BLACK SABBATH - Black Sabbath - Album

El álbum debut de la banda británica "Black Sabbath", del mismo nombre, marca el nacimiento del heavy metal tal y como lo conocemos hoy en día. Compatriotas como Blue Cheer, Led Zeppelin y Deep Purple ya sonaban "heavy" en los ámbitos de la psicodelia, el blues-rock y el rock progresivo. Sin embargo, Black Sabbath es la única banda cuyo sonido hoy en día sigue siendo inmediatamente reconocible como heavy metal, incluso después de décadas de evolución en el género.

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música el mencionado disco homónimo de 1970. Es el comienzo del heavy metal y es tan influyente que muchos han dicho que probablemente no habría habido Metallica, Iron Maiden, Judas Priest, etc.

 

ALBUM: Black Sabbath

 
Este es el primer LP de estudio de la banda de rock inglesa "Black Sabbath", publicado el 13 de febrero de 1970. El álbum es ampliamente considerado como el primer álbum de heavy metal verdadero, y la canción de apertura, "Black Sabbath", ha sido nombrada la mejor canción de heavy metal de todos los tiempos por la revista estadounidense "Rolling Stone", también se la ha mencionado como la primera canción de doom metal.

Además se considera uno de los mejores y más influyentes álbumes de heavy metal de todos los tiempos. La banda grabó este disco en una sesión de 8 horas. Básicamente, grabaron el álbum en vivo en el estudio. La ahora icónica fotografía de la portada del álbum fue tomada en Mapledurham Watermill, ubicado en el río Támesis en Oxfordshire, Inglaterra, por el fotógrafo Keith Stuart Macmillan (acreditado como Keef).

Para mí, la grandeza del disco radica en cómo Black Sabbath logró encontrar malevolencia en el blues y martillar al oyente. El álbum comienza con el magnífico corte "Black Sabbath" con una escala de blues pentatonica estándar; Sabbath simplemente lo extrajo y se le ocurrió uno de los riffs de heavy metal más simples pero más definitivos de todos los tiempos.

Temáticamente, la mayoría de las grandes obsesiones líricas del heavy metal se encuentran aquí, todas están amontonadas en la cara uno. "Black Sabbath", "The Wizard", "Behind the Wall of Sleep" y "N.I.B." evocan visiones del mal, el paganismo y lo oculto. Incluso si el álbum terminara aquí, seguiría siendo una escucha esencial. La cara dos está dedicada a improvisaciones de blues-rock sueltas aprendidas a través de influencias anteriores, especialmente Tony Iommi que era músico de sesión y tocaba una amplia gama de estilos.

Mencionemos brevemente a la banda. El trabajo de guitarra de Tony Iommi es excepcional, creando riffs amenazantes y memorables que continúan definiendo el género. La sección rítmica, compuesta por Geezer Butler en el bajo y Bill Ward en la batería, proporciona una base que permite que las canciones se eleven con intensidad y agresión. Por último, pero no por ello menos importante, la voz única y el carisma del cantante Ozzy Osbourne que encarnan la oscuridad misma en forma humana.

Resumiendo, es un disco revolucionario para su época. Con la década de "Flower Power" terminando el LP parece anticipar la reacción contracultural de los años 70 (siglo xx). Desde su inquietante portada, pasando por la satánica canción que da título al disco, hasta el final del LP con el sensacional blues instrumental de "Warning", Black Sabbath lo hace todo genial. Con una sección rítmica contagiosa, un guitarrista revolucionario y la frescura y crudeza de Ozzy Osbourne, este disco marcó el comienzo del heavy metal y una década revuelta y compulsa.

 

Disco recomendado

 
Sin el disco "Black Sabbath", no habría metal. Posiblemente sea uno de los álbumes más influyentes de todos los tiempos y merece un lugar en la colección de discos de cualquiera. Si eres coleccionista de discos o quieres adentrarte en el metal, este es el álbum con el que debes empezar. Una absoluta obra maestra del blues rock (heavy metal).

Y termino, una vez degustado, prueba los siguiente álbumes de la banda: Paranoid (1970), Master of Reality (1971), Vol. 4 (1972) y Sabbath Bloody Sabbath (1973). Acojonantes todos.

Video del tema "Black Sabbath":

Tracklist - canciones (formato LP original edición europeo):

Cara A:

1.         "Black Sabbath"         6:20
2.         "The Wizard"  4:24
3.         "Behind the Wall of Sleep"    3:37
4.         "N.I.B."          6:08 

Cara B:

5.         "Evil Woman" 3:25
6.         "Sleeping Village"                 3:46
7.         "Warning" 10:20

Black Sabbath (Banda):

• Ozzy Osbourne – voz principal, armónica en "The Wizard", pandereta
• Tony Iommi – guitarra
• Geezer Butler – bajo
• Bill Ward – batería

Producción:

Rodger Bain – producción

GREGORY ALAN ISAKOV - Evening Machines - Album

Quería alejarme de la simple recomendación de músicos, bandas y álbumes conocidos para los lectores de este blog de música. Mi objetivo para este post era investigar en profundidad mi colección de discos y encontrar algo menos conocido y de verdadera calidad que realmente entusiasme al melómano que busca sorprenderse.

Creo que he encontrado algo especial y que puedo recomendar. Un músico relativamente menos conocido que es realmente bueno y uno de sus discos que disfruto escuchando con regularidad. El músico es GREGORY ALAN ISAKOV (Isakov) y el álbum que propongo es "Evening Machines".

 

¿Quién es el músico "Gregory Alan Isakov"?

 
Brevemente, es un cantante y compositor estadounidense nacido en Sudáfrica que actualmente reside en Boulder, Colorado. Isakov y su familia emigraron a los Estados Unidos en 1986.

La música de Isakov combina el indie y el folk (americana), con instrumentos como la guitarra y el banjo. Isakov ha sido influenciado por la música de Leonard Cohen, Iron & Wine y Bruce Springsteen, por mencionar algunos. Aclamado por sus letras, su música explora temas como la naturaleza, la introspección y las experiencias personales dentro de los géneros folk e indie.

Esta es su discografía hasta la fecha:

• Rust Colored Stones (2003)
• Songs for October (2005)
• That Sea, the Gambler (2007)
• This Empty Northern Hemisphere (2009)
• The Weatherman (2013)
• Gregory Alan Isakov with the Colorado Symphony (2016)
• Evening Machines (2018)
• Appaloosa Bones (2023)

 

ALBUM: Evening Machines

 
Editado el 5 de octubre de 2018, este disco de estudio es un exuberante conjunto de 13 canciones, seleccionadas de las 40 que tenía, mezcladas por Tucker Martine (Neko Case, The Decemberists...) que le valió a Isakov una nominación al Grammy como "Mejor Álbum Folk". Con "Evening Machines", Isakov ofrece un trabajo muy personal y rico en sonido.

Cuidadosamente elaborado, igual que cualquiera de sus álbumes, transmite una atmósfera completamente diferente. Hay una sensación de anhelo y nostalgia, al mismo tiempo que toca una fibra sensible en tu corazón con una sensación de optimismo esperanzador y benévolo.

Grabado en su casa, en su granja, entrega un diario refinado en un elegante códice encuadernado en cuero. A la altura de los mejores trabajos de músicos de folk indie como Andrew Bird, Josh Ritter y Sufjan Stevens, "Evening Machines" satisface las inclinaciones folk y pop de Isakov, ofreciendo baladas austeras y canciones de rock cubiertas de capas de reverberación. Isakov ha creado una joya oscura que filtra la música folk estadounidense a través de las vistas abiertas de su tierra natal, manteniendo al mismo tiempo un nivel de intimidad que puede resultar casi extraño en su intensidad.

Dicho de otra manera, este no es solo un álbum de folk indie envuelto en tonos sepia, es una banda sonora cuyo rústico rollo de película se reproduce solo en la privacidad de tu corazón. Ese comportamiento íntimo y la universalidad emocional que han sustentado durante mucho tiempo la nostalgia están aquí, pero, en términos temporales, las imágenes fijas de viejos postes de enganche y vías de tren han pasado a un segundo plano frente al idealismo de las semillas de diente de león flotantes y los grandes cielos azules, lo que hace que "Evening Machines" sea menos un ejercicio de nostalgia y más existencialista. Esto crea un paisaje sonoro expansivo y profundamente personal.

"Evening Machines" no es fácil, exige tu atención, serás recompensado con repetidas escuchas con nuevas capas de significado reveladas cada vez. Es un álbum sobre la búsqueda de la luz en las horas más oscuras, sobre encontrar consuelo en los momentos de tranquilidad y, en última instancia, sobre el poder perdurable del espíritu humano. Gregory Alan Isakov nos ofrece en este trabajo un refugio, un espacio para la contemplación y la reflexión tranquila.

Disco recomendado

 
Si bien muchos álbumes de indie folk americana te dan una sensación de pérdida y, tal vez, de falta de esperanza, este te cura. Tiene temas de recuperación y agradecimiento. Todo esto, junto con el enfoque nuevo y diferente, lo convierte en un muy buen álbum. Si eres fan del indie folk o de buena música ejecutada y cuidada, buscarlo y escuchar. Creo que puede ser un descubrimiento para los melómanos en busca de algo sorprendente.

Video del tema "Where You Gonna Go":

Tracklist: 

1. Berth 4:53
2. San Luis 4:32
3. Southern Star 2:19
4. Powder 3:12
5. Bullet Holes 3:29
6. Was I Just Another One 2:57
7. Caves 4:49
8. Chemicals 3:19
9. Dark, Dark, Dark 2:59
10.Too Far Away 3:24
11.Where You Gonna Go 4:01
12.Wings in All Black 3:43

ELTON JOHN - Goodbye Yellow Brick Road - Album

Si menciono el nombre ELTON JOHN, muchos piensan en un músico que suena en la radio para adultos nostálgicos y "viejos" que les gusta el pop suave. Esta visión es una prevalente entre los melómanos más jóvenes que quizás no saben que el pianista y cantante lleva en activo desde 1962.

Elton John tiene muchas identidades artísticas y ha interpretado muchos estilos de música. Personalmente soy fan del Elton John de sus comienzos y especialmente de los años 70 (siglo xx). Después no me interesó y dejé de seguirle.

Si el músico se ha mantenido tanto tiempo en activo es porque es un maestro en adaptarse a los cambios de estilo musicales e ir creciendo con su audiencia. Su extensa discografía tiene absolutamente de todo, desde lo sublime hasta autentica basura, poca pero la hay. Sobrevivir tanto tiempo es en sí admirable y de respetar. Es un gigante de la música y esto no se puede negar.

Quiero recomendar en este blog de música uno de sus mejores (sino mejor) discos grabado en su mejor momento como músico. La obra es el doble LP titulado "Goodbye Yellow Brick Road", un trabajo extraordinario que sigue siendo relevante y que mejor define el artista rompedor, estrambótico e innovador, para mi gusto.

 

ALBUM: Goodbye Yellow Brick Road

 
Este es el séptimo disco de estudio del cantante, pianista y compositor inglés Elton John, publicado por primera vez el 5 de octubre de 1973 como un doble LP. Entre las 17 canciones, el álbum contiene los éxitos "Candle in the Wind" (si, antes de Lady Di), el sencillo número uno en Estados Unidos "Bennie and the Jets", "Goodbye Yellow Brick Road" y "Saturday Night's Alright for Fighting".

El álbum fue un gran éxito comercial, alcanzando el número uno en el Billboard 200 y desde entonces ha vendido más de 20 millones de copias en todo el mundo y es ampliamente considerado como la obra maestra de Elton John.

Es un disco que tiene algo para todos. La icónica portada de Elton escapando de la realidad de la clase trabajadora inglesa y su envoltorio por sí solos merecen una mención. Creativa y conceptualmente, este es Elton en su mejor momento. De hecho, Elton John admite abiertamente que "Goodbye Yellow Brick Road" fue escrita y grabada durante el período más candente de su carrera como artista.

Por lo tanto, fue diseñado para ser un éxito absoluto y lo fue, una declaración de intenciones que se extendió a lo largo de dos plásticos para mostrar cada elemento de la personalidad brillante de John.

El doble LP comienza con el melodramático tema de estilo progresivo de 11 minutos "Funeral for a Friend-Love Lies Bleeding" y abraza inmediatamente el exceso pero también la melodía, ya que John cambia inmediatamente a "Candle in the Wind" y después al éxito "Bennie & the Jets", dos canciones que forman el núcleo de su canon y explican en gran medida el atractivo de "Goodbye Yellow Brick Road". Este disco anunció la madurez de Elton John, el artista, el profesional que sabe cómo satisfacer a cada segmento de su audiencia, y este afán por complacer significa que el disco también es entretenidamente abrumador.

Si tomamos las canciones por separado, es asombroso, ya que ofrece canciones pop tan perfectamente esculpidas como "Grey Seal", rockeras como "Saturday Night's Alright for Fighting" y "Your Sister Can't Twist (But She Can Rock & Roll)", junto con baladas cinematográficas como "I've Seen That Movie Too", "The Ballad of Danny Bailey (1909-34)" y novedades estilo glam como "Jamaica Jerk-Off". Este doble LP tiene todo lo que John Elton hizo antes y sugiere cómo se moverá en el futuro. 

Por lo tanto, "Goodbye Yellow Brick Road" se puede resumir como animado, rockero, diverso, sincero y brillante en todos los aspectos. Muestra al legendario pianista de rock tomando todo lo que funcionó en sus álbumes anteriores y ampliándolo, lo que lo convierte en uno de los mejores álbumes de rock de principios de los 70. Este logro se debe a la excelente composición, la abundancia de variedad, la brillante estructura, un conjunto de magníficas canciones que son todas efectivas; el material es divertido y conmovedor cuando quiere serlo, y también sumamente agudo. Es un testimonio del poder de Elton John en los años 70 como estrella y músico.

 

Disco recomendado

 
Tal vez, la mayoría estará de acuerdo, es el mejor álbum de Elton John y uno de los grandes LP dobles. La musicalidad y la variedad de estilos son asombrosas. Es la culminación de Elton John, su inseparable letrista Bernie Tuapin y su banda.

Si eres un lector joven y no estás familiarizado con el Elton John temprano (para mí, su mejor período), este disco es para buscar y escuchar. No tiene que ver nada con el "personaje" que es hoy Elton John, obviamente con muchos más años, menos facultades y haciendo música ahora más en acorde con su realidad. 

Video del tema "Bennie and the Jets":

Tracklist - canciones* (formato LP original):

*Toda la música está compuesta por Elton John; todas las letras están escritas por Bernie Taupin

Disc 1

Cara A:

1.         "Funeral for a Friend/Love Lies Bleeding"   11:09
2.         "Candle in the Wind" 3:50
3.         "Bennie and the Jets" 5:23

Cara B:

1.         "Goodbye Yellow Brick Road"         3:13
2.         "This Song Has No Title"       2:23
3.         "Grey Seal"     4:00
4.         "Jamaica Jerk-Off"     3:39
5.         "I've Seen That Movie Too"   5:59

Disc 2

Cara A:

1.         "Sweet Painted Lady"           3:54
2.         "The Ballad of Danny Bailey (1909–34)"     4:23
3.         "Dirty Little Girl"       5:00
4.         "All the Girls Love Alice"      5:09 

Cara B:

1.         "Your Sister Can't Twist (but She Can Rock 'n Roll)"         2:42
2.         "Saturday Night's Alright for Fighting"        4:57
3.         "Roy Rogers"  4:07
4.         "Social Disease"         3:42
5.         "Harmony"      2:46

Ficha:

• Elton John – voz, piano acústico (1–6, 8–10, 12–17), Fender Rhodes (5, 6), órgano Farfisa (3, 5, 7, 13), mellotrón (5, 6, 11)
• David Hentschel – sintetizador ARP (1, 12)
• Davey Johnstone – guitarra acústica, guitarra eléctrica, guitarra Leslie, guitarra slide, guitarra de acero, banjo, coros (1, 2, 4, 10, 13, 17)
• Dee Murray – bajo, coros (1, 2, 4, 10, 13, 17)
• Nigel Olsson – batería, congas, pandereta, coros (1, 2, 4, 10, 13, 17), efectos de coche (12)
• Ray Cooper – pandereta (12)
• Del Newman – arreglos orquestales (4, 8–10, 15, 17)
• David Katz – contratista de orquesta (4, 8–10, 15, 17)
• Leroy Gómez – solo de saxofón (16)
• Kiki Dee – coros (12)

Sin acreditar – Interjecciones vocales en "Jamaica Jerk-Off" (acreditado a Prince Rhino, Reggae Dwight y Toots Taupin, posiblemente un seudónimo de Elton John y Bernie Taupin, aunque esto es incierto), caja de ritmos, maracas, timbales, claves en "Jamaica Jerk-Off", castañuelas en "Funeral for a Friend", maraca en "I've Seen That Movie Too", pandereta en "Social Disease", acordeón, vibráfono en "Sweet Painted Lady"

• Producción:

Gus Dudgeon – productor.

COLDPLAY - A Rush of Blood to the Head - Album

Tengo una relación de amor y desagrado con la banda británica "Coldplay".  Aparte de haber sido su representante discográfico en España, lo que me permitió adquirir un vínculo personal, me quedé impresionado por el que es mi disco favorito de la banda el debut "Parachutes". También trabajé en el siguiente "A Rush of Blood to the Head", que los vio evolucionar con mayor confianza y una composición excelente. Otro gran disco, que iba a ser, según mis criterios, su último gran álbum.

El tercer álbum "X & Y" adoptó también un sonido más impulsado por la guitarra, pero también mostró un cambio de paradigma en la dirección musical de la banda. "Coldplay" se lanzó de cabeza al mundo del pop chicle y al estrellato comercial despojándose de todos los elementos alternativos e indie. Ganaron el cielo y llenaron estadios, pero se convirtieron en una banda de música pop para las masas y "hippies". Personalmente los dejé atrás después de "A Rush of Blood to the Head", y comenzó a desagradar realmente el material que grabaron desde entonces (con excepción de algunas canciones de "X & Y").

Precisamente con "A Rush of Blood to the Head" quiero recomendar a los lectores de este blog de música. Quizá haya algunos fans que se subieron al tren de Coldplay durante su reencarnación pop y les interese volver atrás en el tiempo hacia los inicios de la banda.

 

ALBUM: A Rush of Blood to the Head

 
Es el segundo álbum de estudio de la banda de rock británica Coldplay. Fue publicado el 26 de agosto de 2002. El álbum fue producido por la banda y Ken Nelson (trabajó con Badly Drawn Boy, The Charlatans, Kings of Convenience, etc.) y hace un mayor uso de la guitarra eléctrica y el piano que el álbum debut de la banda, "Parachutes" (2000). La portada del álbum A Rush of Blood to the Head" fue diseñada por el fotógrafo Sølve Sundsbø.

Este trabajo se produjo a raíz del gran éxito comercial del LP "Parachutes". La Industria Fonográfica Británica (BPI) certificó el álbum 10 veces Platino por sus ventas acumuladas de más de 3 millones de unidades en el Reino Unido, mientras que se han vendido más de 17 millones de copias en todo el mundo. "A Rush of Blood to the Head" ha sido aclamado y la banda recibió tres premios Grammy por el álbum; el Grammy 2003 al Mejor Álbum Alternativo, Grammy 2003 a la Mejor Interpretación de Rock con la canción "In My Place" y el Grammy 2004 al Disco del Año con la canción "Clocks".

En mi opinión, este es su último gran disco, es decir, un trabajo que aún contiene sus orígenes. Decidieron evolucionar hacia otra banda: más pop, trivial (es mi opinión) y más parecida a U2 para conquistar los estadios.

En este disco "Coldplay" se posiciona en un espacio en el que realmente puede destacarse del resto. Canciones como "Politik" y la canción principal introducen elementos frescos en el repertorio, expandiendo su paleta emocional y demostrando que la banda puede hacer rock. Este sonido de Coldplay, destacó una confianza desarrollada, una voz fuerte e imaginación para diferenciarse de contemporáneos como "Travis", "Keane" y "Elbow" que también están triunfando en ese momento.

El sonido agresivo del tema "God Put a Smile upon Your Face" es un ejemplo típico del sonido característico de la época, ya que combina el groove de Champion y Berryman con el estilo de Buckland, un estilo que continuarán en el siguiente álbum, "X&Y". Junto con "Daylight" y "A Whisper", la canción ayuda a establecer a Coldplay como un grupo de rock de arena (estadios), sacándolos de los clubes indie y llevándolos al gran escenario. "Coldplay" también ofrece tres de sus canciones más duraderas: la brillante "In My Place", la balada "The Scientist" y una gran favorita de los fans, impulsada por el piano, "Clocks".

Por lo tanto, en términos de musicalidad, "A Rush of Blood To The Head" es una versión más fuerte y mejorada del debut "Parachute". Al mismo tiempo, la mayor parte de la composición proporcionada por Chris Martin lleva al oyente a un viaje que cambia el estado de ánimo desde letras más oscuras a otras optimistas y esperanzadoras. Como se mencionó, los chicos estaban afinando sus habilidades y sentando las bases para conquistar el mundo del pop en los próximos años. 

Para mi, este álbum fue el que permitió a Coldplay cruzar el "Rubicón" para desafiar a los grandes del rock de estadios. Y aunque el premio fue más popularidad, más ventas de discos y más conciertos masivos, el precio a pagar fue sumergirse en el magma de la música pop que borró sus inicios y su sonido raíz. La absorción del sonido pop también con una filosofía neo hippy (feel good and always happy) conquistó a las masas, pero en mi caso me hizo abandonar "Coldplay" por completo. Este es el último gran disco de Coldplay antes de desaparecer en la "oscuridad" (o "luz") de la música pop trivial y chicle.

 

Disco recomendado

 
Este es un excelente y tremendo álbum que siguió mi disco favorito de la banda, el gran debut "Parachutes", con más madurez, mejor musicalidad, más confianza y un conjunto de canciones de rock de alta calidad sin apuntar estratégicamente a la difusión comercial y el éxito como sería más evidente en los siguientes álbumes. Hay algo más de oscuridad, melodía y un lugar para temas más largos con un montón de emociones en la producción de piano-guitarra-voz. La sola presencia de su maravillosa canción "Clocks" es suficiente para captar tu interés, agrega esto a "Politik", "In My Place", "God Put a Smile upon Your Face", "The Scientist" y "Amsterdam" y tienes un álbum realmente bueno y sólido. El último gran disco de "Coldplay".

Video de tema "A Rush of Blood to the Head":

Tracklist - (canciones):

1.         "Politik"          5:18
2.         "In My Place" 3:48
3.         "God Put a Smile upon Your Face"   4:57
4.         "The Scientist"            5:09
5.         "Clocks"          5:07
6.         "Daylight"       5:27
7.         "Green Eyes"  3:43
8.         "Warning Sign"          5:31
9.         "A Whisper"   4:02
10.       "A Rush of Blood to the Head"        5:51
11.       "Amsterdam"  5:19

Banda:

• Chris Martin – voz principal, piano, guitarra acústica, guitarra rítmica (pistas 8-9)
• Jonny Buckland – guitarra eléctrica principal, coros (pistas 1 y 6), guitarra acústica (pista 4), guitarra slide de doce cuerdas (pista 6)
• Guy Berryman – bajo
• Will Champion – batería, percusión, coros

Técnico

• Coldplay – productor, arreglista de cuerdas, mix, dirección artística
• Ken Nelson – productor, ingeniero de sonido.

THEY MIGHT BE GIANTS - Lincoln - Album

Quiero presentar a los lectores de este blog de música una gran banda, el duo THEY MIGHT BE GIANTS y uno de sus mejores álbumes titulado "Lincoln".

 

¿Quiénes son la banda "They Might Be Giants"?

 
They Might Be Giants, "TMBG", es una banda estadounidense de rock alternativo formada en 1982 por John Flansburgh y John Linnell.

El dúo es conocido por su estilo único de música alternativa, que generalmente utiliza letras surrealistas y humorísticas, estilos experimentales e instrumentos poco convencionales.

"TMBG" ha editado 23 álbumes de estudio hasta la fecha. Es con su segundo trabajo "Lincoln" que quiero recomendar.

ALBUM: Lincoln

 
Este es el segundo disco de estudio de la banda "They Might Be Giants" publicado 1998. El álbum lleva el nombre de la ciudad natal de John Linnell y John Flansburgh, Lincoln, Massachusetts. Irradiando personalidad y lleno de conceptos e ideas innovadoras, encontrarás muchas canciones pegadizas, y todas son completamente diferentes entre sí.

"Lincoln" encuentra al dúo accediendo a una fuente de inspiración desconocida con grandes resultados. Muy divertido, inteligente, extraño y creativo. Este LP también elimina algunos de los aspectos de art rock de su debut, "They Might Be Giants" (1986), creando una colección ecléctica de pop alternativo. En general, "Lincoln" muestra una mayor ambición musical, especialmente porque el dúo ha recortado muchos de los excesos más extraños del debut. Su talento para los irresistibles estribillos pop se hace aún más evidente, como en las canciones "Ana Ng", "Purple Toupee", "The World's Address", "Santa's Beard", "They'll Need a Crane" y el estilo lounge jazz de "Kiss Me, Son of God", canciones que se destacan entre las 18.

En general, el álbum muestra lo versátil que puede sonar el power pop y el rock alternativo cuando se utiliza una caja de ritmos, pero lo más destacado es la composición. Las canciones son increíblemente melódicas y pegadizas y se te quedarán en la cabeza, y las letras son excepcionales en casi todas, siempre extravagantes y divertidas, pero logran el equilibrio entre lo rediculo y lo emocional.

Con este resultado de genios, "Lincoln" ayudó a consolidar el lugar de "They Might Be Giants" en la escena musical alternativa de finales de los 80. El éxito del álbum allanó el camino para sus lanzamientos posteriores y contribuyó a su duradera popularidad. La influencia de "TMBG" se puede ver en el trabajo de muchas bandas alternativas e indie posteriores.

Disco recomendado

 
Su mezcla de humor, inteligente y diversidad musical sigue resonando entre los oyentes, lo que la convierte en una pieza aún relevante en el canon de la música alternativa. Puede que no sea del gusto de todos, de hecho me llevó varias escuchas, pero si logras conectar con su enfoque musical único, sin duda lo disfrutarás y, en el proceso, descubrirás un grupo interesante.

Video del tema "Ana Ng":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Ana Ng"        3:23
2.         "Cowtown"     2:21
3.         "Lie Still, Little Bottle"          2:06
4.         "Purple Toupee"         2:40
5.         "Cage & Aquarium"   1:10
6.         "Where Your Eyes Don't Go"           3:06
7.         "Piece of Dirt"            2:00
8.         "Mr. Me"         1:52
9.         "Pencil Rain"  2:42

Cara B: 

10.       "The World's Address"          2:24
11.       "I've Got a Match"     2:36
12.       "Santa's Beard"          1:55
13.       "You'll Miss Me"        1:53
14.       "They'll Need a Crane"          2:33
15.       "Shoehorn with Teeth"           1:13
16.       "Stand on Your Own Head"  1:16
17.       "Snowball in Hell"      2:31
18.       "Kiss Me, Son of God"          1:54

They Might Be Giants (Banda):

• John Flansburgh – voz principal (2, 3, 5, 7, 10, 12, 13, 15, 17), guitarra eléctrica (1, 2, 4–6, 8–12, 14, 16), trompeta (3, 13), coros (4, 5, 7, 8, 13, 14, 18), guitarra acústica (6, 7, 9, 14, 17), melódica (17)
• John Linnell – voz principal (1, 2, 4, 6, 8, 9, 11, 14–16, 18), coros (1, 5, 9, 10, 11, 12, 16, 17), acordeón (1, 4, 7, 8, 11, 15–17), autoarpa (1, 9), Clarinete (2), teclados (2, 6, 9–14, 16–18), saxofón barítono (3, 15), saxofón bajo (5, 10, 13), armónica baja (7), saxofón tenor (15), banjo (16)

Músicos adicionales:

• Lisa Klapp – monólogo de puente (1)
• Kenneth Nolan – batería (3)
• The Ordinaires – arreglo (18)

OTIS SPANN - Otis Spann Is The Blues - Album

Dedico un post para los aficionados a la música blues y lectores de este blog de música. 

Quizás nadie haya tocado mejor el piano blues de posguerra que Otis Spann. Tocó con Muddy Waters y muchos más y definió el sonido del piano blues. Soy un gran fan de su disco "Walking in the Blues", que recomiendo, pero voy a recomendarte otro LP de gran interpretación que marca la pauta con la que se miden a otros pianistas de blues.

Hago referencia a su primer disco en solitario, "Otis Spann Is the Blues". Pocas veces el título del disco ha sido tan acertado.

 

ALBUM: Otis Spann Is the Blues

 

Este es el primer álbum en solitario del pianista y vocalista de blues Otis Spann, grabado en Nueva York en 1960 y publicado en agosto del mismo año.

Otis Spann ocupó la silla del piano en la banda de Muddy Waters durante más de 15 años, tocando en la mayoría de sus grabaciones de Chess entre 1953 y 1969. El sello le permitió grabar material fuera de "Chess" y después de pasar años buscando un contrato, firmó un contrato único con "Candid" y grabó este debut en solitario.

Este trabajo aparece en un momento crucial en la carrera de Spann, recién salido de su paso por la banda de Muddy Waters, capta la energía cruda y la profundidad emocional que definieron su estilo. La interpretación de piano de Spann es el corazón y el alma del disco. Combina una destreza extraordinaria con un profundo conocimiento del idioma del blues. Su mano izquierda establece una base rítmica de rock, mientras que su derecha baila sobre las teclas, creando riffs de blues y melodías sin esfuerzo.

Grabado en un solo día, este álbum cuenta con solo dos músicos, Spann al piano y Robert Lockwood, Jr. a la guitarra eléctrica. Cada uno canta la voz principal en sus propias composiciones. Comienza con "The Hard Way" de Spann, un manifiesto personal ambientado en un blues lento. La deslumbrante habilidad de Otis Spann al piano se revela en "Take a Little Walk with Me" de Lockwood, un shuffle de 12 compases a medio tiempo que le ofrece a Spann espacio para acompañar, rellenar, acentuar, tocar solos y elevar el arreglo. "Otis in the Dark" y "Great Northern Stomp" son instrumentales solistas en los que puede mostrar sus habilidades de boogie woogie. "Beat Up Team" es un blues de Chicago que se acerca al Delta y Nueva Orleans a medida que se desarrolla. "My Daily Wish" de Lockwood muestra a los dos músicos intercambiando líneas instrumentales. La interpretación del guitarrista de "I've Got Ramblin' on My Mind" de Robert Johnson es interpretada con desenfreno por ambos músicos. El cierre del pianista, "Worried Life Blues", es la mejor interpretación a dúo de este LP. Lockwood añade acentos mordaces y breves solos al ritmo palpitante de Spann en el registro medio.

Video del tema "I Got Rambling on My Mind": 

"Otis Spann Is the Blues" no tuvo mucho éxito en los EE. UU., pero a los fans del blues británicos les encantó el disco después de ver y escuchar a Spann tocar con Waters en gira. Entre los influenciados se encuentran los guitarristas Jeremy Spencer y Peter Green (poco después se unió a Fleetwood Mac).

Los críticos y los fans han elogiado este álbum por su autenticidad y la forma en que encapsula la esencia del blues. La capacidad de Spann para transmitir emociones a través de su música ha sido destacada como una de las mayores fortalezas del álbum. Este disco se recomienda tanto a los entusiastas del blues de toda la vida como a los recién llegados al género, ya que ofrece una experiencia tradicional y pura del blues.

Disco recomendado

 
"Otis Spann is The Blues" no es sólo un gran álbum de blues; es una experiencia auditiva imprescindible para cualquiera que quiera comprender la verdadera esencia del género. Es una obra maestra atemporal que captura el corazón y el alma de una de las figuras más influyentes del blues.

Mientras escuchas esta recomendación, busca y descubre también otro de sus grandes discos "Walking in the Blues".

Video del tema "Worried Life Blues":

Tracklist (formato LP original):

1."The Hard Way" − 5:02
2."Take a Little Walk with Me" (Robert Lockwood Jr.) − 3:25
3."Otis in the Dark" − 4:32
4."Little Boy Blue" (Lockwood) − 3:38
5."Country Boy" − 4:24
6."Beat-Up Team" − 5:59
7."My Daily Wish" (Lockwood) − 4:26
8."Great Northern Stomp" − 4:15
9."I Got Rumbling On My Mind #2" (Johnson/Lockwood) − 4:02
10."Worried Life Blues" − 4:20

TANGERINE DREAM - Phaedra - Album

El grupo alemán de música electrónica "Tangerine Dream" son leyendas del género, siendo quizás los pioneros del subgénero "música ambient". Tienen una larga y extensa discografía que muestra a la perfección su evolución y cómo han ido ampliando los límites -y adaptándose- a la historia de la música electrónica. 

Para mí hay tres LP que son excepcionales; Zeit (1972), Rubycon (1975) y su obra maestra Phaedra (1974), este último trabajo es el álbum que quiero destacar y recomendar a los lectores de este blog de música.
 

ALBUM: Phaedra

 
Este es el quinto disco de estudio del grupo alemán de música electrónica "Tangerine Dream". Fue grabado durante noviembre de 1973 y publicado el 20 de febrero de 1974. Este es el primer álbum de "Tangerine Dream" que presenta su ahora clásico sonido impulsado por secuenciadores, que influyó enormemente en el género de la "Escuela de Berlín".

El título del álbum hace referencia a "Phaedra" (una princesa cretense) de la mitología griega. Este disco marcó el comienzo del éxito internacional del grupo y fue su primer álbum editado con el sello "Virgin". El diseño de la funda y el arte de la portada del disco son de Edgar Froese.

Salvo los trabajos pioneros de Brian Eno, "Phaedra" de Tangerine Dream es uno de los trabajos más importantes, artísticos y emocionantes de la historia de la música electrónica. Un resumen brillante de la dirección vanguardista inicial de la banda equilibrada con la tecnología del sintetizador-secuenciador que comienza a ganar terreno en el momento histórico del lanzamiento.

Lo que menciono se escucha mejor en la canción principal de 15 minutos (cara A). Con el foco puesto en el trance arpegiado que entra y sale de la mezcla, la canción avanza a través de varios pasajes que incluyen algunas líneas melódicas de teclado y una variedad de efectos Moog y Mellotron y sirenas ventosas.

Las canciones suenan como obras clásicas cuidadosamente compuestas más que como ruido desenfrenado. Si bien la canción principal es el punto de referencia, hay otras tres canciones excelentes en "Phaedra": "Mysterious Semblance at the Strand of Nightmares" "Sequent C'" y "Movements of a Visionary", una pieza experimental, que utiliza voces tratadas y susurros para impulsar sus arpegios hipnóticos.

Musicalmente, "Phaedra" es a la vez una mezcla futurista de ingeniería alemana y elementos orgánicos abstractos atemporales, un equilibrio perfecto entre estructura y caos. Este disco se aprecia mejor en su conjunto, es decir, una experiencia de escucha completa y sin interrupciones. Su comienzo onírico, con secuencias electrónicas, conduce a un trance inducido, que a veces casi nos lleva a un paisaje mental desconocido. Su influencia en generaciones posteriores de músicos electrónicos es abrumadora y no se puede exagerar.

Disco recomendado

Esta es una grabación por excelencia de "Tangerine Dream". Es música espacial psicodélica, épica, emocional, cerebral, futurista y alucinante. Recomendable.

Y termino. Antes de que la música ambiental fuera un término común, existía la "Escuela de Música Electrónica de Berlín". Una fusión que desciende de los estilos de electrónica progresiva y krautrock, este subgénero se centra en sintetizadores rítmicos guiados por teclados que revolotean a lo largo de melodías rápidas y repetitivas para simular panoramas galácticos en la mente. "Tangerine Dream" es pionero en este sonido el año en que se editó "Phaedra", y hasta el día de hoy este álbum sigue siendo una de las piedras angulares de la música ambient.

Video del tema "Phaedra":

Tracklist (formato LP original):

 Side A: 

1.         "Phaedra"                   17:39

Side B:

1.         "Mysterious Semblance at the Strand of Nightmares"                     9:55
2.         "Movements of a Visionary"             7:56
3.         "Sequent C'"               2:13 

Musicians:

•  Edgar Froese – mellotron, guitarra, bajo, sintetizador VCS 3, órgano
• Christopher Franke – sintetizador moog, sintetizador VCS 3
• Peter Baumann – órgano, piano eléctrico, sintetizador VCS 3, grabadora

Técnica:

• Edgar Froese – productor y portada del disco
• Phil Becque – ingeniero de sonido.

BIG BLACK - Songs About Fucking - Album

El influyente productor musical y músico de punk hardcore Steve Albini falleció el 7 de mayo de 2024. Fundó y lideró importantes bandas de post-hardcore y noise rock como "Big Black" (1981-1987), "Rapeman" (1987-1989) y "Shellac" (1992-2024), y fue el productor de discos aclamados como Surfer Rosa (1988) de Pixies, Rid of Me de PJ Harvey e In Utero (ambos de 1993) de Nirvana.

Era rebelde, transgresor e innovador en todo lo que hacía y tocaba. Uno de sus primeros trabajos como músico ejemplifica esta actitud, el disco de 1987 "Songs About F*cking" con BIG BLACK. Un clásico del punk hardcore que capturó el espíritu y la filosofía del género y del propio Albini.

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música el LP mencionado anteriormente.

ALBUM: Songs About F*cking

 
Este es el segundo y último álbum de estudio de la banda de punk rock "Big Black", publicado en 1987 (reeditado en 2018). El álbum es famoso por una versión de "The Model" de Kraftwerk.

La banda ya había decidido separarse antes de que se grabara el álbum, impulsada por la decisión del guitarrista Santiago Durango de inscribirse en la facultad de derecho y el deseo de la banda de dejarlo en lo que sentían que era un pico creativo.

La icónica portada del álbum presenta un diseño simple y austero con el nombre de la banda y el título del álbum de manera destacada, lo que, combinado con el título, puede verse como una declaración audaz que refleja el estilo y los temas confrontativos de la banda. La controversia se deriva principalmente del título más que de las imágenes, ya que desafía las normas y expectativas sociales con respecto al lenguaje y la temática en la música.

Este disco se caracteriza por su sonido agresivo, impulsado por el trabajo de guitarra de Steve Albini y el uso de una caja de ritmos, que agrega un ritmo mecánico e implacable. El sonido es áspero y sin pulir, lo que también refleja las raíces punk de la banda y su compromiso con una ética DIY. Temáticamente, el álbum aborda temas controvertidos y provocadores con un enfoque de confrontación, como sugiere su título. Las letras a menudo exploran temas de poder, violencia y decadencia social, entregados con un sentido de ironía y humor negro.

Dicho de manera más coloquial, "Songs About F*cking" toma una ruta sonoramente destructiva directa con una determinación brutal inspirada en el punk. Este último LP de "Big Black" tiene 14 canciones que pasan rápidamente y solo una supera la marca de los tres minutos, pero todas son incisivas. "Songs About F*cking" provocó una agudización definitiva del sonido de la banda. Los gritos del recientemente fallecido Steve Albini están en su punto más bilioso, sus guitarras y las de Santiago Durango no serpentean, y la sección rítmica de Dave Riley y "Roland" es más tensa que en cualquier momento anterior. Personajes feos se alinean en las canciones, el más significativo es el asesino de "Fish Fry"; además, hay una versión reverente de "The Model" de Kraftwerk. Otros temas destacados incluyen "Bad Penny", a menudo citada como una de las mejores canciones de la banda, que combina un riff pegadizo con las letras mordaces de Steve Albini, junto con "Colombian Necktie", que se adentra en imágenes violentas y la canción de apertura "The Power of Independent Trucking" con su ritmo enérgico y su trabajo de guitarra abrasivo que ejemplifica el sonido característico de "Big Black".

"Songs About F*cking" de Big Black sigue siendo una de las favoritas de los fans de la música post-hardcore y punk. La postura sin complejos del álbum y la experimentación sonora continúan resonando entre los oyentes que buscan autenticidad e intensidad en la música.

En resumen, este LP es post hardcore abrasivo en su máxima expresión. Sin concesiones. Es simple, contundente, siniestro y brillante. Letras retorcidas cantadas como un loco o alguien que está sufriendo un ataque de nervios.

Disco recomendado

 
Un álbum lleno de energía, ruidoso e increíble. Imprescindible para los fans del punk y el hardcore y de los amantes de la música que buscan algo diferente y fuera de lo común.

Video del tema "The Model":

Tracklist (formato LP original):

Cara A: Happy Otter

1.         "The Power of Independent Trucking"                    1:27
2.         "The Model"   Karl Bartos, Ralf Hütter, Emil Schult           2:34
3.         "Bad Penny"              2:33
4.         "L Dopa"                   1:40
5.         "Precious Thing"                    2:20
6.         "Colombian Necktie"            2:14

Cara B: Sad Otter

7.         "Kitty Empire"           4:01
8.         "Ergot"            2:27
9.         "Kasimir S. Pulaski Day"       2:28
10.       "Fish Fry"       2:06
11.       "Pavement Saw"         2:12
12.       "Tiny, King of the Jews"        2:31
13.       "Bombastic Intro"      0:35

Banda:

• Steve Albini – guitarra, voz
• Dave Riley – bajo
• Santiago Durango (acreditado como Melvin Belli) – guitarra
• "Roland" (una caja de ritmos E-mu Drumulator) – batería
  
  
• John Loder – ingeniero de grabación (solo en el lado de "Happy Otter")

KITCHENS OF DISTINCTION - The Death of Cool - Album

Aquí te propongo una banda que merece más atención y reconocimiento. El grupo británico KITCHENS OF DISTINCTION se vio eclipsado por los gustos musicales cambiantes y fueron marginado por cantar sobre temas sociales que todavía eran "tabú" a principios de los 90 (siglo xx).

De cualquier manera, lanzaron algunos discos geniales, siendo su debut "Love is Hell" mi favorito. Sin embargo, para esta publicación quiero destacar y recomendar su tercer álbum "The Death of Cool", una joya perdida de jangle y dream pop lleno de contenido lírico profundo.

 

¿Quién era la banda "Kitchens of Distinction (KoD)"?

 
Una formación de rock inglesa formada en Tooting, al sur de Londres en 1986. El trío estaba formado por el cantante y bajista Patrick Fitzgerald, el guitarrista Julian Swales y el baterista Daniel Goodwin.

La banda fue considerada parte del subgénero shoegaze y editó cuatro álbumes de estudio antes de disolverse en 1996. En 2013, la banda se reunió y editó un quinto álbum.

"Kitchens of Distinction" no alcanzó el éxito comercial ni la aclamación generalizada de sus contemporáneos de "shoegaze", ya que Fitzgerald era abiertamente gay y tocaba el tema a menudo en sus letras. La prensa encasilló así la imagen de la banda como resultado de su sexualidad, al mismo tiempo que Fitzgerald expresó su disgusto porque "Kitchens of Distinction" fuera etiquetada como una "banda gay".

Dejando de lado estos temas y centrándonos en la música, el LP "The Death of Cool" se considera su mejor trabajo.

 

ALBUM: The Death of Cool

 
Este es el tercer disco de estudio de la banda británica de rock alternativo "Kitchens of Distinction", publicado el 3 de agosto de 1992 y producido por Hugh Jones. Considerado por la mayoría de los fans como su mejor trabajo, el álbum fue ignorado en gran medida por el público en general en medio del auge del grunge rock y el rap en 1992.

También es posible que la gente no entendiera el álbum, tal vez demasiado oscuro y sombrío en el apogeo del movimiento "Madchester" y E. Las canciones con un toque gay, etc., fueron quizás un poco desafiantes para su época.

Sin embargo, con el paso de los años, muchos lo han redescubierto y es un gran álbum de dream pop. La visión musical de "KoD", resaltada por las dramáticas atmósferas de guitarra de Julian Swales, cristaliza con excelentes resultados. Los paisajes sonoros exuberantes e imaginativos están empapados de anhelo romántico, tristeza y esperanza. La crudeza de las emociones de las canciones se combina con su belleza sonora para crear momentos de verdadera emoción.

De este modo, "The Death of Cool" combina una ternura que da como resultado una hora de música multifacética y profundamente sentida que fácilmente es igual a obras maestras similares del género como "Script of the Bridge" de Chameleons y "Heads and Hearts" de The Sound. Numerosas canciones poderosas y punzantes aparecen a lo largo del álbum; "Breathing Fear", una canción emocionalmente desgastada contra la violencia homofóbica, destaca, al igual que la resonante "Smiling", otro estudio de carácter de la pluma de Fitzgerald. Pero son con las canciones largas las que permiten a la banda extenderse hacia territorio inexplorado; todas siguen el mismo patrón general de comenzar tranquilamente y construir obras de guitarra/ritmo reverberadas, aunque cada una tiene su propio toque particular. El tema "On Tooting Broadway Station" refleja una relación que se ha roto, mientras que "Gone World Gone" y "Mad as Snow" cubren escenas nocturnas de diferente impacto emocional, y "Blue Pedal" se entrega a la reflexión filosófica. Cada canción permite a Julian Swales crear magníficos paisajes sonoros de guitarra, mientras que la sección rítmica mantiene las canciones en movimiento a lo largo de todo el disco.

Como se ha mencionado, la banda es sólida y la musicalidad es extraordinaria. La guitarra de Julian Swales es un elemento destacado, que proporciona atmósfera y melodía. Dan Goodwin es sólido detrás de la batería, y el tono de bajo vibrante de Fitzgerald es más profundo, rítmico, palpitante y sutil pero dirige perfectamente el movimiento de cada canción.

En resumen, "The Death Of Cool" es, ante todo, un gran álbum. Ya sea por el glorioso y rico jangle o por los dramáticos ritmos lentos. "Kitchens Of Distinction" fue sin duda una fuerza a tener en cuenta, pero que el destino decidió ignorar en gran medida.

Disco recomendado

 
"The Death of Cool" es una joya y obra maestra del indie rock, el dream pop y el post-punk. Perdida por completo desafortunadamente en 1992, "Death of Cool" pide a gritos ser escuchada por un público más amplio.

Video del tema "Smiling":

Tracklist (canciones):

1.         "What Happens Now?"          4:33
2.         "4 Men"          4:11
3.         "On Tooting Broadway Station"       5:04
4.         "Breathing Fear"         3:43
5.         "Gone World Gone"   7:59
6.         "When in Heaven"      5:14
7.         "Mad as Snow"          7:21
8.         "Smiling"        3:22
9.         "Blue Pedal"   7:35
10.       "Can't Trust the Waves" (lead vocal by Julian Swales)        3:25

Kitchens of Distinction:

• Patrick Fitzgerald – voz, bajo
• Julian Swales – guitarra, voz
• Dan Goodwin – batería, percusión

con:

• Katie Meehan – voz en "4 Men"
• Caroline Lavelle – violonchelo en "Breathing Fear"
• Tim Sanders – saxofón soprano en "Can't Trust the Waves"

FINE YOUNG CANNIBALS - The Raw & The Cooked - Album

En 1989, al comienzo de una nueva década, el trío británico "Fine Young Cannibals" lanzó su segundo álbum, "The Raw & The Cooked", un título que resume su inherente dualidad. No se trataba sólo de una colección de canciones, sino de una mezcla sonora de sonidos, que yuxtapone influencias con un pop pulido y sofisticado. Un álbum que tuvo tanto éxito comercial como elogios artísticamente.

Tanto fue el éxito e impacto del mencionado álbum que todavía satura el formato "AOR" (radio orientada a adultos) en todo el mundo y es universalmente famoso entre todos los mayores de 40 años.

Por eso quiero destacar a los lectores de este blog de música, especialmente a los más jóvenes, el disco "The Raw & The Cooked". Un buen ejemplo de música pop excelentemente elaborada y una referencia de los 80 (siglo xx).

¿Quién era de la banda "Fine Young Cannibals"?

 
Fine Young Cannibals (FYC) fue una banda de pop rock inglesa formada en Birmingham, en 1984 por el ex bajista de la banda "The Beat" David Steele y el guitarrista Andy Cox junto al cantante Roland Gift. Editaron solo dos discos "Fine Young Cannibals" (1985) y "The Raw & the Cooked" (1989) antes de desaparecer en 1992.

La presencia de FYC fue breve, pero tuvieron un gran impacto y éxito en la escena de la música pop de mediados y finales de los 80. En parte gracias a su último disco "The Raw & the Cooked".

 

ALBUM:The Raw & the Cooked

 
Este es el segundo y último disco de estudio de "Fine Young Cannibals", publicado en 1989. La banda británica reclutó al colaborador de Prince "David Z" para coproducir, actualizar su sonido y aportar una dosis de funk, junto con el amor de FYC por el soul de Motown, particularmente en el uso de piano y coros, bajos vibrantes al estilo de James Brown y baterías al estilo de Clyde Stubblefield con el otro amor más antiguo de la banda, la música ska con su guitarra esquelética, trompetas con sordina y órgano Hammond grave. En "The Raw & the Cooked" todo se une.

Tanto es así, que este disco es ecléctico y muy variado, tomando influencias del Motown soul, el rock, el funk, el british beat y el pop. "The Raw & the Cooked" fue un gran éxito comercial, vendiendo más de tres millones de copias. Se lanzaron numerosos sencillos del álbum, incluidos los dos sencillos número uno en Estados Unidos "She Drives Me Crazy" y "Good Thing".

En solo diez canciones y 35 minutos, los "Fine Young Cannibals" (FYC) nos ofrecen una obra maestra del rock pop de los 80. Los FYC también contaron con la ayuda de excelentes coristas y músicos invitados (incluido el ex pianista de Squeeze, Jools Holland, y Jerry Harrison de Talking Head), pero eso no le quita mérito a la propia banda, que fusiona múltiples géneros ya mencionados.

Sin duda, la voz de Roland Gift es el otro factor distintivo y ganador. Un instrumento poderoso en sí mismo capaz tanto de cantar suavemente como de gritar con sentimiento, es un elemento definitorio del álbum. Añadiendo a esto están los bailes del guitarrista Andy Cox y el bajista David Steele, algo muy llamativo y apropiado en la era de MTV donde lo visual era tan importante como el sonido.

Además, aparte de las idiosincrasias, el disco está simplemente lleno de éxitos. "Good Thing", por ejemplo, es el tributo de FYC a las fiestas de "northern soul" (mods) en los años 60; "I'm Not the Man I Used to Be" es una canción innovador impulsada por un ritmo jungle futurista y una producción casi house, y la súper conocida "She Drives Me Crazy" presenta una combinación de ritmo y riff que se identifica al instante y es universalmente famosa. Incluso el resto de las canciones que no se lanzaron como singles podrían haber logrado difusión en la radio si la compañía discográfica hubiera decidido lanzarlas como "sencillos comerciales". En definitiva "The Raw & the Cooked" es un álbum muy sólido en general, lo que lo convirtió en uno de los grandes de la música pop de la década de los 80, sea de finales de los 80.

Y para redondear, lo que también hace que "The Raw & The Cooked" sea una gran escucha es la forma perfecta en que navega por todas las influencias y géneros musicales. Es un álbum que puede hacerte bailar en un momento y contemplar la vida al siguiente. La producción es nítida y limpia, lo que permite que cada instrumento y matiz vocal brille, principalmente gracias a David Z. Este es su punto fuerte, equilibrar toda la mezcla de ideas en un trabajo coherente, innovador y entretenido que sigue gustando décadas después de su aparición.

Disco recomendado

 
Este es un clásico del pop de los años 80, original, inventivo y entretenido. Nunca antes se habían combinado de forma tan excepcional las influencias y estilos musicales del pasado, el presente y el futuro. Hoy es para muchos un viaje al pasado, pero también puede ser un descubrimiento agradable para los melómanos más jóvenes.

Video del tema "Good Thing":

Tracklist:

Cara A – Raw:

1."She Drives Me Crazy" – 3:38
2."Good Thing" – 3:22
3."I'm Not the Man I Used to Be" – 4:19
4."I'm Not Satisfied" – 3:51
5."Tell Me What" – 2:47

Cara B – Cooked:

1."Don't Look Back" – 3:40
2."It's OK (It's Alright)"  – 3:32
3."Don't Let It Get You Down" – 3:23
4."As Hard as It Is" – 3:14
5."Ever Fallen in Love" (Pete Shelley) – 3:54

Fine Young Cannibals (Banda):

•  Roland Gift – voz
• Andy Cox – guitarra
• David Steele – bajo, teclados, caja de ritmos

Músicos adicionales:

•  Jools Holland – piano en "Good Thing"
• Jimmy Helms, George Chandler, Jimmy Chambers – coros en "Good Thing", "Tell Me What" y "It's OK (It's Alright)"
• Martin Parry – batería en "Tell Me What"
• Simon Fowler – coros en "Don't Look Back"
• Graeme Hamilton – trompeta en "Don't Let It Get You Down" y "As Hard as It Is"
• Jenny Jones – batería, coros en "As Hard as It Is"
• Gavyn Wright – violín en "As Hard as It Is"
• Bridget Enever – saxofón en "As Hard as It Is"