TOE (Banda) - Now I See the Light - Album

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música una banda de Japón que son pioneros del género math rock. Aparte de ser excelentes músicos, "TOE" ha incursionado en el post rock y otras líneas experimentales para ganarse dedicados fans por el mundo y una excelente reputación.

"Toe" ha lanzado el álbum "Now I See the Light" después de una pausa de 19 años, y esto merece una pequeña celebración.

¿Quiénes son la banda "toe"?

Toe (トー, Tō), estilizado como "toe", es una banda japonesa de post-rock/math rock de Tokio. El grupo fue fundado en 2000 y está formado por Kashikura Takashi (batería), Mino Takaaki (guitarra), Yamane Satoshi (bajo) y Yamazaki Hirokazu (guitarra).

La gran mayoría de la música de la banda es instrumental, con una batería muy dinámica mezclada con guitarras melódicas y limpias. La batería de Takashi ha sido especialmente venerada en los círculos del math-rock, considerándose el principal atractivo de la formación desde sus primeros lanzamientos. Lo que hace que "toe" sea diferente de otras bandas dentro del género son sus canciones pop extáticas y complejas que se desarrollan en menos de cinco minutos. El grupo cambió su sonido en discos posteriores incorporando guitarras acústicas, piano Rhodes, vibráfonos y voces.

 

ALBUM: Now I See the Light

 
Es su cuarto disco de estudio publicado el 10 de julio de 2024 después de una pausa que comenzó con el LP anterior "Hear You" (2015). Desde que irrumpieron en la escena en 2000, "toe" se han labrado un nicho único, mezclando una mezcla ecléctica de pop, post-rock, math-rock, jazz y R & B. Promocionado como una mezcla entre el material posterior más pulido de "toe" y el math rock que los puso por primera vez en el mapa hace casi 20 años, este LP también ve al guitarrista Yamazaki Hirokazu asumir más tareas vocales, un cambio con respecto a su línea principalmente instrumental.

Desde el principio, las armonías tiernas y arremolinadas de guitarra acústica y eléctrica te atrapan. A lo largo del disco, los instrumentales están orquestados de manera precisa, similar a una danza meticulosamente coreografiada donde cada movimiento y gesto está sincronizado y ejecutado entre los miembros de la banda. La química que "toe" posee como colectivo fluye a cada ritmo. El proceso de composición de "toe" es simple; los ostinatos sirven como una base tranquila y reconfortante que permite que llegue una mayor intensidad. Los instrumentos entran y salen, respaldados por una batería virtuosa que logra ser precisa y emotiva.

Aunque en su mayoría instrumentales, la novedad es que hay varias canciones en las que el guitarrista Yamazaki Hirokazu canta ("LONELINESS WILL SHINE", "WHO KNOWS ?", "サニーボーイ・ラプソディ", y el número de cierre). Son tan etéreos que son un buen acompañamiento para los instrumentales. Estos cortes con voces están bien calculados en cómo aparecen en la lista de canciones, ya que están intercalados entre las otras piezas instrumentales, lo que crea un flow y tracklist cómodo. Como resultado, el álbum nunca se siente como un disco instrumental y viceversa.

En resumen, es una buena noticia poder volver a escuchar "toe" nueve años después de su anterior LP.

Disco recomendado

“Now I See The Light” es un muy buen álbum en el que sumergirse y que revela un lado mucho más maduro de “toe”. La musicalidad que se muestra es la esperada, excelente y consolida a toe como una de las mejores bandas que han surgido de Japón.

Si eres fan del math rock, el post rock o el rock experimental, disfrutarás de este álbum.

Video del tema "Loneliness Will Shine":

Tracklist:

1.風と記憶
2.Loneliness Will Shine
3.Todo y nada
4.街のどこかで
5.Who Knows?
6.Close to You
7.キアロスクーロ
8.サニーボーイ・ラプソディ
9.Madness Summer
10. Now I See the Light

Músicos: toe

• composer, lyricist 山根敏史 [Satoshi Yamane]
• bass 柏倉隆史 [Takashi Kashikura]
• drum kit 山嵜廣和 [Hirokazu Yamazaki]
• guitar, voice 美濃隆章 [Takaaki Mino]
• guitar, mixing engineer 柴晃浩 [Akihiro Shiba]

BEACHWOOD SPARKS - Beachwood Sparks - Album

La banda BEACHWOOD SPARKS le da un giro psicodélico al country americano alternativo para lograr una agradable mezcla de los Byrds y los Flying Burrito Brothers. Los que disfrutamos del sonido jangle rock y el pop de finales de los años 60 (siglo xx) agradecemos a "Beachwood Sparks" por seguir llevando la antorcha.

Aunque tienen cuatro buenos discos hasta la fecha en su discografía, quiero destacar y recomendar su debut del año 2000 del mismo nombre. Neal Casal de la banda "Ryan Adams & the Cardinals" nombró el álbum "Beachwood Sparks" como uno de sus álbumes favoritos de todos los tiempos.

¿Quién es la banda "Beachwood Sparks"?

 
Son una formación de country alternativo estadounidense de Los Ángeles. Beachwood Sparks se formó en 1997 cuando el bajista y vocalista Brent Rademaker y el guitarrista y vocalista Josh Schwartz (ambos ex integrantes de la banda de noise pop "Further") se unieron al guitarrista y vocalista Chris Gunst de "Strictly Ballroom", al teclista y guitarrista de pedal steel Farmer Dave Scher y al baterista Jimi Hey.

El cofundador de la banda, Josh Schwartz, murió en septiembre de 2017.

 

ALBUM: Beachwood Sparks

 
Este es el debut de la banda estadounidense "Beachwood Sparks" publicado en 2000. The Byrds, Gram Parsons y The Grateful Dead son buenos puntos de referencia para los no iniciados y los miembros de "Beachwood" han logrado producir un álbum de canciones que claramente se inspiran en el sonido del sur de California de finales de los años 60. La guitarra acústica y el pedal steel se fusionan con el órgano B3 y la armónica para crear una mezcla de pop jangle, psicodelia y sonidos country alternativos.

La banda se encarga de adornar cada melodía con arreglos perfectos que llenan cada rincón de este disco. Cubren las canciones melancólicas con la voz frágil (puede ser molesta, lo admito) de Chris Gunst con rasgueos simpáticos y armonías vocales. "Canyon Ride" es una delicia, "New County" es un vals relajado que suena sacado de un disco de los Byrds, y "The Reminder" tiene un piano excelente y suena tan bajo y roto como la canción más triste de Gram Parsons. La mayor parte del álbum gira en torno a baladas tiernas en las que la banda muestra sus considerables habilidades musicales. Equilibran los momentos "tiernos" con un puñado de cortes rockeros como "Sister Rose", "The Calming Seas" y "This Is What It Sounds Like", mientras que también puedes encontrar elementos con mucha más guitarra en números como "Something I Don't Recognize" y "Silver Morning After" de influencia hippie.

La mayoría de los miembros del grupo ya habían estado haciendo música en la misma época cuando grabaron "Beachwood Sparks", especialmente en la banda lo-fi "Further", y su artesanía se puede escuchar. El grupo toca con total confianza una mezcla magistral de country rock, psicodelia y folk, profundamente arraigada en los sonidos de finales de los 60 y principios de los 70. La banda se inspira claramente en The Byrds, Gram Parsons y Buffalo Springfield, pero infunde a la música una sensibilidad moderna. A mi gusto, este disco está lleno de guitarras vibrantes, armonías exuberantes y el inconfundible sonido metálico del pedal steel, creando un paisaje sonoro que es a la vez expansivo e íntimo.

Y terminando, este LP debut no fue un gran éxito comercial en el momento de su lanzamiento, pero con el tiempo ganó un grupo de seguidores fieles entre los aficionados a la música indie. En los años posteriores, se lo ha reconocido como un pequeño clásico moderno, que influyó en otras bandas con su sonido atemporal y su composición sentida.

Disco recomendado

 
"Beachwood Sparks" no es la primera banda que le ha dado una oportunidad al country "cósmico", pero su álbum debut demuestra de inmediato que son uno de los mejores. Es un disco que captura la magia y la melancolía del sonido "California dreaming". Si eres fan del folk-rock clásico de "Laurel Canyon" o simplemente aprecias las canciones bien elaboradas con corazón y alma, entonces este álbum es una gran adición a tu colección.

Video del tema "Sister Rose":

Tracklist - canciones:

1 Desert Skies
2 Ballad Of Never Rider
3 Silver Morning After
4 Singing Butterfly
5 Sister Rose
6 This Is What I Feel Like
7 Canyon Ride
8 The Reminder
9 The Calming Seas
10 New County
11 Something I Don't Recognise
12 Old Sea Miner
13 See, Oh Three
14 Sleeping Butterfly

RICHARD HAWLEY - Truelove´s Gutter - Album

Formó parte de la banda británica "Longpigs" (excelente grupo por cierto) y fue integrante por un tiempo de "Pulp". Luego, Richard Hawley se embarca en una maravillosa carrera en solitario, brindándonos algunos álbumes excepcionales e íntimos.

Quizás no un estilo para todos, el amor de Hawley por su ciudad, "Sheffield", está mayoritariamente presente en sus obras, pero lo envuelve todo con fascinantes historias humanas.

Quiero llamar la atención de los lectores de este blog de música sobre uno de los LP de Hawley titulado "Truelove's Gutter". Un disco oscuro que necesita paciencia pero que tiene melodías y música hermosas que se yuxtaponen con el contenido lírico "triste". Un viaje de cincuenta minutos a las criptas de la mente del músico que sale con una expresión renovada de amor y amistad, envuelto en un paquete musical desgarrador, a flote de cualquier época musical definida.

 

¿Quien es el músico Richard Hawley?

 

Richard Willis Hawley, cantautor, guitarrista y productor inglés. Después de que su primera banda, "Treebound Story", se disolvió, Hawley encontró el éxito como miembro de la banda de pop británico "Longpigs" en la década de 1990. Después de que ese grupo se disolviera en el año 2000, se unió a la banda "Pulp", liderada por Jarvis Cocker. Como músico solista, Hawley ha lanzado ocho álbumes de estudio hasta la fecha. Es un artista muy talentoso y respetado y ha colaborado con Arctic Monkeys, Manic Street Preachers, Elbow y Paul Weller, por mencionar algunos.

Tiene varios discos que puedo recomendar, "Coles Corner" (2005) por ejemplo es uno, pero me agrada más "Truelove 's Gutter".

 

ALBUM: Truelove's Gutter

 

El sexto disco de estudio del músico Richard Hawley fue publicado el 21 de septiembre de 2009 en el Reino Unido y el 22 de septiembre de 2009 en Estados Unidos. El titulo del álbum se refiere a una calle antigua (ahora renombrada) en "Sheffield" (UK), la ciudad natal de Hawley. Temáticamente, "Truelove 's Gutter" es posiblemente el álbum más oscuro de Hawley. Hawley en una entrevista con la "BBC" comentó que el LP se inspiró en períodos particularmente oscuros de su vida. El disco presenta algunas instrumentaciones poco comunes, como el waterphone, el megabass y el cristal baschet.

El trabajo de Richard Hawley ha mostrado una inclinación por escribir canciones profundamente evocadoras y emotivas sobre personas y situaciones de Sheffield. Hawley crea atmósferas utilizando la nostalgia como recurso poético que evoca los fantasmas de la historia. En "Truelove 's Gutter", ha profundizado mucho más y ha aportado nuevas ideas en su canto, escritura y producción, pero, paradójicamente, lo ha hecho con menos.

Este álbum es escaso, más que cualquier cosa que haya editado hasta la fecha. Sus ocho canciones tienen un aire nocturno. Las grandes y amplias cuerdas orquestales de sus dos últimos álbumes han sido reemplazadas por una sección de "chamber" e instrumentación extraña que agrega verdadera intimidad a la escucha. Las canciones reflejan las propias experiencias de Hawley o las pruebas y tribulaciones de sus amigos. Sus hermosas melodías brillan más en canciones que son desnudas, pero musicalmente más sofisticadas, agregando profundidad.

"Open Up Your Door" sería solo una canción pop si no fuera por preocupaciones líricas: una petición de reconciliación por parte de un marido que confiesa y es dueño de sus defectos, mientras profesa un amor devorador por su cónyuge mientras las cuerdas se hinchan y puntan el puente. La melodía es contagiosa y el altísimo tono de barítono de Hawley es impresionante. Le sigue "Ashes on the Fire", cuya melodía es tan reveladora como su letra. Sus hermosas guitarras sustentan la historia linea a li¬nea. "Remorse Code", de casi diez minutos, combina guitarras acústicas y eléctricas con una batería tocada con las manos desnudas de Dean Beresford. "For Your Lover Give Some Time", quizás la canción más bella del álbum, reflexiona confesionalmente sobre la relación con su esposa. "Don't You Cry", de casi 11 minutos, utiliza cuencos tibetanos, armónicas de vidrio y una lira de pescador.

"Truelove 's Gutter" es una obra singular en el catálogo de Hawley que muestra la madurez de todos sus dones. Es silenciosamente apasionado pero gracioso y elegante. Aquí ha realizado una ambición que es ingeniosa y singular. El artista debe hacer un cambio en algún momento, y después del cómodo montaje de esas obras pasadas, Hawley presenta "Truelove 's Gutter" como un riesgo esencial, capturando su obra en su forma más íntima e indefensa. En los instrumentales, vierte su encantadora fuerza vocal. "Truelove 's Gutter" es de lo más evocador para Hawley. Nada se acerca a lo visceral y sincero que es este trabajo para el músico.

 

Disco recomendado

 
Con todos mis elogios, tengo que aceptar que no es el LP más popular de Richard Hawley, pero sí quizás el mejor y más oscuro álbum. De alguna manera la oscuridad termina superada por la luz, esto en sí mismo es digno de elogio.

"Truelove 's Gutter" no es el lugar para que personas nuevas en Richard Hawley comiencen su descubrimiento. No obstante, cuando el polvo se asiente y su trabajo se evalúe en su totalidad, se podría declarar su obra maestra.

Video del tema "Remorse Code":

 Tracklist-canciones:

1. "As the Dawn Breaks" - 4:35
2."Open Up Your Door" - 4:42
3."Ashes on the Fire" - 4:24
4."Remorse Code" -  9:51
5."Don't Get Hung Up in Your Soul" -  4:16
6."Soldier On" - 6:50
7."For Your Lover Give Some Time" - 5:38
8."Don't You Cry" - 10:42

T REX - The Slider - Album

Cuando se trata de glam rock, pocas bandas han dejado un impacto tan duradero como "T. Rex". Impulsada por la presencia carismática y el estilo distintivo del líder Marc Bolan, la banda ofrece un rock pegadizo, deslumbrante y simpático al instante que continúa cautivando hasta el día de hoy.

Para mí su mejor álbum es "Electric Warrior" (1971), pero el siguiente "The Slider" (1972) es igual de bueno y quizás esté a la mismo nivel.

Por eso quiero recomendar a los melómanos y lectores de este blog de música "The Slider", ya que es un clásico del rock británico de los años 70 (siglo xx) que todavía suena genial hoy en día.

 

ALBUM: The Slider

 

Este es el séptimo álbum de estudio de la banda de rock inglesa "T. Rex" publicado el 21 de julio de 1972. A principios de 1972, "T. Rex" estaba en una gran ola de estrellato impulsada por cuatro éxitos sucesivos entre los 3 primeros (incluidos dos números uno). y una carrera de 8 semanas en la cima de las listas del Reino Unido con el LP anterior "Electric Warrior", que se convirtió en el álbum más vendido de ese país en 1971.

Hay una historia (debate) curiosa detrás de la ahora icónica portada del álbum. El crédito es para Ringo Starr (Beatles) con las fotografías de la portada y la contraportada. Las fotografías fueron tomadas el mismo día en que Starr estaba filmando el documental sobre T. Rex "Born to Boogie" en la finca de John Lennon. Sin embargo, el productor Tony Visconti niega que Ringo haya tomado la fotografía, afirmando que Bolan le entregó su camara Nikon y le pidió que disparara dos rollos de película en blanco y negro. Ringo, el director del documental, estuvo ocupado todo el día alineando tomas. Pero Marc Bolan aparentemente vio una oportunidad de crédito para las fotografías y le dio a Ringo Starr el crédito por las fotografías.

A lo largo de este álbum, "T. Rex" equilibra magistralmente la contagiosa sensibilidad pop con elementos de rock contundentes. Por lo tanto, musicalmente, fuera de las baladas, este disco tiene más rock duro que "Electric Warrior", con una influencia de heavy metal, junto con un uso adicional de elaboradas técnicas de estudio (fase, reverberación, guitarras al revés, etc.) para lograr el glam rock sonido.

El punto fuerte de "The Slider" es que se convirtió en el disco más popular de "T. Rex" en ambos lados del Atlántico, a pesar de que no produjo ningún éxito en Estados Unidos. "The Slider" esencialmente replica todas las virtudes de "Electric Warrior", repleto de ganchos sencillos y diversión, dando un toque más comercial si cabe.

Puedes encontrar todos los sonidos característicos de Bolan en "The Slider"; baladas folk místicas, canciones canturreadas sexualmente sórdidas y manifiestas, boogies, poesía sin sentido y un dominio de la forma de la canción pop de tres minutos. Además, la mezcla alucinante de "Electric Warrior" es reemplazada por una producción más completa que suena más inmediata. La guitarra de Marc Bolan suena más fuerte, los coros de acompañamiento son más directos y los arreglos suenan más gruesos, incluso introduciendo una sección de cuerdas en algunas canciones. Sin embargo, el amor de Bolan por el buen ritmo tiene prioridad sobre los tempos rápidos o las canciones crujientes de alto volumen. Líricamente, el talento de Bolan para lo sublimemente ridículo está completamente intacto, pero tiene demasiado estilo para que "The Slider" suene frívolo, especialmente dada la clase juguetona de su interpretación. Es imposible no dejarse atrapar por la irresistible avalancha de melodías y buenos momentos alegres. Incluso si pisa en gran medida el mismo terreno que el anterior "Electric Warrior", "The Slider" está perfectamente ejecutado y es tan bueno como su predecesor.

La producción de Tony Visconti en este álbum es una clase magistral de rock. Todo suena nítido y limpio. La batería y las cuerdas, especialmente en este álbum, están excelentemente grabadas y suenan sensacionales. De este modo, Visconti pudo canalizar el estilo único de Marc en cualidades atmosféricas tangibles que impregnan el paisaje sonoro dando lugar al sonido característico de "T. Rex".

Por lo tanto, "The Slider" es posiblemente el mejor álbum de glam rock jamás realizado. Su única competencia es "The Rise and Fall of Ziggy Stardust" de David Bowie y el álbum anterior de T. Rex "Electric Warrior". Combina sencillos exitosos (Metal Guru y Telegram Sam) con algunos de los mejores números estilo glam (Rabbit Fighter, Spaceball Ricochet, The Slider, Ballrooms of Mars) para hacer de este un LP muy sólido y entretenido.

 

Disco recomendado

 
Es el glam rock en su máxima expresión, un álbum clásico que resiste la prueba del tiempo, tan fresco para los oídos hoy como lo fue hace décadas. Una auténtica joya para los amantes del rock de los 70.

Una vez que hayas "saboreado" este LP, busca el disco anterior "Electric Warrior", una obra maestra y para mí el mejor de "T-Rex". 

Video del tema "Telegram Sam":

Tracklist - canciones (formato LP original):

Cara A:

1.         "Metal Guru"  2:25
2.         "Mystic Lady"            3:09
3.         "Rock On"      3:26
4.         "The Slider"    3:22
5.         "Baby Boomerang"    2:17
6.         "Spaceball Ricochet"  3:37
7.         "Buick MacKane"      3:31 

Cara B:

1.         "Telegram Sam"          3:42
2.         "Rabbit Fighter"         3:55
3.         "Baby Strange"           3:03
4.         "Ballrooms of Mars"   4:09
5.         "Chariot Choogle"      2:45
6.         "Main Man"    4:14

Musicians:

• Marc Bolan - voz, guitarra
• Steve Currie - bajo
• Mickey Finn - percusión, voz
• Bill Leyend - batería
• Mark Volman ("Flo") - coros
• Howard Kaylan ("Eddie") - coros
• Tony Visconti - arreglos de cuerdas, coros

Técnico:

• Tony Visconti - productor

Ringo Starr – fotografía de portada 

MADDER ROSE - Bring it Down - Album

Indie-pop estadounidense en su máxima expresión. El grupo MADDER ROSE no es muy conocido fuera del circuito indie - rock alternativo, pero produce muy buena música.

Quiero presentar a la banda a los lectores de este blog de música y recomendar uno de sus mejores discos titulado "Bring it Down":

¿Quiénes son la banda "Madder Rose"?

 
Una formación de rock alternativo con sede en la ciudad de Nueva York que grabó en la década de 1990. Todavía están activos y después de una pausa de 20 años, se editó un álbum en septiembre de 2019.

Los miembros de la banda son Mary Lorson, quien comparte tareas de composición con el guitarrista Billy Coté. Los dos cantautores continuaron su colaboración después de que "Madder Rose" se disolviera en 1999 en otros proyectos.

La banda ha publicado seis álbumes de estudio hasta la fecha y quiero destacar su primer disco.

 

ALBUM: Bring It Down

 
El debut de la banda de rock alternativo "Madder Rose". Publicado en 1993 fue producido por Kevin Salem. Disfruto de este álbum por su agudeza melódica y profundidad emocional. El sonido de la banda ha sido comparado con el de "Dinosaur Jr." y "My Bloody Valentine", con una mezcla de ganchos contagiosos, guitarras distorsionadas y de ensueño.

Es un primer álbum maravilloso que se mantiene bien con el tiempo y sigue siendo el trabajo más familiar de "Madder Rose". Parte de la atención prestada al grupo desde el principio bien puede haber resultado de la exageración de los medios sobre las "girl  bands" a principios de los 90, pero Mary Lorson es auténtica. Con una voz fuerte y cálida, mola, sus letras a menudo son irónicamente románticas e inteligentes sin sonar forzado.

La canción de apertura de este trabajo, "Beautiful John", marca el tono con sus riffs de guitarra melódicos y letras introspectivas. Es una invitación al mundo de "Madder Rose", donde la melancolía y la belleza coexisten. Hablando de Lorsen, "20 Foot Red" es una de las mejores canciones de Mary, un tema con suficiente pegada para disfrutar, mientras que sus actuaciones en "Lay Down Low" y "Sugarsweet" con sus tintes de hip-hop también son buenas. Billy Coté también tiene un papel a lo largo de este LP; además del excelente trabajo como guitarra solista (escucha "While Away" o "Lights Go Down"), escribe la mayor parte de las canciones del disco. El punto culminante y el del álbum es "Swim", más o menos el tema principal de la banda, con una magnífica parte de guitarra slide de Matt Verta-Ray, simple pero perfectamente efectiva, que proporciona el gancho central. En otras partes, Verta-Ray contribuye con un notable trabajo de bajo, como en la canción principal, mientras el baterista Johnny Kick muestra que tiene oído para los breakbeats y la energía retumbante que se adaptan al estado de ánimo como para los ritmos de rock.

"Bring It Down" es un testimonio de la visión musical de "Madder Rose" y su capacidad para capturar la esencia de un momento particular en la evolución del rock alternativo. La combinación del álbum de instrumentación exuberante, letras introspectivas y voces etéreas crea una experiencia arraigada en su época.

Para melómanos que aprecian la convergencia del dream pop, el shoegaze y el indie rock, "Bring It Down" es una obra recomendada, un recordatorio de una banda que, aunque quizás no logró un éxito generalizado, dejó una marca indeleble en el panorama musical independiente estadounidense de los años 1990.

Disco recomendado

 
Un disco dulce, melódico  y ruidoso al mismo tiempo. El resultado es bonito e hipnótico, un momento culminante de los años noventa de la escena estadounidense del rock alternativo.

Video del tema "Beautiful John":

Tracklist: 

1.Beautiful John
2.While Away
3.Bring It Down
4.20 Foot Red
5.Swim
6.Lay Down Low
7.Altar Boy
8.Lights Go Down
9.(Living A) Daydream
10.Sugarsweet
11.Razor Pilot
12.Waiting For Engines
13.Pocket Fulla Medicine

Personnel:

• Alan Bezozi-Programación de batería
• Billy Coté -Bajo, Compositor, Guitarra, Guitarra (Ritmo)
• Brian Doherty-Batería
• Johnny Kick-Drums, voz (fondo)
• Mary Lorson-Compositora, Guitarra, Voz

• Kevin Salem-Programación de batería, batería, ingeniero, artista invitado, productor
• Matt Verta-Ray-Bass, Compositor, Guitarra (rítmica), Guitarra slide, Voz (fondo)

MANNEQUIN PUSSY - I Got Heaven - Album

Descubrí la banda estadounidense MANNEQUIN PUSSY con su álbum de 2019 "Patience". Un gran LP que finalmente los llevó a un público más amplio y agradecido. Su disco de 2024, "I Got Heaven", los ve evolucionar y madurar aún más, brindándonos otra obra y mezcla heterogénea de sonidos melódicos de noise-punk.

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música esta banda y su disco ya mencionado de 2024. Tiene melodía, ruido y una verdadera actitud punk con "pelotas" que es refrescantemente diferente de lo que se está lanzando actualmente.

 

ALBUM: I Got Heaven

 

Este es el cuarto LP de estudio de la banda de rock estadounidense "Mannequin Pussy" publicado el 1 de marzo de 2024. El álbum evita el enfoque anterior de la banda en canciones de amor y temas políticos para explorar asuntos relacionados con las relaciones personales, temas religiosos y emociones. Producida por John Congleton (conocido por su trabajo con "St. Vincent") se acercó a la banda para trabajar en este disco.

La oferta de "I Got Heaven" es contundente. Una mezcla de dulzura de rock & roll apocalíptico, con un equilibrio de punk incendiario y power pop. Liderados por la cantante y guitarrista Marisa Dabice, "Mannequin Pussy" se ha transformado de un dúo de batería y guitarra en 2010 a un trío y, finalmente, al ardiente cuarteto que hizo de 2019 su anterior gran LP "Patience". Con cada oferta, el grupo ha mejorado y "I Got Heaven" suena como un verdadero crecimiento artístico.

Este trabajo también cuenta con guitarras eléctricas más atrevidas y vibrantes, rugiendo y clamando corrientes sibilantes de agresión y alboroto. Además, junto con gritos crudos y groseros, destilan decisivamente y desatan ferozmente las emociones del éxtasis o la ira, sin ninguna pretensión ni vacilación, en las posturas frenéticas del punk rock moderno.

"I Got Heaven" es el primer álbum sin el guitarrista y teclista cofundador Thanasi Paul, quien dejó la banda en 2021. Fue reemplazado por la guitarrista y teclista Maxine Steen, cuyos riffs abrasadores y acordes con tonos difusos agregan otra capa a la banda canciones que enganchan y melódicas. También participan los miembros de toda la vida, el bajista Colins "Bear" Regisford y la baterista Kaleen Reading. Juntos traen recuerdos de bandas ruidosas de estilo rock alternativo de los 90 como "Pixies" y "Sonic Youth", al tiempo que conservan su propio sonido y estilo distintivo.

Gran parte del atractivo proviene de la carismática Marisa Dabice, quien pasa de ser una sensual cantante de rock a una desafiante diosa del punk con facilidad. Tiene un estilo seguro respaldado por una energía feminista empoderada. Encontrarás canciones melódicas suaves mezcladas con números de gritos feroces que resaltan la furia de sus trabajos vocales.

Algunos temas que se destacan para mí incluyen "I Don't Know", "Sometimes" y el duro "Aching". Dicho esto, es un LP sólido de principio a fin y estoy seguro que va gustar a los seguidores del rock alternativo.

Por lo tanto, si buscas un sonido fresco e innovador, es un disco que no debes perderte. Un álbum que traspasa límites y desafía las convenciones. Es un testimonio del crecimiento y evolución de la banda, y un ejemplo de lo que puede ser la música cuando los artistas se atreven a explorar nuevos territorios.

Disco recomendado

 
Un desastre ardiente y encantador. Una hermosa confluencia de fuzz, gritos, coros melódicos y estribillos lúgubres. "I Got Heaven Power" es un disco furioso y dulce que se escucha genial y fácilmente. "Mannequin Pussy" sigue evolucionando y mejorando cada vez, un gran disco!

Video del tema "I Don´t Know You":

Tracklist-canciones:

1."I Got Heaven" – 2:59
2."Loud Bark" – 3:04
3."Nothing Like" – 4:09
4."I Don't Know You" – 3:44
5."Sometimes" – 3:28
6."Ok? Ok! Ok? Ok!" – 2:11
7."Softly" – 3:27
8."Of Her" – 1:34
9."Aching" – 1:28
10."Split Me Open" – 4:01

Musicos:

• Marisa Dabice - voz y guitarra en "I Got Heaven", "Loud Bark", "Nothing Like" y "Softly"
• Kaleen Reading - batería, percusión
• Colins "Bear" Regisford - bajo, voz en "Loud Bark", "Nothing Like", "I Don't Know You", "A veces", "¿Ok? ¿Ok! ¿Ok? ¡Ok!", "Suavemente", " De ella" y "Dolor"
• Maxine Steen – guitarra, sintetizador

Video del tema "Aching":

RORY GALLAGHER - Calling Card - Album

El bluesman irlandés RORY GALLAGHER fue uno de los guitarristas más talentosos jamás. El hombre fluyó con una emoción que lo hizo irradiar a través de su guitarra eléctrica y voz. Personalmente disfruté más su música a través de sus álbumes en directo, especialmente "IRISH TOUR´74", donde las improvisaciones y los largos jams extendieron su magia.

Pero la discografía de álbumes de estudio también es muy buena. El LP, "Calling Card", editado el 24 de octubre de 1976, se erige como un álbum fundamental en la ilustre carrera de Rory Gallagher. Por ello voy a recomendar este gran álbum a los lectores de este blog de música y a los melómanos.

 

ALBUM: Calling Card

 

El sexto álbum de estudio y octavo álbum en general del cantante y guitarrista irlandés Rory Gallagher. Publicado en 1976, fue producido por el bajista de "Deep Purple-Rainbow", Roger Glover, en coproducción con Gallagher. Este lanzamiento incluye algunos hermosos momentos de jazz, verdadero blues rock y excelente material.

Roger Glover se incorporó como coproductor después de haber conocido a Gallagher cuando este último fue telonero de "Deep Purple" en una gira americana. La elección de Glover significó un intento consciente por parte de Rory Gallagher de probar nuevas direcciones a partir del hard rock por el que era más conocido.

"Calling Card" es, por tanto, uno de los álbumes más diversos de Gallagher. Un LP importante en su carrera, fue además el último con su trío habitual hasta entonces formado por Lou Martin (teclados), Rod De'Ath (batería) y Gerry McAvoy (bajo). Gallagher conservó sólo a su bajista Gerry McAvoy y contrató a Ted McKenna en la batería. Esta formación revisada fue la banda de Gallagher desde principios de 1978 hasta 1980.

En este disco cada canción es blues rock con mucha clase y el trabajo de guitarra de Rory es flipante como siempre; pero como ya dicho, está lleno de nuevas ideas. Canciones maravillosas como la acústica "Barley & Grape Rag" donde escuchas al músico explorando otros caminos musicales e indicando que está en una de sus rachas de composición más consistentes. El atrevimiento sigue en "Do You Read Me", un gran sencillo que agrega sintetizadores al blues rock marca de la casa de Gallagher. Sí, también hay canciones "de toda la vida" como "Moonchild", "Country Mile" y "Secret Agent" con ganchos pegadizos, riffs atractivos y trabajo de guitarra impresionantes, pero aquí también es la balada "I'll Admit You're Gone" muestra al Rory Galalgher más melódico.

"Calling Card" nos recuerda ( y nos muestra) que este gigante guitarrista también sabía escribir grandes canciones. Está claro que Rory Gallagher estaba extasiado en el escenario, pero también supo aprovechar al máximo el estudio. Su imagen fuera de la pirotecnia que rodeaba la escena rockera de la época, es también la del hombre que lo entregaba todo a su música, ya sea en el escenario o en el estudio, pues era un artista lleno de emoción en cada momento de su actuación.

Para mi el disco "Calling Card" es definitivamente uno de los mejores álbumes de Rory Gallagher y posiblemente su mayor logro. Una joya, un álbum para entender toda la evolución del Hard Rock, de un músico virtuoso y con el mejor gusto de toda la escuela clásica del Blues de los 70' (siglo xx), un verdadero talento, sin olvidar, todo su ejemplar trabajo a las voces. Y para reforzar aún más este punto de vista, aquí hay una anécdota; cuando le preguntaron a "Jimi Hendrix" cómo era ser el mejor guitarrista del planeta, dijo: "No lo sé. Deberías preguntarle a Rory Gallagher".

Disco recomendado

Posiblemente el mejor trabajo de estudio de Rory Gallagher, fue uno de los mejores y más variados, y es un sitio perfecto para que los curiosos comiencen su colección, así como un disco esencial que muestra a Gallagher en la cima de sus poderes.

Si eres fan del blues rock o simplemente un entusiasta de la música que busca descubrir algo nuevo, busca y escucha "Calling Card".

Video del tema "Jack-Knife Beat":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Do You Read Me"    5:20
2.         "Country Mile"           3:18
3.         "Moonchild"   4:48
4.         "Calling Card"            5:24
5.         "I'll Admit You're Gone"       4:25 

Cara B:

6.         "Secret Agent"           5:45
7.         "Jack-Knife Beat"      7:04
8.         "Edged in Blue"         5:31
9.         "Barley and Grape Rag"        3:39

Músicos:

• Rory Gallagher – voz, guitarra y armónica
• Gerry McAvoy – bajo
• Lou Martin - teclados
• Rod de'Ath - batería

GIL SCOTT-HERON - Pieces of a Man - Album

El estadounidense GIL SCOTT-HERON fue un poeta y cantante políticamente cargado apoyado con sonidos jazz y R&B, y una gran influencia en innumerables artistas de rap y hip-hop (Grandmaster Flash, Boogie Down Productions, Public Enemy, Kayne West, etc.).

Quiero recomendar a los melómanos uno de sus grandes LP, "Pieces of a Man", que también sirve como un buen punto de entrada al artista y su música.

 

ALBUM: Pieces of a Man

 

El primer LP de estudio del poeta estadounidense "Gil Scott-Heron" fue publicado en abril de 1971. El álbum siguió al excelente álbum debut en DIRECTO de Scott-Heron "Small Talk at 125th and Lenox (1970)" y se apartó de la interpretación del "Spoken Word" (palabra hablada) de ese álbum presentando composiciones en una estructura de canción más convencional. "Pieces of a Man" también marcó la primera de varias colaboraciones con Brian Jackson, quien tocó el piano durante todo el disco.

Este disco es considerado universalmente uno de los álbumes más aclamados por la crítica de Scott-Heron. La combinación de R & B, soul, jazz-funk y proto-rap de Heron influyó directamente en el desarrollo de la música electrónica de baile y el hip hop.

Además, "Pieces of a Man" estableció un estándar de arte vocal y conciencia política que pocos músicos han logrado. Como ya aludido, su estilo vocal único de proto-rap influyó en una generación de artistas de hip-hop, y en ningún lugar su estilo es más poderoso que en la canción ya clásica "The Revolution Will Not Be Televised". Musicalmente, el número citado crea una fórmula que el hip-hop moderno adoptaría y seguiría: arreglos simples con líneas de bajo contundentes y ritmos de batería sencillos.

Video del tema "The Revolution Will Not Be Televised":

Sin embargo, más que un simple artista de la palabra hablada, Scott-Heron también era un talentoso vocalista. En canciones como "I Think I'll Call It Morning" y la canción principal, la voz de Scott-Heron se complementa perfectamente con los conmovedores teclados de Brian Jackson. En "Lady Day and John Coltrane" (tributo a Billie Holiday y John Coltrane) celebra a las leyendas del jazz con una destacada interpretación vocal. "The Prisoner" es otro favorito, un recorrido callejero a través del sombrío día a día del trabajo en Estados Unidos, además de los sonidos de Heron de calidad y en el ritmo de "Pieces of a Man". El resto es un maravilloso viaje a través del jazz y el soul con mensajes políticos, como en "Save the Children", e historias más personales en "Home Is Where the Hatred Is".

Gil Scott-Heron también logra exhibir vulnerabilidad e introspección que distinguen su trabajo de la música de protesta más contundente y llena de rabia de la época. Esta voluntad de procesar públicamente emociones complejas fue innovadora, desestigmatizando la tristeza y el dolor como respuestas válidas al ataque en curso a la comunidad afroamericana en ese momento.

La producción, dirigida por Bob Thiele, es excelente. Cuenta con músicos destacados como Ron Carter al bajo y Bernard Purdie a la batería, lo que lo hace sofisticado, urbano y crudo completando perfectamente el contenido lírico de Scott-Heron.

En las décadas transcurridas desde su edición, "Pieces of a Man" no ha hecho más que crecer en estatura, críticos e historiadores de la música la aclaman como una obra histórica. La capacidad de Gil Scott-Heron para abordar delicados temas sociopolíticos, vulnerabilidad e innovación musical solidificó su estatus como artista pionero cuya influencia se sigue sintiendo hasta el día de hoy.

En resumen, "Pieces of a Man" es una desviación de su estilo inicial de palabra hablada hacia una estructura de canción más convencional, arraigada en influencias del blues y el jazz. Ha tenido un impacto duradero en la música moderna, particularmente en el ámbito del rap y el hip-hop, y es elogiado por sus poderosos mensajes y su fusión musical.

 

Disco recomendado

 
Es funky, lleno de soul y socialmente astuto. "Pieces of a Man" se separa de otros discos con audacia con el agudo comentario social de Gil Scott-Heron. Este álbum es poesía, tiene "flow". También es profundo y sublime y tiene una interpretación y producción excelente. Una verdadera obra maestra de la música jazz, funk, soul y rap, un clásico que debes escuchar.

Video del tema "Lady Day and John Coltrane":

Tracklist-canciones (formato LP original):

Cara A:

1.         "The Revolution Will Not Be Televised"      Scott-Heron    3:10
2.         "Save the Children"    Scott-Heron    4:28
3.         "Lady Day and John Coltrane"         Scott-Heron    3:37
4.         "Home Is Where the Hatred Is"        Scott-Heron    3:23
5.         "When You Are Who You Are"                   3:24
6.         "I Think I'll Call It Morning"            3:31 

Cara B:

1.         "Pieces of a Man"       4:55
2.         "A Sign of the Ages" 4:04
3.         "Or Down You Fall"  3:14
4.         "The Needle's Eye"    4:51
5.         "The Prisoner" 9:26

Musicians:

• Gil Scott-Heron - guitarra, piano, voz
• Hubert Laws - flauta, saxofón
• Brian Jackson – piano
• Burt Jones - guitarra eléctrica
• Ron Carter - bajo
• Bernard Purdie - batería
• Johnny Paté - director

Producción:

Bob Thiele - producción

TERRY REID - Terry Reid - Album

La superestrella más desconocida de todos los tiempos. Una voz increíble que podría haber sido mucho más famosa. Fue la primera elección de Jimmy Page para ser el vocalista de Led Zeppelin (The New Yardbirds), tenía otros compromisos comerciales, pero recomendó a otro cantante, Robert Plant, y que Page viera a un baterista llamado John Bonham.

Y si flipas por cómo funciona el destino, Terry Reid también rechazó una oferta de Ritchie Blackmore para reemplazar a Rod Evans en "Deep Purple".

Sin embargo, se le consideraba un grandísimo talento musical con una voz talentosa. Aretha Franklin decía: "en Inglaterra sólo suceden tres cosas: los Rolling Stones, los Beatles y Terry Reid".

Muchas canciones originalmente grabadas por Reid han sido versionadas por numerosos artistas, incluidos The Hollies, Crosby, Stills & Nash, Marianne Faithfull, Cheap Trick, Jack White con The Raconteurs, Joe Perry y Chris Cornell (Soundgarden).

 

¿Quién es el músico Terry Reid?

Terrance James Reid, apodado "Superlungs", es un vocalista, compositor y guitarrista de rock inglés mejor conocido por su emotivo estilo de canto.

Su carrera musical comenzó a principios de la década de 1960 actuando en un club británico donde fue invitado a unirse a "Peter Jay and the Jaywalkers" como vocalista principal, como telonero de la gira de 1966 de los Rolling Stones. A finales de los años 60, Reid fue el telonero solista de las giras de los Rolling Stones, Cream, Jethro Tull y Fleetwood Mac.

Casi todos los álbumes de Terry Reid son una agradable mezcla de blues, rock y soul. Aquí está su discografía:

•  Bang, Bang You're Terry Reid (1968)
• Terry Reid (1969) (US title: Move Over for Terry Reid)
• River (1973)
• Seed of Memory (1976)
• Rogue Waves (1979)
• The Driver (1991)
• The Other Side of the River (2016)

En términos de la discografía de Reid, el segundo "Terry Reid" representa un importante paso adelante con respecto a su álbum debut, "Bang, Bang You're Terry Reid". La composición es más madura y las actuaciones más seguras. En el contexto más amplio de la escena musical de 1969, "Terry Reid" destaca por su sonido crudo y sin pulir. En una época en la que muchas bandas de rock experimentaban con sonidos psicodélicos y progresivos, el rock sencillo basado en el blues de Reid era refrescante. Por eso tengo debilidad por el mencionado disco y quiero recomendarlo a los lectores de este blog de música y a los melómanos.

 

ALBUM: Terry Reid

 
Este es el segundo álbum de estudio homónimo de Terry Reid, grabado en 1969 (título de reedición en EE. UU. "Move Over for Terry Reid"). La fotografía icónica de Reid en la portada fue tomada por el fotógrafo y productor musical Terry Manning.

Este disco es una pequeña joya escondida de la escena del rock de finales de los sesenta. A pesar de haber sido pasado por alto en gran medida en ese momento, resalta el talento vocal y las habilidades para escribir canciones de Reid, consolidando su estatus como uno de los artistas más subestimados de la época.

Es un muy buen LP. La influencia de Donovan es evidente en la excelente versión "Superlungs My Supergirl" y en "Stay with Me Baby". Canciones como "Silver White Light" y "July" muestran las influencias folk de Reid, con un delicado trabajo de guitarra acústica y letras introspectivas. "Marking Time" se destaca, con su ritmo contagioso y la entrega conmovedora de Reid. La versión de "Highway 61 Revisited" de Bob Dylan es otro momento, con Reid dándole su propio toque al clásico. Otra hazaña impresionante de este LP es la variedad de estilos que aborda Terry Reid. Desde el blues rock de "Stay With Me Baby" hasta el "May Fly" con tintes de jazz, demuestra ser un músico versátil y consumado. El álbum se cierra con la inquietante "Rich Kid Blues", una canción que luego sería versionada por Marianne Faithfull.

Sorprendentemente, Reid aún no tenía 20 años cuando se publicó esto y puede explicar su renuencia a unirse a "otras bandas" y sus habilidades aún por desarrollar por completo. Con margen de mejora aún, casi todas las canciones son de calidad. El punto fuerte en este álbum es su voz desgarradora además de los poderosos acordes de su guitarra.

Si bien el álbum no fue un éxito comercial en ese momento, desde entonces se ha ganado a muchos seguidores. La influencia de Reid se puede escuchar en el trabajo de artistas posteriores como Robert Palmer, por ejemplo. Es algo desafortunado que Reid nunca alcanzara la fama de algunos de sus compañeros, ya que este álbum demuestra que tenía el talento para estar junto a los grandes de la época.

En resumen, "Terry Reid" es un álbum poderoso y apasionado. La combinación de rock, soul y blues de Reid, junto con su rango vocal y entrega emotiva, hacen de este LP un destacado. Es una obra que merece una reevaluación.

Disco recomendado

 
Terry Reid es uno de los mejores cantantes de blues-soul de su generación. "Terry Reid" es una obra imprescindible para los fans del rock de los años 60 y para cualquiera interesado en descubrir una joya escondida de la época. Un clásico atemporal que gustará a los melómanos de hoy..

Video del tema "Highway 61 Revisited":

Tracklist (formato LP original):

1."Superlungs My Supergirl" (Donovan Leitch) – 4:17
2."Silver White Light" – 2:51
3."July" – 2:28
4."Marking Time" – 3:45
5."Stay with Me Baby" (George David Weiss, Jerry Ragovoy) – 4:10
6."Highway 61 Revisited" (Bob Dylan) / "Friends" (Reid) – 7.58
7."May Fly" – 3:41
8."Speak Now or Forever Hold Your Peace" – 4:24
9."Rich Kid Blues" – 4:15

Músicos:

• Terry Reid - voz, guitarra
• Peter Shelley - teclados
• Keith Webb - batería

Técnico:

• Mickie Most - productor

JAPAN - Adolescent Sex - Album

 El cantante, músico y compositor británico David Sylvian de la banda JAPAN dijo en 1982: 

"Lamento el primer álbum, "Adolescent Sex", en el sentido de que éramos demasiado jóvenes, demasiado ingenuos para hacerlo. La gente que nos rodea debería haberse dado cuenta de eso y no haberlo lanzado..."

No estoy de acuerdo. Creo que es un buen LP, tiene algunos cambios agradables inesperados, con reflujos y paradas bajas y repentinas de los estribillos, lo que la convierte en una de las mejores interpretaciones vocales de "glam" de Sylvian. También es un clásico del new wave. Por lo tanto, para mí es un disco con una agradable mezcla de funk, new wave, synthpop y glam. Sí, quizás con un sonido "anticuado", pero pensemos en su contexto histórico.

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música y a los melómanos el mencionado primer álbum de JAPAN.

 

ALBUM: Adolescent Sex

 

El debut de la banda inglesa "Japan", publicado en marzo de 1978. Para evitar controversias sobre el título, el álbum pasó a llamarse simplemente "Japón" en algunos países. Este LP no tuvo un buen desempeño comercial, incluidos sus sencillos, sin embargo es una pequeña joya del género glam rock.

Aunque "Japón" se convertiría más tarde en new wave "new romantics", "Adolescent Sex" fue dos años anterior al movimiento. Un primer LP notable, está lleno de intención punk, con riffs de glam rock y de electrónica que no sólo se remonta a la juventud de la banda, sino que también es anterior a gran parte de lo que explotaría en la próxima ola del underground británico. Influenciado por el glam de David Bowie y los New York Dolls, experimentan y complementan lo que hacian otras bandas innovadoras en ese momento como "Ultravox" y "Tubeway Army". 

El primer número, "Transmission", prepara el escenario para lo que sigue. Sin embargo, en lugar de seguir estrictamente la línea marcada, la banda hace algunos trucos para sorprender al oyente. El bajo y la guitarra funky de "The Unconventional" repetidos nuevamente en "Wish You Were Black" no sólo es una sorpresa, sino que deja a uno preguntando si a la banda le gustaba más el funk, especialmente a la luz del largo número de improvisación "Suburban Love" que sigue. En otros lugares, la banda toca sus raíces mientras define su propio estilo, que incluye la voz sexy y despeinada de David Sylvian; sobre todo en el corte post-punk "Television" y una versión de "Don't Rain on My Parade".

Por lo tanto, el punto fuerte de este álbum es la forma en que "Japan" combina diferentes géneros con tanta facilidad. El glam, el punk y los nuevos elementos románticos se entrelazan de manera experta, creando un sonido cohesivo. La producción del álbum es muy clara, con cada instrumento y voz elevándose sobre un lecho de sintetizadores exuberantes, líneas de bajo contundentes y baterías propulsoras.

Sí, "Japan" era unos chicos muy joven, hambriento y un poco rudo. A pesar del trabajo de R & B, es importante recordar que esta banda estaba encontrando su punto de apoyo sonoro. Una auto-concepción única e innovadora. Un sonido que les sienta bien y que después culminan en su gran disco "Tin Drum".
 

Disco recomendado

 
Para mí, "Adolescent Sex" es un excelente debut que muestra el sonido innovador y la fuerza creativa de "Japan". Desde la canción que abre el álbum hasta su cierre, el oyente se sumerge en un mundo de lirismo sentido e instrumentación dinámica. Teniendo en cuenta 1978, el disco es un testimonio de la capacidad de la banda para traspasar límites e innovar, allanando el camino para una generación de bandas post-punk, new wave y electrónica que seguirían sus pasos.

Video del tema "Suburban Love":

Tracklist - Canciones (formato LP original): 

Cara A:

1.         "Transmission"            4:46
2.         "The Unconventional"            3:02
3.         "Wish You Were Black"        4:49
4.         "Performance" 4:36
5.         "Lovers on Main Street"        4:09
6.         "Don't Rain on My Parade"   2:54 

Cara B:

7.         "Suburban Love"        7:27
8.         "Adolescent Sex"       3:46
9.         "Communist China"   2:44
10.       "Television"    9:15

Japan (Músicos):

• David Sylvian - voz principal, guitarra rítmica
• Rob Dean - guitarra principal, coros
• Richard Barbieri - teclados, coros
• Mick Karn - bajo, coros
• Steve Jansen – batería, coros, percusión

Adicional:

Ray Singer - producción, coros adicionales

PAUL BUCHANAN - Mid Air - Album

Soy un gran admirador (fan) de la banda escocesa "THE BLUE NILE", por lo que el disco en solitario de Paul Buchanan cuando apareció en 2012 fue un gran acontecimiento. El grupo, al igual que el músico, no son conocidos por la producción de álbumes, son muy pocos, pero vaya, lo poco que hay, todo es calidad.

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música y melómanos su disco en solitario titulado "Mid Air". Un hermoso trabajo compuesto únicamente por voz, piano y escasos instrumentos. El minimalismo para la creación de arte musical.

¿Quién es el músico "Paul Buchanan"?

 
Paul Buchanan es venerado como uno de los cantautores vivos más importantes de Escocia, mejor conocido como cofundador y vocalista principal de "The Blue Nile". A lo largo de cuatro aclamados álbumes de 1984 a 2004, Buchanan se establece como un maestro del art-pop melancólico e introspectivo, creando canciones de una rara profundidad emocional y elocuencia poética. Su trabajo con The Blue Nile, en particular los álbumes emblemáticos "A Walk Across the Rooftops" y "Hats", ha consolidado su reputación como una de las voces más distintivas e influyentes de la música británica.

La composición de Buchanan es elogiada por su calidad cinematográfica, pintando vivos retratos líricos del aislamiento urbano y el anhelo romántico. Su entrega vocal casi susurrada, le da una calidad íntima y confesional a su música, atrayendo al oyente a su mundo de melancolía y contemplación.

Su debut de 2012, "Mid Air", expresa todo lo dicho y más.

ALBUM: Mid Air

 
El disco de estudio en solitario del músico escocés Paul Buchanan (miembro de "The Blue Nile") publicado el 21 de mayo de 2012. Grabado principalmente en su apartamento en Glasgow durante un par de años.

Las 14 canciones de este álbum de 36 minutos van y vienen rápidamente como pensamientos contemplativos pasajeros. Debido a la brevedad de las canciones y el silencio de "Mid Air", es justo pensar que este álbum no dejará rastros una vez finalizado. Sin embargo, aquellos que realmente creen eso, en realidad están subestimando las maravillosas facultades de composición de Paul Buchanan. La ironía aquí es que Buchanan compuso las canciones mientras intentaba crear algo de música para el eventual álbum en solitario de la líder de Garbage, "Shirley Manson". Buena jugada para quedarselo para él, los fans de Blue Nile lo celebran.

La canción que da título al álbum marca el tono de la obra, con la voz de Buchanan catalogando tiernamente las narrativas de una manera que es a la vez dolorosamente melancólica y sorprendentemente evocadora. Está sensación de nostalgia agridulce impregna el álbum. Digo esto porque para un melómano joven con un oído entrenado para absorber música - digamos - más alegre, cuesta. Este trabajo es un viaje a tu interior donde el foco está en la letra y los simples sonidos.

En este solo álbum, un piano hace todo el trabajo detrás de la voz única y distintiva de Paul Buchanan, y la electrónica cumple un papel ambiental en lo que es un enfoque vocal conmovedor y casi un susurro. "Mid Air" aparentemente va de duelo, y contextualizado con el fallecimiento de uno de los amigos cercanos de Buchanan, no es de extrañar por qué cada balada de dos minutos y medio parece ser lo último que escucharás. Por lo tanto, "Mid Air" tiene un sentimiento poético y emocional en su letra. Lo que me llama la atención es el hecho de que algo hermoso que emerge del dolor de Buchanan puede reflejar la forma en que afrontamos el dolor: aceptación y esperanza. Por lo tanto, con su fondo oscuro, es un álbum optimista y da un mensaje para abrazar la vida incluso en sus malos momentos.

Desde una perspectiva técnica, evitando la producción exuberante y atmosférica de "The Blue Nile" en favor de una paleta escasa impulsada por el piano, Buchanan ofrece un álbum de rara resonancia emocional y una clase magistral sobre el poder de la moderación. De este modo, Paul Buchanan solidifica su reputación como uno de los cantautores más distintivos e influyentes de su generación, un verdadero maestro de la melancolía.

En resumen, "Mid Air" es conmovedora, íntima y reflexiva. Si los discos de Blue Nile todavía tienen magia para ti, este álbum es imprescindible. Del mismo modo, si a menudo has leído grandes cosas sobre "The Blue Nile" pero nunca has llegado a descubrirlas, "Mid Air" debería proporcionarte una idea, especialmente desde una perspectiva vocal y emocional.

Disco recomendado

 
Una interpretación de piano y voz conmovedora y con un marco emotivo de Paul Buchanan que suena muy personal e íntimo. Es un disco de ensueño, que se presta mejor en momentos contemplativos y personales. Recompensará toda la atención que requiere del oyente. Para mí, este disco es imprescindible para cualquier fan de la música pop introspectiva y poética, es impresionante e increíblemente hermoso.

Video del tema "Buy a Motor Car":

Tracklist - canciones:

1.         "Mid Air"        2:32
2.         "Half the World"        2:56
3.         "Cars in the Garden"  2:49
4.         "Newsroom"   1:54
5.         "I Remember You"     2:48
6.         "Buy a Motor Car"     2:37
7.         "Wedding Party"        2:36
8.         "Two Children"          2:35
9.         "Summer's on Its Way"          2:29
10.       "My True Country"    2:17
11.       "A Movie Magazine"  2:24
12.       "Tuesday"       2:12
13.       "Fin de siècle"          2:01
14.       "After Dark"   3:56