HOUND DOG TAYLOR | Hound Dog Taylor and the HouseRockers

Hound Dog Taylor (Bluesman)

Theodore Roosevelt "Hound Dog" Taylor fue un guitarrista y cantante de blues de Chicago.

Nacido en Natchez, Mississippi, en 1915, aunque algunas fuentes dicen que en 1917, tocó primero el piano y comenzó a tocar la guitarra cuando tenía 20 años. Se mudó a la ciudad de Chicago en 1942.

Era famoso entre los guitarristas por tener seis dedos en ambas manos, una condición llamada "polidactilia". Existe la historia de que una noche mientras estaba borracho se quitó un dedo de la mano derecha con una cuchilla. ¡Menudo pedo!

Se convirtió en músico a tiempo completo alrededor de 1957, pero permaneció desconocido fuera del área de Chicago, donde tocaba en pequeños clubes en barrios negros. Era conocido por su forma electrificada de tocar la "guitarra slide", sus guitarras Teisco japonesas baratas y sus ritmos boogie. En general, se acepta que Freddy King copió una buena parte de su clásico "Hide Away" de un instrumental que escuchó tocar a Taylor un buen día. En 1967, Taylor realizó una gira por Europa con el "American Folk Blues Festival", actuando con Little Walter y Koko Taylor.

En 1971, un hombre de negocios estadounidense Bruce Iglauer (ex empleado de "Delmark Records"), después de no haber tenido éxito en conseguirle a Taylor un contrato discográfico en "Delmark", utilizó una herencia de 2500 dólares para formar "Alligator Records", que grabó el álbum debut de Taylor, "Hound Dog Taylor y los HouseRockers". El sello "Alligator Records" llegaría a ser una importante discográfica de Blues, aunque su fundación se debe por la insistencia de Iglauer de publicar un disco de Taylor.

La banda de Taylor, "The HouseRockers", estaba formada sólo por dos hombres. El segundo guitarrista Brewer Phillips, que a menudo proporcionaba pseudo bajos vibrantes en su guitarra, había desarrollado tal empatía con Taylor que sus guitarras se entrelazan con una fuerza casi mágica, mientras que el baterista Ted Harvey mantenía todo en movimiento a un ritmo rápido. Un Blues - una opinión mía - asombroso.

Iglauer pronto comenzó a administrar a la banda, que realizó giras por todo el país y actuó con "Muddy Waters", "Freddie King" y "Big Mama Thornton". La banda se hizo especialmente popular en el área de Boston, donde Taylor inspiró al joven "George Thorogood". El segundo álbum de Taylor y su banda, "Natural Boogie", recibió mayor aclamación y dio lugar a más giras. En 1975, realizaron una gira por Australia y Nueva Zelanda con "Freddie King" y el dúo de "Sonny Terry y Brownie McGhee". El tercer álbum de Taylor para Alligator, "Beware of the Dog", fue grabado en directo en 1974 pero no fue lanzado hasta después de su muerte. Alligator también lanzó, póstumamente, "Genuine Houserocking Music" y "Release the Hound". También circulan grabaciones en directo piratas después de la muerte de Taylor.

La discografía de álbumes de estudio y directos:

•  1971 - Hound Dog Taylor and the HouseRockers
• 1974 - Natural Boogie
• 1976 - Beware of the Dog!
• 1981 - Live at Florences
• 1982 - Genuine Houserocking Music
• 1999 - Hound Dog Taylor, deluxe edition
• 2004 - Release The Hound 

"Hound Dog" Taylor murió de cáncer de pulmón en 1975. En 1984, Taylor fue incluido póstumamente en el "Salón de la Fama del Blues".

El disco que tengo y que escucho con frecuencia es el debut "Hound Dog Taylor and the HouseRockers" de 1971. Un excelente álbum de blues de guitarra eléctrica.

ALBUM: Hound Dog Taylor and the HouseRockers

El álbum debut de 1971 de "Hound Dog Taylor". Publicado originalmente en LP  posteriormente ha sido reeditado en CD. Es la primera grabación emitida en el sello "Alligator Records" fundado por Bruce Iglauer con el propósito específico de lanzar un álbum de la música de Taylor después de que él no pudo persuadir a Bob Koester, entonces su jefe en "Delmark", para grabar Taylor.

El álbum cuenta con sólo tres músicos: el propio Taylor en la voz y la guitarra slide, Brewer Phillips en la guitarra y Ted Harvey en la batería. Para los solos, los dos guitarristas alternan entre tocar y acompañar al otro guitarrista.

 
Un álbum salvaje, estridente y blues salido directamente de los clubes del South Side Chicago. El impulso incesante de la interpretación de "Hound Dog" se escucha mejor en "Give Me Back My Wig", "55th Street Boogie" y "Taylor's Rock", mientras que el sonido de la guitarra "Telecaster" de Brewer Phillips en "Phillips 'Theme" le da un nuevo significado al frase "tono de chapa". Los ritmos te llevan casi a un trance, y la voz y la letra de "Hound Dog Taylor" son el acompañamiento perfecto. El disco también lleva tres versiones de otro maestro del "slide guitar", Elmore James.

Lo que hace este disco más atractivo es lo crudo que suena: blues eléctrico primitivo y sucio. Fue grabado en "Sound Studios" en Chicago, pero en realidad, parece que fue grabado en un garaje en un día lluvioso. Hay notas toscas, guitarras y tambores por todas partes. Sin embargo, la banda de "The HouseRockers" avanza a toda velocidad. Un disco de y para la fiesta que impulsa al oyente a moverse al ritmo.

Un disco recomendado. Un blues que todavía suena fresco y de actualidad. Encuentras un blues desgarrador desde el principio. Es posiblemente uno de los mejores álbumes de guitarra slide de todos los tiempos. Además, este disco sólo confirma lo que muchos fans piensan, que "Hound Dog" Taylor debería haber sido más famoso.

Video del tema "She´s Gone":

Tracklist:

1."She's Gone" - 3:46
2."Walking the Ceiling" - 3:12
3."Held My Baby Last Night" (Elmore James) - 4:14
4."Taylor's Rock" - 3:50
5."It's Alright" - 3:10
6."Phillips' Theme" - 5:27
7."Wild About You, Baby" (Elmore James) - 3:35
8."I Just Can't Make It" - 3:15
9."It Hurts Me Too" (Elmore James) - 3:47
10."44 Blues" - 2:52
11."Give Me Back My Wig" - 3:31
12."55th Street Boogie" - 2:59

THE DEARS | Missiles - Album

The Dears (Banda)

Grupo canadiense de indie rock de la ciudad de Montreal. La banda está dirigida por el dúo formado por marido y mujer, el cantante, guitarrista y enigmático líder Murray Lightburn y la tecladista Natalia Yanchak.

Murray Lightburn comenzó a escribir y grabar material bajo el nombre de "The Dears" en 1995, originalmente acompañado por el guitarrista Richard McDonald, el bajista Andrew White y el baterista John Tod. En 1998 Natalia Yanchak se unió al grupo y su ahora reconocible estilo comenzó a tomar forma.

La banda publicó su primer álbum, "End of a Hollywood Bedtime Story" en 2000. Su sonido orquestal, pop oscuro y sus dramáticos shows en directo establecieron a "The Dears" como parte del entonces emergente renacimiento de la escena indie canadiense. Dado que su enfoque ha evolucionado de un pop de estilo orquestal a un sonido pop de "chamber" más íntimo y luego a un estilo indie pop más compacto pero melódicamente sofisticado, todo con voces de estilo cabaret y una mentalidad lírica que refleja la influencia de "Serge Gainsbourg", uno de los los favoritos declarados de Lightburn.

Dicho esto, parece que Murray Lightburn es un personaje difícil, o al menos tiene sus ideas super claras. La alineación ha sido una especie de puerta giratoria, con más de 20 músicos siendo parte de The Dears. Es más, para la grabación de su cuarto disco "Missiles", se fue prácticamente todo los componentes excepto, Murray y Natalia.

Discografía hasta ahora:

• 2000: End of a Hollywood Bedtime Story
• 2003: No Cities Left 
• 2006: Gang of Losers
• 2008: Missiles
• 2011: Degeneration Street 
• 2015: Times Infinity Volume One
• 2017: Times Infinity Volume Two
• 2020: Lovers Rock

Para la mayoría de críticos y fans, el álbum de 2006 "Gang of Losers" es considerado su mejor trabajo hasta la fecha. Si bien es un trabajo fuerte, personalmente me inclino más hacia el álbum de 2008 "Missiles".

ALBUM: Missiles

Es el cuarto álbum de estudio publicado el 20 de octubre de 2008.

El álbum estuvo marcado por tensiones creativas dentro de la banda. Cuando se completó el proceso de grabación, la mayoría de los músicos se habían ido, dejando solo a los miembros principales Murray Lightburn y Natalia Yanchak. Con todas las tensiones, este es un trabajo encantador y apasionado. Las canciones son épicas pero no demasiado exageradas. El álbum es melódico y dulce, pero no cansa. También hay (existen) amplias comparaciones con "Radiohead", que pueden ser algo bueno o malo dependiendo de cómo lo tomes como oyente. Personalmente lo considero algo positivo.

Grabado en un corto período de tiempo con numerosos músicos de sesión, "Missiles" es tan tosco e inconexo como solido y majestuoso, equilibrando el caos artístico con la franqueza emocional. Dicho esto, este álbum puede necesitar múltiples escuchas. Con canciones de promedio de entre cinco y seis minutos, se requiere algo de concentración para apreciar los matices.

Comenzando el disco con una introducción extendida - "Disclaimer" - dirigida por un saxofón al estilo "Dark Side ... de Pink Floyd" y terminando con una canción épica - "Saviour" - de 12 minutos a medio tiempo, "Missiles" tiene más en común con "Radiohead" y su álbum "OK Computer". El tema "Berlin Heart" es musicalmente similar a "No Surprises" (tema en "Ok Computer"), y aunque no se puede escapar de las comparaciones, también hay grandes momentos originales como; "Money Babies", "Lights Off" y "Crisis 1 & 2", tres canciones atractivas y con ganchos inundados con armonías corales, riffs clásicos, metales y cuerdas. Las melodías son arrolladoras e indulgentes con ritmos apretados que se extienden hasta el punto de romperse. No obstante, la fuerza de "Missiles" está en los detalles. Los teclados, la línea de bajo y las capas de rock clásico que cubren algunas canciones son algo completamente diferentes y llamativos. En resumen, un disco sólido y placentero para escuchar. Una obra de cincuenta y ocho minutos para ser escuchada de principio a fin sin interrupciones.

Un disco recomendado. Un álbum que trabaja y pone un énfasis sobre la elegancia que en pocos álbumes de actualidad se puede encontrar. Si no lo conoces, buscarlo, te puede dar una sorpresa grata.

Video del tema "Lights Off":

Tracklist:

1.         "Disclaimer"    6:44
2.         "Dream Job"   4:32
3.         "Money Babies"         4:16
4.         "Berlin Heart" 4:26
5.         "Lights Off"   8:02
6.         "Crisis 1 & 2"  3:44
7.         "Demons"       5:00
8.         "Missiles"        5:00
9.         "Meltdown in A Major"         5:10
10.       "Saviour"        11:20

SCOTT WALKER | Scott - Album

Scott Walker (Músico)

Noel Scott Engel, también conocido artísticamente como Scott Walker, fue un cantautor, compositor y productor de discos estadounidense (nacido en Ohio) que residió en Inglaterra. Walker era conocido por su voz de barítono y por una trayectoria profesional poco ortodoxa que lo llevó desde ser un ícono del pop adolescente de la década de 1960 hasta el músico de vanguardia del siglo XXI. Su carrera en solitario dramatiza un choque constante entre el éxito comercial y el esfuerzo artístico. El éxito de Walker fue en gran parte en el Reino Unido, donde sus primeros cuatro álbumes en solitario llegaron a los diez primeros puestos de las listas. A su muerte en 2019, la BBC lo describió como "una de las figuras más enigmáticas e influyentes de la historia del rock".

Saltando a la fama a mediados de la década de 1960 como líder del trío de música pop "The Walker Brothers", comenzó una carrera en solitario con el disco "Scott" de 1967, avanzando hacia un estilo cada vez más desafiante en álbumes de pop barroco de finales de la década de 1960 como "Scott 3" y "Scott 4" (ambos lanzados en 1969).

Después de que las ventas de su trabajo en solitario comenzaron a disminuir, se reunió de nuevo con "The Walker Brothers" a mediados de la década de 1970. Desde mediados de la década de 1980 en adelante, Scott Walker revivió su carrera en solitario mientras avanzaba en una dirección cada vez más vanguardista; en la década de 1980, Walker era una figura destacada de la escena musical underground del Reino Unido y consiguió muchos seguidores de culto.

Discografía (como solista y/o colaboración y BSO):

• Scott (1967)
• Scott 2 (1968)
• Scott 3 (1969)
• Scott 4 (1969)
• 'Til the Band Comes In (1970)
• The Moviegoer (1972)
• Any Day Now (1973)
• Stretch (1973)
• We Had It All (1974)
• Climate of Hunter (1984)
• Tilt (1995)
• Pola X OST (1999)
• The Drift (2006)
• And Who Shall Go to the Ball? And What Shall Go to the Ball? (2007)
• Bish Bosch (2012)
• Soused (2014, with Sunn O))))
• The Childhood of a Leader OST (2016)
• Vox Lux OST (2018)

Para mí es un auténtico camaleón, que se convirtió en una figura influyente del art rock; inicialmente un ídolo adolescente convertido en cantante de pop de culto convertido en vocalista de vanguardia. Scott Walker murió en 2019 a la edad de 76 años.

Muchos artistas han expresado su admiración por Scott Walker o lo han citado como una influencia, incluidos David Bowie, Alex Turner, Marc Almond, Damon Albarn, Goldfrapp, Julian Cope, Jarvis Cocker, Thom Yorke, Steven Wilson, Leonard Cohen, Brian Eno... por mencionar sólo algunos. 

En general, no soy un gran fan de Scott Walker. Sin embargo, escucho y disfruto de sus primeros álbumes, en particular el disco debut que inició su carrera en solitario.

ALBUM: Scott

El primer álbum en solitario de Scott Walker, fue originalmente publicado en el Reino Unido en 1967. El álbum fue un éxito comercial recibiendo elogios de la crítica y alcanzó el #3 en la lista de álbumes del Reino Unido.

Este álbum cambió el sonido y la imagen de Scott Walker y sentó las bases para los próximos años de su exitosa carrera. Recuerda que meses antes Scott Walker era un cantante e ídolo adolescente con "The Walker Brothers", de ninguna manera su público habitual estaba preparado para las letras mordaces y desesperadas de este debut en solitario. Para agravar la sorpresa (el cambio), Walker hace todo lo posible por imitar las voces de cantantes como Tony Bennett y Frank Sinatra (recuerda a Nick Cave), y también presenta arreglos orquestales grandiosos. Dicho esto, el álbum encontró una audiencia sorprendentemente amplia, especialmente en Gran Bretaña, y es generalmente considerado como el mejor álbum de Scott Walker en solitario.

La elección del material para este disco se divide en cuatro categorías principales: su propio trabajo ("Montague Terrace (In Blue)", "Such a Small Love" y "Always Coming Back to You"), versiones contemporáneas ("The Lady Came from Baltimore "," Angelica "), canciones de películas (" You're Gonna Hear From Me "," Through a Long and Sleepless Night ") y versiones traducidas al inglés de las canciones del cantante y compositor belga Jacques Brel (" Mathilde " , "My Death", "Amsterdam"): Walker había descubierto al artista belga y era un gran admirador.

Por último, no es un álbum para todos (mi opinión), ni tampoco es un artista para el gran público en general. El material de este disco (y posteriores) reflexiona sobre la existencia, es profundo, oscuro, melancólico y en cierto modo críptico. La generación más joven de oyentes de música de hoy puede encontrar que descubrir a Scott Walker es una tarea difícil. Sin embargo, vale la pena intentarlo.

Un disco recomendado. Es un trabajo y testimonio de un genio atormentado como es también testimonio de una "crudeza emocional: sentimental y melancólica". Scott Walker rápidamente continuaría sorprendiendo y estampando aún más su genio con otros tres álbumes encadenados y aclamados (Scott 2, 3 y 4), todos con más material original. Tres álbumes que deben buscarse y escucharse para comprender plenamente a este artista único. Mientras, primero comenzar con "Scott" para ver si es lo tuyo. Si te engancha, te enganchará todo el resto.

Video del tema "Amsterdam":

Tracklist (formato vinilo): 

- Cara A - 

1.         "Mathilde"      (Jacques Brel, Gérard Jouannest, Mort Shuman)      2:39
2.         "Montague Terrace (In Blue)"           (Noel Scott Engel)     3:31
3.         "Angelica"      (Cynthia Weil, Barry Mann)  4:02
4.         "The Lady Came from Baltimore"     (Tim Hardin)   1:59
5.         "When Joanna Loved Me"     (Jack Segal, Robert Wells)     3:08
6.         "My Death"    (Brel, Shuman)           4:57

- Cara B -

7.         "The Big Hurt"           (Wayne Shanklin)       2:26
8.         "Such a Small Love"  (Engel)            4:55
9.         "You're Gonna Hear From Me" (André Previn, Dory Previn)         2:53
10.       "Through a Long and Sleepless Night" (Mack Gordon, Alfred Newman)  4:12
11.       "Always Coming Back to You"        (Engel)            2:41
12.       "Amsterdam"  (Brel, Shuman ) 3:04

THE BRIAN JONESTOWN MASSACRE | Their Satanic Majesties' Second Request

Dedicó espacio a una banda relativamente poca conocida - excepto en el círculo más indie donde gozan de gran afición - y que sabe hacer lo que hacen muy bien. Ofrecen un rock psicodélico que se surte de sus héroes "The Rolling Stones", aunque también compite con la oferta psicodélica de otros grupos más populares como "Primal Scream" o "Spiritualized". Hablo de...

The Brian Jonestown Massacre (Banda)

 
Es un proyecto musical estadounidense liderado e iniciado por Anton Newcombe. Se formó en San Francisco en 1990. La banda ha pasado por numerosas fases e iteraciones desde que llegó a mediados de los 90, convirtiéndose en una institución independiente en un continuo proceso.

El nombre de la banda es un acrónimo del fallecido fundador de "The Rolling Stones", "Brian Jones", y de la masacre de Jonestown de 1978 (donde se suicidaron 900 personas con el líder de culto Jim Jones). Unos 40 miembros diferentes han pasado por las filas del grupo durante la siguiente media década, pero el punto focal siempre es el cantante y guitarrista Anton Newcombe, junto con el bajista Matt Hollywood, el guitarrista Dean Taylor, la organista Mara Regal, la acordeonista Dawn Thomas, el baterista Brian Glaze y el percusionista Joel Gion. La banda sigue reinventándose a sí misma … ofreciendo variaciones de psicodelia, noise-pop, shoegaze y rock experimental.

Sus primeros álbumes fueron recopilaciones de sesiones de grabación y una cinta de demo. Desde entonces, el colectivo ha lanzado más de 15 álbumes, cinco álbumes recopilatorios, cinco álbumes en directo, 13 EP, 16 singles, así como dos álbumes recopilatorios de varios artistas hasta la fecha.

Algunos títulos (discografía):

• Methodrone (1995)
• Spacegirl and Other Favorites (1995)
• Take It from the Man! (1996)
• Their Satanic Majesties' Second Request (1996)
• Thank God for Mental Illness (1996)
• Give It Back! (1997)
• Strung Out in Heaven (1998)
• Bravery Repetition and Noise (2001)
• ...And This Is Our Music (2003)
• My Bloody Underground (2008)
• Who Killed Sgt. Pepper? (2010)
• Aufheben (2012)
• Revelation (2014)
• Musique de Film Imaginé (2015)
• Mini Album Thingy Wingy (2015)
• Third World Pyramid (2016)
• Don't Get Lost (2017)
• Something Else (2018)
• The Brian Jonestown Massacre (2019)

El disco que tengo es "Their Satanic Majesties' Second Request" (1996). Un álbum que mola, y mucho. Lo pones y lo dejas tranquilamente hasta el final haciendo que disfrutes de su particular "viaje" de melodías, voces dulces y psicodelia.

 

ALBUM: Their Satanic Majesties' Second Request

 
Es el cuarto álbum (doble en vinilo) de estudio publicado el 18 de junio de 1996 y es el segundo de tres álbumes de larga duración lanzados por la banda ese mismo año.

Las letras consisten exactamente en lo que crees que saldría de las letras de un álbum de rock psicodélico. Historias de drogarse, consumir ácido, tener relaciones sexuales y ser mejor que los demás en tu propia cabeza. Ósea un flipe total, aunque lo que más seduce es la música que acompaña las narrativas; dulce voces, melodías y ritmos hipnóticas. La propuesta musical es cojonuda.

El álbum no solo refleja la actitud de sus héroes "Mick Jagger y Keith Richards", sino también su espíritu de rock n roll. Todo un homenaje a los británicos con toques especiales y un magnífica interpretación de sus súbditos. Abriendo con la brillante "All Around You (Intro)", es un aviso de intenciones y una guía irónica para el viaje que altera la mente que tenemos por delante. El disco es un fenómeno caleidoscópico impulsado por substancias químicas, "Their Satanic Majesties Second Request" presenta cada corte con un abanico rebosante de efectos de sonido que incluyen sitars, mellotrons, farfisas, didgeridoos (instrumento aborigen australiano), tablas, congas y glockenspiels …etc. Los momentos más fuertes del álbum para mí incluyen los temas, "All Around You (intro)", "Miss June 75", Cold to the Touch", "Donovan Said", "Anenome" y "Here it Comes".

Un disco recomendado. El álbum gustará a todos los fans de la música psicodélica y rock alternativo. Un viaje musical que es lo que es, sonidos experimentales alimentados por el poder hipnótico de sustancias tóxicas para el cerebro. Música para alterar el contexto y la realidad de forma suave. Si no te lo comentan, parece que podrías estar escuchando a "Primal Scream" o a "Spiritualized". 

Busca este disco, mola.

Video del tema "Anemone" (en directo):

Tracklist (formato doble vinilo): 

Disc 1.

- Cara A -

1. "All Around You (Intro)" – 5:35
2. "Cold to the Touch" – 3:20
3. "Donovan Said" – 4:42
4. "In India You" – 3:40

- Cara B -

1. "No Come Down" – 5:48
2. "(Around You) Everywhere" – 0:56
3. "Jesus" – 6:30
4. "Before You" – 1:59
5. "Miss June '75" – 7:33

Disc 2.

- Cara A -

1. "Anemone" – 5:34
2. "Baby (Prepraise)" – 0:30
3. "Feelers" – 5:27
4. "Bad Baby" – 8:22

- Cara B -

1. "Cause, I Lover" – 1:17
2. "(Baby) Love of My Life" – 1:06
3. "Slowdown (F*ck Tomorrow)/Here It Comes" – 6:46
4. "All Around You (Outro)" – 4:48

SONNY CLARK | Leapin' and Lopin'

Sonny Clark (Jazz)

Conrad Yeatis "Sonny" Clark fue un pianista y compositor de jazz estadounidense que expone principalmente en el estilo "Hard Bop".

La vida de Sonny Clark fue corta pero muy intensa musicalmente. Sin embargo, influenciado profundamente por Bud Powell, Clark desarrolló una sensibilidad armónica intrincada y contundente que estaba llena de matices y detalles. Considerado como el pianista de hard bop por excelencia, fue conocido principalmente por siete discos con el sello "Blue Note" donde tocó con una gran cantidad de músicos, incluidos gigantes como John Coltrane, Art Farmer, Donald Byrd, Hank Mobley, Art Taylor, Paul Chambers, Philly Joe Jones y muchos otros.

También pertenece a la larga historia del mundo jazz donde su vida terminó cuando estaba en la cima por causas de adicciones. Clark murió en la ciudad de Nueva York el 13 de enero de 1963 (31 años). La causa oficial fue catalogada como un ataque cardíaco, pero la causa probable fue una sobredosis de heroína.

Una breve historia:

Sonny Clark nació y se crió en Herminie, Pennsylvania, una ciudad minera de carbón al este de Pittsburgh. Sus padres eran originarios de Stone Mountain, Georgia. Su padre minero, Emery Clark, murió de una enfermedad pulmonar dos semanas después del nacimiento de Sonny. Sonny era el menor de ocho hermanos. A los 12 años se mudó a Pittsburgh.

Clark se desempeñó como acompañante de la cantante "Dinah Washington" en febrero de 1957 para trasladarse a la ciudad de Nueva York. En Nueva York, Clark fue solicitado a menudo como acompañante por muchos músicos, en parte debido a su talento rítmico. Con frecuencia grababa para "Blue Note Records" como uno de sus músicos de la casa, tocando como acompañante de muchos músicos de hard bop, incluidos Kenny Burrell, Donald Byrd, Paul Chambers, John Coltrane, Dexter Gordon, Art Farmer, Curtis Fuller, Grant Green, Philly Joe Jones, Clifford Jordan, Jackie McLean, Hank Mobley, Art Taylor y Wilbur Ware. También grabó sesiones con Charles Mingus, Sonny Rollins, Billie Holiday, Stanley Turrentine y Lee Morgan.

Como líder de banda, Clark grabó los álbumes Dial "S" para Sonny (1957, Blue Note), Sonny's Crib (1957, Blue Note), Sonny Clark Trio (1957, Blue Note), Cool Struttin '(1958, Blue Note), Blues in the Night (1979, Blue Note, también publicado en Standards), y un segundo álbum de trío de piano titulado Sonny Clark Trio (1960, Time Records).

Su discografía, algunos títulos de interés como líder de su banda:

• 1955    Oakland, 1955           
• 1957    Dial "S" for Sonny    
• 1957    Sonny's Crib  
• 1957    Sonny Clark Trio       
• 1957–58          Sonny Clark Quintets
• 1957–58          The Art of The T
• 1958    Cool Struttin' 
• 1958    Blues in the Night     
• 1960    Sonny Clark Trio       
• 1962    Leapin' and Lopin'    

Un gran álbum para introducirte a Sonny Clark es "Leapin´& Lopin´" de 1962. Disco divertido y no muy complicado para aquellos no familiarizados con el jazz. Para mi me resulta además muy relajante como músic de fondo cuando trabajo.

ALBUM: Leapin' and Lopin

Publicado en mayo de 1962 con Blue Note Records. Es la quinta grabación de Blue Note de Sonny Clark como líder y es generalmente considerada la mejor, especialmente considerando que compuso cuatro (la edición 2008) de las siete canciones, y todas llevan su sello de originalidad. Hay brillantes solos en este álbum con el jazzista en la cima de sus poderes, labrándose un lugar en la historia del jazz. También fue el último álbum de Sonny Clark como líder antes de su muerte en 1963.

Lo más evidente es que Clark está dando forma a los sonidos de su quinteto en lugar de dominar los procedimientos como lo hizo en trabajos anteriores. El saxofonista tenor Charlie Rouse y el trompetista Tommy Turrentine tocan muy poca armonía, pero sus líneas afinadas al unísono son singularmente distintivas, mientras que el bajista Butch Warren y el joven baterista Billy Higgins mantienen el "fuego" rítmico con un swing constante y brillante.

Entre las melodías clásicas se encuentra el famoso tema hard bop "Somethin 'Special" que hace honor a su título de la manera más brillante, con Clark componiendo alegremente los acordes. "Melody for C" es alegre, mesurado y vívido en coloración melódica. Lo más destacado es el corte "Voodoo", la última melodía de jazz furtiva nocturna contrastada con los riffs de piano de Clark. Butch Warren escribió el hard bopper "Eric Walks" que recuerda una melodía de Dizzy Gillespie, mientras que "Midnight Mambo" de Tommy Turrentine mezcla metáforas de la música afrocubana con inusuales frases de menor importancia y la interpretación estoica de Rouse. El saxofonista tenor Ike Quebec hace un cameo en "Deep in a Dream", exhibiendo una calidad vocal en su instrumento. En resumen, "Leapin 'and Lopin'" es una grabación definitiva para Sonny Clark, y también del jazz convencional.

Un disco recomendado. Jazz realmente genial y fácil de escuchar. Un excelente ejemplo de "Hard Bop" en su máxima expresión que merece estar en la colección de todos los fans del género. Perfecto para introducirte al artista, y al jazz de forma suave y sin complicaciones (ni teorías). Una obra magistral que a su vez es muy accesible. Una pena que Sonny Clark se fue tan joven, te hace pensar que nos podía haber dejado más.

Video del tema "Somethin´ Special":

Tracklist (formato vinilo):

- Cara A -

1.         "Somethin' Special"    Sonny Clark    6:23
2.         "Deep in a Dream"     Jimmy Van Heusen, Eddie DeLange            6:47
3.         "Melody for C"          Sonny Clark    7:50

- Cara B -

1.         "Eric Walks"   Butch Warren 5:41
2.         "Voodooo"     Sonny Clark    7:39
3.         "Midnight Mambo"    Tommy Turrentine      7:15

Edicion de 2008 con bonus tracks:

7.         "Zellmar's Delight"     Sonny Clark    5:43
8.         "Melody in C" (alternate take)           Sonny Clark    8:13

GANG OF YOUTHS | Go Farther in Lightness

Gang of Youths (Banda)

Es un grupo australiano de rock formado en Sydney. Una banda multinacional compuesta por el compositor principal David Le'aupepe (voz y guitarra), Max Dunn (bajo), Jung Kim (guitarra y teclados), Tom Hobden (violín, teclados, guitarra) y Donnie Borzestowski (batería). Jung Kim es coreano-estadounidense, Max Dunn es de Nueva Zelanda, Donnie Borzestowski es polaco-australiano, Tom Hobden es británico, mientras que David Le'aupepe es de ascendencia samoana y austríaca-judía. 

Una breve historia:

Liderados por la intensidad poética del cantante y compositor Dave Le'aupepe, y citando a Sonic Youth, The Replacements, U2 y Leonard Cohen entre sus influencias, Le'aupepe y sus amigos lanzaron su primer sencillo, "Evangelists", en 2013. Gang of Youths comenzó su propio sello, "Mosy Recordings", y Le'aupepe comenzó a escribir un conjunto de canciones motivadas por un diagnóstico de cáncer de pulmón para su entonces prometida (después mujer y ahora recuperado de salud) y sus propias batallas posteriores con el abuso de sustancias y la depresión. A finales de 2013, la banda se dirigió a Nueva York para grabar con el productor Kevin McMahon (Real Estate, Titus Andronicus …) antes de terminar de grabar en Sydney. Pronto tocaron en festivales como "South by Southwest" y aceptaron invitaciones para ser teloneros de bandas como Vampire Weekend, Foster the People y Manchester Orchestra. El álbum debut, "The Positions", fue lanzado en la primavera de 2015.

Desde entonces han ido creciendo, convirtiéndose en uno de los más populares bandas de Australia, gracias a su espectacular segundo álbum "Go Farther in Lightness" de 2017. La banda ha comunicado que están trabajando un tercer disco previsto para 2022.

La discografía hasta ahora:

• The Positions 2015
• Go Farther in Lightness 2017
• TBC 2022

Descubrí esta banda recientemente vía su disco "Go Farther in Lightness". La primera impresión fue la similitud con "The National", "Arcade Fire" … incluso con "The Waterboys". Una vez eliminada esa primera capa, lo más llamativo son el poder de las letras de las canciones. Las composiciones son potentes que entran al corazón y fluyen impulsadas por historias humanas y vividas del propio cantante y líder David Le'aupepe. Y aunque el fondo es pintado "oscuro" la música de la banda es una celebración a la vida. Suficiente para mi para prestar toda mi atención y dedicar este grupo y su álbum un espacio.

ALBUM: Go Farther in Lightness

Es el segundo álbum de estudio publicado el 18 de agosto de 2017, y debutó en el #1 en las listas australianas. Presenta las hazañas narrativas del líder David Le’aupepe y el catártico sinfónico indie-rock del quinteto. El álbum es un mensaje de esperanza y optimismo, de amor y unidad. Trata del poder del espíritu humano, que puede superar incluso los momentos más atroces y oscuros. Algo para mi bienvenido y extraordinario en nuestros tiempos de música "chicle", prefabricada y superficial.

El periodista musical australiano James Clements resumió mejor este álbum, "explora poéticamente la experiencia humana en toda su tristeza y triunfo, confusión y claridad, angustia y alegría" y agrega que es una "notable odisea de un álbum que te envolverá, dejando una sonrisa desconcertada en tu cara, una lágrima en el ojo y un corazón lleno ".  Woow. No tenemos muchos discos últimamente que exploren estos temas, incluso que se molesten demasiado en expresarlos.

Este álbum es magnífico, olvídate de las comparaciones con los primeros años de Bruce Springsteen, Mumford & Sons, Arcade Fire y The National, trata de juzgar la oferta por lo que es, una exhibición de vida y optimismo a corazón abierto. Son solo ellos, "Gang of Youths",  radiando y vibrando emociones, sentimientos universales.

Hay mucha variedad en este álbum, unos dieciséis canciones con un alto nivel de rendimiento y sentimiento. Un álbum quizás algo largo - esto es quizás su verdadera crítica - pero podría durar para siempre porque es un álbum realmente inspirado. Los temas orquestales son geniales y creo que proporcionan buenos interludios. Me gusta el uso del violín en temas como "Achilles Come Down", y como los instrumentos acompañan las historias contadas para amplificar el toque emocional. Y aquí la área más para concentrarse el oyente, la letra, si puedes (los no anglosajones) buscar la forma de traducirlas, ya que dan más fuerza y sentido a todo el disco. Francamente este álbum es una pequeña obra maestra … tal vez una gran obra maestra, esto nos lo dirá definitivamente el tiempo.

Los momentos especiales para mi son los temas "Fear & Trembling", "What Can I Do If the Fire Goes Out?", "Presevere", Keep Me In Open", "Achilles Come Down" y la magnifica "Say Yes to Life".

Un disco recomendado. Solo por las letras evocadoras, este álbum debe descubrirse si aún es desconocido. El álbum es ambicioso y grandioso, algo raro en estos tiempos de fabricar música de "consumir y tirar". Aparte es un trabajo de celebración y optimismo, difícil de rechazar solo por esto.

Video del tema ""What Can I Do If the Fire Goes Out?":

Tracklist:

1.         "Fear and Trembling" 6:03
2.         "What Can I Do If the Fire Goes Out?"       4:56
3.         "Atlas Drowned"        4:31
4.         "Keep Me in the Open"          5:57
5.         "L'imaginaire" 1:30
6.         "Do Not Let Your Spirit Wane"        7:33
7.         "Go Farther in Lightness"      1:48
8.         "Achilles Come Down"          7:02
9.         "Persevere"     4:33
10.       "Le symbolique"         3:51
11.       "Let Me Down Easy" 5:19
12.       "The Heart Is a Muscle"         5:24
13.       "Le réel"          2:22
14.       "The Deepest Sighs, the Frankest Shadows" 5:52
15.       "Our Time is Short"    5:17
16.       "Say Yes to Life"       5:13

CACTUS WORLD NEWS | Urban Beaches

Otra historia de rock sobre bandas con gran potencial que no lograron el éxito. Lo que demuestra que a veces solo con talento y una maestría musical no son suficientes. Es incluso una historia más desalentadora cuando además tienes el respaldo de otra banda consolidada y exitosa que actúa como tus "padrinos", y tienes inicialmente el apoyo total de un gran sello discográfico multinacional. Incluso con todos estos elementos favorables, la banda no lo logró, y no estuvieron nada mal. Hablo de...

Cactus World News ("CWN", Banda)

Grupo de rock irlandes formado en Dublín en abril de 1984. Fundado por Frank Kearns (guitarra) y Eoin McEvoy (voz), la primera formación estable completa también incluyó a Wayne Sheehy (batería) y Fergal MacAndris (bajo). La banda se surtía de las influencias musicales de U2, The Clash, Ramones, Talking Heads, The Waterboys y REM.

En la historia de "CWN" se debe mencionar la banda irlandesa U2, en particular su cantante Bono. CWM envió al cantante de U2 una cinta demo y él movió cuerdas para que "CWN" pusiera un pie en la puerta de la industria de la música. De hecho, el primer sencillo de "CWN", "The Bridge" - incluido en el LP "Urban Beaches" - fue producido por Bono y lanzado bajo el sello de su banda "Mother Records". La voz apasionada y temperamental de Eoin McEvoy y las magníficas guitarras de Frank Kearns recordaban los primeros trabajos de U2, unos sonidos que puedes identificar en el primer álbum de "CWN", "Urban Beaches".

Cactus World News se aseguró un contrato de grabación a nivel mundial dentro de los seis meses de su formación con "MCA Records", que fue tanto un testimonio de sus poderosas actuaciones en directo como de sus composiciones. Se predijo (y se esperaba) que "Urban Beaches" sería un gran álbum debut. Sin embargo, a pesar de mucha atención de la prensa e incluso con una actuación en "MTV", "Cactus World News" no pudo vender los discos esperados en los Estados Unidos, aunque 250.000 unidades es en muchas ocasiones visto como un éxito razonable.

Considerados como la próxima gran novedad y banda, la popularidad de "Cactus World News" no podía extenderse más allá de las radios universitarias estadounidenses. En 1989, Cactus World News publicó un segundo álbum "No Shelter". Descontento con el potencial comercial del LP, "MCA Records" lo paró inmediatamente antes de su distribución. Muchos fans dudaron de su existencia hasta que se distribuyeron copias en Internet.

Cactus World News se disolvió en 1991. Varios miembros continuaron con proyectos en solitario. En 2003, Kearns produjo el debut musical de Colin Farrell "I Fought the Law" para la banda sonora de "Intermission". Frank Kearns también lanzó un álbum en solitario "Walking the Waves" en 2006 y ha contribuido con sus habilidades para tocar la guitarra en tres canciones del álbum "Untitled # 23" de la banda australiana "The Church" ("Dead Mans Hand", "On Angel Street" y "Operetta ").

Se reformaron en 2011 con una nueva formación de Kearns, Sheehy y MacAndris, con Eoin Scott y Eoin Watkins. Sin embargo, esto es irrelevante, ya que sospecho que desean mantener encendida la luz de los "buenos viejos tiempos".

La discografía hasta ahora:

• Urban Beaches (1986)
• No Shelter (1989)
• Found (2015)

Sin duda su disco de referencia es el debut de 1986 "Urban Beaches".
 

ALBUM: Urban Beaches

Es el álbum debut publicado en 1986 por "MCA Records". Contiene algunas excelentes canciones de indie-rock-pop, incluido "State of Emergency", que apareció en un episodio de "Miami Vice" especialmente pensado para el mercado estadounidense, y aunque en disco no logró el éxito que todos esperaban, este álbum vendió más de 250.000 copias principalmente en los Estados Unidos. Quizás esto resalta las enormes expectativas que todos habían puesto en "CWN" como "la gran promesa" y cómo el mercado estadounidense era la máxima prioridad. El "fracaso" de su álbum debut (con más de 250.000 en ventas) habría sido un gran éxito para la mayoría de bandas alternativas empezando su carrera.

Personalmente, es un muy buen álbum, con calidad de composición y musicalidad. Quizás su "fracaso" sea doble: apareció en el momento y lugar equivocado, y su falta de una diferenciación clara. CWN suena en este disco mucho como sus compatriotas y "mentores", U2, especialmente en los primeros años del último. Esta falta de "distinción" tampoco ha ayudado a que el álbum envejezca bien y lo ha "congelado" como trabajo del período. Por lo tanto, es una obra clásica que sigue "rotando" entre los fans y seguidores veteranos de la escena de la música alternativa de finales de los 80. 

Volviendo al álbum …

Cactus World News no pierde tiempo en dar una buena primera impresión. El tema de apertura, "Worlds Apart", explota con guitarras chirriantes y reverberantes, tambores que se tambalean y voces fuertes. A partir de aquí, "Urban Beaches" es un álbum inteligente, hipnóticamente melódico, lleno de exuberancia juvenil y deslumbrante musicalidad. El canto apasionado de Eoin McEvoy en "In a Whirlpool", "The Promise" y "The Bridge" es contagioso. Los riffs melódicos y electrizantes de Frank Kearns magnifican la urgencia en la voz de McEvoy; casi todos los temas tienen un toque de guitarra envolvente y dramático. En fin, un buen primer trabajo.

Un disco recomendado y una obra que debería haber sido un éxito en los EE. UU. En cambio, se convirtió en un tesoro enterrado en los contenedores de discos de muchas tiendas. Quizás es momento de desenterrarlo y descubrirlo de nuevo por las plataformas digitales de música para dar el disco una escucha. Te podrá sorprender!

Video del tema "Worlds Apart" (en directo BBC):

Tracklist (edición y formato original):

1. Worlds Apart 3:39
2. In a Whirlpool 3:42
3. The Promise 5:00
4. The Bridge 4:16
5. State of Emergency 7:17
6. Years Later 4:10
7. Church of the Cold 3:52
8. Pilots of Beka 5:15
9. Jigsaw Street 3:14
10.Maybe This Time 7:14

THE ORB | The Orb's Adventures Beyond the Ultraworld

The Orb (Banda)

Es una formación de música electrónica fundada en 1988 por Alex Paterson y Jimmy Cauty. Conocidos por su sonido psicodélico, "The Orb" inventó (con THE KLF) virtualmente el género electrónico conocido como "ambient house", resucitando ritmos más lentos y envolventes y proporcionando una "banda sonora" para los "ravers" matutinos una vez que los clubes cerraron sus puertas (el chill-out). La fórmula es simple: ralentizas los ritmos del house clásico de Chicago y agregas trabajo de sintetizador y efectos inspirados en los pioneros del ambiente de los años 70 como Brian Eno y Tangerine Dream. Para hacer el conjunto un poco más accesible, a diferencia de lo bailable, se enlazan "samples" de vocales oscuras, lo que generalmente proporcionaba un tema para las pistas que carecían de voces.

Una breve historia:

Alex Paterson comenzó su carrera musical en la década de 1980 como "roadie" ("pipa") de la banda de post-punk "Killing Joke" antes de finalmente irse en 1986 para perseguir sus propios intereses musicales. Influenciado por la creciente popularidad de la música house de Chicago en el Reino Unido durante la década, poco después comenzó a trabajar con otro pionero del ambient house, Jimmy Cauty, que había estado involucrado en el proyecto paralelo de Killing Joke, "Brilliant", con el amigo de la infancia de Paterson, Martin Glover (bajista de Killing Joke) alias "Youth". Paterson, Cauty y Youth también realizaron sesiones de DJ "chill-out" en el club "Heaven" de Londres.

Como DJs de ambient y dub, las primeras actuaciones de "The Orb" se inspiraron en artistas electrónicos de la década de 1970, sobre todo Brian Eno y Kraftwerk. The Orb ha mantenido su estética de ciencia ficción característica a pesar de numerosos cambios de personal, incluida la salida de Jimmy Cauty y los miembros Kris Weston, Andy Falconer, Simon Phillips, Nick Burton y Andy Hughes. Alex Paterson ha sido el único miembro permanente.

Su influyente álbum debut de 1991, "The Orb's Adventures Beyond the Ultraworld", fue pionero en el incipiente movimiento de ambient house del Reino Unido, mientras que su seguimiento U.F.Orb, que encabezó las listas de éxitos del Reino Unido, representó el pico comercial del género.

La discografía de "The Orb" hasta ahora:

• The Orb's Adventures Beyond the Ultraworld (1991)
• U.F.Orb (1992)
• Orbus Terrarum (1995)
• Orblivion (1997)
• Cydonia (2001)
• Bicycles & Tricycles (2004)
• Okie Dokie It's the Orb on Kompakt (2005)
• The Dream (2007)
• Baghdad Batteries (Orbsessions Volume III) (2009)
• Metallic Spheres (2010) (with David Gilmour)
• The Orbserver in the Star House (2012)
• More Tales from the Orbservatory (2013)
• Moonbuilding 2703 AD (2015)
• COW / Chill Out, World! (2016)
• No Sounds Are Out of Bounds (2018)
• Abolition of the Royal Familia (2020)

Como se puede apreciar, "The Orb" sigue publicando álbumes, aunque sus mejores tiempos fueron los primeros cuatro discos, surfeando la ola del movimiento "ambient-house"/"chillout". Muchos recordarán los Clubs más "cool" y los sitios más "in" de verano de Grecia y Ibiza ("Cafe del Mar") poniendo "The Orb" para acompañar al público a ver atardecer el sol en los años 90.

Para mi el disco que más me gusta es el primero de 1991 "The Orb 's Adventures Beyond the Ultraworld", por su atrevimiento, genio e innovación. El segundo, "U.F.Orb" de 1992, fue el más exitoso comercialmente y venía ya con el impulso del debut. 

 

ALBUM: The Orb's Adventures Beyond the Ultraworld

Es el primer álbum de estudio publicado como un doble álbum el 2 de abril de 1991. Es una composición continua y progresiva que sigue un "viaje sonoro psicodélico" de dos horas a través de varios géneros, samples y efectos de sonido. Gran parte del álbum se grabó después de que el miembro fundador Jimmy Cauty dejara el grupo, dejando a Alex Paterson como miembro central, con contribuciones adicionales de Andy Falconer, Kris Weston y otros.

La obra fue bien recibida en Europa y alcanzó el puesto #29 en la lista de álbumes del Reino Unido. Desde entonces se le ha atribuido la popularización del naciente movimiento ambient-house del Reino Unido.

El doble álbum simula un viaje a través de los reinos exteriores, que avanza desde el pop ambient vertiginoso de "Little Fluffy Clouds" (que contiene "los samples" controvertidas de conversación de Ricky Lee Jones) y el colorado "Back Side of the Moon" (una referencia a la banda "Pink Floyd") al "Into the Fourth Dimension" y terminando (después de más de dos horas) con el mix en directo de "A Huge Ever Growing Pulsating Brain".

Un trabajo largo y desalentador que contiene muchos segmentos lentos que se rompen por momentos por la genialidad. The Orb traspasa los límites de la música electrónica en un momento en el que los singles eran un foco mayor que los álbumes. Este trabajo de característica conceptual realmente suena como la banda sonora de viajar a la velocidad de la luz a través del universo.

Hay un elenco de "samples" (voces, transmisiones espaciales, susurros en idiomas extranjeros...) magnificamente utilizados y cálidos tonos de sintetizador que brindan ritmos estilo house de medio tiempo y un ambient con inflexión de dub. Con un inteligente equilibrio de las bandas sonoras de "BBC Radiophonics Workshop", las obras de música ambient de los años 70 de Brian Eno, Hillage y Pink Floyd, además de la influencia constante de la sublime house de Larry Heard en Chicago, "The Orb's Adventures Beyond the Ultraworld" es el álbum que definió el movimiento ambient-house (aunque también hay que mencionar a "The KLF").

Un disco recomendado. Uno de los álbumes más importantes del género ambient-house, salido directamente de principios de los años 90. Algunos críticos musicales han llamado a este álbum el "Pink Floyd" de la música electrónica, otros el mejor método de "aterrizaje" (chill-out) después de una gran y larga noche de fiesta. Es un verdadero testimonio de la generación de los 90 y las nuevas tecnologías de la época, animadas por el descubrimiento de lo desconocido. Un trabajo simplemente sublime y una obra de arte que trasciende al mismo tiempo y espacio. Es un álbum de música electrónica casi perfecta, aunque no me atrevo a ser tan categórico con tantos buenos álbumes de música electrónica publicados y disponibles.

Video del corte "Little Fluffy Clouds":

 Tracklist: Vinilo lanzamiento original (doble):

Disc 1.

- Cara A -

1.         "Little Fluffy Clouds" (Earth Orbit One)      4:27
2.         "Earth (Gaia)" (Earth Orbit Two)                  9:48
3.         "Supernova at the End of the Universe" (Earth Orbit Three) 11:56

- Cara B -

1.         "Back Side of the Moon" (Lunar Orbit Four)           14:15
2.         "Spanish Castles in Space" (Lunar Orbit Five)         15:05

Disc 2.

- Cara A -

1.         "Perpetual Dawn" (Ultraworld Probe Six)    9:31
2.         "Into the Fourth Dimension" (Ultraworld Probe Seven)      9:16
3.         "Outlands" (Ultraworld Probe Eight)                       8:23

- Cara B -

1.         "Star 6 & 7 8 9" (Ultraworld Nine)   8:10
2.         "A Huge Ever Growing Pulsating Brain That Rules from the Centre of the Ultraworld" (Live Mix Mk 10; Ultraworld Ten)   18:49

AMYL AND THE SNIFFERS | Amyl & the Sniffers - Album

Amyl and the Sniffers (Banda)

Explosivo grupo de garage-punk inspirados en el rock de los años 70 (Iggy Pop and The Stooges y The Damned), son famosos por sus intensos directos. The Amyl and the Sniffers son una de mis bandas favoritas en este momento descubiertas recientemente. El motor visual de la banda es la carismática cantante Amy Taylor quien escribe la letra de las canciones y es una bomba en directo, citando una serie de influencias directas y diferentes sobre su música, como Minor Threat, AC / DC, Cosmic Psychos, Sleaford Mods, Dolly Parton y Cardi B. Ella es una auténtica fuerza de la naturaleza que contribuye hazlos una gran banda de punk-rock en la actualidad.

Una breve historia:

Amyl & the Sniffers es un cuarteto punk con sede en Melbourne, que surgió a finales de la década de 2010 como parte de una nueva ola de punk de la costa este de Australia. Con una actitud anárquica, la banda canalizó la energía rebelde de sus directos en el segundo EP "Big Attraction" de 2017, una mezcla salvaje que recordaba a los primeros trabajos de "Yeah Yeah Yeahs" y "Courtney Barnett". Su debut homónimo de larga duración se publicó en 2019.

Los orígenes de la banda se encuentran en las sesiones de grabación en el dormitorio de los compañeros de casa Amy Taylor; Dec Martens (guitarra), Gus Romer (bajo) y Bryce Wilson (batería). Se apiñaron en la habitación de Taylor para escribir, grabar, mezclar y lanzar su EP debut, "Giddy Up", en 12 horas. Ese EP de 2016 fue seguido en 2017 con el EP "Big Attraction", autoeditado. Poco a poco el grupo se iba ganando una audiencia  - entre otras cosas - gracias  de ser una gran banda en directo. Después de tales éxitos en su Australia natal, se empezó a correr la voz fuera de las fronteras , lo que despertó el interés de las discográficas británicas (Rough Trade Records) y estadounidenses (ATO Records). Esto abrió la banda hacer giras importantes fuera de Australia y les llevó a grabar su primer álbum en 2019.

La discografía hasta el momento:

• Amyl and the Sniffers           2019
• Comfort to Me 2021

He descubierto el primer disco recientemente y estoy enganchado. Una auténtica bomba de garage punk con el toque "pub rock" característica de muchas bandas australianas. Recuerdan a "Cosmic Psychos",  y la cantante Amy Taylor es un auténtico tornado de rock.

ALBUM: Amyl and the Sniffers

Es el álbum debut homónimo publicado el 24 de mayo de 2019. El álbum alcanzó el #22 en Australia y el 391 en la lista de álbumes del Reino Unido. En los "ARIA Music Awards" (los Grammy australianos) de 2019, el álbum ganó el premio "ARIA al Mejor Álbum de Rock".

Con menos de 30 minutos, el disco es una emoción absoluta, la banda sonora para una pelea de bar. Una diversión total y completo abandono, lo que le debe mucho a la electrizante vocalista de la banda, Amy Taylor. Ella es una fuerza desenfrenada, que se desvía de la poderosa ("Gacked on Anger") a la vertiginosa ("GFY", "Punisha") y la coqueta ( "Got You") a los vulnerables ("Angel"), todo en el lapso de unas pocas canciones. Si bien Taylor es la estrella, el grupo, el guitarrista Dec Martens, el bajista Gus Romer y el baterista Bryce Wilson brillan cuando se les da espacio para respirar. Desde el preludio instrumental de "Starfire 500" hasta el constante desarrollo de "Control", la banda demuestra que hay más debajo de la superficie. De sus mejores momentos, el cierre de "Shake Ya" se dispara en un minuto demasiado breve con toques psicodélicos antes de cargar directamente en la fusión épica del rock n roll de "Some Mutts (Can't Be Muzzled)". Y aunque el álbum termina tan rápido como comenzó, el cuarteto se mete lo suficiente en esta ráfaga enérgica que sigue siendo una experiencia intensa y físicamente agotadora, y la pura emoción de escuchar ataques de punk rock sencillos como "Monsoon Rock" es difícil de contener.

Un disco recomendado de una banda joven que combina un hambre rabiosa con las habilidades para respaldarla. Como dicen los anglosajones, "a  killer record". Todo el disco mola, pero la segunda mitad es casi perfecta. Si eres fan del garage punk y el rock fuerte este es un excelente álbum debut para descubrirlos. Si nada se tuerce, aquí hay futuro, además están a punto de publicar su segundo álbum.

En fin, un gran descubrimiento que me tiene el disco en alta rotación, y que espero que te guste si aún no conoces la banda, especialmente este álbum. ¡Buscarlo!

Video del tema "Shake Ya" (LIVE):

Tracklist:

1.         "Starfire 500"  3:36
2.         "Gacked on Anger"    1:49
3.         "Cup of Destiny"        2:15
4.         "GFY" 1:48
5.         "Angel"           2:50
6.         "Monsoon Rock"        2:25
7.         "Control"        2:34
8.         "Got You"      2:18
9.         "Punisha"        1:44
10.       "Shake Ya"     3:17
11.       "Some Mutts (Can't Be Muzzled)"    4:22