METALLICA - Master of Puppets - Album

Este álbum ha vuelto ser relevante y muy popular 36 años después de su lanzamiento siendo redescubierto por una nueva generación de jóvenes-adultos después de que uno de sus temas, "Master of Puppets", apareciera en la serie de televisión "Stranger Things" - temporada cuarto y su último episodio. La escena en la que el personaje "Eddie Munson" interpreta un trozo (solo de guitarra incluido) en el "inframundo" para distraer a los murciélagos asesinos voladores de sus amigos fue vista por millones y millones en los Estados Unidos y mucho más en todo el mundo. Esto ha despertado tanto interés que el álbum que está de nuevo en alta rotación en las plataformas de música digitales, y le ha dado a METALLICA una longevidad alimentada a través de un nuevo ejército de fans que ignoraban su existencia. Ahora activará un nuevo consumo e interés en sus otros álbumes y asegurará audiencias y ventas en próximos conciertos y giras. 

Hablo de... 

ALBUM: Master of Puppets

Es el tercer álbum de estudio publicado el 3 de marzo de 1986. Grabado en Dinamarca en "Sweet Silence Studios" con el productor Flemming Rasmussen, fue el último álbum de la banda en presentar al bajista Cliff Burton, quien murió en un accidente de autobús en Suecia durante la gira promocional. También fue un gran éxito, alcanzando el Top 30 y vendiendo tres millones de copias a pesar de que la radiodifusión era absolutamente inexistente. Los críticos han calificado a "Master of Puppets" como el mejor álbum de thrash-heavy metal jamás grabado; si no lo es, ciertamente se acerca - yo considero "Paranoid" de Black Sabbath mejor. En 2015, "Master of Puppets" se convirtió en la primera grabación de música metal seleccionada por la "Biblioteca del Congreso" para su conservación en el "Registro Nacional de Grabaciones" por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa".

Por lo tanto, es el mayor logro de la banda hasta la fecha, aclamado como una obra maestra incluso por quienes están fuera de los círculos del heavy metal. En comparación con sus trabajos anteriores, "Master of Puppets" suena más unificado, tanto temática como musicalmente. Da la impresión de ser de proporciones épicas (las canciones son mucho más largas en promedio) y la formación parece sentirse más en control de su dirección. La banda reina triunfante por la pura fuerza del sonido, la musicalidad y de "la malicia". Los arreglos son gruesos y musculosos, y el material varía lo suficiente en textura y tempo para mantener el interés a través de todos sus giros y vueltas.

Las canciones exploran temas como el control y el abuso de poder. La letra describe las consecuencias de la alienación, la opresión y los sentimientos de impotencia. Las composiciones y los arreglos se beneficiaron del entrenamiento clásico y la comprensión de la armonía del bajista Cliff Burton (el ejemplo es "Orion"). Dicho esto, todos los miembros son de primera clase, ya sea en el duelo de guitarras de James Hetfield y Kirk Hammett en la canción principal, o en la percusión maníaca de Lars Ulrich en "Battery". Por supuesto, la instrumentación experta necesita ganchos que la soporten, y "Master of Puppets" tiene esos ganchos. El "metal" es explosivo, impactante con una ejecución ultrarrápida y lo suficientemente pegadiza como para cantar. De hecho, es sorprendente cuánto de "melódico" es "Master of Puppets", ya que Metallica se empujó a sí mismos a nuevos niveles con secciones instrumentales largas y entretejidas dispersas a lo largo de las ocho canciones.

La canción principal, "Master of Puppets", es desconcertante con letras llenas sobre el control de las drogas sobre el individuo con un terror adictivo de "sonido mental". Prácticamente todas las canciones de este disco tocan sobre la locura, ya sea a través de la enfermedad mental ("Welcome Home-Sanitarium"), la guerra ("Disposable Heroes"), la religión ("Leper Messiah"), el propio estilo heavy metal ("Battery") e incluso sobre Cthulhu - una entidad cósmica ficticia creada por el escritor H. P. Lovecraft- en "The Thing that Should Not Be".

Un disco recomendado. En pocas palabras, es brutal, agresivo, implacable y con un speed metal bellamente creado que establece el estándar para todas las bandas posteriores del género. Es la obra magna de Metallica, una piedra angular del heavy metal, un clásico atemporal y un gran álbum.

El hecho de que millones de personas hayan redescubierto "Monster of Puppets", y que ahora sean nuevos fans me devuelve la esperanza perdida en los gustos musicales modernos de nuestra juventud. Solo sirve para demostrar que lo que es bueno siempre será bueno. Un álbum imprescindible para cualquiera, incluso si no te gusta el heavy metal.

Video del tema "Master of Puppets":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1. "Battery" - 5:13
2. "Master of Puppets" - 8:36
3. "The Thing That Should Not Be" - 6:36
4. "Welcome Home (Sanitarium)" - 6:27

Cara B:

5. "Disposable Heroes" - 8:17
6. "Leper Messiah" - 5:40
7. "Orion" (instrumental) - 8:27
8. "Damage, Inc." - 5:32

JUST MUSTARD - Heart Under - Album

JUST MUSTARD (Banda)

Grupo de rock liderado por Katie Ball, el quinteto irlandés fusiona elementos del post-rock, el shoegaze y el dream pop, creando sonidos innovadores y melancólicos que oscilan entre la discordancia y la eternidad.

Originalmente se formaron como cuarteto en Dundalk, en 2015 cuando Katie Ball comenzó a escribir música con personas del mismo círculo de amigos: el bajista Rob Clarke y los guitarristas David Noonan y Mete Kalyon. La sección rítmica se completó a principios de 2017, cuando Shane McGuire se unió a la mitad de las sesiones para su álbum debut, "Wednesday" (2018).

ALBUM: Heart Under

 
El segundo álbum fue publicado el 27 de mayo de 2022. El disco se sumerge en la oscuridad en una brillante textura. Además, hay guitarras post-punk arrolladoras y ásperas, voces etéreas de dream pop y baterías de estilo industrial y líneas de bajo que pulverizan.

A lo largo de las 10 canciones, el álbum presenta guitarras cortantes y la voz mágica de Katie Ball. Encontrarás canciones de rock atmosférico ("Still" y "In Shade") y otras que aplican un sonido dream pop más ligero ("Sore" y "Mirrors"), todo unido con una instrumentación impecable. Las frases (letras) se repiten una y otra vez a través del disco. La naturaleza repetitiva de la letra de cada canción se presenta como un mantra, como una afirmación de agencia, más que meras narrativas.

En general, la propuesta "shoegazing" es muy oscura, ya que la música toma notas del post-punk de los 80, el rock gótico y el noise rock. "Heart Under" no es un "game changer", pero lo compensa con sus atmósferas y la voz femenina que inducen la piel de gallina. Toda la atmósfera espeluznante e intensa. Las voces transmiten ese toque dulce pero inquietante mientras la banda "asusta" poniéndote los pelos de punta.

El disco también es técnicamente muy bueno y artísticamente potente, la tormenta perfecta de ambición y capacidad musical que permite a la banda hacer llover ácido al mundo, con cada sentimiento de ira, desconfianza y muerte del ego cobrando vida en una turbia trinchera de sonidos.

Disco recomendado. Es un álbum que sin duda se destaca de lo lanzado en lo que va del 2022. Me tomó gratamente por sorpresa. Una mezcla oscura de shoegaze e industrial, abrasiva pero melódica. Empuja al oyente hasta el límite, pero nunca sobrepasando el borde. Obra musical llamativa y escalofriante.

Video del tema "I Am You":

Tracklist:

1. 23 - 4:53
2. Still - 4:05
3. I Am You - 3:50
4. Seed - 4:48
5. Blue Chalk - 5:01
6. Early - 3:49
7. Sore - 4:24
8. Mirrors - 4:17
9. In Shade - 4:38
10.Rivers - 5:27

ERIC B & RAKIM - Follow The Leader

ALBUM: Follow the Leader

El segundo álbum de estudio fue publicado el 25 de julio de 1988. Producido y grabado en "Power Play Studios" en la ciudad de Nueva York, "Follow The Leader" contó con contribuciones musicales del hermano de Rakim, "Stevie Blass Griffin", quien tocó una variedad de instrumentos en el disco. Eric B. y Rakim trabajaron con los ingenieros de audio Carlton Batts y Patrick Adams en el álbum y, de manera similar a su primer álbum, "Paid in Full", se contrató a un "productor fantasma" (The 45 King) para dos canciones.

"Follow The Leader" comienza donde lo dejó su obra maestra y debut "Paid In Full", asegurando que "Eric B & Rakim" dominarán el hip-hop en los años 80. La habilidad de rapear de Rakim está muy por delante de cualquiera de su tiempo, y hay más de él aquí que en "Paid in Full". El álbum también contiene una producción cada vez más compleja por parte de Eric B., quien compone temas llenas de "samples" que soportan maravillosamente los ataques verbales de Rakim. Líricamente, la presencia de Rakim en "Follow The Leader" representa una evolución significativa. Perfeccionando su talento para crear una rima interna convincente dentro de cada línea, Rakim duplicó tanto la velocidad de su entrega como el contenido en sí. Solo una nota más por mi parte, para los fans del hip hop moderno, Rakim no usa "lenguaje obsceno" en su trabajo, ni usa directamente la violencia de los gánsteres o insinuaciones sobre el uso de drogas para poner su rap en contexto. El hombre es un poeta urbano.

Por esto, Rakim fue coronado por muchos como el mejor MC de todos los tiempos. La apertura del álbum es una de sus exhibiciones líricas más ágiles y animadas, lo que demuestra por qué sigue siendo una inspiración para tantos MC hoy. "Lyrics of Fury" se las arregla para superarlo en términos de pura fuerza, utilizando la pausa de "Funky Drummer" de James Brown antes de que saturara las ondas de radio. Y, por supuesto, hay varias obras más del tocadiscos de Eric B. a lo largo de todo el álbum. "Follow the Leader" no abre nuevos caminos, pero captura uno de los mejores conjuntos de puro hip-hop en la cima, y eso es suficiente para hacer de este álbum un clásico.

Un disco recomendado. Una obra que sería un pilar de géneros futuros y subyacentes como el hip hop alternativo, industrial y abstracto. Creo que este álbum no es tan bueno como su predecesor, pero su predecesor fue uno de los mejores álbumes de hip-hop de todos los tiempos. Dicho esto, este ya es un auténtico clásico del hip hop, quizás uno de los grandes referentes de la época de la "vieja escuela". Además, es una clase magistral de rap y flow de uno de los mejores MC, si no el mejor del hip hop.

Video del tema "Follow The Leader":

Tracklist:

1.         "Follow the Leader"   5:36
2.         "Microphone Fiend"   5:17
3.         "Lyrics of Fury"         4:15
4.         "Eric B. Never Scared"          5:21
5.         "Just a Beat"   2:07
6.         "Put Your Hands Together"   5:15
7.         "To the Listeners"       4:32
8.         "No Competition"      3:52
9.         "The R"           3:55
10.       "Musical Massacre"    4:29
11.       "Beats for the Listeners"  4:08

PORTISHEAD - Dummy - Album

ALBUM: Dummy

Debut de la banda inglesa Portishead publicado el 22 de agosto de 1994. A veces, surge algo que es a la vez totalmente inesperado y completamente único, "Dummy" fue uno de esos discos. Para los fans de la música urbana (rap y hip-hop), esta obra tiene ritmos-beats de hip hop que podrían rivalizar con Wu-Tang Clan, Nas, DJ Shadow e incluso J Dilla. Ya sé, palabras mayores.

Pero es un álbum mucho más profundo. Es un trabajo muy creativo e innovador al que se le atribuye ser una de las principales referencias del género "trip-hop". Tanto es así, que también es una obra de pura genialidad. Geoff Barrow es casi como un "profesor loco" que inventa, descubre "samples" y mezcla música para crear una nueva "criatura". El fan de la música y de la técnica quedará completamente asombrado con este increíble álbum.

La producción del álbum utiliza una serie de técnicas de hip-hop; el sampling, scratching y creación de bucles. El álbum no fue grabado digitalmente. Portishead sampleo música de otros discos, pero también grabó su propia música original que luego se grabó en discos de vinilo antes de manipularlos en las cubiertas de grabación para samplear. Para crear un "sonido vintage", Geoff Barrow ha dicho que envejecieron los discos de vinilo que habían grabado "poniéndolos en el suelo del estudio, caminando sobre ellos y usándolos como una patineta"; también grabaron el sonido a través de un amplificador roto. Para la canción "Sour Times", el álbum samplea "The Danube Incident" de Lalo Schifrin y "Spin It Jig" de Smokey Brooks (Henry Brooks, Otis Turner); para "Strangers", "Elegant People" de Weather Report (Wayne Shorter); para "Wandering Star", "Magic Mountain" de War; para "Biscuit", "I'll Never Fall in Love Again" de Johnnie Ray (no la canción de Bacharach-David); y para "Glory Box", "Ike's Rap II" de Isaac Hayes.

En general, es un debut brillante, un "game changer" que te recuerda a una banda sonora cinematográfica con ritmos oscuros y con una vocalista (Beth Gibbons) en el molde de "Ella Fitzgerald". La voz suave y sensual de Beth Gibbons es lo que hace que este álbum sea lo que es, diferente. Su suave voz y los exuberantes ritmos electrónicos van de la mano y funcionan en pura armonía.

No olvidemos al guitarrista Adrian Utley. Sus atmósferas escalofriantes evocadas por su excelente trabajo con la guitarra - un músico excepcional educado en jazz - se suma al trabajo de los tocadiscos y teclados de Geoff Barrow para proporcionar el telón de fondo perfecto para Beth Gibbons. Es una poderosa experiencia auditiva musical y emocional que con reproducciones repetidas no diluirá su potencia. Cada detalle del álbum se combina para crear una experiencia verdaderamente inmersiva, y el oyente siempre quedará fascinado por sus encantos hipnóticos. Solo para subrayar nuevamente, la maestría musical es absolutamente excepcional.

Dicho esto, sin embargo, tenga "cuidado", es uno de los álbumes más oscuros y quizás más tristes que encontrará. Pero para aquellos preparados para ello, es una experiencia única que seguramente se convertirá en una de las favoritas de tu colección.

Mientras que otras formaciones de trip-hop contemporáneos como "Massive Attack" atrajeron a los fans del "dance" convencional, Portishead pasó a una audiencia alternativa, conectando con la legión existente de fans independientes. "Dummy" logró fusionar las producciones del mundo del "dance" con detalles pop como una gran composición y excelentes interpretaciones vocales. En general, con "Dummy", los ritmos son geniales, el estado de ánimo impresiona, los samples basados en jazz son sobresalientes y el uso del scratching es fantástico. Todo es suave y fluye. No puedes pedir más.

Aquí hay algunas selecciones de canciones que realmente molan: "Mysterons", "Sour Times", "Strangers", "Wandering Star," "Numb", "Biscuit" and "Glory Box"...pero en general es un disco muy sólido.

Disco recomendado

Este álbum es un género en sí mismo. Es hermoso, lleno de desesperación y emoción. "Dummy" te exigirá que te tomes el tiempo y le prestes la atención que se merece. Al principio te sientas y dejas que los ritmos te relajen mientras los canturreos hiper emocionales de Beth Gibbons proporcionan una catarsis pasiva. Sin embargo, a medida que el disco crece en ti, la experiencia auditiva se vuelve progresivamente más activa, inmersiva, hipnótica y adictiva. En conclusión, una obra maestra del Trip-hop y de la música electrónica.

Video del tema "Strangers":

Tracklist:

1.         "Mysterons"    5:02
2.         "Sour Times"   4:14
3.         "Strangers"      3:55
4.         "It Could Be Sweet"  4:16
5.         "Wandering Star"       4:51
6.         "It's a Fire" (no esta en el LP de vinilo, ni en las versiones originales de los lanzamientos para UK & Europa)           3:48
7.         "Numb"                   3:54
8.         "Roads"                   5:02
9.         "Pedestal"       3:39
10.       "Biscuit"         5:01
11.       "Glory Box"    5:05

Samples:

• Johnnie Ray – sample de "I'll Never Fall in Love Again" en "Biscuit"
• Isaac Hayes – sample de "Ike's Rap II" en "Glory Box"
• Lalo Schifrin – sample de "The Danube Incident" en "Sour Times"
• Smokey Brooks – sample de "Spin It Jig" on "Sour Times"
• Weather Report – sample de "Elegant People" en "Strangers"
• War – samples d "Magic Mountain" en "Wandering Star"

Créditos:

• Adrián Utley - theremin, órgano Hammond, bajo, guitarra, arreglos de cuerdas, productor,
• Beth gibbons - voz,
• Geoff Barrow - arreglos de cuerdas, batería, rhodes piano, Dj y programación,
• David McDonald - flauta e ingeniero

CIRCLE - Prospekt - Album

Quiero llamar tu atención sobre una interesante banda de Finlandia llamada CIRCLE. Son un grupo de rock experimental formado en Pori en 1992 por el bajista y cantante Jussi Lehtisalo, el único miembro que ha estado en la banda a lo largo de su carrera. Su estilo ecléctico en constante cambio se ha asociado con géneros como el krautrock, el heavy metal, el progresivo y el rock.

Son muy productivos, han grabado y publicado más de 20 álbumes. La lista es demasiado larga para resaltar aquí, pero puede consultarla en Internet. Muchos son buenos trabajos, pero he elegido un disco en particular que me parece entretenido y que escucho a menudo para relajarme. El lanzamiento de 2000, titulado "Prospekt".

ALBUM: Prospekt

Es el noveno álbum de la banda finlandesa Circle, publicado originalmente en 2000. Los ritmos sin parar, los golpes, los sonidos circulares y las improvisaciones se tocan hasta el agotamiento con el órgano y el violín, lo que agrega una calidad minimalista que pone al oyente en un estado de trance. 

El álbum tiene un estilo "krautrock" en general que muestra una fuerte influencia tanto de las bandas "Can" como de "Neu!". Basándose en gran medida en largas improvisaciones centradas en un solo riff o progresión de acordes, las canciones tienen un sonido expansivo de rock progresivo, a menudo superando los diez minutos, como los ejemplos de "Aarre" y "Eripwre".

Las seis canciones están bien arregladas y suenan trabajadas y completas. Lo interesante de "Prospekt" es la paciencia meditativa de la banda. Algunos podrían considerar que una canción de diez minutos con un solo riff es aburrida, pero "Circle" han elaborado muy bien las canciones: Circle toca un riff durante tanto tiempo que el oyente queda en un estado hipnótico, y luego la banda varía ligeramente el tema (melodía). De hecho, es la razón por la que disfruto de este disco, me pone en una especie de estado meditativo tranquilo. Solo deja que el bajo golpeando y las guitarras repetitivas te dominen, encontrarás que es una experiencia increíblemente inmersiva.

"Circle" han experimentado cambios de formación a lo largo de su carrera, y la formación para este álbum es inusual (atrevida) con dos baterías, dos guitarras, un teclado, un bajo y, sorprendentemente, un violín. Admiro el aventurerismo sónico y los giros instrumentales creativos particularmente con la canción final del álbum, "Eripwre", y el piano eléctrico jazzístico - el órgano Hammond. Muy cool!

En resumen, un disco recomendado. "Prospekt" es para mí uno de los mejores discos de estos finlandeses. Es una obra épica. Búscalo en los canales musicales online habituales y escúchalo. Te sorprenderá.

Video del tema "Dedofiktion":

Tracklist:

01."Dedofiktion" (8:22)
02."Gericht" (6:45)
03."Stimulance" (6:53)
04."Varhain" (6:55)
05."Aarre" (10:17)
06."Eripwre" (10:33)

Músicos:

- Teemu Elo - guitarras
- Jyrki Laiho - guitarra
- Jussi Lehtisalo - bajo
- Tomi Leppänen - batería
- Teemu Niemelä - teclado
- Janne Peltomäki - batería
- Mika Rättö - teclados, voz
- Pike Kontkanen - violín

THE POLICE - Synchronicity - Album

ALBUM: Synchronicity

El quinto y último álbum de estudio de la banda británica "The Police", publicado el 17 de junio de 1983, y también es el disco de mayor éxito comercial de la banda. El título del álbum y gran parte del material de las canciones se inspiraron en el libro de Arthur Koestler "The Roots of Coincidence" (un libro sobre teorías de parapsicología, incluida la percepción extrasensorial y la psicoquinesia). En el momento de su lanzamiento y después de la gira mundial, la popularidad de "The Police" era tan alta que podría decirse que eran la "banda más grande del mundo".

"Synchronicity" alcanzan el #1 tanto en la lista de álbumes del Reino Unido como en el Billboard 200 de EE. UU., y vendió más de 8 millones de copias en EE. UU. El álbum fue ampliamente aclamado por la crítica. El elogio se centra en su función cohesiva de géneros dispares.

Definitivamente es más pop y experimental. "Synchronicity" es la culminación de todo lo que "The Police" vio, probó y aprendió en sus primeros cuatro discos, fusionando la energía del reggae y el punk de sus primeros dos álbumes con el subsiguiente arte pop de new wave y comentarios sociopolíticos del tercero y cuarto.

Con pocas excepciones ("Mother" es un mal tema), la mayoría de las canciones de este álbum ahora son clásicos. La canción más famosa y el gran éxito comercial, "Every Breath You Take", tiene un ritmo seductor y ondulante que enmascara su maldad, mientras que "King of Pain" y "Wrapped Around Your Finger" son sencillos maravillosos del new wave junto con "Tea in the Sahara" que es hipnótico. Este disco es sin duda el trabajo más innovador y vanguardista de la banda.

Sumado a esto, los tres músicos suenan formidables en lo que hacen, de forma independiente y en conjunto. Sting se exige al límite, cantando todo tipo de música y su rango vocal es excelente. Desde los gritos y el canto de pop y jazz, Sting realmente se destaca como el principal líder. El guitarrista Andy Summers es casi perfecto. Produce riffs crujientes, crea paisajes sonoros de fondo y también toca fantásticos solos. Stewart Copeland está en plena forma, mantiene el ritmo, mostrando el excepcional baterista que es, siempre haciendo que su batería hable y que las canciones se muevan, vibren o exploten.

Curiosamente, este disco suena estructuralmente como dos EPs: uno lleno de canciones pop de primer nivel (cara B) y otro un ejercicio de autocomplacencia (cara A). Si bien los éxitos se encuentran entre los mejores de Sting, también nos dan los primeros indicios de que estaba listo para dejar atrás "The Police" por una carrera en solitario; que es exactamente lo que hizo dos años después. "Reggatta de Blanc" fue quizás el disco de Copeland, este está todo dominado por Sting. Es sorprendente que una banda tan dividida en ese momento pudiera producir un disco de este calibre, pero afortunadamente Steward Copeland y Andy Summers siguieron siendo profesionales y perseveraron con la creación de lo que aparentemente, como se mencionó, es un solo álbum de facto de "Sting".

Algunas canciones destacadas son: "Every Breath You Take", "Synchronicity I & II", "Walking In Your Footsteps", "King of Pain" y "Tea In The Sahara". Casi 50 años después, el álbum ha envejecido bien, es muy de los años 80 - uno de los mejores álbumes de los 80 - que fácilmente encaja y suena relevante hoy.

Un disco recomendado. No es perfecto, pero es un álbum pop maravilloso. En mi opinión, no está al nivel del LP "Reggatta de Blanc", pero se ha convertido en un clásico. En retrospectiva, quizás es uno de los mejores álbumes de ruptura de una de las grandes bandas de todos los tiempos. Terminaron en plena forma, en la cima de la montaña del rock mundial.

Video del tema "Synchronicity II":

Tracklist (formato LP):

Cara A: 

1.         "Synchronicity I"        3:23
2.         "Walking in Your Footsteps" 3:36
3.         "O My God"              4:02
4.         "Mother"                     3:05
5.         "Miss Gradenko"                    2:00
6.         "Synchronicity II"      5:00 

Cara B:

7.         "Every Breath You Take"      4:13
8.         "King of Pain"                       4:59
9.         "Wrapped Around Your Finger"                  5:13
10.       "Tea in the Sahara"     4:11

*El tema "Murders by Numbers" se incluye en el formato CD.

THE JAM - Sound Affects - Album

"Pinta un retrato vívido de cómo era ser joven, frustrado, desempleado y sentirse aislado-separado de la cultura dominante e identidad nacional".

Vaya, muy heavy! Esta es una descripción que he leído de un álbum en particular grabado por una banda en particular. Necesito investigar esto más a fondo. Es algo poderoso, una gran declaración de hecho; es decir, poder capturar un momento de la historia y los sentimientos de una generación en un vinilo.

El lugar es Gran Bretaña, la banda es THE JAM y el disco es "All Mod Cons". Una obra para examinar más al fondo . Sin embargo... ¿Y si hay otro álbum de "The Jam" mejor para considerar?

Antes de descubrir más...

¿Quiénes fueron THE JAM?

Fueron una banda inglesa de revival mod - punk rock durante la década de 1970 y principios de la de 1980, que se formó en 1972. La banda lanzó 18 sencillos consecutivos Top 40 en el Reino Unido, desde su debut en 1977 hasta su ruptura en diciembre de 1982, incluyendo cuatro éxitos número uno. Su discografía incluye seis álbumes de estudio.

"The Jam" retrató la perspectiva del "joven enojado" y el ritmo rápido del movimiento punk rock británico de mediados de la década de 1970, en contraste con él, la banda vestía trajes elegantemente confeccionados que recordaban a las bandas pop inglesas de principios de la década de 1960 e incorporó el rock y la música de la década de 1960. Influencias R & B -Soul en su sonido, particularmente de "The Who", "The Kinks" y la música de "American Motown". Esto puso a la banda a la vanguardia del movimiento "Mod" de las décadas de 1970 y 1980. Con muchas de las letras de la banda sobre la clase trabajadora, "llevaron la protesta social y la autenticidad cultural a la cima de las listas" (frase del biógrafo de "The Jam", Sean Egan).

La banda recurrió a una gran variedad de influencias musicales a lo largo de su carrera, incluida la música beat de la década de 1960, el soul, el rhythm and blues y el rock psicodélico, así como el punk y la nueva ola de la década de 1970.

Paul Weller escribió y cantó la mayoría de las composiciones originales de Jam y tocó la guitarra principal. Bruce Foxton proporcionó coros y tocó el bajo y Paul Buckler fue el baterista.

¿El Mejor Álbum de "The Jam"?

Según Paul Weller en una entrevista concedida a "Quietus" (2017), el álbum "Sound Affects". Yo estaría de acuerdo.

ALBUM: Sound Affects

El quinto álbum de estudio fue publicado el 28 de noviembre de 1980. Es el único álbum de Jam co-producido por la propia banda y contiene la única pista del álbum coescrita por toda la banda, "Music for the Last Couple". Las influencias musicales destacadas en "Sound Affects" incluyen los grupos post-punk "Wire", "Gang of Four", "Joy Division" y, sorprendentemente, el pop de Michael Jackson "Off the Wall". Paul Weller admitió que el álbum "Revolver" de "The Beatles" también fue una gran influencia en gran parte del material de este álbum.

Mencionado esto, "The Jam" volvió a lo básico en este disco. Temáticamente, Paul Weller explora un enfoque más indirecto, dejando atrás las narraciones de cuentos y canciones en favor de tratos más abstractos en la espiritualidad y la percepción (derivados de sus lecturas de Blake, Shelley y Geoffrey Ash en ese momento). Musicalmente, como se dicho anteriormente, Weller se basó en el álbum "Revolver" de "The Beatles", incorporando el sonido extraño ocasional y el eco vocal, lo que implicaba psicodelia sin sucumbir a sus excesos. De principio a fin, las canciones son pop puro, muy inteligentes y contagioso. En este disco, "The Jam" se convierte en un conjunto post-punk legítimo.

La guitarra y la sección rítmica suenan más irregulares y amenazantes, mientras que la producción bajo "Vic Coppersmith-Heaven" y "The Jam" es casi perfecta, llena de sorprendentes sutilezas. El trío fusiona su arraigado mod-pop retro ("Boy About Town", "Monday", el tintineante "Man in the Corner Shop", el tema power-punk "But I'm Different Now" y el excelente "Start!" - que suena a "Taxman"), con tonos más oscuros (los silbidos cautelosos de "Set the House Ablaze" y la canción post-punk que cierra el disco "Scrape Away"). Por último, este disco contiene uno de los mejores momentos de la banda, el clásico nostálgico y agridulce "That 's Entertainment". Quizás su canción más grande y popularmente conocida.

Un disco recomendado, su magnum opus. De principio a fin, es su álbum más consistente e inventivo, lleno de canciones convincentes y fascinantes. Un álbum ganador que debe buscarse si no lo conoce (dirigido más hacia el lector más joven).

Por último, si "All Mod Cons" capturó la cultura dominante joven, frustrada, desempleada y aislada de 1978, como se indica al comienzo del post, "Sound Affects" encapsula a esa gente para hacerles avanzar hacia un nuevo período de la historia, los años 80, con todos sus "excesos musicales": las explosiones del new wave y punk.

En general, no está mal para una banda de Surrey (sureste de Inglaterra). Quizás sobrevalorado las atribuciones de su impacto histórico como declarado por críticos sobre la sociedad y la música: más apropiado solo para el contexto de Gran Bretaña. No obstante, sus canciones y su música son absolutamente maravillosas. 

Video del tema "That´s Entertainment":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1.         "Pretty Green"2:37
2.         "Monday"       3:02
3.         "But I'm Different Now"       1:52
4.         "Set the House Ablaze"         5:03
5.         "Start!"           2:33
6.         "That's Entertainment"          3:38

Cara B: 

1.         "Dream Time" 3:54
2.         "Man in the Corner Shop"      3:12
3.         "Music for the Last Couple"  3:45
4.         "Boy About Town"    2:00
5.         "Scrape Away"          3:59

HAPPY MONDAYS - Pills 'n' Thrills and Bellyaches - Album

"Nuestro éxito se debió al éxtasis: empezamos a tener sentido para todo el mundo" (Happy Mondays). 

Quizás el éxtasis también fue la razón porque miles y miles de jóvenes se hicieron fans de un grupo de chicos desempleados "semi delincuentes" de Manchester (UK), bailando sin parar por todo el mundo sus canciones. El éxtasis quizás daba sentido a lo inexplicable, incomprensible y al caos.

ALBUM: Pills 'n' Thrills and Bellyaches

El tercer álbum de estudio de "Happy Mondays", publicado el 5 de noviembre de 1990. Musicalmente, el sonido de "Pills 'n' Thrills and Bellyaches" ha sido descrito como "Madchester". Shaun Ryder escribió las letras de las canciones mientras estaba en su apartamento en Los Ángeles, alimentado por el opio. Como es conocido, las drogas fueron el combustible de la formación inglesa.

En su máximo apogeo, los "Happy Mondays" representaban puro hedonismo, una fiesta sin principio ni fin, una fiesta donde "Pills 'N' Thrills and Bellyaches" era la "Banda Sonora Original". Una excelente oferta de funky rock combinada con una composición de canciones en su manera brillante e irreverente que hacen de este un clásico.

"Pills 'N' Thrills and Bellyaches" vibra con energía, sonidos psicodélicos, ganchos y melodías bailables gracias a Dj Paul Oakenfold y Steve Osborne que reemplazaron a Martin Hannett (álbum "Bummed") en la producción con algo más suave y expansivo que es más música de "Club". The Happy Mondays eran agresivamente modernos, empujando al pop a la era del éxtasis apoyándose en el hip-hop y tomando mucho prestado (o directamente "robando") en el "sampling". Un ejemplo, el gran single del álbum, "Step On", es una versión de facto de "He's Gonna Step on You Again" de John Kongos, mientras que "Lady Marmalade" de LaBelle proporciona la columna vertebral de "Kinky Afro".

Paul Oakenfold y Steve Osborne pueden ser considerados los responsables del sonido de ""Pills 'N' Thrills and Bellyaches", pero el cantante Shaun Ryder es el corazón y el alma del álbum, el mantiene viva a la banda con su marca de rock & roll sucio y feo. Levantando melodías a voluntad, Ryder reorganiza el pasado para cumplir su propósito. Es un "matón" y sin buscarlo un poeta de la clase trabajadora, creando un collage de canciones de sexo, drogas y trabajos sin salida donde la desesperación no es una opción ya que la fiesta nunca terminará. Es todo un elogio al dicho, "me la pela".

Musical e instrumentalmente, a los Happy Mondays nunca se les ha dado el crédito que se merecen en esta área. Mientras que el descontrolado Shaun Ryder y el bailarín Bez acapararon los focos, el bajista y hermano de Shaun, Paul Ryder, sentó las bases sólidas de los ritmos. Mark Day era un guitarrista muy competente, Paul Davis toca algunas cosas memorables en el teclado y el baterista Gary Whelan mantuvo bien el ritmo. Además, la cantante británica Rowetta fue la voz invitada en este disco, invitada por Oakenfold, y añade mucha clase.

Este álbum también representa el gran cruce (fusión) entre el rock indie alternativo británico y la escena rave-house en que los jóvenes estaban inmersos, haciendo de este álbum una representación de la vida cultural urbana de los 90s. Un disco único del cual nunca volverían los Happy Mondays a repetir en relevancia y en hits.

Algunas canciones destacadas: "Kinky Afro", "God's Cop", "Loose Fit", "Step On", "Bob's Your Uncle" y "Holiday".

Disco recomendado. Uno de los mejores álbumes crossover indie-dance. Para un grupo de músicos que nunca se tomaron a sí mismos en serio, es bastante bueno. Encapsula a una generación en los tiempos de las raves, el acid house y el éxtasis a principios de la década de 1990. Es además, símbolo de la escena Manchester en el momento más alcista.

Mi única "advertencia" en referencia a este disco es la aceptación del oyente más joven de hoy. Para muchos "veteranos", incluido yo, este disco es el resultado directo de un contexto sociocultural que envolvió las mentes de una gran multitud de jóvenes en la música indie (con un sabor británico) a principios de los 90. Escucharlo hoy por primera vez puede no ser algo instantáneo, ser paciente. No obstante, será divertido 

Y termino, aparte de este álbum, recomiendo que escuches los remixes de los singles "Wrote for Luck" y "Hallelujah". Auténticos himnos de las pistas de baile en su día y pequeñas obras de arte del remixing.

"Lea las instrucciones de este medicamento y consulte al farmacéutico".

Video del tema "Loose Fit":

Tracklist:

1.         "Kinky Afro"             3:59
2.         "God's Cop"              4:58
3.         "Donovan"                 4:04
4.         "Grandbag's Funeral" 3:20
5.         "Loose Fit"                5:07
6.         "Dennis and Lois"      4:24
7.         "Bob's Yer Uncle"      5:10
8.         "Step On"               5:17
9.         "Holiday"                   3:28
10.       "Harmony"                 4:01

THE LOTUS EATERS - Silentspace - Album

Soy un gran fan de la banda británica de new wave pop, "The Lotus Eaters". Su álbum debut "No Sense of Sin" (1984) es uno de mis discos favoritos de todos los tiempos y lo escucho regularmente. Todavía tienen una gran base de fans en países como Francia, Italia, Bélgica y España. Este blog tiene lectores que visitan regularmente desde estos países y por eso quiere destacar un segundo álbum, menos conocido, titulado "Silentspace" que apareció después de un silencio de 17 años.
 

ALBUM: Silentspace

Fecha de publicación 2001. 

"The Lotus Eaters" regresaron de una larga hibernación con un segundo álbum titulado "Silentspace" después de 17 años. El grupo ha envejecido como el buen vino y suena muy bien. Las guitarras resonantes de Jeremy Kelly aún reflejan su sonido clásico de principios de los 80, mientras que la voz romántica de Peter Coyle no ha perdido nada de su suave belleza. Desde la primera nota de "Silentspace", somos catapultados hacia la nostalgia y al pasado. En mi caso, saltan muchos recuerdos de la adolescencia.

Grabado en un garaje y producido por Ronnie Stone - quien ayudó a remasterizar 'No Sense Of Sin' - el sonido lo-fi solo mejora la intimidad requerida para hacer que las canciones suenen únicas. En "Silentspace", The Lotus Eaters conservan el sonido simplificado de sus primeros trabajos, pero lo actualizan con toques sutiles de electrónica y trip-hop. En el tema "Feel It", los sintetizadores pulsantes están detrás de las voces de Coyle y "Saree Williams". Además "The Lotus Eaters" nunca antes habían usado una cantante, y la adición de William sube el nivel.

Mientras que "Sara" es retro, The Lotus Eaters son impresionantes cuando intentan usar ritmos de trip-hop en "Face of the Century" o psicodelia en "Lost in Flow". En general, el álbum es variado y consistente. The Lotus Eaters logran mantener su originalidad, mientras que todas las melodías son delicadas y musicalmente sofisticadas. Los fans acérrimos - incluido yo mismo - estarán encantados.

Canciones destacadas: "Can Your Kisses Fly", "Steroevision", "Feel It", "Face of the Century", "Sara"... 

No es como el primer álbum "No Sense of Sin", es imposible mejorarlo, pero si un disco recomendado. Dicho esto, puede ser difícil para algunos - especialmente si nunca has escuchado "The Lotus Eaters" - conectar al principio, pero es casi imposible soltar después de varias escuchas. Son 11 canciones de hermosas melodías, hermosas voces y una calma y serenidad que son difíciles de encontrar últimamente. Refuerza (lo hará con los fans) la idea que la magia inocente de la banda sigue siendo vigente y maravillosa.

Video del tema "Feel It":

Tracklist:

1.Bodywave
2.Feel It
3.Stay Free
4.Can Your Kisses Fly
5.Lost in Flow
6.Sara
7.Face of the Century
8.Minimal Emotion
9.Stereovision
10.Come Together
11.State of Mind

RED SNAPPER - Making Bones - Album

Vibraciones veraniegas, con mucha socialización en piscinas y playas, terrazas, bares de moda y locales nocturnos. La siguiente banda y álbum es ideal para esos momentos y atmósferas.

ALBUM: Making Bones 

Segundo álbum de los británicos RED SNAPPER publicado el 4 de mayo de 1999. Una entretenida fusión de música electrónica con instrumentación en directo para dar un estilo de acid jazz. Es el primer verdadero álbum de "Red Snapper" para una audiencia mundial que ofrece breakbeat funk que incluye dub, punk, soul, drum'n'bass y hip-hop.

Junto con David Ayers (guitarra), la sección rítmica de Richard Thair (batería) y Ali Friend (bajo) mantiene el ritmo con "samples" intercaladas y bucles manipulados originales que unen diferentes estilos como el soul británico clásico en "Image of You", batería metálica'n'bass en "The Sleepless" (con un agradable rap de "MC Det") y la fusión en "Bogeyman" (con el trompetista "Byron Wallen"). Como de moda con los álbumes de breakbeat, "Red Snapper" usa mucho los samples de jazz eléctrico, pero a diferencia de sus contemporáneos, saben exactamente cuándo usarlas; existe una medida justa de sonidos orgánicos y sintéticos.

La artista y colaboradora "Alison David" contrarrestar la frialdad urbana de los instrumentos de "Red Snapper" con un canto emotivo en dos temas. Los bucles de bajo y batería son pesados, nítidos y sorprendentes. En conjunto, la atmósfera es tranquila, melancólica y dinámica.

Un disco recomendado. Cool, funky con groovy jazzy beats. En general un disco sólido y redondo. Ideal para momentos chill-out o de fiesta. 

Video del tema "The Sleepless":

Tracklist:

01.The Sleepless
02.Crease
03.Image of You
04.Bogeyman
05.The Tunnel
06.Like a Moving Truck
07.Spitalfields
08.Seeing Red
09.Suckerpunch
10.4 Dead Monks
11.Quicktemper

WU-LU - Loggerhead - Album

WU-LU (Artista Hip Hop)

 
Con sede en el sur de Londres, Miles Romans-Hopcraft, también conocido como "Wu-Lu", es un productor y multi-instrumentista que hace música entre géneros: lo-fi, jazz, hip hop, soul y rock, todos entremezclados, desde "big beats" hasta "hardcore".

Wu-Lu ha trabajado como productor y colaborador de Poppy Ajudha, Ego Ella May, Nubya Garcia, … entre otros. Wu-Lu también es uno de los miembros originales de "Touching Bass", el autodenominado colectivo "Soulstranauts" del sur de Londres, que también cuenta con gente como "Shy One".

Ha emergido como un líder del movimiento "punk-rap". Basándose en muchas corrientes de influencia, su música es para los menos representados, para los que no tienen voz y para los que luchan por derribar barreras. Como voz de la próxima generación durante este largo período de disturbios y agitación, Wu-Lu está a la vanguardia de la escena musical del Reino Unido mientras permanece en el "underground". Wu-Lu ha lanzado su álbum debut "Loggerhead" con el famoso sello "Warp Records".

ALBUM: Loggerhead

Lo que disfruto de "Loggerhead" es que es difícil de categorizar. Los comentarios del propio Wu-Lu citan: "Este disco es algo a lo que aferrarse... y un trabajo que duele y cura... no debe tomarse demasiado en serio pero no debe tomarse a la ligera, un equilibrio de ambos". ¡Palabra! (esto es mío).

Este primer álbum de estudio de Wu-Lu publicado el 8 de Julio del 2022 salta a toda velocidad con la canción "Night Pill", una alerta retumbante con pensamientos vagamente conectados y comunicados con voces y drums que alternan entre zumbidos y aullidos. "Facts" viaja al drum'n'bass de rango medio con toques de graves mientras Wu-Lu y un furioso Amon (una de las numerosas voces de apoyo del LP) despotrican sobre robos, vigilancia y "reglas sin sentido". La energía aumenta con "Scrambled Tricks" pasa a otro nivel en "South", un híbrido en folk, hip-hop y "screamo", con un verso inteligente de "Lex Amor", que despotrica contra el racismo y la gentrificación en el sur de Londres natal de Wu-Lu. Menos caótica, si no menos cargada, es "Calo Paste", con hilos vacilantes de "Mica Levi" y "Raven Bush", y "Léa Sen" a dúo con Wu-Lu sobre el apoyo emocional y el estrés de la supervivencia.

La última parte del álbum es igual de entretenida. Los temas consecutivos "Blame" y "Ten" son contundentes y catárticos, y luego Wu-Lu se descarga de manera demoníaca en "Road Trip", un tema post-hardcore sin freno. Las cosas se equilibran y el estado de ánimo se eleva con "Times", mientras "Broken Homes" es un final ardiente de descontento y determinación incontenible.

En resumen, un disco recomendado. Es un álbum enojado, aunque sea casi un disco de protesta. Vienen tiempos complejos y difíciles, necesitamos soldados que nos adviertan de los peligros, que vayan al frente y nos defiendan del "caos". En general, este trabajo me ha sorprendido gratamente y he disfrutado. Es fresco, tiene una sensación "underground" que lo mantiene vanguardista y anuncia que tal vez estamos presenciando el surgimiento de un nuevo artista (o guerrero) urbano relevante. Buscarlo y darlo una escucha.

Video del tema "South":

Tracklist:

01 Take Stage
02 Night Pill [ft. Asha]
03 Facts
04 Scrambled Tricks
05 South [ft. Lex Amor]
06 Calo Paste [ft. Léa Sen]
07 Slightly
08 Blame
09 Ten
10 Road Trip
11 Times
12 Broken Homes

THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE- Are You Experienced? - Album

En el año 1967 la música Rock cambió para siempre. El rock pasó de ser un medio principalmente de canciones pop accesibles de tres minutos con jingle destinadas a complacer los oídos de los jóvenes adolescentes y hacer dinero para los sellos discográficos, a ser una verdadera forma de expresión artística, y al hacerlo, se convirtió en la música rock de hoy. Podría decirse que el catalizador del cambio había sido el lanzamiento del álbum "Revolver" de "The Beatles" en 1966, pero todo se abrió de par en par en 1967 con todo un panteón de álbumes que cambiaron la música para siempre. "Are You Experienced?" de "The JIMI HENDRIX Experience" fue uno de esos álbumes.

Este álbum no se parecía en nada a ningún álbum anterior. La guitarra de Jimi Hendrix suena como algo de otro planeta, no como algo de lo que cualquier ser humano fuera capaz. Las raíces de al menos el 50-70% de lo que es el Rock hoy en día se puede remontar a la canción del álbum "Purple Haze". "Are You Experienced?" es, por lo tanto, uno de los álbumes más influyentes de todos los tiempos.

ALBUM: Are You Experienced?

El álbum debut de estudio de "The Jimi Hendrix Experience". Publicado el 2 de mayo de 1967, el LP fue un éxito comercial y de crítica inmediato y también es ampliamente considerado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. El disco presenta el enfoque innovador de Jimi Hendrix para escribir canciones y tocar la guitarra eléctrica, que pronto estableció una nueva dirección en la música psicodélica y del hard rock.

El álbum pasó 33 semanas en las listas, alcanzando el puesto #2 (se quedó fuera del #1 por "The Beatles" y su disco "Sgt Peppers"). La versión estadounidense contenía algunas de las canciones más conocidas de Hendrix, incluidos los primeros tres sencillos, que, aunque se omitieron en la edición británica del LP, fueron éxitos entre los diez primeros en el Reino Unido: "Purple Haze", "Hey Joe" y "The Wind Cries Mary". Hendrix no estaba contento con la portada de la edición del Reino Unido y solicitó al fotógrafo Karl Ferris que creará una portada más "psicodélica" para el lanzamiento en Estados Unidos.

La revista Rolling Stone clasificó a "Are You Experienced?" en el puesto 30 en su lista de 2020 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. En 2005, la obra fue una de las 50 grabaciones elegidas por la "Biblioteca del Congreso" en reconocimiento a su importancia cultural para ser añadidas al "Registro Nacional de Grabaciones" (EE.UU). Es así, un reconocimiento como una pieza musical histórica.

Con todos estos elogios, también es ampliamente considerado uno de los mejores debuts en la historia del rock (algunos afirman que es el mejor) y uno de los álbumes definitivos de la era psicodélica: un "game changer". Con este álbum, Jimi Hendrix estableció un nuevo frente sonoro por el cual se mediría la música que vino después. Este álbum no es solo retroalimentación y ruidos aleatorios; este álbum es un trabajo experimental, y contiene debajo de ese brillo experimental una sólida base musical con un sonido crudo y una impresionante exhibición de innovación. Jimi Hendrix demuestra aquí que puede ser suave e indómito, original y arraigado, así como un "alienígena" y a la vez "terrenal". Este disco fue una explosión que se escucho y siento en todo el mundo.

El disco también sintetizó varios elementos de la música de finales de los años 60 (Siglo XX) que sonaban tanto futurista como enraizado en las mejores tradiciones del rock, el blues y el soul. Fue la guitarra "fuera de este mundo" de Jimi Hendrix, por supuesto, la que acaparó la mayoría de los titulares, basándose en los experimentos de guitarristas británicos como Jeff Beck y Pete Townshend para trazar nuevos territorios sonoros en retroalimentación, distorsión y puro volumen.

Sin embargo, los grandes álbumes también necesitan grandes canciones, ya sea los temas psicodélica de última generación - "Foxey Lady", "Manic Depression" y "Purple Haze" - improvisaciones instrumentales - "Third Stone from the Sun" - blues - "Red House" y "Hey Joe" o tiernas composiciones - "The Wind Cries Mary" - todas ellas demostrando la variedad de estilos y talento como compositor. El álbum nunca tiene un momento aburrido y tiene una dinámica y originalidad de tiempos y progresiones armónicas envidiable, quizás no escuchada antes de este lanzamiento.

Pero no se detiene aquí. Este álbum tiene más grandeza. Las magníficas aportaciones del baterista Mitch Mitchell y el bajista Noel Redding, le dan a la música un pulso rítmico que fusiona partes del rock y del jazz improvisado. Nunca un trío había sido tan completo, lleno e imaginativo, e incluso después de ellos hubiera sido una carrera imitarlos. En fin, algo excepcional, lo sigue siendo hoy en día.

Disco recomendado

Para la minoría de personas que no han escuchado esto, deben hacerlo porque es una genialidad. Es un disco revolucionario. Toda la música popular, ya sea rock, pop, soul, funk, jazz (ejemplo tema,  "Third Stone From The Sun")… etc., nunca volvería a ser la misma después de que salió este disco. Esta es una experiencia musical que los fans, músicos y estudiantes del rock n' roll no deben perderse. Un álbum increíble y también enormemente entretenido.

Video de tema "Purple Haze":

Tracklist (formato LP original UK):

Cara A:

1.         "Foxy Lady"   3:10
2.         "Manic Depression"    3:31
3.         "Red House"   3:45
4.         "Can You See Me"     2:35
5.         "Love or Confusion"  3:05
6.         "I Don't Live Today" 3:48

Cara B: 

1.         "May This Be Love"   2:55
2.         "Fire"   2:30
3.         "3rd Stone from the Sun"      6:30
4.         "Remember"   2:43
5.         "Are You Experienced?"         4:02

Tracklist (formato original LP USA):

Cara A:

1.         "Purple Haze" 2:46
2.         "Manic Depression"    3:30
3.         "Hey Joe" (Billy Roberts)      3:23
4.         "Love or Confusion"  3:15
5.         "May This Be Love"   2:55
6.         "I Don't Live Today" 3:55

Cara B:

1.         "The Wind Cries Mary"         3:21
2.         "Fire"   2:34
3.         "Third Stone from the Sun" (titulo USA)     6:40
4.         "Foxey Lady" (titulo USA)   3:15
5.         "Are You Experienced?"       3:55

Créditos - Personal:

• Jimi Hendrix – guitarras, voz y piano en "Are You Experienced?"
• Noel Redding - bajo (excepto en "Red House"); coros en "Foxy Lady", "Fire" y "Purple Haze"; guitarra rítmica en "Red House"
• Mitch Mitchell – batería; percusión en "Stone Free" y "Can You See Me"; coros en "Fire"

Personal adicional:

• The Breakaways - coros en "Hey Joe",
• Chas Chandler - productor,
• Dave Siddle: ingeniero en "Manic Depression", "Can You See Me", "Love or Confusion", "I Don't Live Today", "Fire", "Remember", "Hey Joe", "Stone Free", "Purple Haze", "51 aniversario" y "The Wind Cries Mary",
• Eddie Kramer: ingeniero en "The Wind Cries Mary", "Are You Experienced?" y "Red House"; ingeniería adicional sobre "Love or Confusion", "Fire" y "Third Stone from the Sun",
• Mike Ross: ingeniero en "Foxy Lady", "Red House" y "Third Stone from the Sun".

JOY DIVISION - Closer - Album

ALBUM: Closer

Si tuviera que elegir, el álbum debut de "Joy Division", "Unknown Pleasures" (1979) es su mejor disco. Sin embargo, su segundo álbum, "Closer", también es una obra maestra. Una explosión caótica que va en todas direcciones y al mismo tiempo un salto musical evolutivo en su trayectoria. "Closer" es una escucha más íntima, que aprovecha al máximo la potencia de su sonido característico. Va aún más allá. Al igual que "Radiohead" después de ellos, "Joy Division" usa la tecnología para hacer música sobre los efectos alienantes de la tecnología. La electrónica, las guitarras distorsionadas y los ritmos mecánicos crean un paisaje sonoro “post-industrial” inquietante y alienante. Joy Division en este disco demostró que de hecho estaban adelantados a su tiempo.

"Closer" es también el último álbum de estudio de "Joy Division". Publicado el 18 de julio de 1980, fue lanzado dos meses después del suicidio del cantante y letrista Ian Curtis. Hoy, es ampliamente reconocido como un lanzamiento fundamental de la era post-punk. Como nota adicional, los miembros restantes se volvieron a formar más tarde como "New Order".

Después de "Closer" quién sabe cuál habría sido el siguiente camino si "Ian Curtis" no hubiera elegido su final. El poder de Joy Division parecía haber crecido. Dicho esto, la banda estaba tomando más riesgos, experimentando, y me atrevo a decir, comenzando a alejarse del post-punk en sí.

Todo es muy oscuro contando líricamente en este disco. Con los años es fácil poner esto y emprender un viaje hacia la introspección y fragilidad humana. Una extraña mezcla de bravuconería, morbosidad, debilidad y autodesprecio que se encuentra en todas y cada una de las letras. El resultado es música rock moderna de valor incalculable. Un grito egoísta de ayuda que muy pocos escucharon y nadie actuó. O ese es el mito construido en torno a "Closer", hay otras interpretaciones, pero cada oyente tendrá que construir la suya.

Martin Hannett sigue siendo el productor, pero descubres diferentes mezclas, diferentes atmósferas, nuevos giros y vueltas, canciones que regresan repentinamente en forma fragmentada y arrugada, que terminan en silbidos y notas aleatorias. Es todo más frío y etéreo. "Closer" va lo suficientemente lejos como para abrir un agujero irregular a través de la convención post-punk, con una producción que brilla como una lápida recién pulida.

La canción que abre, "Atrocity Exhibition", es lo más fracturado que la banda ha grabado, la guitarra rechinando de Bernard Sumner y la batería a toda velocidad de Stephen Morris hacen un comienzo extraño. Los teclados también cobran más protagonismo que nunca como en "The Eternal", más lead-synth en la enérgica "Isolation", y sobre todo el espectacular "Decades", el último tema del disco. Canciones como "Heart and Soul" y especialmente "Twenty Four Hours", que te dejará boquiabierto, son una demostración del enfoque de liberación-tensión o suave-alto que simplemente intensifica la experiencia.

La primera cara del álbum (las primeras cinco canciones) son quizás algunas de las mejores canciones post-punk jamás escritas. Todo ese género le debe a "Closer" su sonido crudo y su poder resentido. Sin embargo, para mí, la segunda cara, las últimas cuatro canciones - "Heart & Soul", "Twenty Four Hours", "The Eternal" y "Decades" - son absolutamente impresionantes. De hecho, estaba animado y pasé a escuchar de nuevo la cara B después de ver una entrevista en "YouTube" de George Michael. El cantante comenta que el lado B de "Closer" tiene la música más impactante y sorprendente que jamás haya escuchado. Ritmos de conducción y efectos de guitarra brillantemente superpuestos, las canciones mencionadas crean un ambiente de belleza inquietante... al igual que en todo el disco.

Por último, la portada es simplemente increíble y ahora legendaria.

Disco recomendado. Joy Division en el apogeo de sus poderes, igualando el asombroso debut "Unknown Pleasures". Alternativo o post-rock, como sea que se defina, pocas veces parece y suena tan vital y tan imposible de resistir o ignorar como aquí. Es un álbum lleno de piezas musicales bellamente oscuras, maravillosas y trascendentales. Una escucha obligatoria y esencial.

Video del tema "Twenty Four Hours":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Atrocity Exhibition" 6:06
2.         "Isolation"       2:53
3.         "Passover"       4:46
4.         "Colony"         3:55
5.         "A Means to an End" 4:07 

Cara B:

1.         "Heart and Soul"        5:51
2.         "Twenty Four Hours" 4:26
3.         "The Eternal"  6:07
4.         "Decades"       6:10

Los relanzamientos posteriores incluyen - "Love Will Tear Us Apart".