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CHRIS ISAAK - Silvertone - Album

Christopher Joseph Isaak (Músico)

Cantante, compositor, guitarrista y actor ocasional estadounidense, aka Chris Isaak. Es ampliamente conocido por su gran éxito y canción emblemática "Wicked Game", así como por canciones como "Dancing", "Blue Hotel", "Baby Did a Bad Bad Thing" y "Somebody's Crying". Es también conocido por su estilo revivalista de rockabilly cargado de reverberación y su amplio rango vocal. Sus canciones generalmente se enfocan en temas de amor, pérdida y desamor. Con una carrera que abarca cuatro décadas, Chris Isaak ha lanzado un total de 13 álbumes de estudio hasta la fecha. A menudo se lo compara con Roy Orbison, Elvis Presley, Ricky Nelson y Duane Eddy, además hay toques del sonido "Roxy Music".

Personalmente descubrí a este músico hace muchos, muchos años a partir de una película en la que su canción era parte y sonaba. Investigaciones posteriores llevaron a descubrir que el hombre tenía "clase" además de buenas canciones que de una forma u otra siempre se aplicaban a situaciones emocionales particulares. El "tio" tiene una cancion para cada estado de ánimo.

ALBUM: Silvertone


El álbum debut fue publicado en 1985 y lleva el nombre de su banda de respaldo de tres piezas, aunque solo uno de los miembros aparece en el álbum. El disco presenta 12 temas que muestran la combinación característica de Isaak de música rockabilly, country y pop, que se convirtió en su sonido característico en años posteriores. Los discos posteriores "Heart Shaped World" (1989) y "Forever Blue" (1995) son mejores álbumes, pero este es excelente como una introducción al músico y su sofisticado sonido de blues-rock melancólico.

ALBUM: Silvertone  - de CHRIS ISAAK

Lo tiene todo. Talento compositivo, una voz distintiva, mucha clase, una banda top, elegancia, rollo melancolía e, incluso algunos temas "bailables". Entres por donde entres en “Silvertone" aciertas. Todo te suena a esos años de principios del Rock (Haley's Comets, Roy Orbison, Elvis Presley, Ricky Nelson, Duane Eddy, psicodelia, western…). Y hay temazos: “Dancin '”, “Back On Your Side”, “Unhapiness”, la inquietante balada “Funeral in the Rain” & “Gone Ridin” (tema en película “Blue Velvet” de David Lynch).

Una mención notable a James Calvin Wilsey, un excelente guitarrista empapado de reverb y delay, que apoya magníficamente a Chris Issak en este "road trip" de escucha oscura. Uno de los aspectos más destacados de los discos de Issac son precisamente los músicos que reúne a su alrededor. Todos de primer nivel.

Un disco recomendado. Cada canción es como la banda sonora de una "road movie", viajando a la autopista - "Ruta 66", durmiendo en moteles baratos, de una aventura oscura y de misterio … En fin, gran voz, buenas canciones... ¡y qué tupé!

Video del tema "Dancin":


Tracklist:

1."Dancin'" – 3:44
2."Talk to Me" – 3:04
3."Livin' for Your Lover" – 2:56
4."Back on Your Side" – 3:14
5."Voodoo" – 2:44
6."Funeral in the Rain" – 3:18
7."The Lonely Ones" – 3:12
8."Unhappiness" – 3:10
9."Tears" – 2:44
10."Gone Ridin'" – 2:36
11."Pretty Girls Don't Cry" – 2:24
12."Western Stars" – 3:12 

Músicos:

  •  Chris Isaak - voz, guitarra
  • James Calvin Wilsey - guitarra solista, guitarra lap steel
  • Prairie Prince - batería
  • Chris Solberg – bajo
  • Pee Wee Ellis - saxofón
  • Jim Keltner - batería en "Livin 'for Your Lover"
  • Pat Craig - órgano 

Producción:

  • Erik Jaconsen 

PETE YORN - Musicforthemorningafter - Album

Peter Joseph Yorn (Músico)


Conocido artísticamente como Pete Yorn
, es cantante, compositor y músico estadounidense. Obtuvo reconocimiento internacional por primera vez después de que su disco debut, "Musicforthemorningafter", fuera lanzado con gran éxito comercial y de la crítica en 2001. Es conocido por tocar la mayor parte de los instrumentos en sus discos. Muchos críticos consideran a Yorn como uno de los mejores compositores de su generación.

Peter Joseph Yorn (Músico)

Pete Yorn ha estado muy ocupado desde entonces. Aparte de numerosas colaboraciones, tiene, hasta el momento, 10 álbumes completos, el último lanzado en 2022.

Si no conoces a este excelente músico, busca su debut "Musicforthemorningafter", un gran punto de entrada a la música de Yorn.

ALBUM: Musicforthemorningafter

 
El álbum debut de Pete Yorn, publicado el 27 de marzo de 2001.

Este es un comienzo impresionante de lo que se convertiría en una carrera larga y variada; además es una forma majestuosa de debutar. Es una selección orgánica de rock americano, con el amor de Yorn por el jangle-pop también presente, con varias canciones de base acústica ("Sense", "Simonize") que se asemejan a "The Smiths". La voz de Yorn le da un sonido polvoriento a todo el álbum, que está orquestado con una mezcla de guitarra, armónica y una sección rítmica estándar.

ALBUM: Musicforthemorningafter - de PETE YORN

El sencillo "Life on a Chain" comienza con un acento que contribuyó a ganarse un importante lugar en la radio de formato rock moderno, mientras que canciones como "Just Another" muestran que Yorn también puede trabajar las baladas. Canciones como "Murray" presentan una vibe americana, y él usa su influencia de los Smiths con la canción "For Nancy". Muchas canciones también cuentan con una producción bastante elaborada y limpia, como "Sleep Better". Mi canción favorita del álbum es "Strange Condition", me encanta y me atrapa siempre.

El talento de Pete Yorn va más allá de la simple composición de canciones, el hombre es un hombre orquesta. Toma el siguiente ejemplo de lo que Yorn contribuyó a cada canción:

Voces (en todas las pistas*), guitarra acústica (pistas 1-8, 10-13), guitarra eléctrica (pistas 1-4, 6-7, 10, 12), guitarra barítono (11), batería (pistas 1-4 , 6-13), bajo (pista 1, 3-4, 6-7, 10), piano (pista 5, 8), sintetizador analógico (pista 5), cuerdas de sintetizador (pista 1, 9), teclado casio (pista 7), percusión (pista 2, 10), pandereta (pista 6-7), platillos de dedo (pista 11), e-bow (pista 11), todos los instrumentos (pista 14)... ¡Guau! No se que te parece pero esto es impresionante, las pocas personas que se me ocurren con este talento es "Prince".

* a continuación abajo encontrará la lista de canciones (numeradas)

Sus seguidores y fans dirán: "Yorn tiene otros discos". El segundo álbum ("Day I Forgot"), mucho más empapado de country alternativo melódico, su tercer disco ("Nightcrawler"), mucho más emotivo, y el LP "Pete Yorn" (2010), que es más centrado en el rock, producido por Frank Black. Mi inclinación por "Musicforthemorningafter" se debe a que es el disco que descubrí por primera vez al músico, además siento que es impresionante, además de seguir siendo su álbum de mayor éxito comercial (700.000 vendidos) hasta la fecha.

En general, este trabajo tiene algo que llama tu atención y no sabes muy bien cómo definirlo. Tiene una mezcla de elementos que te recuerdan a Ryan Adams, Tom Petty... y suena un jangle de guitarra pop similar a R.E.M y las bandas británicas. Sea lo que sea, me gusta.

Disco recomendado. Con un núcleo pop, "Musicforthemorningafter" tiene calidad, vitalidad y un poco de todo. Esto es el encanto del álbum, es una experiencia auditiva. Busca este LP si no estás familiarizado con este músico, pienso que te puede sorprender y darte alegrías musicales.

Video del tema "Strange Condition":


Tracklist: 

1.         "Life on a Chain"       3:45
2.         "Strange Condition"   3:57
3.         "Just Another"            3:14
4.         "Black"                       4:11
5.         "Lose You"                 4:35
6.         "For Nancy ('Cos It Already Is)"       3:30
7.         "Murray"                     3:45
8.         "June"                          2:34
9.         "Sense"                       3:53
10.       "Closet"                      3:03
11.       "On Your Side"          5:02
12.       "Sleep Better"             4:28
13.       "EZ"                            4:41
14.       "Simonize"                 2:54

BEACH FOSSILS - Clash The Truth - Album

Beach Fossils (Banda)

Grupo estadounidense de indie rock formado en 2009. Son conocidos por su sonido lo-fi atmosférico, y con el estilo vocal relajado del fundador y cantante Dustin Payseur

Payseur concibió el proyecto a finales de 2008. Hasta la fecha, han lanzado tres álbumes de estudio, incluido su álbum debut homónimo (2010), Clash the Truth (2013) y Somersault (2017), y un EP titulado What A Pleasure (2011). Dustin Payseur hace la mayor parte de la composición y la música de manera casera ("Do it Yourself" - DIY), y la formación de la banda en directo (estudio) incluye a Jack Doyle Smith (bajo), Tommy Davidson (guitarra) y Anton Hochheim (batería). Sin embargo esto puede cambiar, otros que han colaboradores son John Peña – bajo (2009–2012), Christopher Sennott Burke – guitarras (2009–2011), Tommy Lucas – batería (2009–2010), Daniel Fox – teclados, trompeta, guitarra, samples, voz (2017 ), Zachary Cole Smith – batería (2010); guitarras (2011-2012), Tommy Gardner - batería (2010-2017)

Beach Fossils - Banda de indie rock

El estilo musical del proyecto ha sido descrito como indie rock, dream pop, indie pop, jangle pop y lo-fi. Cualquiera que sea la etiqueta que más te convenga, "Beach Fossils", se consideran precursores del sonido dream pop de lo-fi que surgió de la escena indie underground en la década de 2010.

ALBUM:  Clash the Truth


El segundo álbum fue publicado el 19 de febrero de 2013 y producido por Ben Greenberg
(antes de The Men) y Dustin Payseur.

Recordando al lector que el primer álbum fue un asunto de bricolaje en el dormitorio de Payseur. Se decidió hacer algunos cambios para este segundo álbum. En primer lugar, se asoció con el productor Ben Greenberg (de The Men) y se grabó a un estudio real. También reemplazó la caja de ritmos que había estado usando con un baterista real, Tommy Gardner, y grabó el bajo y la batería en vivo juntos.

ALBUM:  Clash the Truth - BEACH FOSSILS

El resultado inmediato de mudarse a un estudio es un mejor sonido que sirve para fortalecer el impacto de la música. Payseur y Greenberg no cambian el sonido básico de reverberación o las guitarras de surf o la sensación general de la música. El bajo y la batería en directo también le dan a las canciones una pura energía. Tommy Gardner resulta ser una adición ideal al sonido, nunca solo tocando el ritmo de forma robótica, sino contribuyendo con rellenos nítidos y un buen trabajo de platillos. Payseur canta un poco más fuerte, entregando algo de agresión en las canciones más uptempo y dando a las más lentas e introspectivas un poco de extra profundidad. La voz en este LP, es soñadora y encaja con el sonido tintineante de la guitarra de la banda.

También encontrarás variedad. Si bien la mayoría de los temas caen directamente dentro en el indie pop, como ("Careless" y "Shallow", una colaboración con Jack Tatum de "Wild Nothing") que suenan como clásicos del moderno pop reverb, hay baladas tipos acústicas ("Sleep Apnea"), post-punk familiar ("Caustic Cross") y uno de shoegaze atmosférico que presenta a Payseur compartiendo voces con Kazu Makino de "Blonde Redhead". Este último tema por cierto muy hermoso.

Mi única crítica es que se podría ver hecho más corto. Para mi gusto la obra se pierde en ciertas partes, algunos temas sobran y siepodrían haber quedado fuera. Dicho esto, es una observación menor, ya que es un disco contagioso y divertido que nunca se toma a sí mismo demasiado en serio. 

Disco recomendado. No es un "álbum alucinante". No es exactamente surf rock ni dream pop, pero es sólido y memorable. Un disco infravalorado que se ha ganado el derecho a ser redescubierto y escuchado por un nuevo público. Buscarlo y escucharlo, puede que te sorprendas maravillosamente.

Video del tema "In Vertigo" (con  Kazu Makino):

Tracklist:

1.         "Clash the Truth"                   2:03
2.         "Generational Synthetic"       2:44
3.         "Sleep Apnea"                       2:26
4.         "Careless"                              3:03
5.         "Modern Holiday"                 1:21
6.         "Taking Off"                          3:09
7.         "Shallow"        Payseur, Jack Tatum   3:17
8.         "Burn You Down"                 2:57
9.         "Birthday"                             2:52
10.       "In Vertigo" (con  Kazu Makino)                 3:20
11.       "Brighter"                  0:33
12.       "Caustic Cross"                     2:41
13.       "Ascension"                           1:30

BADLANDS - Badlands - Album

Badlands (Banda)


Dirigida por el ex guitarrista de "Ozzy Osbourne", Jake E. Lee, y uno de los ex vocalista de "Black Sabbath", Ray Gillen, Badlands fue una de las mejores grupos que surgieron de la "escena HAIRBANDS" de finales de los 80 (Siglo XX).

El guitarrista Jake E. Lee decidió que era hora de dejar "Ozzy Osbourne" por su cuenta después de la conclusión del exitoso "Ultimate Sin Tour" de 1988. Con el deseo de distanciarse lo máximo posible, el guitarrista se dedicó a buscar un cantante carismático con el que lanzar su nuevo proyecto. Las semillas de Badlands se sembraron cuando Lee conoció al cantante "Ray Gillen", que había estado buscando trabajo después de una breve gira con Black Sabbath. Pronto inauguraron una asociación con la incorporación del bajista Greg Chaisson y otro amigo de la banda Black Sabbath (y Kiss) de Gillen, Eric Singer, en la batería. Con una marca de blues-heavy metal, su debut homónimo fue una oferta de hard rock de los 70 similar a Led Zeppelin. Mi disco favorito de esta banda.

La formación duró poco ya que no encajaba del todo en el estilo "exagerado" de glam metal que fue impulsado por MTV en ese momento. En 1993 Ray Gillen murió de SIDA.

 

ALBUM: Badlands

 
El debut fue publicado en 1989. Tiene un sonido de blues metal despojado, que va contra la corriente de las formaciones de pop metal (glam) que estaban de moda en ese momento. Con la impresionante guitarra de Jack E. Lee y los poderosos gritos de Gillen, el disco abre con "High Wire" establece el tono enérgico y abre el camino a otros grandes temas potentes y melódicos como "Dreams in the Dark" y "Winter's Call". Hay números que presentan el estilo de solos distintivo de Lee, la intensidad de la banda rara vez flaquea como en "Dancing on the Edge", el blues de "Rumblin 'Train" y luego la intensidad al estilo Zeppelin en "Seasons". En general, 11 temas muy buenos de metal rock con acento blues.

BADLANDS - Badlands - Album

Histórica e incorrectamente, la perdurable relevancia de este álbum lo ubica dentro de los grupos de glam metal como Mötley Crüe o Ratt, pero es mejor situarlo en compañía de otras bandas de hard rock retro como "Black Crowes" y "Burning Tree" que precedieron a la invasión de Seattle. En cierto modo Badlands estaban adelantados a su tiempo. Si bien la carrera de la banda se vio trágicamente interrumpida por la muerte de Ray Gillen en 1993, "Badlands" sigue siendo un testimonio perdurable en el mundo del hard rock y el heavy metal.

Un disco recomendado. La voz abrasadora de Ray Gillen, las guitarras de tormenta de fuego de Lee, una batería fantástica y una composición cohesiva hace que guste a los fans del hard rock. Y es más, este disco es posiblemente la coronación absoluta de uno de los más grandes guitarristas de los 80 (Jack E. Lee).

Video del tema "Dreams in the Dark":


Tracklist (original)

1.«High Wire»            3:45
2.«Dreams in the Dark»         3:29
3.«Jade's Song»          1:23
4.«Winter's Call»        5:35
5.«Dancing on the Edge»      3:27
6.«Streets Cry Freedom»       6:10
7.«Hard Driver»         4:50
8.«Rumblin' Train»     5:46
9.«Devil's Stomp»      4:54
10.«Seasons»  6:20
11. «Ball & Chain»    4:13

KC AND THE SUNSHINE BAND - Part 3 - Album

Un post para los lectores más veteranos, aunque si eres un melómano joven creo que te va interesar. El grupo y álbum recomendado es…

KC and the Sunshine Band


Formación musical estadounidense de disco y funk fundada en 1973. Entre sus temas más conocidos se encuentran los grandes éxitos "That's the Way (I Like It)", "(Shake, Shake, Shake) Shake Your Booty", "I'm Your Boogie Man", "Keep It Comin 'Love", "Get Down Tonight", "Boogie Shoes", "Please don't go" y "Give It Up".

Esta banda estuvo en su apogeo durante la era de la "música disco" de los años 70. Desde entonces, hay pocas personas de 45 años o más que no hayan bailado una de sus canciones en algún momento de su vida. Su música todavía suena con fuerza en la radio de clásicos, series de televisión, anuncios de televisión, clubes y en el karaoke. Aparte, hay "versiones" de sus temas circulando cantados por otros artistas.

KC and the Sunshine Band (1976)

Todavía están activos en sus varias formas aprovechando las tendencias de "revival", aunque sus "días dorados" fueron entre 1974 y 1979 coincidiendo con algunos de sus grandes lanzamientos. Me gusta uno en particular, el título del álbum es "Parte 3".

ALBUM: Part 3


El cuarto álbum de estudio fue publicado en octubre de 1976 y producido por Harry Wayne Casey y Richard Finch. Este LP contiene tres de los mayores éxitos de la banda, "(Shake, Shake, Shake) Shake Your Booty", "I'm Your Boogie Man" y "Keep It Comin' Love". El álbum presenta una mezcla de canciones bailables de disco, funk y soul que muestran el sonido característico de la banda.

En 1976 había una clara batalla musical: música disco vs punk. Este último consideró el disco-funk-soul de KC como un escapismo sin sentido, trivial y hedonista. Sin embargo, este disco tiene un elemento universal que trasciende "campos": "feeling". Esto es una obra sin complicaciones, simple y de "pasarlo bien" para mover tu cuerpo. Obviamente, si eres fan de la música disco (o estás en un club nocturno), esto era todo lo que necesitabas.

KC & THE SUNSHINE BAND - Part 3 - Album

Es funky y sexy. Hay auténticos "hits" en este LP como "Shake Your Booty", "I'm Your Boogie Man" y "Keep It Comin' Love" con mucho soul y ritmos infecciosos que simplemente no se detienen. Estos ritmos se han mantenido bien con el tiempo, además de que artistas "urban" han sampleado extensamente muchas canciones, mucho después de que el nombre de KC desapareciera de las listas de éxitos.

En total, cinco éxitazos en un solo álbum (los otros dos, "I Like to Do It" y "Wrap Your Arms Around Me"), es difícil imaginar a un artista haciendo eso en nuestros tiempos. Además, las otras canciones del álbum también son también buenas, "Lets Go Party", "Come On In" y "Baby I Love You", todas funky y aptas para la pista de baile.

Uno de los otros puntos fuertes del álbum es su cohesión y consistencia, con cada tema fluyendo a la con la siguiente. La sólida maestría musical de la banda y la carismática entrega vocal de Harry Wayne Casey crean una experiencia auditiva divertida. Todo se presenta simple e infeccioso.

Disco recomendado, un clásico de la música disco atemporal que muestra el innegable talento de "KC & the Sunshine Band" para crear canciones disco-funk contagiosas y memorables. El sonido alegre y enérgico ha asegurado su popularidad perdurable, lo que lo convierte en una pieza interesante para los fans del género y los amantes de la música por igual. Créeme, si necesitas que tu "House Party" se anime, encuentra esta banda y este disco.

Video del tema "(Shake, Shake, Shake) Shake Your Booty":


Tracklist (formato original LP):

- Cara A -

1.         "Baby I Love You (Yes, I Do)"        4:43
2.         "Wrap Your Arms Around Me"        3:47
3.         "I Like to Do It"         2:57
4.         "(Shake, Shake, Shake) Shake Your Booty" 3:06

- Cara B -

5.         "Let's Go Party"         2:57
6.         "Come on In"  3:25
7.         "I'm Your Boogie Man"         4:05
8.         "Keep it Comin´ Love           4:23

SOUL II SOUL - Club Classics Vol. 1 - Album

Si estás buscando música cool, funky, de baile con matices de soul  y jazz, quizás el siguiente disco puede ser de tu interés. Hablo de …

Soul II Soul  (Banda)

 
Un colectivo musical británico formado en Londres en 1988. La formación oficial e inicial fue el fundador Jazzie B, Caron Wheeler, Nellie Hooper, Simon Law, Doreen Waddell, Rose Windross, Daddae, Aitch B y Jazzie Q. Un colectivo de música soul-dance que transmitió optimismo, paz y amor, algo similar a una mini "revolución hippy de los años 60" centrada en la cultura del Club a finales de los 80. No sin un elemento parcial a considerar, la "E-revolución" del Reino Unido, un movimiento alimentado por el éxtasis que estaba en curso desde Manchester hasta las raves ilegales en todo el Reino Unido.

Soul II Soul , colectivo 1989

El equipo de "Soul II Soul" probó sus experimentos musicales y material en los clubes que operaban para ver qué funcionaba y qué no. Sin duda, este es el mejor campo de pruebas posible. Combinaron influencias caribeñas, africanas y afroamericanas (soul) atrayendo todas las corrientes del "underground" en ese momento.

"Soul II Soul" continuaría contribuyendo al levantamiento y la potenciación de la cultura club que alcanzó su punto máximo durante 1988 - 90 "Second Summer of Love" en el Reino Unido e Ibiza. En última instancia, conducirá a la explosión global de la música dance electrónica (EDM) del nuevo milenio.

El motor, o el catalizador, fue su primer álbum "Club Classics Vol.1", el mejor del colectivo.

ALBUM: Club Classics Vol. One 

(Titulo en EEUU: "Keep On Movin'") 

El álbum debut fue publicado en 1989. El disco incluye los singles más exitosos del grupo, el masivo e innovador "Keep on Movin '" y "Back to Life (However Do You Want Me)". El álbum alcanzó el #1 y fue certificado triple platino en el Reino Unido. En los Estados Unidos, el álbum alcanzó el Top 20. Tuvo un mayor éxito entre los oyentes de música R & B en los Estados Unidos, ya que el álbum llegó al #1 en la lista de los mejores álbumes de R & B, y la canción principal y "Back to Life" fueron #1 singles de éxito de R & B.

El funk, R & B, Dance y el Jazz dieron sabor a este conglomerado británico de hip-hop y músicos que produjeron algo especial para su época. En muchos sentidos, un álbum innovador que los veteranos como yo recordamos muy bien en el momento del lanzamiento. Gran repercusión dentro del circuito de clubs "underground", donde surgió de lo "desconocido" para comerse el mainstream saturando la radio y haciendo bailar a las masas. Tenía otro gran elemento, su frescura, también se trataba de "moda" y de irradiar al resto del mundo la cultura del club de "Londres". Algo mucho más poderoso fuera del Reino Unido, ya que se extendió a Ibiza, EE. UU. y el resto del planeta.

SOUL II SOUL - Club Classics Vol. 1 - Album

En el apogeo del house y el acid house, "Soul II Soul" fusionó nuevos estilos con virtudes de antaño (el soul, la composición). Hay un acento en la positividad y, por lo tanto, es un álbum aspiracional. "Keep On Movin'" (quemó los clubes y las pistas de baile a principios de los 90) y "Back to Life (However Do You Want Me)" son los éxitos de este álbum, que han resistido la prueba del tiempo, pero hay muchos otros buenos temas y mucha variedad con diferentes cantantes y diferentes estilos, y siempre, siempre funky y bailable.

Canciones notables más allá de los mencionados; "Fairplay" y "Jazzie's Groove", con más ritmos disponibles como el sensacional corte instrumental "African Dance", el sermón de Jazzie B sobre el imbuido de house de "Holdin' On", el hipnótico "Happiness" (Dub), y el edificante “Feeling Free” (Live Rap) con samples de "KC y The Sunshine Band" y "Headhunters" para un uso brillante. 

Espero que mi breve resumen arriba te anime a descubrir este disco, personalmente disfruté más de las versiones dance de 12". Recuerda que este LP es para recopilar un montón de canciones que funcionaron brillantemente a nivel de club y ya tuvieron demostrado su atractivo universal. Fue un error, en retrospectiva, no poner la versión 12" dance de "Back to Life" en este LP. Sí, date cuenta de que la radio necesita versiones más cortas... pero. Sin embargo, no es un problema ahora, podemos encontrarlo todo en las plataformas digitales.

Disco recomendado. Una colección positiva, optimista y genuinamente edificante de canciones. La voz de Caron Wheeler en los dos éxitos es sublime, el resto del colectivo, Nellee Hooper, Rose Windross, Do´reen y Jazzie B, están "on fire". Un disco anclado en muchos sentidos a su época, tiene suficientes estilos musicales y un atractivo universal para capturar los oídos de muchos oyentes de hoy en día. Dale una escucha, sigo creyendo que es muy "cool" como lo fue en su lanzamiento.

Video del video "Back to Life":

Tracklist:

1.         "Keep on Movin'" (featuring Caron Wheeler)           6:00
2.         "Fairplay" (featuring Rose Windross)                       5:55
3.         "Holdin' On"              4:13
4.         "Feeling Free" (Live Rap)                  4:13
5.         "African Dance"                    
6.         "Dance"          Romeo, Law   3:40
7.         "Feel Free" (featuring Do´reen)                     5:00
8.         "Happiness" (featuring Do´reen)                   5:30
9.         "Back to Life" (Accapella) (featuring Caron Wheeler)                    3:12
10.       "Jazzie's Groove"                   3:12  

NEW RADICALS - Maybe You've Been Brainwashed Too

Pocas veces un disco captura la esencia de la época en que se publica como el género musical que representa. Tuve la oportunidad de trabajar un álbum en particular del cantautor, músico y productor estadounidense Gregg Alexander, quien en ese momento estaba bajo su proyecto "New Radicals". 

Un disco maravilloso que engloba la psique adolescente (especialmente la americana) y el espíritu de juventud de finales de los 90 (Siglo XX) envuelto en una música pop casi perfecta. Es un disco de pop maravilloso, una verdadera referencia en sonido, letras y producción.

Todo esto contenido dentro del primer y único LP lanzado, "Maybe You've Been Brainwashed Too", un disco de gran éxito comercial que se ha perdido en el tiempo. Una obra musical muy infravalorada que merece ser descubierta de nuevo.

ALBUM: Maybe You've Been Brainwashed Too

 
El álbum de estudio debut de la banda estadounidense de rock pop "New Radicals" (líder Gregg Alexander). Publicado el 16 de octubre de 1998, es el único álbum de "New Radicals" antes de disolverse en 1999. Existen razones por la poca duración del grupo; Gregg Alexander no llevaba bien la fama. Una fama que apareció de la noche a la mañana, donde sufría ataques de pánico con la promoción, viajes, actuaciones y las "presiones". Al final lo deja todo para trabajar en un segundo plano, donde por cierto tiene más éxito. 

Volviendo al LP, para la grabación Alexander reclutó a numerosos músicos de sesión y es el único miembro de la banda que toca todas las canciones. El álbum dio dos singles, "You Get What You Give" fue lanzado como el primer sencillo y fue un super éxito comercial en todo el mundo. El segundo sencillo, "Someday We'll Know", fue lanzado poco después de que el grupo se disolviera.

New Radicals - Maybe You've Been Brainwashed Too

Este álbum ofrece muchas armonías y melodías. Es casi el pop perfecto. Su instrumentación es mágica, con ricos sintetizadores, guitarras, delays y muchas cosas sucediendo a lo largo de todo este disco. Con cada escucha sale algo nuevo.

Es un gran viaje musical de escucha pop. Hay un profundo interés por parte de Gregg Alexander por el R & B, el Soul, el Disco, el Funk y el Jazz, que de una forma u otra se reflejan en este álbum. Las melodías rara vez son demasiado predecibles o demasiado aleatorias, funcionan perfectamente. Algunas canciones tienen firmas e influencias inusuales para el flujo continuo de Pop-Rock de los 90. Además, la voz de Alexander, que suena un poco a Mick Jagger, resume la narrativa de este LP: la actitud juvenil de un grupo de jóvenes perdidos en la vida en los años 90... De hecho, este disco habla y retrata la adolescencia americana. Sí, hay algunos comentarios sociales y políticos, pero no los suficientes para quitarle brillo a la música. Es un álbum optimista con mensajes positivos y "amor" como hilo conductor.

El álbum abre con "Mother We Just Can't Get Enough", una canción optimista y de ritmo rápido que marca la pauta para el resto del álbum. La canción presenta un riff de guitarra pegadizo y la poderosa voz del cantante principal Gregg Alexander. Las letras tratan sobre los excesos de la vida moderna y la constante necesidad de más. La segunda canción, "You Get What You Give", es sin duda el tema más grande y famoso del álbum (y de "New Radicals"). Cuenta con una melodía memorable y letras pegadizas que siguen siendo relevantes hoy en día. La canción es un himno a la individualidad y al inconformismo. Otras canciones destacadas del álbum incluyen "I Hope I Didn't Just Give Away The Ending", una balada más tenue que muestra las habilidades de composición de Alexander y su capacidad para transmitir emociones. "Someday We'll Know", un dúo con la cantautora Danielle Brisebois, es una canción conmovedora y nostálgica que presenta hermosas armonías y un coro memorable. En general, un disco fácil de escuchar de principio a fin.

En términos de producción, el álbum es genial. Más tarde, Gregg Alexander produciría para otros grandes artistas del pop (Ronan Keating, Sophie Ellis-Bextor, Enrique Iglesias, Texas, Rod Stewart, …), además de componer la música para películas (por ejemplo, "Born Again"). No hay dudas que Gregg Alexander es un genio de la música pop, más cómodo ahora haciendo su trabajo para los demás y en un segundo plano muy lejos de los focos.

"Maybe You've Been Brainwashed Too" debería haber recibido mucha más atención por lo que tiene para ofrecer. Obviamente, su éxito se vio afectado en gran medida por la disolución de la banda solo unas pocas semanas después de su lanzamiento. El single principal de este álbum terminó convirtiéndose en sinónimo de los años 90 y un auténtico himno de la juventud.

Disco recomendado. Esto es música pop - antes de toda las nuevas tecnologías - que rara vez ahora escuchamos. Buscarlo y escúchalo, probablemente te enamorarás de las canciones.

Video del tema ""You Get What You Give":


Tracklist:

1.         "Mother We Just Can't Get Enough"            5:46
2.         "You Get What You Give"               5:00
3.         "I Hope I Didn't Just Give Away the Ending"                    6:36
4.         "I Don't Wanna Die Anymore"                    4:16
5.         "Jehovah Made This Whole Joint for You"              4:10
6.         "Someday We'll Know"                     3:37
7.         "Maybe You've Been Brainwashed Too"                 5:20
8.         "In Need of a Miracle"                      3:43
9.         "Gotta Stay High"                 3:05
10.       "Technicolor Lover"              3:43
11.       "Flowers"                   3:51
12.       "Crying Like a Church on Monday"             5:02

DEPTH CHARGE - Nine Deadly Venoms

ALBUM: Nine Deadly Venoms


Este es el álbum debut del británico y productor musical "Jonathan Saul Kane", publicado en 1994 bajo su nombre artístico de "Depth Charge" (también más tarde grabó como "The Octagon Man"). Un disco que recopila varios sencillos de 12" lanzados por Kane en los cinco años anteriores, junto con material original.

ALBUM: Nine Deadly Venoms de DEPTH CHARGE

Saul Kane fue influyente en el establecimiento temprano del trip hop. Como anécdota, Kane influyó en Geoff Barrow, el DJ de "Portishead" (por mencionar solo uno), con sus innovadoras mezclas de samples con ritmos. Este trabajo se compone precisamente de ritmos instrumentales de hip hop con samples de diálogos y de películas, particularmente los de artes marciales, westerns y películas de terror.

La repetición de algunos break beats y samples de "Jackie Chan" están un poco sobre utilizadas, sin embargo, los temas son muy pegadizos y el nivel de energía hace que todo sea apenas perceptible. Después de todo, este es un disco muy divertido que está bien producido y lleno de fragmentos vocales curiosos (inesperados) de todo tipo de fuentes. Sí, Saul Kane era un gran fan (un "freak") de las películas de "artes marciales", escuchar este LP lo hace absolutamente obvio.

Saul Kane , aka DEPTH CHARGE

Como se mencionó, puede sonar un poco anticuado, pero este disco y muchos de sus sencillos de 12" están siendo utilizados actualmente por Djs modernos (por ejemplo, "Coldcut") en su grabaciones y en los clubes más "underground". Esto convierte a "Nine Deadly Venoms" en un clásico entre los DJs más "cool" del big beat.

Un disco recomendado, divertido, con buenos samples y un buen flow para un álbum compuesto casi en su totalidad por singles. Si eres un fan del break-beat o un aspirante a DJ que usa samples, etc., este disco es excelente para descubrir y aprender.

Video del tema "Depth Charge":

Tracklist (original):

1. "Shaolin Buddha Finger" – 6:47
2. "Dead by Dawn" – 5:05
3. "Bounty Killer" – 5:24
4. "Depth Charge" – 5:47
5. "Bastard Swordsman" – 4:39
6. "Bounty Killer II" – 3:50
7. "Daughters of Darkness" – 5:29
8. "Goal" – 3:59
9. "Hubba Hubba Hubba (What's in the Bag Man?)" – 4:11

LAMB - Lamb - Album

Lamb (Música electrónica)


Dúo inglés de música electrónica de Manchester (Reino Unido), cuya música está influenciada por el trip hop, el drum and bass y el jazz. El dúo está formado por el productor Andy Barlow y el cantautor Louise Rhodes. El dúo se separó de 2004 a 2009, sin embargo, se reunió para "The Big Chill Festival". Han estado grabando y haciendo directos desde entonces de manera casual.

Lamb (dúo de Música electrónica)

La discografía de "Lamb" hasta ahora es:

  • 1996    Lamb  
  • 1999    Fear of Fours             
  • 2001    What Sound              
  • 2003    Between Darkness and Wonder                   
  • 2004    Back to Mine             
  • 2011    Live at Koko  (un directo)    
  • 2011    5         
  • 2014    Backspace Unwind   
  • 2019    The Secret of Letting Go

Para mi su primer disco homónimo es el mejor del dúo.

ALBUM: Lamb


El álbum debut de estudio fue publicado el 30 de septiembre de 1996. Un excelente comienzo para una ilustre carrera para este dúo.

En su momento de salida, la escena de la música electrónica estaba en ebullición con la llegada del Trip-Hop abanderado por "Portishead", y Lamb exploró nuevos territorios en este álbum debut homónimo.

El dúo ofrece una influencia techno más fuerte, incorporando los ritmos de "jungle" y el "drum'n'bass" en su música, y con una cortina oscura de electrónica modernista llena de melodía. La mayor parte del álbum se basa en canciones de estilo jazz que se rompen con los sintetizadores y el sampler de Andy Barlow y están ancladas por la voz seductora de Louise Rhodes, que le da a la electrónica una calidez humana.

LAMB - Lamb - Álbum (1996)

El álbum abre con la canción atmosférica y etérea "Lusty", que señala muy bien el resto del álbum. Las inquietantes voces de Rhodes, que están superpuestas y en bucle, se combinan a la perfección con los intrincados ritmos y la producción de Barlow. Una de las canciones más destacadas del álbum es "Gorecki", mi favorita, una balada de construcción lenta con sonidos orientales que presenta la voz emotiva de Rhodes sobre un exuberante arreglo de cuerdas. La canción va in crescendo cuando Rhodes repite el coro: "Si muriera en este mismo momento, no tendría miedo". Muy bonito, pongo el video más abajo.

Es una música urbana sofisticada, que todavía se escucha en los cafés más cool y en los clubs chill-out de todo el mundo. Una colección muy elegante, independiente y sofisticada de 11 cortes, con "Cotton Wool", otro gran tema, remezclada por "Fila Brazillian".

En general, "Lamb" es un elegante álbum debut que muestra el enfoque innovador del dúo hacia la música electrónica. La mezcla del álbum de sonidos electrónicos, trip-hop y con influencias de jazz, junto con la inquietante voz de Lou Rhodes, crean una experiencia verdaderamente cautivadora. Imprescindible para los amantes de la electrónica, el trip hop y la música experimental.

Un disco recomendado. Es una obra de trip hop hipnótica, en la línea de trabajos de Massive Attack, Portishead, Roni Size …etc. ¿Por qué "Lamb" no es más conocido es un misterio?

Video del tema "Gorecki":

Tracklist:

1.         "Lusty"           4:09
2.         "God Bless"    5:54
3.         "Cotton Wool"           5:07
4.         "Trans Fatty Acid"     7:37
5.         "Zero" 5:31
6.         "Merge"          5:44
7.         "Gold" 5:40
8.         "Closer"          3:51
9.         "Gorecki"        6:30
10.       "Feela" 6:44
11.       "Cotton Wool" (Fila Brazillia mix)    8:27


Músicos - Lamb:

  • Andy Barlow
  • Lou Rhodes

Músicos adicionales:

  •  The Chainsaw Sisters - violonchelo
  • Steve Christian – guitarra
  • Graham Massey (de 808 State) - vibráfono
  • Paddy Steer - contrabajo
  • Jon Thorne – contrabajo

Producción:

  • Ian Cooper - masterización
  • Fila Brazillia - remezcla en "Cotton Wool" (mix de Fila Brazillia)
  • Lamb - producción, grabación
  • Aidan Love - mezclando en "Gold"
  • Ali Staton - mezcla, grabación adicional.

BLUR - Parklife

ALBUM: Parklife


El tercer álbum de estudio de la banda inglesa de rock "Blur" publicado el 25 de abril de 1994. Este disco estableció a Blur como "reyes del Britpop", con la ayuda de cuatro singles de éxito: "Girls & Boys", "End of a Century", "Parklife" y "To the End".

Certificado 4 x platino en el Reino Unido, en el año siguiente a su lanzamiento, el álbum llegó a definir la escena "Britpop" emergente. También significó el inicio de la competencia generada por los medios de prensa musical con sus contemporáneos "Oasis", cuyo álbum "Definitely Maybe" iba a ser la otra gran referencia del "Britpop".

BLUR - Parklife - Album

El mencionado movimiento emergente de "Britpop" pasaría a formar la columna vertebral del movimiento más amplio "Cool Britannia". Por lo tanto, "Parklife" ha alcanzado un significado cultural más allá de sus grandes ventas y elogios de la crítica, consolidando su estatus como un hito en la música rock británica. En 2010, Parklife fue una de las diez portadas de álbumes clásicos de artistas británicos conmemorados en un sello postal del Reino Unido emitido por "Royal Mail", un privilegio otorgado a unos pocos.

Un honor merecido por cierto, "Parklife" destaca una transformación para "Blur" como grupo de rock. Este disco recorre toda la historia de la post-invasión británica (desde los años finales de los 60) y el "Britpop" a lo largo de sus 16 canciones, tocando los estilos musicales de psicodelia, new wave, synth pop, disco, punk y ska.

En entrevistas de prensa del día, el líder y cantante Damon Albarn menciona que las canciones describen la vida británica a mediados de los 90 (siglo XX). Funcionó, la hedonista "Girls & Boys" y la canción "Parklife" se convirtieron en himnos en el Reino Unido e inauguraron una nueva era de pop y "lad culture", donde la juventud británica celebró su país y sus tradiciones. Además, "Parklife" encendió una legión de bandas melódicas y jangle que siguieron su estela (algunos ejemplos populares son Suede y Pulp, por mencionar solo dos).

Banda británica BLUR

La composición es de primer nivel junto con la producción; efectos de sonido innovadores y líneas de guitarra brillantes saltan a lo largo de este disco con las melodías elegantemente entrelazadas con los acordes; por ejemplo con "Badhead". La canción "End of a Century" es Albarn en su mejor momento, inteligente e ingenioso junto con el melancólico tributo a los Walker Brothers en "To the End" y el cierre épico "This Is a Low". En general, "Parklife" se nutre de ser un gran trabajo de grandes melodías, frases ingeniosas, de ironía e historias divertidas y extrañas (mucha imaginación). Además, quizás el adhesivo más importante a lo largo de este álbum es la maestría musical de la banda que está en su mejor nivel, solo escucha la guitarra y las secciones rítmicas.

Un disco recomendado, una montaña rusa de estilos musicales donde las canciones son todas entretenidas, cosa rara en estos días. En pocas palabras, una obra maestra de la música pop, ya sea "Britpop". Una pieza fundamental del rock británico de mediados de los años 90 del Siglo XX (obra atemporal). 

Video del tema "Girls & Boys":

Tracklist: 

1.         "Girls & Boys"           4:50
2.         "Tracy Jacks"  4:20
3.         "End of a Century"    2:46
4.         "Parklife" (con Phil Daniels)     3:05
5.         "Bank Holiday"          1:42
6.         "Badhead"      3:25
7.         "The Debt Collector" (instrumental)  2:10
8.         "Far Out"        1:41
9.         "To the End"   4:05
10.       "London Loves"         4:15
11.       "Trouble in the Message Centre"       4:09
12.       "Clover Over Dover"  3:22
13.       "Magic America"        3:38
14.       "Jubilee"          2:48
15.       "This Is a Low"          5:07
16.       "Lot 105" (instrumental)        1:17

Banda:

  • Damon Albarn: voz principal y coros, piano, órgano Hammond, sintetizador Moog, melódica, vibráfono, grabadora, programación, clavecín, sintetizador de cuerdas 
  • Graham Coxon - guitarras eléctricas y acústicas, coros, clarinete, saxofón, percusión
  • Alex James - bajo, voz en "Far Out", ruido de la multitud
  • Dave Rowntree: batería, percusión, programación, ruido de público

LOSCIL - Monument Builders - Album

Loscil (Música electrónica)

 
Un proyecto de música electrónica y ambient del canadiense Scott Morgan. Morgan lanzó el proyecto en 1998 cuando era miembro del colectivo multimedia "Multiplex", que organizaba eventos audiovisuales en un cine "underground" llamado "The Blinding Light". 

El nombre artístico "Loscil" se toma de la función de "oscilador de bucle" (loscil) en Csound. Morgan también fue baterista de la banda independiente "Destroyer".

La música de "Loscil" se sitúa dentro de los géneros electrónica, ambient techno y experimental. También se puede colocar dentro de la categoría más amplia de "Intelligent Dance Music" (IDM).

Loscil (Scott Morgan)

Un creador prolífico, Morgan tiene una larga lista de lanzamientos que le dan profundidad y variación a su hasta ahora discografía:

  •  1999 A New Demonstration of Thermodynamic Tendencies
  • 2001 Triple Point
  • 2002 Submers
  • 2004 First Narrows
  • 2006 Plume
  • 2010 Endless Falls
  • 2011 Coast / Range / Arc
  • 2012 Sketches From New Brighton
  • 2013 Erebus
  • 2014 Sea Island
  • 2016 Monument Builders
  • 2019 Equivalents
  • 2019 Lifelike
  • 2020 Faults, Coasts, Lines
  • 2020 Adrift
  • 2021 Clara
  • 2022 The Sails

Esta lista es de álbumes de estudio, Morgan también tiene una lista notable de EPs, colaboraciones y música para películas.

ALBUM: Monument Builders

 
Trabajo de estudio #11 y publicado en 2016. Scott Morgan grabó "Monument Builders" durante un período difícil personal, y se nota. Este trabajo tiene una sensación de tristeza y, a veces, es oscuro. Monument Builders' está en parte inspirado en "Koyaanisqatsi" (una frase de los indios "Hopi" que significa "vida desequilibrada"), el conocido documental sobre la naturaleza con la icónica partitura de Philip Glass fusionada con sus impactantes imágenes.

Este disco consta de siete temas, todas los cuales se caracterizan por la mezcla característica de Morgan de texturas electrónicas brillantes, melodías sutiles y ritmos suaves.

ALBUM: "Monument Builders" de LOSCIL

La pista de apertura, "Drained Lake", establece el tono del álbum con sus texturas escasas y etéreas y su línea de bajo pulsante. Sigue "Red Tide" e introduce un elemento más melódico en el álbum con sus arpegios hipnóticos y pads inquietantes. La canción principal, "Monument Builders", es quizás el momento destacado del álbum, con su intrincada interacción de ritmos pulsantes, líneas de bajo distorsionadas y sintetizadores cálidos y envolventes. La pista se basa en un patrón simple y repetitivo que cambia y evoluciona gradualmente a lo largo de su tiempo de ejecución, creando una sensación de impulso hipnótico que atrae al oyente más profundamente a su mundo sonoro ricamente texturizado.

Otros momentos destacados incluyen "Straw Dogs", que combina ritmos erráticos con pads ricas e hinchadas para crear una sensación de tensión inquietante, y "Anthropocene", que presenta una línea de bajo profunda y melancólica y una percusión veloz, superpuesta con delicadas melodías de otro mundo.

A lo largo del álbum, la habilidad de Morgan como compositor y diseñador de sonido es evidente en la forma en que entreteje diferentes elementos para crear un paisaje sonoro coherente e inmersivo. Desde las melodías inquietantemente hermosas hasta los ritmos palpitantes y los efectos de sonido defectuosos, cada elemento del álbum se siente cuidadosamente elaborado y cuidadosamente arreglado. "Monument Builders" es un recordatorio de que la música ambient es un buen conducto para mensajes con carga emocional y política, y es uno de los mejores trabajos de Morgan hasta el momento. 

Disco recomendado. Un buen álbum que muestra el dominio de Loscil de los géneros ambient y electrónicos. Una experiencia auditiva muy gratificante que recompensa las escuchas repetidas y la atención cuidadosa a los detalles. Muy recomendable para los amantes de la música ambient y experimental.

Video del tema "Red Tide":


Tracklist:

1          Drained Lake 06:46             
2          Red Tide 05:25                     
3          Monument Builders 04:43   
4          Straw Dogs 04:57     
5          Deceiver 04:41                     
6          Anthropocene 04:39       
7          Weeds 06:29      

SUPERGRASS - I Should Coco - Album

Supergrass (Grupo de Rock)


Banda de rock inglesa formada en 1993 en Oxford. La mayor parte del tiempo, la formación estuvo formada por los hermanos Gaz (voz y guitarra) y Rob Coombes (teclados), Mick Quinn (bajo) y Danny Goffey (batería). Originalmente un trío, Rob Coombes se unió oficialmente a la banda en 2002.

Supergrass (Grupo de Rock)

La discografía de la banda:

  • I Should Coco (1995)
  • In It for the Money (1997)
  • Supergrass (1999)
  • Life on Other Planets (2002)
  • Road to Rouen (2005)
  • Diamond Hoo Ha (2008)

El 12 de abril de 2010, la banda anunció que se separarían, pero se reformaron en 2019 con apariciones aún en curso, por esporádicas que sean. Gaz Coombes es el más visible musicalmente gestionando una carrera en solitario productiva y exitosa.

ALBUM: I Should Coco

 
Es el álbum debut de estudio publicado el 15 de mayo de 1995 y producido por Sam Williams. El título del álbum es una jerga del "cockney" para "Debería pensarlo". En el apogeo de la era Britpop, el álbum se convirtió en el lanzamiento más exitoso de la banda cuando alcanzó el #1 en la lista de álbumes del Reino Unido y, posteriormente, obtuvo el estatus de platino, vendiendo más de un millón de copias en todo el mundo y 500.000 en el Reino Unido. Este álbum presenta una divertida mezcla de punk, rock psicodélico y pop, con un espíritu juvenil y enérgico que captura la esencia de los jóvenes de mediados de los 90.

SUPERGRASS - I Should Coco - Album

Desgarrando a una velocidad vertiginosa, este LP es muy ecléctico. Siendo tan jóvenes sorprende lo bien que tomaron de las bandas que fueron sus principales influencias musicales como Buzzcocks, The Jam, Madness, Blur, David Bowie y The Kinks. Supergrass tomó toda esta música contemporánea y la mezcló con las melodías rápidas, de tres acordes, basadas en la guitarra y pegadizas características del pop punk para producir un sonido único y diferente para la época.

En consecuencia, temas como "Caught by the Fuzz" golpea tranquilamente junto con "Mansize Rooster", la psicodelia de "Sofa (Of My Lethargy)", el heavy "Lenny" y un himno adolescente como "Alright". Este álbum también representa el sonido de los adolescentes, pero interpretado con una versatilidad musical y una madurez que hace que la energía exuberante funcione más para engancharte. Hay tantas vibraciones maravillosas recorriendo el LP que es divertido de escuchar.

Algunas canciones para destacadas: "Caught By The Fuzz", "Alright", "Lose It", "Lenny" y "Strange Ones". 

Disco recomendado. Un clásico creativo y enérgico del britpop que todavía suena de actualidad. Un sólido debut que captura el espíritu juvenil de mediados de los 90. La capacidad de Supergrass para mezclar diferentes géneros y crear melodías pegadizas hace que esta sea una fiesta de principio a fin. Por último, un buen punto de partida para cualquier melómano que quiera investigar a "Supergrass".

Video del Tema "Lose It":

Tracklist 

1.         "I'd Like to Know"    4:02
2.         "Caught by the Fuzz" 2:16
3.         "Mansize Rooster"      2:34
4.         "Alright"                     3:01
5.         "Lose It"                     2:37
6.         "Lenny"                      2:42
7.         "Strange Ones"          4:19
8.         "Sitting Up Straight"  2:20
9.         "She's So Loose"        2:59
10.       "We're Not Supposed To"      2:03
11.       "Time"                        3:10
12.       "Sofa (of My Lethargy)"        6:18
13.       "Time to Go"   1:56