LEÑO - Más Madera - Album

El periodo de actividad de esta banda española fue corto, pero su impacto todavía resuena a través de las nuevas generaciones de grupos de rock nacionales. Con tan solo tres discos de estudio y dos directos, consiguieron forjar un legado que mantienen intacta. Hablo de…

Leño (Banda rock español)

 
Fue un grupo español de rock-duro creado en 1978 en Madrid.

La banda estaba formada por Rosendo Mercado como guitarrista y vocalista, Chiqui Mariscal como bajista y Ramiro Penas como batería. Cuando empezaron a grabar su primer disco "Leño", Chiqui Mariscal dejó la banda y entró Tony Urbano como nuevo bajista para completar la grabación. Esta formación continuaría hasta su ruptura en 1983, precisamente en su pico de popularidad.

Leño forjó su sitio en la historia del rock español. Aunque no estuvieron entre los más pioneros en interpretarlo, sí fueron parte de los grupos que lograron consolidar la escena del hard rock en España. De alguna manera a mediados-finales de los años 70 la escena aún se encontraba en su fase primeriza con pocos representantes del género en castellano y/o de bajo éxito comercial. La normalización del uso del castellano entre los grupos de rock nacionales fue una de las características primordiales del movimiento del rock urbano dentro del cual Leño fue categorizada; y en retrospectiva serían considerados como el máximo estandarte de ese movimiento en su época, así como además pasarían a ser considerados como una de las bandas más influyentes del rock español.

 

Una breve historia:

Tras finalizar el servicio militar obligatorio en 1975, Rosendo participó grabando el primer disco de otra banda legendaria española "Ñu". Juan Carlos Molina y él no se llevaban muy bien, así que Rosendo dejó el grupo en 1977 y formó "Leño", tocando la guitarra y cantando. Chiqui Mariscal (bajista) y Ramiro Penas (batería) también dejaron "Ñu" para unirse a él en "Leño".

Hicieron su debut en 1978, como banda de apoyo en un concierto de "Asfalto". En 1979 publicaron su primer disco, titulado "Leño". Durante la grabación Mariscal abandonó el grupo y fue sustituido por Tony Urbano.

En 1980 publican su segundo disco, "Más madera", las canciones eran más cortas y tienen un estilo más ligero, se buscaba tener más acceso a la radio "comercial". El último disco oficial de Leño, "¡Corre, corre!", se hizo con más recursos, gracias al éxito del anterior. Fue grabado en el estudio de grabación de "Ian Gillan" (Deep Purple) ubicado en Londres, con la producción de Carlos Narea. La intención era alcanzar prestigio tanto dentro como fuera de España pero cuando las críticas evaluaron el álbum, el resultado fue espantoso. Algunos de ellos - los medios anglosajones - afirmaron que era imposible calificar el álbum debido al idioma. Más tarde, en 2012, el álbum se ubicaría en el puesto #19 en la lista de los "50 mejores álbumes de rock español" de la revista “Rolling Stone”. En el otoño de 1983, en su mejor momento de éxito, el grupo decide separarse.

La discografía de álbumes de estudio:

• Leño – 1979
• Más madera – 1980
• ¡Corre, corre! – 1982

El disco con más esencia del rock n roll urbano y con acento español es el debut del mismo nombre. Un clásico. Sin embargo, con toda la controversia sobre sus aspectos más "pop", el segundo álbum "Más madera" es ahora considerado uno de los grandes trabajos del rock nacional.

Álbum: Más madera

El segundo álbum de estudio y fue grabado en marzo de 1980, producido por Teddy Bautista y publicado por "Chapa Discos" ese mismo año.

Un álbum problemático por el uso (exagerado) de sintetizadores (estaba de moda el "new wave") y otros elementos (teclados, producción y arreglos de Teddy Baustista) más "pop", algo impensable en el primer álbum. Es obvio que la estrategia de la discográfica era abrir un poco "el melón" para que "Leño" pueda llegar a más gente, ser más accesible, e importante en su día, poder sonar en la radio (comercial). Esto hizo que la banda se sintiera muy incómodos con estos "nuevos sonidos", y digamos, formas de producir "su música". La verdad es que al final independientemente del mal sabor de boca que dejó la producción con los miembros de "Leño", parieron un muy buen disco de rock español, con buenos temas que después llegaron a sonaron hasta la saciedad en los ambientes rockeros de las ciudades y los pueblos. Se convierto en la banda sonora de la primera generación de rockeros nacionales post-dictadura de España. Algunos temas de este disco terminaron siendo unos auténticos clásicos e himnos del rock español, como “Si señor, sí señor”, “Sin solución”, “Cucarachas” o “La noche de que te hablé”.

El álbum comienza con sintetizadores que pueden despistar al fan tradicional de la banda. Por lo demás, es puro "Leño", la voz desgarradora de Rosendo, sus inconfundibles punteos de guitarra y una gran sección rítmica a cargo de Tony  Urbano y Ramiro. Algunos de los más míticos temas de Leño, y por ende, del rock español, se encuentran aquí. Y todos los temas de este álbum son realmente buenos. 

Las canciones de este disco son cortas, ninguna llega a los 4 minutos, en contradicción con los largos desarrollos del primer álbum. Se supone por la razón de la escena de la "Nueva Ola" de la época: más inmediatez, más melódico, más pop. Rosendo alcanza cotas excelsas como compositor: algunas de sus mejores letras están en "Más Madera", y desde luego son composiciones en general más complejas en lo melódico y en lo lírico tanto de su época de "Leño" como después en solitario. Y además, demuestra de nuevo lo bueno que es como guitarrista.

En definitiva, un disco recomendado y uno de los álbumes históricos del rock español, sin un solo tema de relleno, algo realmente difícil de encontrar. Y aun así, te hace pensar lo que hubiera podido ser este álbum con una mejor producción, más recursos y quizás siguiendo la línea más rockera del primer álbum. En fin, un producto de su época, en una España convulsa, experimental y abierta a todo de afuera para incorporar a la cultura. Era inevitable el choque entre "lo autóctono" y "lo forastero", y al final los resultados no eran tan malo.

Para el fan de rock español, la escucha es casi obligatoria. Para los lectores jóvenes y los hermanos de fuera de España, un disco que merece el tiempo para descubrir y escuchar. Las letras de los temas son simplemente geniales.

Video del tema "¡Sí señor, sí señor!":

Tracklist (formato LP) - las canciones: 

- Cara A -

1.         "Insisto"           3:15
2.         "¿Dónde está la salvación?"      3:56
3.         "Sin solución"   3:04
4.         "No voy más lejos"      2:57
5.         "Como debe ser"         2:19

- Cara B -

6.         "¡Sí señor, sí señor!"     2:18
7.         "Cucarachas"   2:49
8.         "La noche de que te hablé"       2:59
9.         "Calendario"     3:25
10.       "Apágalas"       2:31
11.       "Lo que acabas de elegir"         2:20

THE SUNDAYS - Reading, Writing and Arithmetic - Album

Una esplendida banda que lleva mucho, mucho tiempo sin publicar un disco. Lo curioso es que nunca anunciaron oficialmente que se habían separado, pensamos que están solo en "stand-bye". Un grupo británico de “jangly dream pop” construido sobre sonidos semejantes a "The Smiths" y "Cocteau Twins",  y liderada por el canto de sirena de su vocalista. Hablo de...

The Sundays (Banda)

Banda de rock alternativo británica formada a finales de los 80 que publicó tres álbumes en los 90. Basándose en el pop de guitarra, "The Sundays" cultivó un público fiel en los círculos del indie rock, tanto en su Inglaterra natal como en Estados Unidos. Aunque las ventas de sus dos primeros álbumes fueron notables, la banda nunca pasó al "mainstream".

The Sundays se formó en el verano de 1987 en Londres, Inglaterra, con el encuentro de la cantante Harriet Wheeler y el guitarrista David Gavurin mientras asistía a la Universidad de Bristol. Wheeler había cantado en conciertos con "Cruel Shoes", una encarnación temprana de la banda "Jim Jiminee". El dúo amplió la banda con el bajista Paul Brindley y el baterista Patrick Hannan. En agosto de 1988, "The Sundays" realizaron su primer concierto, tocando en el Falcoln "Vertigo Club" en Camden, Londres. El concierto generó un buen boca a boca dentro de la industria, y el grupo se convirtió en el objetivo de una guerra de ofertas de sellos discográficos. A finales de año, la banda había firmado con "Rough Trade"; firmarán un contrato con "DGC Records" para su distribución en Estados Unidos.

Su single de debut fue "Can't Be Sure". Su primer álbum, "Reading, Writing and Arithmetic", fue publicado en 1990, junto con su siguiente single "Here Where the Story Ends". El álbum fue un éxito en el Top 5 del Reino Unido.

Sin embargo, los problemas financieros de "Rough Trade" y la decisión de la banda de representarse a sí mismos, retrasó el siguiente sencillo de The Sundays, "Goodbye", que apareció en 1992. El segundo álbum, "Blind", llegó el mismo año, alcanzando el Top 15 del Reino Unido. En 1997 su tercer álbum, "Static & Silence", fue su último alcanzó el Top 10 de las listas británicas.

Desde entonces, la banda está en una larga pausa, con Wheeler y Gavurin enfocándose en sus familias y criando a sus dos hijos.

La discografía de "The Sunday" hasta ahora:

• 1990    Reading, Writing and Arithmetic
• 1992    Blind
• 1997    Static & Silence 

El mejor álbum para mi sin ninguna duda es el debut "Reading, Writing and Arithmetic", una auténtica maravilla de jangle pop acompañado por la hermosa voz de Harriet Wheeler. En 1992 lanzan otro bonito disco titulado "Blind" donde se encuentra (solo en la edición estadounidense) una versión fabulosa de "Wild Horse" de The Rolling Stones.

ALBUM: Reading, Writing and Arithmetic

El primer álbum de estudio fue publicado en 1990 con "Rough Trade Records" en el Reino Unido y con "DGC Records" en los Estados Unidos. El título del álbum es una referencia a la ciudad natal de la banda, Reading, Berkshire.

El álbum se basa en los ganchos melódicos de guitarra en capas y resonantes recordando a "The Smiths", agregando voces angélicas y un ritmo de fondo más fuerte. Lo demuestra el maravilloso corte "Here 's Where the Story Ends", que da una fuerza de atracción a este primer LP. Harriet Wheeler tiene una voz fantástica, es dulce, aireada y susurrante, pero con un rango impresionante, y puede pasar de casi susurrar a volar. La composición es de primer nivel: muchas de las canciones suenan como historias cortas evocadoras e impresionistas, y muy rara vez se deslizan hacia un lenguaje vago o tópicos.

Además lo que distingue esta obra es que casi todas las canciones podían ser un single, no hay un tema malo, lo que hace que sea un álbum sólido de principio a fin. Momentos destacados para mi son los temas "Here's Where the Story Ends", "You're Not the Only One I Know" y "Can't Be Sure"...aunque cualquiera de los otros siete temas también van a gustar.

Disco recomendado

Maravilloso, una celebración de la simplicidad. Una hermosa obra de pop-alternativo que gustará a todo el mundo. Difícil de entender por qué no consiguieron más fama, quizás los problemas financieras de sus discográficas, o quizás no buscaban la fama. Sea cual sea los motivos al menos tenemos este álbum para encandilar los sentidos. Si no lo conoces, buscarlo y escucharlo.

Video del tema "Here's Where the Story Ends":

Tracklist:

1."Skin & Bones" – 4:16
2."Here's Where the Story Ends" – 3:54
3."Can't Be Sure" – 3:22
4."I Won" – 4:23
5."Hideous Towns" – 3:46
6."You're Not the Only One I Know" – 3:50
7."A Certain Someone" – 4:25
8."I Kicked a Boy" – 2:16
9."My Finest Hour" – 3:59
10."Joy" – 4:10 

Hay un tema que es espectacular. La versión de "Wild Horses" de The Rolling Stones. Se encuentra en la edición americana del segundo álbum "Blind". Está disponible por las plataformas digitales  habituales de música. Escúchalo. 

Video del tema "Wild Horses" (del álbum "Blind"):

KILLING JOKE | Killing Joke - Album (1980)

Killing Joke (Banda)

Grupo inglés que tocó post-punk (fusionando con dub, reggae y funk) y rock industrial para crear una carrera larga e influyente. Propusieron un post punk contundente que tenía la intención de perturbar y obligar a escuchar su mensaje a una juventud enfadada y frustrada.

Killing Joke (al menos al principio de su carrera) era una banda de sonido cuasi-metal que bailaba con una melodía oscura y siniestra. Eventualmente se volvieron menos pesados y más bailables. La banda fue influenciada por Led Zeppelin, Black Sabbath, Yes y King Crimson antes de abrazar el punk. La formación ha descrito a su sonido en entrevistas como "música de tensión". El caso es que han influido en muchas bandas de todo el mundo y son acreditados de dirigir la primera ola de punk hacia "lo industrial y metal", todo opuesto al otro camino hacia el "new wave".

Breve historia de Killing Joke

Los orígenes de la banda se encuentran en otra banda llamada "The Matt Stagger Band". Paul Ferguson tocaba la batería para el grupo cuando conoció a Jaz Coleman (voz y teclados) a finales de los años 70. Coleman se unió brevemente a "The Matt Stagger Band", pero pronto él y Ferguson se separaron para formar "Killing Joke" a finales de 1978. El dúo reclutó al bajista "Youth" (Martin Glover Youth), que había tocado anteriormente con el grupo punk "The Rage" y el guitarrista Geordie (Kevin Walker) para completar la formación de la banda.

Killing Joke se mudó a Notting Hill Gate y grabó su EP debut, "Almost Red". El famosos disc jockey de la BBC, "John Peel", quedó impresionado con el EP y ofreció al grupo una sesión en su programa, que se convirtió en uno de los programas más populares que emitió a finales de los setenta. A finales de 1979, el grupo había firmado con "Island Records", lo que les permitió crear su propio sello, "Malicious Damage". Los primeros álbumes fueron lanzados por su propio sello, totalmente en línea con su estilo de "do it yourself", desconfianza en las discográficas y en harmonía con su actitud casi ermitaña.

El primer álbum, titulado "Killing Joke", fue publicado en 1980. Después del tercer disco "Revelations" en 1982, el bajista Youth fue reemplazado por Paul Raven. La banda logró un gran éxito en 1985 con el álbum "Night Time" y el sencillo "Love Like Blood". Habían conseguido el "crossover" aunque siguen siendo vistos con un conjunto casi "underground".

La banda ha experimentado cambios en su formación, y paso por varios "reencarnaciones". Ha seguido publicando un flujo constante de álbumes, algunos normales y otros realmente buenos. Coleman y Walker han sido los únicos miembros constantes de la banda, sin embargo, la formación actual ahora vuelve a contar con los cuatro miembros originales, aunque un poco peor por el desgaste físico. El bajista Youth ha tenido una carrera paralela de éxito como productor (The Verve, Crowded House, Paul McCartney, Beth Orton, James, Marilyn Mason, Erasure, Art of Noise, The Cult...) y componente del dúo electrónico de "The Orb".

El estilo musical de la banda ha sido citado como una influencia clave en el rock industrial. Su estilo evolucionó a lo largo de los años, incorporando elementos de rock gótico, synth-pop y música electrónica. Killing Joke es considerado como uno de los los grupos más innovadores, han influido en muchas bandas y artistas posteriores, como Metallica, Nirvana, Nine Inch Nails, Faith No More, Ministry, Soundgarden, My Bloody Valentine … etc.

La discografía de (los) álbumes de estudio hasta ahora:

• Killing Joke (1980)
• What's THIS For...! (1981)
• Revelations (1982)
• Fire Dances (1983)
• Night Time (1985)
• Brighter than a Thousand Suns (1986)
• Outside the Gate (1988)
• Extremities, Dirt and Various Repressed Emotions (1990)
• Pandemonium (1994)
• Democracy (1996)
• Killing Joke (2003)
• Hosannas from the Basements of Hell (2006)
• Absolute Dissent (2010)
• MMXII (2012)
• Pylon (2015) 

Hay muy buenos discos en la lista. El segundo álbum ""What's THIS For...!" es genial, al igual que "Night Time" y "Absolute Dissent" … por nombrar tres. Personalmente, me gusta el álbum debut "Killing Joke" de 1980, fue muy diferente - agresivo, imágenes desgarradoras e intensidad aferrada - mientras que aún sigue resistiendo la prueba del tiempo.

ALBUM: Killing Joke

El primer disco de estudio fue publicado el 5 de octubre de 1980. Debutó en el puesto #41 en la lista de álbumes del Reino Unido y luego alcanzó el puesto #39. Las letras del álbum fueron escritas por Coleman y Ferguson expresando sus opiniones sobre temas como la política, la muerte, la hipocresía, la naturaleza humana, la contaminación y el exilio. Curiosamente este álbum se ha convertido con el tiempo en un clásico entre los fans de la "música metal". Es uno de los álbumes de debut más originales de su época.

El tema que abre, "Requiem", mezcla punk y metal con cánticos apasionados que declaran la desaparición "del hombre" con una amenaza premonitoria. "The Wait" es una fusión clásica de metal y funk, y una obra maestra que se convierte en un coro emocionante y memorable. La banda "Metallica" volvería a visitar y grabaría su propia versión seis años después, y su influencia continuó impactando a los exponentes del metal industrial, Marilyn Manson y Nine Inch Nails, y a grupos de rock convencionales como "The Foo Fighters". Contiene el primer single "Wardance", una explosión de riffs volátiles y voces distorsionadas. Hay paisajes sonoros más expansivamente instrumentales en "Tomorrow 's World", "S.O. 36"  y "Complications" que recuerdan al oyente a la primera ola de punk rock de 1977.

Las voces cantadas sobre pulsantes líneas de sintetizador tienen un vigor y una pasión que pocos imitadores han logrado igualar. Los riffs precisos y los ritmos ajustados que se encuentran en el disco incluirían a una generación de músicos hardcore. Que un álbum tan sombrío y furioso pudiera tener una influencia tan amplia es un testimonio de su importancia. Por todos los elogios, sigue siendo visto como un clásico underground y pienso que merece algo mejor que su estado aún relativamente desconocido. Una respuesta puede ver con su sonido obviamente "del pasado", oscuro y áspero. Quizás ayuda contextualizar el álbum, nacido de un Reino Unido experimentando grandes cambios en todos los ámbitos. La cultura era un híbrido de nuevas ideas y tendencias que compiten entre sí para destacar y captar a una juventud buscando nuevos ídolos y frustrados por grandes cambios. Killing Joke recogió toda la primera ola del punk para darle una vía de escape de la comercialización para seguir con sus principios algo más creíbles. Fusionó otros estilos musicales con el punk para mantenerlo vivo y catapultarlo hacia el futuro.

Disco recomendado

Un buen ejemplo de la edad de oro del post-punk de los primeros años de los 80. Este álbum influenció a Metallica, Nine Inch Nails, Tool, Ministry, Godflesh, Nirvana, The Foo Fighters, Marilyn Manson, White Zombie, Soundgarden, Rage Against the Machine, Helmet, LCD Soundsystem, My Bloody Valentine, Faith No More, Rammstein, Slipknot , Korn, Big Black, Primus, Jane's Addiction y muchos otros … será por algo.

Video del tema "Requiem":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1.         "Requiem"                 3:45
2.         "Wardance"               3:49
3.         "Tomorrow's World"             5:31
4.         "Bloodsport"     4:46 

Cara B:

5.         "The Wait"      3:45
6.         "Complications"         3:08
7.         "S.O.36"         6:52
8.         "Primitive"      3:37

Personal (Músicos):

• Jaz Coleman – voz principal, sintetizador, producción
• Kevin "Geordie" Walker - guitarra, producción
• Martin "Youth" Glover - bajo, producción
• Paul Ferguson – batería, coros, producción

Técnico:

• Phil Harding - ingeniero de grabación, mezcla (sin acreditar) 
• Mike Coles - diseño de portada (sin acreditar)
• Don McCullin - fotografía (sin acreditar)

KIWI Jr | Football Money - Album

KIWI Jr. (Banda)

Este grupo no tiene nada que ver con Nueva Zelanda, ni con su símbolo nacional, un pájaro no volador. Es una formación de indie-rock canadiense inspirado en bandas de indie- pop de los años 80 y los 90 (Siglo XX). 

La banda fue formada por cuatro amigos en 2015, concretamente por el guitarrista - vocalista Jeremy Gaudet, el bajista Mike Walker, el segundo guitarrista Brian Murphy y el baterista Brohan Moore. El sonido de la banda era semejante al de "Pavement" en una parte, en otra parte "C- 86" (jangle pop y /o power pop melódico) y chispas de ingenio en sus letras sobre fiestas en casa, amigos extraños y paisajes suburbanos. Los chicos se mudaron a la ciudad de Toronto poco después de formarse, integrándose en la escena musical allí. Brian Murphy dividió su tiempo entre tocar la guitarra con "Kiwi Jr." y el bajo en "Alvvays", ya que la banda anterior trabajó en su álbum debut entre 2016 y 2017. En ese tiempo, un solo "demo" era la única salida grabada de la banda, pero tocaban constantemente en por la ciudad. 

No sería hasta 2019 que comenzaron a trabajar con "Mint Records" y el álbum debut "Football Money" vio la luz. Al año siguiente firmaron con el sello independiente “Sub Pop” y comenzaron a lanzar singles de su segundo disco, "Cooler Returns", publicado en enero de 2021. Como puedes leer, son relativamente “nuevos”.

La discografía hasta ahora:

• Football Money (2019)
• Cooler Returns (2021)

Me gusta mucho el primer disco, "Football Money", lo escucho con cierta regularidad. No obstante, el segundo "Cooler Returns" está muy bien. Ambos pueden servir para introducirte a la banda.

ALBUM: Football Money

Primer álbum de estudio de Kiwi Jr. publicado el 29 de marzo de 2019, donde recuperan el Indie Rock de los años 90 con su particular estilo. Abordando los problemas del consumismo moderno y los problemas de adherirse a una estructura capitalista rígida, la banda pone sobre la mesa sus propios pensamientos al respecto. Sin embargo, para aquellos que solo quieren música, tiene mucho aquí para no tener que entrar en las profundidades socio-políticos-económicos. El sonido "indie" tira estupendamente de los noventa, para poder escaparte, y sin quedarse estancado en ese estilo.

El disco se puede resumir en brillantes vibraciones de guitarra de los 90 y Jangle Pop. La producción es fantástica para ser un disco indie, instrumentalmente es detallada y elaborada. Se escucha claramente las influencias sobre la banda: Lou Reed, The Strokes, Destroyer y Parquet Courts. Sin embargo, la influencia de "Pavement" es imposible de ignorar en este trabajo.

Los chicos ofrecen armonías vocales melodiosas y un sonido de guitarra solista de "Rickenbacker". También incorporan estilos folclóricos ("Murder in the Cathedral"), anzuelos de surf-rock ("Leslie") y "rock geek" que recuerdan a "Weezer". El disco mezcla con entusiasmo el delicioso pop-rock con letras entrañables ligado a la ciudad de Toronto que saca a esta banda de las sombras y lo coloca en el primer plano de su divertido tapiz de melodías pegadizas con diez temas con una duración en total de poco menos de 30 minutos. Quizás el álbum sea un poco corto, pero la calidad de las canciones hace que parezca más largo. Para mí está bien, ideal para nuestro mundo moderno de "poca capacidad para mantener la atención".

En el centro de cada canción y melodía se encuentra narrativas depravadas del vocalista Jeremy Gaudet, repleta de referencias psicodélicas que van desde recuerdos de la infancia de un apuñalamiento en una iglesia ("Murder in the Cathedral") hasta el incidente de la piscina de "Brian Jones" (The Rolling Stones) en "Swimming Pool". "Salary Man" se balancea con una somnolienta ensoñación mientras Gaudet en otras canciones pinta imágenes líricas de teléfonos móviles descargados y empresarios borrachos durmiendo en bancos públicos con trajes y zapatos lustrados. Hay mucha diversión y humor en este álbum. A lo largo de "Football Money", Gaudet arroja un flujo incesante de nombres de celebridades, personajes históricos y puntos de referencia locales que incluyen, entre otros: las SS, James Dean, The Book of Daniel, un restaurante chino de Toronto "New Ho King", la Comisión de Tránsito de Toronto, el Front de libération du Québec, la escena "Luke, soy tu padre" de las Guerra de las Galaxias, Burt Bacharach, el IRA, Jesús, REM, Brian Jones...etc. Pero más que mostrar el estilo de la cultura pop de Gaudet, proporcionan un color que hace que estas historias de aflicciones cotidianas se sientan vividas. Obviamente, más apreciado por el oyente local, joven-adulto y anglosajón. 

Con tanta diversión, el álbum pasa rápidamente y exige que se repita la escucha. La composición de las canciones es excelente al igual que las sorprendentes ideas melódicas e ingenio lírico. 

Un disco recomendado. Disco muy divertido – hay bastante cachondeo - lleno de ganchos melódicos que se sirven de guitarras eléctricas escacharradas. Además, la banda nos recuerda de la importancia de divertirse. Y cuando escuches "Football Money", busca el segundo álbum "Coller Returns", igualmente divertido y bueno.

Video del tema "Leslie":

Tracklist:

1. Murder in the Cathedral
2. Leslie 2:13
3. Salary Man
4. Gimme More
5. Comeback Baby
6. Soft Water Apple
7. Football Money
8. Nothing Changes
9. Swimming Pool
10. Wicked Witches

COUNT FIVE | Psychotic Reaction - Album

Era una banda de garage rock-psicodélico de los años 60, mejor conocida sólo por su single de Top 10 y ahora clásico, "Psychotic Reaction". Sin embargo, la gran popularidad del dicho éxito no logró causar una gran impresión duradera en el público que los escuchaba o en el rock n roll. Su fallo fue que nunca pudieron generar más material (hits) tan bueno. Hablo de... 

Count Five (Banda)

Grupo americano fundado en 1964 por el guitarrista John "Mouse" Michalski y el bajista Roy Chaney. Los dos eran amigos de la escuela que habían tocado anteriormente en varias bandas de corta duración, sobre todo en un grupo de surf rock llamado "The Citations". A medida que la influencia de la "invasión británica" entró en vigor, la banda cambió de dirección musical. Después de pasar por el nombre de "The Squires" por un corto tiempo, junto con varios cambios de formación, nació "COUNT FIVE". John "Sean" Byrne, nacido en Irlanda, tocaba la guitarra rítmica; Kenn Ellner tocó la pandereta y la armónica, mientras compartía la voz principal; y Craig "Butch" Atkinson tocaba la batería. Los "Count Five" eran además algo excéntricos y teatrales por su hábito de vestirse con trajes de capas al estilo del "Conde Drácula" cuando tocaban en directo.

Tuvieron un gran éxito, "Psychotic Reaction", ahora conocido como una piedra angular del garage rock americano, que inicialmente fue ideado por John Byrne, con el grupo refinando y convirtiéndolo en lo más destacado de sus sets en directo. La canción fue influenciada por el estilo de bandas contemporáneas como "The Standells" y "The Yardbirds".

Inicialmente la banda fue rechazada por varios sellos discográficos hasta firmar con "Double Shot Records", con sede en Los Ángeles. "Psychotic Reaction" fue lanzado como single, alcanzando el puesto #5 en las listas de Billboard a finales de 1966. La banda disfrutó de un éxito durante un corto tiempo, desapareciendo por completo cuando su único single de éxito desapareció de la memoria pública.

Desafortunadamente, la banda nunca pudo replicar el éxito de "Psychotic Reaction" con algo ni remotamente tan exitoso. Se publicó un álbum, con el mismo nombre, que contenía algunos originales sin mucho más. Intentaron reutilizar la misma fórmula; trabajaron en una vena un poco más "folk-rock" e intentaron algunas "locuras" de guitarra (como en "The World" y "Pretty Big Mouth" y, en una vena psicodélica, en "Peace of Mind"), más un par de versiones bastantes justitas de "The Who" ("My Generation" y "Out in the Street"), pero en 1967, estaba claro que los días del grupo habían terminado.

La tensión de mantener carreras musicales mientras asistían a la universidad, que era esencial para que los miembros mantuvieran sus aplazamientos del draft (evitar ir a la guerra de Vietnam), pasó factura, al igual que los conciertos cada vez menores, a medida que el recuerdo de "Psychotic Reaction" se desvaneció. Al final, después de un intento de la discográfica "Double Shot" para mantener a Byrne como el único miembro activo, Count Five dejó de existir. David Eugene McDowell, el miembro más joven pasó a unirse a "Billy Nix and the Ideals" como su bajista.

El resto es pufff... desaparecieron como el humo. Hasta ahora.

 

ALBUM: Psychotic Reaction

 
El primer y único álbum de Count Five qué fue lanzado rápidamente en octubre de 1966 con el fin de maximizar la popularidad de su exitoso single "Psychotic Reaction".

Este álbum nunca habría "re-aparecido" de nuevo si no fuera por Lester Bangs (periodista musical estadounidense: Rolling Stone, Creem …, crítico, autor y músico) y su ensayo "Psychotic Reactions and Carburetor Dung", y por la compilación de Garage Rock de 1972 "Nuggets (Original Artyfacts From The First Psychedelic Era 1965-1968)", que consiguieron a enviar a los fans del garage rock a las tiendas de discos en busca de este álbum.

La verdad es que este álbum es normal, nada fuera de serie, esta la canción principal, por supuesto, el gran éxito. Luego está el misterioso "Pretty Big Mouth", un ritmo de blues rock pantanoso con las letras más extrañas de todo el álbum. Y obtienen crédito por estar a la moda con "The Who" en 1966, grabando "My Generation" y "Out in the Street" antes de que casi nadie en los Estados Unidos supiera quién era Pete Townshend; lamentablemente, esa buena voluntad se ve negada por la interpretación de baja calidad de ambas versiones. Que se va hacer, difícil igualar y/o mejorar a los originales ¿no?.

Dicho esto, este álbum y la banda merecen tener un espacio en el blog, y ser recordados como unos soñadores del rock que ayudaron a lanzar el estilo garage-punk rock. Su sencillo "Psychotic Reaction" por sí solo les da el derecho a ser recordados, independientemente de ser un ejemplo, como muchos, de pertenecen a la famosa categoría de "One Hit Wonders". Cambiando el famoso dicho: "Mejor haber podido hacer rock, que nunca haber podido".

Resumiendo, un disco para descubrir y explorar. Un buen ejemplo de proto-punk y garage rock primitivo. Dejando de lado las versiones de "The Who" (flojos), las canciones originales, como "Double-Decker Bus", "The Morning After" y el ahora clásico "Psychotic Reaction", hacen que este álbum valga la pena para fans del garage de los 60. Además, la guitarra de John Michalski es genial junto con la voz de Ken Ellner al estilo "Mick Jagger". El álbum no está nada mal, supera a muchos álbumes modernos que llegan hoy al #1 de las listas.

Video del tema "Psychotic Reaction" (Live):

Tracklist (formato LP vinilo):

A1. Double-Decker Bus 2:00
A2. Pretty Big Mouth 2:07
A3. The World 2:12
A4. My Generation (The Who) 2:25
A5. She's Fine 2:12
A6. Psychotic Reaction 2:56

B1. Peace of Mind 2:17
B2. They're Gonna Get You 2:25
B3. The Morning After 2:55
B4. Can't Get Your Lovin' 1:45
B5. Out in the Street (The Who) 2:25

Una versión en directo de “Psychotic Reaction” por The Cramps:

THE TRASH CAN SINATRAS | Cake

The Trash Can Sinatras (Banda)

Grupo escocés que se formó en Irvine, en 1986. La música de la banda hace un uso maravilloso de armonías pop, y las letras de sus canciones hacen uso de inteligentes juegos de palabras. Una formación indie que se hizo popular desde la década de 1990 en adelante, y que ayudó a allanar el camino para el "pop twee*" (*término inventado por la revista británica NME para música indie simple, jangle y pop).

No hay que infravalorar el "momento de gloria" que tuvieron los escoceses. Mucho antes de que aparecieran bandas como Travis y Coldplay, "The Trash Can Sinatras" encandilaron a los adolescentes con su "tintineante" estilo de Brit-pop.  Estos cinco escoceses suavizaron los bordes más ásperos del rock indie de los principios de los 90 y afilaron los ganchos melódicos del género "jangle-pop" en desarrollo. Sin embargo, la larga espera entre el primer y segundo álbum hizo que la oferta musical de la banda se viera barrida por la explosión en escena del "sonido grunge rock", especialmente en los Estados Unidos. No obstante, siguen brillando su luz musical en la actualidad pero sin los destellos iniciales, y con diferentes miembros.

La banda "The Trash Can Sinatras" fue fundada en las afueras de Glasgow en 1986 por el cantante y guitarrista Frank Reader (hermano del ex cantante de "Fairground Attraction", Eddi Reader),los guitarristas John Douglas y Paul Livingston, el bajista George McDaid y el baterista Stephen Douglas. Inicialmente formados como una banda de versiones, estaban actuando en un pub local cuando fueron descubiertos por un cazatalentos del sello "Go!-London", Simon Dine. El primer single del grupo, el magnífico "Obscurity Knocks", apareció a principios de 1990, evocando el estridente pop de guitarra creado por otras bandas escocesas como Aztec Camera y Orange Juice una década antes. Un segundo single, "Only Tongue Can Tell", precedió al lanzamiento del LP debut del quinteto, "Cake" en 1990. Este álbum fue aclamado y entró fuerte en el mercado estadounidense y a los jóvenes adolescentes vía el circuito de la radio universitaria y alternativa. Parecía que estaban a un paso de conquistar el mundo.

Pero... George McDaid dejó la formación en 1992 y fue reemplazado por el bajista David Hughes, y para cuando el segundo álbum de "The Trash Can Sinatras", "I've Seen Everything", finalmente apareció en 1993, el ascenso del grunge (con las bandas Nirvana, Mudhoney...etc) descarriló cualquier impulso comercial que aún le quedaba al grupo en los Estados Unidos y en otras partes. El tercer disco "A Happy Pocket" de 1996 ni siquiera se publicó en los Estados Unidos. 

Las circunstancias hicieron que "The Trash Can Sinatras" nunca obtuvo el reconocimiento que s merecía. Mientras que los contemporáneos lograron una mayor exposición, la "marca" de pop de guitarra melódica e inteligente de The Trash Can... fue solo apreciada por un núcleo duro de fieles seguidores y no lograron llegar a una audiencia más amplia.

La banda continúa activa bajo diferentes formaciones y se ha vuelto muy popular en Japón. Un amigo mío me ha mencionado que el público japonés aprecia más la dulce música pop de guitarra. Quizás, aunque creo que la razón es mucho más universal, "The Trash Cans Sinatras" simplemente saben hacer excelentes melodías de rock y pop melódico que gusta a todo el mundo. Además, continúan con la larga y probada tradición de los músicos y grupos escoceses para la escritura y composición de canciones melódicas absolutamente brillantes.

La discografía de álbumes de estudio hasta ahora:

• 1990    Cake   
• 1993    I've Seen Everything 
• 1996    A Happy Pocket        
• 2004    Weightlifting 
• 2009    In The Music 
• 2016    Wild Pendulum         
• 2018    All Night In America

Sin duda, el mejor álbum es el debut "Cake". Una joya de indie-pop melódico.
 

ÁLBUM: Cake

Es el primer álbum de estudio publicado el 25 de junio de 1990. Recibió una respuesta muy positiva en ambos lados del Atlántico; en los EE. UU., se convirtió en un favorito particular en la radio universitaria y alternativa.

Este álbum mezcla guitarras intrincadamente entrelazadas, con cuerdas exuberantes y armonías sofisticadas. Abundan los juegos de palabras inteligentes, como en "The Best Man 's Fall". La producción limpia, necesaria para una orquestación tan elaborada, es cálida y acogedora. Canciones como "Obscurity Knocks" fácilmente entran en mi lista top de canciones pop británicas de principios de los 90. Una delicia, que recuerda tanto a "The Smiths" como a "Aztec Camera", mientras que "Only Tongue Will Tell" y "Maybe I Should Drive" resultan ser dulces piezas de puro pop. Dicho esto también hay variedad y nostalgia, como en "Funny", una de mis canciones favoritas del disco, como también en "Thrupenny Tears" y "You Made Me Feel". Todas canciones fáciles para los oídos y el paladar, "Cake" es un álbum dulce, placentero, abundante y muy digerible . Los álbumes posteriores de "The Trash Can Sinatras" también son buenos, pero al final se quedan todos cortos. La banda escocesa se presento al mundo muy fuerte y con una obra que puso el listón muy alto. Una delicia de álbum

Un disco recomendado. Un excelente álbum de jangle pop: melodías sencillas, insinuantes y con letras inteligentes y de buen humor. Es un álbum que puede servir de ejemplo y para estudio en cómo componer y construir ganchos y melodías pegadizas y placenteras. Es  realmente una muy buena escucha, y sigue siendo un disco tan fresco como el día en que se publicó.

Video del tema "Obscurity Knocks":

Tracklist:

1.         "Obscurity Knocks"   4:13
2.         "Maybe I Should Drive"        3:40
3.         "Thrupenny Tears"      5:15
4.         "Even the Odd"          3:25
5.         "The Best Man's Fall" 3:43
6.         "Circling the Circumference" 2:40
7.         "Funny"          4:16
8.         "Only Tongue Can Tell"         3:45
9.         "You Made Me Feel" 4:10
10.       "January's Little Joke"            4:47

THEE BLIND CROWS | Back from the Cave - EP

Cuando lees de una banda que acabas de descubrir comentan que el garage-blues-punk es su estilo musical y que han sido influenciados por grupos como The Black Keys, The Cramps, Jon Spencer Blues Explosion, R.L Burnside...etc., yo tomo nota. Y si añades a esto que son producto nacional, más me anima la curiosidad. Después de investigar sobre ellos y escuchar su material sonoro a disposición me he quedado impresionado y voy a dedicar a los chicos un espacio. Hablo de…

Thee Blind Crows (Banda)

Comenzaron como un dúo - Alberto "Al" (voz y guitarra) y Diego "Dddelirio" (bateria) - y después de más de 10 años de curro se han posicionado como uno de las formaciones más interesantes del panorama blues rock nacional en los últimos años. Su música surge de una convergencia entre el blues y el punk. Es más, he leído al baterista Diego mencionar en entrevistas que buscan siempre mantener en todos sus trabajos una música de válvulas saturadas, fuzz, delay, distorsión en la voz y con mucha energía en la batería. Sus canciones son simples, intentan eliminar todo lo superfluo y que quede lo básico, bases marcadas y riffs pegadizos: “Es a lo primitivo, a lo básico”, comenta.

Una breve historia:

Formación española de Pontevedra (Galicia) formada en 2008 que fusionan la crudeza del blues más primitivo con la rapidez y contundencia del punk rock, todo ello aliñado con un sonido garaje. Inspirados inicialmente por otras bandas como The Black Keys, The White Stripes o Flat Duo Jets e influenciados por los Sonics, MC5, The Cramps o Link Wray, los dos componentes y fundadores, "Al" y "Dddelirio" comienzan su carrera en 2008 para después en 2018 añadir un tercer miembro, Samu, al bajo. 

Hasta la fecha han publicado diversos trabajos en formato single, EP y LP, destacando entre ellos el debut álbum "Too Blues To Be Punk, Too Punk To Be Blues" de 2012 y el siguiente "Primitive Loud Blues" de 2014. El 2019, ya como un "trío" con Samu, publican el álbum "Death Awaits Us All".

Discografía de álbumes - LP - hasta el momento:

• 2012 Too Punk to Be Blues Too Blues To Be Punk
• 2014 Primitive Loud Blues
• 2019 Death Awaits Us All

 2019 Live At Mardi Gras ‎(Live)

Escuchando su oferta musical tengo que decir que mola, los chicos viven musicalmente su pasión por el blues, garage y punk rock. Pensando en un disco que puede servir para introducir a los chicos de "Thee Blind Crows" a alguien que no los conoce, me ocurre proponer un EP, un trabajo de 4 temas y de diez minutos que capta la esencia de la banda, el EP "Back from the Cave".

EP: Back from the Cave

  
Es un EP (formato vinilo) publicado el 10 de junio de 2016. Grabado en directo en cinta analógica en cuatro horas en "A Ponte Studios (Roxos)" el 8 de marzo de 2016, y masterizado por Jim Diamond (Left Lane Cruiser, White Stripes, Jon Spencer Blues Explosion …). Cuatro canciones de auténtica descarga de adrenalina, de punk visceral con alma blues, o como comentan los chicos en entrevistas, “Bad blues for punk people”. Me parece una gran definición, no solo de este EP sino de la oferta musical de "Thee Blind Crows".

Abren el EP - la cara A - con “Like a Storm”, un tema que ruge una guitarra poderosa construyendo un riff estilo punk, entre detalles de "swampy" blues,  apoyada por la no menos contundente batería. Un tema que te deja con la sensación de haber descubierto algo grande. Le sigue, “Voodoo Rhythm”, es otro tema sólido que combina melodía y ritmo y que provoca en el oyente un impulso para "mover el esqueleto", hay swing.

En la cara B nos ofrecen “Mass of Muscles”, una descarga de electricidad a cargo de una guitarra endemoniada con el ritmo de la imperturbable batería. Aquí sí que me recuerdo mucho de los americanos "The Black Keys". Los chicos cierran el EP con, “Do the Jungle”, tema con gritos y recorridos salvajes que transmiten esa oscura pasión frente a lo desconocido, aunque no menos excitante.

Un EP recomendado. Una obra corta e intensa que sirve perfectamente como tarjeta de introducción a la banda. Me mola mucho la portada y el diseño, le da un toque "tex-mex" y "bluesy" que les define bien. Si te gusta lo que escuchas, puedes lanzarte después a escuchar su material por la web. El debut álbum "Too Punk to Be Blues Too Blues To Be Punk" de 2012 es muy bueno, mientras el álbum "Death Awaits Us All" de 2019 ya tiene la formación como un trío.

En fin, esta bien para ser producto nacional, y se escucha la pasión por la música en los chicos. Además si te gusta el blues y el garage, te van a gustar. Pongo un enlace hacia su página de "Bandcamp" para darte un empujón para explorar y descubrir más música de estos rockeros gallegos.

Video del tema "Do the Jungle":

Tracklist de EP:

A1. Like a Storm 00:00
A2. Voodoo Rhythm 01:45
B1. Mass of Muscles 03:41
B2. Do the Jungle 05:44

JAMES BOOKER | Classified - Album

Músico y "showman" con un tremendo talento, mezcló blues, jazz, soul, gospel y boogie woogie para personificar la música de Nueva Orleans. Fue una gran influencia en la escena local de rhythm & blues en los años 50 y 60. En pocas palabras, uno de los más grandes intérpretes, si no el más grande, de la legendaria tradición pianística de Nueva Orleans que se le conoce como "El Príncipe del Piano de Nueva Orleans". Hablo de...

James Booker (Músico)

Nacido James Carroll Booker III (1939 - 1983) fue un pianista de rhythm and blues nacido en Nueva Orleans, Luisiana, Estados Unidos. El estilo único de James Booker combinó el R & B con los estándares del jazz. El músico "Dr. John" describió a Booker como "el mejor genio del piano negro". Era gay, adicto y llevaba un parche - con estrella - tapando un ojo. De personalidad extravagante, era también conocido como el "Liberace Negro".

Una breve historia:

 
James Booker era hijo y nieto de predicadores bautistas, quienes tocaban el piano. Pasó la mayor parte de su infancia en la costa del Golfo de Mississippi, donde su padre era pastor de una iglesia. Booker recibió un saxofón como regalo de su madre, pero estaba más interesado en el piano. Tocaba el órgano en la iglesia de su padre. Aprendió algunos elementos de su estilo de teclado de "Tuts Washington" y "Edward Frank". Booker era muy hábil en música clásica y tocaba música de "Bach" y "Chopin", entre otros compositores. También dominó y memorizó los solos de "Erroll Garner" y "Liberace". Sus actuaciones combinaron elementos de blues, gospel y estilo latino.

James Booker hizo su debut discográfico en 1954 en el sello "Imperial Records", con "Doin 'the Hambone" y "Thinkin' 'Bout My Baby", producidas por Dave Bartholomew. Esto llevó a un trabajo de sesión con Fats Domino, Smiley Lewis y Lloyd Price. A lo largo de su carrera, Booker tocó y grabó con artistas tan variados como Aretha Franklin, Ringo Starr, The Doobie Brothers y B.B. King. Dicho esto, la propia carrera discográfica de Booker fue, digamos, errática, consistente en muchas sesiones y discos en directo, pero solo unos pocos álbumes completos y de gran presupuesto... tres, de hecho.

Lo que nunca estuvo en duda fue el talento del músico. La mano izquierda de Booker fue descrita como simplemente fenomenal. Su interpretación también fue muy improvisada, reinventando una progresión (generalmente la suya propia) para que una sola pieza evolucionara hacia un popurrí de sí misma. Además, tenía un estilo vocal quejumbroso y vidente que se sentía igualmente cómodo con el gospel, los estándares del jazz, el blues o las canciones populares. A pesar de sus excentricidades personales, Booker tenía el respeto de los mejores músicos de Nueva Orleans.

Hay muchos excelentes álbumes en directo y recopilatorios disponibles; aquí están sus tres álbumes de estudio:

• Lost Paramount Tapes (1974)
• Junco Partner (1976)
• Classified (1983)

Si quieres saber más sobre este genio, y desde una óptica más personal, hay un documental titulado "The Bayou Maharaja: The Tragic Genius of James Booker". No he hecho mención de ello hasta ahora, pero James Booker era un adicto a la heroína casi todo su vida y esto tuvo sus efectos sobre su carrera. Booker tuvo un accidente de tráfico a los 10 años que le rompió varios huesos y para calmar los dolores se le administraba morfina. Esto fue la entrada de "las substancias tóxicas" en su vida que alteró su camino (con tiempo en prisión incluido) por la vida. James Booker murió a los 43 años en 1983.

 

ALBUM: Classified

Su tercer (o segundo, si se considera "Lost Paramount Tapes" no de estudio) álbum publicado en 1983. Se ha re-editado este disco con más temas inéditos y "expanded & remixed". Yo prefiero el primero, el de 1983.

"Classified", es uno de los grandes álbumes de blues de principios de los años 80, capta a James Booker poco antes de su muerte prematura a la edad de 43, y fue grabado en una serie de sesiones en 1982 con el productor Scott Billington.

Es difícil no interpretar este álbum como una declaración final. El pianista no tenía la intención de que este álbum fuera una especie de gran obra, pero Scott Billington tenía la intención de obtener un buen y sólido disco de R & B de Nueva Orleans de Booker, empujándolo a través de sesiones que a menudo eran difíciles y desenfocadas. Hay que decir que el productor consiguió su objetivo.

El disco se compone de siete canciones con James Booker solo al piano. Los otros cinco temas se encuentran con tres músicos veteranos, incluido Alvin "Red" Tyler en el saxofón tenor, James Singleton en el bajo y Johnny Vidacovich en la batería. Además de varios originales, el álbum incluye un repertorio de influencia principalmente local, incluyendo "One for the Highway" de Fats Domino y "Lawdy Miss Clawdy" de Lloyd Price. En general, un álbum deslumbrante de 38 minutos que muestra las prodigiosas y elásticas habilidades de Booker en el piano. Como sugiere el título, existe una vertiginosa variedad de cambios de teclas, tonos y melodías.

En resumen, un disco recomendado. Si no conoces a James Booker, este disco es el lugar para comenzar. Grabado cerca del final de su vida, James Booker estaba más concentrado y en control y se aprecia la calidad en este álbum. Una vez que comiences a escuchar a este genio del piano, querrás escuchar más. Este álbum es perfecto para ello, con un gran sonido y producción. A mi me mola y lo escucho con regularidad; pienso que te gustara si eres amante del piano blues y jazz.

Video del tema "Angel Eyes":

TrackList (formato LP vinilo):

- Cara A -
1. All Around The World
2. One for the Highway
3. King of the Road
4. Professor Longhair Medley
5. Bald Head / Tipitina
6. Madame X

- Cara B -
1. Classified
2. Lawdy Miss Clawdy
3. Angel Eyes
4. Hound Dog
5. If you’re Lonely
6. Three Keys 

SONS OF KEMET | Black to the Future

Sons of Kemet (Banda)

Un "supergrupo" activista británico de jazz moderno con sede en Londres compuesto por músicos de todo el mundo. Su sonido combina modal y free jazz, ritmos y modos africanos, dub caribeño y timbres de Oriente Medio. Dirigido por el saxofonista, clarinetista y compositor Shabaka Hutchings, Oren Marshall en la tuba y el dúo de Seb Rochford y Tom Skinner en percusión y batería, el proyecto comenzó en la primavera de 2011. La formación cambió más tarde cuando el baterista Eddie Hick reemplazó temporalmente a Rochford mientras que Theon Cross (Brass Mask) asumió el instrumento de tuba.

El amplio sonido de "Sons of Kemet" se desarrolló con la práctica y la investigación inspiradas en gran medida por el impulso y la pasión por el conocimiento de Hutchings; su forma de tocar en todo el espectro musical y de géneros del sur de Londres, y su trabajo con músicos de todo el continente africano.

¿Por qué son considerados un supergrupo?

Aparte de Hutchings, un serio profesional del jazz, que ha tocado en varias bandas de "world" y "reggae", está el baterista Seb Rochford, que ha trabajado como músico de sesión para artistas como Herbie Hancock, David Byrne y Brian Eno aparte de proyectos suyos como Polar Bear, Acoustic Ladyland y Basquiat Strings. Igualmente, el baterista Skinner ha estado involucrado en trabajos de sesión para Matthew Herbert, Malatu Astatke y Eska. El músico de tuba Oren Marshall ha tocado durante muchos años bajo su apodo de "Oren Marshall Trio", en una variedad de grandes bandas de jazz, y como músico de sesión para cine y televisión. En general, estamos hablando de unos grandes profesionales del jazz altamente dotados y con educación musical clásica con amplia experiencia y credibilidad ya ganado.

Sumado a todo esto, la banda tiene un hilo político y social que impulsa su música. Abordan la "experiencia de la raza negra" desde la esclavitud colonial hasta el ascenso internacional de "Black Lives Matter" en medio de la lucha por la autodeterminación,  mientras su objetivo musical es eliminar las fronteras artificiales entre el jazz, el dub, el afrobeat, el calipso, el rap, el funk y el soul. Menciono esto para el beneficio del lector que desee explorar más el "mundo musical" de "Sons of Kemet". Inicialmente me tiraron para atrás su planteamiento sonoro hasta que entendí de "dónde venía" la banda. Personalmente, una vez captado el concepto, la música saltó a la primera línea mientras que el tono político se convirtió en un telón de fondo, aunque no menos importante. Tener esto en cuenta si exploras la banda.

En 2013, Sons of Kemet publicó su álbum debut "Burn", que recibió el "Álbum del año 2013 de Arts Desk" y una nominación al "Álbum del año" del famoso BBC Dj y experto en World Music, Gilles Peterson. El grupo ganó el premio "Mejor grupo de jazz" en los premios MOBO de 2013. El siguiente álbum,"Lest We Forget What We Came Here to Do", recibió la misma nominación para el año 2015. En 2018, la banda lanza su tercer álbum, "Your Queen Is a Reptile" y fue nominado para el "Mercury Prize". Su cuarto álbum "Black to The Future" fue publicado en 2021.

La discografía hasta ahora:

• Burn (2013)
• Lest We Forget What We Came Here to Do (2015)
• Your Queen Is a Reptile (2018)
• Black to the Future (2021) 

He descubierto esta formación con el álbum "Black to the Future", un disco muy interesante de free jazz, sonidos caribeños y con un fondo político (social) de concienciación raza negra (de raíces africanas-caribeñas). Los componentes sienten la opresión estructural por parte del poder "blanco" y quieren denunciarlo. Mi curiosidad me animo a explorar sus álbumes anteriores, donde también existe un fondo de concienciación político, social y psicológico...y de denuncia; con el disco "Your Queen Is a Reptile" de 2018 destacando no solo por su óptica "feminista" y "racial", pero más bien su sutil, diverso y maravilloso interpretación musical. En todo caso, quiero distanciarme en mi exposición de lo político y enfocarme en la música...aunque hay ciertos artistas y bandas donde hacerlo es difícil, y en algunos casos no recomendable para no perder la esencia de la propuesta musical. Voy a intentarlo, aunque temo que volveré a "lo político" en el caso de "Sons of Kemet".

ALBUM: Black to the Future

Me gusta este álbum. Es diferente, me llama la atención y estimula la curiosidad. En muchos sentidos, es un soplo de aire fresco considerando lo que se está ofreciendo en el mercado de la música últimamente.

Es el cuarto álbum de estudio publicado el 14 de mayo de 2021. "Sons of Kemet" permanece en este álbum como un cuarteto con Shabaka Hutchings en los instrumentos de viento, Theon Cross en la tuba y Edward Wakili-Hick y Tom Skinner en la batería y la percusión; a ellos se une aquí una lista de invitados vocales e instrumentales. "Black to the Future" lleva la antorcha de otros conocidos activistas musicales negros como, por ejemplo, Max Roach, Gil Scott-Heron y los militantes Public Enemy. "Black to the Future" es menos abiertamente conceptual que los últimos álbumes de la banda, pero es mucho más pesado en los ejes sociales y políticos.

La temática del álbum que gira en torno al racismo y el afro-futurismo quedan bastante claros en el tema de apertura: "Field Negus" con el poeta Joshua Idehen entregando una pieza militante, furiosa, poderosa y desgarradora de poesía vívida y oscura que retrata estos temas. Sin embargo, a través de las denuncias sociales, la riqueza de la música negra: jazz, afrobeat, reggae, calypso, dancehall, funk, etc., especialmente la segunda mitad del álbum que es principalmente instrumental, eclipsa el activismo para dar el mensaje que la música supera todos los límites y nos une. Además de ser un trabajo que suena fabuloso, encontrarás increíbles melodías hipnóticas de afro-jazz y algunas actuaciones increíblemente intensas.

Por lo tanto, disfruto de la instrumentación, me gusta el sonido y las texturas de la producción, y "Sons of Kemet" realmente se destaca con un disco de Jazz fantástico e hipnótico. La banda como ya se ha comentado - y se advierte - profundiza en el historial de opresión de la historia negra, pero emergen con la esperanza de que "La Lucha Negra" tiene una arma poderosa en la música y la danza. Es el mensaje universal que muchos de nosotros ya conocemos y certificamos, que la música se reconcilia y une si le das el tiempo y la oportunidad.

No obstante, tengo que volver a avisar al lector. Es un disco denso y puede que caiga dentro del "Jazz-snob", demasiado elaborado y sofisticado para los oídos menos acostumbrados y más afines a lo comercial. Ser paciente y dejar a un lado los "mensajes" y concentrarte en la música. Para un oyente no anglo parlante, será más fácil, solo apreciará la música y entra mejor toda la musicalidad y el talento de los cuatro componentes

Un disco recomendado. Un álbum de free jazz experimental, enérgico, enigmático y bailable que además ilustra la renovada creatividad musical saliendo desde Londres. Un álbum que gustará a los fans de World Music y Jazz - quizás menos para los puristas que nunca están satisfechos (humor).

En resumen, te animo a buscarlo y explorar la oferta. Creo que te puede sorprender gratamente. Este blog se empeña en ayudar a los lectores a descubrir música, espero que sea este un caso. 

Video de "Hustle":

Tracklist:

1.         "Field Negus" (con Joshua Idehen)   3:03
2.         "Pick Up Your Burning Cross" (con M Mother y Angel Dawid) 3:44
3.         "Think of Home"        3:32
4.         "Hustle" (con Kojey Radical) 5:18
5.         "For the Culture" (con D Double E)  4:01
6.         "To Never Forget the Source"           2:55
7.         "In Remembrance of Those Fallen"5:06
8.         "Let the Circle Be Unbroken"           6:29
9.         "Envision Yourself Levitating"         8:22
10.       "Throughout the Madness, Stay Strong"       5:53
11.       "Black" (con Joshua Idehen)  2:42