TOP 30 ALBUMS: Los Mejores Discos del 2024

Para cerrar el capítulo de 2024, he elaborado una lista muy personal con mis 30 mejores álbumes del año. Es una selección de discos presentada sin un orden en particular, que, obviamente e inevitablemente, no satisfará todos los gustos. Quizá sorprenda a algunos lectores de este blog de música.

Como es inevitable, algunos álbumes quedan fuera. La disciplina de limitarme a 30 discos sirve para reflexionar a fondo sobre mis elecciones. Fue un ejercicio difícil, y desafortunadamente tuve que dejar fuera discos realmente geniales.

Aquí están mis 30 MEJORES ÁLBUMES DE 2024

• Mabe Fratti – Sentir Que No Sabes

Una clase magistral de intimidad. Con arreglos exuberantes y lirismo poético, Fratti crea un paisaje emocional que difumina la línea entre la realidad y el sueño.

• The Smile – Wall of Eyes

The Smile sigue desafiando los límites con Wall of Eyes, que combina la voz cautivadora de Thom Yorke y la intrincada instrumentación de Jonny Greenwood, ofreciendo una experiencia sonora innovadora.

• Chat Pile – Cool World

Cool World canaliza la energía caótica del post-hardcore, con paisajes sonoros abrasivos que capturan la tensión y el desorden de la era moderna.

• The Cure – Songs of a Lost World

La banda regresa con Songs of a Lost World, una odisea melancólica que se siente atemporal y actual, recordándonos por qué Robert Smith sigue siendo un ícono gótico.

• David Gilmour – Luck and Strange

Luck and Strange exhibe los tonos de guitarra característicos de Gilmour con una narrativa reflexiva y progresista, demostrando que sigue siendo una fuerza en la música contemporánea.

• English Teacher – This Could Be Texas

Un debut agudo y dinámico que combina indie rock y poesía hablada en una narrativa cautivadora.

• Ty Segall – Three Bells

Ty Segall ofrece otro triunfo del rock psicodélico con Three Bells, un álbum que oscila entre melodías explosivas y baladas introspectivas.

• Father John Misty – Mahashmashana

Father John Misty explora temas existenciales con ingenio sardónico, entregando un festín orquestal y lírico que se siente grandioso pero personal.

• Floating Points – Cascade

Un viaje electrónico hipnótico, en el que Floating Points crea intrincados paisajes sonoros que se sienten cósmicos y humanos.

• Mike Campbell & The Dirty Knobs – Vagabonds, Virgins & Misfits

Una odisea de rock 'n' roll impregnada de coraje y autenticidad, una carta de amor a las raíces del género.

• Godspeed You! Black Emperor - "NO TITLE AS OF 13 FEBRUARY 2024 28,340 DEAD"

Inquebrantable y apocalíptico, este lanzamiento subraya la urgencia de su mensaje político a través de un post-rock cinematográfico y extenso.

• Osees – SORCS 80

Una explosión desenfrenada de energía ilimitada que fusiona punk, garage y psicodelia en un sonido singular que desafía la categorización.

• Boldy James & Conductor Williams – Across the Tracks

Esta colaboración redefine la narrativa del hip-hop con el lirismo vívido de Boldy James complementado por la producción atmosférica de Conductor Williams.

• Mannequin Pussy – I Got Heaven

Un disco punk feroz y cargado de emociones, que consolida a Mannequin Pussy como una de las voces más vitales de la escena.

• Hurray for the Riff Raff – The Past Is Still Alive

Alynda Segarra se sumerge en las raíces americanas, mezclando temas modernos con melodías atemporales.

• Grandaddy – Blu Wav

Un regreso triunfal para Grandaddy, con paisajes sonoros exuberantes que ofrecen nostalgia envuelta en innovación.

• Kendrick Lamar – GNX

Otra obra maestra lírica que aborda cuestiones sociales con una visión incomparable y un ritmo asombroso.

• SPRINTS – Letter to Self

Captura la energía punk y la vulnerabilidad, convirtiéndose en un lanzamiento destacado.

• Mach-Hommy – Richaxxhaitian

Una exploración sonora de herencia y resiliencia, con los intrincados compases de Mach-Hommy tejiendo un tapiz de identidad.

• Four Tet – Three

Una obra maestra minimalista que difumina las líneas entre sonidos orgánicos y sintéticos.

• Still House Plants – If I Don't Make It, I Love U

Experimental y cautivadora, esta joya vanguardista no deja indiferente.

• Waxahatchee – Tigers Blood

Con letras confesionales y un exuberante sonido indie-folk, ofrece profundidad emocional.

• The Chisel – What a Fucking Nightmare

Un ataque punk implacable, que ofrece comentarios tan descarados como brillantes.

• Viva Belgrado – Cancionero de los cielos

Esta banda española fusiona poéticamente post-rock y emo, pintando paisajes de añoranza.

• Friko – Where We've Been, Where We Go From Here

Un viaje reflexivo de indie-rock que oscila entre la esperanza y la desesperación.

• Nick Cave and The Bad Seeds – Wild God

Un testimonio de la brillantez duradera de Nick Cave, con un álbum desgarrador y casi divino.

• Bill Ryder-Jones – Iechyd Da

Un viaje introspectivo a las raíces galesas, mezclando melancolía con melodías intrincadas.

• Mercury Rev – Born Horses

Un paisaje onírico cinematográfico, con Mercury Rev ofreciendo una experiencia auditiva única.

• Been Steller – Scream from New York, NY

Encapsula el caos y la belleza de la vida urbana con un fervor himnario

Jon Hopkins – Ritual

Una obra maestra meditativa que fusiona precisión electrónica con profundidad espiritual.

En resumen: desde melodías cautivadoras hasta pura energía, estos álbumes han definido, para mi gusto, el panorama musical de 2024. Aunque algunos álbumes se han quedado fuera (un ejemplo, CINDY LEE "Diamond Jubilee", gran disco) creo que esta selección engloba lo que más me ha impresionado este año.

Video de los Top 30 Álbumes de 2024:

JACK WHITE - No Name - Album

En este panorama musical actual que a menudo parece esterilizado por la precisión y la previsibilidad, el disco "No Name" de Jack White surge sacudiendo las vigas del rock moderno. Una mezcla áspera y electrizante de garage rock, blues y punk que se niega a andar de puntillas por encima de las convenciones. Con riffs implacables, producción lo-fi y letras que oscilan entre la crítica y el ingenio juguetón, "No Name" es más que una colección de canciones, es una experiencia visceral.

Quiero recomendar el regreso de Jack White a sus raíces con el álbum "No Name". Un trabajo que estoy seguro que interesará a los lectores de este blog de música.

ALBUM: No Name

 
Este es el sexto álbum de estudio del músico de rock estadounidense Jack White. Inicialmente se lanzó por sorpresa en formatos físicos el 19 de julio de 2024, como un regalo para los clientes de "Third Man Records", antes de una edición digital más amplia el 2 de agosto de 2024. Con "No Name", White no solo revisita el espíritu del garage-punk que definió sus días en "White Stripes", sino que lo revitaliza con ferocidad. Canciones como "Old Scratch Blues" irrumpen en los altavoces con enormes riffs que recuerdan los momentos más fuertes de Led Zeppelin, mientras que "Bless Yourself" ofrece un ritmo cargado de distorsión tan intenso que podría rivalizar con el poder del punk rock de artistas con la mitad de la edad de White.

La producción es intencionalmente tosca, lo que le da a todo el álbum un sonido visceral y sin filtros. Grabado en "Third Man Studio" en Nashville, Tennessee, el álbum se siente vivo, como si White desafiara a su equipo para que siguiera el ritmo de su energía maníaca. Su voz, gruñona en un momento y tierna en el siguiente, se mezcla con la instrumentación, creando una mezcla caótica pero magistral de blues, garage rock y punk.

Una narrativa musical

 
En cuanto a la letra, "No Name" revela ingenio y comentario social. En "Archbishop Harold Holmes", Jack White ofrece una crítica mordaz de la religión institucionalizada, utilizando la cadencia de un predicador para burlarse de la hipocresía con líneas como: "Si Dios está demasiado ocupado, ¡me bendeciré!" La canción rebosa de una convicción ardiente que es a la vez justa e irreverente, canalizando la energía del héroe "Jerry Lee Lewis". Mientras tanto, "It's Rough on Rats" adopta una postura empática, utilizando la difícil situación de las alimañas como metáfora de las desigualdades sociales.

Sin embargo, no todo son sermones. El humor del corte "What 's the Rumpus?" ofrece ligereza en medio del caos. Este himno lúdico critica la obsesión de la cultura moderna con la superficialidad mientras deja caer estribillos pegadizos. Es el tipo de canción que nos recuerda que la mayor fortaleza de Jack White no son solo sus habilidades técnicas, sino su capacidad para hacer que las declaraciones profundas parezcan divertidas.

Caos y artesanía

 
Lo que hace que "No Name" sea un muy buen disco no es solo su crudeza, sino la precisión que la sustenta. canciones como "That 's How I’m Feeling" logran un equilibrio entre la energía gutural del garage-punk y el resurgimiento del rock listo para la radio, lo que demuestra que White no ha perdido su habilidad para crear melodías. “Bombing Out”, un sórdido hardcore de dos minutos y medio, podría ser uno de los temas más cargados de adrenalina de la carrera solista de White, lo que demuestra su capacidad para hacer que la simplicidad parezca monumental.

Incluso los momentos más experimentales del álbum, como "Underground", que parece una improvisación, o el extenso corte final "Terminal Archenemy Endling", parecen decididos en lugar de indulgentes. Este último, con sus melodías de guitarras desérticas y su repercusión vibrante, cierra el álbum con una nota cinematográfica, dejandote exhausto y eufórico.

Sencillez

Quizás el aspecto más llamativo de "No Name" es su negativa a complicar demasiado las cosas. Atrás quedaron los experimentos barrocos de "Boarding House Reach" o los excesos pulidos de "Fear of the Dawn". En cambio, White reduce su música a lo esencial: riffs abrasadores, ritmos contundentes y una voz que corta el ruido. Este enfoque de regreso a lo básico no solo se siente refrescante; se siente necesario, una recuperación de la esencia primaria del rock en una era de mediocridad sobreproducida.

Disco recomendado

 

En una era en la que el rock a menudo se declara "muerto", No Name es un rugido desafiante que demuestra lo contrario. No es solo un álbum; es una declaración, un recordatorio de que la energía, la autenticidad y la voluntad de asumir riesgos aún pueden cautivar. Para los fans de Jack White, este álbum es un regreso triunfal a la forma, que se hace eco de la brillantez de los "White Stripes" mientras abre nuevos caminos. Para los recién llegados, es una introducción electrizante a un artista que se niega a encasillarse.

Si alguna vez te has sentido desilusionado con el estado actual del rock, "No Name" es el antídoto. Búscalo, estoy seguro de que lo disfrutarás.

Video del tema "Terminal Archenemy Endling":

Tracklist:

1.         "Old Scratch Blues"               3:30
2.         "Bless Yourself"                     2:34
3.         "That's How I'm Feeling"                  3:11
4.         "It's Rough on Rats (If You're Asking)"                   4:09
5.         "Archbishop Harold Holmes"                        2:51
6.         "Bombing Out"                      2:32
7.         "What's the Rumpus?"                       3:23
8.         "Tonight (Was a Long Time Ago)"               4:11
9.         "Underground"                      3:45
10.       "Number One With a Bullet"             3:19
11.       "Morning at Midnight"                      3:05
12.       "Missionary"               2:29
13.       "Terminal Archenemy Endling"                    4:04

Músicos:

• Jack White – guitarra (todas las pistas), voz (todas las pistas), teclados (pista 3), batería (pista 3)
• Scarlett White – bajo (pistas 5, 9)
• Carla Azar – batería (pista 5), percusión (pista 5)
• Dominic Davis – bajo (pistas 3, 4, 6, 7, 10, 12)
• Olivia Jean – bajo (pista 1), batería (pista 3)
• Daru Jones – batería (pistas 3, 7, 11), percusión (pistas 3, 7)
• Patrick Keeler – batería (pistas 1, 2, 3, 4, 6, 8, 9, 10, 12, 13), percusión (pistas 1, 2, 3, 6, 9, 13)
• Dan Mancini – bajo adicional (pista 3)
• Quincy McCrary – teclados (pistas 3, 7, 10)
• David Swanson – bajo (pista 2), teclados (pista 13)

NILUFER YANYA - A Method Actor - Album

La británica Nilüfer Yanya esta ahora en su mejor momento y reconocida como uno de los jovenes talentos de la escena indie pop-rock. Quiero recomendar a los lectores de este blog de música su disco titulado "My Method Actor".

ALBUM: My Method Actor

Con este tercer álbum, Nilüfer Yanya se consolida firmemente como una de las voces más cautivadoras de la música británica contemporánea. Publicado el 13 de septiembre de 2024, este sucesor de “PAINLESS” encuentra a Yanya introspectiva, segura de sí misma y artísticamente liberada. Es un álbum que prospera en la contención, tanto musical como líricamente, pero que carga con un peso emocional que perdura. Con su colaborador habitual, Wilma Archer (Sudan Archives, Celeste…), como único socio en la producción, Yanya esculpe un espacio sonoro profundamente personal, un mundo donde cada elección se siente deliberada, pero nada resulta forzado.

Si “Painless” insinuaba la habilidad de Yanya para capturar la vulnerabilidad con una energía angular y ansiosa, “My Method Actor” la muestra inclinándose hacia algo más rico y contemplativo. El álbum abre con “Keep On Dancing”, una canción que establece el tono para lo que sigue. Es confrontativa en espíritu, con las voces suaves pero firmes de Yanya lanzando un desafío lírico: “¿Qué estás buscando?”. A medida que la canción crece desde delicados rasgueos acústicos hasta un remolino de voces y guitarra eléctrica superpuestas, Nilüfer Yanya deja claro que esta es una artista plenamente dueña de su sonido.

Esa confianza continúa en el tema principal, “Method Actor”, donde las texturas de guitarra grunge se encuentran con detalles de pedal steel, creando una tensión sonora que refleja el peso temático de la canción. Yanya canta sobre identidades cambiantes, sobre ponerse y quitarse máscaras: “Llevando mi nuevo disfraz”, reflexiona, como si tratara de reconciliar las múltiples versiones de uno mismo que mostramos a los demás. La metáfora de la “actuación de método” (título del álbum) se entreteje a lo largo del disco, abordando la brecha entre quiénes somos cuando nos observan y quiénes somos cuando estamos solos. Es una exploración de la autoconciencia, entregada con una claridad artística que resulta refrescantemente sincera.

Gran parte de esta obra brilla en sus momentos más tranquilos, donde Yanya reduce la instrumentación a lo esencial. Binding destaca como una clase magistral de contención, con su frágil arreglo de guitarra folclórica, percusión ligera y pedal steel susurrante, sirviendo como el contrapunto perfecto para la desgarradora interpretación vocal de Yanya. Su voz aquí tiene una cualidad fantasmal, mientras bosqueja un relato impresionista sobre la necesidad de escapar.

Donde sus discos anteriores a menudo vibraban con una energía nerviosa, este álbum se siente más deliberado, casi meditativo. Canciones como “Mutations” y “Ready for Sun (Touch)” se despliegan lentamente, invitando al oyente a sentarse con su inquietante belleza.

Líricamente, “My Method Actor” aborda con frecuencia transiciones y finales no resueltos. “Like I Say (Runaway)” funciona como una confesión, con Yanya admitiendo: “El minuto en que pierdo el control / me rompo por dentro”. Es un sentimiento que se repite a lo largo del álbum, dotándolo de una cohesión temática que refleja su unidad sonora.

El disco también deja espacio para la exploración instrumental. Canciones como “Mutations” y “Faith’s Late” habitan en sus propias atmósferas, con largos finales instrumentales que no se sienten indulgentes, sino más bien invitaciones a la reflexión. En “Mutations”, una ráfaga de cuerdas al final de la canción funciona como una liberación de tensión, un momento de catarsis que contrasta bellamente con la intensidad contenida del tema.

Incluso en sus momentos más oscuros, hay una claridad en la composición de Yanya que distingue este álbum. En “Made Out of Memory”, una de las piezas más conmovedoras del disco, Yanya lanza una línea que golpea directo al corazón: “Cavaré mi propia tumba / Me importa un carajo”. Es una declaración venenosa, pero entregada con una aceptación de sí misma que la hace aún más impactante. Aquí no hay melodrama, solo un silencioso reconocimiento del dolor y de la resiliencia que proviene de asumirlo.

La parte final del álbum se siente como un suave descenso, con “Just a Western” actuando como una lenta combustión que combina guitarras exuberantes con un ritmo hipnótico. “Wingspan”, el número que cierra el disco con una gracia onírica. Sus sintetizadores y líneas de guitarra delicadas hacen eco de la apertura del álbum, creando una sensación cíclica que convierte a “My Method Actor” en una experiencia completa y cohesionada.

En última instancia, este disco es un testimonio del crecimiento de Nilüfer Yanya como compositora y música. Al despojarse del ruido y centrarse en lo que realmente importa —su voz, su guitarra y sus historias—, Yanya ha creado una obra que se siente tanto íntima como expansiva. Es un álbum que recompensa con cada escucha, revelando nuevas capas en cada viaje. Desde sus susurros más silenciosos hasta sus declaraciones más audaces, “My Method Actor” es un logro brillante: un álbum tan profundamente personal como universalmente resonante. Para una artista que siempre ha parecido sabia más allá de sus años, esta es Nilüfer Yanya en su versión más segura de sí misma y quizás también en la más vulnerable.

Disco recomendado

En un panorama musical saturado de ruido, “My Method Actor” destaca por su poder silencioso y su brillantez sin pretensiones. Con este disco, Nilüfer Yanya no solo demuestra que pertenece a lo mejor del rock británico, sino que se posiciona como una de sus voces más singulares y esenciales. Un álbum que recomiendo escuchar, uno que se quedó a las puertas de mi lista de Mejores Álbumes de 2024.

Video del tema "Like I Say (I Runaway):

Tracklist: 

1.         "Keep on Dancing"    2:08
2.         "Like I Say (I Runaway)"      2:57
3.         "Method Actor"          3:51
4.         "Binding"       5:16
5.         "Mutations"    4:16
6.         "Ready for Sun (Touch)"       5:33
7.         "Call It Love" 4:53
8.         "Faith's Late"  4:49
9.         "Made Out of Memory"         3:34
10.       "Just a Western"         4:29
11.       "Wingspan"    2:27

Músicos:

• Nilüfer Yanya – voz principal
  
  
• Will Archer – producción, guitarra eléctrica (todas las pistas); guitarra acústica (pistas 1–7), programación (1, 4), teclados (1, 9), bajo (2, 3), coros (2, 6–8, 10, 11), piano (3, 4, 6, 7), guitarra barítono (3, 5), batería (5–7, 9, 10), sintetizador (7, 9), guitarra clásica (8, 10), grabación de campo (11)
• Ellis Dupuy – batería (pista 3)
• Joe Harvey-Whyte – pedal steel guitar (pistas 3–5, 9)
• Clíona Ní Choileáin – violonchelo (pistas 5, 7)

WISHY - Triple Seven - Album

"Wishy" es una banda de indie rock estadounidense de Indianápolis, Indiana, que descubrí hace poco y me impresionó. La banda está formada por Kevin Krauter, ex integrante de la banda Hoops, Nina Pitchkites, Conner Host, Mitch Collins y Dimitri Morris.

Quiero recomendar la banda y su disco debut a los lectores de este blog de música.

ALBUM: Triple Seven

Hay algo especial en un álbum debut que resulta muy familiar. Ese es el caso de Triple Seven, que se publicó el 16 de agosto de 2024 y es el primer álbum de larga duración de la banda indie "Wishy". Si bien el shoegaze y el rock alternativo han experimentado innumerables resurgimientos, "Wishy" logra canalizar el pasado sin perderse en él, creando un sonido fresco.

Desde el principio, Triple Seven atrapa tu atención. El tema de apertura, "Sick Sweet", estalla de energía, mientras la voz apasionada de Kevin Krauter se eleva sobre guitarras y un ritmo de batería implacable. Es un golpe sónico, el tipo de canción que te lleva instantáneamente al mundo de la banda. La transición a "Triple Seven", liderada por la voz más suave y soñadora de Nina Pitchkites, resalta el rango de la banda. Aquí, "Wishy" pasa sin problemas de la intensidad del headbanging a la introspección etérea.

En el corazón del álbum se encuentra el tema "Love on the Outside", un himno indie brillante que captura a la perfección el talento de "Wishy" para la melodía. La voz de Krauter se eleva sobre guitarras estridentes y un coro extenso y descomunal, solo para desvanecerse en un final contemplativo que persiste mucho después de que termina la canción.

Lo que también distingue a Triple Seven es la interacción entre Krauter y Pitchkites, quienes se turnan las tareas vocales mientras armonizan en los momentos clave. Sus estilos contrastantes (la exuberancia ardiente de Krauter y la calma soñadora de Pitchkites) le dan al álbum una calidad dinámica que mantiene las cosas interesantes. Canciones como "Little While" y "Game" resaltan este equilibrio, con capas exuberantes inspiradas en el shoegaze que se encuentran con explosiones de energía.

Si bien la banda lleva sus influencias, Cocteau Twins, My Bloody Valentine y Slowdive entre ellas, descaradamente, no se conforman con un simple homenaje. En cambio, "Wishy" combina estas inspiraciones en algo claramente propio. Triple Seven se siente como si estuvieras pasando el dial de una radio antigua, donde cada número ofrece un sonido nuevo pero extrañamente familiar.

Por supuesto, ningún debut está libre de contratiempos. Algunas canciones, como "Busted", se desvían hacia un territorio que parece ligeramente desincronizado con el resto del álbum, y la producción cruda a veces hace que las voces se sientan menos pulidas de lo que podrían ser. Pero estos pequeños defectos solo se suman al encanto del disco, basando sus elevadas ambiciones en algo real y tangible.

El disco termina con una nota alta con "Spit", un cierre rugiente y lleno de adrenalina que canaliza lo mejor del rock alternativo de los 90. Para cuando los acordes finales se desvanecen, te quedas con una sensación de entusiasmo por lo que viene a continuación, una sensación poco común en la sobresaturada escena indie de hoy.

Disco recomendado

 
"Wishy" es un buen debut. No es perfecto, pero no necesita serlo. El corazón, la energía y el puro amor por el oficio del álbum se reflejan en cada canción, lo que lo convierte en una experiencia que vale la pena descubrir.

Si eres fan del revivalismo de los 90 (siglo xx), el shoegaze o simplemente el buen indie rock, escucha Triple Seven. Es el tipo de disco que te atrapa con cada escucha, revelando nuevas capas y estribillos que te hacen volver.

Video del tema "Split":

Tracklist: 

1.Sick Sweet 03:16
2.Triple Seven 03:26
3.Persuasion 02:48
4.Game 03:25
5.Love On The Outside 03:58
6.Little While 04:38
7.Busted 05:47
8.Just Like Sunday 03:22
9.Honey 04:27
10.Spit 04:56

KENDRICK LAMAR - GNX - Album

En el cambiante panorama del hip-hop, pocos artistas llaman la atención como Kendrick Lamar. Sin previo aviso, Lamar editó el 22 de noviembre de 2024, "GNX", su sexto álbum de estudio, y es nada menos que brillante. Este proyecto compacto pero poderoso es una celebración sonora de la determinación, la narración y la experimentación del estilo Costa Oeste (West Coast). Ya seas un fan experimentado o nuevo en su trabajo, "GNX" es un disco que debes escuchar. En este post, explico por qué este lanzamiento sorpresa es una recomendación y lo desgloso para los lectores de este blog de música.

ALBUM: GNX

 
Este es el sexto álbum de estudio del rapero estadounidense Kendrick Lamara y fue publicado el 22 de noviembre de 2024. Titulado como el modelo de automóvil "Buick Regal", y una continuación de "Mr. Morale & the Big Steppers" (2022), continúa su disputa con el rapero canadiense Drake, aunque no todo es exclusivo de esta trama.

Kendrick Lamar y Dave Free son productores ejecutivos, y este disco cuenta con apariciones de AzChike, Dody6, Hitta J3, Peysoh, Roddy Ricch, Siete7x, SZA, Wallie the Sensei y YoungThreat; Deyra Barrera, Sam Dew, Lefty Gunplay e Ink brindan contribuciones vocales adicionales a lo largo del álbum. La producción estuvo a cargo principalmente de Sounwave y Jack Antonoff, con trabajo adicional de Mustard, Sean Momberger y Kamasi Washington, entre otros.

Como ya se ha mencionado, se trata de un lanzamiento sorpresa sin preámbulos, sin noticias de la industria, solo un adelanto de un minuto antes de que el álbum llegue a las plataformas de streaming. Si el mundo del hip-hop parecía un poco estancado, el álbum de Lamar destrozó esa noción con una ferocidad que solo él podía reunir. "GNX" (abreviatura de Grand National Experimental) es un álbum que redefine lo que significa aprovechar el momento en un género ya dominado por gigantes.

Para aquellos lectores que siguen la trayectoria de Kendrick Lamar, 2024 fue un año de movimientos audaces. Después de dejar Top Dawg Entertainment y Aftermath Entertainment, se enfrentó a Drake que no solo produjo temas de disidencia que encabezaron las listas, sino que también reavivó el amor del público por la guerra lírica. Ahora, con "GNX", la refutación de Lamar a cualquier duda sobre su condición de titán del hip-hop es tan enfática como estimulante.

 

El sonido y el espíritu de GNX

 
A diferencia de la ambición desbordante de "To Pimp a Butterfly" o la turbulencia introspectiva de "Mr. Morale & the Big Steppers", GNX es un proyecto ágil y contundente que canaliza su energía. La producción vibra con los sonidos clásicos de la Costa Oeste: líneas de bajo resonantes, sintetizadores G-funk y toques de estilo del Área de la Bahía. Temas como "Squabble Up" y "Hey Now" prácticamente piden a gritos un estéreo de coche, con sus ritmos contagiosos y su energía.

La decisión de Lamar de incluir una lista de raperos menos conocidos de Los Ángeles: Dody6, Hitta J3 y YoungThreat, parece generosa y estratégica. Sus versos sin pulir, complementan la interpretación de Kendrick, pintando una imagen vibrante de su ciudad. Incluso las canciones más experimentales, como la canción de apertura con influencias de mariachi "Wacced Out Murals", parecen arraigadas en la cultura de la Costa Oeste.

 

Historias, sombras y autorreflexión

 
En esencia, "GNX" es un álbum sobre la identidad y el legado. Desde la confianza de "Man at the Garden", donde Kendrick proclama que "se lo merece todo", hasta el cierre personal "Gloria", el álbum oscila entre declaraciones triunfantes y reflexiones introspectivas. En "Reincarnated", Kendrick se imagina a sí mismo como el sucesor espiritual de figuras como Tupac y Billie Holiday, luchando con el peso de sus legados y su propio llamado divino.

"TV Off" y "Peekaboo" se inclinan hacia una crítica más oscura, casi nihilista, de la industria, con Kendrick burlándose de la cultura del flex superficial y destacando las contradicciones de la fama. Sin embargo, incluso en estos cortes cínicos, su narrativa sigue siendo aguda y evocadora.

Una carta de amor al oficio

La emoción del amor también impregna el álbum, ya sea el amor de Kendrick por su ciudad, su oficio o la gente que lo inspira. En “Luther”, un dueto con SZA, Lamar resalta un lado más suave y romántico, mezclando sus versos a la perfección con la voz etérea de SZA.

Pero es con el tema “Gloria” que ofrece el clímax emocional. Kendrick Lemar profundiza en su relación con la composición; una mezcla de dependencia, pasión y reverencia.

Una vuelta de la victoria

Si la disputa con Drake fue la declaración de dominio de Lamar, "GNX" es la vuelta de la victoria. Sin embargo, es más que una celebración de sus victorias; es un recordatorio de por qué está en la cima. Al combinar la energía pura de una canción de disidencia con la profundidad conceptual de sus trabajos anteriores, Kendrick crea un álbum que es tan inmediato como estimulante.

Si bien el disco carece de la experimentación extensa de "To Pimp a Butterfly", lo compensa con su intensidad enfocada. Las canciones fluyen unas tras otras, creando una narrativa cohesiva que es poco común en el mercado musical actual impulsado por los sencillos. Desde los máximos cinematográficos de "Wacced Out Murals" hasta las vibraciones nocturnas de "Dodger Blue", GNX demuestra que Kendrick Lamar sigue superando los límites sin perder su esencia.

 

Disco recomendado

 
GNX es Kendrick Lamar en su forma más pura y segura. Es un brillante regreso a la forma para un artista que nunca se fue realmente, pero continúa evolucionando. Compacto pero sustancial, el álbum muestra la maestría de Lamar para contar historias, su amor por sus raíces y su voluntad de asumir riesgos. Un disco recomendado, es elegante, poderoso y está hecho para durar.

Video del tema "Squabble Up":

Tracklist:

1.         "Wacced Out Murals"            5:17
2.         "Squabble Up"            2:37
3.         "Luther" (with SZA)  2:57
4.         "Man at the Garden"  3:53
5.         "Hey Now" (featuring Dody6)          3:37
6.         "Reincarnated"           4:35
7.         "TV Off" (featuring Lefty Gunplay) 3:40
8.         "Dodger Blue" (featuring Wallie the Sensei, Siete7x, and Roddy Ricch)   2:11
9.         "Peekaboo" (featuring AzChike)       2:35
10.       "Heart Pt. 6"   4:52
11.       "GNX" (featuring Hitta J3, YoungThreat, and Peysoh)       3:13
12.       "Gloria" (with SZA)   4:47

Samples (muestra) y créditos:

• "Squabble Up" contiene una muestra de "When I Hear Music", escrita e interpretada por Debbie Deb.
• "Luther" contiene una muestra de "If This World Were Mine", escrita por Marvin Gaye e interpretada por Luther Vandross y Cheryl Lynn.
• "Man at the Garden" contiene una interpolación de "One Mic", escrita por Nasir Jones y Chucky Thompson e interpretada por Nas.
• "Hey Now" contiene una interpolación de "Scotty", escrita por Carlos Walker y Lefabian Williams e interpretada por D4L.
• "Reincarnated" contiene una muestra de "Made Niggaz", escrita e interpretada por Tupac Shakur featuring Outlawz.
• "TV Off" contiene: muestras de "MacArthur Park", escrita por Jimmy Webb, interpretada por Monk Higgins, y "The Black Hole - Overture", compuesta por John Barry.una interpolación de "Kick in the Door", escrita por Christopher Wallace, Jalacy Hawkins y Christopher Martin, e interpretada por Notorious B.I.G..
• "Peekaboo" contiene una muestra de "Give a Helping Hand", escrita e interpretada por Willie Hale.
• "Heart Pt. 6" contiene una muestra de "Use Your Heart", escrita por Chad Hugo y Pharrell Williams e interpretada por SWV.

Músicos

• Kendrick Lamar – voz

Deyra Barrera – voz adicional (pistas 1, 6, 12)
Ink – coros (pistas 2, 10), voces adicionales (8)
Sam Dew – coros (pistas 2, 4–6, 8, 10, 12), voces adicionales (3)
Paul Cartwright – cuerdas (pista 3), violín (7)
Caleb Vaughn Smith – cuerdas (pista 3)
Drew Forde – cuerdas (pista 3)
Geoff Gallegos – cuerdas (pista 3)
Giovanna Moraga – cuerdas (pista 3)

MJ LENDERMAN - Manning Fireworks - Album

Su disco de 2022, "Boat Songs" fue incluido dentro de mis álbumes del año. Ahora edita "Manning Fireworks" y MJ LENDERMAN vuelve a sorprender. Un trabajo que mantiene su evolución y que quiero recomendar a los lectores de este blog de música.

ALBUM: Manning Fireworks

 
Este es el cuarto álbum en solitario del músico estadounidense MJ Lenderman, que marca otro hito en su evolución. Publicado el 6 de septiembre de 2024 y coproducido con Alex Farrar, el disco reúne la inconfundible voz de Lenderman y el talento de sus compañeros de banda de "Wednesday", Karly Hartzman, Xandy Chelmis y Ethan Baechtold. A través de su mezcla de ingenio, emoción e instrumentación, "Manning Fireworks" ofrece una exploración profundamente humana de los momentos cotidianos pero profundos de la vida, consolidando el lugar de Lenderman como uno de los narradores de historias más interesantes del indie rock.

Ironía en la condición humana

 
Pocos artistas pueden navegar por las difíciles intersecciones del humor, la angustia y lo mundano tan bien como MJ Lenderman. Con "Manning Fireworks", el cantautor residente en Carolina del Norte aprovecha su habilidad para reflejar las luchas de los pueblos pequeños y las convierte en algo profundamente conmovedor. 

Desde las primeras notas, queda claro que Lenderman está menos interesado en reinventarse que en perfeccionar su arte. El disco retoma lo que dejó su gran éxito de 2022, "Boat Songs", pero con un tono más contemplativo. Atrás quedaron los compradores de barcos impulsivos y los filósofos; en su lugar, Lenderman pinta retratos de personajes que luchan con las consecuencias, el anhelo y el dolor de la existencia cotidiana.

Perdedores y soñadores

 
MJ Lenderman siempre ha tenido una afinidad por los inadaptados, aquellos que tropiezan en la vida con una mezcla de malas decisiones y mala suerte. Sus canciones irradian empatía por sus pequeños triunfos y grandes derrotas. Tomemos como ejemplo la canción "She 's Leaving You", en la que ofrece un consejo sardónico a un amigo recién divorciado: "Ve a alquilar un Ferrari / Y canta blues / Cree que Clapton fue el segundo regreso". Hay humor aquí, pero está atenuado por una ternura genuina, especialmente en los coros lastimeros de Karly Hartzman, que llevan el peso emocional de la canción.

Esta dualidad es donde Lenderman realmente se destaca. En el número "Rudolph", convierte una escena aparentemente absurda, un reno que se despierta maltrecho en la carretera, en una meditación sobre la inutilidad y la resiliencia. La letra es tan trágica como absurda. Es el tipo de imágenes que te toman por sorpresa, transformándose de una imagen de dibujos animados en algo que perdura mucho después de que termina la canción.

El humor del rompe corazones

 
Una de las mayores fortalezas de Lenderman es su capacidad para yuxtaponer emociones profundas con lo absurdo. Sus letras a menudo se leen como frases breves, pero su humor oculta las verdades más profundas que revelan. Esta mezcla de ingenio seco y franqueza emocional lo coloca en un linaje de narradores como Warren Zevon y John Prine, artistas que encuentran lo extraordinario en lo cotidiano.

Incluso en momentos de modestia, MJ Lenderman no deja que su humor oscurezca su vulnerabilidad. En "On My Knees" canta sobre "sueños húmedos de gente divirtiéndose" y pronuncia la línea con una mezcla de resignación y diversión irónica. Es esta capacidad de reírse de las absurdeces de la vida sin dejar de tomarlas en serio lo que hace que "Manning Fireworks" sea tan identificable.

La sencillez dentro de la profundidad

 
Si bien las letras de Lenderman ocupan un lugar central, la instrumentación del álbum es igualmente convincente. El disco logra un equilibrio entre una acústica orgánica despojada y un rock de guitarra distorsionado. Temas como "Rip Torn" y la canción principal evocan el flujo lánguido de un río de verano, mientras que "Bark at the Moon" explota en un frenesí catártico de distorsión y retroalimentación.

Su trabajo de guitarra, siempre discreto, parece deliberado en sus imperfecciones. Los solos son breves pero potentes, y la interacción entre el punteo de notas individuales y el ruido denso crea un paisaje sonoro que tiene tantas capas como sus narrativas. El lap steel de Xandy Chelmis agrega un twang triste, mientras que el violín de Landon George en "Rip Torn" inyecta un toque de intimidad. Juntos, los arreglos reflejan el flujo y reflujo de las vidas que Lenderman narra, sin incidentes en la superficie pero rebosantes de profundidad al observarlas más de cerca.

Un narrador compasivo

Lo que también distingue a MJ Lenderman es su profunda compasión por sus personajes. Incluso en sus momentos más autodestructivos, apostando a caballos con nombres como "Johnny Come Lately" o desmayándose en cuencos de Lucky Charms, nunca se reducen a caricaturas. En cambio, las canciones sugieren que incluso los más lamentables entre nosotros merecen comprensión, si no redención.

Esto es quizás más evidente en el tema "Wristwatch", tal vez la canción más destacada del álbum. El protagonista, un hombre agobiado por la soledad y las malas decisiones, encuentra consuelo en pequeñas comodidades absurdas: un reloj inteligente que también funciona como navaja de bolsillo y megáfono. El estribillo se encadena en una hermosa armonía, transformando la desesperación del personaje en algo casi triunfante.

Un paso adelante

 
Este disco no es sólo una continuación digna de "Boat Songs"; es un salto hacia adelante. Grabado en el estudio "Drop of Sun" de Asheville durante los descansos de la gira, el álbum captura un sonido más pulido pero igualmente auténtico. La producción es más limpia, lo que permite que la voz de Lenderman tome el centro del escenario. Y qué voz es, agrietada, arrastrada y profundamente humana. En canciones como "You Don't Know the Shape I'm In", su interpretación transmite una desesperación silenciosa, mientras que los acordes finales de "Bark at the Moon" ofrecen un rayo de esperanza en medio del caos.

A los 25 años, MJ Lenderman se ha consolidado como una de las voces más interesantes del indie rock. Se resiste a la categorización fácil, ignorando etiquetas como "dudes rock" o "soft boy". En cambio, se presenta como lo que es: un hombre que lucha con las contradicciones de la vida, armado con una guitarra, un sentido del humor seco y un don para contar historias.

Disco recomendado

 
Este es un álbum sobre los pequeños momentos de la vida, lo absurdo, lo desgarrador y lo intermedio. Se trata de encontrar la belleza en lo mundano y la gracia en lo desgarbado. Los personajes de Lenderman pueden no siempre tomar las decisiones correctas, pero nunca dejan de intentarlo. En sus luchas, vemos las nuestras, y en sus pequeñas victorias, encontramos esperanza.

Con este disco, MJ Lenderman no solo documenta la condición humana; la celebra en toda su forma desordenada e imperfecta. Ya sea que estés riendo, llorando o en algún punto intermedio, "Manning Fireworks" es el tipo de álbum que se te queda grabado, un testimonio del poder de las historias simples bien contadas.

En fin, un buen álbum, muy recomendado.

Video del tema "Wristwatch":

Tracklist:

1.         "Manning Fireworks" 2:59
2.         "Joker Lips"    3:01
3.         "Rudolph"       3:31
4.         "Wristwatch"  3:42
5.         "She's Leaving You"  4:38
6.         "Rip Torn"      3:32
7.         "You Don't Know the Shape I'm In" 3:36
8.         "On My Knees"          3:52
9.         "Bark at the Moon"    10:00 

Músicos:

• MJ Lenderman – voz, bajo, batería, guitarra, órgano, producción
• Karly Hartzman – voz (pistas 1, 4–7, 9)
• Landon George – bajo (pistas 1, 6, 7), violín (1, 6), trombón (1, 9)
• Xandy Chelmis – pedal steel guitar (pistas 3, 4), coros (3)
• Ethan Baechtold – piano (pista 6)
• Shane McCord – clarinete (pistas 7, 9)
• Colin Miller – guitarra slide (pista 7)
• Adam McDaniel – clarinete bajo (pista 9)
• Alex Farrar – producción, mezcla, ingeniería (todas las pistas); mellotron (pista 2), piano (4, 5), batería (7)

HIGH VIS - Guided Tour - Album

Si alguna vez has sentido el incesante embate de la vida moderna, el caos, la desconexión, el anhelo por algo verdaderamente auténtico, entonces "Guided Tour", el álbum de HIGH VIS, va ser tu antídoto. Se trata de un movimiento, una colisión y electrizante sonido punk, post-punk y todo lo que hay entre medio. Con este, su tercer lanzamiento, High Vis se sumerge en la turbulencia de nuestro mundo fracturado, creando himnos que son tan desafiantes como esperanzadores.

Quiero recomendar el disco "Guided Tour" a los lectores de este blog de música.

ALBUM: Guided Tour

 
Surgiendo de las intersecciones del post-punk, el britpop y el hardcore, la banda High Vis crea un nuevo y audaz espacio en la música contemporánea con este su tercer álbum, "Guided Tour". Un disco, que combina desafío e introspección a partes iguales, es un examen riguroso de la decadencia social y la resiliencia personal. Al igual que los paisajes que reflejan, imponentes complejos habitacionales y comunidades fracturadas, su música resuena con el peso de la experiencia y la luz de la esperanza.

Producido por Jonah Falco y Stanley Gravett, "Guided Tour" se publicó el 18 de octubre de 2024 y consolida la evolución de High Vis. Desde las raíces ásperas de su debut de 2019 "No Sense No Feeling" hasta las capas texturizadas de "Blending" de 2022, este trabajo encuentra a la banda en la cima de sus poderes. Es a la vez una reflexión y un rechazo de los límites, una clase magistral de fusión de influencias dispares en un sonido claramente propio.

Agitación y trascendencia

 
La canción que abre el álbum y da título al mismo, “Guided Tour”, refleja el espíritu de High Vis. Es una fusión de influencias, un britpop vibrante pero arraigado en la urgencia del punk. La canción sugiere movimiento, no solo a través de espacios físicos sino a través de los laberintos emocionales de la alienación y la conexión. La voz de Graham Sayle con acento lleva el peso de la letra.

En el fondo, “Guided Tour” lucha con la tensión entre la desesperación y el desafío. En cortes como “Drop Me Out”, High Vis canaliza la energía caótica de las raíces del hardcore, mezclándola con líneas melódicas de guitarra que son a partes iguales agresión y vulnerabilidad. “Se supone que debemos estar juntos en esto”, canta Sayle, su voz es un recordatorio visceral de las relaciones fracturadas y la necesidad de cortar los lazos tóxicos. Es un himno para los desilusionados, con ira y empoderamiento.

El lenguaje de la supervivencia

 
High Vis no solo documenta las luchas de la vida de la clase trabajadora; participa activamente en la conversación. Su música aquí actúa como un punto de encuentro para aquellos desilusionados por un sistema que aplasta a las personas mientras pretende ofrecer consuelo. Las letras de Sayle van al grano y abordan fallas sistémicas con claridad e inteligencia emocional.

"Mind's a Lie", un tema destacado, se aventura en territorio experimental. Con samples de "DJ Ell Murphy" del norte de Londres, la canción fusiona ritmos electrónicos con guitarras brillantes, evocando un paisaje sonoro que se siente a la vez inconexo y profundamente cohesivo. Es una meditación sobre la salud mental, una crítica a la negligencia gubernamental del país (su país) que deja a las personas aisladas y sin aliento en busca de apoyo.

La esperanza como resistencia

 
A pesar de su examen de la decadencia social, "Guided Tour" sigue siendo un disco esperanzador. Canciones como “Feeling Bless” y “Fill the Gap” están imbuidas de energía himnaria. Estos números nos recuerdan el poder de la comunidad y la importancia de encontrar momentos de alegría en medio del caos.

La canción de cierre, “Gone Forever”, es a la vez una culminación y un grito de guerra. Con sus imponentes guitarras y su canto desafiante, “When you’re gone, you’re gone forever, you won’t be f*cking missing”, la canción se niega a doblegarse ante la desesperación. Es una liberación catártica, una declaración final del compromiso inquebrantable de la banda de seguir adelante, incluso cuando las probabilidades parecen insuperables.

Disco recomendado

La música de High Vis es más que una colección de canciones; es un estado mental. Su fusión de agresión punk, sensibilidad melódica y profundidad lírica crea un espacio para que los oyentes confronten sus realidades e imaginen algo mejor. “Este álbum es una vía de escape”, explica Sayle en una entrevista, pero también es un mapa para navegar por el tumulto del presente. 

En “Guided Tour”, High Vis ofrece himnos para los desilusionados, los esperanzados y los desafiantes. Este es un disco que no solo pide ser escuchado; exige ser sentido.

Buscarlo y escucharlo, estoy seguro de que te va gustar. Se quedó fuera de mis mejores discos del 2024 por accidente.

Video del tema "Gone Forever":

Tracklist:

1.Guided Tour
2.Drop Me Out
3.Worth the Wait
4.Feeling Bless
5.Fill the Gap
6.Farringdon
7.Mob DLA
8.Untethered
9.Deserve It
10.Mind’s a Lie
11.Gone Forever

NIRVANA - MTV Unplugged in New York - Album

La mayoría de los críticos musicales y el público amante de la música en general consideran que el "MTV Unplugged in New York" de Nirvana no es solo un álbum en vivo, es un retrato íntimo de vulnerabilidad y arte. Grabado en 1993, este set acústico desafió las expectativas, mezclando covers (versiones) inquietantes con reinterpretaciones "unplugged" de sus propias canciones. Despojado de "grunge", reveló la profundidad emocional de Kurt Cobain y la banda, creando una actuación que sigue siendo un testimonio atemporal.

Quiero recomendar este disco a los lectores de este blog de música, especialmente a aquellos de la generación más joven que pueden haber parado en sus LP más famosos: Nevermind e In Utero, y pueden haberse perdido esta obra maestra.

 

ALBUM: MTV Unplugged in New York

 
En noviembre de 1993, Nirvana entró en los estudios Sony Music de Manhattan para grabar una actuación que trascendería y desafiaría las expectativas tanto de sus seguidores como de sus detractores y, en última instancia, redefiniría su legado. "MTV Unplugged in New York" no fue simplemente otra entrada en la popular serie de MTV. Fue una declaración inquietante y visceral de una banda en la cima de su fama, pero tambaleándose al borde del colapso.

Este álbum, publicado póstumamente para Kurt Cobain en noviembre de 1994, muestra a Nirvana bajo una luz completamente diferente. Lejos de los himnos empapados de distorsión que los catapultaron al estrellato, la actuación despoja a su música de su núcleo orgánico y emocional. Sin embargo, no es simplemente una versión atenuada de sus éxitos; es un acto deliberado y desafiante de reinvención. Cobain y la banda evitaron la mayoría de sus éxitos más importantes en favor de originales oscuros, cortes profundos y una variedad ecléctica de versiones. Al hacerlo, crearon un disco que se parece menos a un concierto y más a una confesión íntima.

Rompiendo las reglas

 
La serie "MTV Unplugged" se construyó sobre la premisa de desnudar las canciones de rock y pop a su esencia acústica, a menudo como una muestra de "autenticidad". Sin embargo, Nirvana nunca estuvo interesado en seguir las reglas. Desde el principio, su enfoque desafió el formato. Kurt Cobain insistió en usar una pastilla en su guitarra acústica, pasándola por pedales y un amplificador. Dave Grohl, cuya poderosa batería era un sello distintivo del sonido de Nirvana, tuvo que adaptarse a escobillas y hot rods para mantener la estética sobria del set. Incluso la lista de canciones era poco convencional, sin "Smells Like Teen Spirit" ni "Heart-Shaped Box". En su lugar, optaron por originales menos conocidos como "Something in the Way" y versiones de artistas que iban desde David Bowie hasta el bluesman Lead Belly. 

Esta desviación intencional no estuvo exenta de tensión. Los ensayos fueron tensos, Cobain llegó tarde y visiblemente bajo los efectos. El día de la grabación, luchaba contra los síntomas de abstinencia, el dolor de estómago y la inseguridad. El productor Alex Coletti recordó la precariedad de la situación: todo parecía a punto de desmoronarse. Sin embargo, contra todo pronóstico, Nirvana ofreció una actuación que se convertiría en un icono.

Una intimidad cuidada

 
La meticulosa atención de Kurt Cobain a los detalles se extendió más allá de la música. El escenario estaba adornado con velas negras y lirios que evocaban una atmósfera de funeral. Esta elección estética, aunque algo escalofriante en retrospectiva, reflejó la dualidad de belleza y desesperación que impregna la actuación. La voz de Cobain, frágil pero imponente, dejó al descubierto sus luchas, en particular en la escalofriante canción de cierre, “Where Did You Sleep Last Night”.

Las versiones también fueron una declaración. “The Man Who Sold the World” de David Bowie se convirtió en una inquietante meditación sobre la identidad y la alienación, mientras que las canciones de Meat Puppets introdujeron al público de Nirvana al subgénero del cowpunk. “Where Did You Sleep Last Night” de Lead Belly ancló el set en las tradiciones del folk y el blues, conectando la angustia de Nirvana con un linaje humano más amplio de dolor y resiliencia.

Video del tema ""Where Did You Sleep Last Night":

Más que "Grunge"

Si Nirvana era sinónimo de grunge, "MTV Unplugged in New York" demostró que eran mucho más que eso. Esta actuación puso de relieve su capacidad para mezclar géneros e influencias, punk, folk, blues e incluso glam rock, en algo único y propio. La decisión de Cobain de incluir canciones de artistas que admiraba, como "The Vaselines" y "The Meat Puppets", fue tanto un homenaje como una invitación a los fans a explorar más allá de lo convencional.

El álbum también reveló un lado más tranquilo de Nirvana que se había insinuado en canciones como "Dumb" y "Pennyroyal Tea". Estos números, al despojarse de su refinamiento de estudio, parecían atemporales. Fue un testimonio de la composición de Cobain, que podía ser abrasiva y delicada, desesperanzada y esperanzadora, todo a la vez.

Un legado de vulnerabilidad

 
Escuchar "MTV Unplugged in New York" hoy es a la vez fascinante y desgarrador. Es imposible separar la música de la tragedia de la muerte de Kurt Cobain, que ocurrió menos de cinco meses después de la grabación. Sin embargo, en lugar de sentirse como un réquiem, el LP se erige como un recordatorio de la humanidad de Cobain. Sus luchas, expuestas en cada nota tensa y letra susurrada, resuenan universalmente.

Mientras que el disco "Nevermind" acercó el grunge a las masas e "In Utero" confronta las realidades más oscuras de la fama, "MTV Unplugged" captura a Nirvana en su momento más vulnerable y quizás más auténtico. La actuación no fue perfecta, pero esa imperfección es lo que la hace tan profundamente conmovedora. Es una instantánea de una banda atrapada entre dos mundos, tambaleándose al borde de la grandeza y el olvido, y sigue siendo quizás uno de los álbumes en vivo más íntimos y duraderos en la historia de la música.

Disco recomendado

En definitiva, "MTV Unplugged in New York" es más que un álbum en directo. Es un retrato de un artista y una banda que luchan por encontrar su lugar en el mundo. Es una invitación a la mente de Cobain, donde la belleza y el dolor coexisten en una armonía inquietante. Y es un recordatorio de que, a veces, el mayor poder de la música no reside en la perfección, sino en el coraje de ser verdadero y auténtico.

No puedo recomendar este disco lo suficiente, a los fans, a los no fans y a aquellos que buscan música que va más allá, que redefine a una banda.

Video del tema "Something in the Way":

Tracklist-canciones:

1.         "About a Girl"            Bleach 3:37
2.         "Come as You Are"               Nevermind      4:13
3.         "Jesus Doesn't Want Me for a Sunbeam" (The Vaselines cover) Dying for It         4:37
4.         "The Man Who Sold the World" (David Bowie cover) The Man Who Sold the World     4:20
5.         "Pennyroyal Tea"                   In Utero          3:40
6.         "Dumb"                      In Utero          2:53
7.         "Polly"            Nevermind      3:16
8.         "On a Plain"               Nevermind      3:44
9.         "Something in the Way"                   Nevermind      4:01
10.       "Plateau" (Meat Puppets cover)                     Meat Puppets II         3:38
11.       "Oh Me" (Meat Puppets cover)                     Meat Puppets II         3:26
12.       "Lake of Fire" (Meat Puppets cover)             Meat Puppets II         2:55
13.       "All Apologies"                     In Utero          4:23
14.       "Where Did You Sleep Last Night"  Lead Belly                 5:08

Nirvana (Banda)

• Kurt Cobain – voz principal, guitarra electroacústica (1–9, 13, 14)
• Krist Novoselic – bajo acústico (1, 2, 4, 6–9, 13, 14), acordeón (3), guitarra rítmica acústica (10–12)
• Dave Grohl – batería (todas excepto 5), coros, bajo acústico (3)
• Pat Smear – guitarra acústica (1–4, 6–9, 13, 14)

Músicos adicionales

Lori Goldston – violonchelo (3, 4, 6–9, 13, 14)
Cris Kirkwood – bajo acústico, coros (10–12)
Curt Kirkwood – guitarra acústica principal (10–12)

Producción

Alex Coletti – producción