BLACK COUNTRY, NEW ROAD - Forever Howlong - Album

La banda británica Black Country, New Road nunca ha seguido un camino predecible, y "Forever Howlong" no es la excepción. Su tercer álbum de estudio marca un antes y un después, no solo en sonido, sino también en espíritu. Con nuevas voces que marcan el camino y una renovada profundidad emocional, la banda ofrece algo inesperado y profundamente resonante. Expongo por qué este disco merece toda tu atención.

ALBUM: Forever Howlong 

El grupo británico Black Country, New Road (BCNR) regresa con "Forever Howlong", su tercer álbum de estudio, y posiblemente el más audaz hasta la fecha. Publicado el 4 de abril de 2025 a través de Ninja Tune, marca el primer álbum de larga duración de la banda sin el vocalista fundador Isaac Wood. Sin embargo, en lugar de refugiarse en la nostalgia o reinventarse a la fuerza, BCNR ha evolucionado con delicadeza hacia algo nuevo y, de alguna manera, aún más personal.

Ahora liderado por tres de los miembros originales de la banda: Tyler Hyde (bajo), Georgia Ellery (violín) y May Kershaw (teclados), "Forever Howlong" no solo retoma lo que "Ants From Up There" dejó. Reimagina el terreno emocional por completo. Si su disco en vivo de 2023, "Live at Bush Hall", fue un mapa tentativo del futuro, "Forever Howlong" es el camino recorrido.

De survival una sinfonía:

La salida de Wood en 2022 podría haber sido un punto. En cambio, fue una coma. La banda se reestructuró rápidamente y compuso un set en directo completamente nuevo, que finalmente se grabó como "Live at Bush Hall". Pero "Forever Howlong", producido por James Ford (conocido por su trabajo con Blur y Fontaines D.C.), es el verdadero testimonio de esa transición: cohesivo, intrincado y emocionalmente más rico que nunca.

Lo sorprendente del álbum es la naturalidad con la que se comparten las tareas de composición. Cada uno de los nuevos vocalistas aporta un tono distintivo, pero ninguno domina. En cambio, funcionan como movimientos en una conversación. Las extravagantes inclinaciones folk de Ellery, la densidad narrativa de Hyde y el minimalismo agridulce de Kershaw giran en torno a un tema central: cómo nos aferramos al amor y cómo permitimos que nos cambie.

Suena a la vez familiar y extraño:

Este no es el mismo BCNR que surgió del resurgimiento del post-punk en 2021. Atrás quedaron los bordes irregulares y los crescendos de la palabra hablada. En su lugar, se percibe un sonido más cálido y espacioso que se inclina hacia el pop barroco, el folk y las delicadas florituras orquestales. Clavicordios, banjos, timbales e incluso flautas dulces llenan el ambiente; sin embargo, el álbum nunca se siente recargado.

"Besties", el tema inicial, marca el tono: brillante, original y emocionalmente generoso. Lo que comienza como un remolino de saxofón y clavicémbalo se convierte en una cálida meditación sobre la amistad, cantada al unísono como un canto de patio convertido en gospel. Es una forma discreta y radical de abrir un álbum: no con un rugido, sino con un abrazo.

Más adelante, en "For the Cold Country", Kershaw susurra letras sobre microbiomas y frijoles sobre cuerdas que se hinchan. Suena extraño en teoría, pero en la práctica, es desgarrador. La mundanidad del autocuidado (tomar suficiente sol, prepararse una taza de café) se convierte en un sustituto de las formas en que intentamos seguir adelante cuando nuestro mundo interior flaquea.

Tres voces, un hilo:

El mayor triunfo del álbum reside en la interacción entre sus tres vocalistas. En lugar de competir por el espacio, tejen sus historias en un tapiz colectivo. "Two Horses" de Ellery comienza con un trote inocente antes de galopar hacia la tensión, una historia de traición envuelta en un vals de folk-rock. "Nancy Tries to Take the Night" de Hyde es más críptica, una fábula contada en fragmentos que nunca se resuelve del todo. El tema principal de Kershaw, "Forever Howlong", es una meditación minimalista — principalmente silencio, respiración y piano —, pero llega a lo más profundo.

Incluso los instrumentistas de la banda, con Charlie Wayne (batería), Lewis Evans (saxofón) y Luke Mark (guitarra) como pilares, aportan más que un simple acompañamiento. Su presencia es sutil pero vital. Los toques de charles de Wayne animan "Two Horses", los duetos de saxo de Evans con el piano de Kershaw, y la guitarra acústica de Mark, con sus dedos, suaviza los matices de "Goodbye (Don't Tell Me)" y "Mary".

Temas líricos: corazón, hueso y distancia:

Si bien el sonido puede haber cambiado, la esencia emocional de BCNR permanece intacta. Este es un álbum sobre la intimidad, no solo romántica, sino comunitaria. Sus canciones exploran cómo los vínculos evolucionan, se rompen o se fortalecen bajo presión.

En "Mary", los tres vocalistas cantan en una armonía casi perfecta, no como solistas, sino como testigos el uno del otro. Es un himno tranquilo a la unión. Por su parte, "Happy Birthday" aborda el tema de la inocencia perdida, con una estructura lírica que omite los coros tradicionales en favor de estribillos susurrados como "Cheer up, child".

Hay una sensación, a lo largo de todo el disco, de mirar la vida desde una perspectiva. De notar las cosas silenciosas que unen a las personas. Incluso cuando la letra roza lo surrealista (frijoles hirviendo, desayunos silenciosos, caballos huyendo), el sentimiento es clarísimo.

El arco emocional:

La estructura de "Forever Howlong" refleja un ciclo vital. Temas como Besties y Salem Sister abren la puerta con ligereza y humor, pero cada tema profundiza en el campo emocional. Para cuando llegamos a "For the Cold Country", el álbum está en su máximo esplendor: las cuerdas se intensifican, las voces se superponen, el dolor y la belleza se encuentran en el centro.

Las canciones finales — "Nancy Tries to Take the Night" y "Goodbye (Don't Tell Me)" — marcan el comienzo del ocaso. Hay melancolía, sí, pero no derrota. De hecho, los versos finales de Ellery, «Me he enamorado de un sentimiento», caen como un bálsamo. Nos recuerdan que incluso en la angustia, hay conexión. Incluso cuando algo termina, es solo parte de un ciclo mayor.

Reinvención sin desaparición:

Lo que hace a "Forever Howlong" tan poderoso no es que reinvente el Black Country, New Road, sino que los expande. El álbum no es una despedida del pasado de la banda, sino una continuación, reflejada a través de diferentes voces y texturas.

Quienes añoran el caos de sus inicios pueden sentir cierta ausencia. La ansiedad frenética de "For the First Time" ya no está presente. Pero en su lugar hay una tensión diferente: una arraigada en la moderación, el respeto mutuo y el compromiso con la expresión colectiva.

Este disco no grita para ser escuchado. Habla suavemente, confiando en que sus oyentes estén dispuestos a encontrarle un punto medio.

Disco recomendado

Absolutamente. Tanto si ya eres fan del Black Country, New Road como si los descubres por primera vez, "Forever Howlong" es un álbum excepcional, uno que crece con cada escucha. Es emocionalmente generoso sin ser sentimental, musicalmente aventurero sin ser alienante. Y lo más importante, se siente honesto.

En un mundo de ruido y espectáculo, "Forever Howlong" elige la valentía silenciosa. No impresiona con prisa, pero perdura, como el resplandor de una conversación que cambió algo profundo en ti.

Recomendado para quienes buscan sinceridad, intimidad y una banda que no teme transformarse.

Video del tema "Besties":

Tracklist:

1. "Besties" 3:36
2. "The Big Spin" 2:31
3. "Socks" 6:07
4. "Salem Sisters" 3:10
5. "Two Horses" 6:26
6. "Mary" 4:06
7. "Happy Birthday" 4:06
8. "For the Cold Country" 6:27
9. "Nancy Tries to Take the Night" 6:36
10. "Forever Howlong" 4:48
11. "Goodbye (Don't Tell Me)" 4:17

FATHER JOHN MISTY - Mahashmashana - Album

El músico Josh Tillman (ex batería de "Fleet Foxes") que opera bajo el nombre artístico de FATHER JOHN MISTY ha vuelto a editar una pequeña joya de rock barroco.

Quiero recomendar su trabajo "Mahashmashana" a los lectores de este blog de música.

 

ALBUM: Mahashmashana

 
"Mahashmashana" es el sexto álbum de estudio del músico estadounidense Josh Tillman bajo el nombre artístico de Father John Misty, editado el 22 de noviembre de 2024. El álbum fue producido en Los Ángeles por Tillman y Drew Erickson con el colaborador frecuente Jonathan Wilson como productor ejecutivo.

La portada del álbum fue diseñada por el artista Joe Roberts. Su título hace referencia a la palabra sánscrita Mahāśmaśāna (महाश्मशान), que significa "gran crematorio". Con su título, el álbum cubre temas de mortalidad, identidad y renovación.

Preparando el escenario

 
Los primeros momentos de "Mahashmashana" son una declaración audaz. La canción que da título al álbum, una epopeya orquestal de nueve minutos, sirve como obertura a las grandes ambiciones temáticas del álbum. Sus capas de piano, cuerdas y metales, que alternan entre lo melancólico y lo triunfal, crean un paisaje sonoro que se siente a la vez atemporal y urgente. La rica voz de barítono de Tillman narra una historia de colapso y renacimiento, una "danza de cadáveres" que encuentra belleza en la destrucción. La influencia de íconos de la década de 1970 como Elton John y George Harrison es reconocible, pero la canción es inconfundiblemente la del propio Tillman.

Una odisea lírica

 
La pluma de Tillman es tan aguda como siempre, creando letras que son a la vez mordaces e introspectivas. Temas como “Mental Health” confrontan las personalidades seleccionadas que presentamos al mundo, criticando la naturaleza performativa de la existencia moderna. Con líneas como “Nadie te conoce como tú mismo, ¿se han conocido?”, Tillman disecciona la paradoja de la autoconciencia en una era hiperconectada.

En “Josh Tillman and the Accidental Dose”, su humor negro brilla mientras relata una desventura psicodélica mezclada con autodesprecio. La narrativa surrealista del tema yuxtapone el absurdo con la vulnerabilidad genuina, lo que refleja la lucha constante de Tillman por equilibrar la autenticidad artística con el éxito comercial.

El amor y la pérdida encuentran un punto de encuentro conmovedor en “Screamland”, donde las melodías chocan con letras inquietantes. El estribillo “El amor debe encontrar un camino” resuena como un grito desesperado y un tenue destello de esperanza, que encapsula los fundamentos emocionales del álbum.

Un caleidoscopio sónico

 
Musicalmente, “Mahashmashana” es una ambiciosa amalgama de estilos. Los fans de la banda “Pure Comedy” reconocerán la sátira y los arreglos exuberantes, mientras que la introspección de “Chloë and the Next 20th Century” resurge en momentos más tranquilos. Sin embargo, el álbum también se aventura en territorio desconocido. “She Cleans Up” inyecta una dosis de glam-rock, reforzada por una colaboración con “The Viagra Boys” que añade garra al refinamiento de Tillman.

En el otro extremo del espectro, “Being You” despoja a la grandeza, optando por el minimalismo. Es una pieza sorprendentemente cruda, que quita la personalidad de Father John Misty para revelar al hombre frágil que hay debajo.

La canción que cierra el álbum, “Summer’s Gone”, suena como un eco deliberado de los primeros trabajos de Tillman. Mientras que “Fun Times in Babylon” abrió su debut con ambición, este final elegíaco es una despedida impregnada de una reflexión agridulce. Mientras Tillman canta sobre un Hollywood que ha perdido su brillo, uno no puede evitar preguntarse: ¿es este el final de “Father John Misty” tal como lo conocemos?

El propio Tillman ha insinuado las transiciones, citando la paternidad y el crecimiento personal como catalizadores del cambio. En “Mahashmashana”, el solipsismo de sus álbumes anteriores da paso a una perspectiva más amplia, casi universal. Canciones como “Being You” sugieren un hombre en paz con la incertidumbre, que acepta las paradojas de la existencia en lugar de despotricar contra ellas.

Disco recomendado

 
Para los fans de toda la vida, este álbum ofrece una síntesis de todo lo que hace que Father John Misty sea único: su ingenio, su exuberante instrumentación y su introspección. Pero también es un punto de entrada atractivo para los nuevos oyentes, con su alcance cinematográfico y sus temas profundamente resonantes. Ya sea que marque el final de una era o el comienzo de una nueva, "Mahashmashana" asegura el estatus de Josh Tillman como uno de los narradores de historias más interesantes de la música contemporánea.

Es un asombroso pop rock barroco con una letra, una interpretación y una producción excelentes. Un buen disco.

Video del tema "Being You":

Tracklist:

1.         "Mahashmashana"                  9:19
2.         "She Cleans Up"         4:26
3.         "Josh Tillman and the Accidental Dose"                   5:12
4.         "Mental Health"         6:28
5.         "Screamland"              6:51
6.         "Being You"   5:13
7.         "I Guess Time Just Makes Fools of Us All"  8:35
8.         "Summer's Gone"       4:17

Músicos:

• Josh Tillman – voz, interpretación
• Alan Sparhawk – guitarra (pista 5)
• Drew Erickson – interpretación
• Jonathan Wilson – interpretación
• Dan Bailey – interpretación
• Eli Thomson – interpretación
• David Vandervelde – interpretación
• Chris Dixie Darley – interpretación
• Jon Titterington – interpretación
• Kyle Flynn – interpretación

Producción:

• Josh Tillman – producción

Drew Erickson – producción, arreglos
Jonathan Wilson – productor ejecutivo
BJ Burton – producción adicional, mezcla (pistas 3, 5)
Michael Harris – ingeniería de sonido, producción adicional

RICHARD HAWLEY - Truelove´s Gutter - Album

Formó parte de la banda británica "Longpigs" (excelente grupo por cierto) y fue integrante por un tiempo de "Pulp". Luego, Richard Hawley se embarca en una maravillosa carrera en solitario, brindándonos algunos álbumes excepcionales e íntimos.

Quizás no un estilo para todos, el amor de Hawley por su ciudad, "Sheffield", está mayoritariamente presente en sus obras, pero lo envuelve todo con fascinantes historias humanas.

Quiero llamar la atención de los lectores de este blog de música sobre uno de los LP de Hawley titulado "Truelove's Gutter". Un disco oscuro que necesita paciencia pero que tiene melodías y música hermosas que se yuxtaponen con el contenido lírico "triste". Un viaje de cincuenta minutos a las criptas de la mente del músico que sale con una expresión renovada de amor y amistad, envuelto en un paquete musical desgarrador, a flote de cualquier época musical definida.

 

¿Quien es el músico Richard Hawley?

 

Richard Willis Hawley, cantautor, guitarrista y productor inglés. Después de que su primera banda, "Treebound Story", se disolvió, Hawley encontró el éxito como miembro de la banda de pop británico "Longpigs" en la década de 1990. Después de que ese grupo se disolviera en el año 2000, se unió a la banda "Pulp", liderada por Jarvis Cocker. Como músico solista, Hawley ha lanzado ocho álbumes de estudio hasta la fecha. Es un artista muy talentoso y respetado y ha colaborado con Arctic Monkeys, Manic Street Preachers, Elbow y Paul Weller, por mencionar algunos.

Tiene varios discos que puedo recomendar, "Coles Corner" (2005) por ejemplo es uno, pero me agrada más "Truelove 's Gutter".

 

ALBUM: Truelove's Gutter

 

El sexto disco de estudio del músico Richard Hawley fue publicado el 21 de septiembre de 2009 en el Reino Unido y el 22 de septiembre de 2009 en Estados Unidos. El titulo del álbum se refiere a una calle antigua (ahora renombrada) en "Sheffield" (UK), la ciudad natal de Hawley. Temáticamente, "Truelove 's Gutter" es posiblemente el álbum más oscuro de Hawley. Hawley en una entrevista con la "BBC" comentó que el LP se inspiró en períodos particularmente oscuros de su vida. El disco presenta algunas instrumentaciones poco comunes, como el waterphone, el megabass y el cristal baschet.

El trabajo de Richard Hawley ha mostrado una inclinación por escribir canciones profundamente evocadoras y emotivas sobre personas y situaciones de Sheffield. Hawley crea atmósferas utilizando la nostalgia como recurso poético que evoca los fantasmas de la historia. En "Truelove 's Gutter", ha profundizado mucho más y ha aportado nuevas ideas en su canto, escritura y producción, pero, paradójicamente, lo ha hecho con menos.

Este álbum es escaso, más que cualquier cosa que haya editado hasta la fecha. Sus ocho canciones tienen un aire nocturno. Las grandes y amplias cuerdas orquestales de sus dos últimos álbumes han sido reemplazadas por una sección de "chamber" e instrumentación extraña que agrega verdadera intimidad a la escucha. Las canciones reflejan las propias experiencias de Hawley o las pruebas y tribulaciones de sus amigos. Sus hermosas melodías brillan más en canciones que son desnudas, pero musicalmente más sofisticadas, agregando profundidad.

"Open Up Your Door" sería solo una canción pop si no fuera por preocupaciones líricas: una petición de reconciliación por parte de un marido que confiesa y es dueño de sus defectos, mientras profesa un amor devorador por su cónyuge mientras las cuerdas se hinchan y puntan el puente. La melodía es contagiosa y el altísimo tono de barítono de Hawley es impresionante. Le sigue "Ashes on the Fire", cuya melodía es tan reveladora como su letra. Sus hermosas guitarras sustentan la historia linea a li¬nea. "Remorse Code", de casi diez minutos, combina guitarras acústicas y eléctricas con una batería tocada con las manos desnudas de Dean Beresford. "For Your Lover Give Some Time", quizás la canción más bella del álbum, reflexiona confesionalmente sobre la relación con su esposa. "Don't You Cry", de casi 11 minutos, utiliza cuencos tibetanos, armónicas de vidrio y una lira de pescador.

"Truelove 's Gutter" es una obra singular en el catálogo de Hawley que muestra la madurez de todos sus dones. Es silenciosamente apasionado pero gracioso y elegante. Aquí ha realizado una ambición que es ingeniosa y singular. El artista debe hacer un cambio en algún momento, y después del cómodo montaje de esas obras pasadas, Hawley presenta "Truelove 's Gutter" como un riesgo esencial, capturando su obra en su forma más íntima e indefensa. En los instrumentales, vierte su encantadora fuerza vocal. "Truelove 's Gutter" es de lo más evocador para Hawley. Nada se acerca a lo visceral y sincero que es este trabajo para el músico.

 

Disco recomendado

 
Con todos mis elogios, tengo que aceptar que no es el LP más popular de Richard Hawley, pero sí quizás el mejor y más oscuro álbum. De alguna manera la oscuridad termina superada por la luz, esto en sí mismo es digno de elogio.

"Truelove 's Gutter" no es el lugar para que personas nuevas en Richard Hawley comiencen su descubrimiento. No obstante, cuando el polvo se asiente y su trabajo se evalúe en su totalidad, se podría declarar su obra maestra.

Video del tema "Remorse Code":

 Tracklist-canciones:

1. "As the Dawn Breaks" - 4:35
2."Open Up Your Door" - 4:42
3."Ashes on the Fire" - 4:24
4."Remorse Code" -  9:51
5."Don't Get Hung Up in Your Soul" -  4:16
6."Soldier On" - 6:50
7."For Your Lover Give Some Time" - 5:38
8."Don't You Cry" - 10:42

KATE BUSH - Aerial - Album

La cantante, compositora, productora y bailarina inglesa, Kate Bush, llegó recientemente al frente de una nueva audiencia, mejor dicho, una nueva generación de jóvenes entusiastas de la música, a través de la canción "Running Up That Hill" que aparece en la serie de televisión "Stranger Things" en 2022. Un resurgimiento en las listas de todo el mundo, encabezando las listas en ocho países, incluido el Reino Unido durante tres semanas consecutivas, alcanzando también un nuevo pico del número tres en el Billboard Hot 100. De repente, los adolescentes de todo el mundo estaban maravillados con la música de Bush.

Lleva en activo desde 1975, y quizás su disco más "popular" es "Hound of Love" (1985), que contiene el éxito ya mencionado "Running Up That Hill". Sin embargo, Kate Bush tiene otros 9 álbumes igualmente interesantes y que valen la pena escuchar. Uno de ellos es …

ALBUM: Aerial (Doble CD)

 
El octavo álbum fue publicado el 7 de noviembre de 2005. Marcó el regreso de Kate Bush a la música después de una pausa de doce años y fue recibido con gran entusiasmo tanto por la crítica como por los fans. De hecho, este disco sorprendió por su calidad y belleza.

"Aerial" está llena de himnos románticos a las cosas mundanas y cósmicas, destacando la capacidad de Bush para agregar dimensión y transferir emoción a través de la canción. Todo repartido en dos discos. El primer CD, "A Sea of Honey", es una colección de canciones, arregladas para todo, desde una banda de rock hasta un solo de piano. El segundo CD, "A Sky of Honey", es conceptual. Fue producido por Bush con la ingeniería y la mezcla del colaborador de toda la vida Del Palmer. Musicalmente, el álbum es un trabajo de múltiples capas, que incorpora elementos de folk, renacimiento, música clásica, reggae, flamenco y rock.

Este no es un álbum que aborda grandes preguntas o canaliza la rabia y las ansiedades. No reclama el poder de las mujeres ni defiende la rebelión. La letra no es política, ni se señala con el dedo a nadie por ningún motivo. Esta es una obra sobre lo mundano: pájaros, hacer limpieza de casa, el número Pi y su hijo pequeño. Este es un trabajo alegre sobre cosas pequeñas, creado por una mujer de mediana edad que parece estar en paz con su vida. Dentro de este contexto, Kate Bush logra transformarlo todo en puro arte.

El primer disco, "A Sea of Honey", presenta un conjunto de canciones no relacionadas, incluido el exitoso single "King of the Mountain", y una oda de estilo renacentista a su hijo Albert "Bertie" McIntosh interpretada con instrumentos de época y, una canción basada sobre la historia de Juana de Arco llamada "Joanni". La canción más destacada es la pieza de piano y voz "A Coral Room", que trata sobre la pérdida de la madre de Bush y el paso del tiempo, que es "impresionante" en su simplicidad y quizás una de las piezas más hermosas que Bush haya grabado.

El segundo disco, "A Sky of Honey", consiste en una sola pieza musical que se deleita con la experiencia de aventuras al aire libre en un solo día de verano, comenzando por la mañana y terminando 24 horas después con el próximo amanecer. En este sentido es conceptual. Hay "samples" de cantos de pájaros, elementos que representan el cielo y el mar, etc. Este segundo disco es un "álbum" increíble por sí solo.

Personalmente disfruto con las canciones "King of the Mountain", "A Coral Room" y los dos últimos temas "Nocturn" y "Aerial"; todo el LP es genial, pero estos son excepcionales.

Tomado como un conjunto de dos discos, "Aerial" quizás se encuentre entre los mejores álbumes de Kate Bush. Con cada disco tomado como un trabajo independiente, el oyente aún obtiene dos de los mejores álbumes de Kate Bush. También es quizás el trabajo más sensual y seductor de Bush, pero también para algunos, uno de sus trabajos menos inmediatos. Requiere escucharlo repetidamente para que sus sutiles complejidades se revelen, aunque las melodías son altamente memorables y únicas. Es su álbum más diverso, con elementos de reggae y trip-hop ("King of the Mountain"), rock progresivo ("Aerial"), jazz ("Sunset"), world music ("An Architect's Dream "), clásica ("Prologue"), blues-rock ("How To Be Invisible"), folk ("Bertie") y dub ("Somewhere in Between"), entre muchos otros estilos y sonidos. Es un trabajo poderoso, sensual y complejo que exige y recompensa al oyente.

Disco recomendado, un tremendo disco de regreso. Confirma lo que los fans ya sabían sobre los poderosos talentos artísticos de Kate Bush. También presenta a Kate Bush a una nueva "ola" de fans. Si descubriste recientemente a Kate Bush a través de su canción "Running Up That Hill" ("Stranger Things"), y eso te motivó a descubrir el disco que contiene esa misma canción, entonces genial. Continua la exploración, busca y escucha también este maravilloso doble álbum.

Video del tema "A Coral Room":

Tracklist:

Disc 1:

A Sea of Honey

Side one:

1."King of the Mountain" – 4:53
2."π" (Pi) – 6:09
3."Bertie" – 4:18
4."Mrs. Bartolozzi" – 5:58

Side two

1."How to Be Invisible" – 5:32
2."Joanni" – 4:56
3."A Coral Room" – 6:12 

Disc 2:

A Sky of Honey

Side three 

1."Prelude" – 1:26
2."Prologue" – 5:42
3."An Architect's Dream" – 4:50
4."The Painter's Link" – 1:35
5."Sunset" – 5:58
6. "Aerial Tal" – 1:01 

Side four

1."Somewhere in Between" – 5:00
2."Nocturn" – 8:34
3. "Aerial" - 7:52