THE RUTS - The Crack - Album (Revisited)

En el caos de finales de los 70 (siglo xx) en Gran Bretaña, donde el punk ya empezaba a decaer y muchas bandas perdían fuerza, surgió un grupo con un sonido urgente, inquebrantable y refrescantemente original. Ese grupo fue THE RUTS, y su álbum debut, "The Crack", no fue un simple disco de punk más: fue una declaración que desafió el género con algo vital que decir. Exploramos en por qué esta joya olvidada de 1979 sigue llamando la atención hoy en día y es una recomendación de este blog de música.

ALBUM: The Crack 

En un año en el que el punk se apagaba, "The Crack", el único álbum de estudio del cuarteto londinense The Ruts, irrumpió en la escena como un cóctel molotov a través del escaparate de la alta sociedad. Publicado en septiembre de 1979, no fue un simple debut punk más; fue una declaración de intenciones, un manifiesto y, en retrospectiva, una advertencia de que la brillantez a menudo se apaga demasiado rápido.

The Ruts nunca fueron una banda que se conformara con tres acordes y una mueca de desprecio. Formados en 1977 a partir de fragmentos de proyectos anteriores, fusionaron su amor por el punk, el dub y el rock clásico en algo más duro y elástico de lo que la mayoría de sus contemporáneos se atrevieron a intentar. Para cuando firmaron con "Virgin Records", ya habían demostrado su valía en círculos antirracistas y conciertos comunitarios, mientras que su sencillo debut, "In A Rut", lanzado en el sello People Unite, afiliado a Misty In Roots, era una aguda fusión de punk y reggae que captó la atención de influente periodista musical John Peel, de la BBC.

Lo que siguió no solo fue un gran avance, sino un hito. Y "The Crack" aún se siente fresco, furioso y vital casi cinco décadas después.

Babylon's Burning y la nación escucha:

El tema de apertura, "Babylon’s Burning", convirtió a The Ruts en un fenómeno de la noche a la mañana. Alcanzando el número 7 en las listas del Reino Unido en junio de 1979, es un asalto implacable de sirenas, paranoia social y furia callejera. Pero lo que destaca hoy no es solo la urgencia, sino la maestría musical. Los riffs serrados del guitarrista Paul Fox atraviesan la canción como una sierra circular, mientras que los patrones de charles de Dave Ruffy y el bajo con tintes dub de John “Segs” Jennings inyectan profundidad y sofisticación bajo el barniz punk.

El líder Malcolm Owen, con raíces en el funk y una voz que podía pasar de un ladrido a un sermón en un instante, lo une todo con un carisma que se siente a la vez confrontativo y confesional. En Babylon’s Burning, no canta sobre un disturbio; está en medio de uno, arrastrándote con él. El sencillo que le siguió, "Something That I Said", alcanzó el número 29 ese mismo año y añadió toques glam y pop. Su energía contagiosa contrasta con las canciones más oscuras del álbum, pero siempre mantiene su fuerza.

Punk se encuentra con el dub:

Es imposible hablar de "The Crack" sin reconocer la fluidez con la que The Ruts entretejieron el reggae y el dub en el ADN del álbum. "Jah War", una reflexión de casi siete minutos sobre la brutalidad policial tras los disturbios de Southall, es un ejemplo impresionante. Los timbales resuenan con las líneas de metal y los ritmos fuera de ritmo, sumergiendo al oyente en un ritmo que arde en lugar de explotar. A pesar de su accesibilidad, la BBC se negó a reproducirlo, prueba de que The Ruts no estaban interesados ​​en ir a lo seguro.

Otro tema destacado es "S.U.S.", que da la sensación de ser perseguido por la autoridad en un callejón oscuro. Nombrada en honor a la ley de vagancia utilizada para los registros y cacheos en el Londres de los años 70, es una de las canciones con mayor explícito político de la era punk. El ritmo de Ruffy, cargado de toms, se arrastra como un pulso nervioso, mientras que la interpretación de Owen es fría, contenida y, por ello, aún más aterradora.

Incluso un tema como "It Was Cold" desafía las expectativas del género: con influencias de las bandas Magazine y The Police, combina atmósferas melancólicas con un lirismo introspectivo y una tensión que crece lentamente y sugiere paranoia nuclear y decadencia urbana.

Más allá del ruido:

Si bien el trasfondo político de "The Crack" es profundo, el álbum dista mucho de ser unidimensional. Temas como "Dope For Guns" combinan la energía de una guitarra potente con una base de ska, criticando la hipocresía del tráfico de armas. "Criminal Mind" se inclina hacia la ferocidad del street-punk, y "Backbiter" hierve con la traición personal envuelta en dinámicas de hard rock. Luego está "Out Of Order", un himno abrasador sin intención de ser cortés. Y cerrando con "Human Punk" en directo, el disco no deja lugar a dudas: The Ruts fueron una banda hecha tanto para el escenario como para el estudio.

El empaque fue tan icónico como el contenido. La portada del álbum, una pintura de 1,5x1,5 metros de John H. Howard, es un collage punk-pop que presenta no solo a la banda, sino a un quién es quién de la cultura de finales de los 70, desde Captain Sensible hasta Patrick Moore, desde Jimi Hendrix hasta John Peel (enfrascados en un surrealista cuadro relacionado con el chocolate). Es una metáfora visual adecuada para un álbum que desdibujó límites, ignoró las convenciones e insistió en que el punk no necesitaba ser musicalmente primitivo para ser poderoso.

Legado truncado, pero jamás olvidado:

"The Crack" alcanzó el número 16 en las listas de éxitos del Reino Unido y se esperaba que marcará el comienzo de una carrera larga e impactante. Trágicamente, no fue así. Malcolm Owen murió de una sobredosis de heroína en julio de 1980, justo cuando la banda se preparaba para su segundo álbum. Tenía 26 años.

A pesar de algunos lanzamientos póstumos y su reinvención como Ruts DC, la formación original solo produjo este álbum de estudio juntos. Pero ¡menudo álbum! Se pueden sentir las horas pasadas en salas de ensayo de sudor, la influencia de los discos jamaicanos compartidos tras los mostradores de las tiendas de discos y la rabia de los jóvenes que veían cómo su sociedad se fracturaba en líneas raciales, económicas y políticas.

The Crack sigue siendo importante:

La primera ola del punk alcanzó su apogeo en 1979, pero The Ruts le dio un nuevo impulso. No eran solo otra banda furiosa con una causa: eran músicos hábiles, no temían la hibridación y estaban profundamente comprometidos con crear arte a partir del activismo. Introdujeron el funk en el punk, el reggae en la rebelión y la conciencia en el caos.

"The Crack" es uno de esos raros discos que no solo resiste las repetidas escuchas, sino que las exige. Cada vuelta revela un sutil toque de bajo, una letra ingeniosa, un cambio rítmico que lo distingue. Es música de una banda que entendió que la protesta podía tener ritmo, que el dolor podía ser poético y que el punk, sobre todo, nunca debía conformarse.

Disco recomendado

Tanto si eres un fan del punk rock, un recién llegado interesado en la influencia del reggae en la cultura juvenil británica, como si simplemente buscas un álbum que siga sonando crudo, auténtico y relevante, "The Crack" es una escucha imprescindible. No solo se erige como uno de los discos más importantes de 1979, sino también como un recordatorio atemporal de que la rebelión, cuando se forja con inteligencia y alma, puede resonar mucho después de que terminen los disturbios. 

Video del tema "Babylon's Burning":

Tracklist:

1. "Babylon's Burning" 2:35
2. "Dope for Guns" 2:11
3. "S.U.S." 3:49
4. "Something That I Said" 3:53
5. "You're Just A..." 2:55
6. "It Was Cold" 6:48
7. "Savage Circle" 3:05
8. "Jah War" 6:55
9. "Criminal Mind" 1:34
10. "Backbiter" 3:02
11. "Out of Order" 1:50
12. "Human Punk" (live at The Marquee, London, 19 July 1979) 4:34

The Ruts (Banda):

• Malcolm Owen – voz
• Paul Fox – guitarra, coros; órgano ocasional en "Jah War"
• John "Segs" Jennings – bajo, coros; piano ("un Steinway espectacular") en "Jah War"
• Dave Ruffy – batería, percusión, coros

con:

• Richard Mannah – coros en "S.U.S." y "Criminal Mind"
• Bertie, Pocky, Rocky – coros en "Jah War"
• Mick Glossop – efectos de sintetizador en "It Was Cold"
• Gary Barnacle – saxofón
• Luke Tunney – trompeta

Técnica:

Mick Glossop – producción.

DEFTONES - Ohms - Album

Después de décadas de carrera, Deftones no tienen nada que demostrar y sin embargo, continúan haciéndolo. Ohms, el noveno álbum de estudio, es una declaración de intenciones que mezcla furia, melancolía y precisión quirúrgica. A continuación, exploramos juntos por qué este disco merece un lugar destacado en su legado.

ALBUMS: Ohms 

Deftones lleva años y años sin sonar repetitivo. Cuando una banda mantiene su núcleo creativo durante tanto tiempo — Chino Moreno, Stephen Carpenter, Abe Cunningham y Frank Delgado — es fácil caer en la nostalgia o la repetición. Pero "Ohms", su noveno álbum de estudio publicado el 25 de septiembre de 2020, demuestra que aún hay fuego bajo la superficie. Es el primer trabajo producido por Terry Date desde el inédito Eros (2008) y marca también la última participación del bajista Sergio Vega. Y aunque la historia detrás del disco tiene su dosis de reencuentros y despedidas, lo que brilla realmente es el contenido: un álbum afilado, compacto y casi despiadadamente preciso.

Suena a colisión de mundos:

Desde "Genesis", la canción inicial, queda claro que este álbum no es una simple repetición de fórmulas. Hay algo más urgente, más visceral. Stephen Carpenter regresa al centro con una guitarra de nueve cuerdas que ruge como si no hubiese mañana. Chino Moreno, por su parte, despliega toda su gama vocal, de susurros agónicos a gritos desgarradores, sin perder el control. Frank Delgado, maestro del sintetizador, rellena los espacios con texturas.

"Ohms" no intenta ser innovador por el mero hecho de parecer moderno. En lugar de eso, su fuerza proviene de una búsqueda de equilibrio entre extremos. Belleza y caos, serenidad y violencia, melancolía y rabia. Como si la banda hubiese encontrado un punto medio entre las etapas que definieron "White Pony" y la madurez sombría de "Diamond Eyes".

Canciones de estados emocionales:

En lugar de analizar el álbum como una serie de números aislados, conviene verlo como un continuo emocional. “Ceremony”, por ejemplo, juega con tensiones internas y cambios de humor súbitos, en los que la distorsión y la armonía colisionan. “Urantia” arranca como una estampida y muta, inesperadamente, en una pieza casi onírica. Hay un guiño evidente a Smashing Pumpkins en el fraseo melódico de su estribillo, y no parece accidental: Deftones siempre ha sabido tejer influencias sin perder identidad.

Pero quizá el momento más profundo llega con “The Spell of Mathematics”. Aquí, la banda crea un paisaje envolvente, donde bajos reverberantes, chasquidos de dedos y una atmósfera densa sumergen al oyente en una especie de trance. La experiencia es más sensorial que racional, y el efecto permanece incluso después de que la última nota se disuelva.

De la introspección al abismo:

"Ohms" no es un álbum complaciente. En “Error”, las guitarras punzantes y la voz casi susurrada de Chino Moreno dibujan un retrato de desesperación contenida. “Pompeji” eleva esa sensación al máximo: comienza con una calma engañosa, se adentra en aguas turbulentas y culmina con una explosión emocional que incluye incluso sonidos de gaviotas y olas. Es una meditación existencial que termina con una acusación directa al cielo: “Jesus Christ, we hold you to blame / You gave your life but we died in vain”.

El contraste es brutal con “This Link Is Dead”, que no da respiro. Pura furia. Moreno tira versos como si quisiera desgarrar su propia garganta, mientras Carpenter machaca sin piedad. La banda suena cruda, violenta, viva.

“Radiant City” pone el foco en la brutalidad del riff. Todo en esta canción gira alrededor del poder casi físico del sonido. No es solo Carpenter mostrando lo que su guitarra de nueve cuerdas puede hacer: es el grupo entero subiendo el volumen de la tensión hasta que se hace insoportable.

Nostalgia, experiencia y un cierre perfecto:

Si hay un momento para recuperar el aliento, ese llega con “Headless”. Aunque no deja de ser intenso, su tempo más pausado y tono contemplativo permiten que la narrativa baje unas revoluciones antes de la recta final. En esta canción resuena una sensación de vigilancia externa: “They’d like to violate our brainwaves”, canta Chino. La paranoia y el desencanto político están presentes, pero nunca explícitos, lo que permite múltiples lecturas.

Y luego llega “Ohms”, el cierre y el resumen. Quizá el corte más accesible del álbum, con un groove hipnótico que mezcla optimismo y cinismo en dosis iguales. La canción mira hacia atrás — “we’re surrounded by debris of the past” —, pero también hacia adelante. Es, de alguna forma, un epitafio y una resurrección.

¿Qué significa Ohms en los 2020s?

En un año en que muchas bandas de los 90 se han disuelto o se arrastran en giras de nostalgia, Deftones ofrece un disco que no solo suena actual, sino necesario. Puede que "Ohms" no rompa moldes como lo hizo White Pony, pero tampoco lo necesita. Su mérito está en cómo condensa la esencia del grupo en menos de 45 minutos sin sonar forzado. Es un álbum que no pretende impresionar a primera escucha, pero que recompensa la atención constante.

Lo que Deftones ha logrado aquí no es menor: un trabajo que honra su pasado sin quedar atrapado en él. Un disco que muestra que la fórmula no está agotada, sino refinada. Que todavía pueden construir mundos sonoros donde las emociones contradicen a la lógica.

Disco recomendado

Si has seguido a Deftones desde sus inicios, "Ohms" te resultará familiar, pero no predecible. Si estás descubriendo al grupo ahora, este es un excelente punto de entrada: directo, potente y emocionalmente complejo. Con su mezcla de distorsión abrasiva y momentos de lirismo casi etéreo, este álbum no solo reafirma lo que la banda representa, sino que invita a nuevas interpretaciones. Escúchalo con calma. Y en volumen alto.

Video del tema "Urantia":

Tracklist:

1. "Genesis" 5:17
2. "Ceremony" 3:27
3. "Urantia" 4:30
4. "Error" 4:50
5. "The Spell of Mathematics" 5:27
6. "Pompeji" 5:25
7. "This Link Is Dead" 4:37
8. "Radiant City" 3:35
9. "Headless" 4:59
10."Ohms" 4:10

Banda:

• Chino Moreno: voz, guitarras.
• Stephen Carpenter: guitarras.
• Sergio Vega: bajo.
• Abe Cunningham: batería.
• Frank Delgado: samples, teclados.

DOVES - Lost Souls - Album (Revisited)

Antes de convertirse en una de las bandas más queridas del indie británico, Doves renacieron de una tragedia. "Lost Souls" no solo marcó su debut, sino también el inicio de una nueva identidad sonora. Este es un viaje por un disco que transformó el dolor en belleza y dejó una huella en la música de comienzos de siglo.

ALBUM: Lost Souls 

En abril del año 2000, el mundo escuchó por primera vez el nombre de Doves asociado no a la euforia de la pista de baile, sino al crepitar lento y nebuloso de guitarras melancólicas. La banda británica, formada por los hermanos Jez y Andy Williams junto a su viejo amigo Jimi Goodwin, había dejado atrás su vida como "Sub Sub", un trío de música house que rozó la gloria con el hit "Ain’t No Love (Ain’t No Use)" y emergían de entre los restos de un estudio incendiado con un disco que, más que un debut, fue una declaración de supervivencia. Ese disco fue "Lost Souls".

De las ruinas al renacimiento:

No todas las bandas pueden decir que empezaron literalmente de cero. Doves sí. El incendio de su estudio en 1996 marcó un punto de inflexión: lo que podría haber sido un final se convirtió en un nuevo comienzo. Ya cansados del circuito clubs y con el espíritu de Manchester aún latiendo en sus venas, decidieron redirigir su energía hacia un sonido más introspectivo, sin abandonar del todo sus raíces electrónicas.

Esa transición se siente desde el primer segundo del disco. "Firesuite", una introducción instrumental, no grita ni busca impacto inmediato. Se desliza lentamente, con guitarras acuáticas y una atmósfera brumosa que parece salir de las sombras de la madrugada. Es la forma de Doves de abrir no solo un álbum, sino una nueva etapa.

Viaje emocional entre euforia y vacío:

"Lost Souls" no es un álbum que puedas escuchar con prisa. Es una experiencia de principio a fin, con subidas brillantes y bajadas. En canciones como "Here It Comes", el pasado rave se entrelaza con una resignación serena. “This is the day, this is the time to stare at the world in wonder”, canta Goodwin sobre un piano que avanza con soltura, casi como si narrara el fin de una era.

La melancolía se profundiza con "Break Me Gently", donde los arpegios delicados y las voces distorsionadas dibujan el contorno de un desamor. Luego llega "Sea Song", un número que parece escrito desde el ojo de una tormenta. Sus guitarras, su percusión palpitante, su armónica herida: todo se funde en una plegaria sin palabras para calmar una tristeza que no se sabe explicar.

Pero hay luz en este disco, aunque tenue. "Rise" (una de mis favoritas) y "Melody Calls" ofrecen breves momentos de flotación, como si Doves recordaran que el amanecer, por muy lejano que parezca, siempre acaba llegando. En "Catch the Sun" incluso se permiten un guiño más pop, con riffs contagiosos y una energía que contrasta con el tono general del álbum.

Crear sin fórmulas:

Doves nunca siguió el camino más fácil. Mientras muchos de sus contemporáneos buscaban "el hit", ellos apostaron por construir atmósferas, dejar espacio para la contemplación, y confiar en su instinto. Canciones como "The Man Who Told Everything" o "The Cedar Room", esta última, una de sus piezas más celebradas, son buenos ejemplos de eso. No están pensadas para sonar en la radio ni para llenar estadios. Son canciones que se quedan contigo, que necesitan tiempo para revelarse, y que lo hacen con una honestidad que pocas veces se encuentra en los debuts.

El tema "The Cedar Room", en particular, se alza como el corazón del álbum. Ocho minutos de clímax emocional que combinan letras de ruptura con un mantra instrumental hipnótico. Es, sin duda, una de las cumbres de la banda, y también del indie británico de principios de siglo.

Producción casera con ambición global:

Pocas bandas podrían grabar un disco como "Lost Souls" prácticamente por su cuenta, pero Doves lo hicieron. Sin grandes estudios, sin productores de renombre, excepto Steve Osborne en "Catch the Sun", el trío se encerró durante meses a construir su obra con la disciplina de un ejército. Su experiencia como productores de música electrónica les dio las herramientas para controlar cada detalle del sonido, y eso se nota en la profundidad del álbum. Hay capas que no se descubren en la primera escucha. Ni en la segunda. Este no es una obra para el consumo rápido.

Más que post-Britpop:

Aunque se les suele encasillar dentro del paraguas del post-Britpop junto a Elbow, Travis o incluso Coldplay, Doves siempre ocuparon un lugar propio. "Lost Souls" no busca definir una generación, sino capturar ese instante intermedio entre lo que se fue y lo que está por llegar. En ese sentido, es un disco liminal. Está hecho de recuerdos y de deseos aún no cumplidos. Y quizás por eso sigue resonando tanto tiempo después.

Un legado que aún respira:

"Lost Souls" no fue un superventas, pero sí un disco que caló. Fue nominado al Mercury Prize, y para muchos, críticos incluidos, fue el mejor debut británico desde "Definitely Maybe" de Oasis. Pero, a diferencia del desenfreno de los Gallagher, Doves ofrecía introspección, profundidad y belleza serena.

Años después, sigue siendo un álbum que merece ser redescubierto. No todas las canciones son perfectas, el título homónimo, por ejemplo, es algo disperso, pero el conjunto tiene una coherencia y una honestidad que pocos discos debut logran. "Lost Souls" no es el tipo de álbum que se escucha de fondo. Es uno que exige y recompensa la atención.

¿Por qué deberías escucharlo hoy?

Si estás cansado de la música que suena igual. Si buscas algo que no se limite a gustar, sino a acompañarte. Si quieres un disco que puedas revisitar en distintos momentos y que siempre te diga algo nuevo. Entonces "Lost Souls" es para ti.

Tal vez no lo entiendas del todo en la primera escucha. Tal vez te atrapen solo unas pocas canciones. Pero si te das el tiempo, descubrirás un álbum hecho de cicatrices y luz, de despedidas y comienzos, de humanidad sin artificios.

Disco recomendado:

"Lost Souls" es más que un álbum de debut. Es el testimonio de una banda que decidió renacer y hacerlo con autenticidad. Una obra densa, rica en matices, y emocional. Si aún no conoces a Doves, este es el lugar ideal para empezar. Y si ya los conocías, vale la pena volver. Porque hay discos que no envejecen: simplemente se revelan, una vez más, cuando el momento es el adecuado.

Video del tema "Sea Song":

Tracklist:

1. "Firesuite" (instrumental) 4:36
2. "Here It Comes" A. Williams (verses), Goodwin (chorus) 4:50
3. "Break Me Gently" Goodwin 4:38
4. "Sea Song" Goodwin 6:12
5. "Rise" Goodwin (verses), J. Williams (chorus) 5:38
6. "Lost Souls" Goodwin 6:09
7. "Melody Calls" A. Williams 3:27
8. "Catch the Sun" Goodwin 4:49
9. "The Man Who Told Everything" Goodwin 5:47
10. "The Cedar Room" Goodwin 7:38
11. "Reprise" (instrumental) 1:45
12. "A House" Goodwin 3:40

Banda:

• Jez Williams – guitarras eléctricas y acústicas, coros, programación
• Jimi Goodwin – voz principal (pistas 1–6, 8–10, 12), bajo, guitarra acústica, batería en "Here It Comes", simples
• Andy Williams – batería, coros, voz principal (pistas 2, 7), armónica (pistas 2, 4, 7), sencillos

Músicos adicionales:

• Martin Rebelski – piano en "Here It Comes"
• Stuart Warburton – armónica en "Rise"
• Richard Wheatley – piano y Rhodes en "Firesuite", "Sea Song" y "Break Me Gently"
• Cuerdas en "The Man Who Told Everything" – Kate Evans, Jane Coyle, Barbara Grunthal, Wendy Edison

Producción:

• Todas las canciones fueron producidas por Doves, excepto "Catch the Sun", producida por Steve Osborne con Doves
• "Catch the Sun", mezclada por Steve Osborne, asistido por Bruno Ellingham