Mejores Álbumes del 2021 | Top 30

Es esa época del año para mirar hacia atrás y recopilar toda la oferta musical presentada este año. Aquí está mí - video - lista de los mejores Álbumes de 2021.

Este es un ejercicio con que disfruto compartiendo con los lectores, sin embargo, es difícil limitar el número seleccionado a solo 30 títulos; una cifra impuesto para agregar disciplina y hacerme pensar de mi parte.

En general, ha sido un buen 2021 en términos de música y lanzamientos de álbumes. Un montón de nuevos talentos han irrumpido en la escena mientras algunos artistas y bandas consolidados continúan publicando algunos trabajos reales brutales.

He notado una tendencia en muchas bandas a mirar hacia el pasado para hacerse con ideas que les permite hacerlas propias. Se están utilizando y adaptando muchos sonidos de los años 80, junto con estilos new-wave electro, punk rock y hardcore modificados para el año 2021. Algunas bandas realmente han mezclado lo viejo con lo nuevo de excelentes maneras, mientras que otras han mezclado la música del mundo local y tradicional con el rock para darle un toque emocionante.

Dicho esto, todas las listas son subjetivas. Los siguientes 30 discos son álbumes que me han llamado la atención, despertado mi interés, me han emocionado de alguna forma y se han diferenciado del resto de los lanzamientos. Otros son trabajos de debut que indican un talento sobresaliente que estará con nosotros durante muchos años.

Faltarán muchos álbumes, es inevitable con listas de "Lo mejor de...", y nadie debe tomarlo como una ofensa, especialmente por los fans acérrimos, si su favorito no está en la lista. Todos viven su música a su manera y esto debe ser respetado.

Aquí está el VIDEO de mi lista TOP 30 de los mejores álbumes de 2021: sin ningún orden de clasificación.

•  Shame — Drunk Tank Pink
•  Annie — The Million Masks of God
• Black Country, New Road — For the First Time
• Squid — Bright Green Field
• The Black Key — Delta Kream
• The Armed — ULTRAPOP
• Arlo Parks — Collapsed in Sunbeams
• C. Tangana — El Madrileño
• Dry Cleaning — New Long Leg
• Son of Kemet — Black to the Future
• Dean Blunt — BLACK METAL 2
• Low — Hey What
• Little Simz — Sometimes I Might Be Introvert
• Floating Points, & the London Symphony Orchestra — Promises
• Lord Huron — Long Lost
•  Olivia Rodrigo — Sour
• Nation of Language — A Way Forward
• Closer — Within One Stem
• Geese — Projector
• IDLES — Crawler
• Cold Beat — War Garden
• Helado Negro — Far In
• Julien Baker — Little Oblivions
• The Bug — Fire
• Irreversible Entanglements — Open the Gates
• Amy & The Sniffers — Comfort to Me
• Turnstile — Glow On
• Mdou Moctar — Afrique Victime
• For Those I Love — For Those I Love
• Skee Mask — Pool

El video ayuda para ver las portadas y así poder localizar los álbumes para cuando decidas escucharlos, si aún no lo has hecho.

Este será posiblemente mí último post del 2021. Felices fiestas y nos vemos de nuevo en el 2022

JOANA SERRAT | Hardcore from the Heart - Album

Joana Serrat (Cantante)

Canta en inglés, es catalana y ya lleva publicados cinco discos. Cosa que me llamó la atención después de descubrirla este mismo año. Su sonido y oferta es delicioso, se entiende que haya trabajado con productores de renombre como Howard Bilerman (de Arcade Fire) y músicos como Neil Halstead, por ejemplo. Pienso que ven algo musicalmente muy especial en ella, igual que pienso yo.

Una breve historia:

Su nombre es Joana Serrat (nacida en Vic, 1983) y es una cantante española de estilo folk, aunque su último álbum es una auténtica belleza de dream pop.

Su primer disco, fue autoeditado y titulado "The Relief Sessions" (2012). En 2014 publica "Dear Great Canyon" a través del sello "El Segell del Primavera". Este segundo trabajo fue producido por Howard Bilerman (de fama "Funeral" de Arcade Fire), y fue un avance en estilo y notoriedad. Desde entonces sus canciones comienzan a sonar regularmente tanto en emisoras españolas como en la BBC británica, la BBC escocesa y la ABC (la Radio Nacional de Australia). La revista musical británica "New Musical Express" (N.M.E.) la incluye en su sección para nuevos talentos.

Con cada disco siguió confirmando trabajo tras trabajo su espléndida trayectoria y evolución. He tomado el tiempo para divulgar entre sus discos y se escucha un cambio progresivo del estilo folk hacia un sonido pop fusionado con sonidos shoegaze-dream.

La discografía de Joan Serrat hasta ahora:

•  2012: The Relief Sessions (autoeditado).
• 2014: Dear Great Canyon
• 2016: Cross the Verge
• 2017: Dripping Springs
• 2021: Hardcore from the Heart

Descubrí a Joana Serrat con su último álbum, "Hardcore from the Heart", una obra encantadora. Tanto que es uno de los mejores discos del 2021 de un artista español, bajo mi criterio.

ALBUM: Hardcore from the Heart

Quinto álbum publicado el 11 de junio del 2021.

El álbum lleva el nombre de un libro de la sexóloga y ensayista Annie Sprinkles, está empapado de vibraciones veraniegas con voces folk e instrumentación de dream-pop que se arremolina y repica a través de "paredes de sonido" (overdubs).

Ha creado una gran obra. Un disco de indie contemporáneo preciosista con un ligero y atractivo barniz pop. Música absorbente y de grandes evocaciones oníricas en él que participan músicos que provienen de las bandas Midlake y Mercury Rev; y otros que acompañan a artistas como Rufus Wainwright, St. Vincent, Sharon Van Etten o John Grant.

El álbum comienza sobre la pérdida, y termina con la aceptación de la imposibilidad de lograr una vida ideal, examinando el desequilibrio que existe entre la vida vivida y el ideal buscado reflejando el viaje matizado, emocional e introspectivo que persigue Serrat en sus letras y música. Serrat se abre no solo emocionalmente sino musicalmente.

Los temas que completan este disco dan una idea de la amplitud de la imaginación e inspiración musical de Joana Serrat. Estableciendo el plano de gran parte del álbum, las cálidas capas de teclado y guitarras del primer tema "Easy" hacen referencia tanto a Cocteau Twins como a Jesus and Mary Chain; la voz de Serrat brilla con un tono folklórico, y en otras ocasiones se tiñe de tonos angélicos. Mientras que en "Wild Beast", ella está en forma más "country", asintiendo hacia el corazón del folk-americano con instrumentación acústica complementada con voces que evocan a Joan Baez. Una ventaja para este disco es que el grupo de músicos que acompañan a Joan Serrat suena genuinamente como un colectivo, basándose en sus amplias influencias y experiencias para crear una frescura en todo el disco. Es verdaderamente una escucha absolutamente maravillosa.

Hay también remolinos instrumentales del teclado de uno de los músicos invitados, Jesse Chandler en "You’re With Me Everywhere I Go", con voz clásica que le da a Serrat un toque muy personal. Con un power pop impulsado por la batería, el tema "Pictures" también está dominado por las influencias de los años 80, todo coronado por la voz suplicante de Serrat, la tristeza expresiva y la frustración hirviente que aseguran que sea su propia marca lo que está dejando.

Realmente parece un encuentro perfecto de mentes cuando la banda se mueve sin esfuerzo de atmósferas expansivas explorando la nostalgia por el hogar a temas nostálgicos como "Summer Never Ends", donde la guitarra acústica y melodías reflectantes están relucientes. El arreglo austero e insistente de "Take Me Back To Where I Belong" pone en primer plano la declaración de necesidad, dolor y abandono de Serrat, con su interminable bucle de teclas, guitarra y batería. 

Un disco recomendado. Estamos ante un álbum emocionalmente desgarrador y purificador sin pretender resultar reparador. La propuesta, navegando entre ritmos de americana con tonalidades dream pop, resuena con un plus de sensibilidad añadida, una vuelta de tuerca más a su ya de por sí elevado baremo de delicadeza.

Uno de los mejores álbumes del 2021 de publicación nacional (España), y para mí, un descubrimiento.

Video del tema “Pictures”:

Tracklist:

1. Easy
2. Pictures
3. These Roads
4. You're With Me Everywhere I Go
5. Summer Never Ends
6. How to Make You Love Me
7. Demons
8. Take Me Back Where I Belong
9. Hotel Room 609
10. Wild Beast

SLEEPY JOHN ESTES | The Legend of Sleepy John Estes - Album

Sleepy John Estes (Bluesman)

 
John Adam Estes, conocido como "Sleepy John Estes", fue un guitarrista, compositor y vocalista de blues estadounidense. 

El bluesman "Big Bill Broonzy" calificó el estilo de cantar de John Estes como "llorar" el blues debido a su calidad emocional. En realidad, su voz proviene de su experiencia laboral como líder de un equipo de mantenimiento de ferrocarriles, donde sus improvisaciones vocales y su voz aguda marcaron el ritmo de las actividades laborales.

Muchas de las canciones de Estes estaban basadas en eventos de su vida o en personas que conocía en su ciudad natal, Brownsville, como el abogado local ("Lawyer Clark Blues"), el mecánico de automóviles local ("Vassie Williams 'Blues") o un adolescente ("Little Laura Blues"). También dio consejos sobre asuntos agrícolas ("Working Man Blues") y relató su propio intento de llegar a un estudio de grabación para una sesión subiéndose a un tren de carga ("Special Agent [Railroad Police Blues]").

Nunca un guitarrista destacado, Estes confió en su voz expresiva para llevar su música, y las grabaciones que hizo a partir de 1929. Sus letras combinaban una aguda observación con la capacidad de convertir una frase eficaz. A lo largo de su carrera, su música siguió siendo simple pero poderosa, y a pesar de sus estancias en Memphis y Chicago, conservó un sonido tradicional hogareño. Convirtió sus experiencias y las condiciones de su vida en un arte.
 

Una breve historia:

 
Nació en Ripley, Tennessee, en 1899 o 1900. En 1915, su padre, un aparcero que tocaba la guitarra, trasladó a la familia a Brownsville, Tennessee. A la edad de 19 años, mientras trabajaba como peón de campo, comenzó a actuar profesionalmente, principalmente en fiestas, con el acompañamiento de Hammie Nixon, un armonicista, y James "Yank" Rachell, guitarrista y mandolinista. Estes continuó trabajando intermitentemente con ambos músicos durante más de cincuenta años.

Estes debutó como artista discográfico en Memphis, Tennessee, en 1929, en una sesión organizada para "Victor Records". Estes cantó con un estilo vocal distintivo de "llanto". Estes sonaba tanto como un anciano, incluso en sus primeros discos, que, según los informes, los revivalistas del blues demoraron su búsqueda porque asumieron que había muerto hace mucho tiempo. Sin embargo, los historiadores del blues Bob Koester y Samuel Charters redescubrieron al bluesman en 1962, Estes estaba completamente ciego y vivía en la pobreza. Reanudó las giras con el músico y amigo Nixon y grabó para Delmark Records. Incluso, Estes, Nixon y Rachell aparecieron en el famoso "Festival Folk de Newport" en 1964.

Estes murió el 5 de junio de 1977 mientras se preparaba para una gira europea.

Su música influyó en artistas como The Beatles, Bob Dylan, The Kinks, Eric Clapton y Led Zeppelin. John Lennon ha mencionado muchas veces que escuchaba a Estes cuando era estudiante.

 

ALBUM: The Legend of Sleepy John Estes

Con este álbum, el veterano músico blues hizo un regreso impresionante. Producido por el presidente de "Delmark Record" e historiador de blues Bob Koester el 24 de marzo de 1962 y publicado en 1963, esta histórica sesión acústica encuentra Estes acompañado por Ed Wilkinson en el bajo, John "Knocky" Parker en el piano, y amigo de mucho tiempo Hammie Nixon en la armónica.

Los del sello "Delmark" deberían estar orgullosos de este disco, lograron que Estes volviera al estudio después de muchos años de desafortunada negligencia. Sleepy John Estes hizo su debut como guitarrista de grabación de estudio en 1929 y grabó varias obras antes de retirarse de la escena musical en 1941. De hecho, muchos creyeron erróneamente que estaba muerto y, por lo tanto, dejaron de buscarlo. Después de un largo alejamiento de la música, Bob Koester y un grupo de fanáticos del Blues lo redescubrieron en 1962, y el bluesman ciego y empobrecido volvió a tomar la guitarra y comenzó a tocar el blues.

Este disco no es muy diferente de sus grabaciones anteriores y Sleepy John Estes vuelve a reinterpretar viejos favoritos como "Divin 'Duck Blues", "Someday Baby", "Stop That Thing", "Milk Cow Blues" y "Married Woman Blues"...etc.

Un disco recomendado. Es accesible y el arte de Sleepy John Estes sigue vivo a través de la versión de "Someday Baby" de Bob Dylan y la versión de The Kinks de "Milk Cow Blues", por solo mencionar dos. Un excelente álbum que sirve de introducción para conocer a este artista y sus relatos de blues.

Video del tema " Someday Baby":

Tracklist:

1.Rats in My Kitchen
2.Someday Baby
3.Stop That Thing
4.Diving Duck Blues
5.Death Valley Blues
6.Married Woman Blues
7.Down South Blues
8.Who's Been Telling You, Buddy Brown
9.Drop Down Mama
10.You Got to Go
11.Milk Cow Blues
12.I'd Been Well Warned

KOKO TAYLOR | Koko Taylor - Album

Koko Taylor (Blues)

Fue una cantante afro-americana de Blues conocida popularmente como "la Reina del Blues" por su voz áspera y potente. Koko Taylor ayudó a mantener viva la tradición de las cantantes de blues femeninas con grandes voces, reformulando "el espíritu" de las primeras leyendas como Bessie Smith, Ma Rainey, Big Mama Thornton y Memphis Minnie para la edad moderna.

Su voz áspera y cruda era perfecta para la era electrificada del blues. Más tarde ganó más premios "W.C. Handy Awards" que cualquier otra intérprete femenina en la historia, estableciéndose, con mucho, como la cantante de blues más grande de su tiempo.

Una breve historia:

Su nombre de pila era Cora Walton y nació en Memphis, Tennessee. Dejó Memphis para ir a Chicago en 1952 y a finales de los años 50 comenzó a cantar en clubes de blues de Chicago. Fue descubierta por "Willie Dixon" en 1962, lo que le llevó a tener mejores actuaciones y su primer contrato de grabación. En 1965, Koko Taylor firmó con "Chess Records", con lo cual grabó su gran single y éxito "Wang Dang Doodle" (escrito por Dixon, y siendo un éxito de Howlin' Wolf cinco años antes), y en el que intervienen "Little Walter" y el gran guitarrista "Hound Dog Taylor". Alcanzó el número cuatro de las listas de R & B en 1966, y vendió un millón de copias.

Más adelante una gira nacional a final de la década de los 1960 y principios de los años 1970 amplió su base de admiradores y comenzó a ser accesible a un mercado más amplio, firmando por "Alligator Records" en 1975. Grabó nueve álbumes para esta discográfica, ocho de los cuales fueron nominados a los Grammys, dominando las listas de cantantes femeninas de Blues y ganando 24 premios de la música blues. Taylor ejerció su influencia sobre muchos músicos y artistas como Janis Joplin y Bonnie Raitt, por ejemplo.

Taylor murió el 3 de junio de 2009.

Discografía de álbumes de interés:

• Love You Like a Woman (Charly Records) - 1968
• Koko Taylor (MCA/Chess) - 1969
• Basic Soul (Chess Records) - 1972
• South Side Lady (Evidence Records) - 1973
• I Got What It Takes (Alligator)
• Southside Baby (Black and Blue Records) - 1975
• The Earthshaker (Alligator) - 1978
• From The Heart Of A Woman (Alligator) - 1981
• Queen of the Blues (Alligator) - 1985
• An Audience with Koko Taylor (Alligator) - 1987
• Live from Chicago (Alligator) - 1987
• Jump for Joy (Alligator) - 1992
• Force of Nature (Alligator) - 1993
• Royal Blue (Alligator) - 2000
• Deluxe Edition (Alligator) - 2002

El álbum que tengo y más escucho es "Koko Taylor". Me lo regalaron dentro de un paquete de discos del sello "Chess".

ALBUM: Koko Taylor

Publicado originalmente en octubre de 1969 bajo el sello "Chess Records" y producido por Willie Dixon, el disco es una de las representaciones más sólidas de los días de Koko Tylers con "Chess Records" y contiene su canción de gran éxito "Wang Dang Doodle". La producción contiene a los guitarristas Buddy Guy, Matt Murphy y Johnny Shines y al saxofonista Gene "Daddy G" Barge. Los músicos brindan una excelente sesión de acompañamiento, con tal vez, un poco más de soul para mi gusto. Dicho esto, en esta era "Chess Records" intentaba entrar en mercado "Motown" a mediados de los 60.

La voz de Koko Taylor aquí es increíble, es una de las cantantes de rock y blues más poderosas de su tiempo, y quizás solo "Etta James" se acercó en este aspecto.

El álbum comienza directamente con canciones contemporáneas sureñas: "Love You Like a Woman" y luego termina con el igualmente poderoso "Yes, It 's Good for You". En el medio encontrarás algunas canciones de Chicago Blues de ritmo rápido como "I Love a Lover Like You", "Nitty Gritty","Twenty-Nine Ways", el dúo de Willie Dixon "Insane Asylum" y también el mágico "Fire". Los otros temas están en el lado más "soulful" tratando de ganarse a los fans del "campo Motown" en ese momento. En general, es un álbum sólido, agradará y mucho al seguidor de Blues.

Un disco recomendado. Pienso que es una escucha obligada que continúa la tradición de otras leyendas femeninas del blues como Ma Rainey, Memphis Minnie y Big Mama Thornton. Buscarlo, creo que va gustar.

Video del tema "Wang Dang Doodle":

Tracklist:

01.Love You Like A Woman
02.I Love A Lover Like You
03.Don't Mess With The Messer
04.I Don't Care Who Knows
05.Wang Dang Doodle
06.I'm A Little Mixed Up
07.Nitty Gritty
08.Fire
09.Whatever I Am You Made Me
10.Twenty Nine Ways
11.Insane Asylum
12.Yes, It's Good For You

Músicos:

•  Koko Taylor - Voz
• Matt 'Guitar' Murphy, Johnny Shines, Buddy Guy y Johnny Williams - Guitarra
• Walter 'Shakey' Horton - Armónica
• Sunnyland Slim y Lafayette Leake - Piano
• Willie Dixon y Jack Meyers - Bajo
• Clifton James y Fred Below - Batería
• Gene Barge y Donald Hankins – Saxofones

SANTIGOLD | Santogold - Album

Santigold (Músico)

Santi White, conocido profesionalmente como Santigold (antes Santogold), es un cantante y compositor estadounidense. White creció escuchando mucho reggae, jazz, Fela Kuti y música nigeriana que luego se traduciría en su sonido. Un estilo musical que combina su diversa trayectoria y gusto musical en canciones que suenan familiares y distintivas al mismo tiempo.

Santi White tiene un rango vocal de mezzosoprano, y su estilo se ha comparado a menudo con el de M.I.A., sin embargo, White acepta las influencias similares pero afirma que su música es totalmente diferente. White también ha revelado su aprecio por la música new wave (por ejemplo, Siouxsie and the Banshees). Las principales influencias de la cantante son James Brown y Aretha Franklin y ha citado a Devo como su banda favorita.

Una breve historia:

 
Santi White nació en 1976 en Philadelphia, Pennsylvania. Obtuvo su seudónimo en la década de 1990 después de que un amigo se lo diera como apodo. Trabajó para "Epic Records" como representante de A & R, pero dejó el puesto para ser escritora y productora ejecutiva de "How I Do", el álbum debut de la cantante "Res".

Fue la cantante de la banda de punk rock con sede en Filadelfia "Stiffed", que lanzó los álbumes "Sex Sells" (2003) y "Burned Again" (2005). Ambos álbumes fueron producidos por el bajista de Bad Brains, Darryl Jenifer. Mientras estaba en la banda, White le ofreció un contrato en solitario por Martin Heath del sello independiente con sede en Londres "Lizard King Records".

Sus primeros singles como solista ("Creator" y "LES Artistes") recibieron la atención de los medios de comunicación de Internet en 2007, y su álbum debut Santogold (2008), concebido con el miembro de "Stiffed" John Hill se publicó en abril de 2008. Santogold fue aclamado por la crítica y desde entonces ha lanzado dos álbumes más "Master of My Make-Believe" (2012) y "99 ¢" (2016) 

La verdad es que solo tengo, y me quedo, con un solo disco de Santigold, el debut de 2008. Un trabajo que suena mejor con el paso de los años.

ALBUM: Santogold (después titulado Santigold)

Es el primer álbum de estudio lanzado el 29 de abril de 2008 en Estados Unidos a través de Downtown Records y el 12 de mayo en Reino Unido a través de Lizard King y Atlantic Records. Fue escrito y producido principalmente por Santigold y ex compañero de banda de "Stiffed", John Hill, junto con contribuciones de otros productores, incluidos Diplo, Switch y Disco D, y apariciones vocales de Spank Rock y Trouble Andrew.

El álbum incorpora una variedad de estilos musicales, como new wave, punk, electro, reggae y dub, con el objetivo de desafiar las fronteras y la clasificación de géneros.

El debut de larga duración, extrae igualmente del dub, pop-punk, hip-hop, electro y rock sin sucumbir a los arquetipos de ninguno. Mucho de esto se debe a que el productor Hill agrega muchas guitarras y teclados cálidos, alentando a White a completar las canciones, los versos y los ganchos con su rica voz.

Canciones como "I'm a Lady" son pegadizas; "L.E.S. Artistes" suena lleno y brillante y "My Superman" es la versión urbana del siglo XXI de un estándar de jazz. Hay impresionantes habilidades para crear ritmos en "Creator", y "Unstoppable", dirigido por Diplo, combina muy bien el dub y la electrónica de Hollertronix. En general, todo el álbum está inspirado en el pop y el buen humor, y la importancia de la melodía y la estructura nunca se ven eclipsadas por el ritmo de la pista de baile.

Disco recomendado. Un álbum desafortunadamente pasado por alto. Llamar a esto (y al artista) una versión estadounidense de M.I.A es ser totalmente ignorante; es diferente, mucho más inteligente y artísticamente diverso. Realmente un gran álbum de baile alternativo y pop caleidoscópico con mucha creatividad empujándolo.

Si no lo conoces, buscarlo y escucharlo. 

Video del tema "Creator":

Tracklist:

1.         "L.E.S. Artistes"         3:24
2.         "You'll Find a Way"   3:00
3.         "Shove It" (featuring Spank Rock)    3:46
4.         "Say Aha"       3:35
5.         "Creator" (Freq Nasty vs. Switch)     3:33
6.         "My Superman"          3:00
7.         "Lights Out"   3:12
8.         "Starstruck" 3:54
9.         "Unstoppable" 3:32
10.       "I'm a Lady" (featuring Trouble Andrew)     3:43
11.       "Anne"            3:28
12.       "You´ll Find a Way" (Switch & Sinden remix)  3:12

DAVID BALFE | For Those I Love - Album

Este es uno de los discos más poéticos y emotivos del 2021, incrustado dentro de un fondo de música electrónica (con tintes de post-punk) conducido bajo el método vocal del "spoken  word". Una obra inquietantemente hermosa y fascinantemente honesta. Hablo de... 

For Those I Love (David Balfe)

Es el proyecto musical del cantante, compositor y productor David Balfe.

Una breve historia:

Desde la seguridad de la casa de sus padres, David Balfe (Dublín), nacido en Irlanda, encontró la pasión por hacer música a una edad temprana, elaborando canciones junto a amigos cercanos durante sus primeros años. Su primera banda "Plagues" incursionó en el "metalcore", mientras que más tarde con "Branch Becomes", vio a Balfe moverse hacia el "hardcore". Los sonidos más atrevidos llegaron en la banda "Burnt Out", un grupo post-punk. El trágico suicidio del mejor amigo y compañero de banda de Balfe en 2018, Paul Curran, marcó el final del grupo y condujo directamente a lo que se convertiría dos años después en el proyecto, "For Those I Love".

David Balfe volvió a la música después de un periodo de dolor y duelo, rindiendo homenaje a Paul Curran. En 2019, Balfe puso su obra y homenaje a Paul Curran - "For Those I Love" - en la plataforma de música independiente "Bandcamp" para compartir con familiares y amigos. Algunos blogs de música irlandeses lo encontraron y el disco recibió críticas favorables. Pero la suerte de Balfe cambió cuando llamó la atención de Ash Houghton, un gerente de A & R en "September Recordings", que también representa a Adele y London Grammar. El álbum fue lanzado en serio bajo la fuerza de un sello discográfico en 2021.

El resultado es un descubrimiento musical, tanto del músico como del álbum. Un disco total sobresaliente que, aunque tiene emociones fuertes y tonos tristes, es realmente un grito al optimismo, la superación de obstáculos y una oda a la vida. Es bajo mi punto de vista, uno de los mejores álbumes publicados en 2021.

ALBUM: For Those I Love

El álbum debut homónimo fue publicado en marzo de 2021. Compuesto por nueve canciones, David Balfe fusiona samples de voz y biografía en un tapiz de amor, dolor e ira. Es el primer proyecto completo de David Balfe que ofrece una historia vital en emotivos temas, cubierto de una electrónica llena de soul.

Bajo el seudónimo de "For Those I Love", Balfe ofrece historias habladas (spoken word) como un elogio de un amigo muerto, Paul Curran, combinando letras sobre las clase (sociales), la muerte y la desesperación. Una verdadera exposición de apertura del corazón que sirve para liberar y exorcizar los demonios internos de Balfe, que también funciona como un ejercicio terapéutico psicológico. En pocas palabras, es un álbum increíblemente humano y muy valiente. 

Dicho esto, también descubrirás componentes electrónicos brillantes y samples que están tan acelerados que es casi imposible precisar su origen exacto. La magia es que las canciones de este álbum también funcionan de manera brillante como material de pista de baile. Hay "Dubstep", "Progressive House", "Conscious Hip Hop" y "Downtempo" entrelazados con la "palabra hablada" (mezclada con samples vocales del soul y el pop).

Mucha música sobre la pérdida se cuenta a través de guitarras acústicas y cuerdas, pero Balfe rinde homenaje a su íntimo amigo desaparecido mediante el uso de música dance. La euforia reprimida de "The Streets" y "Burial" son claras influencias en esta acelerada melancolía y ritmos cíclicos que aportan magia incluso a los recuerdos más mundanos. Como resultado, el trabajo de Balfe parece ser cinematográfico.

Las canciones destacadas para mi incluyen: Good tracks: "I Have a Love", "You Stayed/To Live", "To Have You", "You Live/No One Like You" & "Leave Me Not Love". En general, es un álbum poderoso.

Disco recomendado. Hay una universalidad en la emoción; la música está lo suficientemente finamente elaborada para que sigas regresando, sin importar cuánto de angustioso sea el tema de las canciones. David Balfe nunca pensó que el público escucharía su álbum debut profundamente personal. Pero se ha convertido en un gran éxito y uno de los mejores álbumes del 2021.

Video del tema "I Have a Love":

Tracklist:

1.I Have a Love 5:20
2.You Stayed / To Live 5:27
3.To Have You 4:36
4.Top Scheme 2:51
5.The Myth / I Don't 5:20
6.The Shape of You 5:46
7.Birthday / The Pain 5:52
8.You Live / No One Like You 6:02
9.Leave Me Not Love 4:49

THE AVALANCHES | Since I Left You - Album

The Avalanches (Banda)

Grupo australiano de música electrónica formado en Melbourne en 1997. Actualmente, el grupo consiste de Robbie Chater y Tony Di Blasi.

Al principio, tres miembros formaron "Alarm 115" como un conjunto de noise punk inspirado en Drive Like Jehu & The Fall. La banda estaba formada por Robbie Chater en teclados, Tony Di Blasi en teclados, bajo y coros, y Darren Seltmann con voz. En 1995, Manabu Etoh se unió a la batería.

En 1997 se formó un nuevo grupo formado por Chater, Di Blasi, Seltmann, y Gordon McQuilten en los teclados para tocar en directo. Sus primeros cuatro shows se tocaron con diferentes nombres: "Swinging Monkey Cocks", "Quentin's Brittle Bones" y "Whoops Downs Syndrome". El grupo se convirtió en "The Avalanches" en su quinto concierto, tomando prestado el nuevo nombre de una banda americana de surf rock, que grabó solo un álbum, Ski Surfin 'with the Avalanches, en 1963. Después de tocar como teloneros para "Jon Spencer Blues Explosion" , saltaron a la fama rápidamente y DJ Dexter Fabay se unió al grupo con tocadiscos y teclados.

Han sufrido cambios en la alineación y han publicado hasta ahora tres álbumes:

• Since I Left You (2000)
• Wildflower (2016)
• We Will Always Love You (2020)

Sin alguna duda la obra maestra es el debut "Since I Left You", un disco simplemente extraordinario.

ALBUM: Since I Left You

Debut álbum de estudio publicado el 27 de noviembre de 2000 por un entonces grupo electrónico australiano formado por incondicionales discófilos (coleccionistas de discos) de los que nadie había oído hablar antes. Fue producido por los miembros del grupo Robbie Chater y Darren Seltmann (bajo el seudónimo de "Bobbydazzler"), y "samplea" extensivamente de varios géneros. Es una bestia de primer disco para cualquier banda. Impresionante.

"Since I Left You" fue (y sigue siendo) aclamado por la crítica. Alcanzó su punto máximo en el Top 30 en la lista de álbumes de Australia, el # 8 en las listas de álbumes del Reino Unido y, en los Estados Unidos, llegó al #10 en la lista de los mejores álbumes electrónicos, y en el top 40 en la lista "Top Heatseekers Chart" de Billboard.

Los chicos trabajaron principalmente con samplers "Yamaha Promix 01" y "Akai S2000". Darren Seltmann y Robbie Chater pasaron horas sampleando música de discos de vinilo para crear las canciones del álbum: Chater ha estimado que hay más de 3.500 samples que se utilizaron en general, aunque algunos estiman el número sería mucho más bajo, aproximadamente 900. Después de probar y arreglar, la pareja intercambiaba sus cintas, escuchaba las ideas del otro y ampliaba lo que había escuchado. Las fuentes y samples abarcan muchos estilos diferentes de música, desde artistas como Françoise Hardy, Blowfly, Sérgio Mendes, Dj Shadow, Raekwon, Wayne y Shuster, Madonna, etc. y etc.

Es simplemente una obra maestra. Un festival global de sonidos de principio a fin. Atemporal y construido para cualquier ocasión. Es un álbum salvaje, moderno y natural, vasto y diverso. Dicho de otra manera, una aventura. El álbum comenzó originalmente como un álbum conceptual de una expedición intercontinental por amor. Aunque la idea fue descartada por ser demasiado ambiciosa, aún puedes percibir estos temas de amor y exploración a lo largo del álbum. De hecho, "Since I Left You" es casi una carta de amor a la música en sí misma.

Es difícil poder seleccionar los temas más destacados de un conjunto tan cohesionado, pero tengo un gusto particular por el sonido de vinilo crepitante de "Stay Another Season", los ritmos y las flautas de "Close to You", el número festivo de "A Different Feeling ", la distorsión y el bajo de" Electricity ", el pop divertido de" Frontier Psychiatrist ", el ataque de big beat de" Etoh "y " Live at Dominoes ". En general, cada tema fluye sin problemas a la siguiente, llevándote de viaje. En resumen, este álbum es colorido, vibrante y lleno de vida. 

Un disco recomendado. Sin duda uno de los mejores álbumes electrónicos de los últimos 20 años. Un trabajo tan asombroso que les tomó dieciséis años para crear el siguiente disco capaz incluso de estar a la altura de la brillantez de "Since I Left You". 

Este álbum se sitúa al lado de otros gigantes como "It Takes a Nation of Millions to Hold Us" de Public Enemy", "Paul 's Boutique" de Beastie Boys y "Endtroducing" de DJ Shadow. Estamos hablando de la élite.

Video del tema "Stay Another Season":

Tracklist:

1.         "Since I Left You"     4:22
2.         "Stay Another Season"          2:18
3.         "Radio"           4:22
4.         "Two Hearts in 3/4 Time"      3:23
5.         "Avalanche Rock"      0:22
6.         "Flight Tonight"         3:53
7.         "Close to You"           3:54
8.         "Diners Only" 1:35
9.         "A Different Feeling" 4:22
10.       "Electricity"    3:29
11.       "Tonight"        2:20
12.       "Pablo's Cruise"          0:52
13.       "Frontier Psychiatrist"            4:4
14.       "Etoh" 5:02
15.       "Summer Crane"         4:39
16.       "Little Journey"          1:35
17.       "Live at Dominoes"    5:39
18.       "Extra Kings" 3:46

MDOU MOCTAR | Afrique Victime - Album

Es un cantante virtuoso, autodidacta y guitarrista tuareg especializado en assouf o "desierto blues" (termino periodístico), que mezcla los elementos más melódicos del blues eléctrico americano con sonidos tradicionales africanos. Hablo de...

Mdou Moctar (Músico)

Mahamadou Souleymane, conocido profesionalmente como "Mdou Moctar", es un compositor y músico tuareg con sede en Agadez, Níger, que realiza adaptaciones modernas de la música de guitarra tuareg. Toca la guitarra en los estilos takamba y assouf.

Breve historia:

Criado en un pequeño pueblo religioso en el centro de Níger donde la música secular era mal vista, Moctar construyó su propia guitarra básica y casera en secreto y comenzó a aprender a tocar por sí mismo. Cuando adquirió una guitarra de verdad, aprendió rápidamente y comenzó a escribir canciones que mezclaban la música de guitarra tuareg del Sahara con sus propias innovaciones inusuales y letras poéticas. Viajando a la ciudad nigeriana de Sokoto en 2008, grabó su primer álbum, "Anar", que presentaba una mezcla de espacios, voces de Auto-Tune, sintetizadores, cajas de ritmos y sus riffs de guitarra acústica originales.

Ha lanzado cinco álbumes en solitario y canta en el idioma "tamasheq". Su discografía hasta ahora:

• Anar (2008)
• Akounak Tedalat Taha Tazoughai (original soundtrack) (2015)
• Sousoume Tamachek (2017)
• Ilana: The Creator (2019)
• Afrique Victime (2021)

El quinto y último álbum "Afrique Victime" es simplemente excelente. Quién hubiera pensado que uno de los mejores discos de rock psicodélico de los últimos años vendría del corazón del desierto del Sahara.

ALBUM: Afrique Victime

Publicado el 21 de mayo de 2021, este disco fusiona influencias africanas con psicodelia y rock & roll. Mdou nos adentra en un contexto político, con una guitarra ruidosa y áspera con una clara inspiración del rock de los años 70 sin perder nunca el "estilo del desierto". Un sonido que también respira "blues", que demuestra una vez más la universalidad de la música. Grabado en trazos durante las pausas de las giras, el álbum captura la química y la energía del grupo.

Lanzado por el estadounidense independiente "Matador Records", Mdou actualiza el "desert blues-rock" con un potente rock & roll contrapuesto por afirmaciones sobre la aceptación y la tristeza de un corazón roto. Por otra parte, él y su banda exploran texturas acústicas más suaves en las dulces canciones devocionales, mientras inyectan algunos temas sociales y políticos.

Las canciones "Chismiten" y "Taliat" comienzan el disco energía, lo que lleva a cortes acústicos más discretos con "Ya Habibti" y "Tala Tannam". La pista "Layla" se remonta a los días del "delta blues" y es otra excelente oferta. La canción principal, "Afrique Victime" es una declaración política poderosa que le da al álbum un tema social. Es una condena de la brutalidad colonial de siete minutos y medio de duración que es a la vez sónica y emocional. El álbum se cierra con la canción acústica "Bismilahi Atagah" que transmite y mantiene la energía contagiosa general a lo largo del disco.

Una mención especial para la formación. Los músicos Michael Coltun (bajo), Ahmoudou Madassane (guitarra rítmica), y particularmente Souleymane Ibrahimshines con una notable actuación a la batería están magníficos.

Disco recomendado. Un gran disco africano (y universal) con rock psicodélico. Uno de los discos más interesantes y emocionantes publicados este año. Sus nueve temas pasan en un suspiro.

Video del tema  "Afrique Victime ":

Tracklist:

1.Chismiten 4:58
2.Taliat 3:48
3.Ya Habibti 3:31
4.Tala Tannam 5:38
5.Untitled 1:25
6.Asdikte Akal 4:31
7.Layla 4:26
8.Afrique Victime 7:25
9.Bismilahi Atagah 5:36

KORELESS | Agor - Album

Koreless (Lewis Roberts)

Productor de música electrónica que graba música donde rara vez incorpora ritmos, en su lugar construye "samples" en bucle y voces cortadas en patrones rítmicos hipnóticos. Influenciado por escritores de ciencia ficción como "J.G. Ballard" y compositores minimalistas como "Steve Reich", su música está destinada a ser artificial y basada en procesos, sin dejar de expresar emociones.

 

Breve historia:

Lewis Roberts, con nombre artístico "Koreless", nació en Bangor, Gales (UK). Después de mudarse a Glasgow, Roberts se involucró en la escena local de la música electrónica. Incluso antes de firmar con un sello, las primeras producciones de Roberts estaban siendo interpretadas y reproducidas por personas como James Blake, Benji B y Gilles Peterson, tanto en clubes como en la radio nacional británica.

Colaboró con "Sampha" como el dúo "Short Stories" y también ha trabajado con David Byrne, FKA twigs y otros. Una década después del lanzamiento de su primer single, "4D / MTI", emitido por Pictures Music en 2011, su debut de larga duración "Agor" se ha publicado este año.

Descubrí el álbum "Agor" recientemente después de leer un blog. Me ha sorprendido gratamente.
  

ALBUM: Agor

Es el álbum debut de "Koreless" y fue publicado el 9 de julio de 2021. Es una muestra clara de una obra desafiante. La música es grande, brillante y pulida. El título, "Agor" es la palabra galesa para "abrir", que capta la sensación que siente el oyente al sumergirse en este álbum.

Los puntos fuertes son sus ganchos y secciones donde la música parece "abrirse" y florecer desde sus cimientos más discretos y atmosféricos. Las canciones "Black Rainbow", el increíble "Joy Squad", "Frozen" y "Shellshock" son destacables. La composición es simple y única, pegadiza y mística, donde cada sonido tiene su propósito.

Este trabajo parece acercar a "Koreless" a la composición musical como un vehículo para crear paisajes sonoros texturizados y detallados. Hay un par de "conceptos" en los que siempre recurre: el corte vocal alienígeno, la yuxtaposición de sintetizadores, el propósito general de la progresión en su música y una paleta de sonidos que logran ser muy minimalista y maximalista al mismo tiempo. Todo lo que se escucha tiene una función clara, y suceden muchas cosas durante los 32 minutos de duración; hay IDM minimalista, secciones de sintetizador de trance, manipulación de sonido e incluso una influencia distinta de sintetizador casi siniestra en algunos temas.

Disco recomendado. Hay algo reconfortante en este álbum, incluso en medio de toda su "rareza", y por esa razón pienso que conecta con personas que normalmente no buscan álbumes etiquetados como "ambient", "experimental" o "electrónica de-construida". Es crudo, rural, aterrador, poco convencional y difícil de categorizar, lo que lo hace tan diferente y sobresaliente. Tanto es así, que este álbum está apareciendo en muchas listas de "Best of..." de fin de año. 

Video del tema "Joy Squad":

Tracklist:

1.Yonder - 1:41
2.Black Rainbow - 4:32
3.Primes - 0:59
4.White Picket Fence - 2:58
5.Act(s) - 1:42
6.Joy Squad - 4:31
7.Frozen - 3:23
8.Shellshock - 4:58
9.Hance - 1:31
10.Strangers -5:45

TURNSTILE | Glow On - Album

Turnstile (Banda)

Grupo estadounidense de hardcore punk de Baltimore, Maryland, que se formó en 2010. Una formación atrevida y contundente. Su mezcla de vintage hardcore americano y metalcore es tanto melódica como ideológicamente sólida. Para los fans del rock más veterano recuerdan musicalmente a "Jane 's Addiction" y actualmente son la banda destacada de la nueva escena hardcore punk.

Turnstile se formó dentro de la escena hardcore local emergente. Formados alrededor del vocalista Brendan Yates, los guitarristas Brady Ebert y Sean Cullen, el bajista Franz Lyons y el baterista Daniel Fang, firmaron inicialmente con "Reaper Records". Lanzaron su EP debut, titulado "Pressure to Succeed", en 2011 y su segundo EP, "Step 2 Rhythm", en 2013. En 2015, publican su álbum debut de larga duración "Nonstop Feeling". Desde entonces, han construido una sólida base de fans con giras, innovadores sonidos de rock y dos álbumes de estudio más.

Discografía hasta ahora:

•  Nonstop Feeling         2015
• Time & Space 2018
• Glow On   2021

Su último disco "Glow On" ha expandido su popularidad más allá de las fronteras americanas. Es su mejor trabajo hasta la fecha, y la crítica ya lo coloca como uno de los mejores álbumes de 2021. Estoy de acuerdo, me gusta mucho.
 

ALBUM: Glow On

El tercer álbum de estudio fue publicado el 27 de agosto de 2021, a través de "Roadrunner Records", un sello relativamente mayor y con más recursos que les ha abierto más las puertas. Este álbum ha sido elogiado por hacer del hardcore un "género fluido" y mostrar lo innovador que puede ser (el género). También ilustra la expansión del hardcore melódico de los 90s, incorporando elementos de sonidos grunge, post-punk y shoegaze.

El álbum fue grabado por el productor Mike Elizondo (Mastodon, Twenty One Pilots … cuyos créditos de co-compositor incluyen "In Da Club" de 50 Cent, "Just Lose It" de Eminem y "Family Affair" de Mary J Blige) y el disco también cuenta con la aparición como invitado al cantante, compositor y productor británico, Blood Orange (para los temas "Alien Love Call" y "Lonely Dezires"). Este álbum no tiene puntos débiles. La producción es excelente, lo que te deja esperando por saber lo que sucederá siguiente. Todas y cada una de las canciones de este disco fluyen juntas, a veces ni siquiera sabes que la canción ha cambiado.

Una obra de 15 canciones que se mantiene fiel a las raíces punk mientras crea una impresionante franja de sonidos retro, nuevos y prestados. Comenzando con un arpegio de sintetizador, el primer corte, "Mystery", prepara el escenario con una fuerte explosión de rock alternativo de los 90. Le siguen un montón de grandes temas como "Blackout", "Underwater Boi", "Holiday", "New Heart Design" y "T.L.C." (Turnstile Love Connection) que también son potentes. De hecho, hay mucho para elegir del repertorio que se adaptará a todo tipo de fans del rock. Hay sonidos que te recuerdan a Jane's Addiction, Rage Against the Machine … Fugazi; hay algo para ti.

Disco recomendado. Un tremendo álbum que lleva el Hardcore a nuevas y emocionantes alturas. Este álbum se afirma con razón como uno de los mejores álbumes de 2021. Buscarlo.

Video del tema "Blackout":

Tracklist:

1.         "Mystery"                  2:35
2.         "Blackout"                 2:53
3.         "Don't Play"               2:13
4.         "Underwater Boi"      3:04
5.         "Holiday"                   2:52
6.         "Humanoid / Shake It Up"                1:09
7.         "Endless"        1:58
8.         "Fly Again"                2:31
9.         "Alien Love Call" (con Blood Orange) 2:56
10.       "Wild World"            2:54
11.       "Dance-Off"              2:09
12.       "New Heart Design"             2:27
13.       "T.L.C. (Turnstile Love Connection)"                      1:42
14.       "No Surprise"             0:45
15.       "Lonely Dezires" (con Blood Orange)             2:43

COLD BEAT | War Garden - Album

Cold Beat (Banda)

Este es un proyecto musical impulsado por Hannah Lew. Cold Beat empezaron su carrera metiéndose de lleno en un post-punk lleno de guitarras potentes y oscuras, pero poco a poco su sonido ha ido evolucionando hasta centrarse en un sonido totalmente electrónico.

Cold Beat combina una instrumentación contundente que combina la fuerte composición de canciones de coldwave y post-punk. También hay corrientes de pop tintineante y sintetizadores en el repertorio.

Una breve historia:

Hannah Lew comenzó a escribir canciones bajo "Cold Beat" a fines de la década de 2000 mientras tocaba con el trío de San Francisco "Grass Widow" y se estableció como cineasta y artista visual. Cuando la banda - "Grass Widow" - hizo una pausa después de publicar "Internal Logic" en 2012, Lew se centró en Cold Beat en serio.

La formación y el sonido de Cold Beat evoluciona rápidamente. Poco más de un año después de publicar su álbum debut "Over Me", la banda regresó con "Into the Air" en 2015, que contó con la baterista Susi Leni y el guitarrista Jackson Blumgart junto a Hannah Lew y King. El álbum contaba con un sonido más basado en la electrónica que avisó sobre los álbumes de Cold Beat que llegarían  posteriormente. Lew escribió y grabó la mayor parte de "Chaos by Invitation" de 2017 por su cuenta, y trajo a Manley, Young, King y Blumgart.

En 2018, Cold Beat amplió la formación del grupo para incluir el guitarrista Sean Monaghan y el tecladista Luciano Talpini Aita. La banda incorporó sonidos más exuberantes, impulsados por sintetizadores, sentando las bases musicales actuales.

Discografía hasta ahora:       

• Over Me  2014                                  
• Into The Air 2015                             
• Chaos By Invitation  2017                          
• Mother  2020
• War Garden 2021      

Si se investiga sobre la banda, los fans hablan muy bien del primer disco "Over Me". Personalmente no les presté mucha atención hasta escuchar el último álbum "War Garden", me mola. Quizás es su sonido "bubble-sintetizador" y ritmos bailables lo que me engancha. No lo sé, pero sí que es un disco diferente dentro de la actual panorama musical.

ALBUM: War Garden

Es su quinto álbum publicado el 17 de septiembre de 2021 y me ha llamado la atención gratamente. No digo que sea "la bomba", pero sí que me parece un disco distinto, al menos llamativo e interesante.

El zoom, es el protagonista, y esto ha terminado influyendo en la temática y el sonido del disco.  Al igual que en sus anteriores trabajos, la pista de baile también cuenta con algo de protagonismo en esta obra. Además, musicalmente, se escucha por partes las influencias de la formación francesa de Air, y sonidos de "Yellow Magic Orchestra".

Se inspira en gran medida en las influencias de los sintetizadores de la década de 1980, y se hizo la composición de los temas en "FaceTime" durante el período de cuarentena por el Co-vid 19; lo que lo convierte literalmente en un álbum "virtual". La banda ha comentado en los medios que "War Garden" explora el mundo virtual y las formas en que ha cambiado sus propias vidas. Este álbum documentó una época como ninguna otra. Es una reflexión sobre cómo la tecnología ha afectado nuestras vidas a lo largo de la pandemia, y Cold Beat explora este momento único en la historia con este disco.

Un disco recomendado. Sonidos retro actualizados para sonar para hoy, y todo bajo ritmos bailables que agradan. Si, hay una narrativa detrás del disco, algo profundo e importante para saber, pero en el mundo no anglo-sajón la letra se pierde (y el mensaje) y solo queda el sonido. Y la música mola!

Video del tema "See You Again":

Tracklist:

1.Mandelbrot Fall - 3:45
2.SOS - 3:57
3.Tumescent Decoy - 2:59
4.Weeds - 3:37
5.See You Again - 5:06
6.Arms Reach - 2:43
7.Year Without a Shadow - 4:05
8.Rubble Ren - 1:23
9.Part the Sea - 2:53
10.Leaves and Branches - 3:18
11.New World - 3:49

SEAL | Seal - Album

Seal (Cantante)

Henry Olusegun Adeola Samuel, también conocido profesionalmente como "Seal", es un cantautor británico. Ha vendido +20 millones de discos en todo el mundo, con éxitos como "Crazy" y "Killer". Seal emergió de la escena de la "música house" de Inglaterra en 1990 para convertirse en el vocalista de soul británico más popular de esa década. Su material más temprano mostraba signos de acid house, pero a mediados de los 90 era conocido por una fusión distintiva de soul, folk, pop, dance y rock que le trajo un gran éxito a ambos lados del Atlántico.

Seal ha ganado múltiples premios a lo largo de su carrera, incluidos tres Brit Awards, así como cuatro premios Grammy. Como compositor, recibió dos premios Ivor Novello a la mejor canción musical y lírica de la Academia Británica de Compositores, Compositores y Autores por "Killer" (1990) y "Crazy" (1991).

Al principio, Seal pasó un corto tiempo cantando en clubes y bares locales durante los años 80. En 1987, se unió a "Push", una banda británica de funk, y realizó una gira con ellos por Japón. En Tailandia, se unió a una banda de blues por un tiempo antes de separarse del grupo y viajar por la India por su cuenta. Regresó a Inglaterra y conoció al productor de música dance "Adamski" e interpretó la letra del sencillo de Adamski "Killer". Esta fue su gran oportunidad.

El single "Killer" fue un éxito en las listas de éxitos llegando al #1 en el Reino Unido. Posteriormente, Seal firmó con "ZTT Records" y publicó su álbum debut homónimo en 1991.

Discografía hasta ahora:

• Seal (1991)
• Seal ("Seal II") (1994)
• Human Being (1998)
• Seal IV (2003)
• System (2007)
• Seal 6: Commitment (2010)
• 7 (2015)

Muchos consideran su segundo álbum "Seal II" como el más exitoso comercialmente. La verdad es que le consolida como una estrella mundial. Sin embargo, mi obra favorita es el debut, quizás por ser más bailable.

ALBUM: Seal

El álbum de estudio debut publicado en 1991. Considerado por la crítica como uno de los mejores álbumes de debut de los años 90 (Siglo XX). El disco debutó en el #1 en el Reino Unido y es mejor conocido por el éxito "Crazy", posiblemente uno de los mejores singles de la década. El álbum fue platino en los EE. UU. y doble platino en el Reino Unido; hizo de "Seal" un nombre internacional.

La obra contiene una artesanía y composiciones asombrosas para ser un debut, que es también delicado y bien definido. Las representaciones líricas y la composición son personales y los créditos de producción son impresionantes. Con el magnífico trabajo de Trevor Horn y Trevor Rabin, la voz de Seal es "soulful" y las pistas de este álbum están llenas de pasión y alma. Disfruto de los ritmos bailables de este disco.

La canción "Crazy" fue un gran éxito de radio durante el verano de 1991, lo que convirtió a Seal en una estrella mundial. Su colaboración con "Adamski" para la canción "Killer" también fue un gran éxito en los clubes de baile. De hecho, prefiero lo último a lo primero.

En general, gracias a Trevor Horn, este álbum presenta la belleza, el deseo y la simplicidad de crear un nuevo sonido para su época. Es decir, música bailable accesible para un público más amplio, donde antes se pensaba como música perteneciente al ámbito del circuito de baile de élite y underground. Con el tiempo, este álbum ha trascendido hacia un espacio aún más comercial, lo que permite que lo disfrute una audiencia mucho más amplia. Resiste la prueba del tiempo.

Disco recomendado. Uno de los mejores discos de los 90: bailable, fluido, completo y en lugares, espiritual (soul).

Video del tema "Killer":

Tracklist:

01."The Beginning" – 5:40
02."Deep Water" – 5:56
03."Crazy"  – 4:47
04."Killer"  – 6:22
05."Whirlpool" – 3:56
06."Future Love Paradise" – 4:20
07."Wild"  – 5:19
08."Show Me" – 5:59
09."Violet" – 8:06

THE WOOGLES | Teen Dance Party - Album

Son una banda que encaja muy bien en la filosofía de este blog. Relativamente poca conocida, que por eso no quiere decidir que sean malos. Todo lo contrario, son buenísimos y además complementan su oferta con potentes actuaciones en directo que les han ganado muchísimos seguidores por todo el mundo, por no decir, mucho respecto y credibilidad. Una formación que trabaja duro para difundir su pasión por el rock. Hablo de...

The Woogles (Banda)

Son una formación única que se ha ganado el estatus de culto con su mezcla de garage rock, música de surf y rockabilly fiestera que conectan sólidamente tanto en vivo como en el estudio. The Woggles son una de las pocas bandas que abordó el garage rock de los años 80 llevándolo hasta hoy sin perder impacto.

Una breve historia:

El grupo fue formado en 1987 por el cantante Manfred Jones, también conocido como "The Professor". Tomando su nombre de una línea en la canción "Wiggle Waggle Woo" de "Sticks McGhee", "The Woggles" hizo su debut discográfico con "Elvis Cadillac", un EP de vinilo de 7 "lanzado en 1990; después de unos sencillos más, se asoció con el sello de garage rock "Estrus Records" para publicar su primer álbum, "Teen Dance Party" de 1993. Aunque tienen 10 álbumes de los que estar orgullosos, su historia se puede describir como "on & off".

The Woggles han tenido problemas para mantener una alineación estable en sus primeros años, pero cuando publicaron "Get Tough!" en 1997, la formación se había estabilizado, con Manfred acompañado por Montague (también conocido como George Montague Holton III) en la guitarra, Buzz Hagstrom (también conocido como Patrick O'Connor) en el bajo y Dan Electro (también conocido como Dan Hall) en la batería. En 2003, el guitarrista Montague murió y Jeff Walls se hizo cargo de la guitarra, adoptando el nombre artístico "Flesh Hammer".

El grupo durante su historia ha realizado muchas giras tanto en los Estados Unidos como en el extranjero, ganando una reputación como una banda en directo increíble, ganando una base de fans leales y un estatus de culto. El disco "Live! At The Star Bar" publicado en 2001 captura perfectamente su magia en directo, y es muy recomendado.

Discografía - álbumes de interés - hasta ahora:

•  Teen Dance Party       1993               
• Get Tough! 1997                   
• Wailin' With The Woggles 1998                  
• Fractured 2000                      
• Live! At The Star Bar          2001               
• Ragged But Right      2003               
• Rock n Roll Backlash            2007               
• Tempo Tantrum          2009               
• The Big Beat              2013               
• Tally Ho! 2017

Conocí a la banda por su primer disco, "Teen Dance Party", una obra genial de garage rock revival que sigue sonando tan de actualidad.

ALBUM: Teen Dance Party

Primer álbum publicado en 1993. Una oferta de catorce canciones muy directas y sin trampas con una sensación de R & B y con un sonido muy de buen rollo.

Realmente es un disco festivo y de celebración de principio a fin, y contiene su gran tema "Mad Dog 20/20", junto con una versión fabulosa de "My Baby Likes To Boogaloo" de Don Gardner, que es una joya.

Un álbum poco conocido que va ha deleitar a los fans del buen rock n roll y los sonidos del garage-rock

Un disco recomendado. Hacerte el favor, busca este disco y simplemente disfrutarlo.

Video del tema "Mad Dog 20/20":

Tracklist:

1.Mad Dog 20/20     
2.Insomnia
3.Count the Ways     
4.Raining Teardrops
5.ABBA       
6.End of the World
7.My Baby Likes to Boogaloo         
8.Get Yourself Together
9.Struttin' in Style     
10.The Third Rail     
11.Hoodoo Healer
12.Hang Up
13.Country Squire     
14.Wild Man