EDDIE TAYLOR | I Feel So Bad

Eddie "Playboy" Taylor (Bluesman y guitarrista)

Eddie Taylor fue un guitarrista y cantante afro-americano de blues. Es el bluesman que la mayoría no conoce pero lo debe. Fue el acompañante, y pieza fundamental del sonido de otro gran bluesman "Jimmy Reed", aparte de también ser acompañante de Elmore James, John Lee Hooker … etc.

Un extraordinario guitarrista que estuvo "cómodo" en su papel y en segundo plano. Como se dice, tras un gran artista siempre hay otro igual que, además de acompañarlo, lo sustenta y lo hace más fuerte; Eddie Taylor fue ese músico. Era uno de los mejores guitarristas que el mundo del blues vio tocar, era un maestro en manejar los silencios.

¿Quién es Eddie Taylor? Una breve historia:

 
Nacido como Edward Taylor en Benoit, Mississippi, cuando era niño, Taylor fue testigo de los legendarios, Robert Johnson y Charley Patton, mientras se enseñaba a sí mismo tocar la guitarra. Pasó sus primeros años tocando en lugares alrededor de Leland, Mississippi, donde le enseñó a tocar la guitarra a su gran amigo Jimmy Reed (el futuro gran bluesman). Con un estilo de guitarra profundamente arraigado en la tradición del Delta del Mississippi, Taylor se mudó a Chicago, Illinois, en 1948. Pronto se unió al arpista Snooky Pryor, el guitarrista Floyd Jones y (parece destino) su gran y viejo amigo Jimmy Reed.

Eddie Taylor nunca alcanzó el estrellato de algunos de sus contemporáneos en la escena del blues de Chicago, sin embargo, fue una parte integral de esa época. Su fama viene como el acompañante principal de Jimmy Reed, también trabajó para John Lee Hooker, Big Walter Horton, Sam Lay, y otros. Sin embargo, su guitarra rítmica firme impulsó la gran mayoría de éxitos de Reed durante la década de 1950 y principios de la de 1960. Sin Eddie, Jimmy Reed hubiese sido "otra cosa".

Con el tiempo, Taylor también tuvo margen para acompañar a otros bluesmen e incluso grabó sus propios álbumes en solitario, uno el cual comento abajo.

Eddie Taylor murió a finales de 1985 en Chicago, a la edad de 62 años. Fue incluido póstumamente en el "Salón de la Fama del Blues" en 1987.

Algunos álbumes como solista (líder de la banda):

• 1972 I Feel So Bad   
• 1974 Ready for Eddie          
• 1980 My Heart Is Bleeding  
• 1987 Still Not Ready for Eddie (póstumo)

Algunos álbumes de interés donde colabora:

• 1958: I'm Jimmy Reed – Jimmy Reed
• 1959: I'm John Lee Hooker – John Lee Hooker
• 1967: Soulin' – Jimmy Reed
• 1969: Carey Bell's Blues Harp – Carey Bell
• 1969: Down in Virginia – Jimmy Reed
• 1972: Big Walter Horton with Carey Bell − Big Walter Horton and Carey Bell
• 1973: Last Night – Carey Bell
• 1975: Street Talkin', compilación 7 temas por Elmore James y 7 por Taylor
• 1981: Big Town Playboy, compilación. 

Destacó el disco "I Feel So Bad", donde dejó claro que este guitarrista modesto no tenía por qué ser el segundo violín de nadie. Es un excelente álbum para descubrir y conocer a Eddie Taylor.

ALBUM: I Feel So Bad

 
Disco de estudio y en solitario grabado en Los Ángeles y publicado en 1972 (sello Advent). Un álbum de blues brillante y su disco en solitario más conocido. Eddie Taylor no era un tradicionalista estricto; estaba tan familiarizado con los ritmos modernos con tintes de funk-t como con los estilos basados del "Delta", y exhibe ambos lados de su personalidad musical en este trabajo.

 

Uno de los álbumes contemporáneos más satisfactorios del guitarrista de Chicago, se grabó con un gran combo: Phillip Walker en la segunda guitarra y George Smith en el arpa. La mayoría de los temas son eléctricos, pero hay algunas selecciones acústicas para completar este CD.

Momentos destacados: el acústico "Stroll Out West", el sonido blues band y de la arpa de George Smith en "Sittin Here Thinkin", la guitarra acústica de "Bullcow Blues" y el blues lento de "Mean Red Spider" con Eddie cantando con su voz particular... No obstante, en su totalidad un gran disco de blues de principio a fin.

Un disco recomendado. Si no estás familiarizado con Eddie Taylor este es el sitio para comenzar. Después puede explorar otros discos en solitario y escuchar un álbum de Jimmy Reed: esta vez buscando más a la guitarra de Eddie.

Video del tema "Stroll Out West":

Tracklist (formato vinilo LP):

A1                   I Feel So Bad
A2                   Jackson Town Blues
A3                   Stop Breaking Down
A4                   Highway 13
A5                   Stroll Out West
A6                   Sittin' Here Thinkin'

B1                   Going Upside Your Head
B2                   Twelve Year Old Boy
B3                   There'll Be A Day
B4                   Bullcow Blues
B5                   Wreck On 83 Highway
B6                   Blues In The Rain

Ficha-créditos:

Productor - Frank Scott
Voz, Guitarra - Eddie Taylor
Bajo - Chuck Jones
Batería - Johnny Tucker
Guitarra - Phillip Walker
Arpa - George Smith
Piano - Jimmy Jones
Pandereta - Little H. Williams
Saxofón tenor y saxofón barítono - David II

LUKE SLATER | Freek Funk - Album

Luke Slater (Músico y productor)

Es un músico electrónico, DJ y productor inglés, que se ha concentrado en el techno desde principios de los años noventa (Siglo XX). Slater se ganó la reputación de ser un influyente productor de techno, tomando la influencia del techno de Detroit (EE.UU.). Agrupado con nombres igualmente influyentes como "Cristian Vogel" y antiguo compañero de sello "The Black Dog", a Luke Slater generalmente también se le atribuye el mérito de haber ayudado a crear e impulsar el techno de "estilo británico". Alternativamente, Luke Slater ha sido recientemente "categorizado" dentro del estilo "Intelligent Dance Music" (IDM), aunque esto es discutible (pero menos bajo sus otros seudónimos).

Los primeros coqueteos "musicales" del joven Slater fue con la grabadora de cinta de su padre y sus períodos con la batería que lo llevaron después a trabajar en tiendas de discos locales. En 1988, Slater ya estaba inmerso en la escena del acid-house pinchando con DJ en el club nocturno "Heaven" de Londres.

Luke Slater trabaja bajo otros seudónimos como:

- Planetary Assault
- The 7th Plain
- Clementine
- L.B Dub Corp

Cada uno le permite a Slater explorar, experimentar y elaborar otros estilos de la música electrónica

La discografía de álbumes hasta hora como Luke Slater:

•  X-Tront Vol. 2 (1993)
• Freek Funk (1997)
• Wireless (1999)
• Alright on Top (2002)

Hay dos discos que destacan, el primero es "Freek Funk" que pone a Slater sobre el escenario mundial de la música techno, y el segundo "Wireless" una obra que ayuda a dar un empuje al sonido "breakbeat". Los dos son los mejores trabajos de Luke Slater, aunque me inclino más hacia "Freek Funk".

ALBUM: Freek Funk

Es el segundo álbum de estudio bajo el nombre (propio) de Luke Slater, publicado el 19 de octubre de 1997, siendo también el primer álbum de "Novamute Records". El disco es de los trabajos más personales de Slater hasta la fecha, y su intención era grabar música que fuera más allá de "techno bailable" y empujar las barreras del género, dando como resultado un álbum ecléctico y minimalista que también incorpora estilos funk, acid techno y electro. El álbum varía en tono, con cortes de techno agresivos y material más suave y oscuro. Es una obra que ha impactado sobre muchos otros productores de techno y breakbeat, y hoy es aclamado como un álbum ambicioso para su época. En 2017, la revista especializada "Mixmag" lo nombró el quinto mejor álbum de techno de la década de 1990.

En general, este es un álbum elegante y exuberante, y elabora sobre el sonido techno de la ciudad de Detroit que influye sobre Slater, pero es mucho más experimental, cubriendo una variedad de estilos que incluyen un techno abrasivo, house cargado de cuerdas y música ambient (estilo cinematográfica). El disco también incluye estilos de electro-funk y acid-house impactando fuerte e inmediato sobre las escenas de techno y breakbeat británicas.

Repasando lo que nos ofrece, podemos escuchar una variedad de estilos y sonidos que se adaptan a la mayoría de los paladares de la música electrónica. El tema de apertura "Purely" anuncia el sonido principalmente "hard techno" del álbum. "Origin" es un corte estilo rave intensa dominado por pitidos. "Score Two" presenta una atmósfera ambient-cinematográfica, mientras que la siguiente pista "Are You There" es del estilo electro. "Engine One" es una canción de techno intenso e implacable, mientras que el número que da título al disco es una composición hipnótica y de estructura compleja. "Zebediah" es un tema de estilo trip-hop con influencias de la música dub, y "Bless Bless" presenta sonidos funk experimentales. Por el contrario, "Filter 2" presenta un estilo industrial "muro de sonido", y "Score Four (Black Cloud Over Zin Vortex)" se caracteriza por texturas sci-fi espaciales y de atmósferas tensas, mientras "Time Dancer" es una pequeña locura mental. El álbum finaliza con un hip-hop abstracto titulado "Walking the Line".

En general, un álbum bastante ecléctico, que también es la razón de crítica por algunos especialistas. Como suele ocurrir nunca "llueve a gusto de todo el mundo", con algunos "puristas" quejándose que este trabajo de Luke Slater le falta coherencia; demasiado una "ida de olla". Dejando de lado esta crítica, el propio artista anuncia al publicar su obra que sus intenciones en  "Freek Funk" son expandir los márgenes y derribar barreras, creo que lo hace con éxito.

Un disco recomendado. Es un álbum lleno de ideas, intención y con mucha energía. Una obra de techno feroz y funky que te golpea sin respiro. Este trabajo ayudó al avance y la consolidación del techno en el Reino Unido y alentó una nueva ola de artistas, productores y Djs de música electrónica para seguir experimentando y evolucionando el sonido.

Puede ser que ahora sea considerado como un clásico del "Old School" techno, aunque seguro que va gustar a los fans de la música electrónica y del techno. Buscarlo.

Video del tema “Filter 2”:

Tracklist:

1. "Purely" – 8:02
2. "Score One" – 1:46
3. "Origin" – 3:14
4. "Score Two" – 2:06
5. "Are You There?" – 4:52
6. "Score Two (Message from Hulal)" – 2:20
7. "Engine One" – 6:45
8. "Freek Funk" – 7:51
9. "Zebediah" – 6:57
10. "Bless Bless" – 4:21
11. "Filter 2" – 6:16
12. "Time Dancer" – 6:15
13. "Score Four" – 1:06
14. "Love" – 6:14
15. "Black Cloud (Epilogue)" – 1:29
16. "Walking the Cloud" - 5:20

THE INDEX | The Index - The Black Label Album

Una de las bandas estadounidenses más desconocidas de la década de 1960 que obtuvo una "nueva vida" y reconocimiento por los fans del garage rock de los ochenta y por los coleccionistas de discos. Citado como el "eslabón perdido" entre la música surf-rock y el garage-rock son los primeros indicios de un estilo "proto-punk". Además, esta banda tiene una historia curiosa para contar que añade aún más a su atractivo. Hablo de...

The Index (Banda)

 
Grupo americano de garage rock y/o rock psicodélico de Grosse Point, Michigan, que estuvieron activos entre 1966 y 1969 y son conocidos por un sonido caracterizado por el zumbido de las guitarras (feedback y drone), como se escucha en sus dos únicos álbumes, ambos lanzados en 1968. Aunque permanecieron en gran parte desconocidos, desde la década de 1980, han llamado la atención de los coleccionistas y los fans del garage rock.

The Index se formó en 1966 como trío llamados "Chicken Every Sunday", cuando el guitarrista principal John B. Ford junto con el guitarrista rítmico y bajista Gary Francis decidieron formar una banda y le pidieron al baterista Jim Valice que se uniera. Todos los miembros habían tocado anteriormente en otras bandas locales.

El grupo solía tocar en fiestas y en sitios pequeños. Un día después de un ensayo, decidieron cambiar su nombre, pero al no poder encontrar uno apropiado, el guitarrista Ford, recomendó que dejaran un libro en el suelo y elegir la palabra que surgiera, así procedió, y la banda cambió su nombre a "The Index" (El Índice).  Al escuchar el primer álbum de "The Jimi Hendrix Experience" en 1967, decidieron incorporar algunas de sus influencias sónicas en su sonido austero y muy reverberado, que a veces se ha caracterizado como "zumbido".

La banda publicó su álbum debut homónimo en 1968, "The Index", más conocido como "The Black Label Album", en su propio sello "DC". El grupo lanzó otro álbum homónimo (con el mismo nombre) más tarde ese mismo año, que se conoce como el "The Red Label Album". Pero, a diferencia del primer LP, se editó en estéreo, contenía diferentes versiones de algunas de las mismas canciones del primer álbum e incluía un par de versiones de canciones de los "Bee Gees". La mayoría de las copias de ambos discos se regalaron a amigos, y poco después del lanzamiento del segundo álbum, el grupo se disolvió.

Las copias originales de sus dos álbumes de 1968 tienen un alto precio en el mercado de los coleccionistas, debido a que se fabricaron solo doscientas copias.

La discografía:

• The Index (“Black Label Album" 1968)
• The Index (“Red Label Album" 1968)

No fue hasta el renacimiento del rock garage y psicodélica de los años 80 que "The Index" se hizo conocido y respetado en los círculos de coleccionistas, especialmente después de que el sello "Voxx" reeditó el primer álbum - The Black Label - en 1984. Ahora son una banda de culto entre los más fans y "entendidos" del rock.

 

ALBUM: The Index (The Black Label)

Es su LP debut publicado en 1968. Este disco suena un mix de "surf y garage rock". Supuestamente fue grabada usando micrófonos sostenidos por encima de los altavoces, aun así, suena bastante bien. Este álbum también es conocido por el hecho de que es uno de los discos de vinilo de rock psicodélicos más raros y uno de los más valiosos. El planchado original es una verdadera pieza de coleccionista. Impreso en una edición de apenas 100 copias, vale alrededor de $US 3,000 según la guía de precios "Goldmine", aunque podría tener un precio aún más alto.

Desde el punto de vista musical, es una buena mezcla de garage rock crudo y psicodelia. La mayor parte del material de este álbum es entretenido y sólido. Una rareza psicodélica que es una especie de lugar de encuentro entre "The Byrds", "Jimi Hendrix" y "The Velvet Underground". Con su propuesta de garage primitivo y su entusiasmo exagerado por la retroalimentación y el sonido "wah-wah", "The Index" era en gran parte una banda de su época; con un estilo minimalista y de guitarra eléctrica salvaje, casi experimental. Destacado por la mejor versión de "Eight Miles High" (The Byrds) jamás intentada, y el golpe instrumental final de "Feedback", que es una feroz distorsión psicodélica de la guitarra, llevada a sus límites de ruido blanco. La grabación carece de un sonido de auténtica calidad, pero eso se suma al sonido sombrío, una atmósfera que es a la vez monótona y turbia, una especie de lado atonal del rock de los 60 que dejaría una impresión duradera en lo que se convertiría en el futuro punk y post-punk. Curiosamente en este aspecto este disco es en cierto modo algo innovador.

Los momentos más destacables son la gran versión de "Eight Miles High" de "The Byrds", "Islamic Blues", Turquoise Feline", "Fire Eyes" y el poderoso tema final "Feedback" de distorsión.

Un disco recomendado. Si eres un fan del garage rock, pienso que va gustar. Y también vale la pena para los amantes del rock psicodélico. Ahora esta más accesible en formato CD y también hay lanzamientos que engloban los dos discos (Black y Red), además de estar disponibles en las plataformas digitales de música y video. Buscarlo.

Video del tema "Eight Miles High":

Tracklist (formato CD):

1. Eight Miles High 3:33
2. Israeli Blues 4:05
3. John Riley 4:00
4. Turquoise Feline 3:30
5. Rainy, Starless Night 2:25
6. Fire Eyes 4:08
7. Shock Wave 3:20
8. You Keep Me Hanging On 3:00
9. Feedback 4:50

DAVE CLARKE | Archive One - Album

Dave Clarke (productor: música electrónica)

David Maurice Clarke es un DJ, productor y presentador de radio de música electrónica inglés. El famoso presentador de radio de la BBC, John Peel, nombró a Dave Clarke "El barón del techno" (The Baron of Techno). Dave Clarke es uno de los DJ y productores de techno más respetados de los años 90 (siglo XX), comenzó su carrera musical como DJ de hip-hop a mediados de los 80, pasando al acid house y luego al rave cerca del final de la década.

Nacido en la ciudad de Brighton, desde los 8 años, Clarke se interesó por la música y la tecnología, y para él, "no había más alternativa que volverse profesional". Después de la separación de sus padres, se mudo y pasó un breve período sin hogar; un amigo le ofreció alojamiento temporal y Clarke continuó desarrollando su amor por la música, inicialmente hip hop y post-punk. La banda inglesa "The Damned" fue una influencia temprana y continúa escuchando a la banda durante su carrera musical.

Su carrera comenzó como productor y su primer lanzamiento fue bajo el sobrenombre de "Hardcore" en el sello "XL Recordings" en 1990. El lanzamiento con XL llamó la atención del sello belga de música techno "R & S Records" y posteriormente lanzó varios EP en 1991. En 1992 Clarke puso en marcha su propio sello musical, "Magnetic North". Luego produjo una serie de EPs bajo el nombre "Red", uno de los cuales fue incluido por la publicación "DJ Mag" en su lista "Mejores del Techno Top 100". Las grabaciones de "Red" elevaron en popularidad a Dave Clarke, quien posteriormente produjo remixes para artistas prominentes de la música dance como "Inner City" de Kevin Saunderson, The Chemical Brothers, New Order y Underworld. Firmado con el sello "de-Construction", y Clarke publicó su álbum debut, "Archive One", en 1996, que contenía elementos de los géneros breakbeat y electrónica.

Dave Clarke es uno de los pocos DJs que actuó en directo en el programa de radio de John Peel y segmentos de la actuación fueron lanzados como "The John Peel Session EP" en el sello "Strange Fruit" en 1997, bajo el nombre "Directional Force". También en 1997, "John Peel" menciona a "Archive One" como de los mejores del Techno.

La discografía de álbumes de estudio hasta el momento:

• Archive One (1996)
• Devil's Advocate (2003)
• Remixes & Rarities (2006)
• Charcoal Eyes (A Selection of Remixes from Amsterdam) (2016)
• The Desecration of Desire (2017)

Para mi es álbum que mejor define a Dave Clarke es el debut de 1996.

ALBUM: Archive One

Es el álbum de debut publicado en 1996, donde Dave Clarke mezcla techno, house, disco y electro en un trabajo que aún hoy sigue siendo relevante. Es considerado uno de los trabajos más importantes del género Techno (principalmente estilo "Techno Detroit"). El periodista musical “Ian Gittins” escribió en el periódico "The Guardian", el 9 de febrero de 1996:

“La trilogía "Red" de singles […] lo estableció como uno de los artistas más innovadores de la escena techno contemporánea, y el frecuentemente asombroso "Archive One" representa un nuevo salto cuántico para seguramente la imaginación más fértil en el mundo del dance actual". 

Es posiblemente el trabajo de "Detroit Techno" más duro e intenso producido fuera de la ciudad actual de "Detroit". También es el primer álbum de Dave Clarke para el sello "Deconstruction" y una especie de compilación que incluye sencillos anteriores, los "Red series SINGLES"). Aunque la primera canción del disco es down-tempo y el tercero es de sabor hip-hop, el álbum pisa fuerte desde el cuarto tema en adelante, ofrece la mejor introducción a la crucial fusión de "acid-techno" de Clarke a la música electrónica.

Según Clark, "Archive One" se mezcló con un par de "Mercury MS20" de segunda mano que compró por solo £ 120. Ofrece unos "beats" de obliteración y ritmos que golpean con un martillo al cerebro. Asombra la onda de sintetizador extremo de apertura del tema "Rhapsody in Red", los ritmos monstruosos y deformados de "The Woki", la electrónica feroz y punzante de "Storm" y los ritmos conflictivos y cambiantes de "Protective Custody" que agotan tus sentidos. En general, un álbum muy ecléctico de techno duro con algunos sorprendentes temas de chill-house.

Como anécdota este disco también alejo Dave Clark de los estudios unos años por los problemas legales con los sellos "Deconstruction" y "Bush" por algunas canciones.

En fin, un disco recomendado para el fan de la música electrónica, y en concreto de la música dance estilo "Techno". Un álbum que sigue vigente y es un referente del género y de los nuevos productores y artistas de la música electrónica.

Video del tema "Storm":

Tracklist (formato 2 x LP Vinilos)*:

 A1 Rhapsody in Red
A2 Protective Custody
A3 No One’s Driving **
B2 Southside

C1 Wisdom to the Wise
C2 Tale of Two Cities
C3 Storm
D1 Miles Away
D2 Thunder
D3 Splendour

*También disponible en formato de CD único.

Si lo tuyo son los "samples":
** "No One's Driving" incluye "samples" vocales de 

-'The Devil made me do it' by Paris
-'U Know What Time It Is' by Grandmaster Flash
-'Rock Da House Y'all' by West Street Mob
- 'Get Pepped' by Skinny Boys

RA RA RIOT | The Rhumb Line

Ra Ra Riot (Banda)

Grupo americano de indie rock formada por el vocalista Wes Miles, el bajista Mathieu Santos, el guitarrista Milo Bonacci, la violinista Rebecca Zeller y el baterista Kenny Bernard. Músicos de rock que fusiona su sonido con sintetizadores, violines y violonchelo. La banda desarrolló un sonido ecléctico, inspirado por el pop barroco de los años sesenta y setenta, el new wave de los ochenta, el folk y la música clásica de cuerdas. Llamaron la atención por primera vez a mediados de la década de 2000 combinando rock indie con el "chamber-pop". Sus dos primeros álbumes, "Rhumb Line" de 2008 y "The Orchard" de 2010, mostraron este sonido de chamber rock-pop y les valieron la aclamación de la crítica.

Ra Ra Riot se formó en enero de 2006, tocando en casas y lugares alrededor del campus de la Universidad de Syracuse. Poco a poco fueron creándose una audiencia y reputación por sus energéticos directos ganándose apariciones en festivales y siendo teloneros invitados para bandas como "Art Brut", "Bow Wow, Wow", "The Editors", "Tokyo Police Club"... Aparte de también hacer sus propias giras por los EE.UU y Europa, fueron invitados a los festivales "South by Southwest" y "Seaport Music Festival" en 2007 y 2008.

En su mejor momento y en pleno crecimiento, la banda sufre una tragedia que casi frena en seco su progreso. El 2 de junio de 2007, el baterista original, John Ryan Pike, desapareció en circunstancias sospechosas en una fiesta en Fairhaven, Massachusetts después de un concierto en Providence, Rhode Island. Un grupo de búsqueda descubrió su móvil en la playa. Su cuerpo fue descubierto el 3 de junio de 2007 y se creía que Pike se había ahogado. Ra Ra Riot emitió un comunicado unas semanas después del funeral de Pike de que continuaría como banda.

El 19 de mayo de 2008, la banda anunció que habían firmado con "Barsuk Records". Publicaron su álbum debut, The Rhumb Line, el 19 de agosto de 2008. 

Desde entonces el grupo ha experimentado cambios en su formación lo que causó unos ajustes en la dirección musical. Por ejemplo, en 2012, Alejandra Lawn (miembro original y violista) anunció que había dejado la banda.

Ra Ra Riot ya llevan publicados cinco álbumes. La discografía hasta ahora:

• 2008 The Rhumb Line          
• 2010 The Orchard                 
• 2013 Beta Love                     
• 2016 Need Your Light           
• 2019 Superbloom                  

Me gusta mucho el primer álbum "The Rhumb Line", me parecía en su momento diferente y muy interesante. Aún tiro del disco con regularidad para disfrutar de ello. También es muy bueno el álbum de 2013 "Beta Love", un trabajo más completo y con la banda ya demostrando cierta madurez. Lo comento por si quieres explorarlo junto con el ya mencionado álbum debut.

ALBUM: The Rhumb Line 

Es el álbum debut publicado el 19 de agosto de 2008. El disco fue elegido por los especialistas como uno de los  mejores álbumes del 2008.

Lo más notable son las actuaciones de la violonchelista Alexandra Lawn y la violinista Rebecca Zeller. El rock indie no es un "sitio típico" para las secciones de cuerdas, pero Zeller y Lawn se integran perfectamente. Además, es un álbum alegre considerando que está mezclado con la tragedia. Durante el proceso de grabación de este álbum, su baterista John Ryan Pike, quien también ayudo escribir cinco de las canciones, se ahogó. Puedes escuchar la tristeza a lo largo del álbum, arropado por un hermoso indie rock atado con las cuerdas instrumentales, que hace que el álbum sea emotivo.

En general, el disco es una mezcla de melodías saturadas de hermosos arreglos de cuerdas, canciones de amor y elogios tranquilos, y el contenido lírico oscuro y brillante de Wes Miles con un suave vibrato y toque de acento inglés. En cierto modo, cada canción del álbum representa un sonido diferente, aunque todas son muy parecidas: piezas burbujeantes, bonitas, generalmente asombrosas que te dejan sintiendo alegre, teniendo en cuenta el fondo trágico. Un álbum homenaje a un amigo y la alegría de vivir.

Un disco recomendado. Un buen álbum debut de "chamber-pop" que gustará a los fans del underground de los años ochenta. Es un ejemplo que hay sitio en el indie-rock para las cuerdas instrumentales y cómo pueden dar ese toque extra de emoción y "feeling" a las canciones. No es el mejor disco de "Ra Ra Riot" (quizás "Beta Love" de 2013 es el más completo) pero sí me parece hermoso y placentero. Buscarlo y darlo una escucha si aún no lo conoces.

Video del tema “Too Too Too Fast”:

Tracklist:

1.         "Ghost Under Rocks" (John Pike, Ra Ra Riot) – 4:26
2.         "Each Year" (John Pike, Ra Ra Riot) – 3:16
3.         "St. Peter's Day Festival" (John Pike, Wes Miles) – 3:34
4.         "Winter '05" – 2:57
5.         "Dying Is Fine" (John Pike, Wes Miles, e. e. cummings) – 3:52
6.         "Can You Tell" – 2:42
7.         "Too Too Too Fast" (John Pike, Ra Ra Riot) – 3:46
8.         "Oh, La" – 4:42
9.         "Suspended in Gaffa" (versión de Kate Bush) – 3:48
10.        "Run My Mouth" – 3:58

YOUNG FATHERS | Cocoa Sugar - Album

Young Fathers (Banda)

Grupo escocés con sede en Edimburgo. Relativamente nuevos, en 2014, ganaron el prestigioso premio "Mercury" por su álbum debut "Dead". Los especialistas encajan a "Young Fathers" como un trío de R & B de baja fidelidad. Sin embargo, no encajan completamente en ese nicho; con su amplia propuesta de variedad de rap alternativo, pop indie, reggae y música electrónica han seguido perfeccionando un sonido híbrido categóricamente evasivo.

Fuera de la manía de tener que encajar a los grupos musicales, la verdad es que "Young Fathers" es una banda que sigue mejorando cada vez más y más.

Formado en 2008 por Alloysious Massaquoi, Kayus Bankole y Graham 'G' Hastings, el grupo comenzó a actuar en clubes nocturnos cuando los miembros de la banda eran todos adolescentes. En 2012, firmaron con el sello "Anticon" con sede en Los Ángeles y lanzaron sus mixtapes de demo, "Tape One" y "Tape Two": "Tape Two" ganó el premio al "Álbum Escocés del Año": un gran comienzo en la carrera de los jóvenes.

El trío después firmó con "Big Dada" y publicó su álbum debut, "Dead", que fue lanzado en 2014. El álbum ganó la atención crítica y ganó el "Premio Mercury". Entre las fechas de lanzamiento de su segundo y tercer álbum (2015-2018), en medio de otras actividades, el trío hizo contribuciones a "Ritual Spirit" de Massive Attack y para la banda sonora de la película "T2 Trainspotting".

La discografía de Young Fathers hasta ahora es:

• Dead   2014
• White Men Are Black Men Too        2015
• Cocoa Sugar   2018

Descubrí a la banda con su último trabajo "Cocoa Sugar" de 2018. Un álbum genial difícil de categorizar que les posiciona en un espacio relativamente solos que les hace únicos y diferentes. Obviamente la curiosidad me animó a explorar sus anteriores trabajos, también buenos aunque algo menos accesibles que la última oferta.

ALBUM: Cocoa Sugar

El tercer álbum de estudio publicado con "Ninja Tune" el 9 de marzo de 2018. Un disco llamativo, alegre pero melancólico, y frenético.

La fascinante evolución de los jóvenes "Young Fathers" continúa con este álbum, es su trabajo menos clasificable y más singular hasta el momento. ¿Qué lo llamamos? Indie-trónica, Neo-Soul. Hip Hop experimental, R & B alternativo, Art Pop, Glitch Pop... quién sabe. ¿Realmente importa? Este es un álbum tan "especial" que es difícil encontrar algo parecido publicado en los últimos años.

En general, es un álbum de buenas canciones: simplificadas, oscuras y súper pegadizas. Los chicos usan una paleta de sonidos que se extiende por todo el disco, pero que aún se reconoce instantáneamente como propia. La exploración del sonido del hip-hop ha sido algo limitada en la música más popular, y esto es extraño y diferente en "Cocoa Sugar", además de ser el trabajo más accesible hasta la fecha. Los instrumentales cuasi tribales y con graves pesados suenan como si solo pudieran ser de esta "generación graffiti": hibridan texturas orgánicas y mecánicas dentro de lo urbano. La entrega vocal es potente y emocional, y logra combinar bravuconería con introspección íntima en términos de tono. Las letras abstractas se fusionan con el diálogo sobre sexo, religión, cultura y política: crean una música desafiante para estos tiempos difíciles. Sin embargo, el álbum evita abordar explícitamente los grandes problemas mundiales actuales. Dicho esto, es en el área de composición (las letras) donde se necesita mejorar. Esto es una crítica menor ya que la banda seguirá madurando y evolucionando. Lo mejor está aún esta por llegar.

En el plano sonoro, la paleta instrumental de "Cocoa Sugar" es fascinante. Aparecen órganos apesadumbrados y ahogados por todas partes. Tambores fríos y sintéticos suenan junto a los tribales. Los sintetizadores van desde relucientes y estrellados, hasta crujientes, profundos y empapados de efectos, a veces en la misma canción, a veces al mismo tiempo, todo sin problemas. Las "gaitas" bailan, que recuerdan al país de origen de los miembros de la banda, y dan la bienvenida entre las filas de los sonidos utilizados.

El "sampling" es muy bueno, proporciona una escucha surrealista e inmersiva. Es, en definitiva, un excelente disco indie-trónica que aprovecha una miríada de influencias de los campos del hip hop, el soul y el pop en un álbum increíblemente refrescante, poderoso y lleno de variedad con estribillos pegadizos, grandes ritmos y una innegable sensación de urgencia y pasión. Refleja sin duda, el espíritu juvenil de sus autores. En fin, "Cocoa Sugar" es fascinante y ominoso en igual medida, y también es una obra muy oportuno: música experimental retorcida y con un sonido roto para una era caótica.

Canciones que molan: "Turn", "Tremolo", "Lord", "Holy Ghost", "Toy", "Picking You"...aunque todo el repertorio es sólido.

Un disco recomendado. Los chicos aún tienen que grabar su "obra maestra", aunque este es el mejor hasta la fecha. Y termino, independientemente de lo que se haya escrito aquí, parece (leyendo las críticas sobre este trabajo) que es el álbum experimental, industrial, alternativo, R&B, gospel, hip-hop, indie rock, neo-soul e indie-trónica tribal favorito de "todos" (los críticos, los cool, los influencers ...) … Hay una buena razón. Buscarlo y dar este álbum una escucha.

Video del tema "Turn":

Tracklist:

1.         "See How"      2:01
2.         "Fee Fi"           2:41
3.         "In My View" 3:15
4.         "Turn" 3:36
5.         "Lord" 3:34
6.         "Tremolo"       3:08
7.         "Wow"            4:00
8.         "Border Girl"  4:01
9.         "Holy Ghost"  2:32
10.       "Wire" 1:40
11.       "Toy"   3:13
12.       "Picking You" 3:04

JOHN FOXX | Metamatic - Album

John Foxx (músico)

Su nombre es Dennis Leigh y es un cantante, músico, artista, fotógrafo, diseñador gráfico, escritor, profesor y conferencista británico. Fue el cantante principal original de la banda "Ultravox", antes de embarcarse en una carrera en solitario. Principalmente asociado con la música de sintetizador electrónico, también ha seguido una carrera paralela en el diseño gráfico y la educación.

Ha sido una gran influencia en innumerables bandas de new wave y música electrónica desde la década de 1970. Sus sintetizadores metálicos y estructuras de canciones sofisticadas, así como sus letras surrealistas y su estilo vocal indiferente y estremecedor, han inspirado a artistas convencionales y underground.

 

Una breve historia:

 
En 1973, John Foxx formó una banda que se llamaría "Tiger Lily", compuesta por el bajista Chris Allen y el guitarrista Stevie Shears, y el baterista canadiense Warren Cann que se unió a principios de 1974. La banda tocó su primer concierto en el "Marquee Club" en agosto. 1974. Después Billy Currie fue contratado como violinista. El grupo "Tiger Lily" lanzó un single en 1975 y tocó algunos conciertos en pubs de Londres entre 1974 y 1975. Después de varios cambios de nombre, incluidos "Fire of London", "The Zips" y "The Damned", la banda se convirtió en "Ultravox !", en julio de 1976. El estilo de la banda fusionaba punk, glam, electrónica, reggae y new wave.

Una vez que "Ultravox !" firmó con la discográfica "Island Records", publicó tres álbumes durante 1977-1978. Foxx dejó la banda al final de la gira del 78 y fue reemplazado por Midge Ure.

En 1980 publica su primer álbum en solitario, el ahora clásico "Metamatic", seguido por más trabajos menos exitosos hasta "In Mysterious Ways", de 1985, cuando Foxx decide dejar el negocio de la música. Regresó en 1997 con un trabajo de música ambient "Cathedral Oceans", así como el álbum de synth-pop "Shifting City", con su colaborador Louis Gordon. Continuó grabando e interpretando material basado en canciones con Gordon durante más de una década, mientras que sus grabaciones en solitario, así como sus colaboraciones con artistas como Harold Budd y Robin Guthrie, han sido en gran parte música ambient y experimental. En 2009, formó la banda "John Foxx and the Maths" con su compañero de sintetizadores Ben Edwards (Benge). Los álbumes del grupo, desde "Interplay" de 2011 hasta "Howl" de 2020, contienen canciones de estilo electro-rock.

La discografía de John Foxx en solitario (incluye álbumes de estudio, "spoken word" y recopilaciones)* no incluye colaboraciones y/o sus otros proyectos:

• 1980 - Metamatic
• 1981 - The Garden
• 1983 - The Golden Section
• 1985 - In Mysterious Ways
• 1997 - Cathedral Oceans
• 2003 - Cathedral Oceans I + Cathedral Oceans II
• 2005 - Cathedral Oceans III
• 2006 - The Hidden Man (2CD)
• 2006 - Tiny Colour Movies
• 2007 - Metal Beat (2CD)
• 2009 - My Lost City
• 2009 - The Quiet Man
• 2010 - D.N.A.
• 2014 - B-Movie (Ballardian Video Neuronica)
• 2015 - London Overgrown
• 2016 - Complete Cathedral Oceans 12" vinilo LP Box Set (02/09/2016) - “Cathedral Oceans I” (1997), “Cathedral Oceans II” (2003) and “Cathedral Oceans III” (2005) - 5 LPs.

En fin, John Foxx ha conseguido una larguísima carrera cambiando continuamente su sonido, desde glam y proto-punk hasta new wave - synth-pop, cuasi-rave, psych, ambient y más. Pionero e innovador siguio la línea de "Kraftwerk", trabajando con Brian Eno, influenciando a músicos como su contemporáneo Gary Numan y numerosos otros grupos de new wave y de la electrónica.

El mejor álbum de John Foxx en solitario es su debut "Metamatic". Un trabajo ¿minimal synth? Otros comentan que Foxx simplemente reemplaza su banda "Ultravox!" con sintetizadores y cajas de ritmos. Sea cual sea, el álbum fue un éxito alcanzando el top 20 de la lista de álbumes del Reino Unido y contiene dos super temazos, "Underpass" y "No-One Driving". Sus álbumes posteriores fueron más ambiciosos e incorporaron una amplia gama de instrumentos electrónicos y acústicos, pero no tuvieron el mismo impacto ni éxito. Además, "Metamatic" ayudó a allanar el camino para una nueva generación de músicos electrónicos y es considerado uno de los álbumes más pioneros de la música electrónica.

 

ALBUM: Metamatic

El álbum debut en solitario de Foxx después de dejar Ultravox ! publicado el 18 de enero de 1980. Una desviación de la mezcla de sintetizadores e instrumentación de rock convencional de su ex-banda, "Metamatic" tiene un sonido puramente electrónico. El nombre "Metamatic" proviene de una máquina de pintar del artista cinético Jean Tinguely, exhibida por primera vez en la Bienal de París en 1959. En este trabajo, Foxx cultiva un aire de desinterés, un estilo synth pop sin emociones, inspirado en "Kraftwerk".

John Foxx también se muestra un artista-músico autosuficiente, componiendo y cantando todo. Pone el marco instrumental a sus canciones con sintetizadores analógicos: Arp Odyssey, Elka String Machine, Minimoog para las líneas de bajo, Space Echo, el CR78 de Roland y unos pedales de Flanger y Phaser. Foxx es solo ayudado por Jake Durant al bajo en algunos temas. La oferta es un primigenio new wave de atmósfera oscura y sombría experimental synth-pop; frío, minimalista, surrealista, robótica y futurista. El disco "Metamatic" es la herencia de la escuela alemana de música electrónica en tiempos de post-punk, es decir, "Kraftwerk" pasado por el filtro de "Joy Division". Una joya de su tiempo con canciones pop instrumentadas con sintetizadores de estética minimal-synth y con bajos al estilo dub.

John Foxx es una persona con cultura y refinado. El álbum está influenciado por los escritos de "J. G. Ballard" (novelista, cuentista, satírico y ensayista inglés que se asoció por primera vez con la nueva ola de ciencia ficción por sus novelas postapocalípticas). Seis de las canciones hacían referencia a automóviles o autopistas, las más obvias el gran éxito "Underpass" y "No-One Driving". La canción "He's a Liquid" fue influenciada por un fotograma de una película de terror japonesa que representa un traje colgado sobre una silla de tal manera que sugiere que el usuario se había licuado; las letras de Foxx también aludían a la "fluidez" de las relaciones humanas. El tema final, "Touch and Go", incluye aspectos psicodélicos, o eso se comenta.

No es un álbum que guste a todos a primeras. Quizás sufre de ser un invento de su época elaborado con la tecnología que dominaba entonces que hoy ya parece "primitivo". Además, la propuesta musical era bastante vanguardista y revolucionaria en su día, quizás los oídos de hoy no están acostumbrados. Yo te propongo paciencia, y escuchar el disco canción por canción. "Metamatic" es un excelente ejemplo de un disco que va de menos a más con cada rotación. Lo que inicialmente parece distante y frío se abre paso gradualmente, una vez superado las dudas iniciales,  se vuelve en un álbum extrañamente atractivo.

Un disco recomendado. Hoy "Metamatic" es un clásico absoluto del new wave y reconocido como la quintaesencia del synth pop. Señaló el camino a muchas bandas y a los "New Romantics" posteriores.

Video del tema "Underpass":

Tracklist (versión original):

1. "Plaza" – 3:52
2. "He's a Liquid" – 2:59
3. "Underpass" – 3:53
4. "Metal Beat" – 2:59
5. "No-One Driving" – 3:45
6. "A New Kind of Man" – 3:38
7. "Blurred Girl" – 4:16
8. "030" – 3:15
9. "Tidal Wave" – 4:14
10."Touch and Go" – 5:33

FLAT WORMS | Flat Worms - Album

Flat Worms (Banda)

Son una especie de súper grupo en la comunidad de garage punk de la costa oeste americana, aunque relativamente poco conocido fuera de su "zona de influencia". Un trío de figuras de guitarra entrecortadas bañadas en retroalimentación y distorsión, junto con ritmos fuertes. La formación consiste en Will Ivy (Dream Boys, entre otros), Tim Hellman (Thee Oh Sees, Sic Alps) y Justin Sullivan (Kevin Morby, The Babies), músicos experimentados que en los últimos años no han parado en trabajar en proyectos donde poder dar rienda suelta a la intensidad.

Fundado por el cantante y guitarrista Will Ivy, anteriormente miembro de "Bridez", "Wet Illustrated" y "Dream Boys", Ivy estaba trabajando en su álbum debut en solitario, "Scrap Plastic" de 2016, cuando se encontró escuchando algunos viejos discos de "Swell Maps" y se inspiró para hacer un rock & roll ruidoso y frenético. Ivy reclutó a dos amigos para que le ayudarán a trabajar en algunas canciones: el bajista Tim Hellman, cuyo currículum incluye actuaciones con "Ty Segall", "Thee Oh Sees" y "Sic Alps"; y el baterista Justin Sullivan, quien ha marcado el ritmo de "The Bebes" y "Kevin Morby". Ivy no perdió tiempo en llevar a Hellman y Sullivan al estudio para grabar y lanzar el debut de 7" (tres canciones) titulado" Red Hot Sand en abril de 2016. A principios de 2017, los miembros de "Flat Worms" pudieron encontrar tiempo en sus agendas para tocar algunas fechas en directo y comenzaron a trabajar en un álbum de larga duración. En octubre de 2017, "Flat Worms" publicó su álbum debut homónimo. En 2020 publicaron su segundo álbum de estudio "Antarctica", algo más "limpio" y en cierta manera "calmado".

La discografía de "Flat Worms" hasta ahora:

• Flat Worms     2017                 
• Antarctica       2020

Una buena banda de noise-rock al estilo "Do it Yourself" (DIY) que sigue una filosofía "lo-fi" con su sonido. El debut es el álbum que más me gusta, simplemente por su intensa energía y poder.

ALBUM: Flat Worms

Es el álbum debut homónimo publicado el 25 de agosto de 2017. Un disco que contiene muchas características bien ejecutadas del garage más indomable que tanto se ha extendido desde la costa oeste americana en estos últimos años. El desenfreno y la ejecución no es precisa pero tampoco se busca. Tocan música cruda y difusa que logra sonar simple e inteligente al mismo tiempo. El líder Will Ivy y sus compañeros de banda Tim Hellman y Justin Sullivan hacen que las canciones suenen sucias pero elaboradas, llenas de "agallas" pero no descuidadas. Una obra de diez canciones simples donde la banda junta las piezas con genuina imaginación.

No obstante, "Flat Worms" parece que parte de ideas musicales cercanos al estilo "stoner", rejuveneciéndolo a costa de acelerarlo y someterlo a las técnicas "lo-fi", mientras que la necesidad de urgencia parece apoderarse de todo. El álbum, además, cuenta historias del "American Life" (su versión): motos, chicas y los suburbios, presentado con un tsunami de riffs extravagantes y comentarios antisociales. Esta última parte no debe sorprender, un grupo de las características de "Flat Worms" no puede cantar sobre "bonitas flores".

Abren la obra con el tema de punk-pop "Motorbike", que, como la mayoría de las canciones en este trabajo, dura menos de tres minutos. El grupo mantiene este ritmo frenético durante todo el disco. Todos los temas están grabados con la misma tela estridente, pero con suficiente variación y ganchos melódicos para mantener las cosas entretenidas. El tema "Accelerated", empapado de retroalimentación es un punto, pero el corte "Red Hot Sand", es la "referencia" de composición de las canciones de la banda. En general, un "tracklist" de canciones capaces de crear un zumbido preciso y de acumulación de muros de sonido que siempre acaban resolviéndose a la perfección en virtud de la guitarra que lleva la melodía principal; tanto que a veces rozan el pop (inconscientemente o no).

Un disco recomendado. Un debut enérgico y logrado de un grupo de músicos muy curtidos y experimentados, haciendo lo que mejor saben hacer, rock potente y con mucho ruido. Un álbum que no va revolucionar el género, pero es entretenido y divertido. Un trabajo poco conocido fuera de "su circulo" de influencia que merece más exposición. Si te gusta el garage-rock o el indie-rock (estilo Ty Segall) y explosivo, busca este álbum. Pienso que te va gustar.

Video del tema "Red Hot Sand":

Tracklist:

1. Motorbike  
2. Goodbye Texas     
3. Pearl           
4. Accelerated
5. White Roses          
6. 11816         
7. Followers  
8. Faultline     
9. Question    
10.Red Hot Sand

SQUID | Bright Green Field - Album

Una de las bandas más prometedoras y fuertes en estos momentos de la escena post-punk del Reino Unido. Hablo de...

Squid (Banda)

Es un grupo británico de post-punk de Brighton. Actualmente tienen su sede en Londres.

La banda se formó mientras los miembros estaban en la universidad en Brighton: Ollie Judge (voz y batería), Louis Borlase (guitarra), Anton Pearson (guitarra), Laurie Nankivell (bajo) y Arthur Leadbetter (teclado). Tocaron su primer concierto después de responder a un anuncio de una "noche de jazz para jóvenes". Al armar rápidamente una lista de canciones, su mezcla idiosincrásica de voces, guitarras angulosas, explosiones de metales y líneas de sintetizador, atraparon audiencias de la escena underground del Reino Unido con conciertos en todo el sureste, haciendo viajes regulares a Londres.

El grupo publicó unos sencillos, "Perfect Teeth" de 2016 y "LINO" de 2017, antes de ser acogidos por "Speedy Wunderground", sello de artistas como "black midi" y "Kae Tempest". El single "The Dial" apareció a finales de 2018, y el grupo se hizo un nombre en 2019 con espectáculos en directos repletos que incluían espacios en los festivales "Green Man" y "Glastonbury". Para terminar el año, Squid publicó un segundo lanzamiento, el EP "Town Center" de cuatro pistas. En 2020, después de firmar con "Warp Records" de Sheffield, el grupo se dispuso a grabar su álbum debut, "Bright Green Field".

Un debut que me ha llamado mucho la atención. Me parece una presentación genial, surtiéndose de las influencias del rock experimental del pasado para inyectar una personalidad propia y de aire fresco. Una banda con jóvenes sin complejos, con las ideas claras y valientes.

ALBUM: Bright Green Field

El álbum debut de estudio publicado el 7 de mayo de 2021. El disco se grabó durante 2020 y fue producido por Dan Carey, asociado con las bandas Fontaines D.C., black midi y Black Country, New Road. Excelente producción e interpretación de instrumentos a lo largo de este álbum, y una gran cohesión general y fluidez de principio a fin. La verdad es que es un primer álbum sorprendentemente genial, con una enérgica y lucha de gritos recordando el new wave, krautrock y el post-punk (… también escucho y me recuerda a Talking Heads; PIL, King Crimson, Mark E. Smith...etc.).

Sin embargo, describir a "Squid" exactamente en un solo género es difícil. La banda parece querer sobrepasar los márgenes, ya sea tocando post-punk, jazz, música electrónica de baile, math rock o casi cualquier otra cosa que puedas imaginar. Lo cual, es mejor escuchar "Bright Green Field" con una mente abierta, porque aquí hay poco convencional. Es quizás el debut post-punk más atrevido que jamás hayas escuchado en mucho tiempo. Los chicos de "Squid" tienen "pelotas", y para mí es algo genial, una actitud que hay que tener. La banda de Brighton ofrece comentarios perspicaces sobre cuestiones sociopolíticas, pero lo que los distingue es su motivación verdaderamente orgánica detrás de cada transformación sonora, así como su sencillez y su deseo de pasarlo bien.

Desde el principio, el impresionante "G.S.K." (una referencia al gigante farmacéutico británico GlaxoSmithKline) se agita con una mezcla de hip-hop, prog-funk y post-punk. Como líder y baterista, Ollie Judge ejerce su fascinante enfoque vocal de comentarista con gran efecto mientras mueve al grupo a través de ritmos vivaces salpicados de instrumentos de viento, golpes de guitarra, improvisaciones y de un caos-organizado. Con una duración de aproximadamente 50 minutos, "Bright Green Field" logra mantener la atención con una variedad de temas dinámicas y técnicas llamativas alternativamente suaves y caóticas. La música está cargada, pero rara vez es convencional y es ciertamente estimulante. Una banda de su época, "Squid" derrama ira, confusión, humor, despego e incluso alegría en su búsqueda de la libertad creativa.

Un disco recomendado, es una pieza de rock experimental tremendamente inventiva, entrando y saliendo del post-punk, jazz y una lista de otros géneros que hacen que sea un debut único. Este álbum demuestra que la escena post-punk del Reino Unido seguirá prosperando con energía creativa e inspiración durante los próximos años (otros ejemplos, Idles, black midi, Fontaines D.C. y Black Country, New Road)

Puede que sea temprano, pero prepárate para grabar el nombre, "Squid" junto a algunos de los grandes. Bright Green Field ya es un álbum lleno de las cualidades para ser un clásico. Enérgico, vibrante, es un excelente disco. En fin, gran comienzo para Squid, este álbum es un viaje.

No lo pongo un 5/5 porque pienso que lo mejor aún está por venir. Si "Squid" supera la "maldición" del segundo álbum, van camino hacia grandes cosas. Doy este álbum 4.5/5...aunque podría ser más. Uno de los mejores discos del 2021, sin duda.

Video del tema "Pamphlets" (versión en directo):

Tracklist:

1.         "Resolution Square"   0:40
2.         "G.S.K."         3:10
3.         "Narrator" (featuring Martha Skye Murphy) 8:28
4.         "Boy Racers"  7:34
5.         "Paddling"      6:15
6.         "Documentary Filmmaker"    4:55
7.         "2010" 4:28
8.         "The Flyover" 1:10
9.         "Peel St."        4:52
10.       "Global Groove"         5:06
11.       "Pamphlets"    8:03

THE BLACK KEYS | Delta Kream - Album

ALBUM: Delta Kream 

Es el décimo álbum del dúo de rock, The Black Keys, publicado a través de "Easy Eye Sound" y "Nonesuch Records" el 14 de mayo de 2021.

En los últimos años, pocas veces he sentido esa sensación de "expectativa" para la salida de un disco. Todo comenzó con el anuncio de "The Black Keys" de un nuevo álbum hace unos meses y  el lanzamiento del single "Crawling Kingsnake" como anticipo; la espera se acabó.

Volviendo a sus raíces más simples de sus primeros discos, el décimo álbum del dúo de Ohio rinde homenaje a las versiones de las canciones de los artistas que continúan inspirándose. Dan Auerbach y Patrick Carney nunca han perdido el blues. Con "Delta Kream" se rinde homenaje a los héroes y canciones del blues de "The Mississippi Hill Country". “Crecimos aprendiendo a tocar como estos músicos”, dice Carney. “Es por eso que seguimos volviendo a esta música. Es la razón por la que la banda incluso existe. Hicimos este álbum para recordarle a la gente lo que nos inspiró”

Para aquellos que quieren saber, "The Mississippi Hill Country" se encuentra en el norte del estado, a lo largo de la frontera con Tennessee, al este del Delta del Mississippi. Una tierra poco fértil, de pequeñas granjas y bosques que sustentan la industria maderera, sus residentes desarrollaron una variedad distinta de blues caracterizada como "boogie hipnótico" que enfatiza el ritmo y la percusión, riffs de guitarra constantes, pocos cambios de acordes y estructuras de canciones poco convencionales. El blues de "Hill Country" nunca tuvo la popularidad de sus primos del Delta. Muchos de los grandes de este subgénero vivieron y tocaron solo en su región inmediata, incluidos los maestros reconocidos del subgénero, "Junior Kimbrough" y "R. L. Burnside", ambos presentes y homenajeados en "Delta Kream".

Este álbum es esencialmente un disco de versiones (Junior Kimbrough, R. L. Burnside, Big Joe Williams, John Lee Hooker, Mississippi Fred McDowell y Ranie Burnette): un tributo. Está lejos de ser la primera vez que Dan Auerbach y Patrick Carney rinden homenaje a sus héroes del blues. Su excelente EP de 2006, "Chulahoma: The Songs of Junior Kimbrough", incluía una carta de Auerbach detallando cómo el bluesman lo inspiró a abandonar la universidad para dedicarse a la música. "Delta Kream" ilustra su amor y gratitud con un conjunto de canciones que continúan inspirándose. The Black Keys están respaldados por los propios acompañantes de esos bluesmen: el guitarrista de slide de R.L Burnside, Kenny Brown, y el bajista de Junior Kimbrough, Eric Deaton. El resultado es mágico, parece que llevan tocando juntos toda la vida y la química (comprensión) entre los músicos es asombrosa.

El álbum fue grabado en 10 horas durante dos tardes en el estudio "Easy Eye Sound" de Dan Auerbach en Nashville al final de la gira "Let 's Rock", con poca planificación y sin ensayos previos. La obra es una sesión suelta y tosca que emula la sensación general de las grabaciones iniciales, aunque con algo de "toque moderno" adicional, pero no demasiado. Las versiones son musculosas que se zambullen en el barro de la historia. La versión de "Poor Boy a Long Way From Home" de Robert Lee Burnside resuena con ritmos entrecortados de la guitarra slide del veterano Kenny Brown. El tema "Sad Days, Lonely Nights" emula la determinación de la grabación en directo original de Kimbrough; Auerbach difama y grita cada frase como si se hubiera desplomado al final de la barra en el club de blues local. Suena hipnotizado por el ritmo de "Crawling Kingsnake", que se desliza sobre los silbidos de percusión de Carney. Y hay algo de voyerista en su canturreo gutural en "Stay All Night", como si te estuviera mirando desde detrás de unas gafas oscuras. Desde el tema de apertura,  "Crawling King Snake" de John Lee Hooker y "Going Down South" de Burnside, cantada aquí en espeluznante falsete, "Delta Kream" sigue irradiando la esencia de lo que hizo que esta música del norte de Mississippi fuera tan distintiva, apreciada y tan inquietante.

Este disco no va a romper las listas de éxitos, es una inmersión profunda en las canciones que les encantan al dúo; menos un lanzamiento importante que un proyecto apasionante. Las críticas iniciales apuntan a esto, los más rockeros publican que esperaban algo más, mientras los de blues lo anuncian como un gran álbum. Yo me encuentro con los últimos, los amantes del blues, y personalmente me encanta este disco. Aparte de la temática del álbum, prefiero y me gusta más The Black Keys cuando vuelven a sus "raíces". Sus últimos álbumes (El Camino...Let´s Rock) no me entusiasmaron tanto y estaba ya pensando si se habían "desviado" demasiado. Este trabajo les pone - o les devuelve - en la línea más equilibrada, mas organica.

Un disco recomendado. Personalmente me parece un álbum brillante, me gusta mucho hasta la portada. Es divertido, muy agradable y va gustar a todo amante y fan del blues. Y cuando lo hayas escuchado, deberías buscar las versiones originales, así comparar. Y si te animas aun más, busca las obras originales de R. L. Burnside, Junior Kimbrough etc.,... que también son geniales.

En fin, me alegra mucho tener de nuevo a "The Black Keys" donde musicalmente deben estar, o al menos, ejercer más su arte en este estilo de rock. Un 5/5 para este álbum.

★ ★ ★ ★ ★

Video del tema "Poor Boy a Long Way from Home":

Tracklist:

1.         "Crawling Kingsnake" (Big J Williams, John L Hooker)    6:08
2.         "Louise"           (Mississippi Fred McDowell)   4:23
3.         "Poor Boy a Long Way from Home" (R.L. Burnside)       4:08
4.         "Stay All Night"            (Junior Kimbrough)      5:44
5.         "Going Down South"    (R. L. Burnside)           3:48
6.         "Coal Black Mattie"     (Ranie Burnette)           3:48
7.         "Do the Romp" (Junior Kimbrough)      5:01
8.         "Sad Days, Lonely Nights"       (Junior Kimbrough)      5:57
9.         "Walk with Me"           (Junior Kimbrough)      5:36
10.       "Mellow Peaches"        (Big Joe Williams)        3:47
11.       "Come and Go with Me"          (Junior Kimbrough)      5:55
12.       "Crawling Kingsnake" (edit)     (John Lee Hooker)      3:52