HOOD - The Cycle of Days and Seasons

ALBUM: The Cycle of Days and Seasons

Álbum de la banda con sede en Leeds (UK) "HOOD" (formado por los hermanos Chris y Richard Adams, y amigos (incluidos, en ocasiones, Craig Tattersall y Andrew Johnson de "The Remote Viewer" y Nicola Hodgkinson de "Empress") publicado en abril de 1999. Se puede resumir en un LP de voces con eco y loops, grabaciones borrosas de campanas de iglesia, y crujidos y beats enterrados. Es algo definitivamente diferente y otro ángulo de lo que se puede ofrecer musicalmente.

"The Cycle of Days and Seasons" es triste y sombrío. También es notable, como el cuarto álbum propiamente dicho de "Hood", un cambio para la banda, esta vez desde el shoegaze-slowcore al minimalismo electrónico.

La banda inglesa incorpora sonidos crujientes, samples incongruentes y efectos de dub que revelan un interés por el glitch y el trip-hop. Muchas de las canciones apenas existen, brillan en la distancia y amenazan con desaparecer. Las voces, con contribuciones de la única integrante femenina de la banda, Nicola Hodgkinson, aparecen y desaparecen gradualmente de la mezcla. El aislamiento es una emoción clave que transmite la colección de canciones, especialmente por la adición de trompetas lúgubres y cuerdas sombrías.

De hecho es difícil definir este LP propiamente dicho. ¿Es post-rock, es slowcore? Cuenta con la instrumentación, ambientación y producción habituales. Pero sobre todo tiene esa sensación lúgubre de otoño-invierno de algo que llega a su fin. Pero, seamos optimistas, lo nuevo y brillante surgirá después, aunque "Hood" no da señales de ello.

Un disco recomendado. Advertencia: no es un disco de baile, de cantar o moverse alrededor de un espacio. Es más visual que audio, es introspectivo, lento, soñador, tiene voces exuberantes con cuerdas e instrumentos de viento y algo de experimentación, ahhh y dub. Esto se hizo hace décadas, y "Hood" definitivamente se adelantó a su tiempo. Los fans del post-rock (Talk Talk, Bark Psychosis, etc.) o del slowcore (Codeine, Slowdive, etc.) …incluso del Trip Hop, lo encontrarán interesante. Búscalo y dale una escucha personal e íntima, puede que te sorprendas.

Video del tema "Houses Tilting Towards the Sea":

Tracklist:

1.         "Western Housing Concerns" 5:34
2.         "Hood is Finished"     4:12
3.         "//- (Part 1)"    0:54
4.         "September Brings the Autumn Dawn"        5:33
5.         "In Iron Light"           3:35
6.         "How Can You Drag Your Body Blindly Through?"          5:48
7.         "Houses Tilting Towards the Sea"     4:51
8.         "//- (Part 2)"    0:38
9.         "Roads Lead Northwards"    6:02
10.       "//- (Part 3)"    0:59
11.       "...The Cliff Edge of Workaday Morality"   4:42

WINTER - What Kind of Blue Are You? - Album

Winter, también conocida como "Samira Winter", mezcla muchas influencias musicales detrás de su nuevo álbum "What Kind of Blue Are You?" Publicado el 14 de octubre de 2022. La artista con sede en Los Ángeles (antes con la banda) tocaron una marca de guitarra dream pop con canciones que consistían en capas de guitarras y teclados atmosféricos, sutiles trucos de producción y voces de varias capas.

Samira Winter convirtió al grupo en un proyecto en solitario y adoptó por completo el aspecto más diáfano y ligero de su sonido.

ALBUM: What Kind of Blue Are You?

Es el segundo álbum con 10 canciones de guitarra distorsionada, usada sabiamente para crear una forma más madura de rock sónico.

Esta es una maravillosa mezcla de shoegaze e indie de los años 80 y 90. Winter menciona en entrevistas algunas de las mayores influencias para este álbum, que incluyen "My Bloody Valentine", "The Sundays", "Blue Boy", "The Pastels", "Spliffs"...etc. Por lo tanto, la mayoría de los fans del shoegaze, el dream pop o el noise rock encontrarán este álbum al menos interesante. En mi caso, es una escucha fácil con los aspectos melódicos que lo hacen un buen "viaje".

Este disco parece ser introspectivo, el sonido que Winter y el productor Joo-Joo Ashworth crean un tono más sombrío que los trabajos anteriores. Sin embargo, esto se equilibra con las melodías cálidas y vibrantes, junto con las voces y la variedad de sonidos de guitarra que le dan múltiples matices al disco.

Inclinándose mucho hacia el "shoegaze", el artista maneja todos los efectos, desde la reverberación hacia atrás hasta el trémolo, desde el ruido de molienda hasta el fuzz, todo en capas de "wall of sounds". Canciones como "Wish I Knew" y "Crimson Enclosure" tienen un toque de Lo-Fi, un enfoque más fragmentado del shoegaze. Dicho esto, el disco oscila suavemente entre estilos. A veces, incluso aterrizando en la melancolía con un impulso dado por el movimiento rítmico y la gracia melódica tampoco te da un "bajón".

En resumen, un disco recomendado. Una buena combinación de composición de canciones de calidad, habilidades de arreglos y las hermosas melodías y palabras de Winter. Un álbum de dream pop muy agradable y adictivo. También es una gran introducción para los recién llegados a este estilo musical.

Video del tema "Good":

Tracklist:

1. Wish I Knew - 3:39
2. Atonement - 3:51 (feat. Hatchie)
3. Good - 4:05 (feat. SASAMI)
4. Sunday - 4:24
5. Crimson Enclosure - 1:54
6. Write It Out- 4:08
7. Lose You - 2:58
8. Fool - 3:13
9. Mr. On-My-Mind - 4:19
10.Kind of Blue - 3:33

VIAGRA BOYS - Cave World - Album

Viagra Boys (Banda)

Una formación de rock sueca de Estocolmo. La banda se formó en 2015, con varios miembros provenientes de las bandas Les Big Byrd, Pig Eyes, Nine, Nitad y Neu-Ronz.

ALBUM: Cave World

Este es el tercer álbum de estudio publicado el 8 de julio de 2022. El álbum está influenciado por el origen de los humanos durante la era paleolítica (en particular, los hombres de las cavernas), las teorías de conspiración, especialmente el uso de la desinformación, y los seguidores de QAnon.

Es un LP estridente, grosero y explosivo. No obstante, "Cave World" es un álbum lleno de vida y confianza que solo ellos pueden ofrecer. Doce temas y 40 minutos después, puedes terminar en un charco de sudor o riendo a carcajadas.

Este es mi punto, es un álbum divertido, tiene muchos instrumentos tipo punk, percusión funky y es bailable con un giro de new wave. Las letras de los monos (temática sobre los humanos primitivos), el comentario social ingenioso, las líneas de bajo maravillosas, los riffs pegadizos y las voces épicas le dan a este LP todos los requisitos básicos para un buen álbum.

Hay algunas canciones destacadas: Baby Criminal, Troglodyte, Punk Rock Loser, Ain't No Thief y Return To Monkey... por mencionar algunas.

Disco recomendado. Puede que haya dividido la crítica y al público, pero para mí es un lanzamiento divertidísimo. La música es buena y las letras son aún mejores. Vale la pena recomendarlo a los fans del noise-rock, punk o electro new wave. Escúchalo, te sorprenderá gratamente.

Video del tema "Punk Rock Loser":

Tracklist:

1.         "Baby Criminal"         4:39
2.         "Cave Hole"    0:39
3.         "Troglodyte"   3:19
4.         "Punk Rock Loser"     3:57
5.         "Creepy Crawlers"      3:09
6.         "The Cognitive Trade-Off Hypothesis"        3:55
7.         "Globe Earth" 0:41
8.         "Ain't No Thief"         3:59
9.         "Big Boy" (con Jason Williamson)       5:30
10.       "ADD"            3:37
11.       "Human Error"           0:29
12.       "Return to Monkey"   6:28

Los Mejores Discos de 2022 - Descubre + Música

Mejores álbumes de 2022: Top 30 

El 2022 ha sido un año muy productivo en lo que se refiere a la música y la publicación de discos. Han aparecido todo tipo de sonidos y estilos, aparte de nuevos talentos y obras de los ya consagrados artistas y bandas. No obstante, y esto es una apreciación personal, la calidad de la oferta no ha superado en términos generales el año anterior. 

Dicho esto, me han llamado la atención muy gratamente formaciones como "Blinker & Moses", "Hammered Hulls" y "Domestic Terminal", y artistas como "Ethel Cain" y "Daniel Avery". En fin, como suele pasar siempre, hay algo para todos lo gustos.

Aquí presento una selección de los 30 mejores discos de 2022 SIN NINGUN ORDEN de clasificación en particular. Seguro que faltarán discos, muchos. Es una lista subjetiva y muy personal, todos somos fans y cada uno vive la música a su manera. Lo que pretendo es proponer al lector álbumes que quizás se les haya escapado del radar, y que anime a explorarlos si es el caso.

Video de las portadas de los mejores LPs del 2022:

Lista de los Top 30 Mejores álbumes del 2022:

• Binker & Moses - Feeding The Machine
• Chat Pile - God´s Country
• The Smile - A Light for Attracting Attention
• Kendrick Lamar - Mr. Morale & The Big Steppers
• Hammered Hulls - Careening
• Domestic Terminal - All The Stories Left To Tell
• Thus Love - Repetitioner
• The Chats - Get Fucked
• Spiritualized -Everything Was Beautiful
• Caroline - Caroline
• Just Mustard - Heart Under
• Soul Glo - Diaspora Problems
• Ethel Cain - Preacher’s Daughter
• Denzel Curry - Melt My Eyez See Your Future
• Wild Pink - ILYSM
• Watt Sun - Perfect Light
• Alvvays - Blue Rev
• Axel Boman - Luz 
• MJ Lenderman - Boat Songs
• Duster - Together
• Shawn Pittman - Hard Road
• Charlie Musselwhite - Mississippi Son
• Danger Mouse & Black Thought - Cheat Codes
• Black Country, New Road – Ants From Up There
• The Sadies - Colder Streams 
• Wu Lu - Loggerhead
• Jockstrap - Jockstrap
• Alt-J - The Dream
• Daniel Avery - Ultra Truth
• Sam Prekop and John McEntire - Sons Of

Si hay algún álbum que no conoces, buscarlo y darlo una escucha.

RADIOHEAD - In Rainbows

ALBUM: In Rainbows

 
No estaba seguro de que "OK Computer" pudiera ser igualado por Radiohead, pero aquí está. "In Rainbows" es el séptimo álbum de estudio autoeditado el 10 de octubre de 2007 producido por Nigel Godrich. Olvidarte del ahora famoso "truco de marketing" (ya sea genial) asociado con "In Rainbows" como una descarga digital de pago-lo-que-quiera (incluyendo $0). Tiene un genio musical que fluye de él por todas partes. 

El álbum está muy orientado a las canciones, con cada corte avanzando y desarrollándose constantemente, pero hay capas electrónicas abstractas y elementos de estudio como instrumentos para evitar que suene como una regresión. "In Rainbows" incorpora elementos de art rock, rock experimental, art pop y electrónica. El álbum da un paso adelante con una excelente producción, composición e interpretación (especialmente en las voces). La síntesis más estimulante de Radiohead con canciones accesibles y sonidos abstractos. 

La portada de "In Rainbows" fue diseñada por Stanley Donwood, antiguo colaborador de Radiohead. Donwood trabajó en el estudio mientras Radiohead trabajaba en el álbum, permitiendo que la obra de arte transmitiera el estado de ánimo de la música. 

Es una masterclass de estilos, sonidos y producción. Hay electrónica, cuerdas épicas, guitarras con arpegios, bajos duros, líneas de batería influenciadas por IDM, melodías inquietantes y las voces gemidas de Thom Yorke conforman un magnífico álbum. Radiohead logra recopilar todo el trabajo experimental innovador e inaccesible de la época y fusionarlo en algo hermoso. Desde los sintetizadores en "15 Step" hasta el clímax post-rock del emotivo  "All I Need" y la percusión tipo "Can" de "Reckoner", musicalmente no hay un mal momento. Otras canciones como "Bodysnatchers", "House of Cards" y "Weird Fishes" están entre las mejores.

Radiohead nunca ha sonado tan inocente. Ciertamente ayuda que la composición esté más enfocada y las preocupaciones líricas de Thom Yorke, aunque no son exactamente optimistas, son al menos personales. "In Rainbows" es el álbum más íntimo, elegante e inmediato que ha ofrecido Radiohead hasta la fecha. Están haciendo música popular, pero no se rige por más reglas que las propias. Después de dar un giro completo a la izquierda con "Kid A" (2000) y "Amnesiac (2001), Radiohead ya no estaba empeñado en romper conceptos, sino más en refinar la noción misma de lo que es y puede ser la música. "In Rainbows" es una oferta sensual de sonidos, impresiones y posibilidades.

Disco recomendado

La musicalidad y la producción son casi perfectas, además de que es el álbum más colorido y personal de Radiohead hasta la fecha. Esta obra muestra cómo suena la banda cuando están completamente enfocados en la música y solo en la música, simplemente creando sin presión ni plazos (ellos en control). El resultado trae todo el talento innato de Radiohead y lo dejan fluir libremente. No es "OK Computer", pero se acerca mucho, es más accesible, emocionalmente gratificante y las letras son universales. Una delicia.

Video del tema "Weird Fishes/Arpeggi":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1."15 Step" – 3:58
2."Bodysnatchers" – 4:02
3."Nude" – 4:15
4."Weird Fishes/Arpeggi" – 5:18
5."All I Need" – 3:49

Cara B:

1."Faust Arp" – 2:10
2."Reckoner" – 4:50
3."House of Cards" – 5:28
4."Jigsaw Falling into Place" – 4:09
5."Videotape" – 4:40         

Radiohead (Músicos):

• Thom Yorke
• Colin Greenwood
• Jonny Greenwood
• Ed O'Brien
• Philip Selway

Músicos adicionales:

• The Millennia Ensemble - cuerdas,
• Everton Nelson – líder de "ensemble",
• Sally Herbert - dirección.

Producción:

Nigel Godrich – producción, mezcla, ingenierío de sonido.

BALLENA - Fuerteamor - Album

Pienso que es momento para dar espacio en este blog de música al producto nacional. Los lectores habituales quizás ya se habrán coscados que la música rock español en general no es algo que me vuelve loco. Dicho esto, hay numerosas bandas que son llamativos, y con el 2022 llegando a su fin, hoy toca a destacar una banda (y un disco) que me ha llamado la atención. La formación es "Ballena" y el álbum es "Fuerteamor"

ALBUM: Fuerteamor

 
El tercer álbum de la banda española (Málaga) "Ballena" publicado 17 de julio del 2022. Es un disco grabado en "La Cabaña" por José Manuel Cárdenas y producido por él mismo junto al grupo. Los miembros de "Ballena" describen su trabajo como historias del día a día, el desgaste de la rutina, los apuros económicos, la pasión por la música…, es decir, sobre lo cotidiano y la vida misma. Dicho esto, hay once canciones que básicamente hablan del amor, como indica el título, y esto me vale.

Tomamos temas como “Caminito”, un guiño al amor materno, "MApH" el amor en el plano de amistad y “Dolores” amor oscura, y como no, hay sobre las relaciones tóxicas en “La Gracia Clásica”, de la reconciliación en “Sassenach”, y el amor sobre nuestros hijos, “Máquina del Tiempo”. Después nos queda el amor de colegas y del grupo (la banda) en “Hijo del Vudú” y cómo amarse dentro de una banda. Siguen tocando diferentes palos sobre amor con “Estatua de Sal” el amor sin maltrato y, en “Mano Rota” y “Semana Ballena” la ironía.

Saliendo de las narrativas, lo que me tiene enganchado son las melodías, y los arreglos sutiles, el toque "jangle", aparte tocan de p*ta madre. Si no conoces a estos chicos, y eres fan de bandas como "Viva Suecia" y "Niños Mutantes", te va a gustar este trabajo. A mi me encanta, y eso que siempre he sido muy crítico con la música española.

Un disco recomendado. Poesía pop de la experiencia, de sonrisas y lágrimas. Un álbum que muestra los distintos caminos del querer, esas que, tarde o temprano, recorremos a lo largo de nuestras vidas. Un disco que definitivamente está dentro de los mejores lanzamientos del panorama nacional para 2022.

Video del tema "Maquina del Tiempo":

Tracklist:

1. Máquina del Tiempo
2. La Gracia Clásica
3. Mano Rota
4. Dolores
5. Semana Ballena
6. Estatua de Sal
7. MApH
8. Hijo del Vudú
9. Sassenach
10. Juntos
11. Caminito  

La banda:

• Miguel (guitarra y voz), 
• Juande (batería) 
• Alejandro (guitarra) 
• Sixto (teclado) 
• Alfonso (bajo)

RACHIKA NAYAR - Heaven Come Crashing

ALBUM: Heaven Come Crashing

Es su segundo álbum publicado el 26 de agosto de 2022. Uno de los discos más interesantes lanzados este 2022 en el género de la música electrónica.

La guitarrista neoyorquina Rachika Nayar nos ofrece ambient, melodías entrelazadas e intensidad rítmica. "Heaven Come Crashing" cubre muchos estilos, desde "emo" hasta "drum 'n' bass" de una manera sorprendentemente cohesiva. Es un descubrimiento personal para mí este año, ya que tiene algunos de los paisajes sonoros ambientales más etéreos que he escuchado en mucho tiempo.

"Heaven Come Crashing", debe ser para Nayar una obra ambiciosa que bebe de las emociones, y se pueden sentir. Este disco aborda el post rock ambient basado en la guitarra desde diferentes ángulos, inspirándose en las bandas sonoras de anime y los himnos de trance. El disco es etéreo, y sorprende ascendiendo y expandiéndose cuando menos se lo espera. Hay muchos sintetizadores con mucho drama humano.

Tomamos dos cortes como ejemplos, el paisaje sonoro de "Tetramorph" parece despegar a la mitad de su duración de diez minutos, pero aún genera anticipación, mientras que "Nausea" respalda sus pianos de "dream" y figuras solitarias de guitarra con un bajo retumbante. Dos de las mejores canciones, "Our Wretched Fate" y "Heaven Come Crashing", tienen a Nayar reclutando a la cantautora "Maria BC" para la voz. Sus contribuciones líricas aumentan la profundidad del álbum y ofrecen una instantánea de estos jóvenes talentos que utilizan el "noise" para cultivar una ilusión de infinidad. "Heaven Come Crashing" encuentra a Nayar extendiendo su oferta sonora en innumerables direcciones a la vez sin parecer desarticulada. Otro punto culminante es el tema "The Price of Serenity", que ofrece sus pianos acelerados y un redoble de caja atronador que hace que todo sea edificante.

En general, este álbum, logra un equilibrio entre la música ambient y la música dance, tentando con la euforia de una pista de baile mientras la mantiene fuera del alcance. Es decir, estás tentado a levantarte para ir a bailar, pero permaneces sentado absorbiendo las olas de sonidos.

Un disco recomendado. Me cuesta definirlo, llamarlo ambient, drum n bass, post rock, épico, dream... lo que sea, es un sorprendente disco electrónico guiado que irradia calidez. No es un "game changer" y no llevará a la comunidad de dance a un frenesí, pero es una experiencia auditiva maravillosa que los fans de IDM disfrutarán. A título personal, contento de haber descubierto este año a esta sorprendente compositora y guitarrista, tiene talento y espero cosas más grandes en el futuro.

Video del tema "Heaven Come Crashing (The Sight Below Remix)":

Tracklist:

1. Our Wretched Fantasy - 3:30
2. Tetramorph - 9:46
3. Death & Limerence - 4:57
4. Nausea - 5:44
5. Promises - 2:00
6. Gayatri - 5:57
7. Heaven Come Crashing feat. Maria BC - 5:33
8. Sleepless - 3:11
9. The Price of Serenity- 6:02
10.Our Wretched Fate feat. Maria B - 3:44
11.Hollywood Is Real (bonus track) - 3:04
12.Heaven Come Crashing (The Sight Below Remix) bonus track - 6:11

HORACE ANDY - Midnight Rocker - Album

Horace Andy (Cantante de Reggae)

Lleva en el negocio de la música más de 50 años. Para los lectores más jóvenes, y especialmente los amantes del reggae, Andy es la voz detrás de las canciones "Angel", "Spying Glass" y "Five Man Army" con el grupo inglés de trip hop Massive Attack.

También es famoso por una versión de "Ain't No Sunshine". Horace Andy es mayoritariamente reconocido como uno de los cantantes más respetados e influyentes de Jamaica, así como en el género del reggae. 

ALBUM: Midnight Rocker

Publicado el 8 de abril de 2022 en el sello independiente "On-U Sound" de Adrian Sherwood.

Y la verdad es que este disco se beneficia enormemente de la selección de canciones y de la sobria pero pesada producción de Andy Sherwood manteniendo en el centro la inconfundible voz de Andy. La intensidad tranquila, el control y el carácter inquietante del canto están totalmente enfocados, lo que hace que los aspectos más destacados de "Midnight Rocker" se encuentren entre los mejores trabajos de Andy Horace.

Las actuaciones que realiza a los 71 años son tan poderosas como en cualquier otro momento de su larga y prestigiosa carrera. Este álbum es el primer trabajo con Adrian Sherwood, cuya producción de los años 80 con "On-U Sound" abordó el dub desde todos los ángulos. El resultado final es una cálida colección de 10 temas con infusión de reggae que restablece las bases para un maravilloso resurgimiento al final de su carrera para una auténtica leyenda. 

El álbum se compone de varias revisiones de canciones que Andy grabó anteriormente en su carrera y un puñado de canciones nuevas. La canción de apertura "This Must Be Hell" se encuentra entre las más fuertes del material reelaborado. Otros aspectos destacados de las canciones revisadas incluyen "Rock to Sleep" y "Safe from Harm" (sí, Massive Attack), no tanto por un re-arreglo de una canción anterior como una reinvención de las raíces. La nueva canción "Try Love" es un número de estilo rock  y "Careful" tiene algunas similitudes con la producción de mediados de los 70 del primo de Andy, Justin Hinds. Mientras que otro punto culminante, "Mr. Bassie", tiene ondas melódicas aireadas y líneas de bajo asesinas que provocan escalofríos, "Away With The Gun And Knife" es una versión de "Watch Over Them" con dub mejorado, algunos solos de metales agradables y un tono más relajado. En general, una obra encantador para cualquier seguidor de reggae-dub, y sin duda para los más conocedores de la música que buscan el buen gusto.

Un disco recomendado. Este es uno de los mejores álbumes de reggae del 2022. Los clásicos ingeniosamente reorganizados y las nuevas canciones maduras que definen el dub nos brindan una pequeña obra maestra del final de su carrera. El mejor álbum de Andy Horace en más de 40 años.

Video del tema "This Must Be Hell":

Tracklist:

1. This Must Be Hell - 3:33
2. Easy Money - 3:55
3. Safe From Harm - 4:53
4. Watch Over Them - 3:32
5. Materialist - 3:52
6. Today Is Right Here - 3:58
7. Try Love - 4:11
8. Rock to Sleep - 3:03
9. Careful - 2:58
10.Mr Bassie - 4:00

GRACE JONES - Nightclubbing - Album

Grace Jones (Cantante)

Grace Beverly Jones, también conocida como "Grace Jones", es una modelo, cantante y actriz nacida en Jamaica. A partir de 1977, comenzó su carrera musical y se convirtió inicialmente en una figura de alto perfil de la escena de la música disco centrada en el famoso "Studio 54" de la ciudad de Nueva York. A principios de la década de 1980, se movió hacia un estilo "new wave" que se inspiraba en el reggae, el funk, el post-punk y la música pop. Sus álbumes más populares incluyen "Warm Leatherette" (1980), "Nightclubbing" (1981) y "Slave to the Rhythm" (1985).

Jones ha sido citado como inspiración para múltiples artistas, incluidos Madonna, Annie Lennox, Lady Gaga, Rihanna, Solange, Lorde, Santigold, Basement Jaxx...etc. En 2016, Billboard la clasificó como la 40ª mejor artista de club de baile de todos los tiempos.

ALBUM: Nightclubbing

El quinto álbum de estudio publicado el 11 de mayo de 1981. Este LP marcó su segunda incursión en un estilo "new wave" que combina una variedad de géneros, incluidos reggae, art pop, dub, synth-pop y funk. Se considera una de las primeras convergencias de "moda, arte y música". 

Los críticos han reconocido la influencia del álbum en la música popular, citando su sonido único que ha sido emulado tanto por artistas pop como los alternativos, y cómo la "persona" que adoptó la cantante, profundamente inspirada en el arte y la moda, ha tenido una influencia duradera en la mujer moderna y cantantes de pop. "Nightclubbing" ahora se considera ampliamente la obra maestra de Jones. Además abre a Jones a una audiencia más amplia con una mayor apreciación de lo que puede hacer con material original y versiones.

La verdad es que me parece un álbum de pop fabuloso que tiene a Grace Jones trabajando con Sly Dunbar y Robbie Shakespeare (Sly & Robbie). Si bien "Sly y Robbie" brindan el esqueleto, el músculo y el pulso de este disco, la "persona" y la actitud son todas de Grace Jones. Ya sea que se sienta como una mujer, se vea como un "hombre" o diosa de las discotecas, es absolutamente genial y elegante, y captura una variedad de estilos de su tiempo.

"Nightclubbing" también tiene a Graces Jones seleccionando algunas canciones excelentes para reinterpretar. Por ejemplo, "Demolition Man" de The Police, "Use Me" de Bill Withers, "Walking In The Rain" de Flash In The Pan y "Nightclubbing" de Iggy Pop obtienen reinterpretaciones radicales y geniales. Sin embargo, el gran tema para mí es "Pull Up to the Bumper", plagada de traviesos de doble sentido. No son solo las letras las que hacen que la canción sobresalga; las espirales tintineantes de la guitarra rítmica y un ritmo simplista, sofocante y de medio tiempo hacen que la canción sea efectiva, incluso sin considerar la presencia de Jones. Es probablemente una de las canciones más sexys (sexualmente provocativas) de la historia del pop. Me encanta, además es genial para bailar. Los maestros "Sly & Robbie" proporcionan un brillo enérgico pero no erizado sobre estructuras flotantes.

Un disco recomendado. Una pequeña masterclass de art-pop, reggae y disco. Poco sabía Grace, pero su estilo andrógino, su voz pensativa y sus ritmos vibrantes proporcionados por Sly y Robbie, prepararon el escenario para lo que vendría durante el resto de la década de 1980. Es un disco genial y sexy que catapultó a Grace Jones al estrellato de la música pop. Este LP te invita a bailar con su reggae, funk, soul, cabaret y sonidos de Club. Es muy diverso y en cierta manera adelantado a su tiempo. Buscarlo. 

Video "Pull Up to My Bumper":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1.         "Walking in the Rain"            4:18
2.         "Pull Up to the Bumper"                    4:41
3.         "Use Me"                    5:04
4.         "Nightclubbing"                     5:06

Cara B: 

5.         "Art Groupie"             2:39
6.         "I've Seen That Face Before (Libertango)"   4:30
7.         "Feel Up"        4:03
8.         "Demolition Man"                  4:03
9.         "I've Done It Again"              3:51   

CUL DE SAC - China Gate - Album

Cul de Sac (Banda Rock)

Es un grupo de rock formado en 1990 en Boston (EE.UU), liderado por el guitarrista Glenn Jones. La música es básicamente instrumental. Jones y el teclista Robin Amos han sido los únicos miembros constantes.

Han sido clasificados como post rock, pero Jones ha expresado cierta incomodidad con el término. Combinan la guitarra de afinación abierta, tocando con los dedos, con la electrónica y el noise, colocados dentro de un marco de rock rítmico.

ALBUM: China Gate

 
Tercer álbum publicado en 1996 que incorporó elementos de surf rock, también el jazz experimental y electrónica. La maestría musical en este disco es pura magia. La guitarra fluye sin esfuerzo y funciona bien en combinación con los ritmos esotéricos que toca el resto de la banda. Combinando muchos otros géneros diferentes, desde Krautrock y American Folk, es una hora de escucha fascinante de música.

Este LP aparece en medio de la locura del post-rock en la que la banda en sí misma no tuvo una participación real ni una afinidad. El cuarteto - Robin Amos (sintetizadores, sampler, voces), Chris Fujiwara (bajo), Glenn Jones (guitarra) y Jon Proudman (batería) - combinan sonidos de todo el mundo en una serie de composiciones enérgicas y de ensueño.

Cada uno de los talentos específicos de los miembros brilla en este LP. El tema "Sakhalin" es un ejemplo, con Jones y Amos intercambiando piezas de guitarra y sintetizador en la mejor tradición del jazz mientras Fujiwara y Proudman establecen un ritmo constante. Un buen equilibrio continúa desde el sintetizador perturbador y las líneas electrónicas de Amos hasta la percusión sin acompañamiento de Proudman, que hace vibrar un paisaje casi místico. Lo más destacado es la capacidad de la banda para manejar material tanto fuerte como suave, como el corte "James Coburn". Otros grandes momentos incluyen el trabajo de guitarra de Jones en "Doldrums", el bajo de Fujiwara en "Hemispheric Events Command" y las extensas exploraciones de "The Fourth Eye".

Al escuchar este álbum, también puedes pensar que es más estilo krautrock en un formato de “jam-session” de grabación extendida que ofrece space rock y noise de surfnik. Tome su elección de "eslóganes" descriptivos, pero lo que es innegable es que pasado el tiempo ahora es un clásico de una banda que merece una nueva evaluación. Mejor aún, de ser redescubierto por los amantes de la música que buscan algo fuera de lo normal, creativo, experimental y excelentemente ejecutado por músicos muy buenos y talentosos.

Disco recomendado. Es diferente, tal vez injustamente olvidado, o mejor dicho, perdido con el tiempo en la pila de cientos de lanzamientos similares. Merece ser descubierto, escuchado y disfrutado. Pasa la palabra.

Video del tema "The Colomber":

Tracklist:

1.         "China Gate"              1:11
2.         "Sakhalin"                   5:49
3.         "Nepenthe"                 8:47
4.         "Doldrums"                5:45
5.         "James Coburn"                      6:30
6.         "Virgin Among Cannibals"                2:09
7.         "...His Teeth Got Lost in the Mattress..."                  3:06
8.         "Hemispheric Events Command"      6:15
9.         "The Fourth Eye"                   11:36
10.       "The Colomber"                     6:16
11.       "China Gate" (reprise)                        0:31
12.       "Utopia Pkwy"   6.51

SUEDE - Autofiction

ALBUM: Autofiction

El noveno álbum de estudio publicado el 16 de septiembre de 2022. Este es el primer lanzamiento en cuatro años, después de "The Blue Hour" de 2018. La banda "Suede" se reunió con su ex colaborador y productor Ed Buller y nos presentó un disco mágico. La producción suena limpia y, a pesar de las letras oscuras, la energía que exhala es asombrosa.

Suede cambia sus inclinaciones góticas, oscuras y cinematográficas por guitarras, lo que resulta en quizás una de los álbumes más ruidosas en mucho tiempo. "Autoficción" es un trabajo lleno de madurez, se puede escuchar que los chicos han estado haciendo esto durante mucho tiempo. Algunos de los temas casi me recuerdan a "Psychedelic Furs", "The Cult", "Cure"... pero con esa marca de la casa y sonido de siempre.

El disco abre con "She Still Leads Me On", una oda a una madre fallecida. Esto ya nos avisa que es un trabajo oscuro, la sensación de "muerte" es su trasfondo, que se entrelaza con los deseos de recuperar la juventud perdida y la aceptación de las limitaciones de la edad ya avanzada proporcionada por una banda veterana que sabe cómo ejercer su poder. Las sensuales guitarras y sintetizadores crean sonidos penetrantes acentuando el romanticismo del vocalista Brett Anderson. Es una grabación infundida tanto de reflexión como de nuevas ideas, el equilibrio perfecto entre mirar hacia atrás y empujar hacia adelante. Es un trabajo notable que demuestra que Suede no solo intenta reavivar sus antiguas llamas, sino que ya están presentes.

Los teclados de Neil Codling crean preciosas atmósferas que sirven bien en las baladas, como en “Drive Myself Home”, y las guitarras de Richard Oakes siempre dando potencia con los temas más fuertes. Hay aquí mucha clase.

En este disco, la banda sabe cómo desplegar no sólo sus puntos fuertes, sino también su combinación distintiva de sexy post-punk, glam y poesía para hacer un álbum que suena completamente vivo. Suede sabe que no son los pioneros que alguna vez fueron durante el Britpop, pero están continuamente desarrollando su propio sonido en lugar de perseguir nuevos territorios musicales.

Un disco recomendado. Llámelo un trabajo de regreso si lo desea, pero es más que eso, es un regreso triunfal a la primera línea del rock alternativo moderno. Una llamada maravillosa para todos nosotros de que Suede está de vuelta, y suenan mejor que nunca.

Su debut "Suede" (1993) sigue siendo mi favorito, pero este lanzamiento es un éxito, y realmente es de calidad. "Autofiction" es una excelente escucha de 45 minutos, una delicia.

Video del tema "The Only Way I Can Love You":

Tracklist:

1.         "She Still Leads Me On"        4:09
2.         "Personality Disorder"           4:00
3.         "15 Again"      3:25
4.         "The Only Way I Can Love You"     4:08
5.         "That Boy on the Stage"        2:36
6.         "Drive Myself Home" 4:30
7.         "Black Ice"     2:45
8.         "Shadow Self"            3:34
9.         "It's Always the Quiet Ones" 4:12
10.       "What Am I Without You?"  6:18
11.       "Turn Off Your Brain and Yell"        5:54

RYAN ADAMS - Nebraska

ALBUM: Nebraska 

Puesto a la disposición del publico hace unos días Ryan Adams ha versionado por completo el clásico “Nebraska” de Bruce Springsteen. Hizo lo mismo en 2015 cuando versionó todo el disco de Taylor Swift, "1989".

Se puede decir que es el álbum de estudio número 23 de Ryan Adams, disponible a través de su sitio Web - ryanadamsofficial.com/nebraska , donde se puede descargar gratis dando tu correo electrónico y recibiendo un archivo zip más tarde en el mismo correo. ¿Qué puede que salga en un futuro en físico o parecido? Ni idea, pero ahora mismo, ir a por ello mientras se puede.

Para dar más contexto a esta grabación, Ryan Adams afirma:

“...es un álbum especial que me enseñó mucho sobre la composición de canciones. Todavía lo hace después de todos estos años...”.

Ryan Adams no se aparta demasiado del original, pero cuando lo hace, acierta, al menos para mi gusto. Lleva al tema "Reason To Believe" el piano, da un toque de garage a "Johnny 99", o añade una caja de ritmos a "Nebraska". He leido que el propio Bruce Springsteen explicó cómo le había influenciado el dúo "Suicide" en la concepción del álbum, y parece que Ryan Adams ha recogido esa inspiración jugando con reverbs como él la canción "Mansion On The Hill" y "Highway Patrolman", o añadiendo guitarra y distorsión lo-fi a ‘State Trooper’, haciendo mejorar de verdad la canción original de "Nebraska".

En general, Ryan Adams hace poco por reinventar las canciones. No hay nada especial ni brillante, y puede que se enfaden muchos fans de Springteen. Lo que Adams sí ha conseguido es que el espíritu original de "Nebraska" no se pierda en su homenaje transmitiendo mucho respeto.

Un disco (o descarga) recomendado. Yo no escucho a Bruce Springteen, menos solo un disco "Born To Run" (1975), y lo que ha conseguido Adams es que me anime escuchar otro de Bruce aunque sea por su voz y su interpretación.

Y termino, el otro ángulo de ver todo esto es de ser parte de una gran campaña de marketing: comunica que Ryan Adams está de vuelta, anuncia su próxima gira, atrae visitas a su web y le da una notoriedad que le hacía falta. Todos los medios especializados, y yo mismo, estamos comunicando. Chapo!

Video del tema "State Trooper":

Tracklist:

1.Nebraska
2.Atlantic City
3.Mansion on the Hill
4.Johnny 99
5.Highway Patrolman
6.State Trooper
7.Used Cars
8.Open All Night
9.My Father's House
10.Reason to Believe

SHAWN PITTMAN - Hard Times - Album

SHAWN PITTMAN (Blues)

Cantante, compositor y guitarrista residente en Texas. Cuando tenía 28 años, Shawn Pittman ya había grabado y lanzado tres álbumes, lo que lo convertía en un prolífico músico de blues moderno. Pittman cuenta entre sus influencias a bluesmen como Lightnin' Hopkins, Hound Dog Taylor y StevieRay Vaughan. Pittman nos trae un blues crudo y auténtico. Ha grabado 16 álbumes y ya acumula más de 100 canciones originales desde su debut en 1997 con el disco "Burnin' Up".

Una Breve Historia:

Nació y creció en Oklahoma, donde sus primeros recuerdos musicales fueron escuchando las colecciones de discos de su padre y su abuelo, que incluían a Buddy Holly y Chuck Berry. Su abuela era pianista de boogie-woogie y su abuelo tocaba la guitarra country.

Sus primeros héroes del blues fueron Jimmy Reed y Lightnin' Hopkins. Comenzó a tomar lecciones de piano a los ocho años y las mantuvo hasta los 15, tocando un poco con el saxofón y la batería antes de decidirse por la guitarra. Pittman se mudó a Dallas en 1992 y saltó directamente a la escena de clubes de blues de Dallas, sentado con músicos como Anson Funderburgh, Hash Brown, Mike Morgan, Tutu Jones, Mark Pollock y Andrew "Jr. Boy" Jones. Al ser educado por algunos de los mejores músicos de Dallas, Pittman se convirtió en un guitarrista multidimensional.

 

ALBUM: Hard Times

 
Publicado el 21 de septiembre de 2022, este LP presenta un nuevo trío con el que Pittman está de gira en apoyo del álbum. La formación ha tocado y grabado en vivo este álbum. Cuenta con Jason Crisp en el bajo Danelectro 'Longhorn' y como segunda guitarra, y Mike King está en la batería.

Es una mezcla de material nuevo y antiguo, capturado en "Wire Studio" en Austin, Texas, con el ingeniero Stuart Sullivan. Este álbum tiene 12 canciones originales en oferta sin "overdubs". Ósea, puro blues de garaje crudo y orgánico tocado en directo.

El trío ofrece blues de Texas en sus múltiples facetas. El álbum abre con alegría con "Pocket Dial". El corte "The House Always Wins" es un blues de bar hecho con dos guitarras y sin bajo que recuerda a "Hound Dog Taylor" y presenta algunos solos exquisitos. Le sigue "Sativa" que ejemplifica la coherencia musical de esta banda. Otras pistas como "Maintain" y "Tailspin" son bailables, mientras que la canción principal "Hard Road" es un blues tradicional. Y para hablar de otro número, "That 's The Thing" muestra la asombrosa habilidad de Pittman con su voz y guitarra. 

Un disco recomendado. Este álbum es música de blues de la más alta calidad. Realmente no hay una canción débil en el álbum. El trabajo de guitarra de Shawn Pittman es intrincado, sutil, emotivo y exquisito. Los otros miembros de la banda, Jason Crisp y Mike King, también merecen una especial mención.

En general, para mí, es uno de los grandes lanzamientos del 2022 en el género Blues. Se publicó relativamente tarde en el año, lo que puede haber influido en que no haya aparecido masivamente en la mayoría de las listas de lo mejor de fin de año.

Búscalo y este disco una escucha.

Video del tema "Backsliding Again":

Tracklist:

01. Pocket Dial
02. The House Always Wins
03. Sativa
04. Backsliding Again
05. Take a Real Good Look
06. Tailspin
07. Go Down Swingin’
08. Hard Road
09. Maintain
10. Keep Pushin’
11. That’s the Thing
12. Down in the Valley

DANIEL AVERY - Ultra Truth

ALBUM: Ultra Truth

Posiblemente el álbum de estudio más ambicioso y logrado del productor electrónico británico hasta la fecha, publicado el 4 de noviembre de 2022 con el toque de producción de Ghost Culture y Manni Dee, las voces de HAAi, Jonnine Standish (HTRK), AK Paul y las voces de Marie Davidson, Kelly Lee Owens, Sherelle y James Massiah. Una experiencia auditiva de música electrónica única y densamente estratificada.

Avery es conocido por sus habilidades técnicas y su forma de invocar melodía, un sentido del equilibrio define este glorioso disco. Sus melodías son armoniosas, llenas de contra-juegos e intuitivamente tocadas con sus ritmos polirrítmicos. Las texturas se agregan junto con un "caos" ordenado a través de un moldeado sónico inmaculado.

Según Daniel Avery en "Ultra Truth" reflexiona sobre la pérdida, el aislamiento y las personas que más significan para él. Tomemos como ejemplo la canción "Lone Swordsman", un emotivo tributo a su admirado mentor, el difunto "DJ Andrew Weatherall".

El resto del álbum es similar, cubriendo una amplia gama de estilos y presentando a vocalistas y productores invitados. La voz de "HAAi" suena en "Wall of Sleep" y suena eufórica durante "Chaos Energy", una pista agresiva con una introducción hablada de Kelly Lee Owens. Avery se sumerge de lleno en "jungle" atmosférico con quizás una de mis canciones favoritas de este LP, "Devotion" y que sigue la misma línea que "Higher". La escala "Beats Per Minute" (BPM) se calma en "Only", una canción de amor cantada por Jonnine Standish (HTRK) sobre un ritmo lento. "Near Perfect" es un viaje a la deriva de trip-hop que termina con una cita de Sherelle sobre la necesidad de expresar sentimientos intensos. El resto de cortes se mueve entre líneas de electro e IDM, con el corte "Ultra Truth" que vibra tocando melodías y "Spider" un gran pieza downtempo. Por último, pero no menos importante, "Heavy Rain", concluye con una afirmación poética de James Massiah.

En general, Avery utiliza sonidos simples pero efectivos para crear un hermoso ambiente atmosférico rodeado de misterio. El "ambient" es encantador y emotivo, pero de alguna manera también suena oscuro, definitivamente hay pérdida y dolor dando vueltas en el aire. Una grabación muy humana que llega al corazón del oyente.

Un disco recomendado. Si eres un fan de la música electrónica de gente como Aphex Twins, PFM y LTJ Bukem, por mencionar solo tres, definitivamente disfrutarás de este disco. Para mí es -quizás- el mejor álbum de música electrónica de 2022.

Introspectivo y propulsor, intenso y opaco, Daniel Avery vuelve a subir el listón de medir en este LP. También ocupa un lugar destacado en el género de progressive beats. "Ultra Truth" es uno de los lanzamientos más potentes de Avery hasta la fecha.

Video del tema "Devotion":

Tracklist: 

1. New Faith 03:44
2. Ultra Truth 05:17
3. Wall of Sleep 04:47
4. The Slow Bullet 01:18
5. Devotion 03:51
6. Only 02:36
7. Spider 05:05
8. Near Perfect 02:30
9. Higher 05:02
10.Ache 01:22
11.Collapsing Sky 04:52
12.Lone Swordsman 04:23
13.Overflowing With Escape 02:11
14.Chaos Energy 05:13
15.Heavy Rain 05:09  

MJ LENDERMAN - Boat Songs

ALBUM: Boat Songs

El tercer y primer álbum de estudio propiamente dicho de "MJ Lenderman", quizás más conocido como guitarrista de la banda "Wednesday", influenciado por Sparklehorse, Jason Molina, etc., fusiona algo que suena muy propio. Grabado con Alex Farrar y Colin Miller, "Boat Songs" es el primer álbum que Lenderman hace en un estudio profesional.

Trabajando principalmente en el ámbito del country alternativo, Lenderman mezcla aspectos del rock y el slowcore de los 90 con el espíritu del garage y toques de shoegaze-noise para crear un conjunto de 10 canciones fabulosas. En general, hay muy buena composición de canciones, sentimientos e imágenes vívidos. Las guitarras son descabelladas, sueltas y llenas de carácter, las voces son somnolientas, vivaces y se balancean en el aire, y lo más importante, la energía se libera por completo. Si bien las canciones están empapadas de distorsión y retroalimentación, rara vez se apoyan en el lado inmersivo de ese estilo. El uso de la narración por parte del artista permite que la composición en este disco se extienda, evitando volverse insular al evocar sentimientos indescriptibles en la calidez acogedora de lo cotidiano.

Lo que más se destaca es su excelente trabajo con la guitarra, que brilla en la mayoría de los momentos destacados del álbum. La canción "TLC Cagematch" es emotiva. "Toontown" es igualmente tentadora influenciada por el slowcore. Más adelante en el álbum, después de un conjunto de temas más cortas que mantienen la energía, llega el cierre del álbum y los cortes intensos "Tastes Just Like It Costs" revelando fantásticos riffs estilo Crazy Horse y el último corte "Six Flags" con sus acordes disonantes. Si bien estas cuatro pistas brillan más, otras joyas se encuentran en todo el LP.

Un disco recomendado. Un álbum en solitario rompedor, con una visión cautivadora y un solidez inmersivo y lleno de fuzz. Una gran escucha para cualquier persona interesada en el country alternativo y los cantautores independientes de los 90 que confirma a Lenderman como un artista por derecho propio. Un LP meritorio de tener una presencia en un blog de música que pretende hacer conocer la buena música.

Video del tema "Tastes Just Like It Costs":

Tracklist:          

1.Hangover Game 2:16
2.You Have Bought Yourself a Boat 2:51
3.TLC Cage Match 3:52
4.Toontown 3:56
5.SUV 1:57
6.Under Control 2:19
7.Dan Marino 2:15
8.You Are Every Girl to Me 3:50
9.Tastes Just Like It Costs 3:47
10.Six Flags 6:36

APRIL WINE - Stand Back

ALBUM: Stand Back

 
El cuarto álbum de estudio fue publicado en 1975. Se convirtió en el primer álbum de una banda canadiense en lograr ventas de platino en Canadá. Cualquier fan del rock de los años 70 (Siglo XX) disfrutará de este disco. Tiene un montón de números de calidad y mucha variedad. 

Después de mostrar con lanzamientos anteriores tener potencial, "April Wine" lo reunió todo en "Stand Back". Este álbum encontró al grupo logrando un equilibrio entre la composición pop y el poder de la guitarra del hard rock, abriéndose así más a lo "comercial", no demasiado, pero lo suficiente.

El LP comienza con el tema "Oowatanite", un corte rock arreglado de manera efectiva que presenta un efecto de sonido de alarma de incendio. Se convirtió en un éxito en el Canadá natal de la banda y rápidamente se convirtió en un elemento permanente en la lista de canciones en directo de la banda. Otras canciones fuertes incluyen "Cum Hear the Band" y "Victim of Love", una pista de rock candente que presenta su historia de amor no correspondido con mucho trabajo de guitarra.

"Stand Back" también nos muestra la afición de Myles Goodwyn por las baladas poderosas en "I Wouldn't Want to Lose Your Love" y "Tonite Is a Wonderful Time to Fall in Love", dos canciones memorables con melodías delicadas con capas de contenido sobrio pero con potente guitarra eléctrica. Esta combinación efectiva de habilidad y fuerza hizo que las canciones fueran grandes éxitos y allanó el camino para algunos éxitos internacionales posteriores. Aparte de un par de temas que intentan nuevas aventuras en el funk rock, "Stand Back" sigue siendo sólido y es una buena experiencia auditiva.

Disco recomendado. Con todo, "Stand Back" es uno de los mejores logros de "April Wine" en forma de álbum y una apuesta segura para cualquiera que disfrute del rock de arena de la década de 1970 en su máxima expresión. Gran LP de rock melódico.

Video del tema "Oowatanite":

Tracklist:

1."Oowatanite"  – 3:52
2."Don't Push Me Around" – 3:14
3."Cum Hear the Band" – 3:52
4."Slow Poke" – 3:47
5."Victim for Your Love" – 4:17
6."Baby Done Got Some Soul"  – 2:45
7."I Wouldn't Want to Lose Your Love" – 3:12
8."Highway Hard Run" – 4:01
9."Not for You, Not for Rock & Roll" – 3:14
10."Wouldn't Want Your Love (Any Other Way)"  – 2:43
11."Tonite Is a Wonderful Time to Fall in Love" – 3:35