BLOODROCK | Bloodrock - Album (1970)

Estoy estos días algo nostalgico y recuperando música de grupos de Rock, muy buenos, que nunca llegaron al exito como quizas se merecen. Como dijo AC/DC en su canción..."It's a long way to the top if you wanna Rock n Roll" (album High Voltage) ..."Es un largo camino a la cima si quieres Rock and Roll". Una de esas bandas son los americanos Bloodrock que hacían un excelente Hard-Rock; no solo había ZZ Top en Texas.

BLOODROCK

Banda estadounidense de Hard-Rock con sede en Fort Worth, Texas, que tuvo éxito en la década de 1970. Olvidados, en los ultimos años han vuelto para ser una banda de culto entre aficionados del "Progressive y Metal Rock".

Este grupo tiene una historia que comienza en 1963 bajo el nombre de "Naturals". La primera formación contó con Nick Taylor (guitarra y voz), Ed Grundy (bajo y voz), Jim Rutledge (batería y voz) y Dean Parks (guitarra). Lanzaron su primer sencillo en 1965 titulado "Hey Girl". Poco después cambiaron su nombre a "Multitud + 1" y publicaron tres singles más: "Mary Ann Regrets", "Don't Hold Back" y "Circles". En 1967, Dean Parks dejó "Multitud + 1" para convertirse en el director musical del programa de TV "The Sonny & Cher Show" y comenzó una larga carrera como músico de sesión. Fue reemplazado por Lee Pickens que se incorpora como guitarra y tambien Stevie Hill se unió al grupo con los teclados. Continuaron como "Multitud + 1" hasta 1969 cuando cambiaron su nombre a Bloodrock, concebido por el manager y productor de "Grand Funk Railroad", Terry Knight. En 1970, Jim Rutledge se trasladó desde detrás de la batería para asumir exclusivamente las funciones de vocalista principal. Rick Cobb se hizo cargo de la batería y también agregó voz al grupo. Esta alineación grabó sus próximos cuatro álbumes:

1970 - Bloodrock
1970 - Bloodrock 2
1971 - Bloodrock 3
1971 - Bloodrock U.S.A.

Otros discos: con diferente formación:

1972 - Passage
1974 - Whirlwind Tongues

La música de Bloodrock es principalmente Hard Rock aunque la banda introdujo elementos de Rock progresivo y Metal. El sonido de los teclados progresivamente se encuentran como más protagonismo y se escucha más elementos de Jazz a final de su carrera. El primer disco que me introduce a esta banda, es el debut "Bloodrock" de 1970, el trabajo que más me gusta y sigo escuchando hoy.

ALBUM: Bloodrock

Primer álbum bajo el nombre BLOODROCK publicado en marzo del 1970. La portada es diseñada por el productor Terry Knight, tambien manager de "Grand Funk Railroad".

Un muy buen álbum que sigue siendo un favorito y de culto entre los fans del Hard-Rock. Su sonido recuerda a "Deep Purple", con duelos de guitarra eléctrica y teclados sobre un ritmo palpitante. Sin embargo, la voz áspera de Jim Rutledge le da un toque "sureña-country" a la música del grupo que los diferencia. Un trabajo bastante solido con temas a destacar como "Gotta Find A Way", "Wicked Truth", "Double Cross", "Timepiece" y "Melvin Laid An Egg" que son bastante pegadizos. Las canciones son increíblemente simples. Se acercan en partes al sonido "Metal", cosa que los hace casi pioneros, pero le deben más al "Rock de Motor"...muy Texas, digamos. Como ya mencionó, es un muy buen álbum que merece,  tanto como la banda,  ser recuperado y reconocido de nuevo.

Un disco recomendado. Puede que carece del atractivo "crossover" para ganar un público más amplio y comercial, pero sigue siendo una escucha muy interesante para los amantes del Hard Rock, y dirá del sonido "Heavy Metal" temprano. Buscalo, mola mucho!

Video del tema "Gotta Find a Way":



Tracklist del disco "Bloodrock":
1. "Gotta Find a Way" 6:34
2. "Castle of Thoughts" 3:31
3. "Fatback" 3:24
4. "Double Cross" 5:19
5. "Timepiece" 6:00
6. "Wicked Truth" 4:48
7. "Gimme Your Head" 2:44
8. "Fantastic Piece of Architecture" 8:49
9. "Melvin Laid an Egg" 7:27

THE MISFITS | Static Age - Album

The Misfits (Banda)

Banda americana de Punk-Hardocore-Rock reconocida tambien dentro del subgénero "Punk de Terror"; que combina el Punk y otras influencias musicales con temas e imágenes de películas de terror.

Fundada en 1977, Nueva Jersey, por el vocalista y compositor Glenn Danzig, y el baterista Manny Martínez. Después se une, Jerry Only al bajo (y su hermano Doyle como guitarrista): Danzig y Jerry Only fueron los únicos miembros consistentes durante los siguientes seis años. La banda pasó por muchos cambios de formación a lo largo de los años y se separaron en 1983 (Glenn Danzig pasó a formar "Samhain" y luego "Danzig"). Para mi terminan formalmente aqui, aunque hay reuniones e intentos de regreso desde 1995, para mi, post 1983 es irrelevante. Sus mejores momentos son sus tres primeros álbumes, el ultimo grabado en 1978 pero publicado en 1996 por razones técnicas y legales, cosa curiosa dentro de la música.

The Misfits hicieron uso de temas e imágenes inspirados en películas de terror y ciencia ficción, con maquillaje, ropa, obras de arte y letras extraídas de películas B y series de televisión, muchas de las décadas de 1950 a 1970. Musicalmente, la banda a menudo es reconocida como pioneros del "Punk de Terror" y "Psychobilly" y se han inspirado en el Punk-Rock, el Heavy Metal y Rockabilly de los años 50 del Siglo XX para crear su estilo. Eran innovadores.

THE Misfits: Discografía de álbumes de estudio:

• Walk Among Us (1982)
• Earth A.D./Wolf's Blood (1983)
• Static Age (1996) ... grabado en 1978
• American Psycho (1997)
• Famous Monsters (1999)
• Project 1950 (2003)
• The Devil's Rain (2011)
  
  

ALBUM: Static Age

Es técnicamente el primer álbum de THE MISFITS grabado en 1978, aunque se publica primero en un "Box Set" en 1996 y individualmente en 1997. La formación en este disco son Glenn Danzig, guitarrista Franché Coma, bajista Jerry Only y el baterista Mr. Jim. Dado el nivel e innovación que es esta obra maestra de la banda, valió la pena la espera de casi 20 años para que viera la luz.

En resumidas cuentas, sin excepción, cada tema de 'Static Age' es un clásico: "Hybrid Moments", "Last Caress", "We Are 138", "Bullet", "Teenagers From Mar" y "She" son todas canciones seminales de The Misfits que apenas rascan la superficie de los 19 canciones de este trabajo.

Además, este álbum presenta lo mejor de la voz de Glenn Danzig, el sonido instrumental "Punk de Terror" inspirado en el "Rockabilly" y la mística incomparable de la banda. El período de espera de 20 años también le dio a la banda tiempo más que suficiente para asegurarse de que todo sobre "Static Age" fuera absolutamente perfecto. A veces aparecen discos adelantados a su tiempo, hubiera sido el caso si se hubiese publicado esta obra en 1978. Este disco era (sigue siendo) algo radical y solo, pienso, se podría digerir y comprender a finales de los años 90 del Siglo XX.

Basado en películas de terror y eventos históricos americanos de los años 60 y 70, el temario hace referencia, por ejemplo, a la película "The Fly" (La Mosca), el asesinato de J F Kennedy (tema casi tabú en los 70) y Patty Hearst (hija del millonario Hearst que atracó bancos con ametralladora)...etc y etc.., todo bajo letras explícitamente cargadas de "gore", "sexo" y que podrían herir sensibilidades. Este ultimo era "su encanto", musica de "tratamiento Shock" para romper lo establecido y lo convencional: muy, muy PUNK. Es probablemente uno de los mejores álbumes de punk estadounidense de los años 70 (publicado en los 90). Brillante!

Un disco recomendado. Un álbum soberbio si te gusta el "Psychobilly", "Hardcore" y las emociones fuertes. Un disco a veces extremo que requiere un sentido de humor. Una pieza referente y clave dentro de la historia y movimiento Punk americano que te llevará hacia otras bandas, The Cramps, por ejemplo. Un gran disco, sin más.

Video de la canción "Hybrid Moments":

Tracklist del disco "Static Age":

1. "Static Age" 1:47
2. "TV Casualty" 2:24
3. "Some Kinda Hate" 2:02
4. "Last Caress" 1:57
5. "Return of the Fly" 1:37
6. "Hybrid Moments" 1:42
7. "We Are 138" 1:41
8. "Teenagers from Mars" 2:51
9. "Come Back" 5:00
10. "Angelfuck" 1:38
11. "Hollywood Babylon" 2:20
12. "Attitude" 1:31
13. "Bullet" 1:38
14. "Theme for a Jackal" 2:41
15. "She" 1:24
16. "Spinal Remains" 1:27
17. "In the Doorway" 1:25
18. "Unlisted Track" 8:43
19. "Studio Screw Ups" 0:06

MONTROSE | Montrose - Album

MONTROSE (Banda)

Un breve historia:

Banda de Hard Rock - quizás mejor Heavy - americana (California) que se formó en 1973 y lleva el nombre del guitarrista y fundador Ronnie Montrose. La formación original del conjunto tambien incluye vocalista Sammy Hagar, que luego alcanzaría una mayor fama como solista y miembro de Van Halen, el bajista Bill Church y el baterista Denny Carmassi.

Los primeros grupos americanos de Hard-Rock en desafiar la supremacía británica a principios de los años 70, Montrose es recordado como, si no el más exitoso, sin duda una de las bandas más influyentes de la época. Apart de su oferta musical de "Heavy Rock",  la banda estaba compuesta de verdaderos musicos de nivel. Ronnie Montrose había sido un guitarrista de sesión tocando con Van Morrison (álbum "Tupelo Honey"), Herbie Hancock y el Edgar Winter Group, y a dejar el ultimo se llevo otros musicos de sesión como Church y Carmassi, junto con un joven talento vocal Sammy Hagar, a formar Montrose.

Son considerados la respuesta americana a Led Zeppelin y Black Sabbath, y llegaron a influenciar a muchos grupos de Rock americano (Van Halen, Motley Crue...). Hay debate si fueron más "Heavy (Metal)" que "Hard Rock", una discusión divertida ya que oscilaban entre ambos. Lo que no hay duda es que pegaban fuerte con su musica

La discografía de MONTROSE:

• Montrose (1973) ... Bill Church deja la banda
• Paper Money (1974) ... Sammy Hagar deja la banda
• Warner Bros. Presents (1975) 
• Jump on It (1976) 
• Mean (1987) 

El grupo se disolvió a principios de 1977, con otro intento con diferentes miembros en 1987. Ronnie Montrose sufría de depresión y murió en 2012.

ALBUM: Montrose

Primer álbum publicado 17 de Octubre de 1973. Fue producido por Ted Templeman, productor de musicos como Van Morrison, Doobie Brothers, Captain Beefheart, Eric Clapton...etc. El álbum marca el debut del vocalista Sammy Hagar, quien más tarde alcanzaría el éxito internacional como solista y miembro de Van Halen. Aunque no tuvo un exito inmediato con el tiempo la obra llegaría al estatus de disco de platino, además para mi uno de los mejores álbum de guitarra - rock de todos los tiempos. No hay una canción mala.

La sección de rítmica de Montrose bajo el baterista Denny Carmassi y el bajista Bill Church es considerado unas de las mejores del Rock, esto junto con la explosiva voz de Hagar y la magnífica guitarra de Ronnie pone este álbum a un super nivel. Los temas a destacar son "Space Station #5", "Rock the Nation", "Good Rockin' Tonight", "Make It Last", "Bad Motor Scooter" y "Rock Candy"...vamos, que casi todo el disco. Esto convierte esta obra en posiblemente el mejor álbum de Hard-Heavy-Rock estadounidense de la historia, no esta nada mal para un debut. En definitiva, un disco fuerte, solido y musicalmente emocionante, con canciones relativamente cortas donde se forjó un nuevo sonido cinético y más fresco que la competencia.

Un disco recomendado y un álbum que pertenece en las listas de los 10 mejores álbumes de Hard Rock - Heavy Metal de todos los tiempos, creo que la mayoría de los historiadores del Rock estarían de acuerdo, sino, al menos en las historia del Rock americano. Un álbum relativamente conocido por los lectores y rockeros más veteranos, pero dudo que los jóvenes tenga Montrose, o este disco, dentro de su radar. Si no conoces esta obra maestra del Rock americano buscarlo y préstale tu atención. Está disponible por muchas plataformas de "streaming" y si eres fan de vinilo, tambien esta en oferta.

Video del tema "Rock the Nation" del álbum "Montrose":

Tracklist (formato vinilo):

- CARA A -
1. "Rock the Nation" (Ronnie Montrose) 3:03
2. "Bad Motor Scooter" (Sammy Hagar) 3:41
3. "Space Station #5" (Hagar, Montrose) 5:18
4. "I Don't Want It" (Hagar, Montrose) 2:58

- CARA B -
5. "Good Rockin' Tonight" (Roy Brown) 2:59
6. "Rock Candy" (Denny Carmassi, Bill Church, Hagar, Montrose) 5:05
7. "One Thing on My Mind" (Hagar, Montrose, J. Sanchez) 3:41
8. "Make It Last" (Hagar) 5:31

SON HOUSE | Father of Folk Blues - Album

SON HOUSE (Bluesman)

Eddie James, Jr. (21 de marzo de 1902 (est.) - 19 de octubre de 1988), aka SON HOUSE, fue un Bluesman americano y músico de "Delta Blues" conocido por su estilo emotivo de cantar y tocar la guitarra "slide".

Para ponerte en contexto, en su epoca, la música secular (race music) no estaba bien recibido en la mayoría en los Estados Unidos y solo estaba circulando entre el público de raza negra y dentro de sus "limitado" circuitos. Eddie James Jr. era predicador y durante algunos años también pastor de la iglesia y empezó a tocar-cantar la musica Blues a la edad de 25 años. Su influencia religiosa llegaría a marcar su estilo musical en los años posteriores dejando una huella de "Soul" en su "Blues".

Rápidamente desarrolló un estilo único al aplicar el impulso rítmico, el poder vocal y la intensidad emocional. En una corta carrera interrumpida por su paso por la cárcel de "Parchman Farm", llegó a expandir su "notoriedad" hasta el punto que "Charley Patton", el artista de Blues más destacado de la región del Delta del Mississippi, le invitó a compartir actuaciones, y acompañarle a una sesión de grabación de un disco para el sello "Paramount Records" en 1930.

Publicado al comienzo de la Gran Depresión, el álbum no vendió y ni les daría un reconocimiento nacional. A nivel local, Son House siguió siendo popular, y en la década de 1930, junto con Charlie Patton y Willie Brown, fueron los principales músicos de su zona. Allí tuvo una influencia formativa sobre el mítico Robert Johnson y despues el gran Muddy Waters. En 1941 y 1942, House y los miembros de su banda fueron grabados por Alan Lomax y John W. Work para la Biblioteca del Congreso y la Universidad Fisk. Al año siguiente, dejó el "Delta" para Rochester, Nueva York, desapareció y dejó la música.

En 1964, un grupo de jóvenes coleccionistas de discos y aficionados al Folk (Nick Perls, Dick Waterman y Phil Spiro) fueron a rastrear y buscar a Son House, a quien conocían por las grabaciones de "Paramount Records" y por la "Biblioteca del Congreso". Convencieron a Son House y el Bluesman volvió a aprender su repertorio y estableció una carrera como artista, actuando para audiencias jóvenes, en su mayoría blancas, en cafeterías, Festivales "Folk" (Newport Folk Festival) y en giras de conciertos de música folclórica americana, publicitado como cantante de "Folk Blues" (ej. gira por Europa de "American Folk Festival" con Bluesmen "Skip James" y "Bukka White", además del "Montreux Jazz Festival" de 1970). Grabó varios álbumes, y algunos conciertos que despues fueron publicado como álbumes. Son House murió en 1988.

La influencia de SON HOUSE es profunda llegando a impactar sobre generaciones de musicos desde John Hammond, Alan Wilson (de Canned Heat), Keith Richards, Eric Clapton, Bonnie Raitt, Jack White, Dallas Green, John Mooney y Muddy Waters. Sobre Muddy Waters, su contacto directo con Son House afectó toda la línea de la evolución sobre el "Chicago Blues". Muddy Waters consideraba que Son House era su influencia más importante en el Blues. Muddy Waters dijo de Son House: "Ese hombre era el rey". Otro grande Chicago Bluesman "Howlin´ Wolf" pensó que Son House era esencialmente el mejor músico de Blues.

Pero si Robert Johnson es considerado el Bluesman más influyente sobre el Rock moderno (de los ultimos 80 años), Son House tuvo un impacto directo sobre la musica de Johnson. Son House fue "mentor" de Robert Johnson de joven, y desde que vendió su alma al demonio - metafóricamente - incorporaría porciones o canciones completas de Son House en su repertorio. La canción "Walking Blues" fue una combinación de elementos musicales y líricos de las canciones de Son House "Walking Blues" y "My Black Mama". Otras incluyen "Up Jumped the Devil" y "Preachin’ the Blues ". Pero la influencia de Son House sobre Robert Johnson va más allá de las citadas versiones. Puedes escuchar la influencia de la guitarra y los estilos vocales de Son House en las interpretaciones de Robert Johnson.

En definitiva, cuando hablamos de SON HOUSE estamos examinando uno de los gigantes del Blues y de la musica moderna.

La discografía de Son House es extensa, a continuación solo algunos titulos (falta material de "Paramount Records" y muchos otros de sus directos etc y etc):

• The Complete Library of Congress Sessions (1964), Travelin' Man CD 02
• Blues from the Mississippi Delta, with J. D. Short (1964), Folkways Records
• The Legendary Son House: Father of Folk Blues (1965), Columbia 2417
• In Concert (Oberlin College, 1965), Stack-O-Hits 9004
• Delta Blues (1941–1942), Smithsonian 31028
• Son House & Blind Lemon Jefferson (1926–1941), Biograph 12040
• The Real Delta Blues (1964–1965 recordings), Blue Goose Records 2016
• Son House & the Great Delta Blues Singers, with Willie Brown and others, Document CD 5002
• Son House at Home: Complete 1969, Document 5148
• Son House (Library of Congress), Folk Lyric 9002
• John the Revelator, Liberty 83391
• American Folk Blues Festival '67 (1 cut), Optimism CD 2070
• Son House (1965-1969), Private Record PR 1
• Son House – Vol. 2 (1964–1974), Private Record PR 2 (1987)
• Father of the Delta Blues: The Complete 1965 Sessions, Sony/Legacy CD 48867
• Living Legends (1 cut, 1966), Verve/Folkways 3010
• Real Blues (1 cut, University of Chicago, 1964), Takoma 7081
• John the Revelator: The 1970 London Sessions, Sequel CD 207
• Son House (1964–1970), Document (limited edition of 20 copies)
• Great Bluesmen/Newport, (2 cuts, 1965), Vanguard CD 77/78
• Blues with a Feeling (3 cuts, 1965), Vanguard CD 77005
• Masters of the Country Blues, House and Bukka White, Yazoo Video 500
• Delta Blues and Spirituals (1995)
• In Concert (Live) (1996)
• "Live" at Gaslight Cafe, N.Y.C., January 3, 1965 (2000)
• New York Central Live (2003)
• Delta Blues (1941–1942) (2003), Biograph CD 118
• Classic Blues from Smithsonian Folkways (2003), Smithsonian Folkways 40134
• Classic Blues from Smithsonian Folkways, vol. 2 (2003), Smithsonian Folkways 40148
• The Very Best of Son House: Heroes of the Blues (2003), Shout! Factory 30251
• Proper Introduction to Son House (2004), Proper

ALBUM: The Legendary Son House: Father of Folk Blues 

Publicado en 1965 este álbum fue la primera presentación de un músico de "Delta Blues" realizada por el sello discográfico Columbia, un sello en esos años que apoyaba música que consideraba "cool" (tenian tambien Bob Dylan). Es un disco excelente para introducir al maestro Son House a personas que no le conocen. La portada es de Son House con un "slide guitar", quizás la primera vez que jóvenes (blancos) ven este instrumento. Años despues la banda britanica "Dire Straits" haria un guiño poniendo un "slide guitar" en la portada de uno de sus discos.

Algunos criticos piensan que lo mejor de Son House esta en las grabaciones del sello "Paramount" de 1930, puede ser, aunque se aprecia en esta obra tambien el sonido deslizante de metal en silencio sobre las cuerdas tan distintivo de Son House. La mandíbula del oyente se va ha caer igualmente al escuchar la música. Cada tema de este disco son asombrosas, salta directamente a "Death Letter", "Preachin' Blues" y "John The Revelator" para asimilar la voz "espiritual" y las habilidades de Son House para cautivar. Estarás escuchando el sonido del "Delta" y disfrutando de corrientes musicales religiosas vía un "Soul" primitivo que sirvió para mantener la comunidad negra junta y con esperanza durante tiempos difíciles y complicados. Y como no, hay mucho Blues, lamentos y dolor.

Un disco recomendado de uno de los Bluesmen más grandes de todos los tiempos. Un álbum que sirve de introducción a SON HOUSE y al Blues casi primitivo del profundo sur. Una pieza esencial y casi obligatorio para cualquier colección de música de calidad.

Video de "Death Letter Blues" de Son House:



Tracklist:

1. Death Letter 04:27
2. Pearline     04:38
3. Louise McGhee 06:18
4. John the Revelator 02:36
5. Empire State Express 03:42
6. Preachin' Blues 05:51
7. Grinning in Your Face 02:13
8. Sundown 06:19
9. Levee Camp Moan 09:30

DAVID ROBACK | MAZZY STAR | So Tonight That I Might See

DAVID ROBACK

Triste noticia hoy. David Roback, veterano productor y multiinstrumentista que cofundó la banda de "Dream-Pop" de los años 90 "Mazzy Star" junto a Hope Sandoval, ha muerto a la edad de 61 años.

Nació y se creció en la ciudad de Los Ángeles (EE.UU) y comenzó su carrera musical con la banda local "Inconsciente" junto con su hermano Stephen Roback en el bajo, y Susanna Hoffs, quien se convertiría despues en la cantante y guitarrista de "The Bangles".

David Roback también fue una figura destacada en la escena psicodélica y underground  llamado "Paisley Underground" con sede en California y cofundó otros grupos influyentes como "Rain Parade" y "Opal".

Después de lanzar su debut en 1983 titulado "Emergency Third Rail" con Rain Parade, Roback dejó el grupo y comenzó la banda "Opal" con la bajista de "Dream Syndicate" Kendra Smith a mediados de los 80. Después de que Smith dejó la banda durante una gira, Hope Sandoval la reemplazó y los dos rebautizaron al grupo como "Mazzy Star".

DEP, David Roback, 25.02.2020

MAZZY STAR

Banda estadounidense de Rock Alternativo formada en Santa Mónica, California, en 1989 a partir de los restos del grupo "Opal". La cantante mexicana-estadounidense Hope Sandoval, se convirtió en el vocalista del grupo cuando Kendra Smith dejó Opal en medio de gira.

Mazzy Star es mejor conocida por la canción "Fade into You" que les dio a la banda cierto éxito a mediados de la década de 1990 y fue el mayor éxito del grupo. David Roback y Hope Sandoval son el centro creativo de la banda, con Sandoval como letrista y Roback como compositor de la mayoría del material de la banda. Mazzy Star lanzó cuatro álbumes aclamados por la crítica que fusionaron el "Rock Alternativo" con el "Dream-Pop" (psicodelia).

La discografía de MAZZY STAR:

• She Hangs Brightly (1990)
• So Tonight That I Might See (1993)
• Among My Swan (1996)
• Seasons of Your Day (2013)

El primer disco "She Hangs Brightly" es una obra deliciosa, un grandísimo trabajo y me gusta mucho. Sin embargo, dan un salto cualitativo en el segundo "So Tonight That I Might See" y es un álbum magistral y maravilloso.

ALBUM: So Tonight That I Might See

Segundo álbum de estudio publicado  el 5 de octubre de 1993. Su disco más exitoso impulsado por su gran tema "Fade into You" que llegó al # 44 de la lista de singles de Billboard y # 48 en el Reino Unido. Con el tiempo el álbum llegaría al estatus de disco de platino dando el salto "cross-over", poco común para un disco Alt-Rock-Psicodélico.

Es un disco narcótico e hipnótico con la voz de Hope Sandoval enviando escalofríos por la columna vertebral. Aparte del ya mencionado tema "Fade into You", encuentras otras joyas como "She’s My Baby", "Mary of Silence", "Into Dust", "Wasted", "So Tonight That I Might See" y "Five String Serenade" esta última una versión de Arthur Lee. Una oferta mezclado y con mucha variedad de temas sin perder de vista lo que hace al grupo tan especial, su distinto entrega de un Pop de ensueño.

David Roback tampoco se queda corto, nos demuestra todo su talento como multiinstrumentista. Hay feedback y riffs de guitarra ralentizado de Blues, reproducciones de órgano que recuerda a lo mejor de "The Doors" y sonidos psicodélicos-drone que te impulsan casi al trance. Todo esto perfectamente equilibrado y contrapuesto a la angelical voz de Sandoval. Pura magia! Y casi se me olvida, la musicalidad y contribución de musicos de primer nivel como Jason Yates en el bajo, Keith Mitchell en la batería y William Cooper con las cuerdas. Los tres añaden un altismo valor al conjunto de este disco

Un disco recomendado y un referente dentro del estilo Shoegaze y/o Dream-pop. Puede ser la banda sonora perfecta para un día lluvioso o para disfrutar de la autocompasión, es melancólico pero no depresivo. Un álbum para gozar de la voz de Hope Sandoval, los sonidos neo-psicodélicos instrumentales de David Roback y los musicos acompañantes para desconectar de la realidad para 52 minutos.

Si te gusta bandas como Luna, Galaxie 500, Cowboy Junkies y Low, te va encantar este disco.

Video del tema "Wasted":



Tracklist del disco "So Tonight That I Might See":
1. "Fade into You" 4:55
2. "Bells Ring" 4:32
3. "Mary of Silence" 6:02
4. "Five String Serenade" (Arthur Lee) 4:24
5. "Blue Light" 5:10
6. "She's My Baby" 4:25
7. "Unreflected" 3:42
8. "Wasted" 5:31
9. "Into Dust" 5:36
10. "So Tonight That I Might See" 7:19

EXPLOSIONS IN THE SKY | The Earth Is Not a Cold Dead Place

Explosions in the Sky (Banda)

Formación americana (Texas) de Post-Rock. El cuarteto (Mark Smith – guitar-sintonizador; Michael James – guitarra, bajo y teclados; Chris Hrasky – batería y Munaf Rayani – guitarra, teclados y percusion) originalmente se llamaban "Breaker Morant", luego cambiaron al nombre actual en 1999. La banda ha ganado popularidad más allá de la escena Post-Rock por su elaborado trabajo de guitarra y melodías instrumentales atmosféricos; a lo que se refieren ellos como "cathartic mini-sinfonías". Además sus espectáculos en directo les ha ganado legiones de fans por todo el mundo por su alta dosis emoción sonora.

La música de la banda es casi puramente instrumental y tocan con tres guitarras eléctricas y una batería. La banda agregó un quinto miembro para sus presentaciones en directo, el músico Jay Demko que les acompaña en gira.

La discografía de álbumes de estudio hasta el momento son:

• How Strange, Innocence (2000)
• Those Who Tell the Truth Shall Die, Those Who Tell the Truth Shall Live Forever (2001)
• The Earth Is Not a Cold Dead Place (2003)
• The Rescue (2005)
• All of a Sudden I Miss Everyone (2007)
• Take Care, Take Care, Take Care (2011)
• The Wilderness (2016)

Explosions in the Sky tambien componen y graban musica para series de Televisión, videojuegos y cine, elaboran "Banda Sonoras" de películas.

ALBUM: The Earth Is Not a Cold Dead Place

Tercer álbum publicado el 4 de noviembre de 2003. Es un álbum conceptual, y para mi su mejor disco hasta el momento. Dicho esto, tambien me gusto mucho "Take Care, Take Care, Take Care" de 2011, pero quizás escriba sobre este trabajo en otro momento.

Considerado casi universalmente como uno de los álbumes de Post-Rock más influyentes de todos los tiempos, es visto por los fans y críticos como el álbum que los ve alcanzar el pico más creativo de la banda.

Este disco continúa los patrones de los álbumes anteriores, con melodías inquietantes y siniestras que terminan en "orgasmos" musicales. El álbum fue producido John Congleton en solo tres días. En una entrevista a un medio musical, el miembro de la banda Munaf Rayani dijo que "The Earth Is Not a Cold Dead Place" es el intento de la banda de canciones de amor ". No se si estaba de coña, es una obra contemplativa y melancólica con 5 canciones a cámara lenta de larga duración con suaves toques de guitarra eléctrica, sutiles y repentinos lavados de percusión, siendo instrumentales que crecen como olas. Es una obra como un viaje cinemático y emocionalmente poderoso que parece una banda sonora. Es brillante!

Con este álbum, "Explosions in the Sky" ha construido un álbum dulcemente melódico e inspirador para un género cuya marca registrada es la tragedia. Quizas esta aqui lo que comenta Munaf Rayani, que este disco es de canciones de amor. Los sonidos del álbum son más optimistas, delicadas y las estructuras dinámicas recuerdan a los amaneceres más que las puestas de sol, un cambio de los anteriores discos que tienen un fuerte sonido de distorsión y del apocalipsis. Este disco es una narrativa de 45 minutos donde no hay ni una sola palabra. Otra manera de comunicar demostrando la fuerza y la genialidad de este álbum, de que se puede hacer con solo guitarras y una batería.

Un disco recomendado. Grandísimo pieza y ejemplo del estilo Post-Rock. Si no conoces esta banda busca este álbum. A mi me encanta escucharlo en mis momentos más contemplativos o cuando tengo que conducir largas distancias, me lleva a sitios, te llevara donde tu quieras.

Video del tema "Your Hand in Mine":



Tracklist:

1.First Breath After Coma 9:33
2.The Only Moment We Were Alone 10:14
3.Six Days At The Bottom Of The Ocean 8:43
4.Memorial 8:50
5.Your Hand In Mine 8:17

HUMBLE PIE | As Safe as Yesterday Is - Album

Humble Pie (Banda)

Banda britanica de Rock formada por Steve Marriott en 1969. Son conocidos como uno de los primeros supergrupos de finales de la década de 1960 y tuvieron éxito en ambos lados del Atlántico con canciones como "Black Coffee", "30 Days in the Hole ","I Don't Need No Doctor" y" Natural Born Bugie". La formación original de la banda contó con el vocalista y guitarrista principal Steve Marriott (ex-Small Faces), el vocalista y guitarrista Peter Frampton (ex-The Herd), el bajista Greg Ridley (ex-Spooky Tooth) y un baterista de 17 años, Jerry Shirley.

Despues de cuatro discos y exito en Reino Unido y EE.UU, Peter Frampton deja la banda por 1971 para continuar una carrera en solitario, una de mucho exito que nos daria el ya famoso "Frampton Comes Alive!" doble álbum en directo. Un trabajo publicado en 1976 que fue uno de los discos más vendidos en directo de los Estados Unidos.

La discografía de álbumes de estudio de Humble Pie:

1969 As Safe as Yesterday Is
1969 Town and Country
1970 Humble Pie
1971 Rock On –
1972 Smokin'
1973 Eat It
1974 Thunderbox
1975 Street Rats
1980 On to Victory
1981 Go for the Throat
2002 Back on Track

El primer álbum es para mi su mejor disco.

ALBUM: As Safe as Yesterday Is

Primer álbum publicado en el mes de agosto de 1969. Un disco de Blues, Hard Rock y Pop post-Mod. Steve Marriott contribuyó con seis canciones al álbum, una co-escrita con Peter Frampton, quien también contribuyó con dos en solitario.

Un álbum que musicalmente estableció un camino a seguir para otras bandas más tarde. Led Zeppelin "levantó" (presto) directamente partes de este disco, y Paul Weller luego confiaría en gran medida a este álbum para su regreso de los años 90.

Sin embargo, otro elemento, lo tecnológico hace que este disco tenga un plus sobre otros de su periodo. La mejora en la amplificación del sonido permitió saturar el estilo Blues de HUMBLE PIE con un Rock poderoso como nos demuestra el single y exitazo "Natural Born Bugie" y otros temas como "Buttermilk Boy", "Bang!",  "A Nifty Little Number Like You" y la versión fascinante de Steppenwolf titulado "Desperation".  Este primer álbum tambien demuestra un grupo que era confiado, audaz y talentoso para hacer lo que quisiera, musicalmente hablando. Los temas "Alabama ’69" y "Growing Closer" son esencialmente temas Folk y "Stick Shift" es del estilo Mod, añadiendo variedad en estilos musicales que les abriría a un publico más amplio en gustos. Aquí el secreto de este disco, su eclecticismo.

Humble Pie ganaron su reputación con sus directos, las actuaciones del FILLMORE EAST (como para muchos otras bandas) son considerados puntos de referencia de esta superbanda de talentos. No obstante, este disco no esta lejos de los "impactos" sonoros de la experiencia Live. Hay suficiente musclo y guitarra "heavy" para llegar a convencer algunos especialistas musicales que el "Heavy Metal" tiene sus raíces en este álbum.

Un disco recomendado donde la música fluye naturalmente, generando poderoso Blues-Rock enérgico e inspirado. Su variedad garantiza que haya algo para todos los gustos. Es una escucha facil y divertido que gustara a todo fan del buen Rock y Blues de finales de los 60 y principios de los 70 del Siglo XX.

Video de "As Safe as Yesterday Is":



Tracklist (versión-lanzamiento LP americana):

CARA A:

"Desperation"  6:28
"Stick Shift"  2:22
"Buttermilk Boy"  4:22
"Natural Born Bugie"  3:13
"As Safe as Yesterday" – 6:05

CARA B:

"Bang!"  3:24
"Alabama '69"  – 4:37
"I'll Go Alone" – 6:17
"A Nifty Little Number Like You"  6:11
"What You Will" 4:20

MOUNTAIN | Climbing! - Album (1970)

MOUNTAIN (Banda)

Banda americana de Hard Rock que se formó en Long Island, Nueva York en 1969.  Originalmente compuesta por el vocalista y guitarrista Leslie West (ex "The Vagrants"), el bajista y vocalista Felix Pappalardi, el tecladista Steve Knight y el baterista N. D. Smart, la banda se separó en 1972 y se ha reunido con frecuencia desde 1973. Siendo asi, la primera etapa hasta 1972 es el más relevante, al menos para mi, sin quitar nada de los años posteriores.

La banda fue influenciado por la banda britanica Cream, tanto que Felix Pappalardi era un colaborador y productor del grupo inglés. Se formó MOUNTAIN para intentar llenar el vacío dejado por CREAM despues de su separación y añadir un sonido más fuerte al Rock. En general el estilo musical del grupo consistía principalmente en Blues Rock y Hard Rock.

Publicaron singles que fueron exitosos como "Mississippi Queen" (posiblemente el trabajo definiti de la banda) y "Long Red" e impactaron sobre la escena musical gracias su actuación en el "Festival de Woodstock" en 1969. La banda se les atribuye haber influido directamente en el desarrollo de la música HEAVY en la década de 1970.

Discografía de álbumes de estudio:
1970 Climbing!
1971 Nantucket Sleighride
1971 Flowers of Evil
1974 Avalanche
1985 Go for Your Life
1996 Man's World
2002 Mystic Fire
2007 Masters of War

ALBUM: Climbing!

Primer álbum de estudio publicado el 7 de marzo de 1970 y producido por Felix Pappalardi. Un grandísimo debut que alcanzó el #17 de la lista de álbumes del Billboard 200 y contó con el gran tema "Mississippi Queen".

Este disco captó perfectamente la transición de la música popular de los años 60 a los 70 como pocos llevando simultáneamente la antorcha del poder de los bandas "Cream" y "Jimi Hendrix Experience" que habían sido tan dominantes mientras abrazando completamente el naciente Hard-Rock que evolucionaría hacia el "HEAVY".

Aparte de "Mississippi Queen", encontramos el tema despues "Theme for an Imaginary Western", que ya se había visto en el "Festival de Woodstock" y que se remonta al trabajo ecléctico de Felix Pappalardi con "Cream" (y de hecho fue co-escrito con Jack Bruce), al igual que la dramaturgia panorámica de "Boys in the Band". El tema "For Yasgur's Farm" obviamente rinde homenaje al sitio-localización del "Festival de Woodstock", mientras que "The Laird" saludó a la psicodelia que se desvanecía rápidamente con sus suaves y caprichosos sitars. Las canciones restantes como "Never in My Life", "Silver Paper" y "Sittin 'on a Rainbow" encontraron ese espacio donde el Blues británico se transfiguraba violentamente en lo que pronto se llamaría "HEAVY METAL". Este álbum ya apuntaba el camino a seguir para otras bandas, desde Led Zeppelin, Black Sabbath a Deep Purple. Aquí su legado.

Un disco recomendado. Un magnífico álbum que explotó para arrasar lo ultimo de lo que quedaba de la "era Flower Power" para abrir paso a un Rock menos psicodélico, pero mucho más duro y con actitud. El disco es una foto de su momento, del año 1970 que parecía ser una puente hacia lo "desconocido" y un adiós al romanticismo de los años 60 del Siglo XX.

Si te mola el Rock duro te va gustar este trabajo, sigue sonando de puta mad*e hoy.

Video de "Mississippi Queen" (versión en directo):

Tracklist de "Climbing!":

CARA A
1. "Mississippi Queen" 2:31
2. "Theme for an Imaginary Western" 5:06
3. "Never in My Life" 3:51
4. "Silver Paper" 3:19

CARA B
1. "For Yasgur's Farm" 3:23
2. "To My Friend" 3:38
3. "The Laird" 4:39
4. "Sittin' on a Rainbow" 2:23
5. "Boys in the Band" 3:33

PRIZES ROSES ROSA | The Kinspiral - Album

Prizes Roses Rosa (Banda)

Me han pasado un disco que me tiene fascinado, vaya, enganchado.

Se llama artísticamente "Prizes Roses Rosa", tambien conocido por "Panda Rosa", y no se absolutamente nada de él (o ellos), solo que es (son) de Australia. Y eso que acaba/n de publicar su #10 álbum titulado "The Kinspiral", un viaje musical de Neo-Psychedelia, Experimental y Post-Rock.

He tenido que tirar de la única entrevista que he visto online para ayudar dar más información sobre este músico/s. Me sorprende que haya/n lanzado tantos discos y que no exista una biografía disponible. No lo entiendo.

La fuente de la entrevista es psychedelicbabymag.com y es de 2017, cojo solo un extracto...

El periodista pregunta:
¿Podrías describir el tipo de música haces? ¿Cómo lo caracterizarías?

"Solía ​​ser indie rock en general e indie folk, con lo que no estaba particularmente contento. Quería hacer algo más y realmente irrumpir en la esfera post-rock. Mis influencias son muy amplias, pero debería decir el trabajo de Mark Kozelek con Sun Kil Moon y Red House Painters. Y luego en el otro lado del espectro está este grupo electrónico del Reino Unido, Underworld. Ambos me mostraron lo que era posible. También hay formas en que las personas detrás de la música tienen un impacto: las personas que parecen ser extrañas haciendo música solo para ellos mismos. Hay un tipo llamado Jandek que hizo 70 u 80 álbumes, y todos están completamente no escuchable. Toca una guitarra extremadamente desafinada y canta en tono monótono. Pero es genial. Me encanta. Mi música es básicamente todos aplastados juntos. Para algunas pistas pienso, ‘quiero sonar como esta o aquella banda ", pero en general trato de sonar como yo. hace sentir. Pero quiero hacer hincapié en la parte post-rock porque ahí es donde mi corazón".

Y así es, o casi. El álbum "The Kinspiral" es más de dos horas! Hay "tribal ambient", minimal y mucho "Post-Rock"...gran dosis de experimentación que te llega a ganar o lo dejas. En mi caso, me encanta.

No es una obra para escuchar en el coche, recomiendo que lo captes en dosis medidas o buscarte un tiempo dedicado para ti para saltar directamente al vacío que es este disco. Está hecho para el cerebro, hay mucho y muchas emociones vibrando de este trabajo con lo cual hay que masticarlo bien. Habrá espacios negros y oscuros, y otros de luz y de alegría, me ha impresionado, tiene "aires" de Talk Talk!

Disco recomendado

Pongo el video del tema hipnótico "The Garden" de 24 mins...me parece acojonante.



Tracklist del disco "The Kinspiral":

01. Away From the Horror (3:46)
02. Separate the Fluids (1:14)
03. Grave Suffering...Infinite Questions... (15:04)
04. Skyscrapers 2008: The Earth's Tallest (5:37)
05. Kinspiral (7:10)
06. Underneath Your Heavens, A Desert Leader Looks Over His Region (13:11)
07. A Sure Growth and Hope (13:08)
08. The Australian Light (9:25)
09. The Samuels (6:12)
10. Satin Lichen Castle (1:25)
11. Weapon of Kin (4:18)
12. People Who Flew Past (6:51)
13. Of This Quiet Earth (2:09)
14. The Garden (24:01)
15. My Sister (7:51)
16. My Understanding of This River (20:54)
17. Fallen Human (0:41)
18. Richard Vander Wende (5:00)

MAGIC SAM | West Side Soul - Album

Magic Sam (Bluesman)

Su nombre, Samuel Gene Maghett, era un músico americano de Chicago Blues. Nació en el condado de Granada, Mississippi (EE.UU) y aprendió a tocar el Blues escuchando discos de "Muddy Waters" y "Little Walter". Después de mudarse a Chicago a la edad de 19 años, fue firmado por el sello discográfico "Cobra Records" y se hizo conocido como Bluesman después del lanzamiento de su primer single, "All Your Love", en 1957. Era un extraordinario guitarrista conocido por su sonido distintivo de efecto "tremolo". Murió trágicamente joven (a los 32 años de un ataque al corazón), justo cuando estaba a punto de subir la escalera al estrellato, pero Magic Sam dejó un legado que sigue siendo muy influyente.

En Chicago, Sam estaba a la vanguardia de un nuevo movimiento de Blues de la parte West-Side (matices de Soul en el estilo). Siguió siendo una artista de los Clubs durante la década de 1960 y estaba listo para llevar su carrera a un nuevo nivel después de grabar dos aclamados álbumes para "Delmark Records" ("West Side Soul" y "Black Magic") y entregar actuaciones legendarias en festivales en "Ann Arbor", Michigan y en Europa, pero murió el 1 de diciembre de 1969. Su estilo de guitarra, voz y composición ha seguido influyendo en generaciones de músicos de Blues y Rock.

Discografía (incluye de estudio, directos y lanzamientos post-muerte):

1967 West Side Soul
1968 Black Magic
1969 Raw Blues Live 1969
1980 The Late Great Magic Sam
1981 Magic Sam Live
1981 Magic Touch
1989 The Magic Sam Legacy, 1966–68
1991 Give Me Time Delmark Solo demo and rehearsal home recordings, 1968
2001 With a Feeling!: The Complete Cobra, Chief & Crash Recordings 1957-1966 Westside Most pre-Delmark recordings; also available as Out of Luck, P-Vine, 2003
2002 Rockin' Wild in Chicago Delmark Recorded live in Chicago, 1963, 1964, 1966, 1968
2013 Live at the Avant Garde Delmark Recorded live at the Avant Garde coffeehouse, Milwaukee, June 22, 1968

ALBUM: West Side Soul (Magic Sam Blues Band)

El primer álbum de Magic Sam publicado en 1967. El especialista y crítico Stephen Thomas Erlewine lo cita como uno de los mejores álbumes de "Blues eléctrico", uno de los discos clave del Blues moderno. Es un álbum que incorpora el "Soul" en el Blues gracias a un artista y músico apasionado por su arte y vocación.

Comienza el álbum con "That's All I Need", tarjeta de introducción con melodía oscilante que tiene tanto en común con el "Soul" de Sam Cooke como con el Blues de "Muddy Waters", es una síntesis ideada por Magic Sam rodando sobre la cadencia magnífica de su guitarra y potenciada por una voz apasionada. Del mismo modo, las voces de Magic Sam son sensibles o contundentes durante todo el disco dependiendo de lo que la canción requiera.

Hay tambien diversidad en el sonido, una originalidad tan intrépida, que no solo hace suyo el tema de Robert Johnson, "Sweet Home Chicago", sino que crea el sonido Blues moderno de alto voltaje inyectado en el "Soul" que todos han emulado y nadie ha superado en los años posteriores. La música de este disco esta viva, vibrante y vital; nada suena tan torturado como "I Need You So Bad", ningún "Boogie" es tan contagioso como "Mama, Mama Talk to Your Daughter" y el Blues tan inquietante como en "All of Your Love".

El álbum sigue sonando de actualidad porque Magic Sam se había adelantado a su tiempo y creado el molde del Blues moderno con este álbum. A la conciencia popular se nos viene primero a la mente nombres como B.B. King, Eric Clapton, Albert King, Buddy Guy y Stevie Ray Vaughan, pero la guitarra de Magic Sam fue tan fluida y emotiva como los musicos mencionados. Este disco se mantiene con cualquier otro álbum de Blues grabado por cualquier gran nombre.

Como con muchos músicos que mueren jóvenes, terminamos preguntándonos "qué pudo haber sido". No hay necesidad con Magic Sam. Independientemente de lo que hubiera hecho si hubiera vivido, "West Side Soul" todavía habría asegurado su lugar como una leyenda del Blues.

Disco recomendado, un álbum necesario para cualquier colección de música Blues, o cualquier otra, sería. No hay mala canción en este trabajo y Magic Sam esta "on fire". Buscarlo si ya no lo tienes.

Video del tema "I Don't Want No Woman":



Tracklist:

1."That's All I Need" - (Magic Sam) – 3:40
2."I Need You So Bad" - (B.B. King, Sam Ling) – 4:51
3."I Feel So Good (I Wanna Boogie)" - (Magic Sam) – 4:36
4."All Of Your Love" - (Magic Sam) – 3:43
5."I Don't Want No Woman" - (Don Robey) – 3:38
6."Sweet Home Chicago" - (Robert Johnson) – 4:11
7."I Found a New Love" (Milton Campbell & Bob Lyons) – 4:03
8."Every Night and Every Day" - (Jimmy McCracklin) – 2:19
9."Lookin' Good" [instrumental] - (Magic Sam) – 3:11
10."My Love Will Never Die" – (Willie Dixon) 4:04
11."Mama Talk to Your Daughter" - (J.B. Lenoir) – 2:40
12."I Don't Want No Woman" [alternate take] - (Don Robey) – 3:30

GAS | Pop - Album

GAS (Wolfgang Voigt)

Es el proyecto musical del músico y compositor electrónico alemán Wolfgang Voigt, formado oficialmente en 1995. GAS fue creado como un medio expresivo inspirado por sus experiencias con el LSD en Königsforst, un bosque alemán situado cerca de su ciudad natal de Colonia, durante largos períodos en su juventud. Afirmó que la intención del proyecto es "llevar el bosque a la discoteca, o viceversa".

La música de Gas se considera principalmente como "Ambient-Techno" y/o "Minimal-Techno". Es el proyecto más abstracto de los muchos de Voigt, con álbumes que consisten en varias obras largas y sin título. Todo el material de Gas comparte un sonido característico, basado en un audio brumoso-dron, bucles (loops) y samples audibles de instrumentos de viento, cuerdas y silbidos, generalmente acompañados por un ritmo 4x4 repetitivo. Wolfgang Voigt ha declarado que su sonido es "Música GASeousa, atrapada por un bombo que fluye a través del bosque bajo el suelo". Esta descripción no debe sorprender ya que nace de las experiencias de tomar LSD (esto lo he puesto yo).

Broma aparte, su música entra perfectamente en el género de "Intelligent Dance Music" (IDM) y es una gozada escuchar. Su propuesta es electronica atmosférica, suave, placentera y con espacios de "baile" (beats).

La discografía del proyecto GAS hasta ahora:

• Gas (1996) 
• Zauberberg (1997) 
• Königsforst (1999) 
• Pop (2000) 
• Narkopop (2017) 
• Rausch (2018) 

Para mi su disco de 2000 titulado "Pop" es el mejor trabajo hasta el momento.

ÁLBUM: Pop

Cuarto álbum del proyecto GAS publicado el 28 de marzo de 2000. Se aprecia un giro en el sonido y direccion musical en comparación con los álbumes anteriores; el trabajo aqui suena considerablemente más nítido, con un bombo menos presente y menos de la calidad "subacuática" (sonidos de agua), se agrega sonidos terrenales y melodías más brillantes. El hecho de restringir más los ritmos (a 70-80 BPM) hace que este disco sea más un álbum puramente "Ambient". La aparición de "POP" fue universalmente elogiada por especialistas y fans como una grandísima obra de música "Ambient". La revista online "Pitchfork" lo a calificado en el # 11 como mejor álbum de "Ambient" de todos los tiempos. Ahí nada.

El disco es un "viaje" y un estímulo a los sentidos desde el principio. Hay muchas capas y tantos tonos diferentes en los sonidos que es difícil precisar cuándo se repite exactamente la melodía. Cada ciclo parece expresarse de manera más exuberante e hipnotizante cada vez más a medida que se desarrolla la música. No es fácil crear una repetición tan sencilla en la música sin cansar al oyente. Es además como una "pared de sonido" impenetrable y a la vez una nube que te lleva a través de un cielo azul claro. En el genero de la musica electronica, "Ambient",  consigue ser un disco singular y excepcional.

Pienso que la mejor forma para describir "POP" es animarte a buscarlo y que lo escuches tú mismo. Hay discos donde las palabras no llegan y cada oyente termina su "viaje musical" con sensaciones propias que no tienen que ver, o ser igual que para otros. Busca un sitio tranquilo con tiempo para dedicarlo a ti y poner unos buenos auriculares para sumergite en este álbum.

Un disco recomendado, una autentica joya.

Video del tema "Untitled" #4 del álbum "POP":



Y termino, si quieres puedes despues contrastar con el álbum anterior "Zauberberg" de (1997) para experimentar el "otro lado" más rítmica, y quizás animada de Wolfgang Voigt bajo "GAS". Este ultimo disco tambien es excepcional.

Tracklist del disco "Pop":
1. "Untitled" 5:13
2. "Untitled" 8:38
3. "Untitled" 7:27
4. "Untitled" 9:31
5. "Untitled" 10:52
6. "Untitled" 9:24
7. "Untitled" 14:37

JOHN LENNON | John Lennon / Plastic Ono Band - Album

ALBUM: "John Lennon / Plastic Ono Band" (1970)

El primer álbum en solitario de John Lennon publicado el 11 de diciembre de 1970. Los tres álbumes experimentales anteriores con su esposa Yoko Ono y Live Peace no cuentan, son eso, (muy) experimentales. Este es el primer disco serio y fue recibido con aclamación crítica, y muchos elogiaron la producción, las letras y la actuación de Lennon. Alcanzó el #8 en la lista de álbumes del Reino Unido y en el # 6 en el Billboard 200 de EE. UU.

Coproducido por John Lennon, Yoko Ono y Phil Spector, John Lennon canta directamente desde su corazón haciéndolo uno de los discos más íntimos que conozco. Inspirado por su terapia psicológica con el Dr. Arthur Janov, Lennon creó un conjunto desgarrador de canciones personales inquebrantables, exponiendo todos sus miedos y enojos para que todos los escuchen. Es un disco revolucionario,  nunca antes un disco había sido tan explícitamente introspectivo, y muy pocos discos no hicieron ninguna concesión a las expectativas de la audiencia, desafiando a los oyentes a cumplir con todas las demandas del artista.

Lo que no quiere decir que es un disco "bajonazo". Las canciones van desde el Rock más movido hasta baladas basadas en piano con melodías fuertes y memorables. Las letras reflejan los problemas personales de Lennon e incluyen temas de abandono y sufrimiento psicológico. Los títulos de las canciones son bastante gráficos y obvios: "Mother", "I Found Out", "Working Class Hero", "Isolation", "God", "My Mummy's Dead"...ilustran de qué trata cada canción y sobre su pérdida de fe en sus padres, país, amigos, abandono de The Beatles,  los fans e ídolos. Es un documento de desesperación y dolor, pero a pesar de todo su nihilismo, en última instancia afirma la vida; es único no solo en el catálogo de John Lennon, sino en toda la música popular. Pocos álbumes son tan desgarradores, difíciles y gratificantes como  “John Lennon / Plastic Ono Band”.

Un disco recomendado. John Lennon te abre su alma. Su mejor álbum en solitario con diferencia, un despertar emocional. La voz de John Lennon es poderosa, simple, gentil...todo el tiempo hay una emoción subyacente de principio a fin. No solo es un álbum obligatorio para los fans de “The Beatles” y de “Lennon” también es una obra para músicos y compositores que buscan una referencia. Es un álbum de lo más brutalmente honestos e íntimos jamás publicados por un músico, artista y ser humano. Solo se acerca el disco "Black Star" de David Bowie.

El próximo disco de Lennon sería "Imagine", otro monstruo de obra que nos indica la ola de creatividad que estaba el músico, y quizás la ayuda que le sirvió como terapia "John Lennon / Plastic Ono Band".

Video de la hermosa canción "Love":



Tracklist:

Cara A
"Mother" – 5:34
"Hold On" – 1:52
"I Found Out" – 3:37
"Working Class Hero" – 3:48
"Isolation" – 2:51
Cara B
"Remember" – 4:33
"Love" – 3:21
"Well Well Well" – 5:59
"Look at Me" – 2:53
"God" – 4:09
"My Mummy's Dead" – 0:49

ELECTRIBE 101 | Electribal Memories - Album

Electribe 101 (Banda)

Conjunto británico de música electrónica y de "House Music" de finales de la década de 1980 y principios de la década de 1990. La banda estaba compuesta por cuatro compositores y productores electrónicos de Birmingham (Brian Nordhoff, Joe Stevens, Les Fleming y Roberto Cimarosti) y una vocalista de Hamburgo, Alemania, Billie Ray Martin. Curioso el nombre del grupo, viene de un refrigerador soviético y el sintetizador Roland SH-101.

Publicaron solo un disco bajo el nombre "Electribe 101" en 1990 titulado "Electribal Memories", un trabajo que recibió cierta aclamación de la crítica. Las canciones se compararon en gran medida con la música del maestro de House Music americano "Larry Heard", también conocido como "Fingers Inc." y más tarde como Mr. Fingers. Tanto Larry Heard como otro pionero del "House Music", Frankie Knuckles, contribuyeron con "Remixes".

Un conflicto con su sello discográfico "Mercury Records" hizo que se separaran en 1992 después de que "Mercury" se negara a lanzar un segundo álbum. En 1994 parte del conjunto de reorganizó sin Billie Ray Martin y publicaron un álbum bajo el nombre "The Groove Corporation", después poco más se sabe de ellos.

Discografía:

• Electribal Memories (1990)
• Co-operation - como "The Groove Corporation" (1994)

ALBUM: Electribal Memories 

El único álbum de "Electribe 101" publicado el 30 de junio de 1990. Alcanzó el #26 en la lista de álbumes del Reino Unido. El disco incluye los singles "Tell Me When the Fever Ended", "Talking with Myself", "You're Walking" y una versión del la canción de Odyssey "Inside Out". Se publicaron varios "Remixes" de dichos temas por Larry Heard, David Morales y Frankie Knuckles que fueron éxitos de las pistas del baile.

Es un disco de sonidos dance muy de su epoca; suave, placentero y sofisticado. La voz de Billie Ray Martin es el elemento distintivo donde recuerda a Marlene Dietrich, y su tono de fumadora incesante. Una oferta de "Tribal House" y "Deep House" que fue acogido popularmente por el circuito alternativo de Clubs underground, y especialmente en Ibiza, por la gente más "Cool". Los cuatro primeros temas fueron rompe pistas que despues tuvieron tratamiento de "Remixes" por los grandes Djs de los años 90 como Frankie Knuckles y David Morales.

Un disco recomendado, y algo nostalgico para veteranos como yo. Un álbum que gustara a las personas que siguen la musica electrónica hermosa y en la línea con el "Chill-out". Un trabajo quizás que suena hoy algo "anticuado", pero que capta como una fotografía la escena dance-house más "selecto" y posiblemente "exclusivo" de los años 90 del Siglo XX. Es un disco perfecto para acompañarte para ver un atardecer en verano.

El video del tema "Talking To Myself" (Frankie Knuckles Mix):

Tracklist:

1."Talking with Myself"
2."Lipstick on My Lover"
3."You're Walking" (Peeping Tom Mix)
4."Inside Out"
5."Diamond Dove"
6."Heading for the Night"
7."Tell Me When the Fever Ended"
8."Talking 2"
9."Electribal Memories"
10."You're Walking" (Corporate Def Mix por David Morales)
11."Talking with Myself" (Frankie Knuckles Mix)
12."Tell Me When the Fever Ended" (Larry Heard Mix)

SLY & ROBBIE | Rhythm Killers - Album

Sly and Robbie

Sly Dunbar y Robbie Shakespeare son musicos y un dúo de producción y sección de ritmo jamaicano asociado principalmente con los géneros de Reggae y Dub. Ambos son muy respetados como musicos profesionales y artistas en su área, el baterista Sly Dunbar y el bajista Robbie Shakespeare se unieron a mediados de la década de 1970 después de establecerse por separado en Jamaica, concretamente en 1975.

Una asociación que, una vez formada, cambio la música jamaicana y añadió riqueza musical a todo el mundo. Sus ritmos han sido la fuerza impulsora detrás de innumerables canciones: un estadístico calculó que juntos han tocado en aproximadamente 200,000 canciones, y esto no cuenta los remixes y versiones. Como equipo de producción, son el equivalente de tsunami creativo, la vanguardia del "Dub" moderno, el "Ragga" y el "Dancehall". Son figuras que suelen trabajar en el fondo y fuera de los focos como musicos de sesión y/ o productores, y han trabajado con Madonna, Bob Dylan, Mick Jagger, The Rolling Stones, Grace Jones, Joan Armatrading, Gilberto Gil, Joe Cocker, Matisyahu, Serge Gainsbourg, Simply Red, Michael Franti, Sting, Khaled, Mey Vidal, Tricky, Doug E. Fresh, Carlos Santana, Sinéad O'Connor, Howie B...y muchísimos otros.

Ambos son fans del sonido "Motown" y de "Stax Records". Sly Dunbar explica sus influencias: “Mi mentor fue el baterista de "The Skatalites", Lloyd Knibb. Y solía escuchar mucho al baterista de "Booker T. & M.G.'s", Al Jackson Jr. Y ...hay otros bateristas en Jamaica, como Santa y Carly de The Wailers Band, Winston Bennett, Paul Douglas y Mickey Boo. Los dos añaden mucho más que musica y ritmos caribeños, proponen una riqueza de conocimiento musical y musicalidad que son los primeros elegidos por los grandes artistas para tocar y grabar en sus discos o producirlos. Muchos especialistas y medios musicales los consideran los artistas más influyentes que jamás haya salido de Jamaica. Yo solo quiero añadir que no olvidemos de Bob Marley y Lee Scratch Perry...dos ejemplos.

Entre todo el trabajo, encuentran tiempo para grabar y publicar sus propios discos. Aqui esta su discografia (hasta el momento):

• Language Barrier (1985)
• Rhythm Killers (1987)
• Friends (1998)
• Rhythm Doubles (2006)
• Dub Rising (2014)

De estos álbumes el que me introdujo a ellos y me impactó más fue "Rhythm Killers" de 1987. Está lleno de temazos bailables y era un disco que pinchaba mucho en los Clubs en mis días de Dj.

ALBUM: Rhythm Killers

Segundo álbum de "Sly & Robbie" publicado en mayo de 1987 por Island Records.

En el momento de la grabación del álbum, Sly & Robbie habían abandonado su prolífico trabajo en el género del "Reggae". Pasaron la década de 1980 experimentando con sonidos electrónicos y tecnología de grabación contemporánea en un esfuerzo de incorporar diferentes sonidos y estilos musicales como lo refleja este disco. Reclutaron al productor Bill Laswell y a un conjunto de grandes músicos como Billy Beck, Karl Berger, Bootsy Collins, Bernie Worrell, Gary "Mudbone" Cooper, Aiyb Dieng, Bernard Fowler...y una lista igual de larga de grandes programadores y productores.

El álbum es predominantemente "Funk" y orientado hacia las "pistas de baile" organizado en dos conjuntos de canciones sin espacios. Otros estilos presentados en el disco incluye Hip-Hop, Rock y Worldbeat. La producción densamente estratificada de Laswell incorporó ritmos electrónicos, ritmos duros, sintetizadores de cuerda, ritmos cruzados producidos por "scratching" y percusión de influencia africana.

"Rhythm Killers" tuvo más éxito en el circuito underground del dance que en el del POP, estuvo en las listas de álbumes de cuatro países, incluido el Reino Unido, donde alcanzó el #35. El álbum recibió críticas positivas y animados por su relativo éxito, Sly & Robbie continuaron su dirección más "digital" en álbumes posteriores. Desde entonces, "Rhythm Killers" se ha agotado (descatalogado) y ahora es un disco muy cotizado de coleccionista.

Dicho esto, no todo el mundo estuvo contento con este disco. Algunos medios especializados y fans expresaron su desilusión y denunciaron que había poco "Reggae". Vieron "Rhythm Killers" como un antojo, un experimento e intento de hacer un "crossover" que les dejó fuera de juego. La verdad es, y hablo por mi, es un gran disco de Funk que funcionó/funciona de maravilla en los Clubs. Hoy se pueden escuchar cortes como "Fire" , "Boops" y "Rhythm Killers" llenando las pistas en los mejores Clubs del mundo. Si,  acepto que tambien contiene muchos "trucos" de estudio y "manipulación" tecnológica, pero que álbum dirigido al dance no lo tiene.

Un disco recomendado. Un álbum divertido y musicalmente bien ejecutado. Continue un "Funk" sofisticado y esta elaborado por los mejores músicos del mundo. Para mi tiene un sitio nostalgico y muy especial habido sido acompañante de muchas noches como Dj y haciendo bailar a cientos y miles de personas. Buscarlo y darlo una escucha, pienso que te puede gustar.

Video del tema "Fire":



Tracklist:
CARA A
1. "Fire" 5:24
2. "Boops (Here to Go)" 5:15
3. "Let's Rock" 7:24
CARA B
1. "Yes, We Can Can" 6:16
2. "Rhythm Killer" 7:17
3. "Bank Job" 3:55