DR FEELGOOD | Stupidity - Album

Hay muchos que prefieren los álbumes en directo sobre los grabados en estudio. Personalmente, depende, no tengo una preferencia aunque entiendo, y estoy de acuerdo, que un buen directo transmite la esencia de una banda. Es más, si un grupo no puede dar el nivel en directo, no va ir muy lejos, sino es una banda puramente de estudio y así se posiciona.

La historia de Rock está llena de grandes álbumes en directo, el más célebre "Live at Leeds" de THE WHO, aunque existe otro relativamente menos conocido que está  casi al mismo nivel, "Stupidity" de DR. FEELGOOD. A continuación su historia...

Dr. Feelgood (Banda)

Banda de Pub-rock (Blues-rock) inglesa formada en 1971. Procedente de Canvey Island, Essex, el grupo es más conocido por sus primeros sencillos como "She Does It Right", "Roxette", "Back in the Night" y "Milk & Alcohol". 

La banda se formó con Wilko Johnson, Lee Brilleaux y John B Sparks, quienes habían sido miembros de bandas de R & B existentes, y pronto agregaron al baterista John Martin. Tomaron su nombre de un disco de 1962 del pianista y cantante de blues estadounidense Willie Perryman (también conocido como "Piano Red") llamado "Dr. Feel-Good", que Perryman grabó con el nombre de Dr. Feelgood & The Interns. La canción fue versionada por varios grupos de ritmos británicos en la década de 1960, incluidos "Johnny Kidd & The Pirates". El término - Dr. Feelgood - también es un término del argot para la heroína o para un médico que está dispuesto a recetar medicamentos.

Dr. Feelgood fue una banda de trabajo, mucho trabajo, curándose el circuito de salas y pubs por todo el Reino Unido. Desde su formación hasta la prematura muerte del vocalista Lee Brilleaux en 1994 (cáncer a los 41 años), la banda nunca abandonó la carretera, tocando cientos de conciertos cada año. A lo largo de toda su carrera, Dr. Feelgood nunca dejó atrás el Rock N Roll, y su devoción por el Blues y el R & B les valió una base de fans muy devotos. Ese seguimiento surgió por primera vez a mediados de la década de 1970, cuando Dr. Feelgood se convirtió en el líder de la "segunda ola de Pub rockers". Dr. Feelgood se dedicó al Rock vanguardista, y sus sudorosos directos impulsados por el intenso canto de Jetty Brilleaux y del guitarrista Wilko Johnson, se volvieron legendarios.

A finales de 1973, se habían convertido en el grupo más popular en el circuito de Pub-rock, y varios sellos discográficos estaban interesados en ficharlos. Se conformaron con "United Artists" y publicaron su álbum debut, Down by the Jetty, en 1974.

Siguen aún en activo después de experimentar cambios en su formación y tienen una discografía bastante extensa, tanto que no lo pongo aquí para ahorrar espacio. No obstante, los dos primeros álbumes, "Down by the Jetty" (1975) y "Malpractice" (1975) son muy buenos y recomendados. Sin embargo, el mejor álbum de Dr. Feelgood es el directo titulado "Stupidity" (1976), un disco que llegó al # 1 de las listas de álbumes del Reino Unido y uno de los mejores álbumes de Rock N Roll en directo de todos los tiempos.

ALBUM: Stupidity

Álbum en directo publicado en septiembre de 1976, y es el tercer álbum en general de la banda Dr. Feelgood. Diría que es posiblemente la mejor puerta de entrada para conocer al grupo si ya no los conoces. El álbum alcanzó el #1 en la lista de álbumes del Reino Unido en octubre de 1976 (durante una semana) y permaneció en la lista durante nueve semanas. Fue el primer álbum en directo en encabezar la lista del Reino Unido en su primera semana de lanzamiento. Fue la primera grabación de Dr. Feelgood y, hasta la fecha, la única grabación para alcanzar el número uno. En 2013, la revista británica de referencia "NME" lo ubicó en el puesto #267 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Este álbum representa las raíces de la música de Dr. Feelgood. Una banda local y humilde saliendo a la carretera y tocando más de 200 conciertos al año: llevando el R & B a los suburbios y por todo el país. Compuesto por grabaciones tomadas de giras de 1975, "Stupidity" captura la energía implacable de Dr. Feelgood en su apogeo. Toda la música se presenta en bruto y sin sobre grabaciones, lo que deja claro que la fricción dinámica entre el guitarrista Wilko Johnson y el vocalista Lee Brilleaux podría impulsar a la banda hacia la grandeza. Si bien muchas de las versiones aquí no difieren en forma de las versiones originales de estudio, estas interpretaciones sin adornos son considerablemente más emocionantes, revelando los originales de Johnson, "She Does It Right" y "All Through the City" como clásicos menores del Rock & Roll.  

Estoy de acuerdo con lo que opinan muchos especialistas, que "Stupidity" es uno de los grandes directos de la historia del Rock. Es el álbum más adictivo del grupo, toda una demostración de fuerza en la que suenan más juntos que nunca, una obra cargada de energía en la que todo está en su sitio pero con un punto extra de volumen y de intensidad. Por lo bien que suena, incluso no parece un directo. Además no hay un momento aburrido de principio a fin... las canciones destacadas para mi son "All through the City", "Going Back Home" y "Back in the night"...y versionan Chuck Berry, Sonny Boy Williamson, Bo Diddley, Rufus Tomas..., si eres fans del Blues, es todo un puntazo.

Un disco recomendado. No paro de repetirlo, este es uno de los mejores álbumes de Rock 'n' Roll puro jamás grabado, sin mencionar uno de los mejores álbumes en directo. Si eres un joven lector y no conoces a Dr. Feelgood es un disco para introducirte y engancharte. Los lectores veteranos dirán..."ya no se hace música como esta"...vamos a decirlo con la boca pequeña. A ver si la gente va a pensar que somos viejos y sordos de edad.

Busca este álbum por los canales habituales y goza.

Video del tema "Going Back Home" (Live):

Tracklist de "Stupidity" (formato vinilo):

Cara A
1."Talking About You" (Chuck Berry)
2."20 Yards Behind"
3."Stupidity" (Solomon Burke)
4."All Through the City"
5."I'm a Man" (Bo Diddley)
6."Walking the Dog" (Rufus Thomas)
7."She Does It Right"

Cara B
1."Going Back Home" (Mick Green, Johnson)
2."I Don't Mind"
3."Back in the Night"
4."I'm a Hog for You Baby" (Leiber, Stoller)
5."Checking Up on My Baby" (Sonny Boy Williamson)
6."Roxette"

THE VIBRATORS | Pure Mania - Album

The Vibrators (Banda)

¿Quien son The Vibrators? No, nada que ver con el aparato sexual, al menos directamente. Son una banda británica de Punk-Rock que se formó en 1976 y aún siguen activos. Fueron una de las primeras bandas en irrumpir en la escena Punk londinense y grabaron uno de los primeros álbumes clásicos del Punk británico.

Dicho esto, "The Vibrators" son el gran grupo de Punk olvidado. Una banda que, si hubiera algo de justicia, sería instantáneamente memorable y tan apreciada como The Clash, The Sex Pistols o The Buzzcocks. Eran una banda inspirada más en "The Ramones" que en la escena punk británica, interpretando la misma mezcla de Power-pop melódico y trash. No era para ellos ningún pensamiento de nihilismo o anarquía. En cambio, su mundo giraba en torno a las chicas, el sexo y el fetichismo. Agregue el hecho de que la banda de Irlanda del Norte "Stiff Little Fingers" en realidad tomó su nombre de una canción de The Vibrators.

La banda fue fundada por Ian 'Knox' Carnochan, el bajista Pat Collier, el guitarrista John Ellis y el baterista John 'Eddie' Edwards. En 1976, a medida que el Punk-Rock pasaba de ser un fenómeno underground a convertirse en el próximo gran acontecimiento, Ian Knox decidió entrar en acción y formó The Vibrators. El grupo encontró un sitio rápidamente, abriendo shows para "The Stranglers" y "The Sex Pistols" y convirtiéndose en habituales en una de las primeras salas de Londres para el Punk, el "100 Club". Mickie Most firmó al grupo con su sello RAK Records, y lanzaron su primer sencillo, "We Vibrate", en noviembre de 1976. El mismo mes, fueron la banda telonera de "Chris Spedding" para su versión novedosa del punk, "Pogo Dancing". Antes de que RAK pudiera lanzar un segundo single de The Vibrators, fueron adquiridos por Epic Records, que lanzó el single "Baby Baby" en mayo de 1977. Un mes después, Epic Records presentó su álbum debut, "Pure Mania". Desde entonces han publicado numerosos álbumes y aún siguen activos (con sus cambios en formación)…a continuación su discografía hasta ahora:

• Pure Mania - 1977
• V2 - 1978
• Guilty - 1982
• Alaska 127 - 1984
• Fifth Amendment - 1985
• Recharged - 1988
• Meltdown - 1988
• Vicious Circle - 1989
• Volume 10 - 1990
• Hunting for You - 1994
• French Lessons with Correction - 1997
• Buzzin' - 1999
• Noise Boys - 2000
• Energize - 2002
• Punk: The Early Years - 2006 (cover album)
• Garage Punk - 2009 (cover album)
• Pure Punk - 2009 (cover album)
• Under the Radar - 2009
• On the Guest List - 2013
• Punk Mania: Return to the Roots - 2014
• Restless  - 2017
• Past, Present and Into the Future - 2017
• Across the Pond - 2018

El gran legado es el debut "Pure Mania", su mejor disco, un clásico y álbum importante del Rock británico. El segundo disco "V2" me gusta, pero todo en adelante me es indiferente.

 

ALBUM: Pure Mania

 
El álbum debut publicado el 3 de junio de 1977 alcanzando el puesto #49 en la lista de álbumes del Reino Unido. La canción "Baby Baby" fue lanzada como single y la banda punk "Stiff Little Fingers" obtuvo su nombre de la canción del mismo nombre de este álbum. Un disco que fue coproducido con "Robin Mayhew", el ingeniero de sonido de los shows en directo de Ziggy Stardust de "David Bowie". El álbum es bien considerado por los críticos, años después de su lanzamiento, "The Guinness Encyclopedia of Popular Music" nombró a "Pure Mania" como uno de los 50 mejores álbumes punk de todos los tiempos. Otros, yo incluido, vamos más allá,  lo considero uno de los más grandes, casi al mismo nivel de "Never Mind the Bollocks, Here's The Sex Pistols".

Escuchando el disco te puedes preguntar... ¿fueron The Vibradores verdaderos punks? Quizás no, mejor de la tradición Rock N Roll. Sin embargo, el genio de Ian Knox y Pat Collier fue ver que venía una "nueva ola" y tuvieron el instinto de subirse a la "ola Punk" con canciones cortas y contundentes con líneas melódicas burlonas y saltos de guitarra. A "The Vibrators" les gustaba el Punk como un movimiento musical más que como un movimiento sociopolítico, es obvio que les gustó mucho la música y, en ese nivel, su álbum debut resiste bastante bien la prueba del tiempo. El disco "Pure Mania" cuenta con más refinamiento (y menos política) que muchos de los álbumes de la primera promoción del Punk (como "Damned Damned Damned" o "The Clash"). Así que "Pure Mania" no sea entonces el Punk de los puristas, pero es puro Rock N Roll, y del bueno.

Es un álbum intenso, loco y francamente explosivo. El tema "Into the Future" arranca el álbum y es pura manía. El corte siguiente "Yeah Yeah Yeah" es tan eléctrico como su predecesor. "Sweet Sweet Heart" es una especie de balada punk, y es buenísimo. Uno de mis favoritos del álbum "Keep It Clean" me deja impresionado; es genial. La canción "Baby Baby" , el single, es otra balada punk; y es una maravilla. El corte "No Heart" es hipnótico y brillante, mientras "She 's Bringing You Down" es rápido y frenético. La cara B (del vinilo) continua con "Petrol" que sigue el ritmo de la naturaleza salvaje de la obra, seguido de "London Girls" y "You Broke My Heart", otras canciones hipnóticas. El corte "Whips and Furs" es la incursión de "The Vibradores" en las inclinaciones sadomasoquistas; una especie de balada perversa. El tema "Stiff Little Fingers" está intensamente impulsado y mola mucho, es muy pegadizo. Las cosas siguen avanzando con "Wrecked On You" seguido de las guitarras duales de "I Need a Slave" que amplifica la intensidad de la canción; asombroso. Una de las canciones más fuertes del álbum, otra exploración más del BDSM,  es "Bad Time", tema perfecto para cerrar un álbum. En resumen, un álbum Punk-rock poderoso, de composición ingeniosa y canciones estelares universalmente.

Un disco recomendado. Uno de los mejores discos punk de todos los tiempos y para mi esta en la misma "liga" que el álbum seminal "Never Mind The Bollocks..." de los Pistols. Desafortunadamente "Pure Mania" esta algo subestimado en términos de su importancia para el género, lo cual es injusto. The Vibrators, con este disco, se mantienen firmes como artistas principales de la época y del punk británico. El disco "Pure Mania", esencial. 

Video del tema "Stiff Little Fingers":

 Tracklist (formato vinilo):

Cara A
"Into the Future..."
"Yeah Yeah Yeah"
"Sweet Sweet Heart"
"Keep It Clean"
"Baby Baby"
"No Heart"
"She's Bringing You Down"

 Cara B

"Petrol"
"London Girls"
"You Broke My Heart"
"Whips & Furs"
"Stiff Little Fingers"
"Wrecked on You"
"I Need a Slave"
"Bad Time"

THE GORDONS | The Gordons - Album

Doy espacio a un disco que es una de las grandes joyas "perdidas" del punk-rock, que excepto en su país, es poco conocido. Lo graba una banda desde las antípodas (si estas en España) que tuvo un gran impacto sobre la escena musical local y que inspiró a otras (muy conocidas) bandas por todo el mundo. Estoy seguro de que si hubieran sido americanos estarían dentro del grupo de las grandes bandas de la música alternativa. Te presento...

The Gordons (Banda)

Grupo Punk-Rock formado en Christchurch, Nueva Zelanda, en 1980 compuesto por Alister Parker (guitarra y voz), John Halvorsen (bajo) y Brent McLachlan (batería). Con un sonido post-punk semi industrial, hicieron giras y grabaron a lo largo de 1980, y en octubre lanzaron su primer sencillo "Future Shock". A finales de 1981, grabaron su primer álbum "The Gordons", y posteriormente se separaron. En la gran tradición de los músicos que llevan su arte al límite y más allá, Alister Parker tuvo una experiencia religiosa, encontró a Cristo y perdió su música.

A finales de 1983, sin embargo, resurgieron con Alister Parker, reemplazado por el nuevo cantante y guitarrista Vince Pinker, lanzaron su segundo álbum "Volume Two" en 1984. Desde finales de 1984 hasta 1986, la formación original de "The Gordons" se reformó y comenzó a grabar material, que luego se negaron a publicar. En 1987, junto con el baterista de "The Clean", los tres miembros de "Gordons" crearon la banda "Bailter Space". 

Posiblemente la banda neozelandés más desafiante de su generación, "The Gordons" crearon un sonido que aún resuena. Una banda muy importante en la historia musical de su país. Famosos por ser el grupo brutalmente más ruidoso de Nueva Zelanda en ese momento, las almas sensibles se quejaron de pérdida auditiva mientras que los skinheads entusiastas metían sus cráneos en las cajas de los altavoces para un ataque de audio total. John Halvorsen y Alister Parker alternaron entre guitarra y bajo, dependiendo de quién escribió la canción, y usaron la sonoridad como efecto, saturando sus amplificadores y dejando que los sonidos chocaran entre sí.

The Gordons han sido citados por la banda neoyorquina "SonicYouth" como una importante influencia temprana de su sonido, e inspiraron y aún influyen en muchos grupos en este país.

Una banda relativamente poca conocida que aparentemente tiene más fama entre los músicos, con el público general aún ignorante de su existencia, especialmente fuera de Nueva Zelanda. Es un buen momento para darlos a conocer y poner de nuevo en la primera línea su extraordinario primer álbum "The Gordons"...pedazo de disco.

 

ALBUM: The Gordons (1º álbum)

 
Primer álbum publicado en 1981. El sello "Flying Nun Europe" reedito este disco en 1988 (incluye el EP "Future Shock" de 1981).

Cargado de ingeniosos trucos de grabación, minimalismo de estilo kraut-rock y timbres de influencia psicodélica, el disco abre con "Spik and Span" que comienza con un rock lento antes de dar un giro brusco a la alta velocidad. Las cosas se derrumban espectacularmente desde allí: punk-rock de vanguardia y ritmos progresivo-rockeros.

Escuchando este disco te vendrá a la mente bandas como The Fall, Killing Joke, Joy Division, Sonic Youth...y te parecerá impresionante el oído del grupo para la melancolía estructurada y la explosión de su sonido; la estructura recortada y repetitiva (guitarra desmoronada y voz apagada). La mayoría de las canciones llegan aproximadamente a los cinco minutos o más, tiempo para que el trío explore motivos sónicos hasta el punto en que logran un toque de trance motorizado de bajo grado, sonido nuevamente un presagio del futuro de Krautrock más abiertamente obsesionado con lo que sería la reencarnación de "The Gordons" más adelante, la banda "Bailter Space". Incluso en su momento más desenfrenado, los tres tienen una superposición muy artística: escucha las voces sepulcrales del tema "Right on Time" intercaladas con graves en medio de la carga de retroalimentación. Y otro ejemplo, el corte "Laughing Now", termina el álbum con una nota caótica y lenta a la vez que no se arrastra, recordando a "Alternative TV".

Un disco recomendado. Álbum importante dentro del estilo punk-rock que inspiró a muchas otras bandas en su carrera. Una obra que desgraciadamente no recibió "el cariño" que se merecía fuera de su país y que es un autentico discazo. Buscarlo por los canales habituales y darlo una escucha, estoy seguro que vas a flipar como lo hago yo cada vez que vuelvo a escucharlo. 

Si te gusta, recomendarlo a otra persona, a ver si así y con el tiempo damos al disco la exposición y el mérito que faltó con su publicación y la que debe tener.

Video del tema "Spik & Span" (escucha el final):

Tracklist del album "The Gordons" (1st album)

Cara A
1.Spik And Span
2.Right On Time
3.Coalminers Song
Cara B
1.Sometimes
2.I Just Can't Stop
3.Growing Up
4.Laughing Now

CLIPPING | There Existed an Addiction to Blood

Clipping (Grupo Hip Hop)

Es una formación americana de Hip-Hop experimental de la ciudad de Los Ángeles. El grupo está formado por el rapero Daveed Diggs y los productores William Hutson y Jonathan Snipes.

Diggs y Hutson se conocieron en la escuela primaria, y Hutson y Snipes eran compañeros en la universidad. Comenzaron en 2009 como un proyecto de remixes, con Hutson y Snipes sampleando acapellas de artistas de rap convencionales y haciendo remixes de electrónica y ruido industriales de ellos para divertirse. Daveed Diggs se unió en 2010 y comenzó a escribir sus propios raps sobre sus composiciones. Ellos mismos grabaron y publicaron su primer álbum, "Midcity", en su sitio web el 5 de febrero de 2013. Aunque sus expectativas eran bajas, y a pesar de una promoción mínima, el álbum fue bien recibido y cinco meses después, firmaron con el sello independiente Sub Pop.

El trío se les han comparado con otras formaciones como Dälek, Death Grips, My Bloody Valentine, Tim Hecker y Shabazz Palaces. La crítica describe su sonido como "el tipo de emociones estridentes que imaginas que podrían funcionar como música de banda sonora incidental para un documental sobre mataderos o podría ser el trabajo de una banda joven que intenta torcer el metal industrial en nuevas formas brutales con el rap por encima" (The Guardian). La revista musical "Rolling Stone" los llamó "...Hip-hop de LA que se derramaba sobre los abrasivos crujidos, chillidos, ruidos y estática de la música experimental concreta”. Otros comentaristas han sido más directos y han situado a "Clipping" dentro del estilo de "Horrorcore" (Rap de terror). Esten donde estén - me parece bien las etiquetas anteriores - para mi son simplemente artistas del rap inconformistas que huyen de los "estereotipos" y que experimentan. Más bien, si tienen que pertenecer a un grupo, les podrían en el del "Hip Hop Underground". 

La discografía de "CLIPPINGS" hasta ahora:

•  Midcity (2013)
• CLPPNG (2014)
• Splendor & Misery (2016)
• There Existed an Addiction to Blood (2019)
• Visions of Bodies Being Burned (2020)

El último álbum publicado en 2020 "Visions of Bodies Being Burned" es un discazo, muy recomendado. Sin embargo, me gusta más el anterior "There Existed an Addiction to Blood", álbum más oscuro y es el trabajo que me gana finalmente este trío. 

ALBUM: There Existed an Addiction to Blood

 
Es el tercer álbum de estudio (con Sub-Pop) publicado el 18 de octubre de 2019. Una gran producción, creativo y con impactantes narraciones. Es un álbum conceptual bien ejecutado y realmente espantoso. La producción es impresionante utilizando ruidos (industriales) y samples espeluznantes para crear una atmósfera inquietante (terrorífica). El juego de palabras y las imágenes de Daveed Diggs encajan con los instrumentales para infundir miedo en el oyente y, al mismo tiempo, proporcionar comentarios sociales. Se encuentran en este disco algunos de los Raps más originales de los últimos tiempos.

Habiendo explorado la ciencia ficción distópica con el álbum de 2016 "Splendor & Misery", CLIPPINGS aborda el subgénero del hip-hop conocido como "horrorcore" (no me gusta esta etiqueta pero ilustra bien el espíritu). Tomando influencia de unos clásicos de culto (películas experimentales de horror, vampiros...etc.), el trío pinta retratos de escenas desgarradoras llenas de acosadores y carnicería despiadada. Los versos rápidos de Daveed Diggs son precisos e inquebrantables, y detallan escenas espantosas con una precisión milimétrica.

Gran parte del álbum, en particular los interludios, está lleno de grabaciones de campo, dando la sensación de estar huyendo. El temazo "Nothing Is Safe" presenta un piano repetitivo y de suspenso. Las canciones más emocionantes son francamente alucinantes. "La Mala Ordina" tiene un ritmo tambaleante y mareado y potentes versos invitados de "Benny the Butcher", "Elcamino" y "Rita". El corte "Run for Your Life", contiene una inquietante melodía y las pulsaciones nerviosas similares a los latidos del corazón parpadean brevemente detrás de la voz de Diggs (con la aparición de "La Chat"). Durante "All in Your Head", los encantamientos de "Robyn Hood" se estiran y dispersan electrónicamente en estallidos intermitentes de desconexión estática, lo que finalmente despeja el camino para el canto conmovedor e inspirado en el gospel de "Counterfeit Madison". El sonido abrasador y cortante del dúo de performance "Pedestrian Deposit" coincide con la letra sin aliento sobre la carne quemada con ácido durante el tema "Attunement". El final del álbum es una grabación de "Piano Burning", una composición de 1968 de "Annea Lockwood", que de hecho consiste en un piano incendiado. Escuchar esta destrucción literal de la música es un cambio radical respecto al disco anterior, escalofriante.

Este álbum es un "audio Horror show", con grandes invitados donde cada uno contribuye su toque de "miedo". No obstante, también convierte este disco en poco convencional, experimental y muy underground. Además puede ser un álbum que cuesta al principio que te entre, o no te guste a secas. No es un trabajo de Hip Hop para todo los paladares, a mi me tiró algo para atrás al principio.

Si aparcas a un lado el "rollo Horrorcore" y te centras en la producción, la técnica de samples y el estilo de rap...la narrativa y sus imágenes, el disco toma un aspecto más digestible e impresiona. En un género (Hip Hop) que se ha inclinado hacia "lo comercial" (un Hip Hop de chicle), poder escuchar trabajos como "There Existed an Addiction to Blood" es un alivio (al menos para mi). Siempre he preferido la música más orgánica y experimental, y los artistas inquietos que buscan derribar "lo convencional" para sorprender y mantener vivo el interés por lo desconocido.

Un disco recomendado. Si eres fan del Hip Hop, y del Rap Underground, puede que te guste, si ya no conoces a "CLIPPING". A mi me mola. 

Video del tema "Run for Your Life":

Tracklist:

1.         "Intro" 1:04
2.         "Nothing Is Safe"       4:57
3.         "He Dead" (con Ed Balloon)    4:22
4.         "Haunting (Interlude)"           0:57
5.         "La Mala Ordina" (con The Rita, Elcamino y Benny the Butcher)          5:46
6.         "Club Down" (con Sarah Bernat)     4:30
7.         "Prophecy (Interlude)"           1:11
8.         "Run for Your Life" (con La Chat)      4:52
9.         "The Show"    3:04
10.       "Possession (Interlude)"         2:10
11.       "All in Your Head" (con Counterfeit Madison y Robyn Hood)      4:29
12.       "Blood of the Fang"   4:49
13.       "Story 7"         3:40
14.       "Attunement" (con Pedestrian Deposit)        4:46
15.       "Piano Burning"         18:00

MORPHINE | Cure for Pain

Morphine (Banda)

Grupo americano de rock alternativo formado por Mark Sandman, Dana Colley y Jerome Deupree en 1989. Después de cinco álbumes exitosos y extensas giras, se disolvieron después de que el vocalista Mark Sandman muriera de un ataque al corazón en el escenario de Palestrina, Italia el 3 de julio de 1999. Los miembros fundadores se han reformado en la banda "Vapors of Morphine", manteniendo gran parte del estilo y sonido originales. 

Morphine es una rareza en el Rock: combina Blues, Jazz y Rock & Roll sin guitarras. En lugar de riffs de guitarra, el trío se basa en líneas de bajo deslizantes de dos cuerdas, saxofones y voces de "croon profundo y relajado". A mediados de la década de 1990, "Morphine" ganó un culto considerable en Estados Unidos, principalmente debido al buen boca a oreja, la gran difusión en radio universitaria y las críticas positivas. La propia banda acuñó la etiqueta "low rock" para describir su música, que implicaba "un sonido minimalista y de gama baja": un trío que no se basa en el sonido de una guitarra eléctrica.

La banda disfrutó de una valoración crítica positiva y fue acogida y promovida por la comunidad de Rock Indie, pero recibió poco apoyo de la radio comercial de rock y otros medios más comerciales. Esto limitó su exposición general y su apoyo en su país de origen, mientras que a nivel internacional disfrutaron de un éxito de alto perfil, especialmente en Bélgica, Rusia, Portugal, Francia y Australia.

La discografía de Morphine:

• Good (1992)
• Cure for Pain (1993)
• Yes (1995)
• Like Swimming (1997)
• The Night (2000)

Me gustó mucho el álbum debut "Good", lo recomiendo. Sin embargo, el disco que más vuelvo a escuchar con regularidad es el brillante "Cure for Pain" de 1993.

ALBUM: Cure for Pain

El segundo álbum fue publicado el 14 de septiembre de 1993. Jerome Deupree, el baterista original de la banda, renunció debido a problemas de salud durante la grabación del álbum y fue reemplazado por Billy Conway.

Las canciones "Sheila" e "In Spite of Me" fueron destacadas en la banda sonora de la película independiente de 1994 "Spanking the Monkey". El tema "Buena" también aparece en la primera temporada de la serie de TV "The Sopranos"...esto ayudo mucho con la promoción. En 1995, había vendido 107.000 copias en Estados Unidos y más de 300.000 copias en todo el mundo. A partir de 2017, las ventas combinadas de "Cure for Pain" y "Yes" son + 670.000 copias vendidas en Estados Unidos.

La composición es más fuerte y concisa que del debut, la mayor parte del material cambia entre deprimido y optimista, con algunos temas más rockeros" en el medio. Canciones como "Buena", "I'm Free Now", "All Wrong", "Candy", "Thursday", "In Spite of Me" (una de los pocos temas que contiene una guitarra de seis cuerdas), "Let's Take a Trip Together "," Sheila " y la canción principal son todos ya clásicos de Morphine. Y nuevamente, el bajo slide de dos cuerdas de Mark Sandman y el saxo de Dana Colley ayudan a crear una atmósfera impresionante en todo el álbum.

Un disco recomendado y para muchos (yo incluido) su mejor álbum. Es un trabajo simplemente sorprendente, no hay relleno y contiene algunos del mejores “Jazz-Rock” temas que vas a escuchar. A mi me costó un poco al principio y tuve que escuchar un par de veces para absorberlo totalmente, lo advierto. Es posible que el sonido inusual del grupo no sea del agrado de todos, pero te recomiendo que al menos escuches un par de temas antes de descartar, es posible que te guste cada vez más. A pesar de su simplicidad y sonido minimalista, "Cure for Pain" es un cambio de ritmo de la norma, suave como la seda, animado y completamente agradable. Es uno de los mejores y más vanguardistas lanzamientos de Rock de los años 90 (Siglo XX), y por razones desconocidas un disco infravalorado que merece mucha más atención...y cariño.

Video del tema "Buena":

Tracklist:

1."Dawna" – 0:44
2."Buena" – 3:19
3."I'm Free Now" – 3:24
4."All Wrong" – 3:40
5."Candy" – 3:14
6."A Head with Wings" – 3:39
7."In Spite of Me" – 2:34
8."Thursday" – 3:26
9."Cure for Pain" – 3:13
10."Mary Won't You Call My Name?" – 2:29
11."Let's Take a Trip Together" – 2:59
12."Sheila" – 2:49

THE PSYCHEDELIC FURS | The Psychedelic Furs - Album

The Psychedelic Furs (Banda)

Grupo inglés de Rock fundada en Londres en febrero de 1977. Liderados por el cantante Richard Butler y su hermano Tim Butler en el bajo, The Psychedelic Furs son una de las muchas bandas surgidas de la escena post-punk británica. Su música pasó por varias fases, desde un sonido de "Art rock" inicialmente, hasta tocar más tarde el "New Wave".

La banda se llamó inicialmente "RKO", y luego "Radio". Más tarde vacilaron entre llamarse a sí mismos "The Europeans" y "The Psychedelic Furs", tocando en conciertos con ambos nombres antes de decidirse permanentemente por el último. La banda inicialmente estaba formada por Richard Butler (voz), Tim Butler (bajo), Duncan Kilburn (saxofón), Paul Wilson (batería) y Roger Morris (guitarras). En 1979, esta formación se había expandido a un sexteto con Vince Ely reemplazando a Wilson en la batería y John Ashton uniéndose como segundo guitarrista. Una sesión de máxima audiencia para el programa de Radio 1 de "John Peel" llevó a la banda a firmar con Epic Records. Esto dio lugar al álbum debut de Psychedelic Furs, un disco homónimo publicado en marzo de 1980, que fue producido por Steve Lillywhite. El álbum estableció rápidamente a la banda en la radio en Europa y fue un éxito en Reino Unido, Alemania, Italia, Francia, España y Australia.

Llegaron a convertirse en íconos del "New Wave", y construyeron una carrera con misteriosas canciones pop guiadas por la voz inconfundible y fatigosa de Richard Butler y un sonido en constante evolución que comenzó como un Post-punk absoluto y luego se desvió hacia el Synth-pop, el Dance rock y Alternativo. En el camino, lanzaron unos álbumes clásicos que fusionaba la energía del Punk con el brillo del “New Wave” (ej, el disco Talk Talk Talk de 1981), y una serie de singles resaltados por "Love My Way", "Heaven" y "Heartbreak Beat" que demostraron ser muy populares. Su canción quizás más clásica "Pretty in Pink" se convirtió en la inspiración para la película (y una generación de jóvenes) del mismo titulo.

La banda tomó un largo descanso a principios de la década de 1990, y Richard y Tim Butler fundaron "Love Spit Love" con Richard Fortus y Frank Ferrer (ambos se unirían más tarde a Guns N 'Roses). En 2000, Richard Butler, Tim Butler y Ashton reformaron "The Psychedelic Furs" para aprovechar el "jugoso circuito" de directos. 

La discografía de THE PSYCHEDELIC FURS hasta ahora:

• The Psychedelic Furs (1980)
• Talk Talk Talk (1981)
• Forever Now (1982)
• Mirror Moves (1984)
• Midnight to Midnight (1987)
• Book of Days (1989)
• World Outside (1991)
• Made of Rain (2020)

El lector veterano, casi seguro, ya conoce esta banda, ya que se convirtieron en parte de nuestras vidas de una forma o la otra. Sus singles "Love My Way", "Heaven", "Pretty in Pink" etc. fueron auténticos bombazos que impregnaron nuestra subconsciencia. Su álbum más grande "Talk Talk Talk" es quizás el mejor de la carrera de "los Furs", seguido de "Forever Now". No obstante, tengo simpatía por el debut ya que introduce la banda con un sonido más crudo y menos sofisticado, exponiendo un estilo post-punk y siniestro antes de tomar el camino hacia el "New Wave" comercial. Es un gran álbum debut.

ALBUM: The Psychedelic Furs

Es el primer álbum de estudio de la banda de The Psychedelic Furs publicado el 7 de marzo de 1980. El disco original del Reino Unido tiene nueve canciones. El álbum americano contiene 10 temas, eliminando la canción del disco para Reino Unido, "Blacks / Radio", y agregando otras dos, "Susan's Strange" y "Soap Commercial", y cambiando el orden - el tracklist.

Los "Furs" emergiendo de la escena Post-punk de Londres con una sana fascinación por David Bowie de finales de los 70. El entonces sexteto publicó una tormenta monocromática con este disco debut que fue muy bien recibido en Europa. La ronquera vocal de Richard Butler (medio Johnny Rotten y medio Bowie) tiene un atractivo (era distinto en su momento). Los miembros de la banda, ya habían perfeccionado bien sus habilidades en el escenario; el trabajo de guitarra solista de Ashton expone un poder artístico equilibrado. La producción proviene principalmente de Steve Lillywhite (productor de U2, Siouxsie, Simple Minds, Talking Heads, The Killers...etc.), quien se aleja de los toques que pronto se convertirán en su tarjeta de introducción (o "clichés") que les daría a los primeros trabajos de U2, el tema "India" de este álbum es un buen ejemplo de lo que hablo; tiene un comienzo ambient, inquietante y silencioso con extrañas señales telegráficas y se convierte después el un "rocker". Es un disco de sonido crudo, aún no habían incorporado la mejor tecnología para crear álbumes más sofisticados, finos y limpios como los posteriores. La voz de Butler se grabó de una primera toma, así dando el álbum casi un "feel" de ser en directo.

Hay momentos muy buenos, personalmente me encanta como se abre el álbum con "India". Después hay temas memorables como "Sister Europe", Imitation of Christ" y "Wedding Song" que sitúa el disco como uno de los grandes debuts de los años 80. No obstante, está claro que THE PSYCHEDELIC FURS aún no habían encontrado su estilo, se oye destellos de lo que vendría posteriormente (el sonido saxo), pero el mix todavía no estaba equilibrado. Los próximos lanzamientos serian sus grandes éxitos comerciales internacionales (especialmente Estados Unidos) con un sonido más "New Wave y Pop" y anuncia el cambio de formación de seis a cuatro miembros. Este álbum debut quizás es el único trabajo para poder conocer a la banda como realmente sonaban al principio, y aun llevando la mochila de la ola punk británica (ejemplo Sex Pistols) sobre sus hombros. 

Un disco recomendado, ya un clásico entre los fans de la banda. No obstante, para el lector más joven que quizás no conozca al grupo es un disco para introducirte a "los Furs" y así poder dar el salto a los magníficos "Talk Talk Talk" (1981) y "Forever Now" (1982).  

Video del tema "India" (en directo):

Tracklist (edición UK):

Cara A
1."India" – 6:21
2."Sister Europe" – 5:38
3."Imitation of Christ" – 5:28
4."Fall" – 2:40
5."Pulse" – 2:37
Cara B
1."We Love You" – 3:26
2."Wedding Song" – 4:19
3."Blacks/Radio" – 6:56
4."Flowers" – 4:10

KEVIN MORBY | Harlem River

Doy espacio a un músico que hasta relativamente poco era prácticamente desconocido para mi. No se si fue intencional, coincidencia o un accidente que me hizo cruzarme con un medio de música al que le hacía referencia y que me animó investigar y escuchar su material. Me quedé muy impresionado con su álbum debut en solitario...

Kevin Morby (Músico)

Kevin Robert Morby es un músico americano (Lubbock, Texas), cantante y compositor. Salió de las sombras hacia una carrera en solitario, escribiendo canciones que fusionan la mística lírica al estilo de Bob Dylan con una producción arraigada. Junto con contemporáneos como Angel Olsen y Kurt Vile, Morby representa una ola de compositores agudos e independientes de la década de 2010 cuyas audiencias crecieron exponencialmente a medida que se volvían más fuertes. El desarrollo de Morby fue particularmente rápido, su visión tomó forma en una serie de discos bien recibidos. Morby cita a Lou Reed, Bob Dylan, Nina Simone y Simon Joyner entre sus artistas favoritos y se aprecia mucho "el espíritu" de dichos artistas en su oferta musical.

Kevin Morby saltó definitivamente hacia su carrera musical cuando se unió al grupo de folk-noise de "Woods" como bajista. Mientras, se hizo amigo cercano de Cassie Ramone del trío punk "Vivian Girls", y los dos formaron un proyecto paralelo llamado "Babies", y lanzaron álbumes en 2011 y 2012. Tras su mudanza a Los Ángeles (desde NYC), Kevin Morby grabó una colección de canciones con el productor de Babies, Rob Barbato, que pretendía ser un homenaje a la ciudad de Nueva York. Las nuevas canciones representaron un cambio estilístico hacia un sonido indie más orientado a las raíces y también incluyeron al baterista de The Babies, Justin Sullivan, junto con varios otros artistas invitados. Publicado en 2013, la colección de ocho canciones se llamó "Harlem River" y se convirtió en el debut de Morby como solista. Desde entonces ha sido muy productivo y ha grabado y publicado otros cinco álbumes. A continuación la discografía de KEVIN MORBY en solitario hasta el momento:

2013 Harlem River    
2014 Still Life
2016 Singing Saw     
2017 City Music       
2019 Oh My God     
2020 Sundowner       

Descubro a Kevin Morby con su disco debut titulado "Harlem River". Su discografía es muy sólida y ofrece muy buenos trabajos, un ejemplo el álbum "Singing Saw" (2016). Sin embargo, de todo en oferta me gusta más el debut, quizás es algo sentimental al ser el disco que me introduce a este talentoso artista...yo pienso más bien porque es un discazo.

ALBUM: Harlem River

Es el álbum debut de Kevin Morby publicado el 26 de noviembre de 2013. Después de documentarme sobre el artista y su pasado musical, me parece un trabajo confiado mezclando el ambiente urbano con el "Folk"... Me recordaba mucho en partes a "Mazzy Star" (ya estaba ganado). Ocasionalmente, su grupo de apoyo transmite aires de Bob Dylan y en otras ocasiones adquiere un toque más country y de lo-fi. Elementos jugosos y apetecibles para mis gustos.

El álbum, comentado por Morby, es un breve viaje a través de la ciudad Nueva York que el músico llamó su hogar durante los cinco años anteriores a su grabación. Atrás quedó el experimentalismo lo-fi de su banda "Woods" y el punk urbano de The Babies. En cambio, Morby emplea en su debut una estética decididamente “vintage” más acorde con el ajetreado y folclórico de "Blonde on Blonde" (de Dylan) o los primeros discos de Leonard Cohen.

Los poemas largos y melancólicos sobre la vida de la ciudad se reproducen sobre un lecho de cálidas guitarras y órgano. Las canciones son personales y profundas con ecos del "Greenwich Village" de los años 60 en lugar de los estilos autoconscientes de la era moderna de Brooklyn. La producción es intencionalmente "retro" (productor Rob Barbato) y de estilo propio. Harlem River es un viaje que vale la pena emprender, a mi me impresionó. 

Guitarras arropantes, riffs deliciosamente cálidos, batería cepillada agradable para el oído y líneas de bajo vibrantes. La entrega me convence, te sitúa en algún lugar entre Leonard Cohen y un Lou Reed (Velvet) más suave. Las mejores canciones son para mi, "Miles, Miles, Miles", "If You Leave and If You Marry" y el excelente "Slow Train" (con Cate Le Bon), pero todo el disco sólido.

Un disco recomendado. Un álbum para escuchar quizás sol@ en tu habitación durante una tarde de descanso, o durante un día gris de lluvia (no digo que sea un álbum tristón) para acompañar la atmósfera. Un disco acogedor y, para mi, placentero.

Video del tema "Slow Train":

Tracklist:

1.         "Miles, Miles, Miles"  4:49
2.         "Wild Side (Oh, the Places You'll Go)"        5:40
3.         "Harlem River"           9:15
4.         "If You Leave, and If You Marry"   3:40
5.         "Slow Train" (con Cate Le Bon)      5:50
6.         "Reign"           4:09
7.         "Sucker in the Void (The Lone Mile)"          4:03
8.         "The Dead They Don't Come Back" 4:39

ARMAND HAMMER | Shrines - Album

Armand Hammer (Grupo musical)

Es un dúo afro-americano de Hip-Hop de la ciudad de Nueva York. Consiste en Billy Woods y Elucid, ambos con sus propias carreras y álbumes.

Billy Woods y ELUCID, el dúo "Armand Hammer", se abrió camino en el Rap-Underground con un lirismo impulsado por el pensamiento y estilos de producción experimentales. Un elemento constante junto con sus carreras en solitario,

Bajo el "proyecto" Armand Hammer, han publicado hasta ahora cuatro álbumes, consiguiendo importantes elogios de la crítica. El proyecto empujó los límites de los sonidos del Hip-Hop con texturas únicas e instrumentales sucios y fuera de lugar. Sus barras, envueltas en densos esquemas de rima y metáforas de doble inmersión, abordaban todo, desde la pobreza hasta la filosofía, coloreando fragmentos de experiencias vividas con pensamiento y ficción para crear un collage de conmovedores fragmentos sociales. Llamarlo "Hip-Hop Inteligente" o "Hip-Hop abstracto", sin embrago lo que engloba no es nuevo,  Public Enemy y KRS1 (incluso “A Tribe Called Quest”) lo hacían hace años, es continuar plasmando el contexto cambiante con música, "Armand Hammer" nos cuentan nueva realidades que les afectan a ellos, su sociedad y su cultura con sonidos más creativos. El objetivo sigue siendo igual, conseguir hacer “llegar el mensaje” lo más lejos.

Yo no vivo en los Estados Unidos de Trump, no soy afro-americano y no puedo comprender a fondo la cultura, el contexto y los problemas de Nueva York. Solo me puedo guiar por lo que me pueden contar los temas y más fácil, juzgar la música (los beats, samples, rimas, producción, técnica...). 

Hasta el momento la discografía de Armand Hammer es el siguiente:

• Race Music (2013)
• Rome (2017)
• Paraffin (2018)
• Shrines (2020)
• Haram with the Alchemist (2021)
• We Buy Diabetic Test Strips (2023)

El álbum "Shrines" me parece un discazo. Junto con el álbum de "Run The Jewels" y "Alfredo de Freddie Gibbs , también publicados este año, son los mejores álbumes de Hip Hop (Underground) del 2020.  El álbum "Paraffin" (2018) de Armand Hammer me parecía ya una obra completa, "Shrines" da un salto cualitativo en los sonidos y con su experimentación.

ALBUM: Shrines

Es el cuarto álbum de estudio publicado el 5 de junio de 2020. La portada del álbum es una fotografía de un oficial de la policía de NYPD a punto de tranquilizar y capturar al tigre Ming de Harlem. Este acontecimiento recibió mucha exposición en los medios americanos. Un hombre cuidaba un Tigre siberiano en su apartamento hasta que le atacó. Parece ser que sirve de "símil ilustrativo" del mundo (parte del mundo) en el que vivimos: algo absurdo, surrealista, y fuera de control...elementos dentro de la narrativa de "ARMAND HAMMER", donde se añade la pobreza, últimos acontecimientos de los conflictos raciales y una ciudad de Nueva York cada vez más violento.

No obstante, este trabajo por Elucid y Billy Woods es más exuberante y más brillante que cualquier cosa que hayan hecho antes. Este álbum es su respuesta a toda la destrucción y la corrupción que han visto en el mundo (su mundo)  y continúan viendo hasta el día de hoy. Como anécdota, ARMAND HAMMER busca construir una "utopía" construyendo un santuario musical con este álbum, para que la gente pueda escucharlo como un medio de escapar y ser iluminado por los males del mundo (su mundo). Y hago hincapié en "su mundo", es un disco muy de su zona, su contexto y de su tiempo. Un oyente en España, Rusia o China no sufre, ni tiene la misma experiencia que se está transmitiendo en este disco. 

Con este importante matiz, "Shrines", es un álbum denso y abstracto musical y líricamente. Los instrumentales, de Earl Sweatshirt, Kenny Segal y Andrew Broder de Fog, entre otros, son torcidos y aturdidos, construidos alrededor de una atmósfera flotante desconectada. No se siente del todo correcto llamarlos "beats". Como MCs, Elucid y Woods existen en la región inferior entre la poesía hablada y la música rap tradicional. Elucid generalmente está más cerca del "spoken word", mientras que Billy Woods tiene una entrega de Rap más reconocible y tradicional, pero ambos entregan grupos de palabras agitados sin preocuparse audiblemente por categorías. El álbum tiene contribuciones de algunas voces famosas: Earl Sweatshirt, Quelle Chris, R.A.P. Ferreira, Moro Mother, y todos ellos se encierran en la misma vibra urgente de verso libre.

El resultado es un álbum de Hip Hop que se sale. Solo puedo juzgarlo sabiendo que es diferente, y se sale de todo que se ha publicado en 2020 para hacerse con un sitio propio. Mismo sitio que ha conseguido "Run The Jewel" con su disco "4", por ejemplo.

Un disco recomendado, un gran álbum de "Hip-Hop Underground" (abstracto e industrial). Súper experimental que busca "distorsionar" los sonidos y los "beats" de manera creativa e innovadora.

Me entusiasma y lo incluyo en mi lista de candidatos de DISCO 2020, por ser tan distinto. Hay otro álbum este año que puede competir con "Shrines", el de "Freddie Gibbs and The Alchemist" titulado "Alfredo", este último también es un Disco 2020.

Si eres fan del Hip Hop busca este álbum. No te preocupes demasiado en la narrativa, el mensaje, los llamamientos a crear "utopías" etc., disfruta del "flow", los sonidos, "samples"...jazz, dub, la técnica y producción. Es Arte "Hip Hop".

Video del tema "Dead Cities":

Tracklist (con colaboradores):

1.         "Bitter Cassava" (con Pink Siifu) Earl Sweatshirt    2:56
2.         "Solarium"      Navy Blue      1:32
3.         "Charms" (con KeiyaA)         Child Actor    2:37
4.         "Pommelhorse" (con Curly Castro)    August Fanon 3:33
5.         "Leopards" (con  Nosaj)         Fat Albert Einstein     3:02
6.         "King Tubby" Nicholas Craven         3:25
7.         "Frida" (con Quelle Chris and Fielded)         Andrew Broder          4:11
8.         "Slewfoot"      Andrew BroderPsymun 3:19
9.         "War Stories"  Messiah Musik           3:06
10.       "Flavor Flav"  Steel Tipped Dove     2:45
11.       "Dead Cars" (con R.A.P. Ferreira)    Kenny Segal   3:32
12.       "Parables" (con Akai Solo)     Navy Blue      3:18
13.       "Ramses II" (con Mother, Sweatshirt y Fielded)      Navy Broder 4:11
14.       "The Eucharist"          Messiah Musik           1:46

ALL THEM WITCHES | Nothing as the Ideal

All Them Witches (Banda)

Grupo de Rock americano de Nashville, Tennessee. La banda está formada por el vocalista-bajista y multi-instrumentista Charles Michael Parks Jr, el guitarrista Ben McLeod y el baterista Robby Staebler. Inicialmente eran un cuarteto con Allan Van Cleave tocado el Fender Rhodes, órgano...deja la banda en 2018.

La banda “All Them Witches” se formó en 2012. El baterista Robby Staebler se había mudado a Nashville desde Portland en busca de músicos para formar una banda. Robby Staebler reclutó al guitarrista Ben McLeod después de conocerlo en un bar, seguido por el líder y bajista Charles Michael Parks Jr. mientras ambos trabajaban para "una tienda hippie corporativa". El nombre de la banda se toma de un libro, "All of Them Witches", que aparece en la película de 1968 "Rosemary 's Baby".

Empleando una filosofía "Do it Yourself" (D.I.Y) el grupo mezcla blues, rock neo-psicodélico, stoner metal y rock progresivo, publican en 2012 su álbum debut "Our Mother Electricity". Desde entonces han ido creciendo y evolucionando con cinco álbumes más y haciéndose un hueco en la escena Rock. A continuación su discografía hasta ahora:

• Our Mother Electricity (2012)
• Lightning at the Door (2013, relanzamiento 2015)
• Dying Surfer Meets His Maker (2015)
• Sleeping Through the War (2017)
• ATW (2018)
• Nothing as the Ideal (2020)

Los medios musicales y especialistas tienen difícil apuntar con precisión el estilo musical de la banda. Esto se debe a que incorporan elementos de múltiples géneros; hard rock, stoner rock, psicodélica, neo-psicodelia, blues, folk y rock sureño. El vocalista y bajista Charles Michael Parks Jr., quien también es el letrista de la banda, ha citado a Pink Floyd, Grateful Dead, Allman Brothers, Fleetwood Mac, y Roy Buchanan como artistas de los que todos los miembros de la banda son fans. El guitarrista Ben McLeod cita a Jerry García y The Doors como influencias significativas. No obstante, se les compara comúnmente con Black Sabbath; sin embargo, Parks ha descrito esto como engañoso, porque ninguno de los miembros de la banda escucha Black Sabbath. Otros grupos con los que se ha comparado a la banda son Kyuss, Blue Cheer, Tool, Queens of the Stone Age y Led Zeppelin. Como puedes leer, si eres fans de cualquiera de las bandas mencionadas, quizás puede ser de tu gusto.

Descubrí a esta banda con el álbum "Dying Surfer Meets His Maker", gran disco, hasta este año para mi el mejor trabajo. Sin embargo, este año publicaron "Nothing as the Ideal", sonido más maduro, oscuro y para mi un gran salto. El nuevo y último disco es genial.

ALBUM: Nothing as the Ideal

 
El sexto álbum publicado el 4 de septiembre de 2020 producido por Mikey Allred (productor del anterior álbum "Dying Surfer Meets His Maker"). Una mezcla de Rock alternativo de los años 80, Rock psicodélico, Stoner Rock, Hard Rock y Heavy Metal. El sonido de la banda sigue evolucionando, una colección audaz y vigorizante de ocho canciones que aprovechan todos sus puntos fuertes que llega a los 43 minutos. Es quizás el álbum más experimental e intenso, es decir, la banda cambia de ser un cuarteto a un trio, y sin teclados, esto abre un abanico de nuevas posibilidades (adaptaciones).

La banda cristaliza la improvisación y canto en un signo de exclamación en el que cada solista, cada sonido de caja y zumbido se siente esencial. Grabado en el mítico estudio de grabación de "Abbey Road" en Londres, hacen un buen uso de la infraestructura analógica del estudio, salpicando los procedimientos con loops fragmentados y rebobinados, todo mientras mantiene un núcleo de Rock clásico y duro.

El disco abre fuerte con "Saturnine & Iron Jaw" (después de un interludio) . El siguiente "Enemy Is My Enemy" sigue su ejemplo con precisión y fuerza sónica, mientras el tema "See You Next Fall" de casi diez minutos es una odisea existencial del blues encarnada con un trabajo de guitarra verdaderamente potente y un final de solo de batería acojonante. No obstante hay también un impresionante dominio de la atmósfera y control instrumental con "Everest" y la misteriosa "Children of Coyote Woman". El disco cierra de manera espectacular con "Rats in Ruin", 9 minutos de un ómnibus de todo lo que lo precede, con un vals meditabundo del tamaño de un estadio que desciende a una sección media zumbante, antes de volver a ensamblarse en el minuto seis como un tsunami.

Para los que llevan siguiendo a "All Them Witches" desde los principios notaran en este disco que siguen experimentando y creciendo como artistas: el álbum combina muchos de los elementos que les han dado su identidad y ayudado continuar haciendo crecer su base de fans. Este disco tiene un toque oscuro fascinante, es más "heavy" y de una belleza gótica, una obra tentadora para los sentidos, con un pie en el pasado y el otro en el futuro en alguna dimensión lejana.

Un disco recomendado, de lo mejor publicado en 2020 dentro del Hard Rock. Para mi un candidato a mi lista de DISCO 2020 que elaboro cada fin de año. Si te interesa explorar más a "All Them Witches", busca también el álbum "Dying Surfer Meets His Maker" (2015), esta de p*ta madre y aquí el grupo era un cuarteto.

Video del tema "Lights Out":

Tracklist del álbum "Nothing as the Ideal":

1          Saturnine & Iron Jaw
2          Enemy of My Enemy
3          Everest           
4          See You Next Fall     
5          The Children of Coyote Woman      
6          41       
7          Lights Out     
8          Rats In Ruin

FARAQUET | The View from This Tower

Faraquet (Banda)

Grupo americano de Post-Hardcore de la ciudad de Washington D.C., y a veces incluida en el género de "Math Rock". El trío se formó en 1997 y se disolvió en 2001 después de publicar su álbum debut "The View from This Tower" con el sello "Dischord Records". Faraquet fue influenciado por compañeros de DC como Fugazi, Jawbox y Nation of Ulysses, así como por bandas de Rock-Progresivo como "King Crimson". Este último matiz es importante, para mi la incorporación del estilo "Progressive Rock" les aparta del "Hardcore" para hacer "Faraquet" una banda distinta y diferente, tanto que gusta al público que inicialmente "huyen" del Punk o sus sonidos derivados más agresivos.

Desde Chicago Devin Ocampo (voz y guitarra) y Chad Molter (batería) se mudaran a Washington DC, y Jeff Boswell (bajo y Moog) fue reclutado para completar la formación de "Faraquet" en 1998. Influenciado por el sonido de "DC", la banda lanzó su EP debut en DeSoto Records en 1998 seguido de un EP dividido con "Akarso" al año siguiente. En el 2000, el álbum debut "View From This Tower" fue publicado, sería el único disco de la banda.

No obstante, aunque encasquillados en la categoría "Post-Hardcore", la música de "Faraquet" cruza varias fronteras estilísticas. De ahí que los riffs así como algunas estructuras y guiños vocales nos lleven directamente a "King Crimson", pero a su vez su estilo remite igualmente a grandes figuras del Punk, Jazz e Indie-rock. El álbum "The View from This Tower" continúe todos estos mencionados estilos musicales, una musicalidad fuera de lo normal y sonidos más acogedores y psicodélicos que los de sus "hermanos" del sello Dischord Records. Inicialmente me había llamado la atención esta banda vía la prensa especializada y con el perjuicio de que eran un grupo "Post-Hardcore" agresivo estilo Minor Threat...este álbum me descolocó y rompió todo mis prejuicios. Es un disco accesible, muy inteligente e impresionante.

ALBUM: The View from This Tower

Es el único álbum de la banda "Faraquet". Publicado en 2000 me parece una joya subestimada del "Math Rock" (por salirme de la etiqueta de "Post-harcore").

Fusionando la sofisticación musical y el ingenio de "King Crimson" con la ferocidad y el sonido "DC" de Fugazi, Faraquet creó este álbum frenético, agitado y apasionado que se derrumba en una atrofia melódicamente muy agradable. La banda abraza la experimentación del Rock-progresivo y las alusiones al Free-jazz, pero no sucumben a los excesos de ninguno de los géneros. El resultado es magnífico, y en mi caso, gratamente sorprendente. Además, es un disco de una maestría musical impresionante, con estructuras de canciones creativas con sensibilidad Pop (quien lo iba pensar dentro del sonido "DC"). Los momentos estelares para mi son: "Cut Self Not", "Carefully Planned", "The View from This Tower" y "The Missing Piece", aunque es un disco que se debe disfrutar desde principio a fin.

Un disco recomendado. Un impresionante, y lamentablemente único álbum de "Faraquet", lleno de una interpretación hábil y lograda, así como ganchos sólidos, acompañado por un vocalista que encaja perfectamente con su sonido. Una obra variada y colorido, que se sale de lo que uno espera del movimiento y estilo "Post-hardcore" y "sonido DC".

Busca el álbum y escucharlo, te puede sorprender. Yo lo flipe la primera vez.

Video del tema "Cut Self Not":

Tracklist del disco "The View from This Tower":

1. "Cut Self Not"
2. "Carefully Planned"
3. "The Fourth Introduction"
4. "Song for Friends to Me"
5. "Conceptual Separation of Self" (Cello por Amy Domingues)
6. "Study in Complacency"
7. "Sea Song"
8. "The View from This Tower"
9. "The Missing Piece"

DISQ | Collector - Album

El Rock no se puede quedar estancado en sus glorias del pasado, su dinámica hace que haya una constante evolución,  y nos aparecen continuamente nuevos jóvenes artistas y bandas para seguir dándonos nuevas interpretaciones y con suerte, estilos. Este año nos brinda la aparición de una banda de jóvenes estadounidenses que me han llamado particularmente la atención y han publicado su álbum debut. Sorprenden gratamente su oferta musical. Esa banda es…

Disq (Banda) 

Grupo de Indie-Rock americano (Wisconsin) formada por amigos de la infancia cuando aún eran adolescentes, han llevando sus jóvenes obsesiones con el Power-pop y los compositores clásicos a un estilo Indie. La banda se surte de elementos del Post-punk, el Folk y el Pop melódico.

Las raíces de Disq se remontan a la amistad de Isaac de Broux-Slone y Raina Bock. Los dos crecieron juntos y ambos estuvieron rodeados de familias creativas y artísticas. Después de aprender varios instrumentos y explorar las bases de la música pop establecidas por bandas como The Beatles, Pavement, Big Star y Weezer, los dos compositores formaron Disq cuando aún eran adolescentes. Con Bock en el bajo y coros y de Broux-Slone en la guitarra y voz principal, el dúo se auto-produjo y lanzó el "Disq I EP" en 2016.

Durante los siguientes años, la banda se expandió para incluir al guitarrista Logan Severson, al baterista Brendan Manley y al guitarrista-teclista Shannon Connor. Con los cinco miembros contribuyendo a las tareas de composición, Disq tocó en conciertos en el área de Madison y actuó en el festival "South by Southwest" de 2019. También hicieron una gira como telonero de la banda punk británico "Shame". En torno a Disq creció suficiente interés como para atraer la atención del sello independiente "Saddle Creek" que firmó con la banda y publicó su primer álbum, Collector, en marzo. 

ALBUM: Collector

El álbum debut publicado el 6 de marzo de 2020 producido por Rob Schnapf (producido a Elliott Smith y Kurt Vile). La obra de una joven banda que ha ganando atención durante los últimos años como uno de los grupos independientes más prometedores. El debut "Collector", es una amalgama admirable de las influencias del Power-pop de Disq. Al escuchar, puedes encontrar rastros de Weezer, Big Star y The Beatles, con toques de Rock-psicodélico, Post-punk y Folk. Disq toma todos estos sonidos gestantes y los reúne para un trabajo muy impresionante - al menos para mí.

El disco es una narrativa colectiva innata, vívida e íntima de cinco chicos del "medio oeste" de veintitantos años que se encuentran en una sociedad de la que se sienten desencantados. Inextricablemente ligada a su pasado, la banda articula su desilusión por el mundo distópico que los rodea con observaciones introspectivas, conscientes de sí mismas e irónicas, apoyada por golpes de guitarras subidas a nivel diez y la ocasional mezcla de extravagantes sonidos electro. No quiero entrar en "clichés" pero la música suele ser un producto de los tiempos (el contexto) que viven sus autores. No obstante, las historias de jóvenes-adultos desencantados con el mundo, no son nuevas, es universal y data de los principios de los tiempos. El rock se nutre de enfado y desilusión, solo que en "Collector" los jóvenes pintan el panorama de "su América" rompiéndose en dos bajo la "era Trump" (aunque algunos observadores mencionan la decadencia de la sociedad estadounidense ya comenzó mucho antes).

Cada miembro ha agregado canciones, "Collector" es muy ecléctico. Isaac de Broux-Slone parece asumir la mayor parte de la voz principal, mientras que el sonido musculoso de guitarra del grupo fluye y refluye a lo largo de los arreglos únicos, construyendo paredes de ruido, cambiando rítmicamente y en cascada con tonos experimentales y partes de teclado texturizadas. Disq tiene un don para el rock indie grande y potente con un tono astuto inspirado en los años 90 y riffs gruesos.

El álbum tiene momentos muy buenos, comenzando con el espectacular tema que abre en disco, "Daily Routine" (narrativa de vida monótona de "medio América"), seguido por otros como "D19", "I Wanna Die" y el último corte "Drum In". Durante el viaje encuentras deliciosos temas más calmados y melódicos que molan mucho. En resumen, para mi gusto, un excelente álbum de principio a fin.

Un disco recomendado. La banda Disq ofrece un debut muy bueno que cumple la mayor parte de la promesa de sus primeros singles y el ganado "hype". Un sorprendente descubrimiento este año para mí, un 2020 que bajo mi punto de vista está siendo un año flojo en presentar nueva música de calidad. No se si los chicos de "Disq" va avanzar en los próximos años, les toca superar el "maldito segundo álbum", cosa donde muchas promesas se han estrellado contra "este muro". Por ahora, tenemos un excelente álbum, uno de los pocos que me han llamado la atención gratamente...un disco que me mola, tanto que es candidato para ser uno de los DISCOS 2020 de mi lista de final del año.

Video del tema “Daily Routine”:

Tracklist:

01        Daily Routine  
02        Konichiwa Internet     
03        I'm Really Trying         
04        D19   
05        Loneliness       
06        Fun Song 4     
07        Gentle
08        Trash 
09        I Wanna Die   
10        Drum In