BIG STAR | Third / Sister Lovers - Album

BIG STAR

Banda de "Rock-Power Pop" americana formada en Memphis, Tennessee, en 1971 por Alex Chilton, Chris Bell, Jody Stephens y Andy Hummel. El grupo se separó a principios de 1975 y se reorganizó con una nueva formación 18 años después, conjunto que será en adelante irrelevante (para mi) ya que donde dejan huella es la etapa 1971-1975.

El estilo musical de la banda se basó en bandas como "The Beatles", "The Rolling Stones" y "The Byrds". Big Star produjo un estilo musical que presagiaba el Rock-Alternativo de los años 80 y 90. Los especialistas han llegado a llamarlos... "la banda americana de Power-Pop por excelencia"..."unas de los grupos más míticas y banda de culto más influyentes en todo el Rock N Roll ". Si estoy de acuerdo, exagerado, aunque indica perfectamente el impacto de Big Star durante sus 4 años.

La discografía de Big Star:

• #1 Record (1972)
• Radio City (1974)
• Third/Sister Lovers (1978)
• In Space (Rykodisc, 2005)

El primer álbum # 1 Record de 1972 fue bien recibido por la crítica, pero el marketing ineficaz de su sello discográfico "Stax Records", y la distribución limitada frenaron en seco su éxito comercial. La frustración hizo mella en las relaciones dentro la banda: Chris Bell se fue poco después de que el progreso comercial del primer disco se detuviera y Andy Hummel se fue después del segundo álbum "Radio City" se completará en 1973. Como el disco "# 1 Record", Radio City recibió excelentes críticas, pero de nuevo problemas de distribución y cómo posicionarnos para el marketing frustró las ventas. Después de que un tercer álbum, grabado en el otoño de 1974, fuera considerado comercialmente inviable y archivado antes de recibir un título, la banda se separó en 1975. Cuatro años más tarde, los dos primeros LP de Big Star se lanzaron juntos en el Reino Unido como un doble álbum. El tercer álbum de la banda finalmente se publicó poco después; titulado "Third / Sister Lovers", encontró un éxito comercial limitado, pero desde entonces se ha convertido en un clásico de culto. Poco después, Chris Bell murió en un accidente automovilístico a la edad de 27 años.

Después de pasar desapercibido al gran público, la discografía de Big Star atrajo una atención renovada cuando los grupos "R.E.M" y "The Replacements", así como otras bandas populares, citaron a BIG STAR como una influencia. En 1992, el interés creció aún más por las reediciones del sello "Rykodisc" de los álbumes de la banda, complementadas por una colección del trabajo en solitario de Bell. En 2014, Paul Stanley (KISS) citó a "Big Star" como una influencia en los primeros momentos de Kiss.

En 1993, Alex Chilton y Jody Stephens reformaron Big Star, incluso publicaron un disco "In Space" en 2005, pero esto el anecdótico. Como ya he mencionado la etapa importante fue 1971-75.

ALBUM: Third / Sister Lovers

Tercer álbum. Las sesiones de grabación comenzaron en septiembre de 1974, pero unas combinaciones de problemas financieros, el estilo-sonido no comercial del disco y la falta de interés del cantante Alex Chilton y el baterista Jody Stephens para continuar con el proyecto, evitó que el álbum se terminará correctamente. Finalmente fue publicado el 18 de Marzo de 1978.

Me parece curioso esto, cuando se decide que un disco no es "comercial" lo más probable (no siempre) es que sea un disco adelantado a su tiempo. Y así fue, han sido los ultimo 20 años que la gente a comenzado a abrazar esta obra. Es ahora un álbum de adoración y culto.

Después de dos álbumes sin éxito comercial, "Third / Sister Lovers" documenta el deterioro de las relaciones en la banda, así como el estado mental en declive del cantante Alex Chilton. Es un disco más lento, más oscuro y mucho más "caótico" que los dos primeros álbumes, es un trabajo de músicos que se están despedazando y hay tristeza y algo de desilusión. No obstante, las canciones son brillantes ("Take Care", "Nighttime" "Till the End of the Day" (versión de THE KINKS),"Nature Boy" (versión de NAT KING COLE) y "Blue Moon), una colisión frontal entre la inspiración y la frustración, y el álbum es una especie de profecía autocumplida, cada canción huele a absoluta derrota y desesperación. El resultado es una de las experiencias más vívidamente emocionales en la música Pop. No se puede negar la atracción magnética y "morbo" de "Third/ Sister Lovers". Hay tambien huellas del "Power Pop" lúdico de la banda en "Kizza Me" y "O, Dana", y otras canciones como "Holocaust" y "Kangaroo" se basan claramente en la búsqueda de experimentalismo.

Con todo sus problemas este disco ha tenido una gran influencia sobre el "Rock Alternativo", y sus melodías poco convencionales, junto con delicados arreglos de cuerdas, han inspirado el sonido de bandas como "Radiohead" y "Wilco". Las canciones aquí han sido versionados por innumerables artistas, desde Jeff Buckley y Yo La Tengo hasta Placebo y This Mortal Coil, un testimonio de la resistencia e importancia de este álbum.

Un disco recomendado. El típico álbum que no te gusta o lo amas, reconozco que es de difícil digestión y requiere repetidas escuchas y concentración. En mi caso no entró bien al principio y con concentración sobre la musica (melodías, arreglos, letra) y documentarme un poco como se "parió" este álbum, he llegado a entenderlo y quererlo. Si no conoces a BIG STAR, o este disco, darlo una escucha (o varios),  puede ser un gran descubrimiento.

Video de BIG STAR y la canción "Take Care":

THE ZOMBIES - Odessey and Oracle - Album

THE ZOMBIES (Banda)

Banda de "Rock Pop-Psicodelia" inglesa formada en 1962 dirigida por el teclista Rod Argent y el vocalista Colin Blunstone. El primer nombre de la banda fue "Mustangs" pero cambiaron cuando se enteraron que había otro grupo con el mismo nombre. Aprovechando la "invasión britanica" de los EE.UU (con otros como The Yardbirds, Herman's Hermits, The Animals, The Hollies...) cruzaron el Atlántico para buscar su sitio en "El Dorado" de la musica.

El grupo obtuvo éxito británico y aún más en américa en 1964 con el single "She's Not There". En los Estados Unidos, otros dos temas, "Tell Her No" en 1965 y "Time of the Season" en 1968, también tuvieron éxito. Su álbum de 1968 "Odessey and Oracle" ocupa el puesto #100 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. En 2019 fueron incluidos en el "Salón de la Fama del Rock and Roll" (Rock N Roll Hall of Fame).

Aparte de "The Beatles" y quizás "The Beach Boys", ningún grupo de Rock de mediados de los años 60 escribió melodías tan hermosas como "The Zombies". Dominado por las voz seductora de Colin Blunstone y las armonías de acompañamiento del órgano y piano de Rod Argent, la banda sonaba completamente única para su época. Hasta el día de hoy son conocidos principalmente por sus tres singles de gran éxito; "She's Not There" (1964), "Tell Her No" (1965) y "Time of the Season" (1969). Mucha gente desconoce que el grupo mantuvo su exito (más en EE.UU que en Reino Unido) y una calidad de trabajo muy alto durante varios años. Hay acuerdo entre los historiadores de la música que fueron demasiados "aventureros" en sus composiciones y melodías, y esto les frenó tener más acceso a la radio comercial. Cosa que obstaculizo que pudieran llegar a un nivel más alto y merecido de exito popular. No obstante tuvieron un impacto sobre músicos y bandas como "The Doors", "The Byrds" y "The Kinks", y más adelante sobre "The Jam", "Elliott Smith", "Foo Fighters", "OK Go" ...etc.

El conjunto experimentó varias rupturas y cambios en formación. La epoca de más interés y relevante es 1962-1967, resto de etapas son reuniones y el afán de "vivir los viejos" tiempos.

La discografía de The Zombies hasta ahora:

• Begin Here (UK) / The Zombies (US) (1965)
• Odessey and Oracle (1968) 
• The Return of the Zombies (1990)/New World (1991)
• R.I.P. (2000)
• As Far as I Can See... (2004)
• Breathe Out, Breathe In (2011)
• Still Got That Hunger (2015)

ALBUM: Odessey and Oracle

Segundo álbum publicado en abril de 1968. Fue grabado durante un período de tres meses entre junio y agosto de 1967. Las sesiones tuvieron lugar en los estudios Abbey Road y Olympic Studios en Londres. Fue recibido con indiferencia en su lanzamiento. Un single del álbum "Time of the Season" más tarde se convirtió en un éxito sorpresa en los Estados Unidos a principios de 1969. El álbum gradualmente alcanzó fama y desde entonces se ha convertido en uno de los álbumes más aclamados de la década de los años 60.

Este disco es un obra maestra del "Rock Pop-Psicodelia" mostrando al grupo alcanzando nuevos niveles de sofisticación en composición y rendimiento, finalmente se extendieron más allá de las canciones estrictamente románticos a unas letras más variado. Las composiciones "Hung Up on a Dream" y "Changes" son canciones del "Rock-Psicodélico" de lo más poderosos que se hayan escuchado, con una sección de ritmo sólido, un sonido cálido del "Mellotron" (un instrumento musical electro-mecánico polifonico),  guitarra y piano melodico. Con "Changes" también se explota un canto emocionante, mientras con "This Will Be Our Year" hacen uso de las trompetas de una manera que recuerda a "Penny Lane" de The Beatles. También está el "temazo" "Time of the Season", la canción más conocida del disco y un clásico del "White Soul".

Como suele pasar, "Odessey and Oracle" coincidió con unos "monstruos" de obras en "Stg Peppers.." de "The Beatles" y "Pet Sounds" de "The Beach Boys". Siendo así, el álbum esta a la misma altura y quizás más en lo que se refiere a su aspecto más "psicodélico". Lo notable es que no ha envejecido en más de 50 años y sigue siendo una escucha muy placentera.

Un disco recomendado, pieza importante de los años 60 del Siglo XX y del "Rock Pop-Psicodélico" más melódico. Un álbum que se ha perdido entre otros "gigantes" de su epoca que no obstante a tenido su influencia sobre músicos posteriores y ha resurgido los ultimos años gracias a los especialistas e historiadores de música. Buscar este disco y escucharlo, solo es de 35 minutos y seguro que va gustar.

Video de "The Zombies" con el tema "Time Of The Season":



Tracklist (formato LP original):

CARA A:

1. "Care of Cell 44" 3:57
2. "A Rose for Emily" 2:19
3. "Maybe After He's Gone" 2:34
4. "Beechwood Park" 2:44
5. "Brief Candles" 3:30
6. "Hung Up on a Dream" 3:02

CARA B:

7. "Changes" 3:20
8. "I Want Her, She Wants Me" 2:53
9. "This Will Be Our Year" 2:08
10. "Butcher's Tale (Western Front 1914)" 2:48
11. "Friends of Mine" 2:18
12. "Time of the Season" 3:34

Músicos:

• Colin Blunstone – voz
• Rod Argent – teclados
• Paul Atkinson – guitarra
• Chris White – bajo,
• Hugh Grundy – batería

BUZZCOCKS | Another Music in a Different Kitchen

BUZZCOCKS (Banda)

Grupo británico de "Punk Rock" formado en 1976 por el cantante, compositor y guitarrista Pete Shelley y el cantante y compositor Howard Devoto. Son considerados como una influencia esencial en la escena musical de la ciudad de Manchester; parte clave del movimiento independiente y "Punk-Rock". Lograron el éxito comercial con "singles" que fusionan la artesanía pop con la energía del estilo Punk.

Shelley y Devoto eligieron el peculiar nombre "Buzzcocks" después de leer el titular, "It's the Buzz, Cock!" en una reseña de la serie de televisión "Rock Follies". El "Buzz" es la emoción de tocar en directo; "Cock" es la jerga del norte de Inglaterra que significa "colega". Pensaron que captaba la emoción de la naciente escena Punk, además de tener connotaciones sexuales humorísticas: "Cock" tambien se usa para describir el pene, en español sería "polla".

Howard Devoto dejó la banda en 1977 para convertir a Pete Shelley en el principal cantante y compositor. Desde entonces han experimentado muchos cambios en formación y rupturas. Volverían de vez en cuando para revivir "los viejos tiempos", hasta que Pete Shelley murió el 6 de diciembre de 2018 de un ataque de corazón, dejando el futuro de la banda incierto.

Para mi la etapa más importante y donde más impactaron fue los años 1976-79, o dicho de otra manera sus tres primeros álbumes. A continuación su discografía:

• Another Music in a Different Kitchen (1978)
• Love Bites (1978)
• A Different Kind of Tension (1979)
• Trade Test Transmissions (1993)
• All Set (1996)
• Modern (1999)
• Buzzcocks (2003)
• Flat-Pack Philosophy (2006)
• The Way (2014)

Buzzcocks fueron una banda más de singles, es decir, los sacaban como rosquillas y empaquetaban mejor toda la fuerza de su "Punk" más accesible. Los tres primeros discos son muy buenos, me inclino más por el debut "Another Music in a Different Kitchen" ya que pienso que contiene la esencia de la banda, aunque ya no estaba Howard Devoto. Como con muchos grupos la necesidad de tener que publicar nuevos álbumes, y rápidamente, "fuerza la máquina" y baja la calidad. El segundo "Love Bites" se lanzó el mismo año; o tenían material extra o tuvieron que componer nuevos temas sin pausa. El tercero sale el año siguiente y ya se detecta signos de conflicto interno relacionado con la direccion musical.

ALBUM: Another Music in a Different Kitchen

El primer álbum publicado en marzo de 1978. El disco fue grabada con la tercera formación de Buzzcocks; el guitarrista Pete Shelley cantando después de la salida del vocalista original Howard Devoto y el despido del bajista Garth Smith - los tres otros miembros de este álbum son Steve Diggle (guitarra y voz), Steve Garvey (bajo) y John Maher (drums).

El disco es pegadizo como demuestran los temas "I Don´t Mine" y "No Reply" dónde Shelley está en su mejor momento. Hay tambien otros grandes temas como "Fast Cars" que abre el disco con un ritmo acelerado que no decepciona, "Autonomy" que es uno de los mejores cortes del álbum y "Moving Away From the Pulsebeat" que todavía suena como si se hubiera grabado hoy. El repertorio son cortes de entre dos y tres minutos y ponen en exposición la "fusión" de "riffs" melodías - POP - al estilo "Punk", elemento que les diferenciaba de sus contemporáneos. Se puede decir que las canciones de este disco son de un "Pop" brillantes en el estilo clásico acompañados de "riffs" que solo amantes de los "Stooges" y "T.Rex" podría escribir.

En "Another Music in a Different Kitchen" aparece la ansiedad sexual y la parte más humorística de Shelley en las letras de los cuales esta perfectamente complementada por la pura energía de la batería propulsado ​​por John Maher, es otro elemento que los hace que este disco se destaque entre todos los demás dentro del "Punk británico". En resumen, hay grandes canciones sobre el amor y las angustias adolescente envueltas en "riffs" de guitarra "poppy" que siguen sonando de actualidad.

Un disco recomendado, un álbum que sirve hoy (+ de 40 años) para volver Buzzcocks del casi olvido y sacarles fuera de la gigantesca sombra de los tres más mencionados del "Punk": Ramones, Sex Pistols y The Clash. Por razones que son difícil de entender a los Buzzcocks se les sitúa en un segundo plano cuando su contribución a sido clave al "Punk",  y en cierto modo hacer este estilo algo más accesible.

Existe un álbum titulado "Singles Going Steady" que es una recopilación de todo sus grandes singles (y caras B) publicado en 1979. Se puede decir que encuentras lo mejor de los tres primeros álbumes en un solo sitio.

Lo menciono porque es una alternativa a "Another Music in a Different Kitchen" y un grandísimo disco de introducción para la gente que no conoce BUZZCOCKS...Es una obra impresionante y muchos fans de ahora "entraron" por "Singles Going Steady" primero para descubrir despues los discos individuales. Otra opción más!

Video de Buzzcocks con "Autonomy" en directo:



Tracklist (álbum original) de "Another Music in a Different Kitchen":
CARA A
1. "Fast Cars" 2:26
2. "No Reply" 2:16
3. "You Tear Me Up" 2:27
4. "Get on Our Own" 2:26
5. "Love Battery" 2:09
6. "Sixteen" 3:38
Side B
7. "I Don't Mind" 2:18
8. "Fiction Romance" 4:27
9. "Autonomy" 3:43
10. "I Need" 2:43
11. "Moving Away from the Pulse Beat" 7:06

SIOUXSIE AND THE BANSHEES | Tinderbox - Album

Siouxsie and the Banshees

Banda britanica de "Gothic-Rock-Alternativo" formada en Londres en 1976 por el vocalista Siouxsie Sioux y el bajista Steven Severin. Han sido muy influyentes, tanto sobre sus contemporáneos como con con otras bandas posteriores. Han impactado sobre muchos géneros incluidos el "Post-Punk", "New Wave", "Synth Pop", música "Alternativa", "Shoegazing" y incluso el "Trip-Hop". Han inspirado a músicos y bandas como Robert Smith (toco guitarra y teclados en el disco "Hyaena" (1984) de Sioux..), Joy Division, The Cure, the Smiths, Depeche Mode, PJ Harvey, Jane Addiction, The Jesus and Mary Chain, Faith No More, Smashing Pumpkins, Slowdive, Radiohead, Tricky, LCD Soundsystem...etc. Como puedes apreciar el grupo a dejado una importante huella dentro del Rock moderno (en especial el británico).

Cada componente era musicalmente excepcional en lo suyo. La prestigiosa revista musical "Mojo" calificó al guitarrista John McGeoch en su lista de los "100 mejores guitarristas de todos los tiempos" por su trabajo en el disco "Spellbound". "The Times" citó al grupo como "uno de los aventureros musicales más audaces e intransigentes de la era "Post-Punk". Dos opiniones muy respetables y de los que comparto, añadiendo que Siouxsie Sioux fue además una gran cantante de Rock, transgresora, revolucionaria y pionera en avanzar aún más la figura de la mujer dentro del Rock.

Inicialmente fueron asociados con la escena "Punk", la banda evolucionó rápidamente para crear una forma de discordia "Post-Punk" atrevida y de experimentación rítmica. Su álbum debut "The Scream" fue publicado en 1978 con gran éxito y aceptación por la crítica musical. En 1980 cambiaron su dirección musical y se convirtieron en una banda casi diferente con el disco "Kaleidoscope" que alcanzó el #5 en la lista de álbumes del Reino Unido. Con el álbum "Juju" (1981) se convirtieron en una influencia en la escena "Gothic" emergente. En 1988, la banda "rompe" finalmente el mercado de los EE.UU con el álbum multifacético "Peepshow" que recibió los elogios de la prensa musical. Aquí lideran la ola de "Rock Alternativo" y "New Wave" que motiva muchas bandas americanos a seguir su camino.

"Siouxsie y los Banshees" publicaron 11 álbumes de estudio y 30 sencillos. Aquí esta su discografía:

• The Scream (1978)
• Join Hands (1979)
• Kaleidoscope (1980)
• Juju (1981)
• A Kiss in the Dreamhouse (1982)
• Hyæna (1984)
• Tinderbox (1986)
• Through the Looking Glass (1987)
• Peepshow (1988)
• Superstition (1991)
• The Rapture (1995)

La banda experimentó varios cambios de formación durante su carrera con Siouxsie y Steve Severin siendo los únicos miembros permanentes. Se disolvieron en 1996, pero Siouxsie y el baterista Budgie continuaron grabando música bajo "The Creatures", una segunda banda que habían formado a principios de la década de 1980. En 2004, Siouxsie comenzó una carrera en solitario que sigue hasta hoy sin mucho ruido. Me interesa solo sus primeros 10 años, para mi su mejor epoca, y tres discos en particular: "Kaleidoscope", "Juju" y "Tinderbox".

ALBUM: Tinderbox

Séptimo álbum publicado el 21 de abril de 1986. Fue el primer trabajo con el nuevo guitarrista John Valentine Carruthers (reemplaza Robert Smith - The Cure en el álbum "Hyaena" y John McGeoch antes en "A Kiss in the Dreamhouse"). Este álbum fue el que me introduce a "Siouxsie & the Banshees" y me convierte en fan. Una obra oscura pero pegadiza y con grandes canciones como el magnífico "Cities in Dust" (un clásico y uno de los mejores singles de los años 80),"Cannons" y "Lands End".

Musicalmente es el álbum quizás el más rítmico, oscuro pero pegadizo, con grandes canciones como "This Unrest", "Cannons", "Lands End" y "Cities in Dust". En este disco encontramos los estilos "Punk", "Rock Alternativo" "Gothic", "New Wave oscuro"...; como quiera llamarlo, en un solo sitio. Es un impresionante trabajo y álbum. Lo curioso es que salieron de este disco temas que se trasladaron a las pistas de baile, en especial, los Clubes más "underground" a finales de los años 80 del siglo XX. Indica su "toque" comercial y producción más accesible a un público más "Pop".

Disco recomendado. Un álbum que quizás no entre tan ágilmente a primeras con la generación "millennials" que han crecido sin interesarse (en su mayoría) en la cultura histórica de la música Rock para entender el sitio de "Siouxsie and the Banshees", su contribución, impacto y legado. Es el último de los grandes álbumes de "Siouxsie & the Banshees" y es considerado retrospectivamente por muchos - yo incluido - un referente del estilo "New Wave" y un clásico del "Rock Alternativo".

Buscarlo si no lo conoces, sí solo para escuchar "Cities in Dust". No obstante, te dejo el video...

Video del tema "Cities in Dust" del álbum "Tinderbox":



Tracklist:
CARA A
1. "Candyman" 3:44
2. "The Sweetest Chill" 4:07
3. "This Unrest" 6:21
4. "Cities in Dust" 3:51
CARA B
5. "Cannons" 3:14
6. "Party's Fall" 4:56
7. "92°" 6:02
8. "Land's End"

Músicos del álbum:
Siouxsie Sioux - voz
Steven Severin - bajo y teclados
Budgie - batería
John Valentine Carruthers - guitarra y teclados

Producido por "Siouxsie and The Banshees".

SYSTEM OF A DOWN | Toxicity - Album

System of a Down (Banda)

Banda armenio-americana de "Heavy-Progressive-Metal" (Glendale, California) formada en 1994. La banda actualmente consiste de Serj Tankian (voz y teclados), Daron Malakian (voz y guitarra), Shavo Odadjian (bajo y voz) y John Dolmayan (batería) - antes Andy Khachaturian.

La banda se ha ganado un sitio en el "olimpo" del Metal logrando el éxito comercial con la publicación de 5 álbumes de estudio, tres de los cuales debutaron en el #1 del Billboard 200. System of a Down ha sido nominado para cuatro premios Grammy y su canción "B.Y.O.B." ganó un Premio Grammy a la "Mejor Interpretación de Hard Rock" en 2006.

La banda decidió en 2006 tomar un tiempo de "descanso" y se reunió en 2010; desde entonces han actuado en directo ocasionalmente a pesar de no haber grabado ningún material nuevo desde el disco "Hypnotize" de 2005. Últimas noticias es que están trabajando nuevo material para un posible disco... no hay confirmación oficial.

Han vendido más de 40 millones de discos en todo el mundo, mientras que dos de sus singles "Aerials" e "Hypnotize" alcanzaron el #1 en la lista de singles "Alternativo" de Billboard.

La discografia de System of a Down hasta ahora es:

• System of a Down (1998)
• Toxicity (2001)
• Steal This Album! (2002)
• Mezmerize (2005)
• Hypnotize (2005)

Las influencias sobre la música de "System of a Down" vienen del Medio Oriente, Black Sabbath, Led Zeppelin, Def Leppard, Scorpions, NWA, Run-DMC, Abdel Halim Hafez, Grateful Dead, The Beatles, Red Hot Chili Peppers, Van Halen, Dead Kennedys, Jane´s Addiction, Metallica, Miles Davis, Alice In Chains, Bad Brains, Kiss y incluso The Bee Gees. Malakian ha declarado que "soy fanático de la música, no necesariamente soy fanático de ninguna banda". Aparte de todas las fuentes para surtirse de estilos, la banda utiliza una amplia gama de instrumentos, como mandolinas eléctricas, guitarras eléctricas de barítono, guitarras acústicas, ouds, sitars y guitarras de doce cuerdas. No hay duda que cada uno es un músico de primer nivel.

ALBUM: Toxicity

Segundo álbum publicado el 4 de septiembre de 2001 y producido principalmente por el gran Rick Rubin. En comparación con su gran primer disco ""System of a Down" de 1998, este presenta más melodías, armonías y canto. Clasificada como "Metal Alternativo" y/o "Nu Metal", Toxicity es más, incorpora otras músicas con "Folk", "Rock Progresivo","Jazz", música de armenia y música griega, incluido el uso prominente de instrumentos como el sitar, el banjo, los teclados y el piano. Está aqui su encanto, la diversidad y valiente apuesta que me hace elegir este disco por encima de sus otros trabajos.

La temática de este álbum va sobre política, la CIA, el medio ambiente, el sexo en grupo (lo denuncia), la brutalidad policial, la adicción a las drogas y los obsesivos fans de bandas. Cada canción tiene su propia identidad y fluye perfectamente a la siguiente. El álbum es muy bueno, combina los riffs simplistas y pesados ​​con el crujido de la guitarra de Malakian y las oscuras pero agresivas interpretaciones vocales de Tankian. Es un trabajo considerado por muchos especialistas como uno de los mejores álbumes de metal (si no el mejor) de la década de los años 2000 y ayudó a consolidar "System of a Down" en su propio legado. El álbum se situó en el #1 del Billboard 200. Los singles (cortes) que me gustaría destacar de este disco son "Chop Suey","Psycho","Aerials", "Forests", "Science" y "Toxicity", "Prison Song"...aunque es un trabajo consistente y muy solido. En definitiva, un gran álbum de principio al fin. No hay vez que me canso de escuchar este disco y mejora con el tiempo.

Un disco recomendado y referencia en su género. Es posible que no te entre a la primera, ser paciente, hay mucho que proponen los chicos y transmite cierta agresividad. Darlo tiempo y comenzarás a percibir las melodías suaves que existen debajo de las canciones para disfrutar de un equilibrado disco de emociones fuertes y cálidos. Buscar este trabajo si ya no lo conoces, te va gustar si lo tuyo es el Rock duro y sigues otras bandas similares como "Rage Against the Machine", "Tool", "Deftones" o "Metallica"...aunque "System of a Down" tienen su propio estilo y sonido.

Video del tema "Chop Suey!" del disco "Toxicity":

Tracklist del álbum "Toxicity":
1. "Prison Song" 3:21
2. "Needles" 3:12
3. "Deer Dance" 2:55
4. "Jet Pilot" 2:05
5. "X" 1:57
6. "Chop Suey!" 3:30
7. "Bounce" 1:54
8. "Forest" 4:02
9. "ATWA" 2:56
10. "Science" 2:42
11. "Shimmy" 1:50
12. "Toxicity" 3:40
13. "Psycho" 3:48
14. "Aerials" 6:11

VIOLENT FEMMES | Violent Femmes - Album

VIOLENT FEMMES (Banda)

Banda americana de "Punk-Rock-Alternativo" de Milwaukee, Wisconsin. Grupo que ha experimentado varios cambios en su formación pero me quedo básicamente con de los primer años (1981-83): bajista Brian Ritchie, percusionista Victor DeLorenzo y cantante-guitarrista Gordon Gano. El grupo se ha convertido en banda de culto y mantiene su "aura" de underground durante todos estos años. No se ven las super ventas (+ 10 millones de discos) ya que acumulan nuevos seguidores generacionales en forma de "goteo" que hace que venden a un ritmo constante y sin mucho ruido. Las nuevas plataformas de "streaming" les introduce a jóvenes que se hacen "fans".

Violent Femmes ha publicado 10 álbumes de estudio, a continuación su discografía:

• Violent Femmes (1983)
• Hallowed Ground (1984)
• The Blind Leading the Naked (1986)
• 3 (1989)
• Why Do Birds Sing? (1991)
• New Times (1994)
• Rock!!!!! (1995)
• Freak Magnet (2000)
• We Can Do Anything (2016)
• Hotel Last Resort (2019)

La banda encontró un éxito inmediato con su álbum debut "Violent Femmes" a principios de 1983. Con muchas de sus canciones más conocidas, "Blister in the Sun", "Kiss Off", "Add It Up" y "Gone Daddy", "Violent Femmes" se convirtió en el álbum más vendido de la banda y finalmente fue certificado platino en los EE.UU.

Violent Femmes se convirtió en una de las bandas de rock alternativo más exitosas de la década de 1980, vendiendo más de +10 millones de álbumes.

ALBUM: Violent Femmes

Primer álbum publicado el 13 de april de 1983 y su más exitoso, tanto que sigue teniendo el estatus de "obra de culto" siendo capaz de atraer nuevos fans (una nueva generación) con el paso del tiempo.

¿Su secreto? Es uno de los discos más distintivos del "Rock Alternativo" combinando la personalidad "geek" y adolescente de sus componentes (eran muy joven - 18 años) con la sensación nerviosa e hiperactiva del estilo "New Wave" dentro de un contexto minimalista "Folk-Rock". Este álbum es prácticamente casi todo acústico.

La música esta impulsado por el ajetreado "riff acústico" de Brian Ritchie, la urgencia y el abandono salvaje del "Punk-Rock"; Violent Femmes forjaron un sonido distinto y muy propio. Aún así, una de las razones principales por la que "Violent Femmes" se convirtió en la banda sonora preferida de muchos adolescentes angustiados es por el cantante y compositor Gordon Gano. Su forma de cantar, letras y actuaciones conectan a la perfección con la mente adolescente "traumatizado" por la saturación de tantas hormonas.

Este álbum es ingenioso e infantil en un minuto, amargamente frustrado y rebelde al siguiente, Gordon Gano capta las contradicciones de la adolescencia y las dificultades de hacer la transición a la edad adulta. Las canciones representativas como "Blister In the Sun", "Kiss Off", "Add It Up", "Gone Daddy Gone" (versión Willie Dixon) y "Gimme the Car"...aseguraron que las confesiones de desesperación y desajuste resulten pegadizas y humorísticas. Incluso si la composición de canciones se desliza un poco en ocasiones, la personalidad de Gordon Gano mantiene la música atractiva y convincente sin excederse en su ingenuidad aparentemente obstinada. Durante el resto de la carrera de Violent Femmes, el grupo solo se acercará a este nivel tan estelar en momentos aislados. Es por esto que hace esta obra tan especial.

Un disco recomendado, uno de los mejores discos acústico del Rock N Roll. Hay pocos trabajos que son tan geniales, de increíble ritmo rápido y de una sensación juvenil que lo convierte en un placer escuchar su sonido crudo y la mezcla brillante de voz emocionalmente poderosa. Es un disco referente del "Punk-Rock Alternativo". Y termino, si eres un adolescente o joven frustrado, esta es la banda sonora de tu vida.

Video de Violent Femmes y el tema "Blister in the Sun":



Tracklist (formato LP original):

CARA A:

1. "Blister in the Sun" 2:25
2. "Kiss Off" 2:56
3. "Please Do Not Go" 4:15
4. "Add It Up" 4:44
5. "Confessions" 5:32

CARA B:

6. "Prove My Love" 2:39
7. "Promise" 2:49
8. "To the Kill" 4:01
9. "Gone Daddy Gone" 3:06
10. "Good Feeling" 3:52

GORILLAZ - Demon Days - Album

GORILLAZ (Proyecto Musical)

Banda de "realidad virtual" británica creada en 1998 por Damon Albarn (Blur) y el dibujante-artista Jamie Hewlett. El productor Remi Kabaka Jr comenzó a colaborar con la banda en 2011 y fue incluido como miembro oficial. La banda virtual se compone principalmente de cuatro miembros de dibujos animados: Stuart "2D" Pot, Murdoc Niccals, Noodle y Russel Hobbs. Su universo ficticio se presenta en videos musicales, entrevistas y cortos animados. En realidad, Albarn es el único colaborador musical permanente, y a menudo colabora con otros músicos.

Con Gorillaz, Damon Albarn explorar los estilos musicales del Hip-Hop, la música electrónica y el "World Music" a través de un enfoque innovador. El primer álbum de Gorillaz fue 3x disco platino en el Reino Unido, 2x platino en Europa y le valió al grupo una entrada en el "Libro Guinness de los Récords" como la banda virtual más exitosa.  Su segundo álbum, "Demon Days" (2005) fue aún más exitoso con 6x disco platino en el Reino Unido y 2x platino en los Estados Unidos. La discografia hasta el momento:

• Gorillaz (2001)
• Demon Days (2005)
• Plastic Beach (2010)
• The Fall (2010)
• Humanz (2017)
• The Now Now (2018) 
•  Song Machine, Season One: Strange Timez (2020)
• Cracker Island (2023)

Gorillaz han vendido + 20 millones de discos y han ganado un premio Grammy.

A priori el proyecto Gorillaz fue relativamente ignorado por el fan musical más adulto como un "side project" y capricho del cantante de Blur. La verdad es que ha sido un exito rotundo de ventas y aceptación conectando perfectamente con la generación "millennial". Además fue una autentica innovación incorporando las "otras artes"; el dibujo,  diseño gráfico por computadora y las artes visuales-multimedia a la música de estilo urbano, alternativo y global. No tardo mucho en convencer a los críticos musicales y al público más adulto de que detrás de las animaciones, y con un esfuerzo de imaginación, había algo serio y de muy buena música.

ALBUM: Demon Days

Segundo álbum publicado el 11 de Mayo de 2005. El trabajo fue producido por "Danger Mouse", Jason Cox y James Dring con contribuciones de los artistas De La Soul, Neneh Cherry, Martina Topley-Bird, Roots Manuva, MF DOOM, Ike Turner, Bootie Brown of the Pharcyde, Shaun Ryder, y incluso el actor Dennis Hopper. El disco llegó al #1 de las listas de álbumes de Reino Unido y al #6 de las listas del Billboard 200 de los EE.UU. Vendió un increíble 8 millones de copias mundialmente. Todo un éxito.

El primer disco "Gorillaz" de 2001 es importante por su impacto novel y buena música, aunque para mi este álbum me gusta más ya que mejora y asume una credibilidad que sitúa las figuras animadas en un segundo plano detrás de la música. No es una exageración decir que los singles "Feel Good Inc." y "Dare" definieron a toda una generación de millennials, y el álbum en su totalidad conecta muy bien con la juventud vía temáticas de alineación y aspectos sociales del periodo. La participación de Danger Mouse en la producción del álbum ayuda mucho atraer a un público más adulto incorporando estilos y sonidos modernos y dando una calidad de primer nivel. Hay momentos "oscuros" en este disco, por la temática (de un mundo casi "Apocalíptico" post 9/11) y la naturaleza de Damon Albarn personalmente y artísticamente; pero es menor ya que gracias a la gran lista de colaboraciones se introduce variedad y diversión.

No obstante, vamos a ser honestos, siendo un trabajo conceptual con una alta dosis de "experimentación" y necesidad de utilizar la imaginación, el disco requiere varias escuchas para absorber todo lo que te ofrece. Una vez asimilado sus "ideas" se convierte en una obra pegadiza, divertida e impresionante. En definitiva es un disco en sitios tenso pero fundamentalmente emotivo visto por los ojos y la mente de Damon Albarn. Es más, me recuerda este álbum conceptual algo a otro disco, el de Blur titulado "Think Tank", por la fusión del dub-hip hop y lo-fi indie. Curioso, puede ser solo algo mío.

Un disco recomendado. Un muy buen álbum de un artista-músico ya establecido y continuamente inquieto siempre buscando nuevas fórmulas de crear música. La idea de "Gorillaz" fusiona otras artes y estilos musicales y se adapta a una nueva generación impulsada por la tecnología y con diferentes valores. Este disco encaja. 

Video de Gorillaz – “Feel Good Inc”:

Tracklist del álbum "Demon Days":

1.         "Intro"  1:03

2.         "Last Living Souls"       3:10

3.         "Kids with Guns" (con Neneh Cherry)  3:46

4.         "O Green World"         4:32

5.         "Dirty Harry" (con Bootie Brown y San Fernando Valley Youth Chorus)         3:44

6.         "Feel Good Inc." (con De La Soul)      3:41

7.         "El Mañana"     3:50

8.         "Every Planet We Reach Is Dead" (con Ike Turner)     4:53

9.         "November Has Come" (con MF Doom)        2:41

10.       "All Alone" (con Roots Manuva y Martina Topley-Bird)          3:30

11.       "White Light"    2:08

12.       "Dare" (con Shaun Ryder y Rosie Wilson)       4:04

13.       "Fire Coming Out of the Monkey's Head" (featuring Dennis Hopper)   3:16

14.       "Don't Get Lost in Heaven" (con the London Community Gospel Choir)          2:12

15.       "Demon Days" (con the London Community Gospel Choir)     4:29

A GUY CALLED GERALD | Black Secret Technology

A GUY CALLED GERALD

Gerald Simpson es un DJ británico, productor y músico. Fue uno de los primeros miembros del conjunto inglés de música electronica "808 State" y más tarde logró el éxito en solitario. Es conocido por sus primeros trabajos en la escena del "Acid House" de la ciudad de Manchester a finales de la década de 1980 y la canción "Voodoo Ray" que se hizo en himno. Su álbum de 1995, "Black Secret Technology" se convertiría en uno de los  mejores álbums de "Jungle" de todo los tiempos.

Gerald Simpson introduce sonidos de raíces jamaicanas y africanas en su música; la colección de música Ska y Reggae de su padre, las reuniones de la iglesia pentecostal de su madre y las fiestas del "System Sound" de Manchester donde creció, influenciaron directamente sobre su música.

Fusionó el Jazz y el electro Funk de los Clubes. La ciudad de Manchester era un hervidero de música dance con Clubs abiertos todas las noches de la semana y Gerald Simpson pasó su tiempo uniéndose al ambiente. Alrededor de 1983 con el auge del electro, el Hip-Hop, el breakdance y la cultura B-boy saliendo de los Estados Unidos, dejó la Universidad para sumergirse en la producción de música electrónica. En este momento, la música House de Detroit y Chicago de productores como Juan Atkins, Derrick May, Kevin Saunderson... estaban sonando por la Radio y los singles estaban siendo importadas directamente a las tiendas especializadas de discos de Manchester.

Inspirado, Gerald Simpson comenzó a experimentar con la edición de cintas, uso de "drum machines" y samplers para elaborar su propia música. Publicó un 12" maxi-single "Wax On The Melt ", una colaboración entre varias músicos electrónicos, Graham Massey y Martin Price con quien despues formaría "808 State". Pronto dejaría "808 State" despues del primer álbum "Newbuild" (1988) para seguir una carrera en solitario. Publicó el single "Voodoo Ray", un exitazo mundial de las pistas que es considerado las primeras canciones de "Acid House" y que se convirtió en un himno del famoso Club "Hacienda" de Manchester.

Pasaría más de 15 años grabando material y discos en solitario, moviéndose con las tendencias incorporando jungle, drum n bass y la experimentación.

Su discografía es ahora:

• Hot Lemonade (1989)
• Automatikk (1990) 
• Hi Life, Lo Profile (1990)...no se publicó
• 28 Gun Bad Boy (1992)
• Black Secret Technology (1995) 
• Cryogenix (1999)
• Essence (2000)
• To All Things What They Need (2005)
• Proto Acid – The Berlin Sessions (2006)
• Tronic Jazz – The Berlin Sessions (2010)
• Silent Sound Spread Spectrum (2013)

Hoy sigue produciendo, haciendo sesiones en directo y aventurando como empresario.

ALBUM: Black Secret Technology

Cuarto álbum de estudio publicado en febrero de 1995. Fue recibido por los especialistas con elogios y muchos lo consideran el "mejor álbum de jungle de todos los tiempos". El disco sentó una base muy importante para los posterior grandes músicos del estilo como Photek, Goldie, Orbital, Burial...etc.

Quizás el mayor logro fue romper radicalmente con la presunción de muchos de sus compañeros de una relación inversa entre la complejidad rítmica y la sofisticación musical. Es un trabajo más minimalista, inspirada en los sonidos de Detroit; usa el sintetizador de forma suave, sonidos y voces conmovedoras, y muestras (samples) de instrumentos como la flauta que suenan flotantes y cuerdas emotivas. No hay otro álbum de "jungle" de un artista que impulse la programación de ritmos de tal manera que alteran la conciencia y impregna la tecnología con "espíritu humano" (feeling orgánico) como se consigue en este disco.

El álbum estalla con vida y conecta íntimamente con sonidos "naturales". Todo el disco esta lleno de temazos pero destacó los cortes "Finley’s Rainbow", tema conmovedor y disperso con el vocalista Finley Quaye, el corte "Silent Cry", "Survival" y su puro drum n bass y "Voodoo Rage" una producción brillante y espeluznante. Uno de los talentos de Gerald es su capacidad para combinar la belleza y la tecnología, en este álbum experimentas, vives y bailas dicha fusión.

Un disco recomendado. Simplemente hay pocos álbumes de "jungle" (que yo conozca) que manipule y elabore una programación rítmica que haga "volar" la conciencia tan lejos con electronica drum n bass como se consigue aquí. Es realmente una "obra maestra" de su género y de la música electronica que con el tiempo parece mejor categorizado en el apartado de "Intelligent Dance Music" que "Jungle". Una pieza esencial para los fans y seguidores de sonidos electrónicos.

Video del tema "Silent Cry":



Tracklist
1. "So Many Dreams" 6:45
2. "Alita's Dream" 5:00
3. "Finley's Rainbow" (Slow Motion mix) 5:30
4. "The Nile" 4:14
5. "Energy" (extended mix) 6:12
6. "Silent Cry" 5:42
7. "Dreaming of You" 6:12
8. "Survival" 5:44
9. "Cybergen" 4:32
10. "The Reno" 5:18
11. "Cyberjazz" 4:52
12. "Voodoo Rage" 6:02
13. "Life Unfolds His Mystery" 5:21
14. "Touch Me" (unlisted track) 6:33

SLIKBACK | Lasakaneku / Tomo - Album

SLIKBACK (Música electrónica)

Es Freddy Njau, nacido en Nairobi, Kenya, un músico, compositor, Dj y productor de música electronica. Reside ahora en Polonia y graba sus propias producciones basadas en samples, fusionando los ritmos africanos tradicionales con los sonidos contemporáneos de Club. Es cofundador de "Hakuna Kulala", el sello con sede en Uganda que defiende la música experimental electronica. Sus actuaciones de Dj son tambien producciones propias con bases rítmicas africanas.

El hecho es que África esta recibiendo mucha atención dentro de la esfera de la música electronica y del "Dance Music" occidental en los últimos años con el surgimiento de reediciones de sellos como "Awesome Tapes From Africa" y gracias a estrellas como "Dj Black Coffee". En África, el Festival "Nyege Nyege" de Uganda ha sido una fuerza impulsora para nuevos artistas con sonidos totalmente únicos y diferentes que ha actuado como un trampolín para artistas como "SLIKBACK".

No sabia nada de Freddy Njau y me hizo moverme por la red para recopilar información sobre este nuevo artista de la música electronica. Originalmente producía música House y  Trap en la universidad y conoció a los fundadores del Festival "Nyege Nyege", Derek Debru y Arlen Dilsizian, quienes le presentaron a música más experimental. El sonido que ha desarrollado SLIKBACK no tiene género definido, pero está lleno de muchas influencias locales y de la zona.

ÁLBUM: Lasakaneku / Tomo

Mi introducción a Freddy Njau, aka SLIKBACK, viene vía este primer álbum publicado en 2019. Este disco junta sus dos primeros EPs (Las Kaneku/Tomo) y añade tres temas nuevos para sirvir de vehiculo de introduccion al mundo EDM-IDM.

Es un doble disco LP de música electronica que combina "World Music" y ritmos regionales africanos con estilos de grime, trap y drum n bass. Hay mucha experimentación e innovación en este trabajo que abarca el "Techno distorsionado", "Speedcore", "Dancehall", ritmos congoleños y Hip-Hop del este de África. Una combinación y sonidos muy interesantes, diferenciadores y que gustan mucho, al menos para mi que apreció la creatividad y el coraje de buscar nuevas fronteras. Más allá de esto nos abre la puerta a una parte del mundo que básicamente esta olvidado musicalmente para los que vivimos en el "occidente",  y nos recuerda que existe un joven y dinamico movimiento de "música dance" en África liderado de artistas y músicos de mucho talento y creatividad.

Me gusta este álbum, es un disco recomendado. Obviamente es más para los seguidores y fans de la música electronica y publico de "World Music" buscando algo diferente y que sorprenda. Yo estoy aún absorbiendo todo lo que contiene este disco, que es mucho, dándolo rotación con mucha frecuencia. Te animo buscarlo por los canales habituales y dejar que te sorprenda. Es un gran descubrimiento.

Tema - "Ascension":



Tracklist:

A1 Acid
A2 Bantu Zen
A3 Ascension
B1 Just I
B2 Venom
B3 Shell
C1 Sonshitsu
C2 Gemini
C3 Kyokai
C4 Kite
D1 Karum
D2 Zuhura
D3 Rage
D4 Senshi

LUTHER ALLISON | Bad News Is Coming - Album

Cuando se nombra una lista de guitarristas favoritos de Blues "sonido eléctrico", la mayoría de la gente citará los artistas habituales: Muddy Waters, T-Bone Walker, Freddie King, BB King, Albert King, Otis Rush, Buddy Guy, Albert Collins, Stevie Ray Vaughan... etc.

Pero hay un nombre que trágicamente falta en la mayoría de las listas,  el gran Luther Allison de Chicago Blues. Aqui un humilde post dedicado a Allison para remediar un poco tal injusticia.

LUTHER ALLISON 

Guitarrista de Blues americano (1939 - 1997). Nació en Widener, Arkansas, y se mudó con su familia a Chicago en 1951. Se enseñó a tocar la guitarra sobre los 18 años y tres años más tarde comenzó pasar tiempo por los Clubs de Blues con la esperanza de ser invitado a actuar. El joven Luther esperaba fuera en la calle durante los directos de Otis, Freddie y Howlin largos períodos de tiempo. La estrategia funcionó, en 1957 Howlin 'Wolf le invitó al escenario. Freddie King despues tomó a Allison bajo su protección, y después de que King consiguió un contrato discográfico, Allison se hizo cargo de su "puesto" de actuaciones en el famoso Club de Blues del "West Side". Trabajó en el circuito de los Clubes a finales de la década de 1950 y principios de la década de 1960 y grabó su primer sencillo en 1965. Firmó un contrato discográfico con "Delmark Records" en 1967 y publicó su álbum debut "Love Me Mama" al año siguiente. En 1972 firmó con el sello "Motown Records", uno de los pocos artistas de Blues. A mediados de la década de 1970 realizó una gira por Europa. Se mudó a Francia en 1977, incluso acompaño a "Johnny Hallyday" en Paris en 1992.

En 1997 le detectaron cancer y murio el 12 de Agosto. En 1998 fue póstumamente incluido en el "Salón de la Fama del Blues". A continuación su amplia discografía de estudio y álbumes en directo:

1969 Love Me Mama
1972 Bad News Is Coming
1974 Luther's Blues
1976 Nightlife
1977 Love Me Papa
1979 Gonna Be a Live One in Here Tonight!
1979 Power Wire Blues
1979 Live in Paris
1979 Live Blue Silver
1980 Time
1984 Let's Have a Natural Ball
1984 Life Is a Bitch
1985 Here I Come
1987 Rich Man
1991 More from Berlin
1992 Hand Me Down My Moonshine
1992 Bercy 92 (Johnny Hallyday)
1994 Soul Fixin' Man
1995 Blue Streak
1996 Live ’89: Let's Try It Again
1996 Live in Montreux: Where Have You Been?
1997 Reckless Alligator
1999 Live in Chicago Alligator 2-disc set
1999 Standing at the Crossroad
2002 Pay It Forward
2007 Underground
2009 Songs from the Road

ALBUM: Bad News Is Coming

Segundo álbum publicado en 1972. Hay otros discos que pueden sirvir igual de bien para ilustrar el gran talento de Luther Allison como guitarristas y bluesman, pero este para mi contiene las "raíces" del Blues "eléctrico" de Chicago y transmite mejor todo su ingenio.

El repertorio de este álbum se basa en composiciones de "Willie Dixon" a través de temas cantadas por Howlin 'Wolf para las dos primeras canciones, sumergiéndose despues en los catálogos de Elmore James, B.B. King y Robert Johnson. Esto representa más de la mitad del tiempo de ejecución del disco, cada una de estas canciones son familiar. Pero lo que importa es la actuación de Luther Allison, que es apasionante y transmite un Blues casi "primitivo". Se escucha la propia personalidad de Luther en sus interpretaciones a través de la fuerza de su amor por el Blues. Otro elemento para destacar de Luther Allison es su voz, llena de soul, altísima y poderosa, características diferenciadoras que solo hacen añadir valor a este impresionante disco.

En definitiva, un disco recomendado, álbum que va gustar mucho a los amantes del Blues y Blues Rock. Buena tarjeta de presentación de un Bluesman que se perdió dentro de tanto talento de su epoca, pero que no significa que sea menos. Su amor para el Blues era absoluto, su talento y técnica con la guitarra electrica es incuestionable y su paso es una bendición.

Busca más material de Luther Allison por los distintos canales, y escucha otros de sus discos, te va a ganar y quizás enamorar.



Tracklist del álbum "Bad News Is Coming":
1 The Little Red Rooster (Willie Dixon) 4:13
2 Evil Is Going On (Willie Dixon) 4:38
3 Raggedy And Dirty (Andrew Smith, Joe Peraino, Luther Allison, Ray Goodman, R. Kreiner) 3:42
4 Rock Me Baby (B.B. King, J. Josea) 5:46
5 Bad News Is Coming (Joe Peraino, Luther Allison, Paul White) 7:26
6 Cut You A-Loose (Mel London) 5:59
7 Dust My Broom (Elmore James) 2:48
8 The Stumble (Freddy King) 2:23
9 Sweet Home Chicago (Robert Johnson) 4:13
10 It's Been A Long Time (Luther Allison) 10:44
11 Take My Love (I Want To Give It All To You) Mertis John 4:21

A TRIBE CALLED QUEST | We Got It from Here... Thank You 4 Your Service - Album

A Tribe Called Quest

Formación americana de Hip-Hop (Queens, New York: East Coast Rap) formado en 1985 y originalmente compuesto por el rapero y productor principal "Q-Tip", el rapero Phife Dawg, DJ y co-productor Ali Shaheed Muhammad y el rapero Jarobi White, quien dejó el conjunto en 1991. Junto con el trío "De La Soul", el grupo "A Tribe Called Quest (ATCQ)  fue una parte central del colectivo de artistas de HIP HOP los "Native Tongues", siendo mayor éxito comercial de todos los grupos que surgieron de ese colectivo. El grupo terminó con la muerte de Phife Dawg en 2016 y publicaron su ultimo disco "We Got It from Here… Thank You 4 Your Service".

A Tribe Called Quest (ATCQ) es considerado como un pionero de la música alternativa de Hip-Hip. El periodista John Bush del portal musical "AllMusic" los llamó "el grupo de rap artístico más inteligente durante la década de 1990". Han influenciado y motivado una larga lista de artistas urbanos como D'Angelo, Erykah Badu, Maxwell, Lauryn Hill, André 3000, Kanye West, Talib Kweli, J Dilla, Mos Def, Consequence, Busta Rhymes...etc, músicos todos con tendencias de salirse de la "norma" y practicar su arte en los márgenes, o al menos proponer algo diferente, experimental y socialmente consciente.

La discografía de A Tribe Called Quest:

• People's Instinctive Travels and the Paths of Rhythm (1990)
• The Low End Theory (1991)
• Midnight Marauders (1993)
• Beats, Rhymes and Life (1996)
• The Love Movement (1998)
• We Got It from Here... Thank You 4 Your Service (2016)

Su dos revolucionarios y grandes discos son de debut "People's Instinctive Travels and the Paths of Rhythm" de 1990 y el siguiente "The Low End Theory" de 1991, ambos esenciales en la historia del Hip Hop. No obstante, el ultimo disco de ATCQ "We Got It from Here... Thank You 4 Your Service" de 2016 es una joya y considerado uno de los grandes álbumes de la década de los años 2010.

ALBUM: We Got It from Here... Thank You 4 Your Service

Sexto y último álbum publicado el 11 de noviembre de 2016. Un álbum que grabaron antes de que Phife Dawg falleciera por complicaciones con diabetes y que terminaron el resto de los miembros. El disco cuenta con las colaboraciones de André 3000, Kendrick Lamar, Jack White, Elton John, Kanye West, Anderson Paak, Talib Kweli, Consequence y Busta Rhymes.

Fue el segundo álbum de A Tribe Called Quest en llegar al #1 del Billboard 200. También fue un éxito de la critica musical siendo nombrado como uno de los diez mejores álbumes de 2016. Al año siguiente superó los + 500,000 unidades vendidos y aun sigue gracias a las plataformas de "streaming" que hace el album (y ATCQ) sea más accesible al público joven.

Este disco sale a la luz casi dos décadas despues del ultimo, es despues de la primera ruptura y es el último de ATQC. Q-Tip sirve como motor principal para este álbum: es productor, co-guionista, rapero e instrumentista. Hace programación de batería y toca el bajo y los teclados. El álbum fue grabado en su estudio de casa.

Lo que hace este disco tan bueno es la producción visionaria de Q-Tip que se basa en el Hip-Hop de la "Edad de Oro", el Jazz "old school", samples desconocidos, Dub-reggae y electro, con las contribuciones perfectamente integradas de los invitados. El álbum es intenso y vivo. Como no podía ser de otra manera, también es un homenaje a Phife Dawg lleno de emoción y de la alegría de tener de nuevo ATCQ de vuelta juntos y grabando, aunque sea su última obra. El legado de ATCQ está asegurado, demuestran aqui que son uno de los mejores conjuntos del HIP-HOP de los ultimos tiempos. Disco melancólico, muy cool y con sonidos Jazz en igual medida, la "magia" de "ATQC" todavía sigue aquí despues de 18 años del ultimo álbum y la llama aún arde desde los impresionantes trabajos del debut y segundo disco.

Un disco recomendado, y un muy buen álbum para decir adios de cualquier formación musical. Una pieza que añade gran valor a la coleccion de musica Hip-Hop y música urbana,  y gran referente para jóvenes amantes de la música Rap. Buscarlo y te darás cuenta que el Hip-Hop es más bien un instrumento-herramiento para concienciar a gente sobre temas sociales y no exaltar lo trivial, vulgar y lo irrelevante como se hace ahora.

Video de "A Tribe Called Quest" - "The Space Program":



Tracklist:
1. "The Space Program" 5:40
2. "We the People...." 2:52
3. "Whateva Will Be" 2:52
4. "Solid Wall of Sound" 3:43
5. "Dis Generation" 3:33
6. "Kids..." 3:48
7. "Melatonin" 4:44
8. "Enough!!" 3:20
9. "Mobius" 2:51
10. "Black Spasmodic" 3:03
11. "The Killing Season" 2:43
12. "Lost Somebody" 4:18
13. "Movin Backwards" 4:41
14. "Conrad Tokyo" 3:31
15. "Ego" 3:17
16. "The Donald" 5:22

Samples usados:
"The Space Program"... samples de la película Willy Wonka and the Chocolate Factory
"We the People...."... sample de "Behind the Wall of Sleep" de Black Sabbath
"Whateva Will Be"... samples de "Promised Land" por Nairobi Sisters
"Solid Wall of Sound"... sample de "Bennie and the Jets" por Elton John.
"Dis Generation" ...samples de "Pass the Dutchie" por Musical Youth y "Ruido de magia" por Invisible
"Mobius" ... parte de "Prologue" por Gentle Giant
"Lost Somebody" ...sample de "Halleluwah" por Can
"Movin Backwards"...sample of "The Touch of Your Lips" por The Emotions

JOHN MAYALL | Blues Breakers with Eric Clapton - Album

JOHN MAYALL (Bluesman)

Cantante, guitarrista, teclista y compositor británico de Blues (Bluesman) cuya carrera musical abarca más de 70 años. En la década de los años 60 del Siglo XX fue el fundador de "John Mayall & the Bluesbreakers", una banda que ha contado entre sus miembros algunos de los músicos de Blues y Blues Rock más famosos (Eric Clapton, Peter Green, Mick Taylor, John Almond y Harvey Mandel).

La discografía es impresionante:

John Mayall plays John Mayall (1965)
Blues Breakers with Eric Clapton (1966)
A Hard Road (1967)
Crusade (1967)
The Blues Alone (1967)
Bare Wires (1968)
Blues from Laurel Canyon (1968)
The Turning Point (1969)
Empty Rooms (1970)
USA Union (1970)
Back to the Roots (1971)
Memories (1971)
Jazz Blues Fusion (1972)
Ten Years Are Gone (1973)
The Latest Edition (1974)
New Year, New Band, New Company (1975)
Notice to Appear (1975)
A Banquet in Blues (1976)
A Hard Core Package (1977)
Bottom Line (1979)
No More Interviews (1980)
Road Show Blues (1981)
Return of the Bluesbreakers (1985)
Chicago Line (1988)
A Sense of Place (1990)
Cross Country Blues (1992)
Wake Up Call (1993)
Spinning Coin (1995)
Blues for the Lost Days (1997)
Padlock on the Blues (1999)
Along for the Ride (2001)
Stories (2002)
Road Dogs (2005)
In the Palace of the King (2007)
Tough (2009)
A Special Life (2014)
Find a Way to Care (2015)
Talk About That (2017)

ALBUM: JOHN MAYALL Blues Breakers with Eric Clapton

Álbum de "Blues-Rock" publicado el 22 de Julio de 1966. Es el segundo álbum acreditado a John Mayall después del disco "John Mayall plays John Mayall" (un directo). Eric Clapton fue invitado como guitarrista principal para participar y se fue para formar "Cream" después de esta grabación, aunque se uniría nuevamente en 1971 para un disco doble "Back to the Roots".

Es el primer álbum completo de Eric Clapton como guitarrista de Blues; más que eso, es un disco de Blues seminal de la década de los años 60 de Siglo XX y quizás el "Mejor Álbum de Blues" británico jamás publicado, y desde luego el "Mejor Disco" jamás grabado por los "Bluesbreakers" de John Mayall .

Este trabajo esta medio camino entre la temporada de Eric Clapton con "The Yardbirds" y la formación de "Cream" y presentaba al nuevo héroe de la guitarra en una serie de estándares de Blues versionados, piezas escritas por John Mayall y una composición de Mayall-Clapton. La simplicidad y pureza del "Blues" (estilo Chicago) en este disco es crédito del productor Mike Vernon; la mayoría de los productores británicos de esa época no hubieran podido grabarlo de esta manera, mucho menos lanzarlo.

Se puede escuchar la influencia directa de Buddy Guy y de otros músicos de Blues estadounidenses; el álbum comienza con una versión de Otis Rush, "All of My Love", seguida por el clásico "Hideaway" instrumental de Freddie King. Además encontramos otros temazos versionados como "Steppin' Out" de Memphis Slim, "What´d I Say" de Ray Charles y "It Ain't Right" de Little Walter.

Y mientras muchos se fijan en Eric Clapton y sobre sus comienzos con esta obra no olvidemos el resto del cuarteto: esta la futura superestrella del pop-rock "John McVie"(Fleetwood Mac) y el baterista Hughie Flint que proporcionan una sección rítmica espectacular, cuajando con el teclado, voz y segunda guitarra de John Mayall. La guitarra de Clapton domina la mayor parte de este disco, y también se le puede escuchar Clapton tomando su primer papel como vocalista principal en el corte "Ramblin' on My Mind", pero McVie y Flint son igual de intensos añadiendo un nivel adicional de tensión y potencia al disco. ¿Y John Mayall? Brillante, maneja su piano y armónica con destreza, mientras también compuso cuatro canciones para este álbum. Además, los vientos (instrumentación de Alan Skidmore, Johnny Almond y Derek Healey) hacen una aparición impresionante en "Have You Heard" y en el  instrumental de "Jump-Blues, en "Steppin 'Out".

Este disco fue uno de los primeros puentes musicales entre los continentes (UK - EE.UU) que resistirá la prueba del tiempo, y además daría a la aparición a una pintura de graffiti en Londres que ponía "Clapton es Dios". Un álbum muy importante (clave pienso) para la carrera de Eric Clapton y consagración de los talentos de Mayall, McVie y Flint. Por cierto, casi se me olvida, tambien aparece en este disco, Jack Bruce, futuro compañero de Eric Clapton en "Cream", donde tiene un papel en unos temas que salen a la luz en las reediciones posteriores de esta obra.

Un disco recomendado, un álbum acreditado con el lanzamiento de la carrera de uno de los músicos de Blues más famosos que jamás haya existido, Eric Clapton. Si bien la reputación del álbum puede proceder de alguna manera, es un legado gigantesco, su impacto es innegable y se estableció en un punto de referencia para futuro guitarristas. Pieza esencial para una colección de Blues, Rock y de buen música.

Video del tema "All Your Love" - "John Mayall's Bluesbreakers with Eric Clapton:

Tracklist del disco ORIGINAL:

CARA A
"All Your Love" (Otis Rush/Dixon) – 3:33
"Hideaway" (Freddie King, Sonny Thompson) – 3:15
"Little Girl" (Mayall) – 2:35
"Another Man" (Mayall) – 1:45
"Double Crossing Time" (Clapton, Mayall) – 3:02
"What'd I Say" (Ray Charles) – 4:25

CARA B
"Key to Love" (Mayall) – 2:06
"Parchman Farm" (Mose Allison) – 2:20
"Have You Heard" (Mayall) – 5:55
"Ramblin' on My Mind" (Traditional) – 3:07
"Steppin' Out" (L. C. Frazier a.k.a. Memphis Slim) – 2:30
"It Ain't Right" (Marion Jacobs a.k.a. Little Walter) – 2:40