DEAD MOON | In the Graveyard

Los lectores habituales saben que la filosofía de este blog es ser coherente con su título - "Descubre + Música" - ; dar a conocer artistas y bandas que quizás nos escapan de nuestro radar musical, o merecen ser recuperados para una nueva generación que buscan documentarse o ampliar sus conocimientos musicales. Voy a dar espacio a la banda DEAD MOON, una formación que merece ser redescubierto y más reconocido.

DEAD MOON (Banda)

Fue una banda americana de Punk-Rock activa de 1987 a 2006, formada en Portland, Oregon.
Un trío compuesto por el equipo de marido y mujer Fred Cole (cantante y guitarrista) y Kathleen "Toody" Cole (bajista) - ambos antes en "The Rats" - con el baterista Andrew Loomis.

Eran conocidos por su marca particular de "Garaje" combinando temas oscuros con influencias de música Punk y Country. Si bien su sonido alternaba entre temperamental y agresivo, siempre fue notablemente genuino y enérgico. Fueron más populares fuera de los Estados Unidos, con frecuentes visitas y giras por Europa, donde tenían (tienen) un gran y devoto seguimiento.

Aparte de dejarnos unos muy buenos álbumes, el legado de "Dead Moon" es su espíritu de la autosuficiencia - Do it Yourself (DIY) - que preparó el escenario para sellos independientes y música independiente en general. Grabando, lanzando e incluso yendo tan lejos como para prensar los "masters" en vinilo de sus discos. También fueron notorio dentro de la técnica Lo-Fi que daba a su sonido una particularidad especial y distinto.

La discografia de álbumes de estudio:

In the Graveyard (1988)
Unknown Passage (1989)
Defiance (1990)
Stranded in the Mystery Zone (1991)
Strange Pray Tell (1992)
Crack in the System (1994)
Nervous Sooner Changes (1995)
Destination X (1999)
Trash & Burn (2001)
Dead Ahead (2004)

Dos disco que quiero destacar y que son los que más me gustan. El primero, "Strange in the Mystery Zone" de 1992, y mi favorito el debut "In the Graveyard" de 1988.

El 8 de marzo de 2016 el ex baterista, Andrew Loomis, murió a los 54 años. Después Fred Cole murió el 9 de noviembre de 2017 a la edad de 69 años.

ALBUM: In the Graveyard

El álbum debut publicado en 1988 de 29 minutos del mejor Garage-Rock original posible. Un disco con grandes temas originales y versiones, bajo la filosofía "DIY" Lo-Fi que forma parte del producto final como su energía maníaca. Un álbum que merece más atención, que por razones desconocidas, se perdió (olvido) con el paso del tiempo. Aunque bien aceptado y "recordado" en Europa, no fue una obra "protagonista" en los Estados Unidos, aunque es uno de los grandes discos del "Punk-Rock" (desde luego "Garage Rock") americano.

Y aunque, este disco pone el rumbo de lo que seria la direccion musical de sus próximos álbumes,  la emoción y la locura desenfrenada de las canciones de "In the Graveyard" hacen que el álbum sea especialmente eléctrico, distinto y completamente especial.

Un disco recomendado. Si te gustan las bandas con un Rock despojado, te gustará. Un álbum que debemos (fans del Rock) volver a ponerlo visibilidad y que sea accesible a las nuevas generaciones. Cuando escuchó "In the Graveyard" se me viene a la mente "White Stripes" (Jack White) e incluso "The Cramps"... mucho se podian quedarse aqui, sin darse cuenta que antes...mucho antes DEAD MOON ya estaba de vuelta.

Resumiendo, un álbum, si rollos y sin fuegos artificiales, solo Rock N Roll con el sonido de sus raíces. Añades un poco de la actitud "Punk" (me la suda...) y tienes un pedazo de disco para no decir banda.

Video del tema "Graveyard":



Tracklist de "In the Graveyard":

1. Graveyard
2. Out on a Wire
3. Can't Help Falling in Love
4. Parchment Farm
5. Dead in the Saddle
6. Hey Joe
7. Don't Burn the Fires
8. Where Did I Go Wrong
9. Remember Me
10.I Hate the Blues

SKEE MASK | Compro - Album

SKEE MASK (Bryan Müller)

Nacido en 1993, este alemán de Munich produce techno experimental bajo el nombre artístico de Skee Mask (también como SCNTST). Si bien su trabajo como SCNTST es generalmente más brillante y más accesible, sus temas de Skee Mask son más pesadas y cerebrales, y se centran más en patrones rítmicos intrincados pero insistentes.

Este joven productor musical es un prodigioso talento. Tocó en bandas de rock cuando era más joven y protagonizó un musical a la edad de diez años. Se enseñó a sí mismo a hacer música electrónica usando "Ableton Live" en 2010 y rápidamente comenzó a producir temas a un ritmo rápido. Como SCNTST, comenzó a publicar canciones electro-house y techno online (por ejemplo en plataformas digitales especializadas como "Soundcloud"). A medida que avanzaba como artista, sus composiciones se volvieron mas melódico y elaborados, además de estar más influenciado por "IDM" (Intelligent Dance Music) y Drum & Bass".

Lo que me sorprende de Bryan Müller (Sleek Mask) es su madurez y dominio de la música electronica siendo tan joven. No es normal. Todavía vive en la casa de sus padres. Y probablemente es el único artista de electronica que ha estado en un Club solo una vez, y lo odiaba. De hecho, era un club comercial convencional para personas de 16 años. No es convencional ni comercial, es pura vanguardia.

Su único álbum de estudio serio hasta el momento es "Compro" de 2018. Había publicado música antes vía mixtapes y Eps (en concreto "Shred"), pero "Compro" pone a SLEE MASK (Bryan Muller) en la primera línea de la música electronica. Un discazo y de lo mejor del 2018.

ALBUM: Compro

Primer álbum de estudio publicado el 15 de mayo de 2018. Inicialmente, un proyecto anónimo que luego se reveló como un alias de Bryan Müller. Skee Mask se convirtió en la revelación e inmediatamente recibió elogios como uno de los mejores álbumes de música electronica del año.

El disco es una experiencia inmersiva que se basa en IDM, techno ambient y jungle (drum & bass). Las canciones melódicas de Müller imbuye calidez y humanidad. Se consigue algo difícil, inculcar "alma" a las "máquinas", un logro admirable para ser un artista tan joven.

Hay momentos estelares de álbum que refuerza la idea de que estamos escuchando alguien que es un prodigio y esta destinado a grandes cosas en la música electronica. El tema "Flyby VFR", es mi favorita, un drum & bass ambient deliciosa, "Soundboy Ext" es dramático y sus coros son envolventes, "50 Euro To Break Boost" es una perfecta tarjeta de introducción, mientra los ritmos de "Dial 724" pegan fuertes, quizás el más estilo Club... y asi, continuamente sorprendiendo en todo el álbum.

Un disco recomendado, miento, un auténtico discazo. Un álbum que va enamorar a los fans de la música electronica y del estilo "IDM" y/o "Drum & Bass". Una obra que introduce a un joven talento enorme que espero nos va seguir dando más trabajos en el futuro. Estoy curioso por saber cómo va evolucionar SLEE MASK (Bryan Müller). Ha puesto el listón muy alto con "Compro". Está su próxima entrega, busca este álbum y darlo una escucha.

Video del tema "Flyby VFR":



Tracklist del álbum "Compro":
1 Cerroverb
2 Session Add
3 Rev8617
4 50 Euro To Break Boost
5 Via Sub Mids
6 Soundboy Ext.
7 Dial 274
8 VLI
9 Flyby VFR
10 Muk FM
11 Kozmic Flush
12 Calimance (Delay Mix)

ULTRAVOX | Ha!-Ha!-Ha!

Ultravox (Banda)

Banda británica de estilo New-Wave, formada en Londres en 1974 inicialmente como "Tiger Lily". Desde 1974 hasta 1979, el cantante John Foxx fue líder y la principal fuerza impulsora de la formación. Foxx dejó la banda en marzo de 1979 para embarcarse en una carrera en solitario y, después de su partida, Midge Ure asumió el cargo de cantante, guitarrista y líder en octubre de 1979 después de que él y el tecladista Billy Currie trabajaran en el proyecto de estudio "Visage". Midge Ure revitalizó la banda y la condujo al éxito de la lista comercial que duró hasta 1988, momento en que el grupo se disolvió. Habría años después reformaciones etc...pero no son realmente relevantes bajo mi criterio.

Como muchas otras bandas que formaron los movimientos Punk y New Wave de Gran Bretaña, Ultravox se inspiró en el lado del Glam Rock. En sus principios musicalmente la banda estuvo fuertemente influenciado por Roxy Music, New York Dolls, David Bowie y Kraftwerk. Con un sonido más cerca al "Punk", las ventas de los primeros discos fueron decepcionantes. Las relaciones dentro de la banda fueron ocasionalmente tenues durante este tiempo y existía una frustración interna para que la banda pudiera buscar su sitio y un estilo definitivo dentro de la música. La experimentación termino cuando John Foxx dejo la banda para perseguir una carrera en solitario, le reemplazo el escoces Midge Ure (Thin Lizzy, Visage...) en 1979 para seguir el camino del Synth-pop/New Wave. La banda adopta el sonido y la línea electronica para conseguir el exito mundial con el disco "Vienna" (1980).

Entre 1980 y 1986, obtuvieron siete álbumes Top Ten y 17 singles Top 40 en el Reino Unido. Ultravox llegó a convertirse en una de las principales influencias en el movimiento Electro-Pop (techno) británico de principios de los 80, junto con otros como Visage y Gary Numan.

La discografía de álbumes de estudio de Ultravox:
• Ultravox! (1977)
• Ha!-Ha!-Ha! (1977)
• Systems of Romance (1978)
• Vienna (1980)
• Rage in Eden (1981)
• Quartet (1982)
• Lament (1984)
• U-Vox (1986)
• Revelation (1993)
• Ingenuity (1994)
• Brill!ant (2012)

Se puede decir que hay dos etapas de Ultravox. El primero con John Foxx (ULTRAVOX! 1974-1979) donde la banda adopta la música de su contexto - el Punk - para experimentar e intentar incorporar elementos electrónicos. Aquí no tuvieron exito comercial quizás porque no tenían muy bien definido su estilo y confunde al público. La segunda etapa es con Midge Ure (ULTRAVOX 1979-1988) donde asumen e incorporan definitivamente la electronica y el sonido sintetizador para seguir la línea New Wave-New Romantic, su epoca de mayor exito comercial.

No obstante, no todo era malo en la primera etapa bajo John Foxx, el segundo disco "Ha!-Ha!-Ha!" es una pequeña joya casi olvidada de Punk-Glam Rock-Electro.

ÁLBUM: Ha!-Ha!-Ha!

El segundo álbum del grupo conocido en ese momento como "Ultravox!", con un signo de exclamación. La banda en 1977 estaba dirigida por el cantante - compositor John Foxx, que estuvo acompañado por el guitarrista Stevie Shears, el baterista Warren Cann, el bajista Chris Cross y el teclado-violista Billy Currie.

Este disco es Ultravox antes de que fueran parte del NEW WAVE. Este álbum es un buen ejemplo de las energías musicales creativas y progresivas que surgieron a fines de los años 70 (Siglo XX) cuando los géneros musicales eran mucho más fluidos y los músicos exploraban múltiples estilos y enfoques a lo largo de sus carreras de grabación.

La obra tiene elementos de Glam rock anterior e influencias progresivas, el dinamismo del Punk contemporáneo, así como la creciente presencia de instrumentación electrónica que definiría el sonido de la banda más adelante en los años posteriores de los 80. También marca la primera adopción generalizada del grupo de sintetizadores y técnicas de producción electrónica.

A mi me parece un álbum contundente. El productor Steve Lillywhite capta brillantemente tanto la urgencia de la banda como la fragilidad de su sonido. Es un experimento innovador de "Techno-Punk" que no tiene un momento de bajón en su duración de 35 minutos, con constantes cambios de ritmo y arreglos locos de todos sus miembros. Destacan los temas "Rockwrok", "Fear in the Western World" y "While I'm Still Alive".

Un disco recomendado. Lo que arranca como un álbum Punk (tema "Rockwrok") comienza a revelarse lentamente como uno de los discos Post-Punk más progresistas de su época. Una joya "perdida", quizás mejor dicho "olvida", ya que mucha gente se queda con el gran disco bajo Midge Ure "Vienna" y lo que viene después. Este trabajo da fe que había "grupo" antes de "Midge Ure" y que se estaba "cocinando" un estilo de musica que dominaría la escena años después: el New Wave y la electronica.

Es un magnífico álbum para buscar y escuchar. Un disco que graba y plasma históricamente los choques de varias influencias-sonidos musicales burbujeante durante los años 70, y las raíces de lo que sería ULTRAVOX en los 80.

Video del tema "Fear in the Western World":



Tracklist:

1. "Rockwrok" 3:34
2. "The Frozen Ones" 4:07
3. "Fear in the Western World" 4:00
4. "Distant Smile"        5:21
5. "The Man Who Dies Every Day" 4:10
6. "Artificial Life" 4:59
7. "While I'm Still Alive" 3:16
8. "Hiroshima Mon Amour" 5:13

CHASTITY | Death Lust

CHASTITY (Banda)

Es el proyecto del músico canadiense (Toronto) BRANDON WILLIAMS formado en 2015 invitando a amigos para componer un grupo de Punk-Rock. Se sigue la filosofía de "Do It Yourself" (DIY) y las composiciones son de historias adolescente y joven adulto: el aislamiento, la ira, la frustración y el desplazamiento; elementos "universales" de la vida para los jóvenes en los suburbios de las grandes ciudades.

Con la influencia del Post-Hardcore y el Rock de guitarra alternativo más sensible de los años 90, Williams canaliza su angustia. Como ha comentado Brandon en entrevistas, su proyecto refleja las luchas de aquellos que existen en la periferia siendo invisible, y a menudo silenciada. Es un vehiculo de la cultura juvenil que trabaja constantemente para formar una comunidad, uniendo el aislamiento con la colectividad.

Llevan ya dos álbumes publicados que exploran y fusionan el Post-Hardcore, Indie Pop y el Shoegaze. Es esta mezcla que me atrai a esta interesante banda que conseguí "suavizar" su brutal sonido con melodías envolventes que lo hace todo mucho más accesible. Además, Brandon Williams demuestra un talento llamativo en lo que es componer canciones con letras que entran y asocian con el oyente. Gratamente sorprendente.

Discografía hasta ahora:

2018 Death Lust

2019 Home Made Satan

Descubrí a la banda "Chastity" con el primer disco "Death Lust". 

ALBUM: Death Lust

El álbum debut publicado el 13 de julio de 2018 y que sigue una narrativa de sufrimiento para sobrevivir (lo se, algo filosófico). El propio William Brandon lo explica así..."se trata del dolor que se necesita, pero la capacidad que tenemos que superarlo". Dicho esto hay bastante rabia y agresividad "controlado" en esta obra que no debe confundirse con el pesimismo, al contrario las melodías animan al optimismo y el mensaje es la superación de los obstáculos. 

El álbum suena abrasivo, enojado y épico. Los riffs son pesados ​​e hipnóticos, la producción es densa y tiene espacios para recuperar el aliento. Líricamente Brandon Williams ha canalizado su angustia interior, sin sonar nunca un cliché.

El proyecto "Chastity" de Brandon Williams se incubó en los entornos sombríos de su ciudad natal de Whitby (suburbio de Toronto). Williams observó la disparidad de riqueza, el aislamiento y la desolación general y lo canaliza en un sonido angustioso y catártico, mezclado con nostalgia, vulnerabilidad e inquietud juvenil. Esto es un buen resumen general de "Death Lust".

En un nivel superficial, el sonido del disco tiene un núcleo de metal oscuro que se rompe en explosiones gritonas. Canciones como "Negative with Reason to Be" y "Choke" ejemplifican este lado siniestro de la banda. Esta paleta desesperada de retroalimentación de guitarra y batería a menudo da un giro rápido hacia momentos más ligeros e introspectivos. El corte "Suffer" toma notas de la guitarra alternativa de los años 90. Son estos momentos en que "Death Lust" deja caer su capa de "Noise" para enseñar su parte más versátil como los temas  "Anoxia" y "Come" que dan paso a la atmósfera psicodélica y arreglos inesperados para explorar en detalle y deambular entre impulsos que crean un impacto emocional del álbum.

Los temas "centrales" de ira, la soledad de la juventud, el desplazamiento y la búsqueda de identidad surgen en cada canción. Los temas como "Children" y el melancólico temazo "Heaven Hell Anywhere Else", recuerdan a la sensación de búsqueda adolescente y languidez nostálgica con solos de guitarras mucho más fuertes. Expresar pena, angustia e incertidumbre con una voz tan fuerte como un grito no es tarea fácil, pero William Brandon en "Death Lust" lo hace magistralmente

Un disco recomendado. Un álbum que refleja el sonido de la juventud descontenta que exige ser escuchada. Una obra de una banda que promete tener un gran futuro si siguen el camino de "Death Lust" y su segundo disco "Home Made Satan".

Término, aunque hay rabia y frustración en este primer álbum, no es un trabajo pesimista. Busca y escucha a "Death Lust" y fijate en las melodías, también las letras (ejemplo "Heaven Hell Anywhere Else", mi canción favorita del disco). Si no, tendrás un sonido brutal en este disco que va gustar.

Video del tema "Heaven Hell Anywhere Else" (Live at the Edge):

Tracklist:

1.Children

2.Choke

3.Scary

4.Negative With Reason To Be

5.Heaven Hell Anywhere Else

6.Suffer

7.Chains

8.Anoxia

9.Come

10.Innocence

THE MARKED MEN | On the Outside

THE MARKED MEN (Banda)

Banda americana de Punk-Rock (Garage) de Denton, Texas, formada por los guitarristas-voces Mark Ryan y Jeff Burke, el bajista Joe Ayoub y el baterista Mike Throneberry.

Antes de unirse a "The Marked Men", los miembros formaban parte de otras bandas. Jeff Burke era miembro de "The Vomit Punx", "The Rolemodels" y "E-Class". Burke, Ryan y Throneberry habían tocado antes juntos en "The Reds". Cuando el bajista Chris Pulliam se mudó a Japón, invitaron a Joe Ayoub para formar "The Marked Men".

Un grupo lleno de energía con duras guitarras de Garage-Rock, y una sección de ritmo exceptional. Se endurecieron y endurecieron con el tiempo, y sus habilidades para elaborar ganchos y melodías creció también. Álbumes como "Fix My Brain" de 2006 y "Ghosts" de 2008 son Punk de Garaje del más alto nivel.

Han publicado cuatro álbumes...a continuación su discografia:

The Marked Men (2003)
On the Outside (2004)
Fix My Brain (2006)
Ghosts (2009)

Todos los álbumes son muy buenos, el ultimo "Ghost" es la ostia. Sin embargo, personalmente prefiero "On The Outside", no se exactamente, quizás por su energía y desorden.

ALBUM: On the Outside 

 El segundo álbum publicado el 18 de mayo de 2004.

Es un disco relativamente alegre y una mezcla tensa entre los Ramones y Undertones. Las canciones "On the Outside", "Don't Lose It" y "Broken Record" son todos de espíritu Pop con enganches vocales entrelazados sobre guitarras frenéticamente fornidas. El tema "No Time" es lo más cerca a los Ramones, mientras que "Right Here With You" se las arregla para ser melódico y punzante al mismo tiempo. El álbum termina fuerte, marcando menos de 30 minutos, con un trío de canciones últimas tan fuertes como la apertura, "Cool Devices", "4,000 Times" y "Master Wicked".

Poco más que comentar. Un disco recomendado. Un álbum que tiene la banda explotando con su abrasiva marca de Punk-Garage como si no fuera asunto de nadie. Y aqui esta el encanto de THE MARKED MEN y el álbum "On the Outside", que mantienen viva la llama del Punk-Rock, es un gran disco. Quien iba pensar que una banda de Denton, Texas iba ser unos de los responsables de continuar evangelizando con esta tradición Rock.

Si te gusta en Rock potente y explosivo busca este disco. Además recomiendo despues buscar y escucha su ultimo álbum "Ghosts".

Video del tema "On The Outside":



Tracklist:

1."On the Outside" – 2:22
2."Don't Lose It" – 1:21
3."Gone Away" – 2:07
4."Broken Record" – 1:57
5."No Time" – 2:04
6."So What" – 1:17
7."Right Here with You" – 2:54
8."Doctor Dan" – 1:42
9."Set You Right" – 2:04
10."Still Waiting" – 2:47
11."Cool Devices" – 1:26
12."4,000 Times" – 2:25
13."Master Wicked" – 3:30

FACS | Void Moments - Album

FACS (Banda)

Group americano de Rock de la ciudad Chicago que proponen música oscura y propulsora que se encuentra en la intersección del Post-Punk y el Post-Rock, combina varios elementos de instrumental con tendencias algo góticas. La banda se formó en 2017 y se compone de Brian Case (guitarra y voz), Noah Leger (batería) y Alianna Kalaba (bajo). Tanto Brian Case como Noah Leger tocaron juntos en una banda llamada "Disappears", por lo que ya estaban familiarizados con sus estilos musicales. Luego agregaron Alianna Kalaba y la formación se consolidó.

Para llevar juntos solo tres años sorprende la productividad de la banda que ha publicado una obra cada año. A continuación los títulos de sus tres álbumes hasta el momento:

2018 Negative Houses
2019 Lifelike
2020 Void Moments

2021 Present Tense

2023 Still Life in Decay

Me gusta mucho el tercer álbum "Void Moments".

ALBUM: Void Moments 

El tercer álbum publicado el 27 de marzo de 2020, y  el segundo álbum de la banda con la bajista Alianna Kalaba. La banda ha evolucionado muy rápidamente en el lapso de sus tres años de existencia. El disco "Void Moments" es un álbum oscuro y claustrofóbico con destellos de belleza que se asoma a través del estruendo. Se oculta la música detrás de una cortina de terciopelo negro de sonance, oscureciendo el conjunto de canciones más directo de la banda hasta la fecha. Dejan atrás algo con este disco lo "Industrial" para profundiza más hacia lo siniestro (estilo gótico).

Las guitarras se mueven a través del álbum, flotando por encima del estruendo de la sección rítmica y prestando una sensualidad a temas como "Casual Indifference". Las guitarras ingrávidas ocupan un lugar central en el tema "Versión", un fascinante collage de estilo "Shoegaze", atmósferas y una interacción Jazzística y desenfrenada que culmina en una catarsis ruidosa. Aunque la potencia Post-Punk de FACS esta presente, la complejidad de sus actuaciones es igual de notable. Noah Leger destaca como un baterista brillante; en "Teenage Hive" parece que está en total comunión con su "kit". Los dos temas finales del álbum "Lifelike" y "Dub Over" se unen en cascada, convirtiéndose en una y actúan como una analogía perfecta de la mutabilidad de "Void Moments", tanto musical como líricamente. Un álbum que señala un gran avance de FACS como banda, la musicalidad es evidente y la coordinación entre los miembros es óptima. Si siguen asi el futuro solo les puede traer buenas cosas.

Un disco recomendado. Un muy buen álbum de FACS y han creado un sonido propio. Combinar tantos elementos de Industrial, Shoegaze, Post-Punk e incluso Drone Rock, es muy difícil de hacer, y poder hacer bien. Es un álbum que necesita paciencia por parte del oyente, hay mucho ocurriendo, sonidos fantasmagóricas y oscuras que se mezclan con melodías que son radiantes y eufóricas. Unas cuantas escuchas y entra. Ayuda mucho si eres seguidor o amante del Post-Rock o similar, aunque no es un tema exclusivo.

Un gran lanzamiento del 2020.

Video de "Teenage Hive":



Tracklist del álbum "Void Moments":
1.Boy 03:22
2.Teenage Hive 03:03
3.Casual Indifference 03:39
4.Version 06:17
5.Void Walker 06:07
6.Lifelike 03:06
7.Dub Over 04:58

BLACK TAMBOURINE | Complete Recordings

Black Tambourine (Banda)

Fue una banda americana de Indie-Pop (Shoegaze) formada 1989 y que perdura entre las bandas de indie verdaderamente seminales de la década de 1980. El grupo estaba formado por la vocalista Pam Berry y los instrumentistas Archie Moore, Brian Nelson y Mike Schulman. Junto con las bandas "Tiger Trap", "Honeybunch", "Tullycraft" y "Beat Happening", se les considera una de las bandas más influyentes del movimiento "TWEE POP" estadounidense.

Desafiando la estética predominantemente Punk de la escena de Washington DC, el grupo se inspiró en las producciones clásicas "Wall of Sound" de Phil Spector de la década de 1960, así como Love, Ramones, The Shop Assistants, The Pastels, Iced Bears, Orange Juice y Jesus and Mary Chain.

Duraron muy poco, se separaron en 1991-1992 dejando una serie de EPs: nueve canciones publicadas oficialmente y cuatro en directo. Sin embargo, su impacto fue considerable sobre bandas como "The Pains of Being Pure at Heart", "Vivian Girls", "Crystal Stilts", "Dum Dum Girls", "Times New Viking"...

Hay dos álbumes recopilatorios:

- Complete Recordings (1999)
- Black Tambourine (2010)

Ambos son buenos y sirven para introducirte a la banda y tener "todo" su material. El que yo tengo y que me sirve es "Complete Recordings", aunque "Black Tambourine" es más completo.

ALBUM: Complete Recordings

Es un álbum recopilatorio publicado en 1999. A pesar de su título ("Complete"), en realidad no contiene todas las grabaciones de la banda. El álbum posterior "Black Tambourine" (2010) incluye seis temas adicionales, reemplazando así este álbum.

Este álbum recopila todo el material de la corta cadena de singles que lanzaron antes de separarse y pasar a otros proyectos. El trabajo de "Black Tambourine" puede describirse realmente como seminal, no solo porque los miembros de la banda pasaron a proyectos notables (Archie Moore y Brian Nelson a "Velocity Girl", y Pam Berry a "Glo- Worm and the Cast Away Stones"), pero también porque el sonido de la banda prácticamente define el estado del Indie-Rock americano a principios de los 90, cuando muchas bandas buscaban inspiración en la tendencia de los "Shoegazers" de Gran Bretaña.

Esta colección también sirve como una cápsula del tiempo para la cultura pop indie de sus contemporáneos: hay una cantidad descomunal de canciones sobre enamoramientos, un alto nivel de atención a la música británica música (ejemplo similitudes con "My Bloody Valentine") y todas las otras características distintivas del Indie-Pop que se difundieron durante los años 90.

En definitiva, sonidos oscuros y guitarras afiladas (jangle) que definieron el final de los años 80, con la voz de una chica malhumorada que ha pasado por una ruptura emocional, y con ritmos y bajos que hacen de este disco sea una pequeña joya escondida de ruido, ensueño e indie.

Un disco recomendado. Un álbum que tiene prácticamente todo lo importante de la banda en un solo sitio y que básicamente es un disco ganador para los fans del Indie, Shoegaze o música alternativa "pastel".

Video del tema "For Ex-Lovers Only":



Tracklist:
For Ex-Lovers Only - 2:41
Black Car - 3:29
Pack You Up - 2:27
Can't Explain  - 2:24
I Was Wrong - 1:36
Throw Aggi Off the Bridge - 3:18
Drown - 2:42
We Can't Be Friends - 1:50
By Tomorrow - 3:05
Pam's Tan - 1:20

SONIC´S RENDEZVOUS BAND | City Slang

Sonic's Rendezvous Band (La banda perdida)

Fue una (super) banda americana de Rock and roll de Michigan en la década de 1970, con veteranos de la escena del Rock de Detroit en la década de 1960. Sonic's Rendezvous Band nace de las cenizas de cuatro bandas de rock de (Detroit) Michigan:

MC5 - Fred "Sonic" Smith (voz y guitarra)
The Rationals - Scott Morgan (guitarra)
The Up - Gary Rasmussen (bajo)
The Stooges - Scott Asheton (bateria)

Permanecieron virtualmente desconocidos, pero su único single retuvo un gran interés entre los fans del Rock de Detroit. La banda solo tenía suficiente dinero para mezclar una canción, "City Slang"; un lado estaba etiquetado como mono y otro estéreo, aunque ambos lados eran idénticos. Todo los álbumes disponibles aparecen más de 20 años despues de su separación, en forma de "encaje" con antiguo material o en formato recopilaciones (Box Set, por ejemplo)...:

Sweet Nothing (1999)
City Slang (1999-2000)
Sonic's Rendezvous Band (Box Set) (2006)
Masonic Temple, Detroit 1978 (2007)
Too Much Crank (2009)

No obstante, la historia resumida de "Sonic's Rendezvous Band" comenzó después de que la banda "MC5" se separó. No pasó mucho tiempo antes de que Fred "Sonic" Smith comenzará a bloquear los planes para una nueva banda. Mientras tanto, el cantante y guitarrista Scott Morgan también estaba ansioso por comenzar a hacer música nuevamente después del colapso de la banda "The Rational", Smith y Morgan entablaron una amistad y decidieron formar un grupo. Después de varias incorporaciones la formación se quedó con Scott Asheton y Gary Rasmussen, completando la alineación definitiva.

Lamentablemente, la capacidad de "Sonic's Rendezvous Band" para seguir adelante se descarriló de manera bastante espectacular por la supuesta tensión creativa entre Fred Smith y Scott Morgan, Iggy Pop llevando a toda la banda, menos Scott Morgan, de gira, y la creciente distracción de la propia "Yoko Ono" de la banda. El interés amoroso de Fred "Sonic" Smith, Patti Smith, desconcentro a Fred y la banda para avanzar.

Una grandísima banda de Rock que desafortunadamente desaparecieron como humo, que prácticamente pocos conocen y dejaron material sonoro algo limitado (menos mal). Sin embargo, pasado los años y gracias a las plataformas digitales vuelven a generar interés entre los seguidores del Rock alimentando una demanda y publicaciones de sus canciones.

Si quieres conocer a "Sonic's Rendezvous Band" con un álbum que tiene todo, recomiendo el recopilatorio "Too Much Crank" de 2009, o mejor el "BOX SET" de 2006. Personalmente yo prefiero el álbum de 1999-2000 titulado "City Slang".

ALBUM: City Slang

Este es el trabajo que sigue "Sweet Nothing" y fue publicado en 1999 por el sello de Detroit "Mack Aborn Rhythmic Arts". El álbum contiene dos versiones del gran tema "City Slang", el single original de 1978 grabado en "Artie Fields Studio" en Detroit y una mezcla actualizada, junto con una colección de grabaciones en directo tomadas de actuaciones en "Bookies Club 870" en Detroit, el "Palace Theatre" en Cleveland y "The Second Chance" en Ann Arbor.

Muchas de las canciones del disco solo han estado disponibles previamente en bootlegs mal grabados que no hacen justicia a las canciones que ofrece por ejemplo "City Slang". Sin embargo, canciones como "Heaven" y "Gone With the Dogs" suenan crudas e intensas como sonaban originalmente cuando fueron grabadas por primera vez con el poder ensordecedor y explosivo por el que Sonic's Rendezvous era conocido. El disco "City Slang" y sus 14 cortes es prueba de que "Sonic's Rendezvous Band" tenían la capacidad de crear algunos de las canciones de Rock más crudos e intransigentes que se hayan presentado jamás. Después de escuchar este disco uno no entiende cómo pudieron no ser más grandes como banda, y sorprendemente, como literalmente desaparecieron sin más. Otra historia del Rock N Roll que nos enseña que no todo es vino y rosas, que muchos se quedan en la cuneta.

No obstante, la calidad siempre sale a la superficie y tarde o temprano los grandes bandas vuelven a aparecer para encontrar el sitio que en su momento se les fue negado.

Un disco recomendado. Un álbum que va encantar al fan del Rock. Un pedazo de disco...si más.

Video del tema "City Slang":



Tracklist del álbum "City Slang":

1 City Slang (1999 Mix) 5:18
2 So Sincerely Yours 5:29
3 Step By Step 3:53
4 Clock With No Hands 5:09
5 Heaven 4:06
6 Goin' Bye 8:16
7 You're So Great 3:35
8 Earthy 3:30
9 Thrill 4:59
10 Detroit Tango 4:15
11 Gone With The Dogs 7:18
12 Sweet Little Sixteen (Chuck Berry) 3:43
13-1 City Slang (1978 Orchid Single Version)  5:12
13-2 Sweet Nothin' Jam Session

MIKAL CRONIN | Mikal Cronin - Album

MIKAL CRONIN (Músico)

Michael "Mikal" Patrick Cronin es un músico y compositor estadounidense. Ha publicado cuatro álbumes en solitario y también es miembro de las bandas "Okie Dokie", "Epsilons", "Party Fowl" y "Moonhearts". Además, Mikal Cronin es conocido por sus colaboraciones con "TY SEGALL" (compañero del instituto), así como ser miembro de la banda de acompañamiento de Segall, "The Ty Segall Band".

El multiinstrumentista Mikal Cronin ganó tablas musicales tocando el bajo en bandas de Garage Punk. Por su cuenta, creó música que se inclinó más hacia el Surf-Rock y el Power-Pop como demuestra su debut disco en solitario "Mikal Cronin". Después de dos álbumes que perfeccionaron su sonido en algo más "elegante", miró hacia atrás en el álbum "MCIII" al rock clásico en busca de inspiración y de arreglo expansivo con el disco "Seeker" (2019). Cronin estaba haciendo música que sonaba enorme y madura, casi sin Garaje o Punk como base.

Discografía como solista:

Mikal Cronin  (2011)
MCII (2013)
MCIII (2015)
Seeker  (2019)

Aunque, Mikal Cronin ha  evolucionando y cambiando su estilo durante los años, yo me quedo con el debut "Mikal Cronin" de 2011. Es un trabajo que expulsa la esencia de lo que es el músico y contiene una potencia que solo puede dar la juventud. Además el primer disco aún tienen "esa inocencia" antes que los años "corrompe" el espíritu musical.

ALBUM: MIKAL CRONIN 

El primer álbum en solitario publicado el 11 de septiembre de 2011.

Es un álbum de pop melancólico que presenta arreglos exuberantes y en capas contra acordes de Power-Rock. La música de Cronin tiene una gran deuda con el Pop de la década de 1960, en su mayoría de bandas como The Ventures, The Beach Boys, The Beatles y T. Rex. El joven Cronin aporta una tremenda energía a los sonidos del Rock clásico que reinterpreta. En este disco da la sensación que reconvierte el sonido de los álbumes de la colección de su padre en temas de "Surf-Rock","Garage" e incluso "Progressive-Psychedelica". Es impresionante el abanico de estilos y sonidos que aporta en este primer álbum como solista, y siendo tan joven. Hay momentos que parece que estas escuchando The Beach Boys, como Jesus and Mary Chain, Love & Rockets ...y la producción de Phil Spector. Acojonante.

Un disco recomendado. Si eres fan del Rock Alternativo y del Power Pop te va gustar este álbum. Es una excelente introducción para conocer el músico y sus trabajos. Tener en cuenta que aparte de ser colaborador de "Ty Segall", es miembro de la banda "Moonhearts", un grupo que recomiendo y busques el disco del mismo nombre "Moonhearts" (2010).

Video del tema "Gone":



Tracklist:
"Is It Alright" – 3:29
"Apathy" – 2:39
"Green & Blue" – 3:37
"Get Along" – 3:53
"Slow Down" – 2:00
"Gone" – 3:55
"Situation" – 1:56
"Again & Again" – 4:16
"Hold on Me" – 3:06
"The Way Things Go" – 5:15

GUSTAVO CERATI | Bocanada - Album

Gustavo Adrián Cerati (músico)

Fue un cantautor, compositor y productor argentino, considerado una de las figuras más importantes e influyentes del rock iberoamericano, y yo añado, del mundo habla hispana. Gustavo Cerati junto con su banda "SODA STEREO", fue uno de los grupos de Rock y Pop en español más populares e influyentes de los años ochenta y noventa del Siglo XX.

El 15 de mayo de 2010, Cerati sufrió un derrame cerebral masivo en Caracas después de un concierto; el derrame cerebral lo dejó en coma, y ​​cuatro años después, el 4 de septiembre de 2014, Cerati murió de un paro respiratorio en Buenos Aires a la edad de 55 años.

Si su tiempo con "Soda Stereo" ya hizo Gustavo Cerati una importante figura, sus trabajos en solitario le consolidan en un artista universal. Es durante este tiempo que Cerati se quita "el peso" encima de "Soda Stereo" y brilla por sí mismo como un músico creativo, innovador y transgresor, un fuera de serie.

Publicó cinco álbumes en solitario...a continuación su discografía:

• Amor Amarillo (1993)
• Bocanada (1999)
• Siempre es hoy (2002)
• Ahí Vamos (2006)
• Fuerza Natural (2009)

*Hay más discos...desde su tiempo en Soda Stereo, colaboraciones, proyectos especiales, invitado como músico, música de cine y como productor

De sus disco en solitario, el que más me fascina y me gusta más es "Bocanada" de 1999.

ALBUM: Bocanada

Es el segundo álbum en solitario de Gustavo Cerati publicado el 28 de Junio de 1999, aunque técnicamente es su debut como solista ya sin ninguna conexión con su anterior banda "Soda Stereo". Un álbum de una profunda raíz electrónica, con elementos de Rock Alternativo, Dream Pop, Neo-psicodelia, Latino y algunos trazos experimentales.

Gustavo Cerati lo pensó y grabó como una sola pieza en la que canciones no son individuales. Incluso demostrando "grandeza" para el tema ""Verbo Carne" hay una orquesta de 48 músicos, indicativo de un desea de plasmar exactamente sus ideas y su vigorizante creatividad. Y esta aqui lo que me encanta de este álbum, su espíritu de explorador y variedad de estilos: ritmos latinos ("Tabú"), piezas psicodélicas ("Beautiful"), Pop ("Río Babel")...aparte de lo ya mencionado música electrónica ("Paseo inmoral" y "Perdonar es divino"). Hay algunas canciones realmente hermosas, como "Bocanada", "Puente" y "Aquí y Ahora", esta última inspirada en la historia "El Jardín de los Senderos Que Se Bifurcan" del escritor argentino Jorge Luis Borges. Cuando primero escuche este álbum me impactó y me hizo conocer musicalmente "el verdadero" artista-músico que fue Gustavo Cerati.

Este álbum marca una verdadera liberación compositiva para Gustavo Cerati. La finalización del trascendental ciclo de "Soda Stereo" queda atrás como una pesada mochila, como un camino de gloria que se había vuelto un efecto limitante de la sensibilidad en presente. Y así Gustavo suelta amarras como compositor, expandiendo las fronteras de su experimentación sonora sin perder el entretejido con la sintonía ambiental que emana de las canciones. Gustavo Cerati nos invita a sumergirnos más profundamente en su sensibilidad, en su enorme cultura musical, en su apertura estilística, toda su música tiene en este disco un nuevo punto de partida. Todo el álbum es en sí una invitación a la musicalidad liberada de sus canciones. Atmósferas oníricas, nocturnidad y vuelos, alto contacto, maduración ligada a la valentía artística y la originalidad. En resumen, una obra que trasciende el Pop Rock latino, letras excelentes y sonidos azules acompañados de una voz suave y liberadora.

Un disco recomendado, un álbum fundamental en la historia del rock iberoamericano, y en general en todos los países de habla hispana. Una obra que ilustra la genialidad de Gustavo Cerati y como estaba años adelantando a la mayoría de sus contemporáneos. Es una "pena" que la cultura mundial sea aplastantemente dominado por lo anglosajón, si no, este disco (y Cerati) estaría mejor posicionado, reconocido y aclamado de lo que es hoy. Un álbum que es verdaderamente universal, una obra maestra y un auténtico discazo en cualquier parte y en cualquier idioma.

Video de tema "Tabú" * podía ver escogido cualquier tema para video (ver tambien "Bocanada","Perdonar Es Divino", "Puente", "Verbo Carne"...) y asi todo el disco:

Tracklist del álbum "Bocanada": 
1. "Tabú" 4:47 
2. "Engaña" 4:12 
3. "Bocanada" 4:07 
4. "Puente" 4:33 
5. "Río Babel"  4:44 
6. "Beautiful" 6:13 
7. "Perdonar es Divino"  5:19 
8. "Verbo Carne" 4:42 
9. "Raíz" 4:04 
10. "Y Si El Humo Está en Foco..."  4:56 
11. "Paseo Inmoral" 5:31 
12. "Aquí & Ahora (Los Primeros Tres Minutos)"  3:54  
13. "Aquí & Ahora (Y Después)" 2:38 
14. "Alma" 4:38 15. "Balsa" 5:05

1 MILE NORTH | Minor Shadows - Album

1 Mile North (Banda)

Dúo americano de Brooklyn (NYC) de música Post-Rock y Ambient compuesto por el guitarrista Jon Hills y el tecladista Mark Bajuk. Extrañamente es una formación pasado por alto y muy anclado a su "nicho" (música underground y para cine). Creo que no se manifiesta suficiente el talento musical de este dúo para poder llegar a una audiencia más amplia y asi recibir más reconocimiento.

La música de la banda ha aparecido en el documental nominado al Oscar de Steven Okazaki "The Conscience of Nhem En", así como en "White Light / Black Rain: The Destruction of Hiroshima y Nagasaki de Okazaki". La música también apareció en la partitura de "Facing Fear" de 2013, un documental de Jason Cohen nominado a un Oscar en 2014. Hasta el momento han publicado cuatro álbumes de estudio:

• Glass Wars (2001)
• Minor Shadows (2003)
• Awakened by Decay (2016)
• Tombs & Cocoons (2020)

El álbum de 2003 "Minor Shadows" me parece una maravilla.

ALBUM: Minor Shadows

Segundo álbum muy pacífico publicado el 6 de mayo de 2003 que es básicamente un instrumental sonoro . Un trabajo entre el guitarrista Jon Hills y el sintetizador analógico de Mark Bajuk, este disco sigue patrones frágiles de caja de ritmos, trompetas y "samples" bien colocadas. Basado en un motivo de guitarra que se repite y una gran cantidad de sintetizadores, el tema de apertura "In 1983 He Loved to Fly" es una declaración de intenciones apropiadamente adormecida. Otros aspectos destacados incluyen los tonos de guitarra que se filtran suavemente en "The Sick", las progresiones de acordes vaporosas en las suaves "Black Lines" y la extensa tranquilidad del cierre del álbum con "The Manual".

El álbum "Minor Shadows" es una obra lenta y meditativo que requiere tiempo para germinar. Crea la duda y la pregunta ¿es un disco de "Post-Rock" o de música Ambient? Yo no lo tengo totalmente claro, puede ser ambos...¿Porque no? No obstante, hay algo que sí tengo claro, no es un disco para bailar ni quizás para ser acompañado de amigos. Es un álbum para ti, para tus momentos y para sonar dentro de tu espacio y en tu contexto. Hay un "Soul" genuina que reside en esta música, una presencia gentil que tranquiliza y de degusta mejor a solas.

Un disco recomendado. Un álbum en línea con el "Post-Rock" muy atmosférico y suave. Tan mínimo, que se acerca a la música "Ambient". Un disco poco conocido (como el dúo 1 Mile North) que desafortunadamente no ha encontrado un público más amplio. Ahora es una oportunidad para descubrir esta formación y este álbum.

Otros artistas y bandas en la misma línea pueden ser Robert Fripp, Brian Eno, Keith Fullerton Whitman, Boards of Canada y The Durutti Column...para hacerte una idea de donde van los tiros con "Minor Shadows". Buscar el álbum, te puede sorprender.

Video del tema "In 1983 He Loved To Fly":



Tracklist del álbum "Minor Shadows":

1."In 1983 He Loved To Fly"
2."Life Indoors"
3."Return To From Where We Came"
4."The Sick"
5."Black Lines"
6."August 8:15"
7."The Manual"

ALPHA | Stargazing - Album

Alpha (Banda)

Formación de música electronica inglés de la ciudad de Bristol. Se fundó el "colectivo" en 1996 por Corin Dingley, Wendy Stubbs y Hannah Collins; otro miembro fundador, Andy Jenks, dejó en 2007.

El dúo Corin Dingley y Andy Jenks inspirado en las bandas sonoras de películas trabajaron anteriormente a "Alpha" en un proyecto llamado "Ariel" (1995), y en otros conjuntos como "Statik Sound System" y "Sugarboat" en el área de Bristol, hogar de los grupos de Trip Hop Massive Attack y Portishead. Al igual que Massive Attack, Alpha reclutó a cantantes para agregar voces a su estilo downtempo, lo que los llevó a ser incluidos en la categoría de "Post Trip Hop".

El movimiento de "Trip Hop" de la ciudad de Bristol es tan estrecha que "Alpha" y su debut álbum, "Come from Heaven",  fue el primer lanzamiento del sello "Melankolic" de Massive Attack en 1997.

Desde entonces han publicado 10 álbumes de estudio; a continuación su discografía hasta ahora:

• Come from Heaven (1997)
• The Impossible Thrill (2001)
• Stargazing (2003)
• Made in Space (2003)
• Lost in a Garden of Clouds: Part 1 (2004)
• Lost in a Garden of Clouds: Part 2 (2006)
• The Sky Is Mine (2007)
• Two Phazed People (2009) (with Horace Andy)
• Eleventh Trip (2012)
• Loving Nobody (2015

El álbum debut "Come from Heaven" de 1997 es una gran tarjeta de introducción y "The Impossible Thrill" (2001) es muy bueno, ambos son muy recomendados. Sin embargo para mi el tercer disco "Stargazing" (2003) es la joya de la corona de la discografía de ALPHA.

ALBUM: Stargazing

Tercer álbum de estudio publicado el 12 de mayo de 2003. Incluye contribuciones vocales de Wendy Stubbs, Helen White, Martin Barnard y Kelvin Swaby. En 2004, se publicó un CD de edición especial con una lista de canciones diferentes; lo menciono para los fanaticos y coleccionistas. Alpha habían dejado el sello discográfico de Massive Attack, y puede que explique la partida - "cambio" - en sonido para este disco: para mi más energético-vivo. Es especulación mía.

No obstante, las canciones son soñadoras, orgánicas y exuberantes. Corin Dingley y Andy Jenks admitieron que perdieron la trama en lo que respecta a la melodía y el ritmo antes de grabar las canciones que componen "Stargazing", pero con sus 14 canciones son audaz y hermosos llevándote  al corazón del viaje atmosférico.

Para alcanzar la accesibilidad no ha amortiguado la dinámica etérea de la banda. Si anteriormente sonaban como si estuvieran canalizando Massive Attack, aquí se expanden en influencias que van desde "Nick Drake"...a "John Barry". Las cuerdas (violines) y los instrumentos de aire explotan como adornos musicales, mientras las baladas se mezclan con efectos de sonido de ciencia ficción y cine que crean una agradable tensión.

El cuarteto de vocalistas y antiguos colaboradores Wendy Stubbs, Helen White, Martin Barnard y Kelvin Swaby pintan imágenes auditivas evocadoras, tiernas y de texturas extrañas. Un ejemplo es la voz de Kelvin Swaby que encaja perfectamente con Alpha, lo que supone un cambio brillante de ritmo como demuestra el tema "Elvis". En fin, un disco pensado y madurado que claramente demuestra una evolución musical de la formación tanto en sonidos como en las composiciones que transmite cierta sofisticacion. Mientras que algunos de sus contemporáneos publicaron álbumes un tanto torpes y serpenteantes, Alpha redefinió la música electrónica inteligente y apasionada del soul con este álbum.

Un disco recomendado. Muy buen álbum de música electronica ambient-downtempo. El título del "Mejor álbum de Alpha" no es unánime, se discute entre los primeros tres discos. En mi caso, elijo "Stargazing"; pacífico, intenso y en última instancia inspirador. Perfecto para desconectar, escuchar y mirar las estrellas de noche.

Video del tema "As Far as You Can":



Tracklist del álbum "Stargazing":
1. "Sleepdust" 1:36
2. "Once Round Town" 3:01
3. "Lipstick from the Asylum" 3:52
4. "A Perfect End" 4:08
5. "Elvis" 3:23
6. "As Far as You Can" 3:30
7. "Saturn in Rain" 4:43
8. "Waiting" 3:52
9. "Silver Light" 4:11
10. "I Just Wanna Make You" 3:51
11. "Vers Toi" 3:48
12. "Double View" 2:56
13. "Blue Autumn" 4:50
14. "Portable Living Room" 4:01

RITES OF SPRING | End to End - Album

¿Y si te digo que el estilo "EMO" comenzó con una banda de Post-Hardcore?

Rites of Spring (Banda)

Banda americana de Post-Hardcore de la ciudad de Washington DC conocida por sus enérgicas presentaciones en directo. Se formaron en marzo de 1984, con el vocalista y guitarrista Guy Picciotto, el guitarrista Eddie Janney, el bajista Mike Fellows y el baterista Brendan Canty.

Junto con las bandas "Embrace" y "Beefeater" fueron uno de los grupos principales del movimiento "Revolution Summer de 1985" que tuvo lugar dentro de la escena Punk-Hardcore de Washington D.C. Musicalmente, "Rites of Spring" aumentó la violencia frenética y la pasión visceral del Hardcore mientras experimentaba simultáneamente con sus reglas de composición. Líricamente, también cambiaron el Hardcore hacia lo intensamente personal y, al hacerlo, se consideran la primera banda "EMO", aunque "Rites of Spring" rechazó cualquier asociación entre ellos y el mencionado estilo Rock. No obstante, les guste o no, su música personificaba "EMO" en el sentido original del término: una marca de punk hardcore cargado de emociones y marcado por letras introspectivas y personales y catarsis intensa. La banda llevó el "Hardcore" a un estado superior de ser. Ya no era político, sino personal.

La banda solo realizó alrededor de 15 directos, publicaron solo un álbum de estudio: "Rites of Spring" (1985) y no atrajeron mucha atención fuera de Washington D.C durante su etapa, su influencia fue tremenda. No solo trazaron una nueva dirección para el Hardcore que se basó en las innovaciones de "Zen Arcade" de Hüsker Dü, sino que engendraron una gran cantidad de imitadores, primero localmente, luego en otros lugares. Su descendientes, a su vez, llevaron gradualmente el "EMO" a un público subterráneo más amplio, desde ese punto se transformó en hebras variadas que a menudo no tenían un parecido superficial con "Rites of Spring", pero de todos modos les debía una gran deuda.

En 1986 la banda se separa. Picciotto, Janney and Canty formaron "One Last Wish", antes de irse Picciotto y Canty a la banda FUGAZI. El bajista Mike Fellows formó "Mighty Flashlight" y continuó en solitario.

Discografía de álbumes de estudio álbum:

Rites of Spring (1985)

Sin embargo, el álbum que se debe buscar es "END ON END", ideal para descubrir la banda y tener todo su material en un sitio...más adelante 

ÁLBUM: END TO END

Es un álbum recopilatorio publicado en 1991 por el sello "Dischord". El disco consiste en el primer álbum del grupo "Rites of Spring" y su EP "All Through a Life", junto con otro tema de estudio, asi cubriendo la producción completa de la banda Rites of Spring.

¿Es una recopilación emocional? Sí, escucha al amargo memorial revivido en "For Want Of", el latido del momento que es "Drink Deep", o las búsquedas dedicadas de honestidad y significado exploradas en "End on End", "Theme" y realmente casi todas las canciones del disco. ¿Es un álbum duro? Sí, al salir de la escena de Washington D.C, la música es pura energía, ni una sola nota desperdiciada. La banda a veces es rápida y furiosa, otras exuberante y evocadora, aunque siempre con un sentido de impulso y melodía.

Es un pedazo de recopilatorio, no hay un mal momento y cubre todo lo grabado de esta extraordinaria banda Hardcore que pasó por un especie de "metamorfosis" para hacer evolucionar más el Rock.

Un disco recomendado. Perfecto para descubrir "Rites of Spring" si no les conoces. El álbum "End on End" simplemente es un testimonio de las ricas posibilidades de sinceridad en la música, y como siempre hay mucho más ocurriendo por "debajo" de lo que primero suena. Discazo!

Video del tema "For Want Of":

Tracklist de álbum "End to End":

"Spring" – 2:32

"Deeper than Inside" – 2:16

"For Want Of" – 2:58

"Hain's Point" – 1:53

"All There Is" – 2:00

"Drink Deep" – 2:23

"Other Way Around" – 3:11

"Theme" – 2:11

"By Design" – 2:11

"Remainder" – 2:31

"Persistent Vision" – 2:37

"Nudes" – 2:32

"End on End" – 7:36

"All Through a Life" – 2:27

"Hidden Wheel" – 2:31

"In Silence/Words Away" – 3:00

"Patience" – 1:58

BLONDE REDHEAD | 23 - Album

Dos gemelos italianos que crecieron en Canadá y una chica japonesa que se mudó a los Estados Unidos para estudiar se cruzan y forman una banda en Nueva York. Bonita historia ¿verdad?...seguimos...

Blonde Redhead (Banda)

Banda de Rock Alternativo (Dream Pop) compuesta por Kazu Makino (voz, teclado y guitarra rítmica) y los hermanos gemelos Simone y Amedeo Pace (batería, teclados y guitarra...teclados y voz... respectivamente) formado en la ciudad de Nueva York en 1993. Blonde Redhead son unas de las bandas más creativas del Indie Rock.

Simone y Amedeo Pace nacieron en Milán, Italia, crecieron en Montreal (Saint-Léonard), pero luego se mudaron a Boston para estudiar Jazz. Después de obtener su licenciatura, ingresaron a la escena musical "underground" de la ciudad de Nueva York. Blonde Redhead se formó en Nueva York en 1993 después de que Amedeo y Simone conocieron a Kazu Makino, una estudiante de arte en ese momento, por casualidad en un restaurante italiano local. La banda se nombró a sí misma después de una canción en el EP de 1981 "A Taste of DNA" por el grupo "No Wave" DNA.

Los primeros álbumes de la banda se destacaron por sus influencias de Noise Rock, aunque su sonido evolucionó a principios de la década de 2000 con los lanzamientos de los álbumes "Misery is a Butterfly" (2004) y "23" (2007), que incorporaron elementos de "Dream Pop", "Shoegaze", "Electrónica" y otros géneros. Han publicado nueve álbumes de estudio, a continuación su discográfica hasta el momento:

1995    Blonde Redhead    

La Mia Vita Violenta  

1997    Fake Can Be Just as Good      

1998    In an Expression of the Inexpressible   

2000    Melody of Certain Damaged Lemons  

2004    Misery Is a Butterfly     

2007    23    

2010    Penny Sparkle  

2014    Barragán

El álbum que más me gusta es "23".

ALBUM: 23

 Séptimo álbum publicado el 10 de abril de 2007 y principalmente autoproducido. Me gusta este álbum por la sensación indie soñadora. Consiste de fondo tipo coro y voces relajantes que le dan a toda la música una sensación serena. Incluso los ritmos tienen una sensación muy fluida...la banda evoluciona con este trabajo hacia el "Dream Pop".

Y es que con cada álbum desde "Melody of Certain Damaged Lemons" (2000), Blonde Redhead ha avanzado y evolucionado con su sonido. "Misery is a Butterfly" (2004) enfrentó melodías frágiles contra arreglos oscuros y arremolinados, y su glamour trágico convirtió el álbum en un favorito de culto. Con "23", la banda cambia el "Chamber Rock" por un "Dream Pop" y una electrónica sutil; si bien los amplios espacios abiertos suenan un poco desnudos al principio, este enfoque termina convirtiendo el trabajo más encantador y accesible.

Este disco contiene delicados ritmos electrónicos, guitarras brillantes y melodías majestuosamente agridulce que lo colocan en algún lugar entre "My Bloody Valentine" (ejemplo el tema "23") y "Asobi Seksu". Lo que da "Blonde Redhead" un punto más sobre otras formaciones es el don para las melodías inquietantes, particularmente en con el tema "Publisher", mi tema favorita del disco.

El álbum "23" impresiona, de hecho, su único defecto podría ser que su lista de canciones es un poco pesada, dicho esto, es un disco misterioso y ecléctico, con una belleza ingeniosamente extraña y memorable.

Momentos estelares para mi son las canciones "Publisher", "SW", "Heroine", "23", "Dr. Strangeluv" y "The Dress".

Un disco recomendado. Es exuberante, profundo, producido y ejecutado muy bien, y la mayoría de canciones son simplemente hermosas. Entiendo antemano que puede no ser un estilo ni disco para todos, si te gusta el "Shoegaze" fusionado con la "Electrónica" busca este álbum y prestalo media hora. Puede que te sorprenda.

Video del tema "Publisher" en directo:

Tracklist del álbum "23":

1.         "23"     5:18

2.         "Dr. Strangeluv"           4:47

3.         "The Dress"      4:00

4.         "SW"   4:35

5.         "Spring and by Summer Fall"    4:15

6.         "Silently"          3:57

7.         "Publisher"       4:01

8.         "Heroine"         4:11

9.         "Top Ranking"  3:27

10.       "My Impure Hair"        4:52