THE SAINTS - Eternally Yours - Album

Y si digo que unas de las primeras bandas del punk fueron la banda australiana THE SAINTS...Conforme con "Bob Geldof"  la música de rock de los años 70 del Siglo XX fue cambiado por tres bandas: The Ramones, The Sex Pistols y The Saints.

THE SAINTS (Grupo de Rock)

Banda australiana de la ciudad de Brisbane formado en 1973 por los amigos de infancia Chris Bailey (compositor-voz-guitarra), Ivor Hay (batería) y Ed Kuepper (compositor-guitarra). The Saints, juntos con contemporáneos The Ramones en los Estados Unidos, fueron pioneros en adoptar tempos rápidos, vocales estridentes y guitarras con el sonido "zumbido" que caracterizaron los primeros años del Punk. Su influencia dentro del género PUNK es reconocida y admirada para todo el mundo, siendo en Australia leyendas.

Las influencias sobre "The Saints" vienen del rock de los 50 de artistas como Elvis Presley y Little Richard y de bandas de los 60 como MC5 y The Stooges. Ensayaban en un garaje detrás de la casa de Ivor Hay al lado de la comisaría de la Policía local. En sus primeros directos hacia versiones de Tina Turner, Connie Francis, Del Shannon... acelerando las canciones e introduciendo una energía casi nunca visto. The Saints irían evolucionando rápidamente con nuevos incorporaciones a la banda para finalmente encontrar su sonido y su marca.

Los principios fueron "duros" afinando sus artes con bolos de "Clubes" (Pubs) con audiencias muy cercanas a ellos que muchas veces terminaban en pequeños disturbios necesitando la intervención de la Policía. Con una reputación "ganado" de ser algo "conflictivos" y sin que las salas les contrataran convirtieron una casa de los suburbios de Brisbane en una sala improvisada para poder tocar en directo.

Durantes sus primeros años no tenían "padrino" ni ningún interés discográfico. Grabado el single "(I'm) Stranded" lanzaron su propio sello "Fatal Records" haciendo ellos mismos la distribución y el marketing a las radios etc... una actitud muy punk. En Australia no levantaban interés excepto en el UK donde un crítico (Influencer) musical John Ingham de "Sounds Magazine" les dio bola y un reseña excelente. La oficina de EMI en Londres mandó órdenes a su oficina en Sydney (Australia) para ficharlos con un contrato para tres álbumes...vaya historia ¿no? Grabaron el primer álbum "(I'm) Stranded" en 1977 y fueron teloneros de AC/DC.

Nunca fueron aceptados totalmente en Australia ya que el punk fue visto ahí como algo maligno, elemento para corromper la juventud y de salvajes. The Saints se fueron a Londres (UK) a vivir donde sí tenían reconocimiento aunque ellos esquivan siempre ser "encasquetados" con el movimiento punk local: The Sex Pistols, The Clash; Buzzcocks etc.

The Saints siempre fueron inconformistas, muy suyos y protectores de su creatividad cosa que siempre les ponía en conflicto con su casa discográfica EMI. El segundo álbum ""Eternally Yours" toma un cambio de sonido hacia el Rock n Roll R&B y el tercer álbum "Prehistoric Sounds" introduce elementos de Jazz-Blues. Al final la falta de súper ventas y no seguir la línea "Punk comercial" acabaría su contrato con EMI. Volverían a Australia para seguir su evolución y experimentación con miembros apartándose y siguiendo otros proyectos para posteriormente formar de nuevo etc. y etc.

Inconformistas, rebeldes y testarudos triunfaron fueran de Australia, convirtiéndose en banda de culto en UK y los EE.UU. Su impacto directo sobre el movimiento punk en esos países fue tremendo y su prestigio sigue hoy incuestionable. No tuvieron la fama de otras bandas de punk más conocidas porque su discográfica no sabía cómo promocionales, ellos tampoco querían seguir la línea "comercial" ni hacer giras de promoción para venderse como "punk", fueron fieles a sus principios cosa que pocas bandas han hecho o hacen en el negocio de la música.  

Voy a elegir para recomendarte el segundo álbum “Eternally Your” por su evolución en sonido, adaptación del R&B y uso de instrumentos metales. La banda en este trabajo es más sólida y hay que admirar sus “huevos” para hacer lo que les sale de los coj*nes.

No obstante, el debut album “(I'm) Stranded” es una obra maestra del punk, en este "The Saints" suenan como son orgánicos y explosivos y hay que recordarlo. Es un grandísimo disco para descubrir además del que he elegido y te propongo aquí.

Esta es la discográfica de álbumes de estudio (para mi los primeros tres son los fuertes):

• (I'm) Stranded (1977)
• Eternally Yours (1978)
• Prehistoric Sounds (1978)
• The Monkey Puzzle (1981)
• I Thought This Was Love, But This Ain't Casablanca (1982)
• Aka,  Out in the Jungle... Where Things Ain't So Pleasant
• A Little Madness to Be Free (1984)
• All Fools Day (1986)
• Prodigal Son (1988)
• Howling (1997)
• Everybody Knows the Monkey (1998)
• Spit the Blues out (2002)
• Nothing Is Straight in My House (2005)
• Imperious Delirium (2006)
• King of the Sun (2012)

Chris Bailey, murió el 11 de Abril de 2022, a la edad de 65. 

Album: Eternally Yours

Es el segundo álbum de la banda australiana THE SAINTS publicado en 1978. Los productores son ellos, Bailey y Kuepper donde deciden cambiar de dirección introduciendo un sonido más conducido por el R&B y introduciendo instrumentos metálicos. Una apuesta valiente después de su tremendo debut album "(I'm) Stranded" que fue todo una introducción y referente del movimiento punk.

Para "The Saints" el segundo álbum sería un verdadero álbum de estudio, ya que el debut era una colección de "demos" acumulados desde sus inicios. Reconocen después de los hechos (en particular Bailey) que introducir instrumentos metálicos fue algo que confundió los fans y los "puristas". No obstante, para mi, tomar tal decisión fue valiente y totalmente dentro del espíritu del punk..."me gusta, lo hago y si no te gusta, que te foll*n". Dicho esto hay temas como "Lost & Found" y "Misunderstood" que poco pueden desprestigiar al grupo, son auténticos temazos.

Mi opinión es que ya asentados en UK y con muchos directos dentro del cuerpo, la banda es más sólida y se nota en este álbum. Habían evolucionado desde los días de tocar en un garaje y delante de un público con alto riesgo de "violencia" constante de los "Pubs". Con canciones como "Know Your Product" y "Orstralia" demostraron que el PUNK era flexible y podía ser modificado para aceptar nuevos elementos, en su caso, instrumentos metálicos añadiendo aires de "Soul". Los temas "A Minor Aversion," "Untitled" y "Memories Are Made of This" enseñaron que se puede desacelerar y quitar el pie del "gas" y seguir transmitiendo energía y explosividad.

Si el álbum "Eternally Yours" lo hubiese grabado y publicado The Ramones, The Clash o otras bandas contemporáneos de más nombre, estaríamos todos unánime que sería unas de las mejores álbums de la historia del PUNK y del PUNK-ROCK. El hecho es que fueron los australianos THE SAINTS que aparte de parir un pedazo de disco reconocido como pieza clave de la historia del movimiento punk, es un trabajo valientemente arriesgado, rebelde, visionario y perfectamente dentro del espíritu filosófico del PUNK. Este ultimo es para pensarlo ya que muchos grandes del PUNK “sacrificaron” el espíritu para llegar al éxito.

Un disco (y banda) muy Recomendado si no les conoces. Pongo abajo el video del tema "Lost & Found" del álbum "Eternally Yours". Además te animo en buscar y escuchar el álbum debut "(I'm) Stranded" después de degustar "Eternally Yours". La decisión entre uno y el otro fue y es difícil.

Video del tema "Lost & Found":

Tracklist (formato Lp)

Cara A:

1."Know Your Product" - 3:15
2."Lost and Found" - 3:50
3."Memories Are Made of This" - 2:20 (Ed Kuepper)
4."Private Affair" - 2:05
5."A Minor Aversion" - 3:07
6."No, Your Product" - 4:07

Cara B:

1."This Perfect Day" - 2:30
2."Run Down" - 2:32
3."Orstralia" - 2:24 (Ed Kuepper)
4."New Centre of the Universe" - 2:21
5."Untitled" - 2:47
6."(I'm) Misunderstood" - 2:46
7."International Robots" - 1:58

The Saints (Banda australiana):

• Chris Bailey - voz
• Ed Kuepper - guitarra
• Algy Ward - bajo
• Ivor Hay – batería

Músicos adicionales:

• Graham Preskett - arreglos de metales
• Iain Ward - armónica
• El Coro Internacional de Robots - coros

Técnico:

• Bill Price – ingeniería de sonido
• Mark Dearnley - ingeniería de sonido
• Peter Vernon - fotografía de portada

THE PENETRATORS | Basement Anthology 1976 - 1984

THE PENETRATORS (Curtis Seals, Eliot Kagan, Henry Brent, Jack Lipton y Paul Bawol) fueron una banda de la ciudad de Syracuse (EE.UU) que funcionaron los años 1976 - 1984 tocando música de "Garage Punk-Rock". No hay una narrativa espectacular para darte ya que no salieron más allá de su zona y tampoco explotaron con éxito. Fueron una banda de tíos con actitud, con espíritu del Rock n Roll que se lo pasaron de pu*a madre tocando en salas y en directo.

Hubiesen seguidos desapercibidos si no fuera por su sello discográfico "Swami Records" que han decidido poner los masters y cintas (singles y versiones en directos) de las estanterías en un lanzamiento recopilatorio titulado THE PENETRATORS "Basement Anthology 1976 - 1984". Un álbum de 19 canciones exponiendo su trayectoria y un repertorio de su mejor "GARAGE PUNK" evocando recuerdos de "The Stooges", banda que fueron una influencia sobre ellos.

Album: Basement Anthology 1976 - 1984 (Recopilatorio)

El álbum contiene unos temas que molan mucho como "Baby Dontcha Tell Me", "Rock-N-Roll Face" "Teenage Lifestyle", "Shopping Bag" y quizás su himno "#1 Band in Town" para dar al  lanzamiento energia y mucha actitud. El álbum en su totalidad tiene buenos picos y algunos bajones, ya que la oferta musical de THE PENETRATORS es algo "lineal". No obstante, es de interés y merece ser escuchado para experimentar el "garage-underground" orgánico, sin brillos y en estado puro.

The Penetrators fueron una banda de circuito, salas de su "rollo" para directos buscando pasarlo bien  y ser los p*tos amos de la ciudad. Quien sabe quizás les bastaba solo ser "rockstars" locales para simplemente ligar. Iban de arrogantes y de "chuletas" con mucha mala leche tocando música Rock sucia y desenfrenado. Era los "Motherf*ckers" locales y su música lo anunciaba a todos.

Si te gusta el Rock, Punk-Rock o el "Garage" del estilo clásico, pienso que este lanzamiento te puede interesar. Es más estoy seguro que te va molar. Mirar la portada, que pintas, y el nombre de la banda, THE PENETRATORS (Los Penetradores!!)... El Rock N Roll personificado en carne y en hueso.

Pongo el video de la canción "Baby Don't Cha Tell Me" de álbum "Basement Anthology 1976 - 1984"...escucharas similitudes con la banda "The Romantics".

GALAXIE 500 - On Fire - Album

GALAXIE 500 (Banda)

Es la banda americana de "Alternative Rock" formado en 1987 por Dean Wareham, Damon Krukowski y Naomi Yang que duraron hasta 1991 publicado tres álbumes, y que álbumes son:

• Today (1988)
• On Fire (1989)
• This Is Our Music (1990)

Ha sido difícil, extremadamente, poder elegir para este post su mejor trabajo. Cada uno es su propio rollo y son excepcionales. Finalmente me decanto por "On Fire", pero podrían ver sido el maravilloso y emotivo debut de "Today" o "This Is Our Music" un espléndido trabajo y su adiós. En fin, cualquiera de los tres álbumes son aptos para introducirte a la banda, de hecho cualquiera de ellos harán que vayas en búsqueda de los otros dos.

Los tres componentes se conocían de jóvenes pero no empezaron a tocar juntos hasta que fueron a la Universidad de Harvard. Esto en si solo es interesante, los tres fueron aceptaron para estudiar en la Universidad más prestigiosa de mundo, talento y cabeza tenían. El nombre de la banda no tiene mucho misterio, esta inspirado en el automóvil "Ford Galaxie 500".

Grabaron y publicaron su debut álbum "Today" en 1988 con un sello local e independiente "Aurora" donde se encuentra su temazo "Tugboat" que les puso literalmente en el radar de la crítica y el público. Durante la gira de 1988 y 89 por UK ficharon por el sello inglés "Rough Trade" y grabaron su segundo álbum "On Fire". Este disco es considerado por muchos el "momento cumbre" de Galaxie 500 casi perfeccionando el estilo "Lo-Fi Psicodélica" rociando la obra con "Shoegaze" (muy popular en UK), "Dream-pop" y aires del "Post-Rock". El álbum "On Fire" tuve éxito en UK (Nº7 en la lista indie) y fue aclamado por la prensa especializada británica. Algo que no ocurrió en los EE.UU donde no gustaba los vocales "nasales", lentos y perezoso de Dean Wareham...ya sabes el dicho "nadie es profeta en su tierra". Consolidados dentro del "circuito" del "alternative rock" giraron los EE.UU y publicaron su tercer y ultimo álbum "This Is Our Music" en 1990. Otra pieza de excepcional calidad y belleza para decir adiós.

La influencias sobre Galaxie 500 han sido Velvet Underground, Jonathan Richmond (hay una version de Richmond "Don´t Let Our Youth Go To Waste" en "el álbum "Today") y Spacemen 3. En turno GALAXIE 500 han influido sobre bandas como Nirvana, Mercury Rev, Low, Liz Phair, Neutral Milk Hotel, Yo La Tengo...y otros artistas y bandas.

Dean Wareham formó la banda LUNA y los otros dos componentes colaboraron en diferentes proyectos (Magic Hour por ejemplo).

Album: On Fire

Es el segundo álbum de estudio publicado el 1 de Sep del 1989. Trabajo de 10 canciones, incluyendo uno de George Harrison titulado "Isn´t It A Pity". Considerado por muchos su mejor trabajo exponiendo todo lo maravilloso del "Slowcore" y "Dream Pop" en un solo disco que tuvo aclamación en UK y Europa. Para mi también elijo "On Fire" como el "momento cumbre" de Galaxie 500, aunque es la progresión natural del genial y igualmente magnífico debut álbum "Today".

La producción por parte de Mark Kramer es genial con el uso continuado del "reverb", de cambios repentinos, "solos" de guitarra líquidas y dramáticos que complementan el espíritu íntimo y melancólico del álbum.  No obstante, dentro de la aparente tristeza del álbum hay alegría y júbilo, las canciones experimentan un creciendo de energía casi "orgásmica" de inspiración. El álbum "On Fire" tiene más variedad de los otros dos álbumes, quizás por eso le da la ventaja.

Algunas canciones para mencionar que son joyas son "Blue Thunder", "Snowstorm","When Will You Come Home" y "Strange"...mis elecciones...aunque mejor escuchar tu el disco en su conjunto, y si se puede, metafóricamente íntimamente abrazado al disco. Es simplemente un álbum hipnótico, una obra de Rock envuelto en atmósferas de ambient, melódica y brillante.

En resumen, si eres joven y no conoces Galaxie 500 recomiendo que busques este álbum para escucharlo. Si ya los conoces es una excusa perfecta para retomar y redescubrir esos tiempos pasados y gozar de la música. Como he comenzado expresando en este post elegir entre sus tres álbumes ha sido una tarea difícil, te animo que sigas el camino, después de degustar "On Fire" escuchar los discos "Today" y "This Is Our Music" para obtener y sentir el impacto global de lo que fueron GALAXIE 500.

Video del tema "Snowstorm":

Tracklist (formato original):

1. "Blue Thunder" 3:45

2. "Tell Me" 3:50

3. "Snowstorm" 5:10

4. "Strange" 3:16

5. "When Will You Come Home" 5:21

6. "Decomposing Trees" 4:05

7. "Another Day" 3:41

8. "Leave the Planet" 2:40

9. "Plastic Bird" 3:15

10. "Isn't It a Pity" (George Harrison) 5:10

Créditos del álbum "On Fire":

Galaxia 500:

• Dean Wareham - guitarra, voz
• Damon Krukowski - batería
• Naomi Yang - bajo, voz en "Another Day"

Personal adicional:

• Mark Kramer – producción, ingeniería, "órgano barato" en "Isn't It a Pity"
• Ralph Carney - saxofón tenor en "Decomposing Trees"

LOMA | Banda y Gira Europea 2019

Voy a dar espacio para este trio americano de Tejas que se llaman LOMA. Son la combinación de dos bandas: SHEARWATER (Jonathan Meiburg) y CROSS RECORD (Emily Cross y Dan Duszynski). Ambas bandas estaban de gira juntos y decidieron juntarse en solo uno en 2016: LOMA.

El resultado es una música "Slowcore", rítmico e íntimo. La voz suave de Emily arropa el sonido espacioso del grupo creando paisajes imaginarios. Su álbum debut se publicó el año pasado (2018) y se titula como ellos "Loma" y esta distribuido por el sello "Sub-Pop". Sus 10 temas me ha llamado la atención gratamente y es una gran introducción al trío para ficharlos dentro de "mis bandas a seguir". El debut album no es perfecto, pero contiene suficiente momentos inspiradores para hacerme pensar que son un descubrimiento del 2019.

El álbum LOMA va estar estos día en alta rotación conmigo para digerirlo bien. Estoy disfrutando de sus sonidos melódicas y espaciales, complementado por la cálida voz de Emily. Buena banda y recomiendo que les busques por los canales habituales para darles una escucha. Pienso que te puede gustar.

Te pongo abajo el video del tema "Half Silences" que no esta en el álbum LOMA pero te da una idea de que van estos chicos. Este single es nuevo y va ayudar promocionar su gira por Europa y UK en unos meses. Pongo abajo las fechas y ciudades europeas donde van estar. España no esta dentro del circuito de bolos, conciertos que son acorde con lo que ponen en su página Web en salas pequeñas para crear una atmósfera cercana e íntima. Quizas les vea o les escuche un promotor local para darles una fecha en España, pienso que puede ser un éxito.

En fin, tomar nota de esta banda. Molan mucho.



Fechas de Gira Europea de LOMA (en inglés):

FRI 25 MAY - De Kreun - Kortrijk, Belgium
SAT 26 MAY - London Calling Festival 2018 - Amsterdam, Netherlands
SUN 27 MAY - Botanique - Brussels, Belgium
TUE 29 MAY - L'Olympic Café - Paris, France
WED 30 MAY - The Hope & Ruin - Brighton, UK
THU 31 MAY - The Lexington - London, UK
FRI 1 JUNE - Rough Trade Records - Bristol, UK
SAT 2 JUNE - The Tin at The Coal Vaults - Coventry, UK
SUN 3 JUNE - Gullivers - Manchester, UK
MON 4 JUNE - Headrow House & Belgrave Music Hall - Leeds, UK
TUE 5 JUNE - The Hug and Pint - Glasgow, UK
THU 7 JUNE - Upstairs at Whelan’s - Dublin, Ireland
FRI 8 JUNE - Buyers Club - Liverpool, UK
SAT 9 JUNE - The Cellar - Oxford, UK
TUE 12 JUNE - Rotown - Rotterdam, Netherlands
WED 13 JUNE - Hafenklang - Hamburg, Germany
THU 14 JUNE - Mejeriet - Lund, Sweden
FRI 15 JUNE - Pustervik - Gothenburg, Sweden
SAT 16 JUNE - Hotel Cecil - Copenhagen, Denmark
SUN 17 JUNE - Radar - Aarhus, Denmark
MON 18 JUNE - Musik & Frieden - Berlin, Germany
TUE 19 JUNE - Beatpol - Dresden, Germany
WED 20 JUNE - Underdog’s - Prague, Czech Republic
THU 21 JUNE - Vienna Arena (Arena Wien) - Vienna, Austria

YOB | Our Raw Heart - Album

YOB (Banda)

Grupo americano de Oregon, formado en este momento por Mike Scheidt (lider, voz y guitarra), Aaron Riesberg (bajista) y Travis Foster (batería). Su música esta categorizada como "Stoner-Metal" o "Doom-Metal", aunque yo no estoy tan seguro que sea tan categórico ni tan claro.

Su último álbum "Our Raw Heart" me ha llamado la atención y lo que he escuchado es más que un trabajo pesimista afín al estilo, de hecho es más jovial y positivo de lo que puede indicar los "eslogan" de marca. Es el trabajo que deseo resaltar aquí ya que antes de "Our Raw Heart" no conocía a YOB.

No obstante, los componentes y YOB tienen historia, una sólida discográfica que pongo a continuación:

• Elaborations of Carbon (2002)
• Catharsis (2003)
• The Illusion of Motion (2004)
• The Unreal Never Lived (2005)
• The Great Cessation (2009)
• Atma (2011)
• Clearing the Path to Ascend (2014)
• Our Raw Heart (2018)

Los componentes de YOB citan las siguientes bandas como influencias en su música: Neurosis, Tool, Soundgarden, Deep Purple, The Obsessed, Judas Priest, Pentagram, Trouble, Led Zeppelin, Black Sabbath, King Crimson, Pink Floyd...dando una idea general de sus raíces y oferta musical. Aunque escuchando algunos trabajos de sus principios resultan fuerte, oscuro y metálico con mucho instrumentalización, casi rozando el post-rock.

Oficialmente YOB nació en 1996 bajo Mike Scheidt, músico que anteriormente había formado parte de otras bandas como ChemKill, Dirty Sanchez y HC Minds. Existen dos fases en la trayectoria de YOB, el primero de 1996-2006 y posterior cuando los miembros van en busca de otros proyectos, y segundo de 2008 - actual cuando se reúnen Scheidt y Foster para recomponer YOB de nuevo.

En 2017 Mike Scheidt sufrió una enfermedad grave que tendría un efecto directo sobre el último y más reciente álbum de YOB, titulado "Our Raw Heart". Es con este trabajo que dedico tiempo y expongo a continuación.

Album: Our Raw Heart

Es el octavo álbum de estudio de YOB y el que me ha servido para descubrir esta banda que previamente a este trabajo no les conocía. El álbum esta inspirado por la grave enfermedad del lider Mike Scheidt durante 2017 donde escribió las canciones mientras hospitalizado y en cama. Con este "background" se puede entender donde y porque aparece "luz" rodeado por tanta aparente "oscuridad". Solo puedo suponer que el autor de los temas lo estaba pasando bastante mal y planteándose preguntas existenciales que derivan a respuestas inciertas, mixtas y de optimismo tras sobrevivir su situación. Mezcla que esta reflejando en las canciones, arreglos y melodías.

Los temas son largos, 5 minutos uno mientras hay hasta 16 minutos el que más, unos 7 canciones en total. Lo fácil es describirlo como "Metal", pero es más flojo en intensidad, cerca a "DOOM" pero poderosamente edificante. Hay un espíritu positivo y optimista que unen el álbum, quizás por el buen resultado final de la enfermedad de Scheidt. Hay "algo" latente en esta obra que "trasciende" el género sea por el sonido o casi estoy seguro, sus letras tan emotivas. Y es que no encuentro nada "oscuro" ni "maligno, todo lo contrario es uno de los álbumes más positivos y espirituales que recuerdo reciente de "Metal" (para poner un término). 

Temas como “Beauty in Falling Leaves” de 16 minutos es uno de los destacados, “Ablaze,” recuerda a Black Sabbath y “Beauty in Falling Leaves" es una canción de un hombre que tiene más fuerzas que nunca para darlo todo. Mi tema favorito es “Original Face” que reúne todo el álbum en 7 magníficos minutos. En resumen, un descubrimiento.

Es para mi un DISCO RECOMENDADO

Pongo el video del tema "Original Face" de YOB

SLEAFORD MODS | Divide and Exit - Album

SLEAFORD MODS son el vocalista JASON WILLIAMSON y Dj-productor ANDREW FEARN ambos británicos de la zona de Nottingham, Inglaterra. Activos desde 2007 han publicado ya 11 estudio álbumes, algo llamativo el nivel de productividad e indicativo del esfuerzo y trabajo invertido para ganarse un nombre, y más importante, la credibilidad dentro de la escena "música urbana" y de la industria de la música.

Abajo su discografía hasta ahora:

• Sleaford Mods (2007)
• The Mekon (2007)
• The Originator (2009)
• S.P.E.C.T.R.E. (2011)
• Wank (2012)
• Austerity Dogs (2013)
• Divide and Exit (2014)
• Key Markets (2015)
• Live At SO36 (2016)
• English Tapas (2017)
• Eton Alive (2019)
• Spare Ribs (2021)
  
• UK Grim (2023)

No se puede entender a los SLEAFORD MODS sin hablar algo sobre Williamson y Fearn individualmente y el papel que ha jugado sobre ellos su contexto social, económico, político y personal. Ambos nacieron y se criaron en los "Midlands" de Inglaterra, zona históricamente industrial y golpeada duramente por las cíclicas crisis económicas acompañado de niveles altos de desempleo. Una zona enraizada en las tradiciones y luchas de la clase obrera de gente tradicional, llana, luchadora y con gran sentido de humor. En este parte del mundo nunca ha tenido tanto sentido el término "buscarse uno la vida" ya que hay que crearse uno las oportunidades o te quedas en la cuneta. No obstante, los que se quedan marginados suelen entrar en un espiral de dependencia social "en subsidios estatales" donde el alcohol, adicciones, violencia y el desprecio generalizado desafortunadamente enseña su cabeza. Nada que no puede, y ocurre, en otras partes del mundo.

Este cultivo social entre extremos, anima a la creatividad (para bueno o para malo) con especial empuje dentro de las artes, la música siendo un canal y altavoz muy potente, aparte de vía de escape de una vida “gris” y muchas veces de mísera. Hay una larga lista de artistas,  músicos y bandas que han conseguido salir de su entorno natal – en este caso de “la Inglaterra profunda” - y escapar hacia la independencia, la movilidad social,  la riqueza y el éxito.  

Jason Williamson (vocalista, actor y escritor):

Nació en 1970 en Grantham, Reino Unido deja de joven su ciudad natal para perseguir su ambición de ser actor hacia Londres. Con poco exito tambien intento moverse - "buscándose la vida" - en su otra gran afición, la música. Inspirado en el Hip-Hop (Wu-tang Clan uno de sus favoritos) y de la cultura "MOD" entraba y salía de varias bandas como vocalista sin aparente éxito. No obstante, su perseverancia hace que consiga algún que otro avance en la música haciendo apariciones en varios álbumes como vocalista invitado para artistas como The Prodigy, Leftfield, Bent , Spiritualized, Baxter Dury...etc. En 2009 Williamson vuelve a Nottingham y conoce a ANDREW FERN cuando este estaba de DJ en un Club local. Un amigo de ambos le hace a Williamson "rappear" sobre u tema de "Roni Size" que estaba poniendo Fearn y el resto es historia, el nacimiento lo que sería después SLEAFORD MODS.

Andrew Fearn (Dj y productor):

Nació en 1971 en Burton, Reino Unido y se crió en una granja de Saxilby, Lincolnshire. No tengo mucha más información excepto que evolucionó a ser un DJ y productor. En una entrevista comenta que conocer a Williamson fue casi divino como si fuera el destino.

SLEAFORD MODS

Formados en 2009 son conocidos por su estilo minimalista y abrasivo, contando las historias de la clase obrera en época de austeridad, desempleo, de una generación de jóvenes perdidos y marginada en el Reino Unido. Uno de los elementos más llamativos, distinto y diferenciador de este dúo es la música producido por Andrew Fearn. Ritmos simples, funcionales, "sucios" en calidad, de teclados y caja de "beats" baratos y con el uso ocasional de un "riff" de guitarra acompañado por las narrativas cotidianas (Rap) de Williamson con acento cerrado de los "Midlands".  

Pero ojo, esto no es un show de la comedia. Detrás de todo hay una seriedad y compromiso de contarlo como es, de decir las cosas como son y sin pelos en la lengua. La música es sin brillo ni con sofisticación, es orgánico y muy efectivo para acompañar la prosa y narrativas de un Williamson contando su contexto, su vida y de su gente vía un "Rap" lleno de palabrotas (fu*k, fu*ken, fu*k off, wanker, cu*t...) y en un lenguaje coloquial (slang, en inglés). La conexión con miles y miles de persona es natural e instantánea ya que los fans ven en ellos sus vidas, su barrio, sus familias y sus penurias. "Sleaford Mods" explotan una tradición muy "British" y extendido por la cultura anglosajón de "to take the piss", reírse de todo con un sentido de humor que es irónico y sarcástico que en el fondo no es para realmente dañar.

El éxito de "Sleaford Mods" se ha extendido por el mundo inglés (son un auténtico fenómeno social en el UK), y el no inglés, gracias a su fácil propuesta musical, sus historias reales, sentido de humor y de ser representantes y altavoces de una generación marginada por los profundos cambios sociales, políticos, económicos, culturales y tecnológicos en marcha y los que se avecinan. No son ni pretenden formar parte de la minoría que están consolidándose con la riqueza y el poder, rehuyen de sus valores y estilo de vida sin raíces sólida y sin compromiso "al otro". En un mundo donde "el otro" es mayoría, el éxito esta asegurado. ¿Suena un poco a PUNK? Lo es,  Sleaford Mod son un híbrido entre los “Sex Pistols” y “The Prodigy”, con una actitud de “que te foll*en” acompañado del “buen rollo” de bailar “esta mierda” conmigo. El fenómeno es algo excepcional y distinto desde luego,  que cala dentro del “subconsciente”, aunque no es nuevo, es el Punk vestido de la electrónica. 

¿Hará que el éxito haga todo esto cambiar para "Sleaford Mods"? No lo se, lo listo es seguir aparentando "anti-sistema" si solo es para seguir vendiendo discos y conciertos. Aquí no entro, solo juzgo la música...por el momento.

Album: Divide and Exit (2014)

Es el séptimo álbum de estudio y primer álbum de “Sleaford Mods” que me llama la atención. Antes de ver este trabajo no los conocía, pero después de escuchar las letras  “El olor a meada es tan fuerte que podría pasar por beicon del bueno” del tema “Tied Up in Nottz”, me dije esto merece más exploración y una buena escucha.

Dos tíos, solo dos, uno de altavoz humano súper acelerado y cegándose en prácticamente todo lo que se mueve y el otro “colega” orquestando el ritmo y los sonidos de un sintetizador-sampler más antiguo y barato de una tienda de todo a cien. Maravilloso! Entendido el rollo, es dar una descripción de la realidad en que vives, el Reino Unido de los contrastes, de los que tienen y los que no, de la corrupción, de jóvenes perdidos en adicciones y sin empleo, él no hay futuro, de la xenofobia y que nos viene encima… Y todo bajo el ritmo de “beats” simples, funcionales y sin rollos. Estaba viendo la resurrección por enésima vez del “Punk” vestido de “NWA” al estilo Shaun Ryder de los “Happy Mondays”, los hombres del pueblo con “Flow”. 

El álbum "Divide and Exit" es de narrativas en la tradición más inglesa de “Taking The Piss” (vulgarmente traducido, en “burlarse”) con el lenguaje de la calle… lleno de palabrotas… diciendo las verdades de la vida cotidiana para la mayoría de los ingleses llanos. El resto del mundo ve al UK por la “prisma” de la gran ciudad de Londres, los que ocupan “La City” y los que han llegado a lo más alto. La verdad es que el UK verdadero esta fuera de Londres, siendo gris, uniforme, salarios de mierda, desempleo, cierres de fábricas, madres solteras, epidemia de narcóticos, violencia juvenil, xenofobia, racismo…¿quieres más?

Sleaford Mods en este álbum toman el micro para hablar a su gente,  y dentro de  todo lo feo, desagradable, obsceno, violento, depresivo, inútil y sin futuro, nos inyectan humor negro – digamos inglés – para sacarnos una sonrisa al son de unos ritmos. ¡Chapo! Hay luz al final del túnel para aquellos que se ponen las pilas y consiguen sacar lo mejor de uno mismo para superar su contexto existencial. Aquí es el mensaje es “Divide and Exit” de los Sleaford Mods, algo profundo detrás de la comedia de dos “bufones” y una caja de ritmos. La línea es fina de andar, o te gusta o lo puedes odiar, el elemento fundamental es tener un sentido de humor.

Si no eres de cultura anglosajona y no entiendes el inglés – incluso el acento cerrado de los “Midlands” – se pierde mucho, bastante. Lo suyo es poder apreciar y entender lo que están diciendo para captar todo el hilo y el “rollo”. Aquí no se puede decir mucho más, te molara o no este álbum, pillas o no el rollo, será así de claro. Al menos – y es un mérito del álbum – los ritmos bailables lo hace agradable y divertido en la ausencia de no entender al cantante (Williamson) ni papa.

El álbum "Divide and Exit" me gusta, lo entiendo y me hace reír. Pillo el mensaje – esté de acuerdo o no – y veo de donde vienen. Me gusta el Punk, me mola el Hip-Hop y agradezco un instantáneo de cómo es el UK por dentro, comprender sus "tripas". Es el primer álbum que escuche de este dúo tan llamativo, pintoresco y peculiar, es el álbum que me ha hecho ser un fan más de ellos.

Un disco recomendado.

YAK | Pursuit Of Momentary Happiness

Disco Recomendado

La banda inglesa YAK formado en 2014 por Oliver Henry Burslem (voz y guitarra), Vincent Davies (el nuevo bajista) y Elliot Rawson (batería) han publicado recientemente su segundo álbum titulado "Pursuit of Momentary Happiness".

Album: Pursuit Of Momentary Happiness

Este trabajo es el principio de su aventura con un sello multinacional y a priori levanta sospecha de que puede ver "interferencias" en el proceso creativo. Pues no con respiro de alivio ya que los chicos - y Burslem en particular - siguen la línea del buen "Alt-Rock" con suficiente dosis de "Garage Rock". Dicho esto, a mi me mola más la oferta de "Psychedelic Rock" que me recuerda a "Spiritualized". El hecho es que hay una colaboración con Jason Pierce (aka J Spaceman) en el tema "This House Has No Living Room", que más puede pedir un fan como yo. La canción “Layin´It On The Line” sigue la línea "Trippy" y resucitan evocando gloriosa memorias de "The Verve". Aunque si debo elegir la canción que más me atrae y gusta me inclino por "Pursuit Of Momentary Happiness", más de 3 minutos de "Space Rock" borrachera y amnesia donde flotan aires de "Spacemen 3" y de "Pink Floyd" tipo "The Wall". Mola! ¿Que dices,  que prefieres temas más duros? También los hay, y buenos. Escucha “Blinded By The Lies" o el tema al estilo "Kraut" de “White Male Carnivore” recordando a los "Idles".

El líder Oli Burslem muestra de nuevo en este álbum su carisma y talento como "crooner" y dominio de diferentes estilos, pasando del frío al lo sensual, de la rabia a la alegría maníaca. Además, Burslem ilustra una madurez llamativo como compositor a través de las letras de las canciones y sus arreglos demostrando inteligencia y un sentido de humor sarcástico (mejor, de humor inglés).

En definitiva, "Pursuit Of Momentary Happiness" es un álbum sorprendentemente variado y trabajado a conciencia. Se han cuidado los detalles, y el propio Burslem sufrió en salud y casi se arruina económicamente para sacar este trabajo adelante. Como oyente se agradece el esfuerzo. Un redondo y magnífico álbum.

¡DISCO RECOMENDADO! Estará conmigo estos día en "alta rotación".

AUTECHRE - Amber - Album

AUTECHRE (Música electrónica)

El dúo británico Sean Booth y Rob Brown. Se establecieron en 1987 cuando se conocieron y se dieron cuenta de sus mutuos intereses en el Hip-Hop, Techno y la Música Electrónica. Comenzaron grabando y produciendo "Mixtapes" bajo el nombre de "Lego Feet" hasta que se ganaron seguidores y la credibilidad para avanzar hacia "Autechre".

Son unos alquimistas de la música electrónica, su trayectoria esta marcada por la experimentación y la continua búsqueda de nuevas formas de expandir y hacer sonar la tecnología. Sus primeros álbumes son más cálidos y suaves, gradualmente irían transformando los posteriores álbumes en proyectos de exploración y elaboración en lo "abstracto", casi (y perdonar la metáfora) matemático, complejos y frió. A tal nivel que utilizan "algoritmos" en sus producciones.

Considerado como auténticos pioneros dentro de la electrónica su prestigio esta al nivel de los más influyentes, acreditados y creíbles del género musical. Sus producciones de  música electrónica superan las barreras de lo impensable y el género evoluciona cada vez más gracias a "Autechre", junto con otros pocos artistas también en búsqueda de nuevas posibilidades y sonidos.

Álbum: Amber (1994)

Es el segundo estudio álbum publicado el 7 de Noviembre de 1994. Un trabajo de nuevas canciones ya que previamente en el debut álbum "Incunabula" los temas eran una recopilación de canciones antiguas.

Este álbum demuestra la maestría de "Autechre" con el "Ambient-Techno". Presenta al dúo británico como artistas "orgánicos” antes de ir evolucionando hacia lo "artificial" – hablando artísticamente. La discografía de "Autechre" es amplia, profunda y evolutiva, apareciendo como si con el tiempo han llegado al "Singularity" para subirse en un ordenador para continuar haciendo música. El disco "Amber" nos recuerda que antes eran "músicos-humanos" (sin ser despectivo) y que su música demuestra que la tecnología puede tener "alma".

Es un disco variado, de producción suave, vanguardista, carismático que cambia de texturas y va levantando diferentes emociones; desde las atmósferas  del "ambient" (los temas "Yulquen" y "Nine") al "Techno" hacia ritmos de "Acid House" (los temas como “Montreal”, Teartear” y "Piezo"). La producción es limpia, casi perfectamente elaborado que no se me ocurre otra palabra que "hermosa", las cuerdas y los teclados crean una calma sobre pistas con ritmo que dan vida al álbum. Único pega que se puede poner es que algún que otro tema se extiende más allá de lo necesario haciendo algo "pesado" el viaje, pero es solo una queja mía.

Retrospectivamente es quizás su trabajo más digerible en el sentido que es antes de que Sean Booth and Rob Brown embarcaron en el camino de la experimentación pura y dura. Su discográfica refleja una evolución hacia las fronteras de la tecnología aplicado a la música. No hay ningún álbum de Autechre que sea igual, cada uno con su personalidad e identidad, "AMBER" definitivamente tiene el suyo, el más cálido y acogedor. Es ideal para la persona que quiere ser iniciado para descubrir a Autechre, una puerta fácil de abrir y con una primera vista de las posibilidades infinitas que pueden crear este dúo sin "asustarte" de lo que puede estar más allá del horizonte.

Otros trabajos como Tri-Repetae, LP5, Draft 7.30... son magníficos, solo hay que ver su discografía:

• Incunabula (1993)
• Amber (1994)
• Tri Repetae (1995)
• Chiastic Slide (1997)
• LP5 (1998)
• Confield (2001)
• Draft 7.30 (2003)
• Untitled (2005)19​
• Quaristice (2008)
• Oversteps (2010)​
• Exai (2013)
• elseq 1-5 (2016)
• NTSSessions 1-4 (2018)

…pero hay algunos disco que son auténticos "Head Fu*ks" experimentales donde Autechre busca empujar las fronteras de la electrónica y avanzar a sitios aún por conocer. Aquí es donde alguno se puede perder y pensar que lo que están "escuchando" es música por robots para otras máquinas. Y puede ser el caso, se tratar de explorar cuáles son las posibilidades de la tecnología en crear música. Y aunque yo soy el primero en declarar que con el tiempo "Autechre" se parecen más ha "Inteligencia Artificial" verificó que sigue muy vivo y presente el hilo conductor a largo de todos sus álbum del elemento humano. Si escuchas de cerca entre los "beeps", "sonidos metálicos", "espacios sintetizados" etc. ... puedes sentir flotantes almas humanas. Lo que pasa es que Autechre están en constante evolución exponencial hacia un sitio aún por definir tecnológicamente.

Este viaje, o filosofía semejante a "Matrix", puede desalentar a descubrir a "Autechre" y entrar en su Universo. Por esta razón recomiendo el álbum AMBER como primer paso y escucha. Dejarte llevar por su suave camino de la electrónica donde te irá preparando con algún cambio de ritmos y sonidos avisando de lo que puede venir encima si te dejas llevar.

En la escena de la música electrónica en su presentación como una forma de arte, inteligente y de máxima calidad hay solo pocos artistas que están en el "Olimpo": Kraftwerk, Brian Eno, Aphex Twins, Boards of Canada, The Orb... y Autechre. Si te gusta la música electrónica acepta la invitación del álbum "Amber" para ser el principio de un viaje a "universos paralelos" de la electrónica.

Buscar a “Amber” y escucharlo tranquilamente, pienso que te puede gustar, y mucho. Buen viaje astronauta!

Tracklist:

1. "Foil" 6:04
2. "Montreal" 7:15
3. "Silverside" 5:31
4. "Slip" 6:21
5. "Glitch" 6:15
6. "Piezo" 8:00
7. "Nine" 3:40
8. "Further" 10:07
9. "Yulquen" 6:37
10. "Nil" 7:48
11. "Teartear" 6:45

DUSTER | Capsule Losing Contact BOX SET

DUSTER son un trío americano de la ciudad de San José (Ca. EE.UU) formado en 1996 de multi-instrumentalistas: Clay Parton, Canaan Dove Amber y más tarde Jason Albertini. Seguidores de bandas como SLINT y BEDLAND tienen una fascinación por los sonidos clásicos del slowcore y el espacio exterior (de planetas, estrellas y galaxias). Tanto es la afición a temas "espaciales" que su primer estudio lo llamaron "Low Space Orbit" equipado con tecnologia analogica y 4 track.

La oferta musical es "Space Rock" (no podía ser de otra manera) y Post-Rock con un alto grado de experimentación y exploración de nuevos sonidos. Aunque se puede pensar que estos tios son unos "frikis" la verdad es que son unos consumados músicos y muy serios artistas. Han conseguido una base de fans muy leales, reconocimiento de sus compañeros de profesión y de los medios especializado.

Han grabo y publicado lo siguiente:

Singles
"Apex, Trance-Like" (1998, Skylab Operations)
"Transmission, Flux" (1997, UP Records)

EP
1975 (1999)

Albums
Stratosphere (1998)
Contemporary Movement (2000)

En 2001 los miembros decidieron dejarlo para un rato y perseguir otros intereses y proyectos.  Amber y Albertini formaron la banda "Helvetia" y Parton trabajo en su proyecto en solitario "Eiafuawn".

La última noticia es que los tres han anunciado vía una cuenta de redes sociales que están haciendo música. Esto ha desatado rumores de que DUSTER volverán a publicar nuevo material en breve...mientras

Album: Capsule Losing Contact (BOX SET)

DUSTER han saltado a la fama gracias al Social Media y las plataformas de streaming de música. La tecnología P2P y intercambio han introducido a la banda y su música al público masivo de tal forma que antes no hubiese sido posible obtener dicha notoriedad. El efecto "boca a oreja" a escala mundial ha hecho que los "stocks" de su música en formato vinilo se hayan agotado haciendo que se convierten en piezas de coleccionistas exigiendo precios ridículos. La demanda para sus singles, EP y dos álbumes es de tal fuerza que su sello discográfico se han puesto en contacto con el trío para proponer el lanzamiento de toda su discográfica en formato BOX SET.

El BOX SET se titula "Capsule Losing Contact" e incluye:

• sus dos álbumes: Stratosphere y Contemporary Movement
• el EP titulado "1975"
• los singles: "Apex, Trance-Like" y "Transmission, Flux"
• extras,  con canciones inéditas

Este BOX SET es un sueño y una joya para los fans de DUSTER, siendo ideal para aquellos que buscan conocerlos de un solo golpe. Por primera vez todo el material de DUSTER esta en un solo sitio para entender el culto hacia esta banda, y el porqué de la demanda por su música.

Personalmente, mi álbum favorito de DUSTER es el debut "Stratosphere". Un álbum grabado de forma simple, sin brillos y con suficiente anarquía que capta el sonido orgánico del "Slowcore" y "Post-Rock". El atractivo de este debut album es la oferta primitiva de la banda y de las canciones.

El segundo álbum "Contemporary Movement" tambien mola. Aquí se nota que la banda hace un esfuerzo extra para producir una obra más coherente que del debut. Suena el disco de p*ta madre pero ha elegir me gusta más el primero.

Pongo el video de unos de mis temas favoritos titulado "Docking the Pod" del álbum "Stratosphere", tambien dentro del BOX-SET:



Abajo el impresionante tracklisting del BOX SET "Capsule Losing Contact" ...todo de DUSTER en 2 horas 43 mins. ¿Que más se puede pedir?

1.01 Moonage 0:00
1.02 Heading For The Door 3:08
1.03 Gold Dust 4:15
1.04 Topical Solution 6:21
1.05 Docking The Pro 11:22
1.06 The Landing 13:13
1.07 Echo, Bravo 15:56
1.08 Constellations 20:30
1.09 The Queen Of Hearts 24:13
1.10 Two Way Radio 28:33
1.11 Inside Out 28:52
1.12 Stratosphere 31:13
1.13 Reed To Hillsborough 38:11
1.14 Shadows Of Planes 42:12
1.15 Earth Moon Transit 44:02
1.16 The Twins/Romantica 48:26
1.17 Sideria 52:09

2.01 Get The Dutch 53:59
2.02 Operations 58:46
2.03 Diamond 1:02:16
2.04 Me And The Birds 1:05:43
2.05 Travelogue 1:07:18
2.06 The Phantom Facing Me 1:11:54
2.07 Cooking 1:14:50
2.08 Un Recovery 1:19:25
2.09 The Breakup Sweet 1:23:00
2.10 Everything You See (Is Your Own) 1:26:21
2.11 Now It's Coming Back 1:29:01
2.12 Auto-Mobile 1:31:44

3.01 Orbitron 1:33:53
3.02 Fuzz And Timbre 1:36:13
3.03 My Friends Are Cosmonauts 1:36:50
3.04 Closer To The Speed Of Sound 1:38:34
3.05 Stars Will Fall 1:41:34
3.06 Four Hours 1:43:20
3.07 Light Years 1:47:15
3.08 Capsule Losing Contact 1:50:55
3.09 East Reed 1:57:12
3.10 And Things Are Mostly Ghosts (Version Over Dose Mix) 1:58:16
3.11 Irato 2:02:13
3.12 Memphis Sophisticate 2:06:30
3.13 The Motion Picture 2:10:40
3.14 And Things (Are Mostly Ghosts) 2:13:23
3.15 August Relativity 2:16:43
3.16 Want No Light To Shine 2:19:53
3.17 Haunt My Sleep 2:25:54
3.18 Peyote 2:28:38
3.19 Something That I Need 2:30:16
3.20 What You're Doing To Me 2:32:04
3.21 Faint 2:38:12
3.22 The Hours 2:41:28

PRIMAL SCREAM | Screamadelica

PRIMAL SCREAM es una banda escocesa (de la ciudad de Glasgow) formado en 1982 por BOBBY GILLESPIE, ex batería de THE JESUS & THE MARY CHAIN. Los otros componentes para mencionar son Jim Beattie, Robert Young (deja la banda en 2006), Stuart May, Tom McGurk, Martin St John, Andrew Innes, Martin Duffy... y otro numerosos músicos entrando y saliendo.

Bobby Gillespie compaginaba funciones entre "Primal Scream" y "The Jesus & The Mary Chain", hasta que después de tener un éxito bajo "Primal Scream" titulado "All Fall Down" los hermanos William y Jim Reid de "The Jesus..." la dan un ultimátum ...The Jesus o Primal Scream. En 1986 Gillespie deja The Jesus ... y se dedica plenamente a Primal Scream.

La influencia y sonido inicial de Primal Scream es el Punk-Rock. Sus dos primeros discos tienen algo de éxito pero como banda se encuentran sólo relevantes en el circuito "Indie-Alternative" británico.

El gran momento de inflexión, y salto al éxito comercial mundial ocurre con el álbum "Screamadelica" donde incorporan el sonido "Dance". Esta idea no fue fácil al principio ya que existían dudas entre los miembros de Primal Scream. Los encuentros con Djs de influencia y la participación el la escena "RAVE-HOUSE MUSIC" del Reino Unido (UK) de los principios de los años 90 del Siglo XX les hicieron cambiar de opinión. Se abrieron a las influencias de la música Dance y otras como el Dub y Soul. No se va negar que el "elemento" de psicotrópicos tambien jugaron un papel para despejar dudas en cambiar de dirección musical. El hecho es que con retrospectiva la decisión fue acertado.

Voy a enfocarme en el álbum "Screamadelica" que para mi es su mejor y más impòrtante álbum. No obstante pongo abajo una amplia lista de discos publicados hasta ahora. Son una banda que han cambiado y evolucionado con el tiempo incorporando nuevos sonidos y experimentado con las nuevas tendencias. Aunque "Screamadelica" es para mi su momento cumbre, y un trabajo redondo, puedes encontrar fragmentos y destellos de más "gloria" entre sus otros trabajos. Explorar por ellos será entretenido y gratificante.

Discografía de PRIMAL SCREAM:

• Sonic Flower Groove (1987)
• Primal Scream (1989)
• Screamadelica (1991)
• Give Out But Don't Give Up (1994)
• Vanishing Point (1997)
• XTRMNTR (2000)
• Evil Heat (2002)
• Riot City Blues (2006)
• Beautiful Future (2008)
• More Light (2013)
• Chaosmosis (2016)

Álbum: Screamadelica

Es el tercer álbum de PRIMAL SCREAM publicado el 23 de Sep de 1991 dando un volantazo en la dirección musical del sonido "Indie Rock" al sonido "Dance". El contexto geografico e historico referente a Primal Scream y este álbum son importantes para tener en cuenta. Los jóvenes del UK de los principios de los años 90 estaban bajo los efectos de la "explosión" cultural del "RAVE-HOUSE MUSIC scene" y de la droga "Ecstasy". Este ambiente tuvo un efecto directo sobre PRIMAL SCREAM incorporando aspectos musicales de moda, la estética y Djs para producir "Screamadelica".

El álbum "Screamadelica"  fue un éxito comercial llegando hasta el Nº8 de las listas británicas y vendiendo más de 3 millones de copias mundialmente, además de ganar el prestigioso premio "Mercury Prize" de 1992. Es considerado unos de los álbumes más importantes de los años 90 del Siglo XX consagrando Primal Scream como banda, tanto - y esto lo digo yo - que siguen viviendo de este álbum (vía sus giras y directos) ha dia de hoy.

"Screamadelica" es una fusión del "Indie Rock" con la música "Dance". Y en esto hay personas fundamentales: los Djs ANDY WEATHERALL, TERRY FARLEY y THE ORB. Las remezclas - "remixes" - de estos alquimistas de la electrónica actúan como "Padrinos" de Primal Scream para ser absolutamente aceptados, y bailados en los Clubs. Sus remixes de los temas "Loaded", "Come Together", Don't Fight it, Feel It" ...etc conceden Primal Scream la credibilidad necesaria para el salto del "Indie Rock" al "Dance". El hecho es que los Djs Weatherall, Farley y The Orb no solo harían "remixes" de los singles, eran tambien los productores del álbum acompañado de los talentos de HUGO NICHOLSON y del americano JIMMY MILLER. Un equipo de lo mejor que había en ese momento en lo que se refiere a la música electrónica britanica. 

Una vez lanzado el álbum, experimentado la euforia y bailado los singles llega el momento para escuchar el álbum de verdad, de principio al fin, y el resultado es extraordinario. El lider de Primal Scream, Bobby Gillespie comento que "Screamadelica" esta inspirado en el álbum "Pet Sounds" de The Beach Boys.  Veo aspectos similares, aparte de ser un disco viaje "Trip" sonico, es una mezcla de diferentes sonidos e influencias musicales desde gospel, soul, funk, dub...a rock, es en su conjunto impresionante. Aqui esta su elemento diferenciador, puedes bailar al álbum o estar en casa tirado en el sofá escuchando flipando. Tiene el rollo e hilo de un álbum tipo el "Dark Side of The Moon" de "Pink Floyd": un principio a fin lleno de sonidos, efectos, estilos, ritmos y beats arropados en un caleidoscopio de colores y paisajes que da al conjunto su cuerpo y su alma.

Uno de los temas, "Higher Than The Sun" producido por THE ORB y con el bajo de Jah Wobble es un "viaje astral" y un obra maestra en sí sola. Otros temas como los remixes de "Loaded" (originalmente el tema "I'm Losing More Than I'll Ever Have" del álbum anterior) con su ya famoso fragmento (sample) de inicio:

"Just what is it that you want to do?

We wanna be free

We wanna be free to do what we wanna do

And we wanna get loaded

And we wanna have a good time

That's what we're gonna do

(No way, baby, let's go!)

We're gonna have a good time

We're gonna have a party"

de la película "Wild Angels" (diálogo de Peter Fonda al Juez), y "Come Together" con fragmentos del "Speech de Jesse Jackson" y canto Gospel, son ambos referentes en la técnica y la historia del "Remixing" de la música electrónica.

No se va a desestimar o devaluar que el álbum esta y tiene elementos de inspiración psicodélico, es fruto de la época, y las drogas estaba en vogue antes y durante su concepción. Es más, algunos aseguran que escuchar este álbum con un "Pink Floyd" es lo suyo. Puede ser, pero no vamos a quitar nada de sus extraordinarios méritos técnicos y producción donde se puede apreciar claramente y sin cualquier euforia inducido.

Este disco animaría posteriormente a otras bandas del "Indie-Rock" a incorporar otros estilos y música electronica dentro de su núcleo creativo. Espejería los miedos y las dudas del mestizaje musical y acentúa que si se quiere sobrevivir en la música hay que adaptarse. Aqui esta el key a la cuestión; hay que adaptarse a los tiempos y ser autocrítico para seguir en el "Music Business" y PRIMAL SCREAM lo hizo en el momento adecuado abrazando "la coyuntura" dejando detrás la seguridad de lo conocido y del pasado. El disco "Screamadelica" no sólo consolidó a Primal Scream, tambien puso en el mapa mundial a Andy Weatherall, Terry Farley y otros que participaron en este proyecto. Como se ve es un auténtico trampolín de obra, señal de su calidad y positivo recepción y aceptacion universal.

Es un Disco Recomendado por muchas razones: innovador, técnicamente brillante, músicos y productores extraordinarios, mestizaje de estilos musicales, oportuno y valiente. Un álbum que sigue de actualidad y siendo vigente, características dificil de encontrar en álbumes de hace más de 25 años.

Pongo uno de los grandes temas de "Screamadelica", el reconocido “Loaded”, uno de los mejores "Remixes" de la música. Después de esto difícilmente volvió a tocar el paraíso Andy Weatherall, quizás excepto con el proyecto The Sabres of Paradise y su "Smokebelch II", pero sobre este álbum más en otra ocasión. 

DOVES - Lost Souls - Album

Voy a recuperar un álbum de mi cosecha de favoritos para este fin de semana y reencontrarme con las emociones que tuve cuando primero me puse a escucharlo. Con este pretexto escribo hoy un post sobre el comentado y apreciado álbum para compartir contigo: "Lost Souls" de DOVES.

DOVES (Banda)

Son una banda inglesa de "alternative rock" formado por los hermanos Jez (voz y guitarra) y Andy Williams (voz y batería), Jimi Goodwin (voz, bajo y guitarra) y cuando en gira contratan a Martín Rebelski (teclados). Doves tiene dos periodos distintos e importantes ya que el primero les marca su manera de interpretar, componer y grabar su música. La riqueza y variedad de "Doves" se surte de un pozo lleno de diversas experiencias musicales.

SUB SUB (Banda 1989-1997)

Los tres principales miembros del ahora DOVES se conocieron a los 15 años, colegas desde entonces, estaban inmerso y participativo en la "movida dance - rave" de primera mano frecuentando el Club de Manchester "The Hacienda". Un local donde se congregaba los artistas, bandas y gente más de moda de la escena "Dance y Alternative" del UK en los años 90 del Siglo XX: Joy Division-New Order, Happy Mondays, A Certain Ratio, The Fall, The Stone Roses ...etc., convirtiéndose en el Club Nº1 de Mundo alimentando la "escena Rave-Dance" con el suministrado poder narcótico del "Ecstasy" y "LSD". No estoy diciendo que toda persona que iba a "The Hacienda" consumían narcóticos...digo que era un impulso importante para muchos.

De un encuentro en "The Hacienda" entre los hermanos Williams y Goodwin salió la banda Sub-Sub, formación que propone música electrónica de dance. En 1993 tuvieron un éxito de pistas y comercial llegando al Nº3 de las listas británicas de Singles titulado "Ain't No Love (Ain't No Use)" - ft Melanie Williams. Pongo el video para darte una idea del sonido, del cual cambiaría con el tiempo.

También publicaron otros Singles de dance "Balearic Beat" y de "Chill Out", uno notable con cierto éxito titulado "Past" que triunfó en Ibiza (1994-1995). Es uno de sus canciones bajo "Sub-Sub" que más me gusta; suave, sintezizatores en plan Chill Out, un sonido que posteriormente "arrastrarán" para su nueva etapa más adelante.

En Febrero del 1996, dia de los cumpleaños de los hermanos gemelos Williams, su estudio de grabación se quemó al suelo perdiendo absolutamente todo (instrumentos, equipo de grabación, cintas de música...todo). Este evento (y el seguro de accidente) daría fe al dicho "No hay mal que por bien no venga" siendo una inflexión critica para el futuro de los tres miembros.

Con todo perdido y nada que perder, se tomó la decisión de seguir adelante con sus aspiraciones musicales con más determinación y seriedad. Los tres buscaban producir y grabar un álbum (long-play) de calidad donde se exponga sus talentos e ideas musicales.

DOVES (2000 - presente)

El deseo de evolucionar de producir singles (de baile) hacia albums y así poder expandir sus capacidades como artistas ya estaba rondando las cabezas de los tres componentes. Se recompusieron, entraron en un estudio de grabación propiedad de New Order y se encerraron por periodos durante tres años para componer, producir y grabar su primer álbum de estudio bajo el nombre "Doves" titulado "Lost Souls".

Cambian de nombre de SUB-SUB a DOVES para hacer un nuevo comienzo. Además, es el anuncio de un cambio de dirección musical, algunos dirían radical, con énfasis y uso de las guitarras eléctricas en lugar de sintetizadores, aunque nunca se llega a dejar la tecnología. Los hermanos Williams y Goodwin se habían transformado de una banda de "dance music" a una banda de "alternative rock-pop".

Después del álbum "Lost Souls" grabaron y publicaron:

• The Last Broadcast (2002)...Nº1 listas de ventas UK
• Some Cities (2005)...Nº1 listas de ventas UK
• Kingdom of Rust (2009)
• The Universal Want (2020)

Como se puede observar, los Nº1 en las listas de álbumes británicas de los dos siguientes álbumes da fe de que se tomó la decisión acertada después de la tragedia del incendio del 1996, y que cambiar de nombre era lo correcto asociado con el cambio de dirección musical para conseguir el éxito comercial.

El "timing" de cambiar de sonido se hizo en el momento adecuado, ya que la explosión del movimiento "Rave-Dance" estaba llegando a su fin y la sobre comercialización del fenómeno estaba saturando los cerebros y dando fuerzas a otros estilos de música. Entraría pronto con mucha fuerza el "Tsunami" del "Alternative Rock" y el "Brit Pop" (...nuevas bandas Blur, Pulp, Suede...Oasis). Doves estaría al menos posicionados y suficientemente conocidos para "surfear" esta gran ola.

En 2010, Doves decide tomar un descanso - no separarse - después del álbum "Kingdom of Rust" y de las giras para tambien perseguir distintos proyectos. En 2014 Jim Goodwin lanza "Odludek" un proyecto suyo y los hermanos Williams forman "Black Rivers". Se espera que vuelvan de nuevo como "Doves" para "explorar nuevos caminos" juntos de nuevo en breve.

Album: Lost Souls

El álbum debut de "Doves" es publicado el 3 de April de 2000 grabado en trozos durante tres años después de perder todo en un incendio del estudio de grabación, y cambiar de nombre de SUB-SUB a DOVES. Este álbum anunció un cambio en dirección musical, de los sintetizadores y ritmos de dance al uso de las guitarras eléctricas con clara orientación Rock.

Aunque en los siguientes álbumes de "Doves" se incorpora más y más los elementos y sonidos del ROCK, en "Lost Souls" se aprecia y se escucha aún la dificultad de romper el cordón umbilical de la electrónica, cosa que para mi engrandece este álbum, es una brillante fusión de la "música electrónica" con el "Rock". Crean un sonido equilibrado entre ritmos y melodías envolventes de la música electrónica con el "Rock-pop".

Mientras las emergentes bandas del "Brit Pop" en ese momento ponen en primer plano los sonidos abrasivos de las guitarras, "Doves" los diluye para dar más protagonismo a los instrumentos para acentuar emociones y paisajes acústicos. Es curioso que queriendo romper su el "pasado" cómo incorporan los conocimientos de los años de "musica electronica-chill out" con el Rock para elaborar autentica piezas de dimensiones hermosas. Como ya menciono, posteriormente entraría más en juego y con más fuerza el sonido Rock en sus obras, haciendo "Lost Souls" un álbum casi "híbrido" y "único" para "Doves".

Con todos mis elogios "Lost Souls" no consigue ser una álbum redondo. Si solo hubiese contenido los temas "Firesuite", "Here It Comes", "Break Me Gently", "Sea Song", "Rise" y "The Cedar Room" sería casi perfecto, al álbum le sobran las seis canciones extra. No porque sean en sí malos, por que rompen el hilo, el "flow" del disco, como están no tienen nada que ver detro del global. Esto hace que escuchar "Lost Soul" desde principio a fin es muy difícil. Creo que se puede explicar este hecho, estaban en transición de SUB-SUB a DOVES, de producir dance-singles a temas más coherentes para mantener unido un álbum donde existía una curva de aprendizaje , estaban "encontrándose" artísticamente y en una fase de experimentación. La historia nos demuestra que estaban en el buen camino ya que sus próximos dos álbumes serían unos Nº1.

Dicho esto, los seis primeros temas del álbum sobrepasan y hacen olvidar lo negativo de los temas sobrantes elevando a "Lost Souls" hacia un gran álbum. Tanto que para mi es el álbum favorito de "Doves", vuelvo muchas veces a este disco, me basta con sus increíbles primeros seis temas. Uno de los singles que más me gusta de "Lost Souls" es "Rise" melódicamente edificante y emocional, sin quitar nada de las otras joyas como "Sea Song", "Break Me Gently"...etc.

El álbum fue recibido por la critica musical positivamente, más en el UK que en otras partes. Fue nominado para el prestigioso premio "Mercury Prize" que lo ganó finalmente el disco de "Badly Drawn Boy". Comercialmente tuvo un éxito relativamente llegando hasta el puesto Nº16 de las lista británicas y tres singles del álbum entraron en la lista de singles. Los medios más especializados como Allmusic, NME, Select y Uncut puso al trabajo una puntuación de 8/10 de media.

Como ya dicho, "Lost Souls" es mi álbum favorito de DOVES, un trabajo con un comienzo sublime, y aunque decae perdiendo altura sus seis primeras canciones lo mantiene fuerte y firme para poder gozar, y animar a volver a tirar del disco en futuras y repetidas ocasiones para subirte el ánimo y contemplar la belleza del momento. Un álbum que se merece más atención ya que anuncia que grandes cosas estaban por venir para "Doves".

Un Disco Recomendado, donde te animo de buscarlo y darle una escucha. Para mi estará de nuevo en alta rotación este fin de semana. Pongo el video del emotivo single "Rise" de "Lost Souls":

Tracklist del álbum "Lost Souls":

1.    "Firesuite"    4:36
2.    "Here It Comes"    4:50
3.    "Break Me Gently"    4:38
4.    "Sea Song"    6:12
5.    "Rise"    5:38
6.    "Lost Souls"    6:09
7.    "Melody Calls"    3:27
8.    "Catch the Sun"    4:49
9.    "The Man Who Told Everything"    5:47
10.    "The Cedar Room"    7:38
11.    "Reprise"    1:45
12.    "A House"    3:40

MOBY - Play - Album

Hoy estaba pensando en cuales son los mejores álbumes de "MÚSICA RELAJANTE" (o "Música Relax") que podía compartir contigo y que sea de calidad. No hablo de cualquier trabajo de los miles elaborados como "churros" para explotar una enormemente rentable industria de relax, meditación y parafernalia espiritual. Tampoco quiero destacar música para cuando encendemos el incienso, acompañar una ceremonia de té o como fondo para mirar una bola de cristal; busco seleccionar un álbum con músic que relaje, te haga olvidar el pasado y el futuro para estar en el presente y que digas "...que bien esta esto compuesto, producido y pensado". Ahhh, y hay algo más, si puede ser rico en estilos musicales, inteligentemente compuesto y producido y que fluya orgánicamente el sonido por tu cerebro, mejor que mejor. Ya sabemos cada uno con lo que le gusta, a mi se me ocurre una opción y voy a recomendar un artista y un álbum: MOBY y "Play"

MOBY (Músico)

Richard Melville Hall (Septiembre 11, 1965 Harlem Nueva York - ), aka MOBY, es un músico, productor, instrumentalista, autor y activista americano. Su impacto es inmenso siendo unas de las figuras más importantes de la música electrónica en los años 90 del Siglo XX conseguido abrir las puertas, y llevar el género de la "música electrónica" hacia una audiencia más popular y generalista. Hasta ahora a vendido más de 20 Millones de álbumes mundialmente, cifra increíble para un artista de música electrónica, y mucho tiene que ver su quinto álbum de estudio "Play". Moby tambien ha producido y a hecho remixes para artistas como David Bowie, Billy Idol, Daft Punk, Mylène Farmer, Brian Eno, Pet Shop Boys, New Order, Public Enemy, Yoko Ono, Guns N' Roses, Metallica, Soundgarden, Michael Jackson y muchos otros

Es irónico que este yo proponiendo como unos de los mejores albumes de "Musica Relajante", - quizás mejor decir "electronic-ambient-music" - de un músico que comenzó su careera en el Hardcore-Punk: fue guitarrista para "Vatican Commandos" y tambien para "Ultra Vivid Scene". Puedo dar fe de sus raíces Hardcore, le vi en directo en la Sala Sol de Madrid 96-97-98 (no recuerdo con exactitud el año) con su banda Punk que casi explota los tímpanos del público.

Un hombre con una "doble vida" artística, ya que mientras hacia hardcore compone, produce y graba música electrónica y de DANCE. Cuando decide dejar el Hardcore y perseguir una careera en solitario publica un single que sería un "bombazo" de pistas titulado "GO". Un tema extraordinario para el tiempo ya que se adelanta al "Progressive House" y utiliza "samples" en este caso de "Laura Palmer's Theme" de la serie TV "Twin Peaks". El usos de "samples" es significativo y va marcar su proyección en adelante ya que va ser su firma personal imitado posteriormente por muchos otros.

La capacidad de sorprender con su música vía el uso de "samples" que ni te imaginas podría existir o encajar con la música electrónica viene por que es un "freak" de la música con un extenso, profundo y variado conocimiento del blues, soul, funk, jazz, rock, dance... Dicho más coloquial,  es una "Enciclopedia" de la música, y esto le facilita descubrir y samplear  fragmentos únicos y originales para elaborar su música electrónica. En el álbum "Play" utiliza todo sus conocimientos para acentuar su particular y mencionado "don técnica y conocimientos musicales".

Su discografía es extensa y su música es diversa, lo pongo abajo como referencia y si deseas explorar otras obras:

• Moby (1992)
• Ambient (1993)
• Everything Is Wrong (1995)
• Animal Rights (1996)
• Play (1999)
• 18 (2002)
• Hotel (2005)
• Last Night (2008)
• Wait for Me (2009)
• Destroyed (2011)
• Innocents (2013)
• Long Ambients 1: Calm. Sleep. (2016)
• These Systems Are Failing (2016)
• More Fast Songs About the Apocalypse (2017)
• Everything Was Beautiful, and Nothing Hurt (2018)
• Long Ambients 2 (2019)
• All Visible Objects (2020)
• Live Ambients – Improvised Recordings Vol. 1 (2020)
• Reprise (2021)
  

Dentro de la electrónica hay muchos variantes y MOBY los domina relativamente todos. Pero su éxito comercial tiene otra dimensión, la capacidad de transformar estilos-sonidos “underground”, y digo minoritarios, en piezas de música que trascendieron y atrae masivamente al público generalista. Sus canciones son parte de Banda Sonoras de muchas películas (..muchas conocidas como “The Beach”) , de series de TV... incluso se oyen en hipermercados y en ascensores. Aquí también el álbum "Play" jugó un papel determinante para ayudar MOBY y la "música electrónica" dar el salto al mundo comercial fuera de las escenas "Underground" y de "Clubs".

Con este escueto trasfondo voy a enfocarme en el álbum “Play”

Álbum: Play

El álbum es el quinto de estudio publicado el 17 de Mayo del 1999. Mientras MOBY tenía una cierta fama dentro de los “circuitos” de música electrónica por su álbumes anteriores, sería “Play” que le presenta y le catapulta al éxito comercial y mundial. MOBY da el salto definitivo desde los márgenes al centro de la música mundial atrayendo una audiencia masiva y general, y lo más significativo, lanza la "música electrónica" al gran mercado. Fue simplemente un fenómeno en todos los sentidos de la palabra, un pelotazo. Tanto que se ha convirtió en el álbum de música electrónica más vendido de todos los tiempos, con más de 12 millones de copias.

¿Y que puede explicar esto? Hay unas razones, primero los suaves ritmos, arreglos y bases adaptados y acoplados a otros estilos musicales como el Blues, Folk Music, Gospel, Hip-Hop, ritmos de Disco y algo del Techno. Contiene temas para todo los gustos y para todo el mundo. Lo segundo, es un álbum innovador y de genios creativos, el uso de "samples"originales acompañado unas bases rítmicas suaves. MOBY se había hecho con el BOX SET "Sounds of The South: A Journey from Georgia Sea Islands to The Mississippi Delta", una recopilación de la amplia y grande collection de canciones tradicionales de Blues, Gospel y Folk grabados por el musicólogo Alan Lomax para los archivos del Congreso de los Estados Unidos para la preservación de la cultura y tradiciones americanas. MOBY elige fragmentos cortos - samples - de este "Box Set" y los acopla a su música para "Play". El más mencionado de los ejemplos es la canción "Honey" donde samplea BESSIE JONES repitiendo más de 20 veces encima de un ritmo funk acompañado de piano . Otra canción ejemplar es "Why Does My Heart Feel So Bad" donde usa el sample de dolor Gospel encima de unos sintetizadores casi humanas. El tercero, es importantísimo para explicar el éxito mundial, el marketing y exposición generado por la inclusión de varios singles de "Play" para ser audio o parte de la Banda Sonora de varias películas, series de TV y campañas publicitarias. Es un testimonio del poder de acceso universal de las canciones de "Play".

Los críticos musicales recibieron este álbum "flipando". Pocas veces se había oído un trabajo de música electrónica tan original, inteligente y exquisitamente elaborada que dentro de su ADN reflejaba la historia y trayectoria de la música: folk, blues, gospel, funk, soul, rock, dance y techno. Además, un álbum producido de tal manera que los ritmos, bases, armonías, instrumentación, voz y los samples llegaran a tener tan aceptación prácticamente universal. Es sinceramente una obra maestra de la electrónica y de la música.

¿Dónde puedes encontrar la mejor "Música Relajante"?

Volviendo a la pregunta originalmente hecho y que lanza este post: ¿Cuál es unos de los mejores discos de "Música Relajante", y que sea algo más sofisticado del resto, además de ser innovador, creativo, impactante y con aceptacion universal? Mi respuesta es el álbum "Play". ¿Dentro del álbum "Play" cuál es el mejor tema de "Música relajante"? Mi respuesta es "Porcelain" de MOBY.

Single: Porcelain

Este es el sexto single lanzado del álbum "Play" y una canción de relaciones y ruptura escrito y cantado por MOBY. Está compuesta de samples inversos de instrumentos de cuerda y piano creando una atmósfera de ambient, tranquilidad y relax, aunque su núcleo es "la lamentación y dolor". Es un magnífico tema de downtempo y de electrónica utilizando un sample de la película "Exodus" de los años 60, muy creativo y simplemente brillante. Para mi un candidato perfecto para ser unas de las mejores canciones de música relajante, dentro de un pedazo de disco.

En resumen, si buscas un disco de música electrónica suave, de paisajes sónicas tranquilas, inteligente, creativo, sorprendente, educativo, lleno de temas que son éxitos, brillante y universal, hacerte (o vuelve a escuchar) el álbum "Play" de MOBY. El trabajo más grande de MOBY y un testimonio al talento y de lo ingenioso que es este artista-músico. Pongo el video del relajante y bello tema "Porcelain":



Tracklist del álbum "Play":

1.    "Honey"     3:27
2.    "Find My Baby"    3:58
3.    "Porcelain"         4:01
4.    "Why Does My Heart Feel So Bad?"4:23
5.    "South Side"         3:48
6.    "Rushing"         2:58
7.    "Bodyrock"    3:34
8.    "Natural Blues"    4:12
9.    "Machete"         3:36
10.    "7"         0:58
11.    "Run On"         3:44
12.    "Down Slow"         1:32
13.    "If Things Were Perfect"4:16
14.    "Everloving"         3:24
15.    "Inside"         4:46
16.    "Guitar Flute & String"         2:07
17.    "The Sky Is Broken"         4:16
18.    "My Weakness"         3:37