JEFFERSON AIRPLANE - Surrealistic Pillow - Album

Antes de que el rock psicodélico tomara forma por completo, antes de que el sonido de San Francisco se convirtiera en un movimiento y antes de que Jefferson Airplane se convirtiera en un nombre familiar, existía el álbum "Surrealistic Pillow". Más que un simple LP, fue una declaración definitoria de 1967, una era de cambios de conciencia, agitación cultural y revolución musical. Combinando folk, acid rock y lirismo surrealista, este disco capturó el pulso de una generación mientras elaboraba melodías que aún resuenan hoy. Lo que sigue en adelante es una inmersión en un álbum que dio forma a la música psicodélica, explorando sus momentos destacados, sus gemas ocultas y su legado duradero.

ALBUM: Surrealistic Pillow 

Pocos discos encapsulan la revolución psicodélica de finales de los años 60 (siglo xx) como "Surrealistic Pillow" de Jefferson Airplane. Publicado en febrero de 1967, el segundo álbum de estudio de la banda fue un momento decisivo, no solo para ellos, sino para todo un movimiento que se estaba formando en el distrito Haight-Ashbury de San Francisco. Fue el primer disco con la potente vocalista Grace Slick y el baterista Spencer Dryden, incorporaciones que ayudarían a dar forma al sonido definitorio de la banda. El disco se elevó al número tres en las listas de Billboard, fue platino y sigue siendo una piedra angular del rock psicodélico.

Pero, ¿qué hace que "Surrealistic Pillow" sea tan convincente? No se trata solo de los éxitos, aunque "Somebody to Love" y "White Rabbit" se han convertido en himnos de su época. Se trata de la capacidad del álbum para extenderse a través de paisajes musicales, mezclando folk, rock y una sensación de surrealismo arremolinado que coincidía con el espíritu de expansión mental de la época. Incluso en 2024, la Biblioteca del Congreso (EE.UU.) reconoció su importancia cultural al agregarlo al "Registro Nacional de Grabaciones". Este es un disco que exige ser escuchado, ya sea que lo descubras por primera vez o lo revises con nuevos oídos.

Una banda sonora para el movimiento psicodélico

Jefferson Airplane no era una banda más de la escena de San Francisco, eran el sonido de San Francisco. Más que sus contemporáneos como "The Grateful Dead", combinaron una musicalidad intrincada con un sentido de urgencia. Su álbum debut, "Jefferson Airplane Takes Off", fue prometedor pero comedido. Con "Surrealistic Pillow", adoptaron texturas más audaces, energía amplificada y una presencia lírica más pesada. Jerry García de the Grateful Dead, quien actuó como asesor espiritual y musical, supuestamente inspiró el título del álbum al comentar que la música era "tan surrealista como una almohada es suave".

A diferencia de algunos álbumes de la época que se decantan por la autocomplacencia, "Surrealistic Pillow" tiene una estructura muy precisa. Mezcla temas de rock contundentes, baladas oníricas e incluso un instrumental acústico impresionante, todo ello en una duración concisa y digerible. La producción de Rick Jarrard pulió sus bordes hasta convertirlos en algo comercialmente viable, un hecho que algunos miembros de la banda lamentaron más tarde. Sin embargo, no se puede negar que los arreglos nítidos y las canciones de tres minutos le dieron al álbum una sensación de enfoque de la que a veces carecían otros discos psicodélicos.

Las canciones que definieron una generación

El LP comienza con "She Has Funny Cars", coescrita por Marty Balin y Jorma Kaukonen. Es una crítica contundente del materialismo, con un ritmo que recuerda a los beats de Bo Diddley. Luego viene el éxito "Somebody to Love", la electrizante llamada a las armas que se convirtió en la canción más importante de Jefferson Airplane. Grace Slick, que había interpretado la canción con su banda anterior, The Great Society, la transforma por completo, su voz imponente atraviesa la mezcla.

Sin embargo, la verdadera profundidad del álbum se revela en sus momentos más tranquilos. Hoy, una inquietante balada folk escrita por Balin y Paul Kantner, presagia el minimalismo que bandas como Mazzy Star explorarían décadas después. Luego está "Comin' Back to Me", grabada en una sesión espontánea después de que Balin recibiera un poco de "marihuana de primera calidad" de la leyenda del blues Paul Butterfield. El resultado es una de las canciones más atmosféricas del álbum, con delicadas melodías de flauta dulce y voces susurrantes que parecen un recuerdo que se desvanece en tiempo real.

Instrumentalmente, "Embryonic Journey" se destaca como un momento de pura musicalidad. Una pieza acústica corta de Kaukonen, es uno de esos raros interludios instrumentales que se siente esencial en lugar de relleno. También destaca cómo Jefferson Airplane no se trataba solo de guitarras fuertes y poesía psicodélica, tenían habilidades técnicas que rivalizaban con muchos de sus pares.

Por supuesto, "White Rabbit" no necesita presentación. Inspirada en Alicia en el país de las maravillas y alimentada por la influencia de Sketches of Spain de Miles Davis, se basa en una marcha lenta e hipnótica que crece hasta convertirse en uno de los clímax más icónicos de la historia del rock. Es una canción que captura la esencia del espíritu experimental de la época, pero también es atemporal.

El lado menos conocido

No todas las canciones de "Surrealistic Pillow" alcanzan el mismo estatus legendario, pero incluso sus momentos "menores" tienen un encanto único. "My Best Friend", escrita por el ex baterista Skip Spence, se inclina más hacia el pop animado, quizás demasiado educado para el resto del álbum, pero aun así es una escucha agradable. "How Do You Feel" incorpora capas de armonías y una influencia folk inesperada, mostrando otra faceta del rango de la banda. Mientras tanto, "Plastic Fantastic Lover", una de las composiciones más cínicas de Balin, adopta un enfoque rápido para comentar el consumismo estadounidense.

Algunos críticos han argumentado que el álbum no es tan cohesivo como otros clásicos de 1967, como "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" o "The Velvet Underground & Nico". Y es cierto que Jefferson Airplane cubre mucho terreno aquí, desde el folk hasta el acid rock y el pop. Pero eso es parte de lo que lo hace tan interesante. Capta a una banda en la cima de su curiosidad creativa, sin miedo a experimentar y explorar diferentes direcciones musicales.

Disco recomendado

La carrera de Jefferson Airplane daría muchos giros y vueltas después de "Surrealistic Pillow". Se aventurarían más en territorio experimental, perderían y ganarían miembros y eventualmente evolucionarían hacia Jefferson Starship. Pero este álbum sigue siendo su declaración más definitoria. Fue el momento en que cristalizaron la energía del movimiento de contracultura en un solo disco que podía sonar en la radio y aún así sentirse subversivo.

Si eres nuevo en Jefferson Airplane, este es el lugar para comenzar. No es solo un álbum, es una cápsula del tiempo. Ya sea que te atraiga la gente de ensueño de Today, la energía implacable de Somebody to Love o la mística psicodélica de White Rabbit, hay algo aquí que se te quedará grabado. Y si lo permites, "Surrealistic Pillow" hará más que simplemente transportarte a 1967, te recordará por qué la música tiene el poder de definir una era.

Video del tema "Comin Back to Me":

Tracklist:

Cara A:

1. "She Has Funny Cars" Jorma Kaukonen, Marty Balin 3:03
2. "Somebody to Love" Darby Slick 2:54
3. "My Best Friend" Skip Spence 2:59
4. "Today" Marty Balin, Paul Kantner 2:57
5. "Comin' Back to Me" Marty Balin 5:18

Cara B:

1. "3/5 of a Mile in 10 Seconds" Marty Balin 3:39
2. "D.C.B.A.–25" Paul Kantner 2:33
3. "How Do You Feel" Tom Mastin 3:26
4. "Embryonic Journey" Jorma Kaukonen 1:51
5. "White Rabbit" Grace Slick 2:27
6. "Plastic Fantastic Lover" Marty Balin 2:33

Jefferson Airplane:

• Marty Balin – voz, guitarra, diseño de álbum, voz principal en "Today", "Comin' Back to Me" y "Plastic Fantastic Lover", voz principal conjunta en "She Has Funny Cars", "My Best Friend", "Go to Her" y "3/5 Of A Mile In 10 Seconds".
• Jack Casady – bajo, bajo fuzz, guitarra rítmica
• Spencer Dryden – batería, percusión
• Paul Kantner – guitarra rítmica, voz, voz principal en "How Do You Feel", voz principal conjunta en "My Best Friend", "D. C. B. A.-25" y "Go to Her"
• Jorma Kaukonen – guitarra principal, voz principal en "Come Back Baby" y "In the Morning"
• Grace Slick – voz, piano, órgano, flauta dulce, voz principal en "Somebody to Love" y "White Rabbit", voz principal conjunta en "She Has Funny Cars", "My Best Friend", "D. C. B. A.-25", "Go to Her" y "3/5 Of A Mile In 10 Seconds"
• Signe Toly Anderson – voz principal en "Chauffeur Blues" (solo en el Reino Unido)
• Skip Spence – batería en "Don't Slip Away", "Come Up the Years" y "Chauffeur Blues" (solo en el Reino Unido)

Personal adicional:

• Jerry Garcia: "asesor musical y espiritual"; guitarra en "Today", "Comin' Back to Me", "Plastic Fantastic Lover", "In the Morning" y "J. P. P. McStep B. Blues" 

ERIC B & RAKIM - Paid in Full - Album (Revisited)

El estilo musical hip-hop ha visto muchas leyendas, pero pocas han dejado una huella tan profunda como la de Eric B. & Rakim. Su álbum debut, el magnífico "Paid in Full", no fue un lanzamiento más, fue un punto de inflexión en la historia del rap. Con un lirismo intrincado y una producción innovadora, el dúo estableció un nuevo estándar para el género. Antes de proponerte por qué este álbum es una escucha imprescindible, echemos un vistazo a la historia detrás del dúo y su camino hacia la grandeza.

Eric B. & Rakim: Paid in Full 

A mediados de los 80 (siglo XX), cuando el hip-hop todavía estaba abriéndose un espacio en la música mainstream, surgió un dúo de la ciudad de Nueva York que cambió el género para siempre. Eric B. & Rakim no solo contribuyó a la era dorada del rap, sino que redefinió lo que significaba ser MC y DJ. Su álbum debut, "Paid in Full", publicado en 1987, no fue solo un disco más; fue un manifiesto que introdujo un nivel de lirismo, fluidez y sofisticación de producción que nunca se había escuchado antes. Ya seas un fan del hip-hop o alguien que busca explorar los discos de rap fundacionales, este álbum es esencial.

La historia detrás del dúo

Eric B., nacido Eric Barrier en Queens (Nueva York), comenzó como DJ, perfeccionando sus habilidades en la radio WBLS antes de buscar el MC perfecto para complementar sus habilidades con los platos. Entra William Griffin Jr., un rapero de Long Island (Nueva York) que se había convertido recientemente al Islam y adoptó el nombre de Rakim Allah. Un encuentro a través de un promotor los llevó al estudio de Marley Marl, donde grabaron su primer sencillo, "Eric B. Is President".

Desde el principio, la forma de rapear de Rakim fue diferente. Mientras que otros MCs como Run-D.M.C. y KRS-One se centraban en actuaciones llenas de energía, Rakim se acercaba al micrófono con una precisión similar al jazz, fluyendo sin esfuerzo sobre ritmos con rimas internas, metáforas complejas y un estilo relajado. Su técnica era revolucionaria, no solo rapeaba sobre el ritmo, sino que lo recorría con precisión quirúrgica.

Eric B., por otro lado, tenía un oído y talento para el tipo de ritmos contundentes y llenos de samples que se convertirían en un modelo para productores de todo el mundo. Su capacidad para encontrar, repetir y hacer scratch de samples de leyendas del funk como James Brown creó un paisaje sonoro original, conmovedor y completamente hipnótico.

Paid in Full: cambió las reglas del juego

"Paid in Full" no fue solo otro disco de hip-hop, fue una declaración artística. Mientras que la mayoría de los álbumes de la época estaban llenos de energía y bravuconería, este era diferente. Las rimas de Rakim eran deliberadas, cada palabra estaba cuidadosamente colocada, mientras que los ritmos de Eric B. proporcionaban la base perfecta.

El LP está repleto de canciones que darían forma al futuro del hip-hop. "I Ain't No Joke" comienza con Rakim marcando el tono, su forma de hablar nítida, su juego de palabras inigualable. "I Know You Got Soul" introdujo samples de James Brown de una manera que desencadenaría todo un movimiento de productores que investigarían el catálogo del "Padrino del Soul". Y luego está "Paid in Full", la canción principal, donde Rakim expone la realidad de esforzarse no por la credibilidad callejera, sino por algo más grande, independencia financiera, legado y respeto.

Incluso las canciones instrumentales del álbum, como "Eric B. Is on the Cut", muestran la técnica de Eric B., que se basa en el scratch, lo que demuestra que el DJ era tan vital como el MC para crear un sonido clásico.

El impacto y la influencia

Cuando apareció "Paid in Full", fue como si hubiera explotado una bomba en el mundo del hip-hop. Los esquemas de rimas de Rakim se convirtieron en el estándar de oro. Los MCs que lo siguieron, Nas, Eminem, Jay-Z, lo han citado como una influencia directa. Antes de Rakim, el rap se basaba principalmente en estructuras de rimas simples, pero después de "Paid in Full", el estándar cambió.

Los ritmos también fueron un modelo para la siguiente evolución del hip-hop. El sampling, que ya era común, se convirtió en una forma de arte. La forma en que Eric B. cortó los breaks y superpuso los sonidos mostró a los productores lo que era posible con los discos adecuados y un sampler SP-1200.

Incluso fuera del hip-hop, el álbum tuvo un alcance masivo. El "remix británico de Paid in Full" de Coldcut convirtió la canción en un himno de las pistas de baile en Europa, ayudando a cerrar la brecha entre el hip-hop y la música electrónica.

Disco recomendado

En una era en la que el rap está dominado por lanzamientos rápidos, estilos de producción de la era del streaming y composición de canciones asistida por IA, "Paid in Full" sigue siendo una escucha esencial. Es un recordatorio del poder del lirismo, de la producción cruda y conmovedora y de las raíces del hip-hop como narración e innovación.

Para aquellos lectores nuevos en el hip-hop clásico de la vieja escuela, este álbum es una puerta de entrada. Si te gustan artistas como Kendrick Lamar, que se enorgullecen de la profundidad de sus letras, sabrás de dónde nació su enfoque. Si te encantan productores como Madlib o The Alchemist, el estilo de búsqueda de samples de Eric B. es la base de su trabajo.

Algunos discos se desvanecen con el tiempo, este solo se hace más fuerte. Si aún no has escuchado "Paid in Full", ahora es el momento de experimentar el álbum que redefinió el hip-hop.

Video del tema "Paid in Full":

Tracklist:

1. "I Ain't No Joke" 3:54
2. "Eric B. Is on the Cut" (instrumental) 3:48
3. "My Melody" (remix) 6:46
4. "I Know You Got Soul" 4:45
5. "Move the Crowd" 3:49
6. "Paid in Full" 3:50
7. "As the Rhyme Goes On" 4:00
8. "Chinese Arithmetic" (instrumental) 4:07
9. "Eric B. Is President" (remix) 6:20
10. "Extended Beat" (instrumental mix of "Move the Crowd") 3:49

DAMON ALBARN - Everyday Robots - Album

Damon Albarn siempre ha sido un camaleón musical, que pasa sin problemas de los himnos del britpop de "Blur" a las aventuras que rompen con los géneros de "Gorillaz" y las profundidades experimentales de sus proyectos colaborativos. Pero el disco "Everyday Robots", su álbum debut en solitario, elimina la teatralidad y las voces colectivas para presentar algo íntimo y profundamente personal. Este no es solo otro capítulo en la larga carrera de Albarn, es una meditación tranquila sobre la vida moderna, la tecnología y la conexión humana. Voy a recomendar este trabajo destacando las sutilezas y el alma de un álbum que se siente tan reflexivo como identificable.

ALBUM: Everyday Robots 

Damon Albarn, la voz y la mente detrás de "Blur", "Gorillaz" y otros innumerables proyectos que desafían el género, ofrece su creación más personal con "Everyday Robots". Publicado el 25 de abril de 2014, el disco marca el primer trabajo de estudio en solitario de Albarn bajo su propio nombre, coproducido con Richard Russell. Si bien esta no es la primera incursión de Albarn en la narración íntima, "Everyday Robots" se siente diferente, no solo como una colección de canciones, sino como un retrato reflexivo e introspectivo de la experiencia humana moderna.

Desde las primeras notas, "Everyday Robots" se establece como una meditación minimalista sobre la conexión, la tecnología y la alienación. La voz de Damon Albarn, desgastada y tenue, marca el tono en el número de apertura, "Everyday Robots". Con su inquietante melodía y letras como, "Somos robots cotidianos en nuestros teléfonos, en control", la canción se siente como una observación de la silenciosa soledad fomentada por la tecnología moderna. No es de extrañar que este álbum naciera de la tendencia de Albarn a mezclar sus reflexiones personales con las ansiedades culturales más amplias de la época.

Exploración silenciosa y profunda

A menudo se ha descrito a Damon Albarn como un autor musical, que crea obras que transitan la línea entre la experimentación y la accesibilidad. "Everyday Robots" no es una excepción. El LP se apoya en arreglos escasos que fusionan instrumentos acústicos con electrónica discreta. Esta mezcla crea un paisaje sonoro que se siente simultáneamente orgánico y distante, muy parecido a los temas que explora Albarn. La influencia de Richard Russell es evidente en el estilo de producción esquelético, que hace eco de su colaboración anterior en The Bravest Man in the Universe de Bobby Womack. El resultado es una música sin adornos, lo que permite que las letras y las emociones de Albarn ocupen el centro del escenario.

Canciones como "Hollow Ponds" anclan el álbum con profundidad autobiográfica. Esta pieza de seis minutos recorre viñetas de la vida de Albarn, desde los recuerdos de la infancia hasta sus experiencias como adulto joven. No se trata solo de una retrospectiva, sino de una lente nostálgica a través de la cual los oyentes pueden ver sus propias historias. La estructura en capas de la canción, tanto musical como líricamente, consolida su lugar como una de las propuestas más conmovedoras del álbum.

Mientras tanto, "Lonely Press Play" y "Hostiles" atraen a los oyentes hacia momentos más tranquilos de introspección. En Lonely Press Play, Albarn canta: "Cuando me siento solo, presiono play", un sentimiento con el que todos nos podemos identificar. La percusión escasa y la línea de bajo burbujeante crean un ritmo reconfortante, que refuerza el mensaje de la canción de encontrar consuelo en la música.

Alegrias en medio de la melancolía

Aunque gran parte de "Everyday Robots" está impregnada de melancolía, hay momentos de ligereza y encanto que brillan. "Mister Tembo", inspirado en un bebé elefante que Albarn conoció en Tanzania, es un estallido inesperado de alegría. Con niños que cantan y un coro de gospel, la canción es divertida pero profunda, y nos recuerda la belleza de los encuentros pequeños e inesperados. Este desvío alegre no resta valor al tono general del álbum, sino que lo enriquece, ofreciendo un rayo de esperanza en medio de la introspección.

El tema de cierre, "Heavy Seas of Love", lleva el álbum a una conclusión trascendente. La inconfundible voz de Brian Eno, combinada con el cálido acompañamiento del Leytonstone City Mission Choir, crea una sensación de elevación que se siente como un abrazo de despedida después de una larga y emotiva conversación. Las armonías en capas y el ritmo suave de la canción encapsulan los temas del álbum de humanidad y conexión, dejando a los oyentes con una sensación persistente de paz.

Lo familiar y lo inesperado

Lo que hace que "Everyday Robots" sea atractivo es su equilibrio entre familiaridad e innovación. Para los fans del trabajo anterior de Damon Albarn, el álbum se siente como una especie de regreso a casa, mezclando la belleza melancólica de "This Is a Low" de Blur con la experimentación introspectiva de "Demon Days" de Gorillaz. Sin embargo, esta no es una recopilación de grandes éxitos. Es una pieza deliberada y cohesiva que se distingue de los proyectos anteriores de Albarn.

El uso de samples y técnicas de producción sutiles realza la profundidad del disco. Desde el sample de apertura chirriante en "Everyday Robots" hasta los fragmentos de palabras habladas en "Photographs (You Are Taking Now)", cada elemento se siente meticulosamente colocado pero orgánico. La voz de Albarn, imperfecta y sin pulir, se suma a la autenticidad del álbum, recordándonos que la imperfección a menudo contiene la mayor verdad.

Un disco reflexivo y humano

"Everyday Robots" no se trata de grandes declaraciones o actuaciones llamativas. En cambio, es un disco muy humano, que captura los pequeños momentos, a menudo pasados ​​por alto, que definen nuestras vidas. La capacidad de Albarn para mezclar lo personal con lo universal hace que este álbum resuene mucho después de que se desvanezca la nota final.

Para aquellos que no están familiarizados con el trabajo de Damon Albarn, este álbum puede no ser un gancho inmediato. Su tono moderado y su naturaleza introspectiva requieren paciencia y una mente abierta. Pero para los oyentes dispuestos a sentarse a escucharlo, "Everyday Robots" ofrece una experiencia gratificante: un recordatorio de la belleza tanto de la conexión como de la soledad.

Disco recomendado

En un mundo saturado de ruido, "Everyday Robots" se alza como un refugio tranquilo. Es un álbum que no exige tu atención, sino que te invita a reflexionar y conectar. Tanto si eres fan de Damon Albarn desde hace mucho tiempo como si estás descubriendo su música por primera vez, este disco merece tu tiempo. Escúchalo y deja que su discreta belleza se despliegue. Tal vez descubras, como sugiere Albarn, que a veces, presionar play es todo lo que necesitas.

Video del tema "Heavy Seas of Love":

Tracklist:

1. "Everyday Robots" 3:56
2. "Hostiles" 4:10
3. "Lonely Press Play" 3:42
4. "Mr Tembo" (con The Leytonstone City Mission Choir) 3:43
5. "Parakeet" 0:43
6. "The Selfish Giant" (con Natasha Khan) 4:46
7. "You and Me" (con Brian Eno) 7:05
8. "Hollow Ponds" 5:00
9. "Seven High" 1:00
10. "Photographs (You Are Taking Now)" 4:43
11. "The History of a Cheating Heart" 4:00
12. "Heavy Seas of Love" (con Brian Eno & Leytonstone City Mission Choir) 3:44

Personal (Músicos):

• Damon Albarn – voz, piano, guitarra, omnichord, ukelele, coros, caja de ritmos, bajo, coro, Korg M1, sintetizador, producción ejecutiva, producción adicional, mezcla, ingeniería
• Richard Buckley – muestra de voz (pistas 1, 4 y 12), coros
• Veona Byfield-Bowen – coro, coros
• Dan Carpenter – trompeta
• Kris Chen – palabra hablada
• Demon Strings – cuerdas
• Isabelle Dunn – cuerdas
• Margurita Edwards – coro, coros
• Ian Eason – audio
• Brian Eno – voz invitada (pistas 7 y 12), coros, sintetizadores
• Conroy Griffiths – coro, coros
• Nicholas Hougham – trompa
• Natasha Khan – voz invitada (pista 6), coros
• Ollie Langford – violín
• Timothy Leary – muestra de voz (pista 10), coros
• The Leytonstone City Mission Choir – coro, voces invitadas, coros
• Robert Morley – muestra de voz (pista 6)
• Celia Murphy – coro, coros
• Jerome O'Connell – steel pans
• Mary Oldacre – coro, coros
• Antonia Pagulatos – cuerdas
• Pauli the PSM – batería en vivo
• Alice Pratley – cuerdas
• Richard Russell – producción ejecutiva, programación de batería, MIDI, caja de ritmos, MPC, AKAI MPC 500, producción, palabra hablada, mezcla, muestreo, Roland TR-909, ingeniería
• Kotono Sato – cuerdas
• Seye – bajo en vivo, guitarra
• Mike Smith – teclados en vivo, arreglos de cuerdas
• Simon Tong – guitarra adicional
• Patsy Walsh – coro, coros
• Jeff Wootton – guitarra en vivo, bajo en vivo

Créditos de los samples:

• "Everyday Robots" contiene una muestra de "Cabenza de Gasca/The Gasser", del álbum de 1960, Buckley's Best, escrita e interpretada por Richard Buckley.
• "Mr Tembo" contiene una muestra de "Lions", del álbum de 1959 Way Out Humour escrita e interpretada por Richard Buckley.
• "The Selfish Giant" contiene una muestra de "The Selfish Giant" compuesta por Kenny Clayton, escrita por Oscar Wilde e interpretada por Robert Morley.
• "You and Me" contiene una grabación de campo del Carnaval de Notting Hill y del tren de la línea Central saliendo de la estación Leytonstone en el metro de Londres.
• "Hollow Ponds" contiene una muestra del tren de la línea Central saliendo de la estación Leytonstone del metro de Londres y del patio de recreo de la antigua escuela de Albarn.
• "Photographs (You Are Taking Now)" contiene una muestra del audiolibro de 1964 The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead escrito e interpretado por Timothy Leary.
• "Heavy Seas of Love" contiene una muestra de "Cabenza de Gasca/The Gasser" escrita e interpretada por Richard Buckley del álbum de 1960, Buckley's Best, escrito e interpretado por Richard Buckley.

MOGWAI - The Bad Fire - Album

En un género como el post-rock, en constante evolución, pocas bandas han demostrado la longevidad, la creatividad y la profundidad emocional de la formación escocesa Mogwai. Con su último álbum, "The Bad Fire", el cuarteto no solo reafirma su lugar como pioneros del género, sino que también ofrece un disco personal y transformador. He aquí por qué este undécimo trabajo de estudio es una escucha obligada.

ALBUM: The Bad Fire

Mogwai, el cuarteto de post-rock escocés, ha regresado con "The Bad Fire", su undécimo álbum de estudio, que se publicó el 24 de enero de 2025. Después de casi tres décadas de redefinir paisajes sonoros y superar los límites de la música instrumental, Mogwai demuestra que no solo se mantienen firmes, sino que están prosperando. Este álbum, grabado en los estudios "Chem 19" en Escocia con el productor John Congleton, es un testimonio de su resiliencia, combinando el dolor personal, el triunfo y la evolución artística en algo extraordinario.

Una banda renovada

Tras el éxito de "As the Love Continues", que le valió a la banda su primer álbum #1 en el Reino Unido en 2021, Mogwai se encontró en una encrucijada. Ese disco fue un pico comercial y creativo, celebrado por su inmediatez y su atractivo emocional. Pero "The Bad Fire" se forjó en un crisol completamente diferente: uno de desafíos personales, incluida la batalla de la hija del tecladista Barry Burns con una enfermedad potencialmente mortal.

El título del álbum, tomado de un antiguo término escocés para "infierno", refleja el peso emocional detrás de su creación. Sin embargo, como los propios Mogwai han hecho a menudo, han convertido la oscuridad en luz, creando un disco que es tan catártico como edificante.

Un viaje sónico

El álbum comienza con "God Gets You Back", y marca el tono de inmediato. Los sintetizadores arpegiados revolotean antes de ser arrastrados por la batería propulsiva de Martin Bulloch y la voz inquietante de Burns. La letra enigmática de la canción, escrita por la hija de Burns, le da a la canción un toque profundamente personal. A pesar de su duración de casi siete minutos, se siente accesible, una fusión de las exploraciones de sintetizadores analógicos de Mogwai, las sensibilidades shoegaze y la grandeza del post-rock.

A partir de ahí, "The Bad Fire" se despliega como un viaje a través de la historia sonora de Mogwai, mientras sigue abriendo nuevos caminos. "Hi Chaos" canaliza la dinámica tranquila-fuerte de sus primeros años pero con un giro lúdico, sus guitarras distorsionadas y ritmos pulsantes equilibrados por momentos de calma. Mientras tanto, "Fanzine Made of Flesh" se inclina hacia el territorio del dream pop, con voces vocoderizadas que transforman la melodía en algo simultáneamente robótico y tierno.

La pieza central del álbum, "If You Find This World Bad, You Should See Some of the Others", es el clásico de Mogwai, una epopeya llena de tensión y de construcción lenta que crece hasta convertirse en un muro de sonido. Sin embargo, es la moderación lo que se destaca; En lugar de quedarse en el caos, la banda sabe cuándo dar un paso atrás, creando momentos de sorprendente claridad.

Adoptando nuevas dimensiones

Una de las cualidades más destacadas del álbum es su rango emocional. "18 Volcanoes" es una pieza tierna y confesional, con la voz discreta de Stuart Braithwaite flotando sobre líneas de bajo difusas y sintetizadores brillantes. Es un recordatorio de que incluso en un álbum principalmente instrumental, Mogwai puede contar historias con una profundidad notable. De manera similar, "Hammer Room" presenta un ambiente juguetón, casi bailable, una desviación poco común pero bienvenida del tono melancólico habitual de la banda.

El tema de cierre, "Fact Boy", es nada menos que brillante. Sus melodías en capas (violín, sintetizadores centelleantes y un sutil trabajo de guitarra) crean una sensación de serenidad que perdura mucho después de que se desvanecen las notas finales. Es Mogwai en su forma más vulnerable y esperanzadora, un final apropiado para un álbum que atraviesa altos y bajos tanto personales como musicales.

Artesanía y cohesión

La producción de John Congleton también merece una mención especial. Conocido por su trabajo con "St. Vincent" y "Explosions in the Sky", Congleton aporta una claridad y cohesión a "The Bad Fire" que lo eleva por encima de muchos de los trabajos anteriores de Mogwai. El sonido es expansivo pero íntimo, cada elemento colocado cuidadosamente sin parecer sobreproducido.

El ritmo del álbum es otro punto fuerte. Con poco más de 50 minutos, nunca se extiende demasiado. Cada canción se siente distinta pero interconectada, creando un arco narrativo que es tan convincente como musicalmente satisfactorio.

Por qué es bueno

En una era en la que muchas bandas veteranas luchan por mantenerse relevantes, Mogwai continúa innovando sin alienar a su público principal. "The Bad Fire" no es solo una continuación de su legado; es una reafirmación de su relevancia. Al abrazar tanto lo personal como lo universal, la banda ha creado un disco que se siente oportuno y atemporal.

Disco recomendado

"The Bad Fire" es más que un disco más; es un reflejo de resistencia y transformación. Ya seas un fan de toda la vida o un recién llegado, aquí hay algo para todos: los himnos enérgicos, las baladas tiernas, los momentos de experimentación que nos recuerdan por qué Mogwai sigue siendo una fuerza a tener en cuenta.

Así que toma un par de auriculares, tómate un tiempo y déjate sumergir. "The Bad Fire" no es solo un álbum que escuchas, es uno que experimentas. Muy recomendable.

Video del tema "Fact Boy":

Tracklist:

1. "God Gets You Back" 6:41
2. "Hi Chaos" 5:24
3. "What Kind Of Mix Is This?" 4:12
4. "Fanzine Made of Flesh" 4:34
5. "Pale Vegan Hip Pain" 4:25
6. "If You Find This World Bad, You Should See Some Of The Others" 7:23
7. "18 Volcanoes" 6:19
8. "Hammer Room" 5:17
9. "Lion Rumpus" 3:33
10. "Fact Boy" 7:03

Ficha:

• Mogwai: Dominic Aitchison, Stuart Braithwaite, Martin Bulloch y Barry Burns
• Producción y mezcla de John Congleton

TALK TALK - The Colour of Spring - Album (Revisited)

La última vez que escribí una entrada sobre el disco "The Colour of Spring" de la banda británica TALK TALK en este blog de música fue por el año 2020. Entusiasmado entonces, sigo hoy envuelto en su belleza. Siendo así vuelvo a escribir otro blog post (revisited).

ALBUM: The Colour of Spring

 
Este es un trabajo emblemático en la historia de la banda inglesa "Talk Talk", publicado el 17 de febrero de 1986. Para muchos, es el álbum donde "Talk Talk" trascendió sus inicios de synth-pop y se embarcó en un viaje hacia paisajes sonoros más ricos y orgánicos. Coescrito por Mark Hollis y el productor Tim Friese-Greene, el álbum surgió como una combinación perfecta de jazz, pop artístico y experimentación atmosférica. Esta transformación no solo redefinió la carrera de la banda; sentó las bases para géneros que solo serían apreciados en su totalidad décadas después.

El viaje hacia el color de la primavera

Los álbumes anteriores de Talk Talk, incluido "It's My Life", habían mostrado destellos de brillantez, pero se mantuvieron arraigados en los sonidos sintetizados típicos de principios de la década de 1980. Las limitaciones financieras y las expectativas de la industria impulsaron su dependencia de las texturas electrónicas, pero la insatisfacción de Mark Hollis con esta limitación no era ningún secreto. Una vez comentó: "Si los sintetizadores no existieran, estaría encantado". Este sentimiento impulsó la evolución que se escucha en "The Colour of Spring", donde la banda adoptó una paleta de instrumentos reales: guitarra, piano, órgano y más, para crear algo auténtico y atemporal.

La creación del álbum estuvo marcada por influencias eclécticas, desde el minimalismo de Erik Satie hasta los ritmos complejos de leyendas del jazz como Béla Bartók. La meticulosa atención de Hollis a los detalles significó que cada nota tenía un propósito y el silencio se volvió tan poderoso como el sonido. Las contribuciones de músicos invitados, incluido Robbie McIntosh en la guitarra y el evocador trabajo de órgano de Steve Winwood, agregaron profundidad a un tapiz ya exuberante.

Una sinfonía de emoción y experimentación

El álbum comienza con "Happiness Is Easy", una canción que inmediatamente señala una nueva dirección. Los tambores despojados y una estructura minimalista evolucionan hacia un arreglo en capas que se construye gradualmente, incorporando cuerdas y el estilo vocal característico de Hollis. Las letras tienen un peso introspectivo, invitando a los oyentes a reflexionar sobre las complejidades de la vida sin abrumarlos. Este equilibrio entre sobriedad y riqueza define el álbum.

Los sencillos, “Life’s What You Make It” y “Living in Another World”, resaltan la capacidad de Talk Talk para combinar la accesibilidad con la innovación. El primero, impulsado por un riff de piano hipnótico y un ritmo implacable, se convirtió en un éxito internacional. El uso audaz de la armónica y las texturas en capas del segundo crearon un viaje sonoro dinámico. Estas pistas insinúan el pasado de la banda mientras se adentran con audacia en un nuevo territorio, lo que las convierte en los puntos de entrada perfectos tanto para los nuevos oyentes como para los fanáticos de toda la vida.

En los rincones más tranquilos del álbum, las tendencias experimentales de Talk Talk pasan al primer plano. “April 5th” es una balada inquietante construida sobre una instrumentación delicada y la voz etérea de Hollis. El arreglo escueto permite que cada nota, desde un saxofón perdido hasta un sutil acorde de órgano, resuene profundamente. De manera similar, “Chameleon Day” despoja todo de su esencia hasta convertirlo en una atmósfera de jazz ambiental, lo que demuestra el creciente dominio de la banda del espacio negativo y la tensión sutil.

Uniendo el pasado y el futuro

La genialidad de "The Colour of Spring" reside en su capacidad de unir dos fases distintas de la carrera de Talk Talk. Temas como “I Don’t Believe in You” reflejan la narrativa emotiva y la sensibilidad melódica que definieron su trabajo anterior, mientras que el extenso “Time It’s Time” apunta hacia el espíritu improvisado y rompedor de sus álbumes posteriores, “Spirit of Eden” y “Laughing Stock”.

“Time It’s Time” es particularmente sorprendente, ya que cierra el álbum con una ráfaga épica de armónicas, cantos tribales y letras inquietantes que perduran mucho después de que se desvanece la nota final. Encapsula los temas del álbum: la transición, la resiliencia y la belleza de la imperfección.

Por qué sigue resonando

Décadas después de su lanzamiento, "The Colour of Spring" sigue siendo una piedra angular de la música moderna. Es un raro ejemplo de un álbum que combina el éxito comercial con la integridad artística, vendiendo más de dos millones de copias y desafiando las convenciones del género. Su influencia se puede sentir en las obras de pioneros del post-rock como "Godspeed You! Black Emperor" y "Bark Psychosis", así como en la apreciación más amplia de la música minimalista y atmosférica.

La filosofía de Mark Hollis de "sensación por encima de la técnica" brilla en cada momento del álbum. Su creencia de que "una nota es mejor que dos" encuentra su expresión más conmovedora en el uso del silencio y el espacio en el álbum. Este enfoque no solo definió el sonido de Talk Talk, sino que también estableció un nuevo estándar para lo que la música popular podía lograr.

Disco recomendado

Para cualquiera que busque música que desafíe y recompense en igual medida, "The Colour of Spring" es una escucha obligada. Es un álbum que no solo entretiene, sino que también invita a la introspección, ofreciendo algo nuevo con cada escucha. Ya sea que te atraigan sus cautivadoras melodías, sus ricas texturas instrumentales o sus tranquilos momentos de reflexión, este disco tiene algo que ofrecer.

En palabras de Hollis, "Lo más importante con lo que puedes trabajar es el silencio". "The Colour of Spring" es un testimonio de esa idea, una obra de arte que deja espacio para que el oyente encuentre su propio significado. Es más que un disco; es una experiencia que sigue inspirando y resonando, demostrando que, a veces, menos es más. Es uno de mis álbumes favoritos de todos los tiempos.

Video del tema "April 5th":

Tracklist:

1. Happiness Is Easy (6:30)
2. I Don't Believe in You (5:02)
3. Life's What You Make It (4:28)
4. April 5th (5:51)
5. Living in Another World (6:58)
6. Give It Up (5:17)
7. Chameleon Day (3:20)
8. Time It's Time (8:14)

Tiempo total: 45:40

Formación / Músicos:

• Mark Hollis / voz principal, guitarra (8), teclados (1), órgano (4), piano (3,5-7), mellotron (6), melódica (8), sintetizador Variophon (4,7), violonchelo (1)
• Paul Webb / bajo (2,5,6,8), coros (3,5)
• Lee Harris / batería, percusión

con:

- Tim Friese-Greene / piano (1,2,4,8), órgano (3,6,8), mellotron (3), piano eléctrico Kurzweil (1), sintetizador Variophon (4,7), productor

- Robbie McIntosh / guitarra (1,2,5), dobro (4,6), guitarra acústica (8)
- David Rhodes / guitarra (3,5,6)
- Ian Curnow / teclados
- Steve Winwood / órgano (1,2,5)
- David Roach / soprano saxofón (2, 4, 5)
- Mark Feltham / armónica (5)
- Alan Gorrie / bajo (1)
- Danny Thompson / bajo acústico (1)
- Gaynor Sadler / arpa (2)
- Martin Ditcham / percusión (1, 3, 5, 6, 8)
- Morris Pert / percusión (1, 2, 5, 8)
- Phil Reis / percusión (1)
- Children From The School Of Miss Speake / coros (1)
- Ambrosia Choir / coros (8)

ROBERT FRIPP/ANDY SUMMERS - I Advanced Masked - Album

En 1982, dos de los guitarristas más innovadores de su generación, Andy Summers de The Police y Robert Fripp de King Crimson, se unieron para crear "I Advance Masked". Este álbum instrumental, nacido de su historia compartida y respeto mutuo, es un tapiz de texturas, estados de ánimo y atmósferas que desafía las normas convencionales del rock. Lejos de los éxitos mainstream de sus respectivas bandas, esta colaboración invita a los oyentes a un mundo de paisajes sonoros experimentales, tan introspectivos como rompedores.

Quiero recomendar este disco a los lectores de este blog de música.

ALBUM: I Advance Masked

A principios de los años 80, mientras los tonos de guitarra de Andy Summers cimentaban el ascenso de The Police a la fama mundial y el arte cerebral de Robert Fripp llevaba a King Crimson a nuevos terrenos experimentales, los dos músicos se reunieron en un estudio de Dorset (Reino Unido) para crear algo completamente inesperado: "I Advance Masked". Publicado en 1982, este álbum colaborativo se apartó del refinamiento comercial de sus respectivas bandas, sumergiéndose profundamente en un paisaje sonoro instrumental tan introspectivo como audaz.

En esencia, este trabajo refleja las historias musicales compartidas de Summers y Fripp, quienes se cruzaron por primera vez en Bournemouth durante los años 60. Summers, entonces miembro de la Zoot Money Big Roll Band, y Fripp, estudiante de economía mientras tocaba en conciertos locales, forjaron una conexión que resurgiría décadas después. Ambos artistas llevaron consigo sus influencias: jazz, minimalismo, rock y sonidos globales, todos los cuales encontraron expresión en este álbum.

Un diálogo diferente

Quienes esperen un duelo de guitarras se sorprenderán. Este álbum no trata de exhibiciones técnicas ni de virtuosismo. En cambio, Summers y Fripp tejen capas complejas de texturas, creando un diálogo que fluye y refluye entre la tensión y la armonía. La canción principal, "I Advance Masked", inicia el álbum con un ritmo palpitante y una intrincada interacción de guitarras. Los acordes flexibles de Summers sientan las bases para los arpegios rápidos y característicos de Fripp, evocando una especie de elegancia mecánica. Es un tema que se siente vivo, con ritmos que avanzan como un motor finamente afinado.

En otros lugares, el estado de ánimo cambia. Under Bridges of Silence reduce todo a gestos minimalistas, percusión acústica y sintetizadores de guitarra que flotan como susurros distantes. Esta canción encarna el lado más tranquilo y meditativo del álbum, en contraste con la energía electrificada de piezas como Hardy Country. Este último, un homenaje a sus raíces compartidas en Dorset, rebosa de intensidad rítmica y su interacción arremolinada recuerda a Discipline de King Crimson.

Atmósferas

El encanto del álbum reside en su capacidad para dar forma a estados de ánimo y atmósferas. In the Cloud Forest brilla con calidez, evocando imágenes de luz filtrándose a través de espesos doseles, mientras que Girl on a Swing toma un giro más pastoral, con una acústica suave y el trabajo solista de Fripp que le otorga un aire melancólico. Estas piezas más tranquilas proporcionan el equilibrio necesario, permitiendo que el álbum respire.

Algunas composiciones se inclinan hacia lo experimental, desafiando a los oyentes con sus peculiaridades. Stultified y The Truth of Skies exploran territorios ambientales más oscuros, con tonos disonantes y efectos de guitarra en capas que generan una tensión casi cinematográfica. No son fáciles de escuchar, pero recompensan la paciencia con momentos de belleza sorprendente.

Una obra de su tiempo

Se necesita contexto para entender "I Advance Masked". Grabado durante un período fértil para ambos músicos, Fripp estaba reimaginando King Crimson, mientras que Summers disfrutaba del éxito de Ghost in the Machine. El álbum captura su deseo de ir más allá de las expectativas de sus bandas. Su espíritu DIY es evidente: el dúo manejó toda la instrumentación, superponiendo guitarras, sintetizadores y percusión. Si bien este enfoque produce un sonido crudo e íntimo, ocasionalmente expone sus limitaciones como multiinstrumentistas.

La producción del álbum, minimalista por diseño, permite que el trabajo de guitarra brille, aunque ciertos elementos, como la programación de batería y las líneas de bajo, a veces se sienten poco desarrollados. Sin embargo, esta estética despojada también contribuye al encanto del álbum: se percibe personal, como una mirada sin filtros a su proceso creativo.

Para oídos aventureros

"I Advance Masked" no es un disco para escuchar pasivamente. Exige atención, invitando a explorar sus capas y a apreciar la química entre dos guitarristas en la cima de su creatividad. Para los fanáticos del trabajo de principios de los 80 de King Crimson o los desvíos atmosféricos de The Police, este álbum ofrece un punto intermedio.

Al volver a escuchar esta joya olvidada, encontrarás un álbum que se siente atemporal y arraigado en su época. Es un recordatorio de una era en la que las grandes discográficas estaban dispuestas a respaldar la música instrumental audaz, confiando en que el público abrazara lo poco convencional. Si buscas algo fuera de la corriente principal, algo que desafíe e inspire, "I Advance Masked" merece una escucha.

Disco recomendado

Summers y Fripp se reunirían dos años después para Bewitched, un trabajo más pulido y estructurado. Pero hay una autenticidad cruda en "I Advance Masked" que lo hace excepcionalmente atractivo. Es un álbum que captura a dos músicos legendarios saliendo de su zona de confort para crear algo completamente propio: una declaración audaz en un mundo a menudo impulsado por expectativas comerciales.

Ya seas fan de estos íconos de la guitarra o simplemente tengas curiosidad por las intersecciones entre el rock, el ambient y la vanguardia, este disco vale la pena. Escúchalo y deja que sus texturas te transporten a nuevos paisajes sonoros.

Video del tema "In The Cloud Forest":

Tracklist:

Cara A:

1. "I Advance Masked" 5:14
2. "Under Bridges of Silence" 1:41
3. "China – Yellow Leader" 7:09
4. "In the Cloud Forest" 2:30
5. "New Marimba" 3:38
6. "Girl on a Swing" 2:03

Cara B:

7. "Hardy Country" 3:00
8. "The Truth of Skies" 2:07
9. "Painting and Dance" 3:24
10. "Still Point" 3:08
11. "Lakeland/Aquarelle" 1:43
12. "Seven on Seven" 1:38
13. "Stultified" 1:25

Músicos:

• Robert Fripp – guitarras eléctricas, sintetizadores Moog y Roland, sintetizador de guitarra Roland, bajo Fender, percusión
• Andy Summers – guitarras eléctricas, sintetizadores Moog y Roland, piano, sintetizador de guitarra Roland, bajo Fender, percusión

ETHEL CAIN - Perverts - Album

Bienvenido a una inmersión profunda en "Perverts", el nuevo y ambicioso lanzamiento de una artista que me conquistó con su primer álbum (Preacher's Daughter 2022), Ethel Cain. En este blog post, exploraremos cómo Cain ha vuelto a superar los límites de su arte, creando un paisaje sonoro que es tan inquietante como cautivador. Desde su exploración de la vergüenza y el deseo hasta sus composiciones envolventes cargadas de sonidos drone, "Perverts" es un viaje emocional y sonoro. Ya seas fan desde hace mucho tiempo o sientas curiosidad por esta artista innovadora, espero animarte para descubrir un disco que desafía las convenciones y perdura mucho después de la nota final.

ALBUM: Perverts 

Ethel Cain ha editado una pequeña obra de arte inquietante y desafiante que consolida su estatus como una de las voces más convincentes de la música contemporánea. Publicado el 8 de enero de 2025 a través de su sello propio "Daughters of Cain", esta obra de 89 minutos se aleja del camino trazado por su debut de 2022 "Preacher's Daughter". Mientras que su debut mezclaba la narración gótica sureña con melodías accesibles, "Perverts" cambia la calidez por la oscuridad absoluta, sumergiéndose de cabeza en las inquietantes profundidades del drone, el slowcore y la electrónica.

Una apertura audaz hacia la inquietud

La canción que da título al álbum marca el tono: "Perverts" comienza con un paisaje sonoro de 12 minutos que se siente a la vez escalofriantemente íntimo y cósmicamente distante. El álbum comienza con una interpretación distorsionada del himno "Nearer, My God, to Thee" de Cain y rápidamente se convierte en un abismo de sintetizadores monótonos y voces distorsionadas. En un momento, la voz apagada de Cain emerge y declara: "El cielo ha abandonado al masturbador". Esta declaración inquietante encapsula gran parte del peso temático del álbum: lidiar con la vergüenza, la culpa y las contradicciones inherentes del cuerpo.

El tema se niega a consolar o a ceder, y en cambio arrastra al oyente a un espacio de ansiedad e introspección. Es un comienzo audaz, que señala la negativa de Cain a satisfacer expectativas fáciles o experiencias de escucha convencionales.

Un viaje a través del terreno experimental

"Perverts" continúa superando los límites, tanto en lo sonoro como en lo emocional. A diferencia de los paisajes expansivos de "Preacher's Daughter", este disco se adentra en espacios confinados y sofocantes. Canciones como "Houseofpsychoticwomn" y "Punish" alternan entre collages de ruidos inquietantes y momentos de delicada intimidad. La primera superpone un estribillo repetitivo de "te amo" sobre texturas ambient estridentes, transformando la frase de un consuelo en un mantra siniestro. Mientras tanto, "Punish", uno de los pocos temas cantados tradicionalmente del álbum, resalta las habilidades vocales evocadoras de Cain al atravesar capas de distorsión y piano minimalista.

Las letras de Cain agregan otra capa de complejidad, ahondando en temas de autodesprecio, deseo y duda existencial. En "Onanist", una pieza hablada infundida con imágenes inspiradas en la Divina Comedia de Dante, reflexiona: "Quiero conocer el amor / Quiero saber cómo se siente", mezclando alegorías clásicas con exploraciones modernas de la autogratificación. Su capacidad para fusionar lo cerebral con lo visceral hace que "Perverts" sea tan estimulante como emocionalmente cautivante.

El peso del sonido y el silencio

Un sello distintivo de "Perverts" es su magistral uso del ritmo y la atmósfera. Ethel Cain emplea el silencio y la repetición no como espacio vacío, sino como componentes cruciales de la arquitectura emocional del álbum. Canciones como "Pulldrone", que dura 15 minutos, ponen a prueba la paciencia y la resistencia del oyente, superponiendo zumbidos industriales y frases habladas inquietantes sobre un zumbido implacable. El efecto es hipnótico y desorientador, y atrae a los oyentes a lo más profundo del paisaje sonoro cuidadosamente construido por Cain.

El álbum no está completamente desprovisto de respiro. Números como "Vacillator" ofrecen breves momentos de claridad, con melodías más limpias e instrumentación más sutil que recuerdan los elementos dream-pop del trabajo anterior de Cain. Sin embargo, incluso estos momentos están teñidos de inquietud, como si recordaran al oyente que la paz es fugaz en el mundo de "Perverts".

Un reflejo de oscuridad

Gran parte del peso emocional del álbum proviene de su cruda reflexión sobre la decadencia personal y social. Ethel Cain recurre a su educación en el sur de Estados Unidos, mezclando referencias culturales con reflexiones profundamente personales. Los temas de represión y perversión se entrelazan a lo largo del álbum, arrojando una luz dura sobre las contradicciones del deseo, la moralidad y la identidad. Sus paisajes sonoros, densos y a menudo abrasivos, reflejan esta tensión temática.

Colaboradores como Angel Diaz y Madeline Johnston contribuyen al sonido estratificado del álbum, agregando texturas que van desde la guitarra saturada hasta las voces espectrales. Estas contribuciones amplifican la calidad cinematográfica del disco, transformándolo en una experiencia inmersiva, casi visual.

Una escucha intensa

Escuchar "Perverts" no es una tarea fácil. Su duración, densidad e intensidad emocional exigen una atención total, y su negativa a adherirse a las estructuras o resoluciones tradicionales de las canciones puede resultar alienante. Pero para aquellos dispuestos a participar, las recompensas son inmensas. El arte de Cain brilla a través de su habilidad para crear un álbum que se siente a la vez profundamente personal y universalmente resonante.

Los temas finales, "Thatorchia" y "Amber Waves", encapsulan las dualidades del álbum de belleza y desesperación. El primero construye una cacofonía de guitarras distorsionadas y cantos en bucle, mientras que el segundo ofrece una conclusión sombría, casi frágil. Juntos, dejan al oyente en un estado de agotamiento catártico, un final apropiado para un álbum que desafía tanto como cautiva.

Disco Recomendado

Ethel Cain ha creado un álbum que desafía la categorización fácil. Es una exploración audaz del sonido y la emoción, un testimonio de su voluntad de superar los límites y aceptar la incomodidad. Si bien puede que no atraiga a todos, aquellos que se adentren en sus profundidades encontrarán una obra de honestidad y poder poco comunes.

Para cualquiera que busque música que no solo entretenga sino que provoque, inquiete y conmueva, "Perverts" es una escucha obligada. No es solo un álbum; es una experiencia que perdura mucho después de que se desvanece la última nota. Si estás listo para enfrentarte a las sombras, Ethel Cain te está esperando para guiarte a través de ellas.

Video del tema "Amber Waves":

Tracklist:

1. "Perverts" 12:04
2. "Punish" 6:40
3. "Housofpsychoticwomn" 13:35
4. "Vacillator" 7:44
5. "Onanist" 6:24
6. "Pulldrone" 15:14
7. "Etienne" 8:43
8. "Thatorchia" 7:24
9. "Amber Waves" 11:32 

Músicos:

• Ethel Cain – voz principal, producción, mezcla
• Matthew Tomasi – batería en "Vacillator", baqueta en "Amber Waves"
• Angel Diaz – guitarra lap steel en "Punish" y "Amber Waves", contrabajo en "Onanist", piano eléctrico en "Amber Waves"
• Bryan De Leon – guitarra acústica en "Etienne"
• Madeline Johnston – guitarra en "Amber Waves"

BAD BUNNY - DeBÍ TiRAR MáS FOToS - Album

De entrada, no sigo ni disfruto de la mayoría de la música latina, reggaetón, trap o estilos similares, por eso la siguiente entrada del blog te sorprenderá. Lo que sí disfruto es la música, sea del estilo que sea, bien hecha, innovadora y fresca. Por eso te recomiendo en este blog de música el último lanzamiento de BAD BUNNY "DeBÍ TiRAR MáS FOToS".

Este último álbum de Bad Bunny, "DeBÍ TiRAR MáS FOToS", es más que una colección de canciones: es un sentido homenaje a Puerto Rico y una reflexión sobre el tiempo, la identidad y el orgullo cultural. Publicado el 5 de enero de 2025, este proyecto personal combina ritmos tradicionales caribeños con reggaetón moderno, mostrando la evolución de Bad Bunny como artista y narrador. Desde baladas nostálgicas hasta himnos con carga política, el álbum invita a los oyentes a celebrar la vitalidad de la cultura puertorriqueña mientras lidia con temas de pérdida, amor y el paso del tiempo.

 

ALBUM: DeBÍ TiRAR MáS FOToS

 
Cuando Benito Antonio Martínez Ocasio, mejor conocido como Bad Bunny, habla, el mundo de la música latina parece escuchar. Su música ha trascendido barreras lingüísticas, divisiones culturales y convenciones de género. Con "DeBÍ TiRAR MáS FOToS", editado el 5 de enero de 2025, Bad Bunny no solo ofrece un álbum sino un viaje emocional.

Un embajador cultural

Bad Bunny, apodado a menudo el "Rey del trap latino", ha crecido mucho más allá de sus inicios y de sus tempranas obras. A lo largo de los años, ha redefinido lo que significa ser un artista latino global, defendiendo el reggaetón y el trap, a la vez que combina a la perfección el comentario social. Sus discos, entre ellos "Un verano sin ti", nominado al Grammy, y el rebelde "Nadie sabe lo que va a pasar mañana", consolidaron su lugar como fuerza creativa. Con "DeBÍ TiRAR MáS FOToS", dirige su mirada hacia el interior, equilibrando su humor característico con la introspección.

Este es un disco para puertorriqueños escrito por un puertorriqueño, como ha señalado el propio Benito. Su corazón late con los ritmos de la plena, la salsa, el jíbaro y el reggaetón, géneros que definen la rica herencia musical de la isla. Cada canción se siente como una instantánea, un momento congelado en el tiempo, que honra no solo a Puerto Rico, sino a la gente que vive, ama y lucha allí.

Raíces musicales con un estilo contemporáneo

En esencia, "DeBÍ TiRAR MáS FOToS" es una carta de amor a los sonidos puertorriqueños. Al abrir el álbum con "Nuevayol", un vibrante homenaje a la experiencia nuyorican, Bad Bunny inmediatamente marca el tono. La canción, llena de ritmos dembow y guiños culturales, cierra la brecha entre la diáspora y la isla. De manera similar, "La Mudanza", el tema que cierra el álbum, cierra el círculo. Respaldado por trompetas triunfantes y percusión inspirada en la bomba, Bad Bunny rinde homenaje a sus padres y declara: "Esta es mi casa, donde nació mi abuelo. Soy de P f*ckin' R".

Canciones como "Café Con Ron" con invitados Pleneros de la Cresta llevan la plena al primer plano, mezclando ritmos tradicionales con producción moderna. Mientras tanto, "El Club" fusiona ritmos house con guitarras estilo plena, mostrando la habilidad de Bad Bunny para la experimentación. En "Lo que le pasó a Hawaii", el artista aborda la gentrificación y el desplazamiento a través de una inquietante fusión de jíbaro y synth-pop, sus letras abogan por la preservación de la identidad puertorriqueña.

Nostalgia, arrepentimiento y reflexión

El título del álbum resume su tema general de reflexión. Canciones como "Baile Inolvidable" cuentan los recuerdos agridulces de un amor perdido, mientras que "Turista" compara las relaciones fugaces con la naturaleza transitoria de los turistas en la isla. En "Kloufrens", Bad Bunny lamenta con humor pero desgarradoramente la dificultad de seguir adelante cuando un ex todavía publica en amigos cercanos de Instagram.

Pero lo más destacado es la canción principal, "DeBÍ TiRAR MáS FOToS". Aquí, Bad Bunny lucha con el arrepentimiento, no solo por los amores perdidos, sino por los momentos que se escaparon. Su letra sirve como un recordatorio universal para apreciar el presente: "Debería haber tomado más fotografías de las calles antes de que la gentrificación las cambiara para siempre". El sentimiento toca una fibra sensible, resonando profundamente en cualquiera que haya visto su hogar evolucionar hasta convertirse en algo irreconocible.

Un trasfondo político

 
Si bien la nostalgia ocupa el centro del escenario, "DeBÍ TiRAR MáS FOToS" no rehúye de lo político. Bad Bunny ha utilizado durante mucho tiempo su plataforma para amplificar los problemas que enfrenta Puerto Rico, desde la corrupción hasta el colonialismo. En "Lo que le pasó a Hawaii", traza paralelismos entre Puerto Rico y Hawaii, advirtiendo contra el borrado de la identidad cultural. "Quieren que mi barrio y mi abuela se vayan", canta, con una voz desafiante y triste a la vez.

Los temas sociopolíticos son sutiles pero poderosos, entretejidos en la estructura de la música en lugar de ser predicados. Es un testimonio de la habilidad de Bad Bunny el poder abordar estos temas importantes sin alienar a su audiencia.

Colaboración y comunidad

La elección de colaboradores de Bad Bunny subraya la autenticidad del álbum. Estrellas en ascenso como RaiNao y Chuwi brillan junto a leyendas como Los Pleneros de la Cresta. Sus contribuciones enriquecen el paisaje sonoro del álbum, agregando capas de profundidad y textura. En Perfume Nuevo, la voz etérea de RaiNao eleva la canción a algo casi de otro mundo, mientras que Chuwi aporta una energía lúdica a Weltita.

Estas asociaciones se sienten intencionales, una forma de que Benito destaque el talento puertorriqueño y comparta su plataforma. Es un recordatorio de que, si bien puede ser el rostro del proyecto, el álbum es un esfuerzo comunitario, una celebración del arte puertorriqueño en su conjunto.

No todo es genial, solo un detalle menor

Es un disco un poco largo y no todos los temas de "DeBÍ TiRAR MáS FOToS" son un éxito. Canciones como "Bokete" y "Veldá" no alcanzan la resonancia emocional o la innovación de los temas más destacados del álbum. Sin embargo, incluso estos momentos creo que tienen un propósito, ya que ofrecen interludios más ligeros entre los cortes más pesados.

No obstante, lo que hace que el álbum sea realmente especial es su cohesión. A pesar de su variedad de géneros y tonos, "DeBÍ TiRAR MáS FOToS" se siente como una declaración unificada. Es el retrato de un hombre en una encrucijada, que mira hacia atrás con cariño y hacia adelante con determinación.

Disco recomendado

Con "DeBÍ TiRAR MáS FOToS", Bad Bunny te deja saber por qué es una de las voces más populares de la música actual. Es un álbum que invita a los oyentes a reflexionar sobre sus propias vidas mientras los sumerge en la vibrante cultura de Puerto Rico. Ya sea que te atraigan sus ritmos contagiosos, sus letras sentidas o sus comentarios políticos audaces, aquí hay algo para todos.

Para alguien como yo que se aleja de la mayoría de la música latina y el trap, esto ha sido una gran sorpresa y bienvenida. Cuando algo está realmente bien hecho, está realmente bien hecho.

Video del tema "El Club":

Tracklist (canciones):

1.         "Nuevayol"     3:03
2.         "Voy a Llevarte Pa' PR"        2:36
3.         "Baile Inolvidable"                6:07
4.         "Perfumito Nuevo" (con RaiNao)    3:20
5.         "Weltita" (con Chuwi)          3:07
6.         "Veldá" (con Omar Courtz and Dei V)       3:55
7.         "El Clúb"        3:42
8.         "Ketu Tecré"              4:10
9.         "Bokete"                    3:35
10.       "Kloufrens"                3:19
11.       "Turista"                     3:10
12.       "Café con Ron" (con Los Pleneros de la Cresta)                3:48
13.       "Pitorro de Coco"                  3:26
14.       "Lo Que Le Pasó a Hawaii"              3:49
15.       "Eoo"             3:24
16.       "DTMF"                     3:57
17.       "La Mudanza"            3:33

HARRY NILSSON - Nilsson Schmilsson - Album

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música, "Nilsson Schmilsson", el álbum de 1971 que catapultó a Harry Nilsson a la categoría de icono. Este disco ecléctico combina humor, sentimiento y melodías, lo que lo convierte en una escucha obligada para cualquier amante de la música. Ya sea que te atraigan las baladas tiernas o el rock, el encanto diverso y la profundidad emocional de este álbum prometen cautivar y sorprender.

ALBUM: Nilsson Schmilsson

 
En el vasto tapiz de la música de los años 70 (siglo XX), pocos álbumes encapsulan el espíritu de experimentación, emoción y talento musical de manera tan vívida como "Nilsson Schmilsson". Publicado el 11 de noviembre de 1971, este fue el séptimo álbum de estudio de Harry Nilsson y, sin duda, el de mayor éxito comercial. Pero más allá de los éxitos que encabezaron las listas y los elogios, es un disco que cuenta una historia, un mosaico de experiencias humanas entrelazadas con humor, melancolía y un encanto poco ortodoxo.

Una nueva dirección

 
En 1971, Harry Nilsson ya no era ajeno a los elogios. Conocido como "El Beatle americano" por nada menos que los propios Beatles, su música ya había capturado la admiración de John Lennon y Paul McCartney. Sin embargo, a pesar de todo su éxito de crítica, a Nilsson le faltaba un éxito general que definiera su lugar en la historia del pop. Entra el LP "Nilsson Schmilsson", un audaz salto al pop/rock, dirigido por el productor Richard Perry. Grabado en los icónicos "Trident Studios" de Londres con un conjunto estelar de músicos, el álbum marcó un punto de inflexión en la carrera de Nilsson.

"Nilsson Schmilsson" es una mezcla ecléctica de estilos y emociones. Es parte pop, parte rock, parte blues; aventurero sin complejos y, sin embargo, sorprendentemente cohesivo.

Una canción para cada estado de ánimo

 
El álbum comienza con "Gotta Get Up", una animada oda al piano a la temeridad juvenil. Con una duración de poco menos de dos minutos y medio, prepara el escenario con su energía alegre y su rica instrumentación, un preludio teatral para el viaje emocional que se avecina. A continuación, llega "Driving Along", una joya del soft rock que combina melodías acústicas con acentos de mellotron.

Y luego viene "Early in the Morning", un tema blusero minimalista. Aquí, Nilsson lo despoja todo de su alma y lo deja con su voz conmovedora y un órgano empapado de reverberación, evocando el cansancio de la introspección nocturna. Esta energía tenue contrasta maravillosamente con "The Moonbeam Song", una joya poética. Su imaginería caprichosa (rayos de luna en veletas y cristales de ventanas) flota sobre un arreglo de ensueño, lo que la convierte en uno de los momentos más tiernos del álbum.

Para cerrar la primera cara, "Down", una pieza con sabor a R & B funky con trompetas enérgicas y una línea de bajo que se siente como un latido de corazón. La canción une lo personal con lo universal, insinuando temas de lucha y esperanza.

El corazón del disco

 
La segunda cara del LP comienza con el gran éxito: "Without You". Originalmente escrita por la banda "Badfinger", Nilsson transforma esta dramática balada en una fuente de emociones. Su voz imponente, junto con la exuberante orquestación de Paul Buckmaster, elevan la canción a algo operístico. Como era de esperar, se convirtió en un éxito mundial, lo que le valió a Nilsson un Grammy a la "Mejor interpretación vocal pop masculina".

Después del peso emocional de "Without You", Nilsson aligera el ambiente con "Coconut", una canción peculiar de inspiración caribeña construida sobre un solo acorde. Es absurda, es divertida y es difícil no cantarla. El humor continúa con "Let the Good Times Roll", una versión impregnada de encanto sureño, riffs de armónica y travesuras.

Luego viene "Jump Into the Fire", el momento más "crudo" del álbum. Impulsado por la desafinada línea de bajo de Herbie Flowers y el solo de batería de Jim Gordon, es un himno de rock contundente que muestra la versatilidad vocal de Nilsson. La energía implacable de la canción contrasta con su vulnerabilidad subyacente, un recordatorio de que incluso en momentos de libertad, las sombras de la duda persisten.

Finalmente, el álbum concluye con "I'll Never Leave You", una balada lenta y sombría. Su piano escaso y sus armonías inquietantes dejan una impresión duradera, como si Nilsson se estuviera despidiendo no solo del oyente, sino del estilo barroco ornamental que definió su trabajo anterior.

El hombre detrás de la música

 
El genio de Harry Nilsson no solo reside en su composición, sino en su capacidad para desempeñar múltiples papeles. Puede ser un baladista melancólico, un narrador descarado o un rockero a toda velocidad, todo en el lapso de un solo álbum. Su voz, en su apogeo en 1971, transmite cada canción con una emoción natural, desde el tierno falsete de "Without You" hasta los juguetones gruñidos de "Jump Into the Fire".

Pero lo que hace que "Nilsson Schmilsson" sea verdaderamente notable es su profundidad emocional. Debajo de su variada paleta musical se esconde una sensación de soledad, un tema que recorre gran parte de la obra de Nilsson. Ya sea cantando sobre un viaje matutino al trabajo en "Driving Along" o las reflexiones existenciales de "The Moonbeam Song", hay una introspección tranquila que hace que el álbum sea profundamente identificable.

Disco Recomendado

 
"Nilsson Schmilsson" es una experiencia. Captura los altibajos de la vida con humor, corazón y un toque de lo absurdo. Es un disco que te invita a reír, llorar y tal vez incluso a bailar un poco. Y aunque está firmemente arraigado en el sonido pop/rock de la década de 1970, sus temas y melodías siguen siendo atemporales. 

Para quienes no conocen a Harry Nilsson, este es el punto de entrada perfecto. Es un testimonio de su versatilidad como artista y su capacidad para traspasar los límites de la música pop. Y para los fans de toda la vida, es un recordatorio de por qué Nilsson sigue siendo una de las figuras más queridas -y subestimadas- de la historia de la música.

Así que, si tu colección parece incompleta, o estás buscando un disco que te sorprenda y deleite, escucha "Nilsson Schmilsson". Es un viaje inolvidable a través de la mente de uno de los genios más enigmáticos del pop.

Video del tema "Without You":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Gotta Get Up"                     2:24
2.         "Driving Along"                    2:02
3.         "Early in the Morning"                       2:48
4.         "The Moonbeam Song"                     3:18
5.         "Down"                      3:24

Cara B:

1.         "Without You"                       3:17
2.         "Coconut"                  3:48
3.         "Let the Good Times Roll"    2:42
4.         "Jump into the Fire"              6:54
5.         "I'll Never Leave You"                     4:11

Músicos:

•  Harry Nilsson – voz; piano en 1, 5, 8, 10; mellotron en 2, 4; órgano en 3; armónica en 8; piano eléctrico en 9
• Jim Gordon – batería en 1, 2, 5, 7, 9; percusión en 7, 9
• Klaus Voormann – bajo en 1, 5, 6, 8; guitarra rítmica en 2, 9; guitarra acústica en 4
• Chris Spedding – guitarra en 1, 5, 8, 9
• Herbie Flowers – bajo en 2, 4, 7, 9
• John Uribe – guitarra acústica en 2, 4, 6; guitarra principal en 2, 9

Adicional:

• Henry Krein – acordeón en 1
• Richard Perry – percusión en 1, mellotron en 2
• Jim Price – trompeta en 1, 5; trombón en 1, 5; arreglos de trompa en 1, 5
• Jim Keltner – batería en 5, 6, 8
• Roger Coulam – órgano en 5
• Bobby Keys – saxofón en 5
• Gary Wright – piano en 6, órgano en 8
• Paul Buckmaster – arreglos de cuerdas y trompa en 6
• Roger Pope – batería en 7
• Caleb Quaye – guitarra en 7
• Ian Duck – guitarra acústica en 7
• Jim Webb – piano en 9
• George Tipton – arreglos de cuerdas y trompa en 10