje, advirtiendo contra dejar que quienes están en el poder nos dividan. Es una conclusión conmovedora para un disco que se niega a hacer concesiones, mezclando emoción con un marcado tono político.

Punk Rock Triunfante

 
Con una duración de poco más de 36 minutos, What A F*cking Nightmare es un viaje apretado e implacable que exige escucharlo varias veces. Cada canción se siente meticulosamente elaborada, un testimonio del compromiso de la banda con la autenticidad. La producción de Jonah Falco logra el equilibrio perfecto entre agallas y claridad, capturando la energía de las presentaciones en vivo de The Chisel sin perder los matices de su sonido.

El álbum también marca un nuevo capítulo para la banda, ya que su debut en Pure Noise Records los presenta a un público más amplio. Si bien algunos fans de toda la vida pueden irritarse por el cambio a un sello discográfico más grande, no se puede negar que "What A F*cking Nightmare" se mantiene fiel a las raíces de The Chisel. Es punk rock en su forma más urgente y sin pretensiones.

 

Disco recomendado

 
Tanto si eres un fan o del punk como si eres un oyente ocasional que busca música que hable de los tiempos que corren, "What A F*cking Nightmare" es un disco que debes escuchar. Su energía y sus letras conmovedoras capturan el espíritu de resistencia, ofreciendo tanto una crítica del mundo tal como es como una visión de lo que podría ser. Es un álbum que nos recuerda el poder de la música para unir, inspirar y contraatacar.

Video del tema "Lying Little Rat":

Tracklist

1                      What A Fucking Nightmare
2                      No Gimmicks
3                      Cry Your Eyes Out
4                      Nice To Meet Ya
5                      Living For Myself
6                      Fuck 'Em
7                      Lying Little Rat (Propaganda)
8                      Bloodsucker
9                      Aint Seen Nothing Yet
10                    Those Days
11                    Evil By Evil
12                    Tomorrow
13                    Vengeance Is For Me
14                    What Do You Mean
15                    Cuts Like A Knife
16                    What I See

FATHER JOHN MISTY - Mahashmashana - Album

El músico Josh Tillman (ex batería de "Fleet Foxes") que opera bajo el nombre artístico de FATHER JOHN MISTY ha vuelto a editar una pequeña joya de rock barroco.

Quiero recomendar su trabajo "Mahashmashana" a los lectores de este blog de música.

 

ALBUM: Mahashmashana

 
"Mahashmashana" es el sexto álbum de estudio del músico estadounidense Josh Tillman bajo el nombre artístico de Father John Misty, editado el 22 de noviembre de 2024. El álbum fue producido en Los Ángeles por Tillman y Drew Erickson con el colaborador frecuente Jonathan Wilson como productor ejecutivo.

La portada del álbum fue diseñada por el artista Joe Roberts. Su título hace referencia a la palabra sánscrita Mahāśmaśāna (महाश्मशान), que significa "gran crematorio". Con su título, el álbum cubre temas de mortalidad, identidad y renovación.

Preparando el escenario

 
Los primeros momentos de "Mahashmashana" son una declaración audaz. La canción que da título al álbum, una epopeya orquestal de nueve minutos, sirve como obertura a las grandes ambiciones temáticas del álbum. Sus capas de piano, cuerdas y metales, que alternan entre lo melancólico y lo triunfal, crean un paisaje sonoro que se siente a la vez atemporal y urgente. La rica voz de barítono de Tillman narra una historia de colapso y renacimiento, una "danza de cadáveres" que encuentra belleza en la destrucción. La influencia de íconos de la década de 1970 como Elton John y George Harrison es reconocible, pero la canción es inconfundiblemente la del propio Tillman.

Una odisea lírica

 
La pluma de Tillman es tan aguda como siempre, creando letras que son a la vez mordaces e introspectivas. Temas como “Mental Health” confrontan las personalidades seleccionadas que presentamos al mundo, criticando la naturaleza performativa de la existencia moderna. Con líneas como “Nadie te conoce como tú mismo, ¿se han conocido?”, Tillman disecciona la paradoja de la autoconciencia en una era hiperconectada.

En “Josh Tillman and the Accidental Dose”, su humor negro brilla mientras relata una desventura psicodélica mezclada con autodesprecio. La narrativa surrealista del tema yuxtapone el absurdo con la vulnerabilidad genuina, lo que refleja la lucha constante de Tillman por equilibrar la autenticidad artística con el éxito comercial.

El amor y la pérdida encuentran un punto de encuentro conmovedor en “Screamland”, donde las melodías chocan con letras inquietantes. El estribillo “El amor debe encontrar un camino” resuena como un grito desesperado y un tenue destello de esperanza, que encapsula los fundamentos emocionales del álbum.

Un caleidoscopio sónico

 
Musicalmente, “Mahashmashana” es una ambiciosa amalgama de estilos. Los fans de la banda “Pure Comedy” reconocerán la sátira y los arreglos exuberantes, mientras que la introspección de “Chloë and the Next 20th Century” resurge en momentos más tranquilos. Sin embargo, el álbum también se aventura en territorio desconocido. “She Cleans Up” inyecta una dosis de glam-rock, reforzada por una colaboración con “The Viagra Boys” que añade garra al refinamiento de Tillman.

En el otro extremo del espectro, “Being You” despoja a la grandeza, optando por el minimalismo. Es una pieza sorprendentemente cruda, que quita la personalidad de Father John Misty para revelar al hombre frágil que hay debajo.

La canción que cierra el álbum, “Summer’s Gone”, suena como un eco deliberado de los primeros trabajos de Tillman. Mientras que “Fun Times in Babylon” abrió su debut con ambición, este final elegíaco es una despedida impregnada de una reflexión agridulce. Mientras Tillman canta sobre un Hollywood que ha perdido su brillo, uno no puede evitar preguntarse: ¿es este el final de “Father John Misty” tal como lo conocemos?

El propio Tillman ha insinuado las transiciones, citando la paternidad y el crecimiento personal como catalizadores del cambio. En “Mahashmashana”, el solipsismo de sus álbumes anteriores da paso a una perspectiva más amplia, casi universal. Canciones como “Being You” sugieren un hombre en paz con la incertidumbre, que acepta las paradojas de la existencia en lugar de despotricar contra ellas.

Disco recomendado

 
Para los fans de toda la vida, este álbum ofrece una síntesis de todo lo que hace que Father John Misty sea único: su ingenio, su exuberante instrumentación y su introspección. Pero también es un punto de entrada atractivo para los nuevos oyentes, con su alcance cinematográfico y sus temas profundamente resonantes. Ya sea que marque el final de una era o el comienzo de una nueva, "Mahashmashana" asegura el estatus de Josh Tillman como uno de los narradores de historias más interesantes de la música contemporánea.

Es un asombroso pop rock barroco con una letra, una interpretación y una producción excelentes. Un buen disco.

Video del tema "Being You":

Tracklist:

1.         "Mahashmashana"                  9:19
2.         "She Cleans Up"         4:26
3.         "Josh Tillman and the Accidental Dose"                   5:12
4.         "Mental Health"         6:28
5.         "Screamland"              6:51
6.         "Being You"   5:13
7.         "I Guess Time Just Makes Fools of Us All"  8:35
8.         "Summer's Gone"       4:17

Músicos:

• Josh Tillman – voz, interpretación
• Alan Sparhawk – guitarra (pista 5)
• Drew Erickson – interpretación
• Jonathan Wilson – interpretación
• Dan Bailey – interpretación
• Eli Thomson – interpretación
• David Vandervelde – interpretación
• Chris Dixie Darley – interpretación
• Jon Titterington – interpretación
• Kyle Flynn – interpretación

Producción:

• Josh Tillman – producción

Drew Erickson – producción, arreglos
Jonathan Wilson – productor ejecutivo
BJ Burton – producción adicional, mezcla (pistas 3, 5)
Michael Harris – ingeniería de sonido, producción adicional

BIG THIEF - U.F.O.F - Album

Quiero recomendar un álbum que es muy diferente de lo que se escucha habitualmente. Un disco especial que pienso puede ser un descubrimiento para los lectores de este blog de música.

ALBUM: U.F.O.F.

 
Este no es un disco común y corriente, es un tapiz de emociones, recuerdos y visiones cosidas con una precisión sobrenatural. Publicado el 3 de mayo de 2019 y grabado en el sereno lugar de "Bear Creek Studio" en Washington (EE. UU.), el álbum se siente como un descubrimiento más que una creación. Cada nota, cada letra se desarrolla como si se descubriera de un reino olvidado.

Este es la banda Big Thief en su faceta más exploratoria, mezclando sus raíces folk con texturas ambient y aventuras experimentales. El título del álbum, un acrónimo de "UFO friend", marca el tono: este es un disco que se asoma a la existencia, tanto terrestre como cósmica.

Intimidad y anhelo terrenales

 
Adrianne Lenker, el corazón lírico de la banda, canta sobre temas de amor, pérdida y mortalidad con un toque místico. Su composición no es lineal sino impresionista, pintando escenas que parecen espejismos. En la canción principal, la voz de Lenker revolotea junto a líneas de guitarras espectrales y sintetizadores. En “Orange”, Lenker yuxtapone ternura y fragilidad con una melancolía desgarradora. Es una canción que encapsula la brillantez del álbum: momentos de claridad emocional pura envueltos en las vívidas imágenes de la naturaleza.

Del folk a lo fantástico

 
U.F.O.F. es inequívocamente un producto del crecimiento colectivo y evolutivo de Big Thief. Después de años de gira, la banda funciona en este LP como una entidad singular, su sinergia es palpable en cada canción. El guitarrista Buck Meek, el bajista Max Oleartchik y el baterista James Krivchenia contribuyen cada uno a los paisajes sonoros, acreditado simplemente como “ambient” en las notas del álbum.

Canciones como “Contact” y “Jenni” muestran su alcance. “Contact” comienza como una pieza meditativa antes de estallar en una cacofonía de guitarras distorsionadas y gritos primarios. “Jenni”, por otro lado, es un número inspirado en el shoegaze, donde la guitarra cargada de feedback de Meek lleva al oyente al universo íntimo de Lenker.

 

Más allá de los ganchos

 
Lo que distingue a U.F.O.F. es que las canciones no están diseñadas para atraparte con estribillos pegadizos, sino que se desenredan lentamente, revelando nuevas capas con cada escucha. La reimaginada “Terminal Paradise”, que se escuchó por primera vez en el álbum en solitario de Lenker, “Abysskiss”, es un ejemplo. Aquí, el delicado falsete de Lenker se entrelaza con las armonías de barítono de Meek, transformando la canción en una exploración meditativa.

Incluso los momentos más tranquilos, como la hipnótica “Cattails” con sus matices de country alternativo, están impregnados de una complejidad sutil. La batería de Krivchenia guía la voz de Lenker mientras canta sobre el tiempo, el hogar y el paso de la vida.

Un mundo interior

 
Lenker puebla U.F.O.F. con un elenco de personajes y criaturas que parecen sacados de una fábula: Betsy, Jodi, Jenni y los gusanos de seda y las polillas recurrentes. Las letras a menudo evocan las reflexiones naturalistas de Rachel Carson, capturando la esencia de la interconexión de la vida. En “Open Desert”, Lenker imagina su cuerpo envejeciendo y entregándose a la tierra, su voz es un tierno reconocimiento de la inevitabilidad de la mortalidad.

Disco recomendado

U.F.O.F. no es un disco que exija atención; simplemente existe. Es un trabajo sofisticado, un álbum que te invita a sentarte y escuchar, no solo la música sino los espacios intermedios.

Para aquellos dispuestos a descubrir su longitud de onda, U.F.O.F. ofrece una experiencia íntima y trascendente, un recordatorio de que la belleza a menudo reside en los momentos tranquilos y modestos. Un álbum extremadamente interesante, del tipo que aparece pocas veces.

Video del tema "U.F.O.F":

Tracklist: 

1.         "Contact"        3:54
2.         "U.F.O.F."      3:08
3.         "Cattails"        4:05
4.         "From" 3:58
5.         "Open Desert" 3:47
6.         "Orange"         3:30
7.         "Century"        3:07
8.         "Strange"        3:41
9.         "Betsy"           3:28
10.       "Terminal Paradise"    3:25
11.       "Jenni" 4:11
12.       "Magic Dealer"           3:01

Big Thief:

•  Adrianne Lenker – guitarra acústica (1–7, 9, 10), guitarra eléctrica (1, 5, 8, 9, 11), voces (todas las pistas), coro (2, 4, 5, 8), SK5 (2, 10), piano (3), campanillas (5), respiración (8), percusión (8), ambiente (12)
• Buck Meek – guitarra eléctrica (1–5, 7–10), palmas (4), coro (4), voces (7, 10), retroalimentación (11), ambiente (12)
• James Krivchenia – batería (1–5, 7–11), percusión (2), coro (2, 4, 5), SK5 (2), caja mágica (4, 5, 8), campanillas (5), respiración (8), Moog (8), pandereta (9), voces (11), batería de relleno (12), ambiente (12)
• Max Oleartchik – bajo (1, 2, 4, 5, 7–12), bajo (1–3, 8, 10), coro (2, 4), piano (3), campanas (4), aliento (8), shaker (8), ambiente (12)

Músicos adicionales:

• Zoë Lenker – coro (4)
• Andrew Sarlo – viento (9), ambiente (12)
• Dom Monks  (12)

Técnico:

• Dom Monks – ingeniero de sonido, mezcla
• Andrew Sarlo – producción

JOHN LEE HOOKER - The Real Folk Blues - Album

Ha sido una de esas semanas en las que me he adentrado en el género musical del blues escuchando clásicos y favoritos. Parte de esa lista de discos y músicos incluye a JOHN LEE HOOKER y su LP "The Real Folk Blues". Una obra que formó parte de los pasos de Chess Records para adentrarse en la tendencia de la "música folk" de mediados de los 60 (siglo xx), cuando el público blanco estaba descubriendo la "música de color".

Quiero recomendar este LP a los fans experimentados del blues y a los recién llegados a este blog de música.

ALBUM: The Real Folk Blues

Si hay un artista cuya música encarna la esencia cruda, áspera y conmovedora del blues, ese es John Lee Hooker. Conocido como el "Rey del Boogie Infinito", las obras de Hooker abarcan décadas, influyendo en generaciones de músicos. Entre sus muchas obras maestras, "The Real Folk Blues" es un testimonio de su maestría. Editado en octubre de 1966 bajo el mítico sello discográfico "Chess Records", este álbum no es solo una colección de canciones, es una experiencia inmersiva en las profundidades del blues. Tanto para los fans experimentados como para los recién llegados curiosos, "The Real Folk Blues" es una escucha obligada, ya que ofrece una introducción al arte de Hooker y una mirada al género en sí.

Emoción y técnica

Desde el momento en que presionas el botón de inicio (o bajas la aguja) con "The Real Folk Blues", te transportas al mundo de John Lee Hooker, un mundo donde cada nota está llena de emoción y cada letra cuenta una historia. El LP abre con “Let’s Go Out Tonight”, una canción que muestra el estilo boogie característico de Hooker. Con una duración de casi siete minutos, es un viaje de energía cruda, con la voz áspera de Hooker impulsando el número. Su colaborador de siempre, el guitarrista Eddie Burns, agrega una textura rica, mientras que el ritmo constante de Fred Below ancla el ritmo. Juntos, crean un ritmo que casi puedes sentir en los clubes de Detroit donde nació este sonido.

En el otro extremo del espectro se encuentra “The Waterfront”, el inquietante cierre que despoja al blues de sus elementos más esenciales. Con solo la voz de Hooker, un pie que golpea el suelo y su guitarra, la canción exuda una vulnerabilidad absoluta que perdura mucho después de la nota final. Es una reinvención de su tema, “I Cover the Waterfront”, y destaca la capacidad de Hooker para desarrollar su sonido mientras se mantiene arraigado en su narrativa.

Minimalismo

Lo que hace que "The Real Folk Blues" sea tan cautivador es la capacidad de Hooker de hacer tanto con tan poco. Su música a menudo funciona con un solo acorde, apoyándose en el ritmo, la repetición y las variaciones sutiles para crear su efecto hipnótico. Canciones como "Peace Lovin' Man" y "I'm in the Mood" son excelentes ejemplos de este minimalismo. La primera combina un tempo más lento y contemplativo con la voz quejumbrosa de Hooker, llevando a los oyentes a un estado de trance. Mientras tanto, "I'm in the Mood" hierve a fuego lento con una intensidad tranquila, su arreglo escueto permite que la profundidad emocional brille.

La interacción entre instrumentos también merece una mención especial. Si bien el bajista exacto sigue siendo un misterio, posiblemente Phil Upchurch, las líneas de bajo en cortes como "Stella Mae" brindan un ritmo vibrante que complementa el trabajo de guitarra de Hooker. Esta sinergia entre músicos eleva el LP, transformando cada número en una excelente obra de blues.

Un legado cultural

Publicado como parte de la serie "The Real Folk Blues" de Chess Records, el álbum coloca a Hooker junto a leyendas del blues como Muddy Waters y Howlin' Wolf. Mientras que estos contemporáneos se inclinaban más por el blues electrificado de Chicago, Hooker trajo su estilo único de mezcla de Mississippi y Detroit. Esta fusión de influencias rurales y urbanas es particularmente evidente en canciones como el clásico "One Bourbon, One Scotch, One Beer", una historia inconexa de indulgencia y desesperación que se ha convertido en una de las canciones más perdurables de Hooker.

Este disco también sirve como una instantánea histórica de la década de 1960, una época en la que el blues estaba ganando reconocimiento entre el público blanco, particularmente en Europa. Bandas británicas como The Rolling Stones y The Animals se inspiraron en gran medida en el sonido de Hooker, y temas como "Let 's Go Out Tonight" probablemente inspiraron sus éxitos de rock con influencias del blues. Al escuchar "The Real Folk Blues", es fácil entender por qué la música de Hooker resonó tan profundamente en estos artistas.

Recién llegados y aficionados

Si no conoces a John Lee Hooker, "The Real Folk Blues" es un excelente punto de entrada. Su lista de canciones ofrece una introducción completa a su estilo, mezclando boogies de ritmo rápido con baladas lentas y conmovedoras. Para los fans experimentados, el álbum proporciona una apreciación más profunda de la versatilidad de Hooker y su capacidad para infundir autenticidad a cada canción. Puntos del disco destacados incluyen:

• "Let’s Go Out Tonight": un maratón de energía implacable y el ritmo boogie por excelencia de Hooker.
  
  
• "The Waterfront": un cierre escueto y cautivador que muestra el poder emocional de la simplicidad.
  
  
• "Stella Mae": un número ardiente y desenfrenado con un ritmo contagioso.
  
  
• "One Bourbon, One Scotch, One Beer": una clase magistral de narración que se ha convertido en un estándar del blues.

Por lo tanto, para mí, "Real Folk Blues" es más que un álbum; es una invitación al corazón de un género que sigue inspirando. La capacidad de John Lee Hooker para destilar emociones complejas en expresiones musicales simples pero profundas es evidente.

Disco recomendado

Para los entusiastas del blues, es un recordatorio de por qué disfrutamos de este género. Para los recién llegados, es una puerta de entrada a un mundo de rica historia y emociones. Y para todos los que están en el medio, es una obra atemporal que reafirma el poder perdurable de la música blues.

Video del tema "Stella Mae":

Tracklist:

1."Let's Go Out Tonight" – 7:05
2."Peace Lovin' Man" – 3:48
3."Stella Mae" – 2:59
4."I Put My Trust in You" – 5:15
5."I'm in the Mood" – 2:41
6."You Know, I Know" – 3:46
7."I'll Never Trust Your Love Again" – 3:20
8."One Bourbon, One Scotch, One Beer" – 2:58
9."The Waterfront" – 5:25

Músicos:

• John Lee Hooker – guitarra, voz
• Lafayette Leake – piano, órgano
• Eddie Burns – guitarra (pistas 1–8)
• Otros músicos no identificados (posiblemente Phil Upchurch) – bajo, pandereta
• Fred Below – batería

THE SAINTS - (I’m) Stranded [Deluxe Edition] - Box Set

Ya he escrito un post en este blog de música sobre la banda australiana de punk rock THE SAINTS y su revolucionario álbum "(I'm) Stranded". Pero cuando te enteras de que se a reeditado en una edición de lujo, con nuevo material y nuevas versiones, no tengo más remedio que hacer otra entrada. El precio de esta joya puede ser elevado para muchos, pero si eres un verdadero fanático del rock, esto no tiene precio. Además, siempre está disponible en las plataformas de música online habituales para disfrutar.

ALBUM Box Set - (I’m) Stranded [Deluxe Edition]

Una reedición publicado el 15 de noviembre 2024.

Una revisión cruda y revolucionaria

 
En la extensa historia del rock, pocos discos pueden reivindicar el tipo de impacto que tuvo "(I'm) Stranded" de los australianos The Saints. Editado en septiembre de 1976, antes de que el mundo conociera los Sex Pistols, The Clash o The Damned, esta piedra angular del punk australiano fue un dedo medio al status quo de la música y la sociedad por igual. Ahora, casi cinco décadas después, "(I’m) Stranded [Deluxe Edition]" le da el tratamiento que merece, ofreciendo no solo una versión remasterizada sino un tesoro expansivo y meticulosamente curado de los comienzos de la banda.

 

Un original innovador

 
Grabado en Brisbane (Australia), una ciudad que se asfixia bajo el yugo del conservadurismo, "(I’m) Stranded" nació de la frustración y la rebelión. Es el producto de tres inadaptados: Chris Bailey, Ed Kuepper e Ivor Hay, que se atrevieron a sacudir los cimientos del rock. Con su mezcla de garage rock, punk temprana y un toque de sensibilidad pop, el álbum todavía se siente eléctrico, como si pudiera incendiarse en tus manos.

Tomemos como ejemplo la canción principal. Con una duración de apenas tres minutos y medio, "(I’m) Stranded" no es solo una canción; es una declaración de desafío. Las guitarras de motosierra de Kuepper, el gemido gutural de Bailey y la batería atronadora de Hay crean un sonido que te golpea y te arrastra. Canciones como "Erotic Neurotic" y "No Time" siguen el mismo camino, llenas de caos a toda velocidad que muestra la energía y la ira juvenil de la banda.

Pero The Saints no eran una maravilla de una sola nota. Entre el ruido frenético, se entrelazaron momentos de sorprendente ternura. "Messin' with the Kid" deambula con melancolía, mientras que "Story of Love" hace guiños al drama romántico del pop de los años 60, aunque a través de la lente del cuero desgarrado y la suciedad gruñona. Estos momentos más tranquilos agregan profundidad a un álbum que ya está lleno de actitud, equilibrando la rabia con la reflexión.

 

Más que un BOX SET

 
Tanto para los fans de toda la vida - yo incluido - como para los recién llegados, "(I'm) Stranded [Deluxe Edition]" es una delicia absoluta. Encabezado por el fundador de The Saints, Ed Kuepper, el conjunto es una mirada exhaustiva a los primeros años de la banda y no escatima en detalles. No solo obtendrás el álbum debut remasterizado, aunque escucharlo con este nivel de claridad es una revelación. También obtendrás:

• Una mezcla demo inédita del álbum completo de 1976, que despoja las canciones de su forma más cruda y visceral.
  
  
• Todos los sencillos de 1976-77, incluido el desenfrenado "This Perfect Day" y el EP 1-2-3-4, que capturan a los Saints en su forma más feroz.
  
  
• Una presentación en vivo desde "Paddington Town Hall" en Sydney, preservada en todo su esplendor, junto con un concierto completo grabado en Londres en el "Hope & Anchor" en 1977. Estos cortes en vivo muestran la explosiva presencia en el escenario de la banda, un recordatorio de su poder implacable como acto en directo.

Y eso es solo el audio. El paquete (Box Set) también incluye un lujoso ensayo fotográfico de 28 páginas que traza el recorrido de la banda desde sus orígenes en Brisbane hasta su ascenso como pioneros del punk. Con fotos de archivo, una historia autorizada de la banda e incluso una réplica de la calcomanía promocional de 1976, este paquete no solo te permite escuchar a The Saints, sino que te sumerge en su mundo.

El punk antes del punk

 
La historia de The Saints es tan cautivadora como su música. En Brisbane, una ciudad donde el acoso policial era una realidad rutinaria para cualquier persona menor de 20 años, eran unos marginados en todos los sentidos. Sus influencias (el garage rock, The Stooges y héroes locales como los Masters Apprentices) los diferenciaban de las bandas de versiones que dominaban la escena local.

Cuando grabaron y publicaron por su cuenta “(I’m) Stranded” en 1976, con una tirada modesta de 500 copias, no fue un éxito instantáneo. Pero una copia llegó a la revista "Sounds" del Reino Unido, donde el crítico Jonh Ingham lo declaró el “single de esta y todas las semanas”. Ese apoyo desató una tormenta de fuego, lo que llevó a discográfica EMI a contratar a la banda y grabar su álbum debut.

A partir de ahí, The Saints llevaron su energía a todo el mundo, dejando atrás el calor opresivo de Brisbane para sumergirse en el bullicio de la explosión punk de Londres. Su debut en el Reino Unido estuvo marcado por el lanzamiento de “This Perfect Day”, un himno nihilista que arrasó en las listas de éxitos e incluso los llevó al Top of the Pops. Las imágenes de la actuación gruñona de Chris Bailey, respaldada por la guitarra incendiaria de Kuepper, son un momento de la historia del punk.

 

Un verdadero legado

 
The Saints nunca siguieron las reglas del punk, y eso podría convertirlos en los más punks de todos. No estaban interesados en la anarquía por la anarquía, ni cotejaron la fama con el mismo caos calculado que sus contemporáneos. En cambio, canalizan su frustración en música que era a la vez primaria y poética, brutal pero extrañamente hermosa.

"(I’m) Stranded" sigue siendo uno de los documentos que definen el género, no solo en Australia sino en todo el mundo. Y esta edición DELUXE garantiza que su legado perdure. Ya sea que lo escuches por primera vez o lo vuelvas a escuchar con nuevos oídos, el sonido remasterizado y el tesoro de extras te transportarán al mundo de The Saints, un mundo donde la rebelión es más que una pose: es una forma de vida.

Disco recomendado

Entonces, ¿deberías invertir en "(I’m) Stranded [Deluxe Edition]"? Si eres un fan de la música con un interés incluso pasajero en el punk, la respuesta es un rotundo sí. Este no es solo un álbum; es un documento de un momento en el tiempo en el que tres chicos de Brisbane decidieron convertir sus frustraciones en algo revolucionario. Con los exhaustivos extras de la edición de lujo, no solo estás escuchando la música, estás viviendo el viaje.

Como dice el propio Ed Kuepper, "Han pasado 51 años en proceso y posiblemente haya resultado incluso mejor de lo que esperaba". Para los fanáticos del rock, el punk o la historia de la música, este BOX SET es imprescindible: un emocionante recordatorio de cómo unas pocas voces rebeldes pueden cambiar el juego para siempre.

Video del tema "(I´m) Stranded":

Tracklist:

1 LP1 - (I'm) Stranded - Original Version 1976 (remastered)

2 1. (I'm) Stranded
3 2. One Way Street
4 3. Wild About You
5 4. Messin' with the Kid
6 5. Erotic Neurotic
7 6. No Time
8 7. Kissin' Cousins
9 8. Story of Love
10 9. Demolition Girl
11 10. Nights in Venice

12 LP2 - (I'm) Stranded - Alternate Mix 1976 (Previously Unreleased)

13 1. (I'm) Stranded
14 2. One Way Street
15 3. Wild About You
16 4. Messin' with the Kid
17 5. Erotic Neurotic
18 6. Story of Love
19 7. No Time
20 8. Kissin' Cousins
21 9. Untitled (Og Version)
22 10. Demolition Girl
23 11. Nights in Venice 

24 LP3 - Sydney & London Studio + Sydney Live 1977

25 1. This Perfect Day
26 2. L-I-E-S
27 3. Do the Robot
28 4. Lipstick on Your Collar
29 5. One Way Street
30 6. Demolition Girl
31 7. River Deep Mountain High
32 8. This Perfect Day (Live)
33 9. Run Down (Live)
34 10. Erotic Neurotic (Live)
35 11. Demolition Girl (Live)
36 12. Nights in Venice (Live)

37 LP4 - Live at the Hope & Anchor, London - 26/11/1977

38 1. Do the Robot
39 2. Lost & Found
40 3. Lipstick on Your Collar
41 4. River Deep Mountain High
42 5. Untitled
43 6. Run Down
44 7. This Perfect Day
45 8. Messin' with the Kid
46 9. Orstralia
47 10. Nights in Venice
48 11. (I'm) Stranded
49 12. Demolition Girl
50 13. One Way Street 

Y si mi recomendación no te convence, escucha a Henry Rollins:

VIVA BELGRADO - Cancionero de los Cielos - Album

El producto nacional nunca me ha captado demasiado la atención. Si, lo sigo y hay bandas y músicos excepcionales, pero no es algo que me "explota la cabeza". Dicho esto, hay algunos que me "flipan", pocos pero los hay. Uno de ellos es la banda de Córdoba, Viva Belgrado, un grupo explosivo de hardcore rock que pienso son de altísimo nivel, aquí y en cualquier sitio.

Este año han editado "Cancionero de los Cielos" y me han vuelto a encandilar, esta vez por la parte más íntimo de su música. Quiero dar sitio a dicho trabajo en este blog de música y recomendarlo a los lectores.

ALBUM: Cancionero de los Cielos

 
La banda española "Viva Belgrado" vuelve a escena con su cuarto álbum, Cancionero de los Cielos", publicado el 19 de enero de 2024 y hay algo innegable: este disco marca un punto de inflexión en su trayectoria. Desde que comenzaron en 2011, han sabido moverse en el underground español, construyendo un sonido propio y una honestidad que los diferencia. Ahora, con este nuevo trabajo, demuestran que están en un momento único de madurez musical y creativa.

Te invita a explorar

 
El título, "Cancionero de los Cielos", ya es en sí una declaración de intenciones. Nos lleva hacia algo etéreo, cargado de metáforas y símbolos, donde cada canción parece guiarnos en un viaje introspectivo. Las letras de Cándido Gálvez, voz y guitarra de la banda, parecen salidas de un diario: una búsqueda de redención y de respuestas en un mundo caótico. Este álbum no es solo una lista de temas, sino un verdadero mapa emocional que Viva Belgrado despliega con cada uno de sus integrantes: Álvaro Mérida a la batería, Ángel Madueño al bajo, y la colaboración magnífica de Santi García en la producción.

Con "Vernissage", la primera canción, Viva Belgrado pone las cartas sobre la mesa. Aquí no hay rodeos; el grupo lanza una crítica directa a la industria musical y al mismo tiempo hace una autocrítica generacional. Con la frase “¿Quién quiere salvar el rock si puede estar de fiesta?”, reflejan una mirada desilusionada hacia la banalización del arte y nos hacen partícipes de su desencanto, pero sin perder la fuerza que siempre los ha caracterizado.

Este disco es, además y sin duda, una aventura musical donde la banda se atreve a romper sus propias barreras. Aquí encontrarás de todo: desde el shoegaze hasta el hip hop. La colaboración con el rapero Erik Urano en "Jupiter and Beyond the Infinite" es un ejemplo de esta expansión sonora. Con sintetizadores que evocan un paisaje espacial, esta canción muestra cómo Viva Belgrado ha aprendido a moverse entre géneros, manteniendo su esencia y explorando territorios nuevos.

Por otro lado, temas como "Elena Observando la Osa Mayor" ofrecen un respiro, una pausa introspectiva sin guitarras, donde el espacio y el simbolismo llenan el vacío con una suavidad poco habitual en el grupo. Aquí, el lado más melódico de la banda se abre paso, mostrándonos una faceta vulnerable y llena de detalles que invita a la reflexión.

 

La autenticidad como bandera

 
A lo largo de su carrera, Viva Belgrado ha mantenido su identidad intacta, resistiendo a las etiquetas y manteniéndose fiel a su propio lenguaje. En "Cancionero de los Cielos", la banda se adentra aún más en sus contradicciones y sombras. La canción "Gemini", por ejemplo, es una confesión desgarradora y, al mismo tiempo, una afirmación de identidad. En "Nana de la luna Pena", la voz de Sara Zozaya se suma para añadir un toque de ternura que contrasta con la crudeza de otros cortes. Este número tiene algo de canción de cuna, de refugio en la tormenta. Es un recordatorio de que siempre hay algo de belleza, incluso en los momentos más oscuros, y Viva Belgrado sabe plasmarlo de una manera honesta y sin artificios.

 

Letras con peso literario

 
Las letras de "Cancionero de los Cielos" son mucho más que palabras puestas al azar. Aquí encontramos referencias literarias y artísticas que enriquecen el disco y nos hablan de temas profundos como la soledad, el deseo o incluso la muerte. En temas como "Chéjov y las gaviotas" y "Saturno devorando a su Hijo", la banda utiliza figuras literarias y artísticas como una forma de explorar sus propias emociones, creando un diálogo entre su música y el legado cultural que les inspira.

Cada canción está construida con un cuidado minucioso, y eso se nota en la manera en que Viva Belgrado ha logrado unificar cada palabra y cada sonido. En "Ranchera de la Mina", por ejemplo, la banda juega con su propio proceso creativo, abordando temas como la presión y la fragilidad de hacer arte en un mundo que, muchas veces, parece no entender el esfuerzo y la pasión detrás de cada nota.

Otro elemento a destacar es la producción Es, sin duda, uno de los aspectos más llamativos del álbum. Grabado en La Mina, Sevilla, bajo la batuta de Raúl Pérez y Santi García, el disco logra un equilibrio entre todos sus elementos. Aquí, cada instrumento brilla en su momento, y la claridad de la producción permite apreciar cada detalle, cada matiz. Es como si cada canción estuviera diseñada para hacer sentir al oyente en medio de la experiencia, casi como si pudiera tocar los sonidos que surgen de cada tema.

Las ya mencionadas colaboraciones con Erik Urano y Sara Zozaya no son meros adornos; son elementos que añaden profundidad a la narrativa del álbum. Erik Urano aporta una intensidad lírica, mientras que la voz de Sara añade una delicadeza que contrasta maravillosamente con la intensidad de otros temas, logrando así una dinámica envolvente.

Una invitación a perderse y encontrarse

 
"Cancionero de los Cielos" no es solo un disco; es una invitación a embarcarse en un viaje interno. Es una obra que refleja la valentía y autenticidad de Viva Belgrado, un grupo que se atreve a moverse entre géneros y explorar nuevos territorios sin perder su identidad.

Para quienes buscan algo más que música para el fondo, este disco es una experiencia que vale la pena. Con "Cancionero de los Cielos", Viva Belgrado nos recuerda que la música sigue siendo un espacio donde conectar con uno mismo y con los demás. Es una invitación a mirar hacia arriba, hacia los cielos, y al mismo tiempo a mirar hacia adentro, hacia aquello que nos define.

Disco recomendado

 
Para los amantes de la música que buscan algo más que simple entretenimiento, este disco es una experiencia. Viva Belgrado ha creado una obra que, sin duda, resonará en aquellos que buscan autenticidad. A través de sus letras sinceras y su sonido expansivo, Viva Belgrado nos recuerda que, en un mundo cada vez más desconectado, la música sigue siendo un espacio de conexión y de exploración.

En mi caso, para ser producto nacional, es realmente excepcional.

Video del tema "Gemini":

Tracklist:

1. Vernissage (3:43)
2. Chéjov y las gaviotas (2:30)
3. Nana de la luna pena (3:42)
4. Ranchera de la mina (2:05)
5. El Cristo de los Faroles (3:52)
6. Gemini (2:24)
7. Elena observando la Osa Mayor (3:38)
8. Un tragaluz II (1:16)
9. Jupiter and Beyond the Infinite (3:55)
10. Saturno devorando a su hijo (3:25)
11. Perfect Blue (4:00)
12. Un tragaluz (3:19)

ELLIOTT SMITH - Elliott Smith - Album

Elliott Smith fue un músico y cantautor estadounidense. El instrumento principal de Smith era la guitarra, aunque también tocaba el piano, el clarinete, el bajo, la batería y la armónica. Tuvo un estilo vocal distintivo en su carrera como solista. También era adicto al alcohol y substancias con trastorno por déficit de atención con hiperactividad (TDAH) y depresión. Su lucha contra las drogas y las enfermedades mentales afectó su vida y su trabajo, e influyó en sus letras. Murió en su casa de Los Ángeles a causa de dos puñaladas en el pecho a los 34 años en 2003.

Un músico brillante con una vida difícil, nos dejó una música maravillosa. Una de esas piezas que quiero recomendar es su disco homónimo.

ALBUM: Elliott Smith

 
Este es el segundo álbum de estudio del cantautor estadounidense del mismo nombre. Fue grabado entre finales de 1994 y principios de 1995 y se publicó el 21 de julio de 1995.

Este LP no es un disco más, es un diario privado. Este no es un álbum que simplemente escuchas; es uno que puedes sentir. Smith abre un espacio crudo, íntimo y profundamente personal, ofreciendo a los oyentes una visión de una mente que lucha con las fuerzas más oscuras de la vida. Para cualquiera que busque honestidad en la música, este disco es una invitación.

Desde el principio, la simplicidad del álbum es obvia. Elliott Smith elige un enfoque minimalista y de baja fidelidad (lo-fi), solo su voz y una guitarra suavemente rasgueada en su mayor parte, aunque cada nota tiene un peso. No hay una producción pesada, no hay capas de sonido detrás de las cuales esconderse. Deja que su voz y sus letras respiren, dejando que cada palabra tranquila y rasgueo lleguen directamente al oyente. Los pequeños detalles, como la armónica solitaria en "Alphabet Town", por ejemplo, dan la sensación de que está susurrando secretos.

En cuanto a las letras, Smith no tiene filtros. No tiene miedo de ahondar en los temas difíciles: la adicción, la duda y la pesadez de simplemente existir. La canción de apertura "Needle in the Hay" y "Coming Up Roses" lo dejan todo al descubierto, trazando un camino a través de las luchas de Elliott Smith de una manera que se siente tan personal como universal. Sus letras están entretejidas con detalles crípticos, dejando partes de sí mismo atrás para cualquiera que esté dispuesto a profundizar un poco más. No estás simplemente escuchando; estás resolviendo un rompecabezas, juntando las piezas de su historia, descubriendo nuevas capas de significado con cada escucha.

Dicho esto, la magia de este disco radica en cómo Elliott Smith equilibra sus letras crudas con una entrega suave. Su voz es frágil pero firme, como si estuviera cargando un gran peso pero se negara a dejar que lo derribe.

Sin embargo, a pesar de toda la melancolía de este LP, la música tiene una belleza delicada. Canciones como "Clementine" tienen una cualidad similar a la de un aullido, envolviendo la tristeza en suavidad. De alguna manera, Smith logra convertir su dolor en un cálido abrazo, ofreciendo consuelo a través de la experiencia compartida. Incluso cuando está en su peor momento, hay un toque de calidez en su voz.

Y si bien la obra explora la soledad y la lucha, no todo es pesimismo. En "St. Ides Heaven", por ejemplo, Smith deja que el humor brille, pintando escenas de vagabundeos nocturnos con una curiosidad casi resignada. Sus observaciones son agudas, capturando los absurdos de la vida y recordándonos que no está completamente perdido en la oscuridad. La canción final, "The Biggest Lie", nos deja con esa misma sensación de dualidad, una canción que es a la vez honesta y esperanzadora. Es como la última confesión susurrada de Smith, dejándonos un eco de sus luchas pero también de su fuerza.

Por último, este álbum no trata de perfección; trata de conexión. Es crudo, a veces doloroso, y sin embargo es reconfortante, como escuchar a otra persona poner palabras a sentimientos que creías que eran tuyos. Para cualquiera que quiera música que llegue a lo profundo, "Elliott Smith" ofrece algo único. Es un disco que crece contigo con cada escucha, al que vuelves una y otra vez, y cada vez escuchas algo nuevo.

Disco recomendado

La verdad es que Elliott Smith sabía cómo escribir una canción. Guitarras acústicas brillantes y discretas, arreglos con letras que te golpean profundamente el alma. Este era Smith en sus comienzos de carrera en solitario, explorando y expandiendo los planos de los Beatles de la mejor manera posible. Un disco maravilloso.

Video del tema "Needle in the Hay":

Tracklist (canciones):

1.         "Needle in the Hay"   4:16
2.         "Christian Brothers"   4:30
3.         "Clementine"  2:46
4.         "Southern Belle"         3:06
5.         "Single File"    2:26
6.         "Coming Up Roses"   3:10
7.         "Satellite"        2:25
8.         "Alphabet Town"       4:11
9.         "St. Ides Heaven"       3:00
10.       "Good to Go" 2:24
11.       "The White Lady Loves You More" 2:24
12.       "The Biggest Lie"       2:39

Músicos:

• Elliott Smith: voz, guitarras acústicas, batería (2, 6, 9), guitarra eléctrica (6, 7, 10), pandereta (3), órgano de aire (6), armónica (8), violonchelo (11)

Personal adicional:

•  Neil Gust: guitarra eléctrica ("Single File"), fotografía de la portada
• Rebecca Gates: coros ("St. Ides Heaven")

CROSBY, STILLS, NASH & YOUNG - Déjà Vu - Album

Hace poco escuché un joven comentar que la música de los artistas "Crosby, Stills & Nash y Neil Young" era para "gente mayor". Sorprendente, pero el joven no estaba diciendo nada malo, ya que la gente de menos de 35-40 años ni siquiera sabría de esta gran banda, y mucho menos apreciaría su música. Desde su perspectiva se algo que suena en la radio de "oldies".

Con este telón de fondo y siguiendo la filosofía de este blog de música, quiero dar espacio al álbum "Déjà Vu" de Crosby, Stills & Nash y Neil Young, y espero que sea un descubrimiento para el lector más joven y un maravilloso recuerdo para el aficionado a la música de más edad.

Album Déjà Vu

 
Este es el segundo álbum de estudio del grupo de folk rock estadounidense "Crosby, Stills & Nash, y el primero como cuarteto con Neil Young" que fue publicado el 11 de marzo de 1970.

Este disco define una generación, "Déjà Vu" de Crosby, Stills, Nash & Young no solo encabezó la lista de ventas, existe en una categoría propia. Por lo tanto, no es solo un disco; es una poderosa instantánea de un movimiento al borde del colapso. Para quienes vivieron esa época, captura tanto los altibajos de una generación del "flower power" que vio cómo sus ideales comenzaban a desmoronarse.

Grabar "Déjà Vu" no fue tarea fácil; fue un maratón emocional. Stephen Stills una vez lo comparó con "sacarle los dientes". No obstante, cada canción está llena de capas de la clase de complejidad que solo surge cuando los propios músicos luchan con algo interior. Ellos también se enfrentaban a sus propias luchas, David Crosby, por ejemplo, estaba de duelo por una tragedia personal, tras haber perdido a su novia en un accidente de coche. Ese dolor se filtra en el LP, añadiendo un peso que los oyentes no siempre podrán identificar, pero que sin duda pueden sentir.

Stephan Stills comienza el álbum con "Carry On", escrita en ocho horas, pero es un viaje en sí mismo. El intrincado trabajo de guitarra y las letras parecen ir y venir entre la resiliencia y una aceptación agridulce del cambio. Y luego está "4+20", donde lo reduce todo a su voz y guitarra, pintando una cruda imagen de soledad y dificultades. Este tipo de vulnerabilidad desnuda es lo que hace que "Déjà Vu" resuene entre los oyentes incluso hoy.

Neil Young, por su parte, aporta una profundidad más oscura y folk al álbum con "Helpless". Su voz y letras sencillas capturan un anhelo que es difícil de sacudir, añadiendo un marcado contraste a las armonías más suaves de sus compañeros de banda. Las canciones de Young no sólo complementan el álbum, sino que lo fundamentan, dándole una crudeza que evita que parezca demasiado pulido o idealizado.

"Almost Cut My Hair" de David Crosby es un himno en sí mismo, un grito de rebelión sin filtro en un momento en el que el desafío de la contracultura se enfrentaba a una resistencia cada vez mayor. La voz de Crosby se quiebra con un desafío crudo, encarnando el espíritu desvanecido pero inquebrantable del movimiento. Y luego está Graham Nash con "Teach Your Children", que aporta una calidez más suave y esperanzadora que nos recuerda los ideales comunitarios que definieron los años 60 (siglo XX). Su "Our House" parece una carta de amor, una imagen de la vida doméstica que de alguna manera encaja perfectamente con los temas más importantes del álbum: la esperanza y la pérdida.

La canción principal, "Déjà Vu", lleva las cosas en una dirección casi metafísica. Las reflexiones de Crosby sobre los ciclos de la vida la convierten en una de las canciones más experimentales del disco. Es una meditación sobre los ciclos y ecos de la vida, y le da al LP una calidad atemporal.

Y luego está "Woodstock", la canción que Joni Mitchell escribió para el festival al que no pudo asistir, pero cuya esencia capturó a la perfección. Interpretada por CSNY, es un himno unificador que completa el álbum con un sueño fugaz. Neil Young señaló más tarde que, si bien la canción se pulió en el estudio, es posible que haya perdido algo de su crudeza. Aun así, se mantiene como un grito de guerra para una generación; tanto una celebración como un lamento. 

En resumen, "Déjà Vu" está lleno de contrastes: es personal pero universal, esperanzador pero lleno de una sensación de pérdida. El álbum salió cuando tanto el mundo como la banda parecían entender, conscientemente o no, que las cosas estaban cambiando. La música era su forma de aferrarse a algo que se estaba escapando.

Disco recomendado

 
Para los más “viejos”, Déjà Vu es una marca de tiempo, un fragmento de un movimiento que quiso cambiar el mundo y tal vez no lo logró del todo. Para quienes lo conozcan más tarde, es una invitación a perderse en armonías e historias tan cautivadoras como hermosas.

Es un clásico de la música rock y una verdadera obra maestra que algunos lectores más jóvenes pueden pensar que es "música de viejos", pero es un modelo de lo que se perdió en el tiempo.

Video del tema "Carry On":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Carry On"                 4:26
2.         "Teach Your Children"                      2:53
3.         "Almost Cut My Hair"                       4:31
4.         "Helpless"                   3:33
5.         "Woodstock"              3:54

Cara B:

1.         "Déjà Vu"                   4:12
2.         "Our House"               2:59
3.         "4 + 20"                      2:06
4.         "Country Girl"

a. "Whiskey Boot Hill"

b. "Down, Down, Down"

c. "Country Girl (I Think You’re Pretty)" 5:11

5.         "Everybody I Love You"       2:21

Banda - musicos:

• David Crosby – voz en todos los temas excepto "4+20"; guitarra rítmica en "Almost Cut My Hair", "Woodstock", "Déjà Vu", "Country Girl" y "Everybody I Love You"
  
  
• Stephen Stills – voz en todos los temas excepto "Almost Cut My Hair"; guitarra en todos los temas excepto "Our House"; bajo en "Carry On", "Teach Your Children" y "Déjà Vu"; teclados en "Déjà Vu" y "Everybody I Love You"; órgano en "Carry On" y "Woodstock"; piano en "Helpless" y "Country Girl"; percusión en "Carry On"
  
  
• Graham Nash – voz en todos los temas excepto "Almost Cut My Hair" y "4+20"; piano en "Woodstock" y "Our House"; clavicémbalo en "Our House"; órgano en "Almost Cut My Hair"; guitarra rítmica en "Teach Your Children" y "Country Girl"; percusión en "Carry On" y "Country Girl"; pandereta en "Teach Your Children"
  
  
• Neil Young: voz en "Helpless" y "Country Girl"; guitarras en "Almost Cut My Hair", "Helpless", "Woodstock" y "Country Girl"; órgano de tubos, armónica y vibráfono en "Country Girl"; órgano en "Country Girl" y "Everybody I Love You"

Músicos adicionales:

• Greg Reeves: bajo en "Almost Cut My Hair", "Helpless", "Woodstock", "Déjà Vu", "Our House", "Country Girl" y "Everybody I Love You"
• Dallas Taylor: batería en todas las pistas excepto "Teach Your Children" y "4+20"; pandereta en "Teach Your Children"
• Jerry Garcia – pedal steel guitar en "Teach Your Children"
• John Sebastian – armónica en "Déjà Vu"

Producción:

Crosby, Stills, Nash & Young – productores