PALEHOUND - Eye on the Bat - Album

Destacó en este blog de música una banda que realmente ha evolucionado a lo largo de los años hasta convertirse en un conjunto muy sólido. El grupo "Palehoud" editó en 2023 un álbum que me encantó, "Eye on The Bat", tanto que lo incluí en mi lista de favoritos para 2023.

 

¿Quiénes son la banda Palehound?

 

Grupo estadounidense liderado por El Kempner que han lanzado cuatro álbumes hasta la fecha: Dry Food (2015), A Place I'll Always Go (2017), Black Friday (2019) y Eye on the Bat (2023). Inicialmente un proyecto en solitario, la banda actualmente cuenta con Kempner en voz y guitarra, Zoë Brecher en batería y Larz Brogan en bajo.

El grupo describe su música como "journal rock", un término que explican cómo "escribir un diario".

 

ALBUM: Eye on the Bat

 
Es el cuarto disco de estudio publicado el 14 de julio de 2023.

La banda modifica un poco su planteamiento sin cambiar su estilo. "Eye on the Bat", es un álbum sobre ruptura de relaciones y está coproducido por Kempner y Sam Owens (también conocido como Sam Evian) y con el aporte del miembro de la banda Larz Brogan, quien ayudó a hacer realidad la visión del compositor de un sonido más crudo que capturara la energía de los directos. Funciona espléndidamente con la mezcla de canciones irónicas, auto despreciativas, confrontativas, molestas y melancólicas, que llevan al oyente a través de las complicadas emociones de una ruptura.

El álbum está lleno de imágenes evocadoras, y las letras de Kempner a menudo hacen referencia a experiencias físicas (y partes del cuerpo), creando una paleta visceral. Musicalmente, el LP se caracteriza por sinuosos riffs de guitarra y líneas de bajo potentes, que acompañan las palabras de Kempner y las convierten en encantamientos. El sonido de la banda ha evolucionado hasta volverse más nítido y "punky". El álbum también muestra el enfoque lúdico de Kempner hacia la guitarra y su habilidad para crear melodías pegadizas y paisajes sonoros.

El disco comienza con una canción sexual cruda y sincera, "Good Sex". Con el tono travieso del álbum establecido con éxito, "Palehound" avanza junto con el tema de rock "Independence Day" y el "The Clutch" con su gran solo de guitarra. Las cosas siguen moviéndose bien con temas como el número post-punk "U Want It U Got It", o el corte folk-rock "Right About You". La rotación del álbum de distorsión visceral, acento riffy y melódicas agridulce llega a su fin con la entrada acústica "Fadin", cuyas guitarras y piano centelleantes ponen el broche.

En resumen, "Eye On The Bat" es una exploración del desamor y la resiliencia, que muestra la evolución de "Palehound" como banda y la habilidad de Kempner como compositora. Con sus letras incisivas y su musicalidad convincente, el LP es un testimonio de la capacidad de la banda para crear música que sea a la vez emocionalmente resonante y musicalmente atractiva.

 

Disco recomendado

 
En general, es un buen retroceso al rock independiente de los 90. Riffs pegadizos, letras ingeniosas y confesionales, baterías contundentes, etc. Pero lo que es el espectáculo es el carisma de El Kempner a lo largo del disco.

Incluí este álbum en mi lista de "Mejores álbumes de 2023". Quizás no sea para todos los gustos pero creo que es una agradable bocanada de aire fresco del género rock indie que me ha llamado gratamente la atención. "Palehound" simplemente mejora y sigue sorprendiendo.

Dale una oportunidad y escúchalo, quizás tú también te sorprendas.

Video del tema "Eye on The Bat":

Tracklist:

1. Good Sex
2. Independence Day
3. The Clutch
4. Eye On The Bat
5. U Want It U Got It
6. Route 22
7. My Evil
8. Head Like Soup
9. Right About You
10. Fadin’ 

TY SEGALL - Three Bells - Album

El último lanzamiento de Ty Segall (su álbum #15) es sorprendentemente bueno. Una oferta psicodélica de garage rock experimental que se prolonga a lo largo de una hora destacando un sonido más depurado y cohesionado, suponiendo una grata evolución en su estilo musical.

Quiero animar y recomendar a los melómanos a buscar este disco y darlo una escucha.

 

¿Quién es el músico Ty Segall?

 
Multiinstrumentista, cantautor y productor estadounidense. Es mejor conocido por su carrera en solitario y uno de los líderes de la escena garage rock con influencia psicológica que estalló en California a finales de la década de 2000. Ty Segall también es miembro de las bandas Fuzz, Broken Bat, CIA, GØGGS y Wasted Shirt. Es un ex miembro de Traditional Fools, Epsilons, Party Fowl, Sic Alps y Perverts.

La música de Segall ha sido descrita como garage rock, lo-fi, indie rock y rock psicodélico. Segall ha declarado en entrevistas que su banda favorita de todos los tiempos es "Hawkwind". Los músicos glam David Bowie y Marc Bolan influyeron fuertemente en los inicios de la carrera de Segall, así como en bandas de heavy rock y punk como Black Sabbath, Kiss, The Stooges y Black Flag (especialmente en Ty Segall Band). Sin embargo, con el tiempo, la producción de Segall se ha vuelto más suave siguiendo el ejemplo de Neil Young, The Byrds, The Beatles, T. Rex y Grateful Dead.

 

ALBUM: Three Bells

 

El decimoquinto disco de estudio del músico estadounidense Ty Segall publicado el 26 de enero de 2024. Está producida por Segall y Cooper Crain. El álbum presenta canciones meticulosamente elaboradas que reflejan un cambio sutil en el sonido de Segall, yendo más allá de la introspección acústica de su trabajo anterior. Incorpora elementos de psych rock, folk y heavy metal, con arreglos cohesivos que le dan al álbum una sensación de unidad. La portada del álbum fue realizada por su mujer Denée Segall.

Como se señaló, en comparación con otros discos, "Three Bells" se inclina más hacia una vibra más tenue y con un toque folk más alucinante y ligeramente doblada de la glamurosa alegría eléctrica de finales de los 60/70s con Segall superponiendo montones de guitarra sobre los ritmos acústicos. Segall también se respalda a sí mismo, doblando el bajo, la batería y la percusión sobre sus pilas de guitarra. Tiene su propio estudio, por lo que Segall pasó todo el tiempo que quiso poniendo una capa de sonido sobre otra.

Por lo tanto, "Three Bells" suena abierto y dinámico, dejando suficiente luz entre las sobre grabaciones para permitir que cada canción tenga su propia personalidad. Aunque algunos de los amigos músicos de confianza de Segall aparecen aquí y allá, incluidos Emmett Kelly y Mikal Cronin, el colaborador más cercano de Segall en "Three Bells" es su esposa, Denée Segall, quien también fue miembro de su proyecto paralelo, la "CIA"; ella coescribe cinco canciones y canta en la canción "Move".

En este LP Ty Segall mezcla tonos de garage rock con una experimentación sorprendente, aportando algo de progressive en temas como "Denee" y un rock alternativo más ligero en otras canciones. Una de las canciones más notables de todo el proyecto es "My Room", un "estilo Beatles/Harrison" que tiene los mejores elementos del álbum. Otras canciones destacadas del álbum son "The Bell", "Void", "Move" y "Eggman", aunque en general es una buena escucha en su totalidad.

 

Disco recomendado

 
Este álbum es un testimonio del estilo musical en constante evolución de Ty Segall, que abarca la aleatoriedad y la imprevisibilidad. Se basa igualmente en la guitarra acústica y eléctrica, lo que demuestra la versatilidad del artista. Es una mezcla de diferentes estilos, con algunas canciones que presentan elementos pesados de progresivo y rock and roll. Es una experiencia auditiva inmersiva que lleva al oyente a un viaje al centro de Segall. Es uno de los mejores trabajos que Ty ha hecho en mucho tiempo y disfrutaras del suave sonido del garage rock.

Busca este álbum por los canales digitales y escúchalo.

Video del tema "My Room":

Tracklist:

1.         "The Bell"       5:07
3.         "I Hear"          4:36
4.         "Hi Dee Dee"  3:11
5.         "My Best Friend" (T. Segall, D. Segall)        3:16
6.         "Reflections"  4:02
7.         "Move" (T. Segall, D. Segall) 3:15
8.         "Eggman" (T. Segall, D. Segall)        4:04
9.         "My Room"    4:17
10.       "Watcher" (T. Segall, D. Segall)        5:28
11.       "Repetition"    2:24
12.       "To You"        5:14
13.       "Wait" 4:34
14.       "Denée"          5:57
15.       "What Can We Do"    2:51

Músicos:

• Ty Segall – voz, guitarra, percusión (todas las pistas); batería (pistas 1 a 6, 8 a 15), bajo (1, 3 a 5, 8 a 12, 15), teclados (2, 12)
• Emmett Kelly: bajo (pistas 2, 6, 13, 14), guitarra eléctrica (7), guitarra acústica (13)
• Ben Boye - teclados (pistas 7, 14)
• Denée Segall - voz principal (pista 7), voz (15)
• Mikal Cronin - bajo (pista 7)
• Charles Moothart - batería (pista 7)

Técnico:

•  Ty Segall: producción (todas las pistas), mezcla (pistas 3, 8, 11, 15), grabación (pistas 3, 8, 10, 11, 15)
• Cooper Crain: producción (todas las pistas), mezcla (pistas 1, 2, 4–7, 9, 10, 12–15), grabación (1, 2, 4–6, 9, 12–14)
• Matt Littlejohn - grabación (pista 7) 

NOMEANSNO - Wrong - Album

Quiero llamar tu atención en este blog de música sobre un gran grupo de rock canadiense que pertenece al género hardcore punk pero que agregó otros estilos musicales a su música. "Nomeansno" es (era) una de las bandas más talentosas y técnicamente competentes del punk rock y deseo recomendar uno de sus mejores trabajos, el LP "Wrong".

¿Quiénes eran la banda Nomeansno?

Una formación canadiense de punk rock. Lanzaron 11 álbumes, incluido un álbum colaborativo con Jello Biafra y numerosos EP y sencillos. A continuación está su discografía del material de estudio:

• Mama (1982)
• Sex Mad (1986)
• Small Parts Isolated and Destroyed (1988)
• Wrong (1989)
• 0 + 2 = 1 (1991)
• Why Do They Call Me Mr. Happy? (1993)
• The Worldhood of the World (As Such) (1995)
• Dance of the Headless Bourgeoisie (1998)
• One (2000)
• All Roads Lead to Ausfahrt (2006)

Collaborative album:

• The Sky Is Falling and I Want My Mommy (con Jello Biafra) (1991)

Su música se describe como una fusión entre el punk agresivo y el heavy metal. El distintivo sonido hardcore punk de "Nomeansno", su compleja instrumentación y sus letras oscuras e inteligentes inspiraron a muchos músicos posteriores. Fueron una influencia formativa en el punk jazz, el post-hardcore, el math rock y el emo.

Formada en 1979 por los hermanos Rob y John Wright, comenzaron como una banda de punk de dos integrantes influenciada por el jazz y el rock progresivo. Autoeditaron su LP debut "Mama" en 1982, y al año siguiente incorporaron al guitarrista Andy Kerr. Kerr se fue a finales de 1991 después de cinco LP con la banda, y el grupo volvió a su formación de dos integrantes para "Why Do They Call Me Mr. Happy?" álbum. El guitarrista Tom Holliston y brevemente el segundo baterista Ken Kempster se unieron en 1993. Después de tres LP más, la banda dejó el sello Alternative Tentacles y publicaron su último álbum, "All Roads Lead to Ausfahrt", en 2006.

Para mí su mejor trabajo es el disco "Wrong".

 

ALBUM: Wrong

 
El cuarto álbum de estudio de la banda canadiense de punk rock "Nomeansno". Fue publicado en 1989 y fue un gran logro ya que sacaron el álbum de jazzcore definitivo.

De principio a fin, no hay nada en el disco que pueda considerarse un paso en falso. La interpretación es increíblemente hábil, con los hermanos Wright cambiando tempos y compases y las letras nítidas de Andy Kerr encajando perfectamente. En todo momento, el LP se fusiona con una sensación de energía que faltaba en lanzamientos anteriores.

La banda de este álbum se destaca a pasos agigantados sobre otros grupos hardcore del pasado, presente y (agregaré) futuro. Su música no se limita a una fecha u hora en particular, sino a una fascinación de gran habilidad que impulsa su sonido a sonar siempre fresco. Es rápido, crudo y visceral. Están todos los ingredientes que hacen un disco de hardcore punk convincente.

Es un trabajo de una hora sólida de punk rock rítmico, potente y con graves y con voces inteligentes, apasionadas e intensas. El corte "It's Catching Up" abre las cosas con fuerza, pero es la furia de "The Tower" la que realmente hace que las cosas avancen con letras de claridad onírica de rosas rojo sangre, una torre en llamas sin fin desde la que la gente salta a la muerte. Es oscuro pero también simplemente épico. El tema "Stocktaking" introduce una nota diferencial. Como la primera canción de jazz en construcción, supone un cambio de ritmo tanto en el contenido como en la forma. Esto continúa sin pausa en la vertiginosa y explosiva "The End of All Things", lo cual es bastante apropiado. "Rags and Bones" es heráldica del groove metal, volviéndose del revés para el fuerte asalto del coro. "All Lies" es el momento máximo de exultante realización, de dura negación de la cuestión religiosa.

En general, este álbum es un derroche en ambos sentidos de la palabra; es un momento tremendamente divertido y es una protesta violenta y desordenada contra los poderes fácticos. Punk rock hasta el final, con elementos de jazz añadidos. Un excelente álbum, con sentido del humor, una agresividad potente y sobre todo, grandes ideas.

Disco recomendado

 
Es post-hardcore, es punk y tiene actitud. Las actuaciones son geniales y las canciones divertidas, memorables y pegadizas. Es uno de los mejores álbumes de punk de los años 80 (siglo xx) y uno que debes al menos escuchar, especialmente los fans del rock más fuerte. Y aunque la banda todavía tenía varios álbumes, "Nomeansno" nunca superaría este.

Video del tema "It's Catching Up":

Tracklist (LP original):

Cara A: 

1."It's Catching Up" – 3:29
2."The Tower" – 5:11
3."Brainless Wonder" – 1:34
4."Tired of Waiting" – 1:47
5."Stocktaking" – 3:05
6. "The End of All Things" – 5:10

Cara B:

1."Big Dick" – 3:15
2."Two Lips, Two Lungs and One Tongue" – 1:46
3."Rags and Bones" – 5:05
4."Oh No! Bruno!" – 3:06
5."All Lies" – 6:27

Personnel:

•  Rob Wright - bajo, guitarra y voz
• John Wright - batería, percusión y voz
• Andy Kerr - guitarra, bajo y voz
• Invitados en "The End of All Things": Mark Critchley (campanas de orquesta), Danielle Gagnier (voz)

Produción por Nomeansno, Cecil English y Craig Bougie.

BROKEN SOCIAL SCENE - You Forgot It in People - Album

Escuché recientemente de nuevo la banda (colectivo) canadiense "Broken Social Scene" y su segundo álbum "You Forgot It in People". Ha pasado un tiempo desde la última vez y en esta ocasión me dio una nueva perspectiva. Es realmente un excelente disco de indie rock y quiero recomendarlo a los melómanos lectores en este blog de música.

¿Quiénes son la banda "Broken Social Scene"?

 
Una banda canadiense de indie rock, un colectivo musical que incluye desde seis hasta diecinueve miembros, formado por Kevin Drew (voz, guitarra) y Brendan Canning (voz, bajo) en 1999. Junto a Drew y Canning, los otros miembros principales son Justin Peroff (batería), Andrew Whiteman (guitarra) y Charles Spearin (guitarra). La mayoría de sus miembros tocan en varios otros grupos y proyectos en solitario. Estos grupos asociados incluyen Metric, Feist, Stars, Apostle of Hustle, Do Make Say Think, KC Accidental, Emily Haines & The Soft Skeleton, Amy Millan y Jason Collett.

El sonido de la banda combina elementos de los respectivos proyectos musicales de todos sus miembros y, en ocasiones, se considera un sonido pop barroco. Incluye grandes orquestaciones con guitarras, instrumentos de viento y violines, estructuras de canciones inusuales y un estilo experimental.

El colectivo y sus respectivos proyectos han tenido una amplia influencia en la música alternativa y el indie rock durante principios del siglo XXI.

 

ALBUM: You Forgot It in People

 

Es el segundo LP de estudio de la banda canadiense de indie rock "Broken Social Scene", publicado el 15 de octubre de 2002. Fue el gran avance comercial de la banda. "Broken Social Scene" cambió su estilo de hacer números instrumentales ambientales a canciones de rock en toda regla. A medida que se expandieron a un colectivo de 11 integrantes, la banda utilizó una variedad de sonidos para este álbum. Presenta técnicas de producción experimentales e intrincadas y una gran cantidad de instrumentos que coinciden con el tamaño enormemente ampliado de la banda.

Con el aumento del colectivo cabría esperar mucha más variedad musical que el disco anterior. Las dos primeras canciones resaltan bien la transformación de la banda; de hecho, el primero es un instrumental aireado, mientras que el segundo golpea con un ritmo enérgico y guitarras aullantes. Los miembros principales Brendan Canning y Kevin Drew cantan en este LP, mientras que otros miembros del colectivo, Leslie Feist y Emily Haines (Feist), asumen la voz principal en otras canciones. Según los miembros del colectivo entrevistados, todos se turnaron para tocar diferentes instrumentos y todo el álbum se construyó desde cero de una manera muy "colectiva".

Su instrumentación meticulosamente elaborada combinada con un sentido atemporal de lirismo da como resultado un álbum que toma el indie rock genérico y lo pone patas arriba. "Broken Social Scene" resulta ser menos una banda que un proyecto.

Esta es su principal fortaleza, es un buen álbum que toma muchas diferentes influencias, músicos e ideas y las arroja contra la pared donde de alguna manera se fusionan y forman un sonido coherente que alterna entre caótico y limpio, fascinante y calmante. El LP respira y es aireado en su falta de restricciones, hierve con la energía del inicio.

En resumen, este álbum combina géneros, sonidos y atmósferas de una manera que lo convierte en mucho más que un simple álbum de indie rock. Consigue ser denso y enérgico pero también sutil y suave cuando es necesario. Sus melodías son triunfantes y rimbombantes pero también melancólicas y agridulces. Las voces se ahogan y las letras son vagas y abstractas, pero eso solo aumenta la vibra y el sentimiento general.

 

Disco recomendado

 
Puede que sean necesarias un par de escuchas para entrar en el disco. Una vez dentro, es creativo, ambicioso, extenso, denso, emocional y potente. Tiene elementos de noise pop, delicado pop de chamber y post rock. En teoría no debería funcionar, pero de alguna manera, la banda lo logra todo magníficamente. Un muy buen disco que recomiendo a todos los seguidores del rock alternativo e indie.

Este enfoque musical más accesible ayudó a preparar el terreno para el avance internacional de "Broken Social Scene".

Video del tema "Stars and Sons":

Tracklist:

1.         "Capture the Flag"      2:08
2.         "KC Accidental"        3:50
3.         "Stars and Sons"         5:08
4.         "Almost Crimes (Radio Kills Remix)"          4:22
5.         "Looks Just Like the Sun"     4:23
6.         "Pacific Theme"          5:09
7.         "Anthems for a Seventeen Year-Old Girl"    4:35
8.         "Cause = Time"          5:30
9.         "Late Nineties Bedroom Rock for the Missionaries"            3:46
10.       "Shampoo Suicide"    4:05
11.       "Lover's Spit" 6:22
12.       "I'm Still Your Fag"   4:23
13.       "Pitter Patter Goes My Heart"           2:26

Personal:

• Kevin Drew – teclados, voz, guitarra, retroalimentación, bajo, batería, piano
• Brendan Canning: bajo, contrabajo, voz, órgano, guitarra acústica, caja de ritmos, guitarra, piano, teclados.
• Andrew Whiteman − guitarra, tres, órgano, voz, bajo, teclados, pandereta
• Charles Spearin − guitarra, bajo, percusión, caja de ritmos, armónica, efectos, guitarra acústica, órgano, sampler
• Justin Peroff − batería, percusión, coctelera, obras de arte
• John Crossingham − guitarra, feedback, batería, bajo
• Evan Cranley − trombón, cuerdas, percusión
• James Shaw − trompeta, guitarra, guitarra acústica
• Feist - voz
• Emily Haines - voz
• Jessica Moss - violín
• Ohad Benchetrit - flauta
• Bill Priddle - guitarra
• Brodie West - saxofón
• Susannah Brady – hablando
  
  
• David Newfeld − productor

BLIND MELON - Soup - Album

Destacó en este blog de música un gran y subestimado disco que se "perdió" y se entrelazó con la trágica muerte de su cantante. Un disco que supuso uno de los grandes lanzamientos de los 90 (siglo xx) de una banda que prometía llegar lejos.

La banda en cuestión es "Blind Melon" y el álbum es "Soup".

 

¿Quiénes eran la banda Blind Melon?

 

Banda de rock estadounidense formada en 1990 en Los Ángeles, California. La formación estaba compuesta por los guitarristas Rogers Stevens y Christopher Thorn, el baterista Glen Graham, el vocalista Shannon Hoon y el bajista Nathan Towne. Son mejor conocidos por su éxito de 1992 "No Rain" y disfrutaron de un éxito comercial y de crítica a principios de la década de 1990 con su versión neo psicodélica del rock alternativo. La banda ha vendido más de 3 millones de álbumes en los Estados Unidos.

"Blind Melon" editó dos álbumes Blind Melon (1992) y Soup (1995) antes de que su vocalista principal original, Shannon Hoon, muriera de una sobredosis de drogas en el autobús de gira de la banda en Nueva Orleans el 21 de octubre de 1995. Después de cuatro años de buscar sin éxito un reemplazo para Hoon, "Blind Melon" se disolvió en 1999.

 

ALBUM: Soup

 

Es el segundo disco de estudio de la banda de rock estadounidense "Blind Melon", publicado el 15 de agosto de 1995. Es el último álbum de la banda lanzado durante la vida de la vocalista Shannon Hoon. En la portada se ve al productor del álbum, Andy Wallace, comiendo sopa de letras. Las letras de la sopa deletrean "Blind Melon".

La muerte de Shannon Hoon por una sobredosis dos meses después del lanzamiento del álbum provocó que la promoción del álbum se detuviera abruptamente, lo que afectó las ventas. MTV y la radio abandonaron a la banda y algunas críticas duras no ayudaron. El manto "trágico" sobre este LP lo marginó y, retrospectivamente ha sido ahora etiquetado como un "caballo oscuro" en el género del rock alternativo.

"Blind Melon" tuvo éxito con su LP debut del mismo nombre (1992), y todos esperaban que el segundo álbum los llevara al estrellato. Sin embargo, parecía como si la banda rechazara el espíritu jovial del debut y se centrará en material mucho más oscuro para "Soap". Si bien no coincidió con el material comercial del debut, "Soup" demuestra ser un desafío y es un disco apasionante que es igual de fuerte y quizás incluso más gratificante. Shannon Hoon fue uno de los cantantes y compositores más conmovedores de su generación, y su muerte descarriló a esta prometedora y talentosa banda.

Dentro del contexto, Shannon Hoon estaba sumido en la adicción a las drogas y su experiencia en un centro de rehabilitación de drogas se detalla en la canción "2x4". En otras las letras de Hoon examina la mortalidad en "The Duke", "St. Andrew 's Fall" y "Car Seat", mientras que el corte "New Life" muestra a Hoon esperando que el nacimiento de su hija vuelva a poner su vida en orden. Hay una canción de estilo country, "Skinned", escrita desde el punto de vista del notorio asesino Ed Gein y un tema rockero, "Galaxie" que parece abordar una relación problemática, mientras que "Vernie" es un tributo a la abuela de Hoon. Algunas de las otras canciones parecen más optimistas ("Walk"), mientras que otras están llenas de desesperación ("Toes Across the Floor" y "Wilt"). En resumen un tracklist que nos da una visión de la mente del compositor de la época junto con los sentimientos que atravesaban y experimentaban los otros miembros de la banda.

En general, musicalmente, es un disco con grandes riffs, pasión, improvisaciones, canciones, y el conjunto parece casi conceptual. El canto de Hoon es asombroso y, yo diría, único. Un álbum emotivo y aún más con el paso del tiempo.

 

Disco recomendado

 
Se necesitan algunas escuchas, pero "Soup" es uno de los grandes álbumes de rock más subestimados y pasados por alto de los años 90. Si bien este álbum te deja con una profunda sensación de pérdida, es un disco recomendado para cualquier fan de la música de los años 90.

De hecho, iré aún más lejos: esta es una contribución sorprendente y subestimada al movimiento del rock alternativo de los 90. Si no estás familiarizado con este disco (banda), búscalo y escúchalo.

Video del tema "New Life":

Tracklist: 

0.         "(untitled hidden track)"        2:05
1.         "Hello, Goodbye [50-second unlisted track] / Galaxie"       3:31
2.         "2x4"   4:00
3.         "Vernie"          3:14
4.         "Skinned"       1:57
5.         "Toes Across the Floor"         3:04
6.         "Walk" 2:47
7.         "Dumptruck"  3:40
8.         "Car Seat (God's Presents)"   2:42
9.         "Wilt"  2:29
10.       "The Duke"     3:36
11.       "St. Andrew's Fall"    4:11
12.       "New Life"     3:34
13.       "Mouthful of Cavities"          3:33
14.       "Lemonade"    3:36

 

Blind Melon:

• Shannon Hoon - voz, guitarra, armónica, kazoo
• Brad Smith - bajo, contrabajo, flauta
• Christopher Thorn – guitarra rítmica, mandolina, banjo
• Rogers Stevens - guitarra solista, piano, órgano Hammond
• Glen Graham - batería, percusión

Músicos adicionales:

•  Jena Kraus - coros en "Mouthful of Cavities"
• Miles Tackett - violonchelo en "Car Seat" y "St. Andrew's Fall"

Producción:

•  Andy Wallace - productor

LONNIE JOHNSON - Blues & Ballads - Album

Un pequeño homenaje a un gran bluesman, Lonnie Johnson. Magnífico músico, guitarrista, y cantante que tuvo influencia sobre el blues y el jazz.

Quiero recomendarte en este blog de música su álbum de 1960 "Blues & Ballads".

 

¿Quién era Lonnie Johnson?

 
Alonzo "Lonnie" Johnson fue un cantante, guitarrista, violinista y compositor de blues y jazz estadounidense. Fue un pionero de la guitarra y el violín de jazz y es reconocido como el primero en tocar un violín amplificado eléctricamente.

Según el crítico de blues Gérard Herzhaft, Lonnie Johnson fue "sin lugar a dudas el creador del solo de guitarra tocado nota a nota con púa, que se ha convertido en el estándar del jazz, el blues, el country y el rock". El estilo de Johnson llegó tanto a los bluesmen de Delta como a los músicos urbanos que adaptarían y desarrollarían sus solos de una cuerda al estilo moderno del blues eléctrico. Sin embargo, otros expertos en blues han señalado que en las décadas de 1920 y 1930 Johnson era más conocido como un cantante sofisticado y urbano que como instrumentista.

Las composiciones de Johnson a menudo describen las condiciones sociales que enfrentan los afroamericanos urbanos. En sus letras capturó los matices de las relaciones amorosas entre hombres y mujeres. Sus canciones mostraban una capacidad para comprender los "problemas" de los demás, lo que Johnson vio como la esencia de su blues.

Lonnie Johnson disfrutó del éxito en dos etapas. El primero los años 1920 - 1930 y en los años 1960 aprovechando el resurgimiento del blues-folk de la época. Lanzó álbumes y realizó giras especialmente por Europa.

Johnson murió el 16 de junio de 1970.

 

Influencia y legado:

 
Su influencia irradia en la interpretación de artistas como George Barnes, Charlie Christian, Django Reinhardt, T-Bone Walker y prácticamente todos los guitarristas de blues eléctrico. Una de las primeras grabaciones de Elvis Presley fue una versión de la balada de blues de Johnson "Tomorrow Night". El fraseo vocal de Presley imita el de Johnson, y muchos de los sonidos característicos de vibrato y barítono de Presley se pueden escuchar en el desarrollo. "Tomorrow Night" también fue grabada por LaVern Baker y (en 1957) por Jerry Lee Lewis. Bob Dylan hace referencias a Johnson, mientras que algunos afirman que Robert Johnson había aprendido mucho de Lonnie; canciones como "Malted Milk" se consideran nuevas versiones de canciones grabadas por Lonnie Johnson.

 

ALBUM: Blues & Ballads with Elmer Snowden

 
Una grabación de 1960 con Lonnie Johnson a la voz y guitarra eléctrica acompañado por Elmer Snowden a la guitarra acústica y Wendell Marshall al bajo. Esta fue la primera grabación comercial de Snowden en 26 años. Por lo tanto, este puede considerarse casi un álbum de regreso que coincide con el resurgimiento del folk/blues de ese período, y presenta a Johnson (Snowden) en excelente forma, a pesar de años de inactividad.

Lonnie Johnson aplica su canturreo lastimero y su hábil forma de tocar la guitarra tanto en melodías de blues rural como "Back Water Blues" como en maravillosas baladas con tintes de jazz como en "Memories of You", revelando sin esfuerzo su rango artístico.

En general, este álbum es una mezcla de blues y jazz, con el trabajo de guitarra de Johnson y su voz lastimera y ligeramente nasal en el centro. La lista de canciones incluye una mezcla de estándares de blues y composiciones originales, mostrando la versatilidad de Johnson como músico. Las canciones "Haunted House", "Memories of You", "Blues for Chris", "I Found a Dream", "St. Louis Blues", "I'll Get Along Somehow", "Savoy Blues", "Backwater Blues ", "Elmer's Blues" y "Jelly Roll Baker" ofrecen una variedad de tempos y estados de ánimo, desde lentos y emocionales hasta más dinámicos y animados.

Como se mencionó anteriormente, "Blues & Ballads" también marcó la primera grabación comercial de Elmer Snowden en 26 años, y fue parte de un período de regreso de Lonnie Johnson, quien había estado trabajando como conserje en un hotel antes de ser redescubierto. La colaboración entre estos dos músicos pioneros dio como resultado esta grabación que es hermosa, a pesar de ser un álbum de blues, y un verdadero testimonio del arte.

 

Disco recomendado

 
Un álbum que captura la esencia del talento musical de Lonnie Johnson y su capacidad para transmitir emociones profundas a través del blues y el jazz. La calidad de la producción, la interacción entre los músicos y la selección de canciones contribuyen a su atractivo duradero y a su lugar en la historia de la música blues. Este es un LP de música preciosa.

Imprescindible para los fans del bluesman y del género blues (jazz).

Video del tema "Elmer's Blues":

Tracklist:

1."Haunted House" (Lonnie Johnson) – 4:59
2."Memories of You" (Eubie Blake, Andy Razaf) – 4:21
3."Blues for Chris" (Chris Albertson, Elmer Snowden) – 5:04
4."I Found a Dream" (Lonnie Johnson) – 4:33
5."St. Louis Blues" (W.C. Handy) – 3:05
6."I'll Get Along Somehow" (Buddy Fields, Gerald Marks) – 4:27
7."Savoy Blues" (Kid Ory) – 4:11
8."Backwater Blues" (Bessie Smith) – 5:04
9."Elmer's Blues" (Elmer Snowden) – 3:27
10."He´s a jelly Roll Baker" (Lonnie Johnson) - 4:14

PINK FLOYD - Animals - Album

Quiero reseñar y recomendar en este blog de música uno de los discos más oscuros del catálogo de Pink Floyd. El disco "Animals" para muchos es el mejor LP de Pink Floyd, con su aura oscura, lúgubre y pesimista envuelta en un álbum conceptual que critica el sistema económico capitalista (especialmente el de Reino Unido de los años 70) y sus efectos alineadores sobre las personas (en particular la clase trabajadores).

Aunque, para mí, no es el mejor trabajo, ciertamente se destaca entre sus otras obras maestras y merece su lugar como un "game changer" y un gran trabajo dentro del género del "rock progresivo".

Un LP muy especial que habla más de lo que suena.

ALBUM: Animals

 
El décimo disco de estudio de la banda de rock inglesa Pink Floyd, publicado el 21 de enero de 1977. Este álbum continúa con las composiciones de larga duración que componían sus trabajos anteriores, como "Meddle" (1971) y "Wish You Were Here" (1975). La portada del LP, concebida por el bajista y compositor principal de la banda, Roger Waters, y diseñada por su colaborador Storm Thorgerson, muestra un cerdo inflable flotando entre dos chimeneas de la "Battersea Power Station".

Considerado una desviación lírica de los álbumes anteriores de Pink Floyd, "Animals" es un trabajo conceptual que se centra en las condiciones sociopolíticas de la Gran Bretaña de mediados de los años 1970. No se lanzaron sencillos de "Animals", pero la banda lo promocionó a través de la controvertida gira "In the Flesh". Digo controvertido porque Roger Waters se volvió cada vez menos tolerable con el público (incluida la infame escena del escupitajo) y sentó las bases para la siguiente obra maestra, "The Wall".

Con este telón de fondo, y aparte de los profundos conflictos internos de la banda que ocurrían en ese momento, "Animals" encuentra al grupo creando un sonido turbio y ligeramente sombrío lejos de la atmósfera limpia y estéril de "Wish You Were Here". Las composiciones de Waters y Gilmour y la interpretación general de la banda en "Animals" hablan de un poderoso deseo de regresar al sonido underground. La producción es maravillosa; pesado, espeso, metálico, todo ello manteniendo el sonido espacial característico de la banda.

Este LP está basado en la fábula política de George Orwell "Animal Farm", la letra del álbum describe varias clases de la sociedad como diferentes tipos de animales: los perros depredadores, los despóticos cerdos despiadados y el rebaño de ovejas "sin sentido e incuestionable". La novela de Orwell se centra en el estalinismo, el álbum es una crítica del capitalismo y se diferencia nuevamente en que las ovejas eventualmente se levantan para dominar a los perros. Este álbum también es en parte una respuesta al movimiento punk rock, que creció en popularidad como una declaración nihilista contra las condiciones sociales y políticas prevalecientes, y también una reacción a la complacencia y nostalgia general que parecía rodear a la música rock.

"Animals" está estampada por todas partes con Roger Waters, sin embargo, la guitarra de David Gilmour domina, y los teclados de Richard Wright rara vez se elevan por encima de un fondo que crea el ambiente. Esto le da inmediatez a la música y, de hecho, aumenta el ambiente oscuro dándole poder. También hace que "Animals" sea lo más accesible posible, ya que surge con audaces líneas de guitarra de blues-rock y texturas hipnóticas de rock espacial. Sin embargo, a pesar de todo, la oscuridad del espíritu de Waters sigue siendo cierta, y dado que no hay ganchos vocales ni melodías, todo depende del estado de ánimo, las letras casi nihilistas y la gran guitarra de Gilmour.

La escala del trabajo es pura audacia. Se trata de todo el contexto de su época, de toda la cultura que prevalece, de la interminable carrera de ratas. Así, "Animales" tiene una cualidad sostenida de rabia, de rebelión, de rechazo. El primer paso en una rebelión es el reconocimiento; conciencia; identificar la causa de la miseria. Esto es lo que hace Pink Floyd aquí. Inquietud política cerebral y convincente con composiciones sonoras de hard rock e inquietantes. Hay magníficas texturas sonoras y una virtuosa musicalidad. El resultado final es un álbum de art rock casi perfecto.

Yo coloco "Dark Side of The Moon", "Wish You Where Here" y "The Wall" como mis tres mejores discos de Pink Floyd. Sin embargo, "Animals" ocupa el cuarto lugar y fácilmente podría haber estado en el Top 3 si no hubiera sido tan sombrío y político. Para muchos, críticos incluidos, "Animales" es para ellos el mejor.

Volvamos a mi opinión personal. "Animales" reconozco, es un poco difícil de abordar. Las letras son sombrías, las canciones son largas y la estética es bastante vaga (encaja perfectamente en la portada del álbum). Sin embargo, si puedes profundizar en él, probablemente encontrarás que es uno de los álbumes más gratificantes de Pink Floyd en su discografía. Generalmente se olvida "Animals", pero sigue siendo uno de los mayores logros de Pink Floyd.

 

Disco recomendado

 
De todos los álbumes de la era clásica de Pink Floyd, "Animals" es quizás el más extraño y oscuro, un disco que es difícil de aceptar inicialmente pero que termina dando muchas recompensas. "Animals" es más que un simple signo de los tiempos, es también otra obra maestra de una banda que en el momento de su lanzamiento no podía equivocarse.

Una cosa que no se puede negar es que es una obra maestra del rock progresivo.

Video del tema "Sheep":

Tracklist (original LP). Canciones de Pink Floyd "Animals":

Cara A:

1.         "Pigs on the Wing (Part One)"           1:24
2.         "Dogs" 17:04

Cara B:

1.         "Pigs (Three Different Ones)"           11:28
2.         "Sheep"           10:20
3.         "Pigs on the Wing (Part Two)"          1:24

Ficha técnica:

• David Gilmour: voz principal (2), guitarra principal (2–4), bajo (3, 4), guitarra acústica (2), talk box (3)
• Roger Waters: voz principal, voz armónica (2, 3), guitarra acústica (1, 5), guitarra rítmica (3, 4), bajo (2), efectos de cinta (3, 4), vocoder (2–4), concepto de manga
• Richard Wright: órgano Hammond (2–4), sintetizador de cuerdas ARP (2–4), Fender Rhodes (2, 4), Minimoog (2, 4), órgano Farfisa (2), piano (3), clavinet (3) , EMS VCS 3 (4), voces de armonía (2)
• Nick Mason: batería, percusión (2–4), efectos de cinta (4), gráficos

Músicos adicionales:

• Snowy White - solo de guitarra (en la versión de 8 pistas de "Pigs on the Wing")

Producción:

• Pink Floyd - productores musicales
• Brian Humphries - ingeniero de sonido

SOFT CELL - Non-Stop Erotic Cabaret - Album

Quizás uno de los mejores álbumes de synth pop de los años 80 (siglo XX). "Non-Stop Erotic Cabaret" de Soft Cell es oscuro, sexual, sórdido y muy divertido.

¿Quiénes eran SOFT CELL?

 
Eran un dúo inglés de synth-pop que saltaron a la fama a principios de los años 1980. El dúo estaba formado por el vocalista Marc Almond y el instrumentista David Ball. La banda es principalmente conocida por su exitosa versión de 1981 de "Tainted Love" y su magnífico álbum debut con ventas de platino "Non-Stop Erotic Cabaret".

Soft Cell ha citado a David Bowie, Marc Bolan y Suicide como influencias principales. Marc Almond también ha nombrado a Siouxsie Sioux como una gran influencia por su estilo de actuación.

Duraron hasta 1984, el resto de reencuentros no son relevantes.

 

ALBUM: Non-Stop Erotic Cabaret

 
El disco debut del dúo inglés de synth-pop Soft Cell, publicado el 27 de noviembre de 1981. El éxito comercial del álbum se vio reforzado por el éxito de su single principal, una versión de la canción "Tainted Love" de Gloria Jones, que encabezó las listas en todo el mundo y se convirtió en el sencillo británico más vendido de 1981. El álbum generó dos sencillos adicionales entre los cinco primeros en el Reino Unido: "Bedsitter" y "Say Hello, Wave Goodbye".

El LP explica en detalle la principal preocupación del letrista Almond: la sexualidad aberrante y un recorrido por un barrio rojo. El punto quedó bien expresado en el corte "Sex Dwarf". Otras canciones como "Seedy Films", "Entertain Me" y "Secret Life" amplían la temática. Los ritmos insistentes tomados a ritmos de baile constantes y los sonidos electrónicos conjurados por David Ball enfatizaron la fascinación de Almond por la desviación (sexual).

A nivel mundial, este es un álbum de synth pop totalmente único, es oscuro, introspectivo, muy sórdido y divertido. Si bien "Tainted Love" se convirtió en un gran éxito a nivel internacional, el resto del álbum con frecuencia ha sido pasado por alto. Es una pena teniendo en cuenta lo brillantes y variadas que son el resto de canciones. Hay más temas de grabación lenta, baladas sonoramente épicas junto con temas de baile abrasadores como "Sex Dwarf" y "Frustration".

Al presentar un enfoque implacable, frío y duro de los sonidos electrónicos, puedes entender cómo este álbum influyó en artistas industriales posteriores como "Nine Inch Nails". Las letras de Marc Almond son divertidas en sus imágenes sexuales, sin embargo, también tienen una profundidad real, con una introspección real y una evocación brillante de imágenes de la parte más sórdida de la noche.

 

Disco recomendado

Los críticos musicales tardaron décadas en darse cuenta, Marc Almond y David Ball crearon una obra maestra atípica como ninguna otra con este debut. "Non-Stop Erotic Cabaret" es exactamente lo que sugiere su título: cabaret sórdido y electro-dance. Una aventura sexual liderada por un sintetizador en los clubes underground de Londres respaldada por increíbles instrumentos, a menudo bastante minimalistas, voces crudas y enérgicas, casi punk, que cubren bastante terreno liricamente, experimentando la sórdida vida nocturna, la frustración adolescente y una vida joven y gay.

Revolucionario (y escandaloso) para los años 80.

Video del tema "Tainted Love":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1.         "Frustration"              4:12
2.         "Tainted Love"                       2:34
3.         "Seedy Films"            5:05
4.         "Youth"                     3:15
5.         "Sex Dwarf"              5:15

Cara B:

6.         "Entertain Me"           3:35
7.         "Chips on My Shoulder"        4:05
8.         "Bedsitter"      3:36
9.         "Secret Life"   3:37
10.       "Say Hello, Wave Goodbye" 5:24

Soft Cell:

• Marc Almond - voz
• David Ball - instrumentos electrónicos y acústicos

Músicos adicionales:

• Vicious Pink Phenomena - coros
• David Tofani - saxofon (pista 1); clarinete (pista 3)

Técnico:

• Mike Thorne - producción

Video del tema "Sex Dwarf":

MOS DEF - Black on Both Sides - Album

Me enfoco en este blog de música sobre la música urbana, en particular el hip-hop. Uno de mis "rappers" (artistas) favoritos es MOS DEF. Quiero recomendarte su primer álbum en solitario titulado "Black on Both Sides".

ALBUM: Black on Both Sides

 
El debut en solitario del rapero estadounidense "Mos Def", publicado el 12 de octubre de 1999. Editado después de su exitosa colaboración "Mos Def & Talib Kweli Are Black Star", "Black on Both Sides" enfatiza la instrumentación en directo y las letras con conciencia social.

Este álbum presenta una mezcla entre productores establecidos y en ascenso. DJ Premier proporciona el corte instrumental de "Mathematics". A "Diamond D" se le atribuye el mérito de "Hip Hop". Ali Shaheed Muhammad, conocido principalmente como miembro de "A Tribe Called Quest", produjo la séptima canción "Got". "Psycho Les de The Beatnuts" produjo los temas "New World Water" y "Rock N Roll". La leyenda del jazz Weldon Irvine proporcionó producción adicional a "Climb". Ayatolá produjo "Ms. Fat Booty" y "Know That". 88-Keys produjo "Love" y "Speed Law" y coprodujo el outro instrumental "May-December" con el propio Mos Def. David Kennedy (el segundo swing de "Brooklyn" y "Umi Says" producido con Mos Def), Mr. Khaliyl ("Do It Now"), DJ Etch-A-Sketch ("Climb" y "Habitat"), Ge- ology (El primer swing de "Brooklyn") y D. Prosper ("Mr. Nigga") ... completan.

Un disco que es un regreso a los fundamentos musicales del rap y un manifiesto para recuperar la forma de arte de la dominación del gangsta rap en su momento; tiene éxito en ambos aspectos, elevando las expectativas por las nubes para Mos Def. Lo consigue todo con "Black on Both Sides", un disco igualmente deslumbrante y visionario. El carácter, ritmo y la habilidad de Mos Def y su voz distintiva. Su rap, ya sea rápido o lento, o incluso simplemente hablado, es inequívocamente suyo. También tiene un conocimiento bien estudiado de la historia de la música.

"Black on Both Sides" no sólo refina sino que amplía el alcance de los talentos de "Mos Def", centrando la atención en solitario en sus intrincados juegos de palabras y sus ágiles habilidades rítmicas. Los principales puntos de referencia son; rap de la vieja escuela, que permite una sensación de alegría además de historia, y una fascinación por el jazz, tanto por su sofisticación como por su herencia cultural. Pero además está respaldado por una rica profundidad de reggae, pop, soul, funk e incluso hardcore punk (por ejemplo, el corte "Rock n Roll"). De acuerdo con su objetivo de restaurar la conciencia sociopolítica del hip-hop, las letras de Def son inteligentes y cuidadosamente elaboradas, pero también canta en varios temas, toca instrumentos en vivo en otros (incluidos bajo, batería, congas, vibráfono y teclados) e incluso colabora en un arreglo de cuerdas.

También otro elemento que le da brillo a este disco es el uso inteligente de samples (ver lista más abajo), el trabajo de producción y la instrumentación. Primera calidad para mi gusto. Aquí hay algunas selecciones de canciones para degustar: "Fear Not of Man", "Rock n Roll", "Ms. Fat Booty", "Do It Now", "Umi Says", "New World Water", "Brooklyn" y "Mathematics".

En general, este álbum es hip-hop puro y clásico. Tranquilo, fluido, cautivador, distintivo, ritmos de jazz y nada anticuado, hacen que este álbum sea completamente grandioso de principio a fin, lo cual es algo raro de encontrar.
 

Disco recomendado

Un clásico del hip-hop, que representa una postura más audaz, más política, más intelectual y más agresiva, al tiempo que incorpora canto y elementos innovadores. "Black on Both Sides" consolida la posición de Mos Def como uno de los artistas más talentosos del hip-hop. Es un magnífico disco visto desde una perspectiva instrumental y el estilo de rap (flow) es brillante.

A los fans de la música urbana y el hip hop les encantará, es un álbum de rap esencial de la costa este y fácilmente uno de los mejores proyectos de Mos Def (te recomiendo que también eches un vistazo a su álbum de 2009, "The Ecstatic").

Video del tema "Fear Not of Man":

Tracklist:

1.         "Fear Not of Man"     4:28
2.         "Hip Hop"                  3:16
3.         "Love"                        4:23
4.         "Ms. Fat Booty"                     3:43
5.         "Speed Law"              4:16
6.         "Do It Now" (con Busta Rhymes)     3:49
7.         "Got"                          3:27
8.         "Umi Says"                 5:10
9.         "New World Water"   3:11
10.       "Rock N Roll"            5:02
11.       "Know That" (con Talib Kweli)         4:03
12.       "Climb" (con Vinia Mojica)   4:02
13.       "Brooklyn"                 5:09
14.       "Habitat"                    4:39
15.       "Mr. Nigga" (con Q-Tip)        5:12
16.       "Mathematics"                        4:06
17.       "May–December"                   3:29

Samples:

• "Fear Not of Man" contiene samples de "Fear Not for Man", interpretada por Fela Kuti, y "Morgenspaziergang" de Kraftwerk.
• "Hip Hop" contiene samples de "The Warnings (Part II)", interpretada por David Axelrod; y "Slow Dance" de Stanley Clarke.
• "Love" contiene un sample de "Porgy (I Loves You, Porgy)", interpretada por Bill Evans Trio.
• "Ms. Fat Booty" contiene un sample de "One Step Ahead", interpretada por Aretha Franklin.
• "Speed Law" contiene samples de "And That's Saying a Lot", interpretada por Christine McVie; y "Promise Her Anything but Give Her Arpeggio", interpretada por Big Brother & the Holding Company.
• "Do It Now" contiene un sample de "Marcus Garvey", interpretada por Burning Spear.
• "Rock N Roll" contiene un sample de "Memphis at Sunrise", interpretada por Bar-Kays.
• "Know That" contiene un sample de "Anyone Who Had a Heart", interpretada por Dionne Warwick.
• "Brooklyn" contiene samples de "What Are You Doing the Rest of Your Life?", interpretada por Milt Jackson, "We Live in Brooklyn, Baby", interpretada por Roy Ayers, y "Who Shot Ya?", interpretada por The Notorious B.I.G.
• "Habitat" contiene un sample de "Hard To Handle", interpretada por Otis Redding.
• "Mr. Nigga" contiene un sample de "A Legend in His Own Mind", interpretada por Gil-Scott Heron.
• "Mathematics" contiene samples de "Baby I'm-a Want You", interpretada por The Fatback Band, "On & On", interpretada por Erykah Badu, "Funky Drummer", interpretada por James Brown y un clip de Art Seigner entrevistando a Ángela Davis.
• "May-December" contiene un sample de "Jungle Jazz", interpretada por Kool & the Gang; y un sample de "Rock Your Baby", interpretada por KC & the Sunshine Band

THE FLAMING LIPS - The Soft Bulletin - Album

Quiero destacar en este blog de música una de las grandes bandas de Pop/Rock Alternativo, Experimental y Neo-Psicodelia en la actualidad, "The Flaming Lips", junto con uno de sus mejores discos (si no el mejor de los 90), "The Soft Bulletin".

¿Quiénes son la banda "The Flaming Lips"?

 
Es una banda estadounidense de rock psicodélico formada en 1983 en Oklahoma City. La banda actualmente está formada por Wayne Coyne (voz, guitarra, bajo, teclados), Steven Drozd (bajo, guitarra, teclados, batería, voz), Derek Brown (guitarra, teclados, percusión), Matt Duckworth Kirksey (teclados, percusión, batería). ) y Nicholas Ley (batería, percusión). Coyne y Drozd han seguido siendo los únicos miembros constantes de la banda desde 1991, siendo Coyne el único miembro fundador restante tras la salida del bajista y teclista Michael Ivins en 2021.

En el ecléctico mundo del rock alternativo, pocas bandas son tan valientes, tan brillantes y tan deliciosamente raras como "The Flaming Lips". La banda tiene una extensa colección de discos y a continuación hay una lista de los trabajos de estudio grabados hasta la fecha:

Discografia:

• Hear It Is (1986)
• Oh My Gawd!!! (1987)
• Telepathic Surgery (1989)
• In a Priest Driven Ambulance (1990)
• Hit to Death in the Future Head (1992)
• Transmissions from the Satellite Heart (1993)
• Clouds Taste Metallic (1995)
• Zaireeka (1997)
• The Soft Bulletin (1999)
• Yoshimi Battles the Pink Robots (2002)
• At War with the Mystics (2006)
• Embryonic (2009)
• The Terror (2013)
• Oczy Mlody (2017)
• King's Mouth (2019)
• American Head (2020)

Quiero destacar el maravilloso lanzamiento de 1999 "The Soft Bulletin".

 

ALBUM: The Soft Bulletin

 
Es el noveno LP de estudio de la banda de rock estadounidense "The Flaming Lips", publicado el 17 de mayo de 1999 en el Reino Unido y el 22 de junio de 1999 en los Estados Unidos. El disco es una desviación de su anterior sonido de rock alternativo cargado de guitarras hacia un trabajo con arreglos más intrincados y en capas. Sus exuberantes arreglos y sus canciones conmovedoras lo convirtieron en un álbum revolucionario para la banda.

El disco fusiona instrumentos de rock ordinarios, ritmos electrónicos y sintetizadores. Su sonido sinfónico, amplio y en capas. Este sonido se logró en parte desafinando y superponiendo múltiples teclados MIDI en lugar de grabar una orquesta en vivo. Al negarse deliberadamente ingredientes clave como las guitarras de rock tradicionales, la banda, influenciada por bandas sonoras de películas (particularmente de Disney), crea una gloriosa sinfonía manipulada por midi.

La portada del álbum es una versión modificada de una fotografía tomada por Lawrence Schiller titulada "The Acid Test": Neal Cassady, que según Schiller, muestra a Cassady bailando con su propia sombra durante una prueba de ácido realizada por los Merry Pranksters.

"The Soft Bulletin" es el trabajo más atrevido de la banda, una pieza pop sinfónica emotiva y exuberante alejada del ruido alucinante de sus discos anteriores. Aunque es más convencional en concepto y alcance que trabajos anteriores, "The Soft Bulletin" refleja una paleta sonora expansiva. Su sonido multidimensional es celestial, lleno de maravillosas melodías, armonías y florituras orquestales; pero aún accesible, sin sacrificar nunca el pop en nombre de la experimentación radical.

Este disco también destaca las canciones más personales y profundamente sentidas de Wayne Coyne. Ya no se esconde detrás de historias surrealistas sobre Jesús, los animales del zoológico y el espacio exterior, Coyne vierte su corazón y alma en cada una de las canciones, explorando de manera conmovedora el amor, la pérdida y el destino; momentos destacados como "The Spiderbite Song" y "Feeling Yourself Disintegrate" son tan emocionales y trascendentalmente espirituales que es casi imposible no conmoverse. La "humanidad" que "The Flaming Lips" logra transmitir es asombrosa, incluso las canciones con las letras más densas y melancólicas tienen una sensación suave y cálida. "Race for the Prize" y "Waitin' for a Superman" son buenos ejemplos de cómo este álbum logra esta vibra.

En resumen, este es un "viaje" especial; las guitarras exuberantes y difusas y los sintetizadores en picada crean una atmósfera emocional y mental desordenada. Reúne todos estos diferentes tipos de emociones y expresiones y simplemente te los presenta en una lista densa y bellamente elaborada de canciones pop con un ligero toque psicodélico. Por último, y sin exagerar, muchos críticos han elogiado el álbum por sus cualidades terapéuticas y transformadoras, y algunos lo consideran uno de los mejores discos de todos los tiempos. El impacto del álbum y su calidad duradera han solidificado su lugar como un clásico en los géneros musicales alternativos y experimentales.

Disco recomendado

 
"The Soft Bulletin": es el viaje más puro, emocional y compasivo que puedas escuchar en un álbum. Completamente impredecibles, a veces conmovedores y compasivos, a veces ingeniosos y cínicos, "The Flaming Lips" tejen el hábil toque de magos musicales experimentados para uno de los mejores discos de los años 90 (siglo XX).

Una pieza musical filosófica (existencial) que para muchos melómanos la convierte en una obra maestra del rock pop. ¿Suena exagerado? Escúchalo y tú decides.

Video del tema "Feeling Yourself Disintegrate":

Tracklist:

1.         "Race for the Prize" (Mokran remix) 4:09
2.         "A Spoonful Weighs a Ton"  3:32
3.         "The Spark That Bled"           5:55
4.         "The Spiderbite Song"           4:02
5.         "Buggin'" (Mokran remix)      3:16
6.         "What Is the Light?"  4:05
7.         "The Observer"           4:11
8.         "Waitin' for a Superman"       4:17
9.         "Suddenly Everything Has Changed"           3:54
10.       "The Gash"     4:02
11.       "Feeling Yourself Disintegrate"         5:17
12.       "Sleeping on the Roof"          3:09
13.       "Race for the Prize"    4:18
14.       "Waitin' for a Superman" (Mokran remix)     4:19

Créditos:

The Flaming Lips (Banda):

• Wayne Coyne – voz, guitarra, teclados, theremin
• Michael Ivins – bajo, teclados, coros, ingeniería
• Steven Drozd – batería, percusión, guitarra, teclados, bajo, coros

Producción:

• The Flaming Lips – producción, mezcla, grabación
• Dave Fridmann – producción, mezcla, grabación
• Michael Ivins - ingeniería de sonido adicional
• Scott Booker - producción
• Steve Hall - masterización

Remezclas:

•  Peter Mokran – producción y mezcla adicionales
• Scott Bennett - bajo adicional en "Waitin' for a Superman (Remix)"