TOM PETTY & THE HEARTBREAKERS - Damn the Torpedoes

ALBUM: Damn the Torpedoes

El tercer álbum de estudio de Tom Petty and the Heartbreakers, publicado el 19 de octubre de 1979.

Tom Petty & the Heartbreakers entregan un disco rompedor y quizás su obra maestra (otros pueden citar "Full Moon Fever" & "Wallflowers"). Musicalmente, es similar a sus dos primeros álbumes, ofreciendo una fusión del rock de finales de los 60 -  equilibrio perfecto entre Dylan, el jangle de The Byrds, la melodía de The Beatles, el riff de guitarra de los Rolling Stones - con el productor Jimmy Iovine dirigiendo una producción limpia y moderna que ahora es atemporal.

The Heartbreakers ayudan ya que se habían convertido en una banda más unida con todas las partes combinándose en un sonido poderoso y distintivo capaz de todo tipo de variaciones. Tom Petty logra mostrar un impresionante conjunto de canciones, en este disco su composición realmente florece. La mayoría de las canciones tienen un tono melancólico profundo; "Here Comes My Girl" y "Even the Losers" son tiernos; el infeccioso "Don't Do Me Like That" enmascara una relación dolorosa; "Refugee" es un monstruo y "Louisiana Rain" es una balada desgarradora. Canciones que hacen de este disco una escucha vigorizante para los amantes del rock.

Tom Petty también encuentra su equilibrio entre las transiciones roots, pop y folk-rock de los 60s, y entre texturas acústico-eléctricas. La mezcla y la ingeniería del estudio se implementan al máximo para dar a Petty el sonido acorde con las habilidades de su banda. La interpretación del teclado de Benmont Tench se integra perfectamente en el estudio para fusionarse con la guitarra principal de Mike Campbell, mientras que Lynch (batería) y Blair (bajo) impulsan la música con una simplicidad que permite a Tench, Petty y Campbell estirarse sin indulgencias. Esto es puro rock pop en su máxima expresión, bien elaborado y más genuino.

En resumen, desde la primera canción, el álbum ofrece nueve clásicos del rock. Es un disco genial lleno de fantásticas composiciones. Encontrarás grandes éxitos, que son increíbles canciones de rock, en un álbum que se distingue por no tener bajones.

Un disco recomendado. Es el álbum de "Tom Petty and the Heartbreakers" por excelencia. Un clásico absoluto que aún se erige como uno de los grandes discos de la era del álbum de rock. Animo al lector más joven que no esté familiarizado con Petty o este disco a descubrirlo. Puede que sorprenda. A los más veteranos ánimo de volver a disfrutar de ello.

Video del tema "Here Comes My Girl":

Tracklist (LP original):

Cara A:

1.         "Refugee"       Tom Petty, Mike Campbell    3:22
2.         "Here Comes My Girl"           Petty, Campbell          4:27
3.         "Even the Losers"                  3:59
4.         "Shadow of a Doubt (A Complex Kid)"                  4:25
5.         "Century City"                      3:45

Cara B:

1.         "Don't Do Me Like That"      2:44
2.         "You Tell Me" 4:35
3.         "What Are You Doin' in My Life"    3:27
4.         "Louisiana Rain"  5:54

THE JESUS & MARY CHAIN - Darklands - Album

ALBUM: Darklands

El segundo álbum de estudio fue publicado el 31 de agosto de 1987. El disco es el primero en usar "drum machines", reemplazando al baterista en directo Bobby Gillespie, quien se fue para seguir una carrera como líder de "Primal Scream". La voz principal está a cargo de Jim Reid, con la excepción de "Darklands", "Nine Million Rainy Days" y "On the Wall", que son cantadas por su hermano William Reid.

Es un trabajo a veces relegado pero un digno trabajo después del debut "Psychocandy", donde "reducen" su innovador método de "wall of sound" a favor de la melodía. Es como si estuvieran tratando de decidirnos algo. No se trataba solo del "noise", se trataba de las canciones. Por lo tanto, el atractivo de "Darklands", es su accesibilidad para el oyente que desea escuchar melodías melancólicas, atmosféricas y emotivas.

Si bien no es tan influyente como su debut, "Darklands" tiene mejores canciones. Con la retroalimentación reducida, se demuestra que Jim y William Reid son buenos compositores y cantantes que pueden componer algunas canciones pop geniales. Personalmente, me encanta el dulce y más íntimo tema "About You".

En general, las canciones de este disco son más largas, mientras que el álbum en sí es más corto que "Psychocandy". Sin embargo, la fórmula básica en el corazón de la banda sigue siendo la misma. De hecho, todavía hay mucho "feedback" por escuchar, quizás incluso más que en el primer álbum. Pero con este segundo disco, el sonido es más claro y la reverberación acentúa la letra a la perfección. El uso de cajas de ritmos en lugar de Bobby Gillespie obviamente refuerza el nuevo enfoque y siempre es un tema de conversación cuando se presenta este álbum. 

Algunos aspectos destacados incluyen, el ya mencionado "About You", "April Skies", un gran single, el tintineante "Down on Me", mientras que "Happy When It Rains" es una gran canción en todos los sentidos. El canto de William también resulta ser un punto culminante, especialmente en "Nine Million Rainy Days" y el largo lamento "On the Wall".

Dejando a un lado las comparaciones ("Psychocandy" vs "Darklands"), para mí hay algo especial en "Darklands": la forma en que sus letras melancólicas parecen contrastar con las melodías, que parecen contrastar con el estado de ánimo turbio y tonos oscuros de guitarra. Al final te das cuenta que es un gran trabajo.

Disco recomendado. El debut fue tal "game changer" que proyecta una larga sombra. "Darklands" no es "Psychocandy", nada de lo que la banda lanzó más tarde lo fue. Pero este disco une el jangle & dream pop, psicodelia y shoegaze de la manera más peculiar y maravillosa. Con el tiempo (tal vez con la edad) disfruto escuchando el enfoque más "suave" y "melódico". Es una buena escucha y atraerá al lector más joven que aún no ha descubierto este disco.

Video del tema "Happy When It Rains":

Tracklist (LP original):

Cara A:

1.         "Darklands"    5:29
2.         "Deep One Perfect Morning" 2:43
3.         "Happy When It Rains"         3:36
4.         "Down on Me"           2:36
5.         "Nine Million Rainy Days"    4:29 

Cara B:

6.         "April Skies"   4:00
7.         "Fall"   2:28
8.         "Cherry Came Too"    3:06
9.         "On the Wall" 5:05
10.       "About You"  2:31

JOHN COLTRANE - Giant Steps - Album

ALBUM: Giant Steps

 
Es el quinto álbum de estudio del músico de jazz John Coltrane como líder. Fue publicado en febrero de 1960. El disco está considerado como uno de los álbumes de jazz más influyentes de todos los tiempos. Muchas de sus canciones se han convertido en plantillas de práctica para saxofonistas de jazz. En 2004, fue una de las cincuenta grabaciones elegidas ese año por la "Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos" para ser añadidas al "Registro Nacional de Grabaciones".

En menos de tres semanas, John Coltrane completaría su trabajo con Miles Davis y compañía en otro de los grandes discos de jazz de todos los tiempos, "Kind of Blue", antes de comenzar con "Giant Steps".

Es un disco de jazz decisivo. Fomentó el jazz y lo entregó a una audiencia más convencional. "Giant Steps" marca un gran salto para el saxofonista, donde realmente comenzó a encontrar su tono característico de "sheets of sound"* (*un término acuñado en 1958 por el crítico de jazz de la revista Down Beat Ira Gitler para describir el nuevo y único estilo de improvisación de Coltrane), y capturó quizás la máxima expresión del bebop (por ejemplo, la canción "Giant Steps" del disco). Una observación mía; se puede escuchar (sentir) que el hombre estaba en una misión de mejorarse a sí mismo en todos los frentes (superó sin ayuda externa su adicción a la heroína) y artísticamente estaba alcanzando alturas aún mayores; aunque su verdadera obra maestra "Blue Train" (y su otra "Love Supreme" (1965)) se estrenó antes en 1958.

En esta obra John Coltrane como saxo tenor está flanqueado por dos tríos diferentes. La grabación comenzó a principios de mayo de 1959 con un par de sesiones en las que participaron el magnífico Tommy Flanagan (piano) y Art Taylor (batería), así como Paul Chambers. Cuando se reanudó la grabación en diciembre de ese año, se instalaron Wynton Kelly (piano) y Jimmy Cobb (batería). "Giant Steps" resulta ser más complejo, más intenso, mucho más desafiante por naturaleza y está lleno de Hard Bop. Algunas partes de este álbum son tan complejas que es difícil creer cómo Coltrane, o su banda, pudieron lograrlo. Está repleto, de principio a fin, con temas que van desde Hard Bop de ritmo rápido hasta melodías centradas en el modal de ritmo más lento. 

En el corazón de estas grabaciones se encuentran los solos de tenor de Coltrane. Las siete piezas publicadas en el original son composiciones de Coltrane. Estaba empezando a reescribir el jazz con material que se centraría en solos. Estos arreglos crearían un lugar para que el solo se vuelva infinitamente más convincente. Dos temas, "Naima" y "Syeeda 's Song Flute", llevan el nombre de la esposa de John Coltrane en ese momento y su hija, a quien adoptó, respectivamente. Un tercero, "Mr. P.C.", toma su nombre de las iniciales del bajista Paul Chambers. Un cuarto, "Cousin Mary", recibe su nombre en honor a Mary Lyerly, la prima más joven de Coltrane.

La verdad es que yo no tengo el "conocimiento" de jazz (el oído) para comprender completamente todas las técnicas, los cambios modales, las improvisaciones, etc. Todo lo que puedo decir al lector es que este es un gran álbum de jazz bellamente elaborado con todos los elementos que hacen jazz tan relajante y hermoso de escuchar. Esto para mí es suficiente.

Un disco recomendado. Habiendo llevado el bebop a sus límites, no fue de extrañar que Coltrane cambiara de dirección musical después de este álbum, optando por explorar el jazz modal, que ofrecía más libertad para la improvisación. Un disco que no puede faltar en la colección de los amantes del jazz. Si aún no lo conoces buscarlo. 

Video del tema "Naima" (en directo 1965):

Tracklist (original LP):

Cara A:

1.         "Giant Steps"  4:43
2.         "Cousin Mary"            5:45
3.         "Countdown" 2:21
4.         "Spiral"           5:56

Cara B:

5.         "Syeeda's Song Flute"            7:00
6.         "Naima"          4:21
7.         "Mr. P.C,"       6:57

BRIAN ENO & DAVID BYRNE - My Life in the Bush of Ghosts - Album

ALBUM: My Life in the Bush of Ghosts

Aquí hay algunos superlativos: atemporal, innovador, adelantado a su tiempo y pura genialidad. Al menos ese es el consenso de la mayoría y después de muchos años de escuchas personales no veo ningún debate.

Es el álbum de estudio de Brian Eno y David Byrne, publicado en febrero de 1981. Fue el primer álbum de David Byrne sin "Talking Heads". El amplio sampleo extenso en este disco se consideró innovador. Hay algo casi místico al escuchar cantos religiosos y sermones de varias religiones, respaldados por polirritmias impulsadas por David Byrne y los paisajes sonoros ambient de Brian Eno.

Como anécdota, poco después del lanzamiento del álbum, el "Consejo Islámico de Gran Bretaña" objetó el uso de samples del recital coránico en el tema "Qu'ran", considerándolo una blasfemia. Byrne y Eno eliminaron la canción de ediciones posteriores. Además, dos temas del álbum, "Regiment" y "The Carrier", samplea la voz de la cantante libanesa Dunya Younes, de la que se enteró en 2017 y ambas se eliminaron después de las plataformas de stream, para luego encontrar un acuerdo ($$) y ser nuevamente colocados más tarde.

Dicho esto, "My Life in the Bush of Ghosts" introdujo varios géneros a la vez y sus repercusiones aún se sienten hoy. Un disco verdaderamente pionero por sus múltiples estilos: electrónico, ambient y world music; 45 minutos de worldbeat y funk-rock, combinados con el talento de varios percusionistas y bajistas como Bill Laswell, Tim Wright, David van Tieghem y Chris Frantz de Talking Heads. Además, utilizan samples de presentadores de programas de radio, cantantes de montaña libaneses, predicadores, ceremonias de exorcismo, cánticos musulmanes y pop egipcio, etc. Es bastante sorprendente. Es el viaje alrededor del mundo más alucinante que jamás hayas experimentado.

Algunas pistas destacadas: "America is Waiting"; "Mea culpa"; "Help Me Somebody"; "Qu'ran"; "The Carrier" & "Mountain of Needles"

Por último, no te quedes atrapado en los nombres, Eno & Byrne, los otros músicos que colaboran son igual de increíbles.

Un disco recomendado. Un hito en la música pop electrónica (World) moderna. Es una obra tremendamente profética para el desarrollo futuro de la música durante los años 80 y 90. Revolucionario que marcó un antes y un después por el uso tan original, intenso y sabio de sonidos (loops y samples). Esencial.

Video del tema "America Is Waiting":

Tracklist (formato original):

Cara A:

1.         "America Is Waiting" 3:36
2.         "Mea Culpa"   3:35
3.         "Regiment"     3:56
4.         "Help Me Somebody"            4:18
5.         "The Jezebel Spirit"    4:55 

Cara B:

1.         "Qu'ran"          3:46
2.         "Moonlight in Glory" 4:19
3.         "The Carrier"   3:30
4.         "A Secret Life"           2:20
5.         "Come with Us"         2:38
6.         "Mountain of Needles"          2:35

Lista de samples:

• "America Is Waiting" – Ray Taliaferro of KGO Newstalk AM 810; San Francisco, April 1980.
• "Mea Culpa" – inflamed caller and smooth politician replying, both unidentified; radio call-in show, New York, July 1979.
• "Regiment" – Dunya Younes, Lebanese mountain singer; from "Abu Zeluf" on Music in the World of Islam, Volume One: The Human Voice (Tangent TGS 131).
• "Help Me Somebody" – Reverend Paul Morton; broadcast sermon, New Orleans, June 1980.
• "The Jezebel Spirit" – unidentified exorcist; New York, September 1980.
• "Qu'ran" – Algerian Muslims chanting the Qur'an; from "Recitation of Verses of the Qu'ran" on Music in the World of Islam, Volume One: The Human Voice (Tangent TGS 131).
• "Moonlight in Glory" – The Moving Star Hall Singers; Sea Island, Georgia; from Sea Island Folk Festival (Folkways FS 3841), produced by Guy Carawan.
• "The Carrier" – Dunya Younes (same source as track 3)
• "A Secret Life" – Samira Tewfik, Lebanese popular singer; from Les Plus Grands Artistes du Monde Arabe (EMI).
• "Come with Us" – unidentified radio evangelist; San Francisco, April 1980.

DR. OCTAGON - Dr. Octagonecologyst - Album

Doctor Octagon es un cirujano extraterrestre - "ficticio" - del planeta Júpiter que utiliza tecnología espacial y herramientas primitivas para realizar procedimientos médicos en sus pacientes, algunos de los cuales mueren, mientras que otros son asesinados por sus actos bárbaros y descuidados. Dr. Octagon también ejerce como ginecólogo ortopédico y seduce y tiene relaciones sexuales con sus pacientes y enfermeras.

Kool Keith (Músico Hip Hop)

Esta es la "mente artística" y la personalidad creada y utilizada por el rapero estadounidense Keith Matthew Thornton, más conocido como Kool Keith - ex miembro de Ultramagnetic MCs. De hecho, para mí, hay un parecido con Alice Cooper en el ámbito de la música rock.

Thornton realizó y lanzó dos álbumes bajo el alias - Dr. Octagon. El personaje fue asesinado por "Dr. Dooom" en el álbum "First Come, First Served" de 1999, y fue revivido brevemente antes de ser asesinado una vez más en el álbum "Dr. Dooom 2" de 2008, en respuesta al lanzamiento de "The Return of Dr. Octagon", un álbum producido en gran parte sin la participación de Thornton.

Definitivamente estamos hablando de un tipo diferente y de una oferta de hip hop fuera de lo "normal" pero su tiempo, aunque maravillosa en imaginación, creatividad y música.

ALBUM: Dr. Octagonecologyst

El álbum de estudio debut en solitario de Kool Keith publicado el 7 de mayo de 1996. El disco es producido por Dan "The Automator" Nakamura y presenta el trabajo del DJ Qbert (samples y scrathing). KutMasta Kurt proporcionó trabajo de producción adicional. La portada de "Dr. Octagonecologyst" fue dibujada por Brian "Pushead" Schroeder.

El temario del álbum es ficticio, tenga esto en cuenta. Examina los aspectos impersonales, delirantes y autoritarios de las instituciones y burocracias utilizando en un hospital general y la sala de psiquiatría como metáfora principal. Las letras de Kool Keith y la producción de Nakamura fueron muy elogiadas, al igual que el innovador scratching de DJ Qbert. Desde entonces, "Dr. Octagonecologyst" ha sido clasificado como uno de los mejores álbumes de hip hop de la década de 1990. Este disco más tarde inspiró a artistas de hip hop underground como Company Flow, Black Star y Jurassic 5... etc. Se puede decir con seguridad que este disco revitalizó la escena hip-hop underground.

Aquí, Kool Keith nos presenta al personaje "Doctor Octagon", un ginecólogo y cirujano homicida, extraterrestre y viajero en el tiempo. El sonido distintivo del álbum fusiona géneros como la música psicodélica, el trip hop y la música electrónica. 

Las letras son abstractas, absurdas y vanguardistas, utilizando el surrealismo, las no secuencias, la psicodelia alucinatoria y las imágenes de terror y ciencia ficción, así como el humor sexual y juvenil. En el espacio de poco más de una hora, las extrañas e impactantes historias dejarán al oyente preguntándose si se trata de una especie de siniestro espectáculo espeluznante o de un ridículo "rapero" que busca tácticas de impacto para atraer a la audiencia. En realidad, este disco fue un "crossover" hacia la audiencia-mercado "blanco".

Se puede afirmar que el impacto de este disco representa la primera alternativa verdaderamente nueva y genuina al hip-hop comercial de su tiempo. Atrajo fuertemente a audiencias alternativas que habían crecido con la música rap, pero que simplemente no se habían relacionado con ella desde el surgimiento del género gangsta.

El enfoque de este disco es puramente artístico, el asombroso juego de palabras de Keith; a menudo parece basado solo en el sonido, no en el significado literal, e incluso su diálogo de parodia está lleno de no secuencias. Algunos ejemplos son las canciones "Earth People" y "Blue Flowers"; échales un vistazo.

Algunos temas destacadas: Real Raw, Blue Flowers, I'm Destructive, Earth People & the hiddem song Halfsharkhalfalligatorman

Disco recomendado. Un álbum de hip hop conceptual que es raro. Sigue siendo tan innovador y sorprendente como el día de su lanzamiento. “Dr Octagonacologyst” se considera un álbum histórico en el desarrollo del hip hop.

Si eres un fan de la música hip hop que busca algo diferente, no busques más y hacerte con este álbum. Es hip-hop oscuro, impactante, espeluznante, sucio, pornográfico y underground. No puedes pedir más!

Video del tema "Blue Flowers":

Tracklist: 

1.         "Intro" Nakamura                   1:16
2.         "3000"                                    3:20
3.         "I Got to Tell You"                0:48
4.         "Earth People"                                   4:46
5.         "No Awareness" (con Sir Menelik)    4:55
6.         "Technical Difficulties"                     2:54
7.         "General Hospital"                             0:26
8.         "Blue Flowers"                                              3:17
9.         "A Visit to the Gynecologyst"                      2:20
10.       "Bear Witness"                                              3:00
11.       "Dr. Octagon" (con Sir Menelik)       4:37
12.       "Girl Let Me Touch You"                              3:40
13.       "I'm Destructive"                               3:25
14.       "Wild and Crazy"                              4:27
15.       "Elective Surgery"                             0:52
16.       "On Production" (con Sir Menelik)   2:43
17.       "Biology 101" (con Sir Menelik)       4:57
18.       "Earth People (Earth Planet Mix)"     4:42
19.       "Waiting List" (DJ Shadow/Automator Mix)
(Contiene el track oculto "halfsharkalligatorhalfman")         11:35

TIPPER - Surrounded - Album

Si eres un "fanático" audiófono que disfruta escuchando música a través de sus auriculares, o más importante, busca la experiencia de sonido óptima, este es el artista (disco) para ti. Además de ser un excelente productor de música electrónica, su especialidad es la grabación para sistemas 5.1 Surround.

Hablo de...

Tipper (Música electrónica)

David Tipper, es un compositor y productor británico especializado en música electrónica que abarca desde ambient, trip hop… hasta breaks uptempo de nu skool.

Tipper es ampliamente respetado como compositor de sonido "surround" y lanzó uno de los primeros álbumes compuestos, producidos y pensados para el formato DualDisc, además de proporcionar contenido para los líderes de la industria de la música multicanal DTS, Inc. Es un "maestro" del audio digital. Su catálogo ha sido constantemente licenciado para su uso como fondo en una variedad de programas de televisión y también aparece en anuncios.

ALBUM: Surrounded

 
Publicado el 20 de mayo de 2003.

Es quizás el mejor álbum de sonido "5.1 Surround Sound" disponible actualmente. La música de 'Surrounded' se concibió mientras Tipper viajaba con sus compañeros DJ por todo Estados Unidos durante su gira 'Sound Off'. Cada destino demostró ser la inspiración para el estado de ánimo o el estilo de las canciones.

Este disco es uno de los primeros trabajos de música electrónica grabados en "5.1 Surround Sound", el equivalente de la era digital al sonido cuadrafónico de cuatro altavoces - al que se añade un altavoz central y un subwoofer. Es una colección de material similar a la música de la banda sonora de una película. Los lectores audiófonos pueden sorprenderse al saber que "Surrounded" se compuso casi en su totalidad en una computadora portátil iBook, pero en realidad muchas grabaciones de sonido modernas comienzan o han involucrado el PC de casa en algún momento de su desarrollo.

Las canciones presentan ondas de guitarra procesada, líneas de efectos que se ondulan o suenan de una manera única y un ritmo lento que rara vez supera los 60 Beats Per Minute (BPM). El trabajo de Tipper aprovecha al máximo el mix 5.1: favorece una interacción de efectos que van y vienen a través de la mezcla en forma circular y gradual. Por ejemplo, un par de temas cerca de la mitad de la lista de canciones, "Over the Coals" y "Forty Winks", muestran un dominio sutil de la atmósfera y la melodía que rara vez se escucha en la electrónica moderna. También descubrirás mucho estilo ambiental IDM de mediados de los 2000 con muchos sonidos aparentemente defectuosos, sonidos drones.

Para algunos, escuchando este álbum, todo puede ser un poco largo. Sin embargo, se trata de un proyecto "5.1", para escuchar y experimentar todo el impacto envolvente.

Disco recomendado. La producción es realmente increíble y el sonido, ya sea a través de auriculares o de un sistema de audio superior, es llamativo. Vale mucho la pena escucharlo y si la música electrónica es tu estilo, vas a disfrutar de esto.

Video del tema "No Dice":

Tracklist:

1.Middle of Nowhere 2:22
2.California Rolls 3:14
3.Tear Strips Off 4:12
4.Screw Loose 3:51
5.Over the Coals 4:12
6.Forty Winks 5:16
7.Rotundus Maximus 6:08
8.The Glasshouse 2:53
9.No Dice 4:22
10.Just as the Sun Went Down 3:50
11.Adrift for Days 4:44
12.Illabye 13:56

FAILURE - Magnified - Album

Failure (Banda)

Grupo estadounidense de rock alternativo de Los Ángeles (EE UU) que estuvo activo desde 1990 hasta 1997 y desde 2014 hasta la actualidad. Han publicado hasta el momento seis álbumes y cinco EPs.

"Failure" estaba formado por los multi-instrumentistas Ken Andrews y Greg Edwards, un equipo de compositores prácticamente sin rival en la historia del rock post-grunge estadounidense. Los dos cambiaron constantemente las funciones de guitarra y bajo en el estudio, mientras que Andrews asumió las funciones de voz principal en muchas ocasiones. Cuando el grupo actuaba en directo, Edwards tocó el bajo mientras que Andrews se encargó de la mayoría de las funciones de guitarra, pero en el estudio eran intercambiables, con Edwards agregando trabajo de teclado e incluso algo de percusión.

Reconocidos como una de las bandas de rock alternativo más influyentes de los 90 (siglo XX), combinan atmósfera y riffs pesados. A diferencia de sus contemporáneos como Nirvana, Soundgarden y Stone Temple Pilots, emplean un sonido más texturizado que fusionó los tonos de guitarra experimentales y los elementos de producción del space rock con los elementos grunge de la época. 

Un álbum que todavía disfruto y escucho regularmente es "Magnified".

ALBUM: Magnified

Segundo álbum publicado el 8 de marzo de 1994. El baterista Robert Gauss dejó la banda durante la grabación del álbum; las partes de batería restantes fueron interpretadas por John Dargahi y Greg Edwards.

Con este trabajo se posicionan como quizás una de las mejores bandas post-grunge de los '90. Dejando atrás al productor Steve Albini (trabajó el debut "Closer"), Failure se hizo cargo de la producción, revelando las habilidades de grabación y composición ocultas.

A los compositores Ken Andrews (guitarras y voces) y Greg Edwards (bajo y batería) se unen al baterista John Dargahi para ofrecer canciones superiores, mejor interpretaciones vocales y una gran dinámica. Las melodías y los arreglos son sencillos y elegantes. Los temas son la adicción a las drogas, las enfermedades mentales, la sexualidad oscura y el melodrama suburbano, convierten este disco en una obra sólida de música alternativa espacial (space).

A pesar de los arreglos y la instrumentación mínimos, "Failure" utiliza riffs hiper melódicos para crear un sonido extenso que retiene una profundo sonido de pesadez desde el bajo. "Moth" es un temazo y "Wonderful Life" es otra que se destaca, sin embargo, el álbum está repleto de canciones duras y pesadas, como "Small Crimes", una de las mejores canciones de rock doom-space publicadas.

Algunas canciones para destacar: Frogs, Moth, Wonderful Life, Undone y Small Crimes... pero en general, es un disco completo y fuerte.

Disco recomendado. Un álbum de arreglos y riffs simplistas pero impresionantes reforzados con grandes letras. Sólido rock alternativo con un toque "space" y de stoner rock. Gran producción y sonido de bajo impresionante. Magnified es un álbum imprescindible para los fans del rock alternativo.

Video del tema "Moth":

Tracklist:

1.         "Let It Drip"               2:41
2.         "Moth"                       3:50
3.         "Frogs"                       4:55
4.         "Bernie"                      5:17
5.         "Magnified"                4:36
6.         "Wonderful Life"       5:34
7.         "Undone"                   4:27
8.         "Wet Gravity"            6:06
9.         "Empty Friend"          4:21
10.       "Small Crimes"          7:13

SLEATER-KINNEY - The Woods - Album

Sleater-Kinney (Banda)

Grupo estadounidense femenino de rock femenino de Olympia, Washington, y formado en 1994. La formación actual de la banda incluye a Corin Tucker (voz y guitarra) y Carrie Brownstein (guitarra y voz), y Janet Weiss (voz, batería y armónica) dejó la banda en 2019. Se originaron como parte del movimiento "riot grrrl" y se han convertido en una parte clave de la escena indie rock estadounidense. La banda es conocida por su carga de política feminista y liberal.

Fueron la banda estadounidense de indie rock que definió la segunda mitad de los 90 y aprovecharon toda la explosión del rock alternativo de la primera parte de la década. Muchos críticos musicales están de acuerdo en que posiblemente sean la banda de punk más importante de las décadas de 1990 y 2000, con una composición feminista combinada con un melodismo tenso y una complejidad sonora asombrosa.

ALBUM: The Woods

 
El séptimo álbum de estudio. Sleater-Kinney rompió relaciones con su sello discográfico de mucho tiempo "Kill Rock Stars" y firmaron con la independiente "Sub Pop Records" para publicar en 2005. El álbum fue producido por Dave Fridmann (Mercury Rev, Flaming Lips, MGMT, Neil Finn, The Cribs, OK Go, Tame Impala...) , y es mucho más fuerte, más distorsionado y suena más feroz que los trabajos anteriores. El álbum recibió elogios generalizados de la crítica.

Es uno de los discos de rock más poderosos, maduros, experimentales y esenciales que Sleater-Kinney ha lanzado desde que se juntaron por primera vez en un sótano en Olympia. Musicalmente, "The Woods" se acoge al hard rock "arrogante" y al noise pop. Desde su grito inicial de retroalimentación, todo suena más grande que la vida; las voces te llegan con fuerza, los riffs de guitarra suenan como truenos y la batería golpea con la fuerza de un terremoto.

El primer tema del álbum, "The Fox", es una avalancha de guitarras pesadas, furiosas, tambores estridentes y con la voz inimitable de Corin Tucker, que lo amas o la odias. "What's Mine Is Yours" es un guiño subversivo a Led Zeppelin y también captura el formidable poder de Sleater-Kinney como una banda en directo; mientras las armonías de Carrie Brownstein se destacan en "Jumpers". "Modern Girl" presenta letras nítidas, mientras que las voces en duelo de Tucker y Brownstein y la enorme batería de Janet Weiss elevan "Entertain". "Rollercoaster", sobre una relación a largo plazo con altibajos, es divertida e ingeniosa. El sexy y épico tema de 11 minutos de duración "Let's Call It Love" es otro destacado (el trabajo de la guitarra es increíble), mientras fluye a la perfección en "Night Light", es un final apropiado para un álbum que a menudo se siente más comprometido en la lucha que el resultado de ello.

"The Woods" fue definitivamente un gran álbum para que el grupo terminara - la banda hizo después una pausa hasta 2015. Hay composiciones fantásticas, la voz única de Carrie, grandes coros, una producción maravillosa y muchas melodías geniales que le dan al grupo un "gran finale".

Algunas pistas favoritas: "The Fox", "Jumpers", "Modern Girl", "Let 's Call it Love" y "Night Light"... en general, es un disco sólido.

Disco recomendado. Un álbum de hard rock feroz, uno de los más vanguardistas y enérgicos de su época, y uno de los mejores del catálogo de Sleater-Kinney. Dicho de otra manera, un gran álbum de rock. Un clásico, para tener y que debes escuchar si aún no lo conoces.

PD: Otros álbumes de las chicas que también deberías ver son "Call the Doctor" (1996), "Dig Me Out" (1997) y "No Cities to Love" (2015)

Video de tema "Let's Call It Love" :

Tracklist:

1."The Fox" - 3:25
2."Wilderness" - 3:40
3."What's Mine Is Yours" - 4:58
4."Jumpers" - 4:24
5."Modern Girl" - 3:01
6."Entertain" - 4:55
7."Rollercoaster" - 4:55
8."Steep Air" - 4:04
9."Let's Call It Love" - 11.01
10."Night Light" - 3:40

THUS LOVE - Memorial - Album

Me crucé con este trío estadounidense de música rock que se hace llamar THUS LOVE recientemente y algunos temas de avance de su próximo primer LP titulado "Memorial". Lo que he escuchando me tiene enganchado, me gusta mucho el rollo y material musical.

ALBUM: Memorial

Álbum de estudio debut de THUS LOVE con fecha de lanzamiento el 7 de octubre (2022).

El grupo está formado por tres multi-instrumentistas trans que han fundado THUS LOVE en 2018 en Brattleboro, Vermont. Echo Marshall, Lu Racine y Nathaniel van Osdol son originarios de pueblos rurales donde era difícil encontrar "comunidades" afines.

THUS LOVE combina el post-punk ( y gótico) con vetas experimentales eclécticas que se deben a la colección de jazz de van Osdol y la formación clásica de Echo Marshall como violonchelista. Además, para THUS LOVE, el espíritu DIY (Do it Yourself) juega un papel importante y refleja no solo su visión musical, sino también su propia existencia como tres artistas trans que se identifican a sí mismos.

Este debut, "Memorial", es un disco muy bueno. Me tiene cautivado esta semana ya que estoy escuchando todos los temas de adelanto que circulan por la web. Los sellos (estilos) distintivos son los sonidos indie, gótico y post-punk que saltan a la vista desde el principio con el tema de apertura el contagioso y melódico "Repitioner" (me parece un gran tema), seguido del pegadizo y rítmico single principal "In Tandem". “Pith & Point” y la canción principal, que cierra el disco, también sirven como números poderosos llenos de introspección sincera. "Memorial" es un disco que parece que trata sobre el dolor y la pérdida, Racine sugiere en una entrevista que, a veces, superar esos sentimientos es la condición previa necesaria para la verdadera curación. Supongo que comprender los antecedentes contextuales de la banda lo convierte todo en narrativas naturales, sin embargo, solo estoy juzgando los aspectos musicales y todo me suena genial. De hecho, percibo un toque de Peter Murphy (Bauhaus) cuando escucho la canción "Inamorato" con una voz similar y el bajo pesado.

Disco recomendado. Deseo a la banda toda la suerte del mundo. No tengo ni idea de hasta dónde llegarán en su carrera. Por ahora presentan un LP muy interesante y muy bueno que obviamente necesitará mucha exposición y conciertos en directo para hacer llegar la música a todo el mundo. Busca los 4 sencillos disponibles y escucha el disco completo cuando esté disponible. Seguro que te gustará; sin duda una novedad para satisfacer nuestra curiosidad y búsqueda de nuevos talentos.

Video del tema "Repetitioner": 

Tracklist:

1. Repetitioner 05:31
2. In Tandem 03:39
3. Anathema
4. Family Man 03:28
5. Morality
6. Friend
7. Pith and Point
8. Crowd
9. Inamorato 04:00
10.Memorial 

Créditos:

• Guitarra, Voz y Violonchelo: Echo Mars
• Batería: Lu Racine
• Sintetizadores: Nathaniel van Osdol
• Bajo: Sophia DiMatteo
• Contrabajo en la pista "Pith and Point": Jackson Stein

DEPECHE MODE - Violator - Album

Mi álbum favorito de Depeche Mode es "Songs of Faith & Devotion", sin embargo, estos chicos tienen muchos otros discos geniales, por lo que mencionar "mi favorito" se convierte en un ejercicio subjetivo. Una de las razones clave de la longevidad de Depeche Mode (desde 1980) es la capacidad de la banda para evolucionar y cambiar su estilo musical con los "tiempos", por lo tanto, tienen una riqueza a lo largo de su discografía para satisfacer todos los gustos.

Uno de sus muchos y grandes discos es "Violator", una maravillosa experiencia de principio a fin lleno de grandes canciones.

ALBUM: Violator

El séptimo álbum de estudio publicado por primera vez el 19 de marzo de 1990 y co-producido por Flood. Todo se une en este disco, lo visual, los arreglos, la producción, la letra y la melodía. Una fantástica colección de temas que se han convertido en atemporales.

Precedido por los singles "Personal Jesus" (el single más vendido en la historia de Warner Bros., vendiendo más de medio millón de copias en los Estados Unidos) y "Enjoy the Silence", este álbum impulsó a la banda al estrellato comercial e internacional (especialmente en el mercado estadounidense), y también produjo los singles "Policy of Truth" y "World in My Eyes", todas canciones ahora conocidas en todo el mundo y que se escuchan sin cesar en la radio. Musicalmente, "Violator" se puede describir como "synth-pop", además de ser influenciado por Pink Floyd (el sonido sintetizado repetitivo y los riffs de bajo con eco; sample de "One of These Days") como indica y se escucha en la última canción "Clean".

Una vez escuchado en su totalidad, es un álbum impresionante, comercialmente casi perfecto. La emoción lírica directa de Martin Gore y la habilidad para ganchos pegadizos se filtraron a través del oído de Alan Wilder para lograr arreglos perfectos, hábilmente asistidos por la mejor producción. Canción por canción es simplemente magnífica.

El disco está totalmente equilibrado, desde la intimista "World in my Eyes", la seductora "Sweetest Perfection", la cósmica "Waiting for the Night" hasta la fetichista "Blue Dress". Durante el lapso del álbum ascienden dos canciones entre los mayores singles: "Policy of Truth" y su pariente, la trepidante balada "Halo". "Violator" es quizás el álbum más sofisticado de Depeche Mode. En gran parte debido a las texturas y rangos dinámicos que crean la variedad de atmósferas, además no olvidemos las otras canciones monstruosas que se convirtieron en piezas fundamentales: "Personal Jesus", "Enjoy the Silence" y "Policy of Truth".

Todos los miembros de la banda (y del equipo) están en su punto máximo de talento. Destacan las entregas de David Gahan. El oído de Martin Gore para las armonías. Las creatividades de producción de Alan Wilder y Flood son muy ingeniosas. Es una obra maravillosa, un punto de referencia tanto de la carrera de Depeche Mode como de la música electrónica en general; un logro histórico y una cápsula del tiempo para una banda en la cima de sus poderes.

Disco recomendado

Si no estás familiarizado con Depeche Mode (o con "Violator") - quizás seas un lector joven - encuentra esto y escúchalo. Es una verdadera joya del synth-pop.

Video de "Personal Jesus":

Tracklist (original):

1.         "World in My Eyes"              4:26
2.         "Sweetest Perfection"            4:43
3.         "Personal Jesus"                     4:56
4.         "Halo"                                   4:30
5.         "Waiting for the Night"         6:07
6.         "Enjoy the Silence"               6:12
7.         "Policy of Truth"                   4:55
8.         "Blue Dress"                           5:41
9.         "Clean"                                  5:32

Depeche Mode:

• Martín Gore
• Alan Wilder
• David Gahan
• Andres Fletcher

Técnico:

• Modo Depeche – producción
• Flood – producción (todas las pistas); mezclando (""Enjoy the Silence"")
• François Kevorkian - mezcla (todas las pistas excepto ""Enjoy the Silence"")
• Daniel Miller - mezcla (""Enjoy the Silence"")

GLOBAL COMMUNICATION - 76:14 - Album

ALBUM: 76:14

La música como medio de transporte emocional y psicológico. La mejor forma que tengo para resumir este increíble disco.

Es el segundo álbum de estudio de "Global Communication", un dúo inglés de música electrónica formado por Tom Middleton y Mark Pritchard. Publicado inicialmente el 1 de junio de 1994, el disco ha sido reeditado varias veces, la más reciente en 2020 en una versión ampliada y remasterizada con "Pentamerous Metamorphosis" (álbum de remezclas de Chapelhouse) y un disco seleccionado de sencillos y remezclas raros, titulado "Transmisiones".

El título del álbum, 76:14, pretende corresponder al tiempo de ejecución total del disco en minutos y segundos, aunque el tiempo de ejecución real es más corto. Del mismo modo, cada tema del álbum se titula correspondientemente según su duración respectiva.

Mark Pritchard y Tom Middleton producen uno de los mejores trabajos en el canon del ambient house (aunque esto se puede definir también como "chill-out"). Los unía su colección de discos y su amor por los músicos electrónicos europeos - Vangelis, Brian Eno, Jarre, Kraftwerk y especialmente, Tangerine Dream, además de ser fanáticos del Detroit Techno, como lo demuestra 76:14. Considerado ahora un clásico de la música ambient de los 90, también es un álbum pionero, una epopeya en expansión que se aleja de la música ambient para abarcar sintetizadores kosmische, shoegaze, técnicas de producción de dub y muchos otros géneros.

Es un equilibrio de belleza con una calidad inquietante. En varias canciones, el lado oscuro parece hacerse presente, pero durante la mayor parte de 76:14, las melodías y los ritmos lentos trazan un curso hacia lo optimista y positivo. Es una experiencia auditiva para escuchar desde principio a fin: tranquila, relajante, atmosférica y hermosa. Dicho de otra manera, es un viaje cerebral emocional a mundos sonoros etéreos como pocos han creado antes. Cada tema de este álbum es como un viaje persistente en el espacio. Después de todo este tiempo, la paleta de sonidos, desde el agua que cae hasta el siniestro silbido, sigue siendo absorbente.

Algunas canciones destacadas: 9:39, 7:39, 14:31 y 12:18, aunque en su totalidad es un disco enorme.

Un disco recomendado. Quizás, si no, el álbum chillout más perfecto de la historia, junto con Brian Eno "Airports", KLF "Chillout", The Orb "Adventures Beyond Ultraworld" y AphexTwin "Ambientworks..." (por mencionar algunos). Es un viaje musical, desconéctate del mundo que te rodea, ponte los auriculares y déjate llevar a otra dimensión. Es un disco imprescindible para cualquier fan a la música electrónica, género ambient o chillout. Simplemente esencial.

Video el tema "9:25":

Tracklist (original):

1.         "4:02"  
2.         "14:31"           
3.         "9:25"
4.         "9:39" 
5.         "7:39"
6.         "0:54" 
7.         "8:07" 
8.         "5:23" (titulo alternativo "Maiden Voyage")
9.         "4:14"  4:14
10.       "12:18"            12:18

SEX PISTOLS - Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols - Album

ALBUM: Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols

El único álbum de estudio publicado el 28 de octubre de 1977. Este disco tiene miles y miles de críticas y publicaciones escritas, y aunque solo sea por esto, ya es una grabación importante. Mencionado esto, también es una obra tipo … "o lo amas o lo odias". Sigo lo primero y explicaré en adelante mis razones.

Las relaciones internas de la banda eran volátiles y la formación experimentó cambios durante la grabación de este álbum. El bajista original Glen Matlock dejó la banda al principio del proceso de grabación, y aunque se le acredita como co-guionista en todas las canciones excepto en dos, solo interpretó el bajo y los coros en el tema, "Anarchy in the U.K". Las sesiones de grabación continuaron con un nuevo bajista, "Sid Vicious" (no sabía tocar el bajo), a quien se le atribuyen dos de las canciones escritas por la banda después de unirse.

Si bien la forma de tocar el bajo de Vicious apareció en dos cortes, su falta de habilidad con el instrumento significó que muchas de las canciones se grabaron con el guitarrista Steve Jones tocando el bajo. El baterista Paul Cook, Steve Jones y el cantante Johnny Rotten (aka John Lydon) aparecen en cada tema.

En el momento de su lanzamiento, los "Sex Pistols" ya eran un escándalo nacional, ya que habían pronunciado groserías en la televisión publica en directo, habían sido despedidos de dos sellos discográficos y se les prohibió tocar en directo en algunas partes de Gran Bretaña. El título del álbum se sumó a esa controversia con muchas tiendas de discos negando a venderlo y algunas listas de discos se negaron a incluir su título, mostrando solo un espacio en blanco. 

Debido en parte a su notoriedad, y a pesar de las muchas prohibiciones de venta en las principales tiendas de discos, el álbum debutó en el #1 de las listas de álbumes del Reino Unido. Esto en sí mismo lo dice todo; este disco conecto con el espíritu de la juventud británica de la época, guste o no guste a muchos.

Con el paso del tiempo y fuera de su contexto histórico, este disco podría verse ahora como una cínica idea de mercadotecnia y dinero fácil del manager Malcolm McLaren, además de ser una mezcla de canciones a medio tiempo muy ruidosa e irregular con un vocalista molesto y grosero sin mucha melodía. De hecho, el oyente de música de hoy también puede preguntarse por qué tanto alboroto.

Lo que hace que este álbum sea tan importante es que es un "game changer", una propuesta nunca antes vista ni escuchada que literalmente revolucionó el rock británico y lo cambió para siempre. Llámelo punk, o lo que sea, destruyó los cimientos de "lo establecido" y la etiqueta y el poder de los valores ingleses tradicionales para despejar el horizonte para nuevas ideas y pensamientos musicales. Los "Sex Pistols" con este disco debut allanaron el camino para que innumerables otras bandas hicieran declaraciones rebeldes similares, algo que no podían hacer de antemano. Dicho de otra manera, "Never Mind the Bollocks" es una declaración política y una parte de la historia de una época en la que el punk se trataba de cambiar el status quo, y no la moda en la que finalmente se convirtió. También fue una bofetada en la cara de una industria de la música cada vez más aburrida y complaciente.

Los críticos más dogmáticos (y con razón) afirman que "The Clash" encapsuló mejor el espíritu político del punk rock, que "Damned Damned Damned" (de "The Damned") fue el primer disco punk real del Reino Unido, que "The Ramones" lo estaban haciendo en los EE. UU. en su álbum debut hace unos 18 meses antes de "Never Mind the Bollocks" y que "Iggy Pop" es el "Padrino del punk"; pero son los Sex Pistols (y las canciones de "Never Mind the Bollocks") los que definieron el fenómeno que fue bautizado como punk rock. Puso al revés la música británica (y mundial) y les dio a una gran parte de los jóvenes el valor para decir y expresarse realmente lo que sentían.

"Never Mind the Bollocks" articuló perfectamente la frustración, la rabia y el descontento de la clase trabajadora juvenil británica con "el establishment conservador". La entrega rabiosa y espumosa del cantante Johnny Rotten. Sus ataques amargamente sarcásticos contra la afectación pretenciosa y los cimientos mismos de la sociedad británica se llevaron a cabo de la manera más violenta y descortés posible: debajo de las tácticas de choque y la negatividad teatral había fuertes críticas sociales cuidadosamente diseñadas para lograr el máximo impacto. Probablemente no haya dos canciones que evoquen el espíritu del movimiento punk rock británico de la década de 1970 de manera más vívida que "Anarchy In The UK" y "God Save The Queen" empujando la música a una experiencia tan anárquica y amenazando la presencia del status quo. Fue algo aterrador, rompió todas las normas de comportamiento y comunicación establecidas conocidas en ese momento. Eran vistos por muchos como una amenaza para la sociedad.

Al hacerlo, los Sex Pistols allanaron el camino para que innumerables otras bandas hicieran declaraciones y música igualmente rebeldes. Es fácil ver cómo la energía rugiente de la banda, la actitud abrumadoramente arrogante y él despotricar furioso de Johnny Rotten (John Lydon) provocaron una revolución musical, y esas cualidades no han disminuido ni un poco con el tiempo. "Never Mind the Bollocks" es simplemente uno de los discos de rock más grandes e inspiradores de todos los tiempos. Fue una "bomba nuclear" que aplasto lo "anticuado" para dar paso a lo "nuevo".

Por último, y con en este ultimo punto, armó a los jóvenes oyentes con la idea de que no eres inferior a nadie, este empoderamiento mental liberó a muchos jóvenes de una "esclavitud cultural y psicológica".

Un disco recomendado. Una obra maestra extrema. El álbum es pura potencia desde la primera canción hasta la última. Posiblemente el mejor disco de punk rock de todos los tiempos, si no, es sin duda el más revolucionario. Es imprescindible escuchar, y estudiar en las clases de historia de la música (rock). Esto ilustra el poder de la música, el poder cambiar el mundo, y como lo hizo.

Video de tema "Anarchy in the U.K.":

Tracklist (original LP):

Cara A:

1.         "Holidays in the Sun" 4:46
2.         "Liar"                         2:41
3.         "No Feelings"            2:53
4.         "God Save the Queen"           3:20
5.         "Problems"                 4:11

Cara B:

6.         "Seventeen"               2:02
7.         "Anarchy in the U.K."           3:32
8.         "Bodies"                     3:03
9.         "Pretty Vacant"                     3:18
10.       "New York"               3:07
11.       "E.M.I."                     3:10

BOARDS OF CANADA - Music Has the Right to Children - Album

Boards of Canada es el dúo de Michael Sandison y Marcus Eoin con base en la costa norte de Escocia. Los hermanos Sandison son muy apreciados por su folktronica orgánica, manipulación de sonido y mensajes subliminales dentro de su música para causar una gran estimulación emocional. Es decir, añaden emoción a la “máquina”.

El dúo cae dentro de la denominada música de “Intelligent Dance Music (IDM)".

ALBUM: Music Has the Right to Children

Es el álbum debut de estudio del dúo escocés de música electrónica "Boards of Canada" publicado el 20 de abril de 1998. Grabado en Hexagon Sun, el estudio de grabación personal del dúo en Pentland Hills, presenta un estilo distintivo de electrónica, con sintetizadores antiguos, producción analógica degradada, sonidos encontrados y samples, y ritmos inspirados en el hip hop. El álbum recibió elogios de la crítica tras su lanzamiento y desde entonces ha sido reconocido como un trabajo histórico en la música electrónica, inspirando a una variedad de artistas posteriores (Gold Panda, Lapalux, Tim Hecker, Leyland Kirby, Bibio, Four Tet … etc.).

"Music Has the Right to Children" es un disco increíble. Similar a los primeros trabajos de "Autechre" y "Aphex Twin", esto es pura alma de máquina. También es un registro inquietante; una representación de la tecnología antigua en descomposición. Esto se puede escuchar en la excelente selección de samples de las muestras de la radio y programas de televisión que pasan zumbando en "Telephasic Workshop" hasta los espeluznantes clips de "Sesame Street" esparcidos por todas partes. Las grabaciones de campo en temas como "An Eagle in Your Mind" y "Happy Cycling" añaden una conexión con la naturaleza, que choca con los aspectos electrónicos del álbum.

Otras canciones también tienen su significado, "The Color of the Fire" es una referencia a la experiencia psicodélica de un amigo. "Kaini Industries" es una empresa que se estableció en Canadá para crear empleo para un asentamiento de indios. "Olson" es el apellido de un miembro de la familia y "Smokes Quantity" es el apodo de un amigo del dúo. Además, se puede deducir que el significado detrás de "Telephasic Workshop" es un ambiente meditativo en el que dos o más individuos intentan compartir una visión o idea telepática, mientras que "Roygbiv", se refiere a Roy G. Biv, que es un mnemotécnico común para el orden de los colores del arco iris, y "Pete Standing Alone" se refiere a una persona real, un indio nativo americano llamado Pete Standing Alone. Solo solo algunos puntos anecdóticos para ayudar a seguir el álbum y poner algo de contexto.

A lo que es "groove" este álbum tiene algunos de los mejores ritmos de batería y samples que puedes escuchar, es un disco que mejora con cada escucha, está tan bien elaborado que cada escucha revela algo nuevo. Solo cierra los ojos y deja que te lleve a donde quiera que decida llevarte.

Los momentos más destacado: la secuencia con "Turquoise Hexagon Sun", "Kaini Industries", "Bocuma" y "Roybgiv". Casi 10 minutos de asombro, y un viaje mental.

Disco recomendado. Magníficas mezclas, ejecuciones originales, gran variedad, gran valor de repetición y buen flujo gracias a las distintas duraciones, este es realmente una obra completa. "Boards of Canada" diseñó "Music Has the Right to Children" para desencadenar una respuesta nostálgica en el oyente, la música literalmente construida para sugerir de manera subliminal e hipnótica los primeros recuerdos del oyente, posiblemente precognitivos. ¡Guau! A veces un álbum es tan bueno que crea su propio género. Este es uno de esos álbumes. Imprescindible para todos los fans de la música electrónica (ambient).

Video del tema "The Color of the Fire":

Tracklist (original):

1.         "Wildlife Analysis"    1:15
2.         "An Eagle in Your Mind"      6:25
3.         "The Color of the Fire"          1:45
4.         "Telephasic Workshop"          6:35
5.         "Triangles & Rhombuses"      1:50
6.         "Sixtyten"       5:48
7.         "Turquoise Hexagon Sun"      5:07
8.         "Kaini Industries"       0:59
9.         "Bocuma"       1:35
10.       "Roygbiv"       2:31
11.       "Rue the Whirl"          6:39
12.       "Aquarius"      5:58
13.       "Olson"           1:31
14.       "Pete Standing Alone"           6:07
15.       "Smokes Quantity"     3:07
16.       "Open the Light"        4:25
17.       "One Very Important Thought"         1:25