THE TEARS - Here Come the Tears - Album

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música un disco que quizás ha quedado eclipsado que sin embargo es muy bueno. El álbum titulado "Here Come the Tears" es el único LP grabado y editado por los miembros de "Suede" Brett Anderson y Bernard Butler bajo el nombre "THE TEARS" después de su antipática ruptura y tiempo de separación. 

Un disco con una historia de fondo interesante y, lo que es más importante, grandes canciones.

¿Quiénes eran la banda "The Tears"?

Este fue un supergrupo de rock inglés formado en 2004 por los ex compañeros de banda de "Suede" Brett Anderson y Bernard Butler, junto con los ex miembros de "Delicatessen" y "Lodger" Will Foster (teclista), el bajista Nathan Fisher y el baterista de sesión de Bernard Butler, Makoto Sakamoto.

Sin embargo, el proyecto duró poco ya que se disolvió en 2006.

Quiero recomendar "Here Come the Tears" un álbum pop que evoca la obra de David Bowie, y que fue comparado con el segundo álbum de estudio de Suede “Dog Man Star” (1994).

 

ALBUM: Here Come the Tears

 
Este es el único álbum de estudio de la banda de rock inglesa "The Tears". Fue publicado el 6 de junio de 2005. El líder Brett Anderson y el guitarrista Bernard Butler vinieron de "Suede", y Butler dejó esa banda después de sólo dos álbumes. La carrera de "Suede" estaba en pausa cuando los dos se reunieron para este proyecto.

En enero de 2004, la pareja había comenzado a grabar música juntos y habían acumulado 18 demos en junio de 2004, después de lo cual comenzaron a grabar este álbum. "Here Come the Tears" es un álbum de pop rock, que toma influencia del trabajo de David Bowie, concretamente de sus álbumes "The Man Who Sold the World (1970)" y "Hunky Dory (1971)".

Para entrar en un contexto más amplio, el hecho de que Butler dejará "Suede" y se separará durante las etapas finales de la grabación del segundo álbum, "Dog Man Star", en 1994, fue muy desagradable. El guitarrista se fue abruptamente, dejando al co-compositor de Butler, el vocalista Brett Anderson, para terminar el disco; Anderson incluso se vio obligado a dejar partes de guitarra que Butler dejó sin grabar, mientras la mala sangre fluía por la prensa musical y tiempo después. Para resumir y no enrollar más, Anderson y Butler enterraron el hacha en 2004 y formaron "The Tears", editando "Here Come the Tears".

"Here Come the Tears", es un raro disco de reunión que completa algunos asuntos pendientes. En lugar de continuar con las líneas del LP "Dog Man Star", Anderson y Butler emprenden el proceso de crear una secuela adecuada y vibrante. En consecuencia, esta es una progresión natural y un vistazo de cómo habría sonado un siguiente LP de "Suede"; "Here Come the Tears" es cinematográfico, exuberante y apasionado, a medio camino entre el pop pegadizo, el romanticismo y de canciones épicas. El álbum suena dulce con las historias de Anderson sobre amantes trágicos, desconexión, alienación y anhelo con un verdadero sentido de conmoción. De manera similar, la producción y los arreglos de Butler alcanzan su punto máximo precisamente en los momentos correctos, otorgando gravedad y gracia a las palabras de Anderson.

Este disco es fácil de escuchar y se deja llevar por la elegancia de su sonido. Anderson y Butler también se revitalizan mutuamente como compositores y crean 13 canciones realmente agradables, que van desde himnos como "Refugees", "Two Creatures" y "Lovers" hasta baladas como "The Ghost of You" y "A Love as Strong as Death" hasta números lentos y agitados en tonos menores como "Brave New Century". Todas estas canciones tienen antecedentes familiares en el catálogo de "Suede", pero no se sienten recicladas y se sienten como una continuación del mejor trabajo del dúo.

Esta es la única crítica que algunos críticos y fans han hecho a este disco, que suena como cualquier otro disco de "Suede". Un poco duro a mi entender, ya que se pierde el contexto y el relato de la ruptura, rencor y reconciliación que es este álbum.

Disco recomendado

 
La calidad de la música y la letra de "Here Come the Tears" es innegable. Si eres fan de "Suede" o "David Bowie", obviamente lo disfrutarás, pero también si te gusta el pop rock de calidad. Es un LP muy bueno y único.

Video del tema "Brave New Country":

Tracklist:

1."Refugees" – 2:51
2."Autograph" – 3:31
3."Co-star" – 4:01
4."Imperfection" – 4:42
5."The Ghost of You" – 4:57
6."Two Creatures" – 3:57
7."Lovers" – 4:03
8."Fallen Idol" – 3:39
9."Brave New Century" – 3:44
10."Beautiful Pain" – 3:46
11."The Asylum" – 3:53
12."Apollo 13" – 5:34
13."A Love as Strong as Death" – 4:14

The Tears (músicos):

• Brett Anderson - voz
• Bernard Butler – guitarra eléctrica, arreglista de cuerdas
• Nathan Fisher – bajo
• Makoto Sakamoto - batería
• Will Foster - teclados

Músicos adicionales:

Sally Herbert - arreglista de cuerdas, directora, cuerdas
Bola Gini – cuerdas
Dinah Beamish - cuerdas
Catherine Browning - cuerdas
Ian Burdge – cuerdas
Gillon Cameron - cuerdas
Calina De La Mare – cuerdas
Howard Gott - cuerdas
Steve Hussey - cuerdas
Jackie Norrie - cuerdas
Julia Singleton – cuerdas
Anne Stephenson - cuerdas
Lucy Wilkins - cuerdas
Chris Worsey - cuerdas
Brian Wright - cuerdas
Skaila Kanga - arpa
Matthew Gunner - trompa
Roland Sutherland - flauta

Producción:

Bernard Butler - productor, ingeniero de sonido
Brett Anderson - productor ejecutivo

ART OF NOISE - Who's Afraid of the Art of Noise? - Album

Los lectores ya en edad media sabrán de sobra la banda electro-pop "ART OF NOISE". Arrasaron las pistas de baile y clubs de los años 80 con sus canciones electrónicas y melódicas que en su momento eran innovadores.

Quiero recomendar a los melómanos su primer álbum "Who 's Afraid of the Art of Noise?", un LP que fue rompedor e influyente en la evolución de la música electrónica europea.

¿Quiénes eran la banda "Art of Noise"?

 
Art of Noise (también conocidos como "The Art of Noise") fue un grupo británico de synthpop de vanguardia formado a principios de 1983 por Gary Langan y J. J. Jeczalik, junto con la tecladista y arreglista Anne Dudley, el productor Trevor Horn y el periodista musical Paul Morley.

Las composiciones, en su mayoría instrumentales, del grupo eran novedosos collages de sonido melódico basados en tecnología de sampler digital, que era una técnica innovadora en ese momento. La banda se destaca por el uso innovador de la electrónica y las computadoras en la música pop.

La discografía de "Art of Noise":

• Who's Afraid of the Art of Noise? (1984)
• In Visible Silence (1986)
• In No Sense? Nonsense! (1987)
• Below the Waste (1989)
• The Seduction of Claude Debussy (1999) 

Voy a recomendar el primer LP.

 

ALBUM: Who's Afraid of the Art of Noise?

 
El primer LP de estudio del grupo inglés de synth-pop de vanguardia "Art of Noise", publicado el 19 de junio de 1984. Es el único disco de larga duración que hicieron con Trevor Horn como miembro a tiempo completo.

La canción de la que más se habla es "Close (To the Edit)", que se beneficia de un video innovador y su fuerte ritmo funky con voces en su mayoría sin letra, sin mencionar el "¡Hey!", el gancho vocal que "The Prodigy" usaría como sample en "Firestarter". La canción principal del LP también combina brillantemente un sintetizador de bajo, tambores con ecos y percusión, llenos de cortes vocales cambiantes, ruidos aleatorios y melodías inusuales. Son sólo dos aspectos destacados que alimentarán tu interés.

Parte de la emoción de "Who 's Afraid of the Art of Noise?" es el sentido de yuxtaposición y juego, algo todavía poco común en la música y menos aún en el género pop. La canción protesta y política de "A Time for Fear (Who 's Afraid)" y el abstracto "How to Kill", logrado mediante sampleo, se enfrenta a los ritmos ásperos y la orquestación serena. Si ese material hubiera aparecido entre mediados y finales de los años 90, pocos se habrían sorprendido. Las cosas mejoran más con "Beat Box" que captura ritmos pesados con fragmentos vocales y vibraciones suaves. Las punzadas orquestales características de Trevor Horn emergen en todas partes, mientras que el talento de Anne Dudley para matices más suaves y arreglos dramáticos también se manifiesta. La versión completa de diez minutos de "Moments in Love" es quizás el mayor triunfo del álbum. Para mí la mejor canción del LP y una obra maestra del synth-pop electrónico temprano.

En general, se puede obtener mucho placer al escuchar cómo se desarrollan estas canciones. Realmente no sabes adónde van a ir o qué sonidos podrían usar a continuación. Cuando la banda crea un gancho para una canción, siempre es pegadizo e hipnótico.

Lo que es importante tener en cuenta es el momento histórico y tecnológico de la música en la que apareció este LP. "Art of Noise" creó sonidos electrónicos innovadores y demostró que la música electrónica no detiene la expresión y la creatividad. El primer tema "A Time to Fear" utiliza efectos estéreo, percusión electrónica y samples de palabras habladas. "Beat Box" tiene ritmos mecánicos y efectos de sonido. "Close (to the Edit)" tomó su título y samples de la banda de rock progresivo "Yes", pero la mezcla y los efectos de voz lo han convertido en algo completamente diferente. El gran tema "Moments in Love" transporta al oyente al espacio. De hecho, "Moments in Love" fue tocado por DJsde todo el mundo (especialmente Ibiza) hasta bien entrados los años 90 (siglo xx). De hecho, algunos mencionan que 'Moments in Love' fue la primera canción del género electrónico "IDM".

Junto con los alemanes Kraftwerk, quizás "Art of Noise" fueron los líderes en el desarrollo de la música electrónica como forma de arte. Como cualquier trabajo anterior, "Who 's Afraid of the Art of Noise?" muestra algo de distancia aún por recorrer, pero sigue siendo un gran, intrigante y único objeto de arte. Se las arreglaron para introducir un "elemento humano" en este LP, convirtiendo la amplia gama de sonidos electrónicos en puentes para crear estados de ánimo contrastantes.

 

Disco recomendado

 

"Art of Noise" son pioneros de la música electrónica actual, y este primer álbum es una joya.

Video del tema "Moments in Love":

Tracklist (formato LP original):

Cara A: A Time to Hear

1.         "A Time for Fear (Who's Afraid)"     4:43
2.         "Beat Box (Diversion One)"  8:33
3.         "Snapshot"      1:00
4.         "Close (To the Edit)"  5:41 

Cara B: Who's Listening

5.         "Who's Afraid (of the Art of Noise?)"          4:22
6.         "Moments in Love"    10:17
7.         "Memento"     2:14
8.         "How to Kill" 2:44
9.         "Realisation"   1:41

Créditos (músicos):

• Gary Langan
• Anne Dudley
• J.J. Jeczalik
• Trevor Horn
• Paul Morley

Art of Noise - producción

THE MOVE - Shazam - Album

Quiero llamar la atención de los lectores de este blog de música sobre una banda británica de los años 60-70 (siglo xx) que grabaron unos muy buenos discos de rock psicodélico y, que una parte de la banda pasaría más tarde a formar "ELO".

Me refiero al grupo "THE MOVE" y deseo recomendar a los melómanos su excelente segundo álbum "Shazam".

Dudo que los lectores más jóvenes estén familiarizados con ambos, ni quizás muchos lectores veteranos, por lo que es igualmente interesante explorar este trabajo.

¿Quiénes eran la banda "The Move"?

 
Una formación de rock de finales de los 60 y principios de los 70. "The Move" evolucionó a partir de varios grupos con sede en la ciudad de Birmingham (UK) de mediados de la década de 1960, incluidos "Carl Wayne & the Vikings", "Nightriders" y "The Mayfair Set". Su nombre hacía referencia al movimiento (the move) que hicieron varios integrantes de estas bandas para formar el grupo. 

Durante la mayor parte de su carrera, "The Move" estuvo dirigido por el guitarrista, cantante y compositor Roy Wood. Escribió todas las canciones del grupo y desde 1968 cantó como voz principal en muchas canciones. Inicialmente, la banda tenía cuatro vocalistas principales (Wood, Carl Wayne, Trevor Burton y Chris "Ace" Kefford) que se dividieron entre ellos las funciones vocales principales.

Consiguieron nueve sencillos entre los Top 20 del Reino Unido en cinco años. Sin embargo, fueron una de las bandas británicas que no encontraron ningún éxito real en los Estados Unidos.

En 1972, "The Move" se había reducido a un trío formado por Wood, Bevan y Jeff Lynne, anteriormente de "Idle Race". En los últimos años de la banda, esta formación desarrolló un proyecto paralelo llamado "Electric Light Orchestra", que alcanzaría un gran éxito internacional después de la disolución de "The Move".

Esta es su discografía:

• Move (1968)
• Shazam (1970)
• Looking On (1970)
• Message from the Country (1971)

Es su segundo disco "Shazam" el que quiero destacar ante los lectores.

 

ALBUM: Shazam

El segundo disco de estudio de la banda de rock inglesa "The Move", publicado en febrero de 1970. El álbum marcó un puente entre los sencillos pop de finales de la década de 1960 y el estilo más agresivo, de hard rock y de formato largo de sus álbumes posteriores. Fue el último álbum que contó con el vocalista Carl Wayne y el primero con el bajista y vocalista Rick Price. La portada del álbum fue dibujada por Mike Sheridan, ex compañero de banda de Roy Wood en "Mike Sheridan and the Nightriders".

En comparación con el debut homónimo de la banda en 1968, este trabajo es más unificado y coherente. No se tomó de sesiones de un período de 14 meses, sino que se hizo en gran medida en un período concreto de tiempo. "The Move" había cambiado en el período entre sus primeros álbumes, con el bajista original Chris "Ace" Kefford saliendo en 1968. En su ausencia, el guitarrista rítmico Trevor Burton cambió al bajo, comenzando un período extraño en el que el grupo estaba grabando canciones escrito en su mayoría por Roy Wood, pero algunos escritos por David Morgan, un compañero compositor de Birmingham que firmó con la editorial del cantante principal de "The Move", Carl Wayne.

Trevor Burton dejaría la banda más tarde y Richard Price fue contratado como su reemplazo para hacer el circuito en vivo de cabaret europeo. Aquí, la banda se volvió más sólida y extraña, rasgos que se muestran en "Shazam". Dejando a un lado las construcciones concisas y el trabajo meticuloso de sus singles psicodélicos, "The Move" se concentra en el rock progresivo pesado y "flower" en "Shazam".

Con la excepción del suave número "Beautiful Daughter", ninguna de las seis canciones aquí dura menos de cinco minutos, dos se extienden por más de siete y "Fields of People" llega a la marca de los 11 minutos. De estos seis mencionados, sólo el primero "Hello Susie" califica como un original de Wood, ya que "Beautiful Daughter" es anterior y "Cherry Blossom Clinic Revisited" es una versión ampliada y reelaborada de una canción de su LP debut. "Hello Susie" también señala el camino hacia el rock & roll pesado y melódico que "The Move" patentaría en su próximo álbum "Message from the Country".

Todas las canciones están organizadas de manera que la banda pueda incursionar en color y textura, pasando de guitarras a un sonido más heavy y armonías frágiles. Es música muy inventiva y, como sonido puro, es posible que "The Move" nunca haya sido mejor que en "Shazam", ya que hay más ideas en cada una de estas largas canciones que las que tienen la mayoría de las bandas en su carrera.

La gran cantidad de ideas puede resultar intimidante para el oyente en la primera escucha y puede haber tantas que es posible que algunos nunca superen la avalancha de invención, pero "Shazam" te recompensa después de repetidas reproducciones.

Para redondear, "Shazam" también destaca a Roy Wood en su forma más creativa y la voz teatral de Carl Wayne combina perfectamente con los arreglos, especialmente en la canción de cierre, "The Last Thing on My Mind", el clásico de Tom Paxton totalmente reelaborado. Pienso que cualquiera que disfrute y siga a las grandes bandas británicas de los 60 como "The Kinks", "The Zombies", "The Beatles" y "The Who", realmente apreciará y disfrutará este disco.

Sólo como última nota y una ligera tangente, Jeff Lynne se uniría a "The Move" para su próximo disco. Wood, Bevan y Lynne formarían después "Electric Light Orchestra".

 

Disco recomendado

 

Este LP es esquizoide, psicodélico, hard rock y de flower power. "The Move" logró llenar el aire con nuevas ideas extrañas y esas eran ideas musicales altamente psicodélicas. El álbum sigue siendo una de las obras maestras menos conocidas del género del rock psicodélico. Anímate y escúchalo.

Video del tema "The Last Thing on My Mind":

Tracklist (formato LP original):

CARA A:

1.         "Hello Susie" (Originally by Amen Corner)  Roy Wood      Roy Wood      4:55
2.         "Beautiful Daughter" Wood  Carl Wayne     2:36
3.         "Cherry Blossom Clinic Revisited"   Wood,Wayne with Wood, spoken word by Bev Bevan      8:40 

CARA B:

4.         "Fields of People" (Originally by Ars Nova) Wyatt DayJon Pierson Wayne 10:09
5.         "Don't Make My Baby Blue" (Originally by Frankie Laine) Barry MannCynthia Weil
Wayne 6:18
6.         "The Last Thing on My Mind" (Originally by Tom Paxton) Tom Paxton  Wayne, Wood and Rick Price            7:35

Músicos:

• Roy Wood - voz, guitarras, teclados
• Carl Wayne - voz
• Rick Price - voz, bajo
• Bev Bevan - batería, percusión

Trevor Burton - bajo (antes de dejar la banda, cuyos temas se desconocen)
Tony Visconti - bajo en "Beautiful Daughter".

HUMBLE PIE - Performance Rockin' the Fillmore - Album (Live)

Es uno de los mejores álbumes en directo jamás grabados, a la altura de The Who "Live at Leeds", The Allman Brothers "At Fillmore East" y Deep Purple "Live in Japan". El trabajo al que se alude es el LP doble de 1971 "Performance Rockin' the Fillmore" de la banda británica de blues rock "HUMBLE PIE".

Quiero recomendar esta joya a los lectores de este blog de musica y a los melómanos.

 

ALBUM: Performance Rockin' the Fillmore

 
Este es un magnífico doble LP en directo de 1971 del grupo inglés de blues-rock "Humble Pie" grabado en "Fillmore East" en la ciudad de Nueva York del 28 al 29 de mayo de 1971. El sencillo de gran éxito de este disco es ""I Don't Need No Doctor". El 29 de octubre de 2013, el sello discográfico "Omnivore Recordings" editó las cuatro sesiones grabadas ese fin de semana como un conjunto de cuatro CDs - "Performance: Rockin' the Fillmore-Complete Recordings".

El set de una hora contiene una canción original y varias versiones. Esta fue la gira y el doble LP que abrió el mercado estadounidense a "Humble Pie". Después de mezclar el álbum, y poco antes de su lanzamiento, el guitarrista Peter Frampton dejó la banda debido a los crecientes conflictos entre él y Steve Marriott.

Como se indica, este doble LP se grabó mientras Peter Frampton todavía estaba en la banda y captura la magia de "Humble Pie", donde el lirismo y las ideas de Steve Marriot se equilibraba con la abrasadora guitarra y solos de Frampton. Es un testimonio de lo duro que puede llegar a ser el rock sin desviarse hacia el heavy metal. El cociente del alma y la interacción de guitarras que impulsan este disco es impresionante.

Aquí encontrarás una banda realmente trabajada que puede estirarse y tocar. La banda tiene mucha clase, sentimiento y podría ir en muchas direcciones. Este es definitivamente uno de los grandes álbumes de rock and roll en vivo jamás publicado en vinilo.

"Performance Rockin' the Fillmore" también resalta la diversidad de la banda al incluir dos canciones paralelas, "I Walk On Gilded Splinters" de Dr. John y el clásico de The Muddy Waters "Rollin' Stone". Los otros dos lados cuentan con un grupo disparando a toda máquina. Hay un excelente trabajo de guitarras de Steve Marriot y Peter Frampton, y la sección rítmica de Greg Ridley en el bajo y Jerry Shirley en la batería es tan sólida y firme como cualquier otra banda de rock en ese momento. La formación sube al escenario en llamas y no cede hasta que la última nota es recibida con un estruendoso aplauso.

Esencial escuchar toda la grabación de "Performance: Rockin' the Fillmore". Es un trabajo candente y basado en blues interpretado con pasión, alma y vigor. Verdaderamente una grabación de concierto legendaria de una época que produjo numerosos LP en directo geniales. No hay nada mejor aquí, captura la energía cruda y la emoción de "Humble Pie" en el escenario.

Disco recomendado

 
Un documento de una banda en un momento crucial de su existencia, es valioso y revelador. Este es un excelente álbum de hard rock. De principio a fin se ubica entre las mejores presentaciones en vivo jamás realizadas en la historia del rock. Imprescindible para cualquiera que presuma ser un fan del rock de los 70 o en general. Es absolutamente esencial.

Video del tema "I Don't Need No Doctor":

Tracklist (formato LP vinilo original):

Disc 1:

Cara A:

1.         "Four Day Creep"       Ida Cox          3:46
2.         "I'm Ready" (from Humble Pie)        music: Peter Frampton, Steve Marriott, Greg Ridley, Jerry Shirley; words: Willie Dixon   8:31
3.         "Stone Cold Fever" (from Rock On) Peter Frampton, Steve Marriott, Greg Ridley, Jerry Shirley 6:18

Cara B:

4.         "I Walk on Gilded Splinters" Dr John Creaux          23:25

Disc 2:

Cara A:

5.         "Rollin' Stone" (from Rock On)        Muddy Waters; arranged by Peter Frampton, Steve Marriott, Greg Ridley, Jerry Shirley   16:07

Cara B:

6.         "Hallelujah I Love Her So"    Ray Charles    5:10
7.         "I Don't Need No Doctor"     N.Ashford, V. Simpson, J. Armstead           9:15 

Humble Pie (Músicos):

• Steve Marriott - guitarra, voz, armónica
• Peter Frampton - guitarra, voz
• Greg Ridley - bajo, voz
• Jerry Shirley - batería

AL GREEN - Let´s Stay Together - Album

Quiero recomendar a un maravilloso cantante de soul, AL GREEN y su disco de 1972 "Let´s Stay Together". Una magistral pieza que definió el lado más "dulce" de la música soul y ahora un clásico de la música negra americana de los años 70 (siglo xx).

 

¿Quién es el cantante Al Green?

 
Albert Leornes Greene, conocido profesionalmente como "Al Green", es un cantante, compositor, pastor y productor discográfico estadounidense mejor conocido por grabar una serie de sencillos súper exitosos de soul a principios de la década de 1970. Después de que su novia se suicidara, Green se ordenó pastor y se dedicó a la música gospel, aunque volvió a grabar música más secular.

Al Green fue incluido en el "Salón de la Fama del Rock and Roll" en 1995. En el sitio del museo se hacía referencia a él como "uno de los cantantes de música soul más talentosos". También se le ha conocido como "El último de los grandes cantantes de soul".

Su discografía es muy, muy larga, pero es su LP de 1972 "Let´s Stay Together" el que le dio la fama mundial y es, para mí, su mejor disco.

 

ALBUM: Let's Stay Together

 

Este es el cuarto disco de estudio del cantante de soul Al Green publicado en 1972. Un éxito comercial, alcanzó el puesto número ocho en la lista de álbumes pop y se convirtió en el primero de seis álbumes consecutivos de Al Green en alcanzar el número uno en la lista de álbumes de soul.

Este LP es mejor conocido por su canción principal, "Let 's Stay Together", que se convirtió en la canción característica de Green y su único single pop número uno. Producido por Willie Mitchell, este álbum también marcó el comienzo del período clásico de álbumes aclamados por la crítica de Green.

Este álbum convirtió a Al Green en una estrella entre los cantantes de soul contemporáneos como Marvin Gaye e Isaac Hayes. Ofrece un sonido soul áspero y suave, inspirado en gran medida en el sonido "Stax/Atlantic Memphis" de los años 60 (en particular, Otis Redding), pero con una sensación más dulce y tenue tanto en la producción como en las letras, donde la voz de Al Green y su material íntimo, sensual y romántico es ideal.

Antes de este álbum, Al Green nunca tuvo un éxito número uno. La canción principal, el ahora clásico "Let 's Stay Together", logró ese estatus y lo mantuvo durante nueve semanas consecutivas. Los susurros, los gritos animados y los riffs del dinámico cantante de soul realzan su ya conmovedora interpretación. El LP se vendió gracias a esta canción principal mencionada. Sin embargo, el disco incluye la otra joya "How Can You Mend a Broken Heart" y bellezas menos conocidas como "Judy", "I Never Found a Girl" y el número de blues "It Ain't No Fun to Me". Al Green y su socio creativo Willie Mitchell grabaron estas selecciones con lúcidos arreglos rítmicos complementados con delicados rasgueos de guitarra y algunos instrumentos de viento implacables.

En general, este álbum elimina la instrumentación funk habitual y reemplaza muchos de los instrumentos con instrumentos jazz y de cuerda. Esto le permitió a Al Green brillar más notablemente con su voz poderosa y apasionada y su excelente composición.

 

Disco recomendado

 
"Let 's Stay Together" es donde Al Green consiguió su gran oportunidad para convertirle en una estrella. Este es uno de esos discos de soul clásicos que es de naturaleza trascendente por su sonido único y por cómo conecta a un nivel más profundo. Una obra mágica, justo en la cima de lo que fue una época gloriosa para la música afroamericana. Un disco imprescindible del género soul (soul sureño) que se ha convertido en una obra atemporal de la música negra; mejor dicho, música universal.

Si sólo experimentas un álbum de AL GREEN, entonces este es el indicado.

Video del tema "Let´s Stay Together":

Tracklist - canciones (formato LP original):

Cara A:

1."Let's Stay Together" (Green, Al Jackson, Jr., Willie Mitchell) – 3:18
2."La-La for You" (Green, Mitchell) – 3:31
3."So You're Leaving" – 2:57
4."What Is This Feeling" – 3:42
5."Old Time Lovin'" – 3:19

Cara B:

11."I've Never Found a Girl (Who Loves Me Like You Do)" (Eddie Floyd, Alvertis Isbell, Booker T. Jones) – 3:41
2."How Can You Mend a Broken Heart" (Barry Gibb, Robin Gibb) – 6:22
3."Judy" – 3:47
4."It Ain't No Fun to Me" – 3:23

Ficha:

Voz:

• Al Green - voz
• Charles Chalmers, Donna Rhodes, Sandra Rhodes - coros, arreglos

Sección de ritmo:

• Howard Grimes - batería
• Al Jackson Jr. - batería
• Leroy Hodges - bajo
• Charles Hodges - órgano, piano
• Teenie Hodges - guitarra

Sección de instrumentos de viento:

• Wayne Jackson - trompeta
• Andrew Love – trompa, saxofón tenor
• Ed Logan - trompa, saxofón tenor
• James Mitchell - bajo, saxofón barítono [ambiguo], arreglos
• Jack Hale, Sr. - trombón

Personal adicional:

• Willie Mitchell - productor, ingeniero de sonido.

MIKE CAMPBELL & THE DIRT KNOBS - Vagabonds, Virgins & Misfits - Album

MIKE CAMPBELL le dio a "Tom Petty and the Heartbreakers" su sonido de guitarra distintivo, además de coescribir algunas canciones geniales. Ahora tiene su banda "The Dirty Knobs" y ha editado un tercer álbum.

"Vagabonds, Virgins & Misfits" (2024) es un esfuerzo triunfal que solidifica el estatus de Mike Campbell como uno de los grandes músicos de rock estadounidenses de su generación. Este álbum es una mezcla genial del sonido característico de Campbell arraigado en el rock clásico y las influencias "americana" que definieron el catálogo de los Heartbreakers con un toque fresco y moderno.

Quiero destacar a los lectores de este blog de música dicho trabajo y les recomiendo que lo escuchen, ya que es rock n roll de "siempre".

¿Quién es el músico "Mike Campbell"?

 
Michael Wayne Campbell es un guitarrista y vocalista estadounidense. Fue miembro de "Tom Petty and the Heartbreakers" y coescribió muchos de los éxitos de la banda con Petty, incluidos "Refugee", "Here Comes My Girl", "You Got Lucky" y "Runnin' Down a Dream". Fuera de "The Heartbreakers", ha trabajado como guitarrista de sesión y compositor con varios otros músicos, incluida la composición y la interpretación de los éxitos de Don Henley "The Boys of Summer", además de trabajar en la mayoría de de los álbumes en solitario de Stevie Nicks.

Mike Campbell, junto con Neil Finn ("Crowded House"), se unió a "Fleetwood Mac" para reemplazar al guitarrista principal Lindsey Buckingham en su gira mundial en 2018-2019. Tras finalizar esa gira, ha estado involucrado en su propia banda, "The Dirty Knobs".

Fue incluido en el "Salón de la Fama del Rock and Roll" en 2002 como miembro de Tom Petty and the Heartbreakers.

 

ALBUM: Vagabonds, Virgins & Misfits

 
Es el tercer álbum del guitarrista principal y compositor Mike Campbell publicado el 14 de junio de 2024. Cuenta con apariciones de Lucinda Williams ("Hell or High Water"), Graham Nash ("Dare to Dream") y el teclista de "Tom Petty and the Heartbreakers", Benmont Tench ("Don't Wait").

Este disco, "Vagabonds, Virgins & Misfits", llega dos años después de "External Combustion", que apareció dos años después del debut del grupo en 2020, "Wreckless Abandon". Durante esos cuatro años, "The Dirty Knobs" experimentó algunos cambios visibles. Los cambios en este disco son: Steve Ferrone (batería), reemplaza a Matt Laug, quien toca con AC/DC en su gira en el lugar de Phil Rudd; Chris Holt (guitarra), que reemplaza a Jason Sinay, quien partió para emprender una carrera en solitario; y Lance Morrison permanece en el bajo. Mike Campbell se ganó su reputación al ser el guitarrista principal de una de las grandes bandas del rock & roll, por lo que no debería sorprender que "The Dirty Knobs" ahora están alcanzando un buen ritmo y evolución después de tres álbumes de su carrera.

Video del tema "Dare to Dream":

En "Vagabonds, Virgins & Misfits", "The Dirty Knobs" suenan más áspero y limpio, ampliando las raíces que establecieron en sus dos primeros discos. Todas las firmas de Campbell permanecen en su sitio, mientras que el grupo injerta algo de psicodelia en el blues. La artesanía del estudio y la voluntad de acentuar en el "jangle" al estilo "Byrds" en el tema "Innocent Man" resaltan a "Vagabonds..." como un asunto más ligero y animado, pero "The Dirty Knobs" se adentra en el rock & roll sucio: escucha a "So Alive". Además continúa con blues pesado; "Shake These Blues" pisa fuerte mientras Chris Stapleton y Benmont Tench ayudan con boogie en "Don't Wait Up". Es más, Mike Campbell desemboca en una balada en "Hell or High Water", pero no nos dejemos engañar, el disco contiene una canción desenfrenada en "My Old Friends" hacia el final, lo que quizás indica que, en última instancia, "The Dirty Knobs" tratan de pasar un buen rato, tocando puro  rock n roll.

En resumen, en "Vagabonds, Virgins & Misfits", Mike Campbell y The Dirty Knobs demuestran un dominio de su oficio, combinando a la perfección influencias clásicas y contemporáneas. El álbum es un testimonio del arte perdurable de Mike Campbell y es una excelente escucha para los fans de la música rock estadounidense.

 

Disco recomendado

 
"Mike Campbell  and The Dirty Knobs" han grabado un muy buen álbum de rock n roll. Tiene todas las señales de que Campbell y el equipo estarán listos para una gira en vivo, ya que este disco tiene todos los ingredientes para sonar mucho mejor frente a una multitud.  Quizás salgan de los Estados Unidos y tengamos la suerte de verlos por Europa en directo.

Si te gusta el rock sureño y el blues rock, o eres fan de Tom Petty, este es un álbum para ti. Es una entretenida escucha, un álbum que celebra el espíritu perdurable del rock and roll.

Video of "So Alive":

Tracklist - canciones:

1.The Greatest
2.Angel of Mercy
3.Dare to Dream feat. Graham Nash
4.Hands Are Tied
5.Hell or High Water feat. Lucinda Williams
6.So Alive
7.Shake These Blues
8.Innocent Man
9.Don't Wait Up feat. Chris Stapleton & Benmont Tench
10.My Old Friends
11.Amanda Lynn

ERIC CLAPTON - Slowhand - Album

El álbum de 1977, "Slowhand", de ERIC CLAPTON marcó un momento importante en la carrera del guitarrista. Después de una serie de esfuerzos en solitario moderadamente exitosos (mejor dicho poco exitosos) y "desenfocados" a mediados de la década de 1970, Clapton utilizó "Slowhand" para recuperar su estatus como uno de los cantautores y guitarristas más destacados del rock.

Para mí el LP de Clapton "461 Ocean Boulevard" (1974) es su mejor, pero "Slowhand" es igual de impresionante y por eso quiero recomendarlo a los lectores de este blog de música.

 

ALBUM: Slowhand

Es el quinto LP de estudio en solitario de Eric Clapton. Publicado el 25 de noviembre de 1977 y titulado según el apodo de Clapton, es uno de sus álbumes de estudio de mayor éxito comercial.

Producido por Glyn Johns, Clapton pensó que Johns había realizado un gran trabajo con "The Rolling Stones" y "Eagles" y sabía cómo trabajar con músicos británicos y estadounidenses. El enfoque de Johns, que desaconsejan los "jams" excesivos, permitió a los músicos ofrecer un sonido más cohesivo y pulido. Este enfoque en la precisión y la moderación es evidente a lo largo del álbum, donde las líneas de guitarra de Clapton están hábilmente equilibradas con la sección rítmica y los coros.

La portada del álbum fue realizada por el propio Eric Clapton con la ayuda de Pattie Boyd y Dave Stewart, acreditados como "El & Nell Ink". Muchos críticos han dicho que la icónica portada es más famosa que la música, tal vez haya algo de ironía en esto.

"Slowhand" comienza fuerte con la famosa canción de blues de J.J.Cale, "Cocaine". Alternando entre blues ("Mean Old Frisco"), country ("Lay Down Sally"), rock convencional ("Cocaine", "The Core") y pop ("Wonderful Tonight"), "Slowhand" suena coherente gracias a la captación del material por la banda. Además de la gestión con mano izquierda de Glyn Johns con los excesos de Clapton.

Se escucha Clapton y su banda como unos virtuosos relajados, nunca son llamativos, pero su forma de tocar es magistral y segura. Esa seguridad y el material ecléctico del álbum hacen de "Slowhand" sea uno de los mejores discos de la discografía de la carrera de Eric Clapton.

En general, una buena mezcla de rock, blues y country, es un trabajo que retrata brillantemente el ciclo de adicción y libertad, remordimiento y recuperación. Clapton atravesaba una dura adicción a las drogas y problemas personales y este álbum no queriendo lo transmite. En última instancia, "Slowhand" se erige como un síntesis de los raíces de blues y sensibilidad pop de Clapton que ayudó a restablecer a Clapton como uno de los principales cantautores y guitarristas del rock. La combinación de atractivo comercial y profundidad artística aseguró un impacto duradero convirtiéndose en uno de los trabajos en solitario más vendidos y aclamados de Clapton.

 

Disco recomendado

En su conjunto, este es un gran LP de la década de 1970. Eric Clapton se divierte con este disco y lo hace contagioso. Ideal para fans del blues y el rock.

Video del tema "Cocaine":

Tracklist-canciones (formato LP vinilo):

Cara A:

1.         "Cocaine"        J. J. Cale         3:41
2.         "Wonderful Tonight" Eric Clapton   3:44
3.         "Lay Down Sally"      Eric Clapton • Marcy Levy • George Terry   3:56
4.         "Next Time You See Her"     Eric Clapton   4:01
5.         "We're All the Way"   Don Williams  2:32

Cara B:

1.         "The Core"      Eric Clapton • Marcy Levy    8:45
2.         "May You Never"      John Martyn   3:01
3.         "Mean Old Frisco"     Arthur Crudup           4:42
4.         "Peaches and Diesel"  Eric Clapton • Albhy Galuten           4:46

Músicos:

• Eric Clapton - voz principal, guitarras
  
  
• Dick Sims - teclados
  Marcy Levy - armonía y coros, co-voz principal en "The Core"
• Carl Radle – bajo
• Yvonne Elliman – armonía y coros
• George Terry - guitarras
• Jamie Oldaker - batería, percusión
• Mel Collins - saxofón en "The Core" 

Producción:

• Glyn Johns - productor, ingeniero
• Tinta El y Nell. (David Stewart, Nello) – dirección de arte y diseño.

PANTERA - Vulgar Display of Power - Album

En el metal, los nombres que destacan son Black Sabbath, Iron Maiden, Judas Priest, Metallica, Slayer y Pantera. La banda "Pantera" es la más reciente de estas formaciones en abrir camino en el género. Yo añadiría que también salvaron el "metal" con su gran disco "Vulgar Display of Power", álbum considerado uno de los mejores en su tipo y que recomiendo en este post.

 

¿Quiénes son la banda "Pantera"?

 
Un grupo estadounidense de heavy metal de Arlington, Texas, formado en 1981 por los hermanos Abbott (el guitarrista Dimebag Darrell y el baterista Vinnie Paul), y compuesta por el vocalista Phil Anselmo, el bajista Rex Brown y los músicos de gira Zakk Wylde y Charlie Benante.

La formación más conocida del grupo estaba formada por los hermanos Abbott junto con Brown y Anselmo, quienes se unieron en 1982 y 1986 respectivamente. Considerada como una de las bandas más exitosas e influyentes en la historia del metal, "Pantera" ha vendido más de 20 millones de discos en todo el mundo.

Aquí está su discografía hasta la fecha:

• Metal Magic (1983)
• Projects in the Jungle (1984)
• I Am the Night (1985)
• Power Metal (1988)
• Cowboys from Hell (1990)
• Vulgar Display of Power (1992)
• Far Beyond Driven (1994)
• The Great Southern Trendkill (1996)
• Reinventing the Steel (2000)

"Pantera" hizo una pausa en 2001, pero las disputas persistentes llevaron a la banda a separarse en 2003. Los hermanos Abbott formaron "Damageplan", mientras que Anselmo continuó trabajando en varios proyectos paralelos, incluido "Down", al que también se unió Brown.

"Pantera" ha influido en muchas bandas de metal modernas, incluidas Slipknot, Machine Head, Bullet for My Valentine, Trivium, Children of Bodom, Lamb of God, Gojira, All That Remains, Five Finger Death Punch...etc.

Para mí su mejor disco es el de 1992 "Vulgar Display of Power".

 

ALBUM: Vulgar Display of Power

El sexto disco de estudio de la banda estadounidense de heavy metal "Pantera". Publicado el 25 de febrero de 1992, está producido por Terry Date. Este es el álbum más vendido de "Pantera" hasta la fecha y sería certificado doble platino. Es considerado uno de los álbumes de metal más influyentes de la década de 1990.

El título del álbum está tomado de una línea de la película de 1973, "El exorcista". La portada del álbum es una foto de un hombre siendo "golpeado" en la cara y fue tomada por el fotógrafo Brad Guice.

"Vulgar Display of Power" es una descripción cruda, pulverizadora e intensa de rabia y hostilidad que agota a los oyentes y te envía a la sumisión. Incluso las "baladas", "This Love" y "Hollow" tienen secciones de coro agresivas y poderosamente ruidosas.

La estrategia del álbum de apilar las mejores canciones al principio y dejar que su impulso lleve al oyente durante el resto funciona muy bien. El power metal post-hardcore de sonido denso y la intensidad indignada de "Pantera" ayudarían a allanar el camino para muchos grupos de metal alternativo.

Escuchas canciones épicas y magníficas actuaciones de cada miembro del grupo. Dimebag Darrell se destaca por su increíble trabajo con la guitarra. “Mouth for War”; “A New Level”; “F*cking Hostile” “Rise”, “This Love” y “Hollowed” son ahora canciones clásicas del metal.

A pesar de todo su brutal poder, el legado de "Vulgar Display of Power" es que "salvó" al Metal, tal como lo conocemos ahora. Apareció en una época en la que el grunge, el alternativo y el hip hop estaban tomando el control y el metal comenzaba a ser evitado por los medios. Con Guns N' Roses cerca del semi-retiro y Metallica suavizando y comercializando su sonido, el Metal necesitaba un salvador. Aquí estaba "Pantera" y el álbum "Vulgar Display of Power" para presentar la declaración definitiva.

Disco recomendado

 
Uno de los álbumes de metal con mejor sonido y más originales disponibles. Este disco representa líricamente la hermandad, la determinación y la confianza en uno mismo. Si eres un fan del rock heavy y metal, debes escucharlo. Una verdadera obra de arte del metal.

Video del tema "Mouth of World":

Tracklist - canciones:

1.         "Mouth for War"        3:57
2.         "A New Level"           3:57
3.         "Walk" 5:14
4.         "Fucking Hostile"       2:48
5.         "This Love"     6:32
6.         "Rise"  4:36
7.         "No Good (Attack the Radical)"       4:49
8.         "Live in a Hole"          5:00
9.         "Regular People (Conceit)"    5:27
10.       "By Demons Be Driven"        4:40
11.       "Hollow"         5:48

Músicos:

• Phil Anselmo - voz
• Diamond Darrell - guitarras
• Rex Brown - bajo
• Vinnie Paul - batería

Técnico:

• Terry Date – ingeniería de sonido, mezcla, producción
• Vinnie Paul – ingeniería de sonido, mezcla, producción.

SWANS - Soundtracks for the Blind - Album

Voy a recomendar un álbum que es inquietante, intenso, variable y, si se le das tiempo y paciencia, gratificante. "Soundtracks for the Blind" es un doble álbum de la formación SWANS que lleva el post-rock a otro nivel.

Dicho esto, me resultó difícil escucharlo la primera vez. Sin embargo, eso es lo que hace que el disco sea tan bueno.

 

ALBUM: Soundtracks for the Blind

 
Es el décimo disco de estudio de "Swans" y fue publicado como doble CD el 22 de octubre de 1996. Este trabajo pretendía, como sugiere el título, funcionar como una "banda sonora para una película inexistente". Recibió elogios de la crítica y fue el último álbum de estudio editado por la banda hasta "My Father Will Guide Me up a Rope to the Sky" de 2010.

Gran parte del disco está vinculado con trabajos de collage de audio y piezas de textura basadas en samples grabadas en varios momentos y lugares, así como el uso de material anterior de Swans. 

Este álbum es difícil comprender completamente, pero se puede sentir. Un sentimiento muy oscuro, poderoso, que francamente a veces resulta "incómodo", pero definitivamente en línea con el género del rock experimental y el post-rock.

Curiosamente, este doble disco de dos horas y media de duración no pretende ser una creación uniforme; las propias notas de Michael Gira indican que las fuentes de las canciones van desde "grabaciones en casetes portátiles hasta sonidos encontrados, samples, bucles y grabaciones multipista terminadas grabadas con diez músicos diferentes. Se puede encontrar de todo, desde música electronica extrema hasta las más suaves obras acústicas.

El corte largo "The Helpless Child" es asombroso, mientras que otro número igualmente largo, "The Sound", ruge y susurra a la vez. Hay otras canciones que continúan la práctica de Swans de mezclar conversaciones grabadas al azar con actuaciones exquisitamente arregladas: "I Was a Prisoner in Your Skull" es digna de mención. Los propios temas de Jarboe son geniales, desde el techno fracturado y que cambia de tempo de "Volcano" hasta la versión en vivo de "Yum-Yab Killers". El final con el sorprendente pero apropiado "Surrogate Drone", permite a "Swans" retirarse de la grabación (se toman un descanso prolongado) al más alto nivel. Sí, acabo de mencionar solo algunos cortes, algunos realmente destacados, en su totalidad es una mezcla inquietante de post-rock, drone y ambient. También encontrarás fragmentos (samples) interesantes de entrevistas repartidas por todo el álbum. Es un increíble paisaje sonoro.

En resumen, este es quizás el disco más ambicioso e impresionante de "Swans". En este álbum, "Swans" realiza plenamente el art rock de álbumes anteriores al elevar la atmósfera, la duración, la variedad y la grandeza general hasta el punto de inventar un nuevo tipo de post-rock que resultaría muy influyente.

Disco recomendado

 
Un doble LP monumental. El sonido de la desintegración. Simplemente escúchala desde la primera hasta la última canción, en orden, y prepárate para encontrar un sentimiento dentro de ti que ni siquiera sabes que existía. ¿Exagerado? Escúchalo.

Video del tema "The Sound":

Tracklist:

Disc One (Silver): 

1.         "Red Velvet Corridor"                      3:04
2.         "I Was a Prisoner in Your Skull"                  6:39
3.         "Helpless Child"                    15:47
4.         "Live Through Me"               2:32
5.         "Yum-Yab Killers"     Jarboe  5:07
6.         "The Beautiful Days"            7:49
7.         "Volcano"       Jarboe  5:18
8.         "Mellothumb"            2:46
9.         "All Lined Up"                      4:48
10.       "Surrogate 2"  Gira, Jarboe    1:52
11.       "How They Suffer"               5:52
12.       "Animus"                   10:41

Disc Two (Copper):

1.         "Red Velvet Wound" Jarboe  2:02
2.         "The Sound"              13:11
3.         "Her Mouth Is Filled With Honey"   Gira, Jarboe    3:19
4.         "Blood Section"                    2:39
5.         "Hypogirl"                 2:44
6.         "Minus Something"    Gira, Jarboe    4:14
7.         "Empathy"                 6:45
8.         "I Love You This Much"                  7:23
9.         "YRP"            7:47
10.       "Fan's Lament"                      1:28
11.       "Secret Friends"         Gira, Jarboe    3:08
12.       "The Final Sacrifice"             10:27
13.       "YRP 2"                     2:09
14.       "Surrogate Drone"                 2:06

Swans (Músicos):

• Michael Gira: voz, guitarra, samples, sonidos, loops, productor (todas las pistas excepto "Volcano"),
• Jarboe - voz, teclados, sonidos, loops, productor (en "Volcano").

Músicos invitados:

• Joe Goldring - guitarra eléctrica, bajo (disco uno 3, 5, 9, 12; disco dos 2, 7, 9, 12, 13)
• Vudi - guitarra eléctrica, guitarra acústica (disco uno 3, 5, 9, 12; disco dos 2, 7, 9, 12, 13)
• Larry Mullins - batería, percusión, vibráfono (disco uno 3, 5, 9, 12; disco dos 2, 7, 9, 12, 13)
• Cris Force - viola (en "Animus" y "YRP").

Músicos adicionales, varios segmentos:

Bill Rieflin
Cristóbal Hahn
Clinton Steele
Larry Lame
Norman Westberg
Algis Kizys 

THE BATS - Daddy´s Highway - Album

Antes de la aparición del grunge, el jangle-pop dominó el mundo del indie rock a finales de la década de 1980 y una de las mejores ejecutoras del estilo provino de Nueva Zelanda. La banda "The Bats" es experta en crear canciones indie pop pegadizas y memorables, también denominadas "The Dunedin Sound".

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música el primer disco de la banda "Daddy's Highway".

¿Quiénes son la banda "The Bats"?

Son una influyente conjunto de rock de Nueva Zelanda formada en 1982 en Christchurch por Paul Kean (bajo), Malcolm Grant (batería), Robert Scott (voz principal, guitarra rítmica, teclados) y Kaye Woodward (guitarra principal, voz). "The Bats" tienen fuertes vínculos con Dunedin y generalmente se agrupan con los músicos del "sonido de Dunedin" que surgieron a principios de la década de 1980. La banda ha conservado los mismos cuatro miembros desde 1982 hasta la actualidad.

Aquí está la discografía del grupo hasta la fecha:

• 1987    Daddy's Highway     
• 1990    The Law of Things    
• 1991    Fear of God   
• 1993    Silverbeet       
• 1995    Couchmaster  
• 2005    At the National Grid 
• 2008    The Guilty Office      
• 2011    Free All the Monsters
• 2017    The Deep Set
• 2020    Foothills

Mi disco favorito es el primero.

ALBUM: Daddy's Highway

Antes de este primer LP, "The Bats" había lanzado tres EPs aclamados. Mientras estaban de gira por el Reino Unido, un conocido en Glasgow le ofreció el uso del estudio de 8 pistas de su casa. Allí se grabaron la mitad de las canciones de lo que se convertiría en "Daddy 's Highway".

A su regreso a Nueva Zelanda, la grabación se completó en Christchurch y el álbum fue publicado por "Flying Nun" en 1987. Este primer LP tiene muchos tintineos de guitarra, voces delicadas y dulces melodías.

Kaye Woodward es la compañera de canto perfecta para Robert Scott, mientras que el violinista invitado Alastair Galbraith pone su talento en primer plano, como lo ha hecho con tantas otras bandas de Nueva Zelanda. El tema que abre "Treason" es un gran comienzo para el álbum, pero lo que realmente se destaca en "Daddy 's Highway" es "North by North". Con el solo de violín de Galbraith, muestra que la banda tiene fortalezas ocultas para material más enérgico. La interpretación vocal de Scott es sobresaliente, y el ritmo rápido parece serlo aún más a medida que avanza la canción.

También aparecen canciones más tranquilas, desde la dulzura de "Sir Queen" hasta el suave "Candidate". "Tragedy" es uno de los mejores números y termina en un zumbido bajo que te toma por sorpresa.

"Daddy 's Highway" se erige como uno de esos álbumes realmente agradables de escuchar. Es un pop de jangle, sin pretensiones y bien elaborado, y la mayoría de las canciones están impregnadas de una especie de ligereza atmosférica y despreocupada. Sin embargo, esto no implica nada acerca de una ausencia de sustancia; el sentimiento sonoro puede ser ligero, pero la profundidad tanto de la canción como de la emoción es obvia.

Con el tiempo, "Daddy 's Highway" se considera ahora un álbum histórico de la música de Nueva Zelanda. Capta la esencia del "sonido Dunedin" y muestra la capacidad de la banda para crear melodías, ganchos y letras memorables. Es una escucha esencial para los fans del indie rock, el jangle pop y el rock alternativo, y su influencia aún se puede sentir en la música contemporánea actual.

Disco recomendado

Imprescindible buscar y escuchar esta LP para aquellos interesados en el jangle pop y la música indie neozelandesa en general. Mola mucho.

Video del tema "North by North":

Tracklist (LP original):

Cara A:

1."Block of Wood" – 3:12
2."Miss These Things" – 3:07
3."Mid City Team" – 2:25
4."Some Peace Tonight" – 2:53
5."Had to Be You" – 3:03
6."Daddy's Highway" – 4:00

Cara B:

1."Treason" – 2:55
2."Sir Queen" – 3:25
3."Round and Down" – 2:18
4."Take It" – 2:30
5."North by North" – 4:08
6."Tragedy" – 3:00

The Bats (Músicos):

• Robert Scott - voz principal, guitarras
• Kaye Woodward – voz, guitarras; órgano ("Tragedy"); bajo ("Block of Wood", "Had to Be You")
• Paul Kean – voz, bajo; órgano ("Daddy's Highway"); guitarras ("Block of Wood", "Had to Be You")
• Malcolm Grant - batería; caja de ritmos ("Mid City Team")

Músico adicional:

• Alastair Galbraith - violín ("Tragedy", "Sir Queen", "North by North")

Técnico:

Paul Kean - ingeniero de sonido, mezcla