FREDDIE KING - Ultimate Collection

Freddie King (Bluesman)

Doy espacio en este blog de música al gran Freddie King (1934 – 1976), bluesman, guitarrista, cantante y compositor estadounidense. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2012 y en el Salón de la Fama del Blues en 1982. Su tema "Hide Away" se incluyó en la lista de "500 canciones que dieron forma al rock". Ocupó el puesto #25 en la edición de 2003 de la revista Rolling Stone de los "100 mejores guitarristas de todos los tiempos" y el #15 en la edición de 2011.

Está disponible un gran CD que hará las delicias de los fans (si no están familiarizados) y es perfecto para el lector más joven que quiera descubrir a Freddie King, se titula "Ultimate Collection".

ALBUM: Ultimate Collection (Compilación)

 
Es parte de "KING" Blues Trinity: B.B King, Albert King y Freddie King, siendo considerablemente más crudo y más duro que sus contemporáneos mencionados. El músico nacido en Texas y criado en Chicago hizo contribuciones significativas al desarrollo del blues urbano de la posguerra y fue una gran influencia para los músicos más jóvenes. Es una inspiración e influencia directa sobre guitarristas como Peter Green, Jeff Beck, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan. 

Este CD fue publicado el 4 de octubre de 2001, una compilación que reúne las principales grabaciones de esta leyenda de la guitarra desde 1960 a 1975. Una lista completa de canciones que cubren la carrera de Freddie King, comenzando con sus grabaciones seminales para el sello discográfico "Federal" y continuando a sus últimas grabaciones para "RSO" a mediados de los años 70 (Siglo XX).

El gemido vocal agudo y apasionado de Freddie King y los fuegos artificiales del diapasón están presentes en éxitos como "Have you ever loved a Woman" a "Going Down" a los famosos y pegadizos instrumentales de "Hide Away" y "San Ho-Zay". Además, puedes escuchar algunas versiones excepcionales de algunos estándares clásicos como "Ain't Nobody's Business", "Key to the Highway" (Big Bill Broonzy), "Palace of the King" (Donald "Duck" Dunn) y una interpretación "unplugged" de "Dust My Broom" (Elmore James).

En general, esta colección ofrece una buena imagen de un músico de blues con una energía insuperable y que en sus mejores momentos no admitió competencia. La pureza del tono de la guitarra y el ataque directo que aportó a todos sus discos atrajo a una generación más joven que estaba empezando a descubrir los extraordinarios poderes de la amplificación.

Un disco recomendado. Un excelente CD para los fans del Blues, y un lugar para tener todas las canciones principales para aquellos que también quieran recordar o descubrir a Freddie King.

Así que sube el volumen e imagina el efecto que estas canciones tuvieron sobre una audiencia más joven que no sabía nada de "power chords" y solos extendidos. Todo el enfoque de Freddie King tiene que ver con el impacto y el golpe directo en tu cara. Siente el poder de este gran Bluesman.

Video del tema "Hide Away":

Tracklist:

1.Have You Ever Loved a Woman
2.Hide Away
3.You've Got to LOve Her With a Feeling
4.San-Ho-Zay
5.Lonesome Whistle Blues
6.The Stumble
7.I'm Tore Down
8.Someday After A while (You'll Be Sorry)
9.My Feeling for the Blues
10.Palace of the King
11.Going Down
12.Key to the Highway
13.Big Legged Woman
14.Woman Across the River
15.Dust My Broom (Acoustic)
16.Pack It Up
17.Tain't Nobody's Bizness If I Do (Live)
18.Sugar Sweet

Créditos notables:

• Cornell Dupree: guitarra
• Ernie Royal: trompeta
• Frank Wess: saxofón tenor
• Eric Clapton: guitarra
• Leon Russell: guitarra, productor, piano
• Roy Davies: clavinet, piano eléctrico
• Clifford Scott: saxofón
• Fred Jordan: guitarra
• Charles Blackwell: batería
• Donald "Duck Dunn: bajo
• Mike Vernon: percusión
• Claudia Lennear: coros
• Sonny Thompson: piano
• Charlie Robinson: batería
• Chris Mercer: saxofón tenor
• Steve Ferrone: batería
• Bud Beadle: saxofón barítono
• DeLisle Harper: bajo
• Sam Wyle: guitarra, ritmo
• Benny Turner: bajo
• Carl Radle: bajo
• Kathi McDonald: coros
• Trevor Lawrence: saxofón barítono, saxofón tenor
• Willie Bridges: saxofón barítono, saxofón tenor
• George Stubbs: piano
• George Terry: guitarra
• Jerry Jemmott: bajo
• Rev. Patrick Henderson: órgano, piano
• Ron Carthy: trompeta
• Martin Banks : Trompeta
• Philip Paul: Batería
• Lewis Stephens: Piano
• Dick Sims: Órgano
• Jamie Oldaker: Batería
• Bill Willis: Bajo
• Charles Myers: Batería
• Joey Cooper: Coros
• John Gallie: Órgano

COLD CHISEL - East - Album

Cold Chisel (Banda)

Grupo de rock australiano, formado en Adelaide en 1973 por los miembros principales Ian Moss en guitarra y voz, Steve Prestwich en batería y Don Walker en teclados. Pronto se les unió Jimmy Barnes como la voz principal y, en 1975, Phil Small se convirtió en el bajista. Se convierten en uno de los grupos más queridos de Australia, así como en una de las mejores bandas en directo, fusionando hard rock y soul & blues con un sabor y una perspectiva cultural muy australiano.

Si tuviera que darte una referencia musical más amplia, Cold Chisel para mi son una mezcla entre "Bruce Springsteen" y "Tom Petty" pero muy "Aussie" en su tradición musical de clase obrera, integrando blues y pub rock. Su cantante Jummy Barnes les da un sonido vocal distinto y el trabajo de guitarra de Ian Moss son excepcionales, recordándote a las bandas y músicos populares del blues y R & B. De hecho, todos son músicos excepcionales, y un conjunto muy sólido y ajustado que ahora son leyendas del rock australiano.

Dicho todo esto, el disco que quiero destacar aquí es su lanzamiento de 1980 "East". Una obra que es poco conocida fuera de Australia y creo que será apreciada por los fans del rock más maduros - veteranos - de hoy.

ALBUM: East

Es el tercer álbum de estudio publicado en junio de 1980.

Este álbum abrió "Cold Chisel" a una audiencia más amplia. Es más comercial sin comprometer las raíces de la banda. El virtuosismo de las habilidades musicales de Cold Chisel todavía se manifiesta en canciones que, sin embargo, eran lo suficientemente compactas como para estar perfectas para la radio.

La sección rítmica del baterista Steven Prestwich y el bajista Phil Small proporciona un trasfondo alternativamente rápido y delicado para los talentos de la guitarra de Ian Moss, la gran interpretación del piano de Don Walker y los llantos (chillidos) de Jimmy Barnes. Don Walker mantiene el trabajo de compositor principal, pero las funciones son más compartidas en este álbum: cinco de las 12 canciones están escritas por los otros miembros de la banda con Barnes escribiendo dos y Prestwich, Small y Moss una cada uno. "East" es un álbum histórico del rock australiano. Si bien es esencialmente muy australiano en temario y en tono, también es muy inteligente y abiertamente de clase trabajadora en actitud.

También es una banda que despotricaba directamente contra el conservadurismo que marcó al país entrando en los años 80 (Siglo XX). Evitando las tendencias new wave o punk predominantes, el álbum consolidó la capacidad de Cold Chisel para crear un rock melódico emocionante y autóctono con un atractivo comercial. Apreciarás las muchas influencias musicales adoptadas y absorbidas para producir este disco.

El álbum convirtió a Cold Chisel en grandes estrellas en Australia y saltaron de los pubs a los estadios más grandes de todo el país. Su rango musical y habilidad los cimentaron como una banda completamente auténtica cuya estrella brilló brevemente pero con gran intensidad durante esta primera época. Estilísticamente, algunas de las canciones son del tipo hard-rock que se estaban produciendo en Australia durante el período. Otros tienen una sensación de reggae casi tipo "Police" (ejemplos, "Best Kept Lies" y "Star Hotel"). Personalmente, disfruto más las canciones de estilo rock-blues. 

El título y la portada son brillantes y ahora son clásicos. Entre muchas grandes canciones se encuentran "Standing on the Outside", "My Baby", "Cheap Wine", "Star Hotel", "Choir Girl" y "Tomorrow". En mi opinión, Cold Chisel nunca volvió a alcanzar estas alturas.

Disco recomendado. "East" es música de rock australiana ahora clásica de una calidad suprema, con himnos al dolor y la pobreza y lamentos de los desposeídos. Es un excelente conjunto de canciones interpretadas por músicos de altísimo nivel. Una gran escucha que puede estar más en sintonía con el oyente de rock ahora "veterano", pero sin embargo suficientemente accesible y rockero para un oyente más joven. Además, si tienes una mente curiosa y buscas nuevos estímulos y calidad musical, este álbum será una delicia para ti.

Video del tema "Cheap Wine":

Tracklist (formato LP): 

Cara A:

1. "Standing on the Outside" – 2:53
2. "Never Before" (Ian Moss) – 4:09
3. "Choirgirl" – 3:14
4. "Rising Sun" (Jimmy Barnes) – 3:26
5. "My Baby" (Phil Small) – 4:02
6. "Tomorrow" – 3:33

Cara B:

1. "Cheap Wine" – 3:24
2. "Best Kept Lies" (Steve Prestwich) – 3:48
3. "Ita" – 3:33
4. "Star Hotel" – 4:10
5. "Four Walls" – 2:23
6. "My Turn to Cry" (Jimmy Barnes) - 3:31

DEFTONES - White Pony - Album

Es posible que el lector siendo un fan del metal, y joven, no conozca el siguiente disco que quiero destacar. Lo que hace especial esta obra y que sea tan accesible a un público mucho más amplio es su diversidad de influencias musicales y sonidos. Un verdadero placer para aquellos seguidores del "metal" que desean un enfoque más "suave" y una sensación musical más "melódica". Hablo de "White Pony" de la banda americana "DEFTONES".

ALBUM: White Pony 

 
El tercer álbum de estudio de la banda estadounidense de alternative metal Deftones, publicado el 20 de junio de 2000. Fue producido por Terry Date (Soundgarden, Pantera, The Smashing Pumpkins, White Zombie … etc. ), quien produjo los dos primeros álbumes de la banda, Adrenaline (1995) y Around the Fur (1997).

Se considera un punto de inflexión en la historia de los "Deftones" en términos de experimentación; incorporando influencias del post-hardcore, trip hop, dream pop, rock progresivo y post-rock al sonido de metal por el que se habían hecho conocidos.

White Pony también fue el primer álbum en presentar a Frank Delgado como miembro del grupo a tiempo completo llevando sintetizador y samples. También fue el primer disco de Deftones en el que Chino Moreno comenzó a contribuir con partes de guitarra rítmica.

La obra fue lanzada en el apogeo de la explosión del metal, y había introducido el sonido "nuevo" de Deftones: una mezcla de metal y dream pop. Fue un salto cuántico hacia adelante en términos de letras y musicalidad. La sección rítmica de Chi Cheng y Abe Cunningham en este disco es otra cosa. La percusión de Cunningham es enorme y genial.

La banda se aventura a experimentar con diferentes atmósferas y efectos, afinando su técnica de canciones y potenciando la voz pura de Chino Moreno. El resultado es un avance artístico, que no solo marcó una nueva dirección para la banda, sino que también se consolidó como posiblemente su mejor trabajo hasta el momento.

White Pony tiene de bueno que mantiene fieles a los "metal-heads" empedernidos con canciones desgarradoras como "Feiticeira", "Street Carp" y "Elite", mientras expande sus horizontes con la sacudida midtempo de "Rx Queen" (con Scott Weiland en la voz) y la embrujada tema de "Digital Bañera".

Ya sea fuerte o suave, violento o tierno, cada canción de "White Pony" ofrece melodía y diferentes estados de ánimo, lo que da como resultado el tipo de álbum que se reconoce instantáneamente como una subida de nivel. Si bien es más conocido por los singles "Change (In the House of Flies)" y "Back to School (Mini Maggit)", el verdaderos temas fuerte es "Knife Prty" electrificado por la aterradora voz de Rodleen Getsic al final, y el brutal "Korea", que presenta uno de los gritos más espeluznantes de Moreno. La sensualidad y el peligro del álbum culminan en la epopeya cinematográfica "Passenger", un dúo con Maynard James Keenan de Tool.

Con lo cual, "White Pony" hace que los "Deftones" pasen de ser vistos como una banda decente en el "nu metal" a ser una fuerza artística única que trasciende el género dentro de la industria de la música. En "White Pony", Deftones parece combinar los mejores rasgos de The Cure, Pixies, Faith No More, Helmet y Sepultura. Esto si que es la manera de ganarse la banda el espacio más amplio de los fans de hard rock-metal y de los alternativos.

Algunos momentos destacados para mí de este disco son: "Back to School (Mini Maggit)", "Teenager", "Knife Party", "Korea", "Passenger", "House Change (In the House of Flies)" y "Pink Maggit"... pero en general es un álbum sólido. Te gustará de principio a fin.

Un disco recomendado. Oscuro, enojado y progressive. El álbum está brillantemente interpretado, brillantemente escrito y tiene una atmósfera fantástica. Puedes escuchar a una banda llegar a la madurez, quizás con Chino Moreno y Stephen en su momento más creativo.

Para terminar, en 2017, la revista "Rolling Stone" clasificó a "White Pony" en el puesto #66 de su lista de "Los 100 mejores álbumes de metal de todos los tiempos". En 2019, el periódico británico "The Guardian" les puso en #29 en su lista de "Los 100 mejores álbumes del siglo XXI". En 2020, fue nombrado uno de los 20 mejores álbumes de metal de 2000 por la revista "Metal Hammer". Solo menciono esto para que se pueda apreciar el impacto y el seguimiento que este álbum - ahora un clásico del "nu metal" - tiene y es apreciado.

Video del tema "Knife Prty":

Tracklist (formato original):

1.         "Feiticeira"      3:09
2.         "Digital Bath" 4:15
3.         "Elite" 4:01
4.         "Rx Queen"   (con Scott Weiland) 4:27
5.         "Street Carp"  2:41
6.         "Teenager"      3:20
7.         "Knife Prty"    4:49
8.         "Korea"           3:23
9.         "Passenger" (con Maynard James Keenan)      6:07
10.       "Change (In the House of Flies)"      4:59
11.       "Pink Maggit" 7:32

SPIRIT - Twelve Dreams of Dr. Sardonicus - Album

Quiero presentarte un gran disco de rock psicodélico (y prog) para descubrir y escuchar. He elegido la banda americana de rock "Spirit" fundada en 1967 y con sede en Los Ángeles. Su álbum "Twelve Dreams of Dr. Sardonicus" de 1970 es ahora una obra de referencia y un clásico. Aunque tiene más de 50 años, es atemporal y sigue sonando genial.

ALBUM: Twelve Dreams of Dr. Sardonicus

El cuarto álbum de "Spirit" y producido por David Briggs, mejor conocido por su trabajo con Neil Young. El LP original fue publicado en noviembre de 1970. Una instantánea perfecta del período de transición cuando el rock psicodélico estaba llegando a su fin y el rock progresivo estaba emergiendo.

Este disco tiene la reputación de ser el álbum más "trippy" de Spirit (como lo indica la portada), sin embargo, en realidad contiene la composición y la interpretación más disciplinadas de la formación original, reduciendo parte de la deriva y ofreciendo algunas de sus mejores melodías. Encontrarás aquí sus grandes canciones como "Nature's Way" un entrañable estándar de radio FM, junto con "Animal Zoo" y "Mr. Skin". El guitarrista principal Randy California y los miembros nunca han sonado mejor y solo lograron los altos estándares alcanzados aquí en algunas canciones después.

Esta fue también la última obra maestra de la era psicodélica. Líricamente, "Twelve Dreams Of Dr Sardonicus" resume todo lo que esa era estaba tratando de decir. Canciones como "Nothing To Hide" se burlan del mundo heterosexual; “Love Has Found A Way” y “Life Has Just Begun” ilustran cuánto es posible si tu mente está preparada para ello. Musicalmente, es infinitamente inventivo, y pone al mismo nivel las facciones de jazz, pop y heavy rock de la banda. Y aunque cristaliza un momento en el tiempo, no suena anticuado en absoluto. De hecho, escuchar en 2022 todavía te da un subidón.

Aunque es ampliamente reconocido como un "clásico del psicodélico", con mencionado tiene mucho más que ofrecer. Tiene algunos movimientos de rock progresivo y heavy, así como sintetizadores y tonos de guitarra con ritmo. Los veteranos y los críticos de música afirman al escribir sobre este disco que no había nada que sonara así en ese momento.

En resumen, un disco recomendado. Todo el álbum es una pieza imprescindible para los fans del psych-prog. Buena música con un sonido completamente original que te enganchará la primera vez que la escuches. No conozco a nadie que se sentara y lo escuchara y luego dijera que no le gustaba. Una experiencia psicodélica con canciones geniales que se destacan sobre el resto de sus contemporáneos. Una obra maestra psicodélica de principio a fin.

Video del tema "Life Has Just Begun";

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1.         "Prelude – Nothin' to Hide"   3:41
2.         "Nature's Way"                      2:30
3.         "Animal Zoo"             3:20
4.         "Love Has Found a Way"      2:42
5.         "Why Can't I Be Free?"         1:03
6.         "Mr. Skin"                  3:50

Cara B:

7.         "Space Child (instrumental)" 3:26
8.         "When I Touch You"             5:35
9.         "Street Worm"                3:40
10.       "Life Has Just Begun"                      3:22
11.       "Morning Will Come"            2:58
12.       "Soldier"                           2:43

THE PRODIGY - Music for the Jilted Generation - Album

La formación británica de música electrónica "The Prodigy" publicó el álbum "The Fat of The Land" en 1997 que es mi favorito de ellos. Pero antes, el disco anterior, también lanzaron una obra genial y igualmente de grande y quiero darlo escaparate aquí. Es una manifestación creativa de su tiempo, influenciado por su entorno y desde luego su contexto social, económico y político de la Inglaterra de los 90 (Siglo XX). Habló de "Music for the Jilted Generation".

ALBUM: Music for the Jilted Generation

El segundo álbum de estudio, publicado por primera vez en julio de 1994 por "XL Recordings" en el Reino Unido y por "Mute Records" en los Estados Unidos. Al igual que en el álbum debut del grupo, "Experience" (1992), "Maxim Reality" fue el único miembro de la formación de la banda, además del líder y cerebro "Liam Howlett" que contribuyó al álbum. Un hito absoluto para la música dance y electrónica de los 90. Mientras que su siguiente disco "The Fat of the Land" convirtió a "The Prodigy" en superestrellas mundiales, "Music for the Jilted Generation" es lo que realmente los puso en el mapa de la escena rave del Reino Unido.

Posiblemente la mejor encapsulación de una experiencia rave alimentada por el éxtasis de los 90 jamás realizada a través de un álbum de estudio. "The Prodigy" creó uno de los álbumes de baile electrónico más incesantemente intensos, hipnóticos, inductores de trance e incluso cinematográficos jamás producidos. Muchas de los samples que aparecen en el álbum son cortes de sonido de películas o están inspiradas en ellas. "Full Throttle" contiene un sample inversa de la película original de "Star Wars", "Skylined" usa un sample de un efecto de sonido del segundo episodio de la primera temporada de "The X-Files" y características de "The Heat (The Energy)" de un sample de "Poltergeist III".

También es la respuesta de "The Prodigy" a la legislación del Reino Unido y la represión de las rave-parties clandestinos (underground) contenida en el "Proyecto de ley de justicia penal" de 1994. Esto se ejemplifica en la canción "Their Law" con la introducción de la palabra hablada y la letra predominante, el sample "F * ck 'em and their Law".

El sonido aquí es más sucio; el efecto alejó a "The Prodigy" del rave y música acid house con influencia estadounidense (escena de Chicago) del pasado y lo acercó a una visión británica única del techno breakbeat que se alió con el drum'n'bass.

Hay tantas canciones geniales aquí que a los oyentes primerizos se les perdonaría pensar en una compilación de grandes éxitos en lugar de un álbum de estudio. Después de una breve introducción, la rotura de cristales en "Break & Enter" catapulta el álbum hacia adelante. Cada uno de los cuatro sencillos "Voodoo People", "Poison", "No Good (Start the Dance)" y "One Love" son absolutamente explosivos, aunque temas del álbumes como "Speedway" y "Their Law" (con la ayuda de Pop se comerá a sí mismo) son igual de poderosos.

Escuchando en 2022, algunos de los sonidos pueden considerarse un poco anticuados y vinculados firmemente a su período de tiempo, pero está compensado por el don de Howlett para las canciones y el arte de estudio. Es un disco con visión de futuro para el género, lleno de música pionera e innovadora. Es brillante, y cualquier aficionado a la música dance y electrónica necesita escuchar esto al menos una vez: esto va dirigido al lector más joven.

"Music for the Jilted Generation" es el álbum que preparó a "The Prodigy" para su mayor y mejor álbum (en mi opinión) "The Fat of the Land" tres años después. También debes buscar esta obra si no estás familiarizado con él.

En resumen, un disco recomendado. Puro terrorismo sonoro. Un espectáculo de ritmos furiosos. El punk en su versión de música electrónica. Una obra poderosa que captura un momento histórico (y revolucionario) en la historia de la música, además de ser banda sonora de una generación de jóvenes británicos.

Video del tema "Their Law":

Tracklist (formato original):

1. "Intro" 0:45
2. "Break & Enter" 8:24
3. "Their Law" (featuring Pop Will Eat Itself) 6:40
4. "Full Throttle" 5:02
5. "Voodoo People" 6:27
6. "Speedway (Theme From Fastlane)" 8:56
7. "The Heat (The Energy)" 4:27
8. "Poison" 6:42
9. "No Good (Start the Dance)" 6:17
10. "One Love (Edit)" 3:53
11. "The Narcotic Suite: 3 Kilos" 7:19
12. "The Narcotic Suite: Skylined" 5:56
13. "The Narcotic Suite: Claustrophobic Sting" 7:13

ART BRUT - Bang Bang Rock & Roll - Album

Art Brut (Banda)

Grupo de indie rock inglés y alemán. Aparecieron en escena junto a otras bandas afines como "The Rakes", "Franz Ferdinand" y "Bloc Party". El sonido se caracteriza por un sencillo rock de guitarra, así como por la entrega vocal del líder Eddie Argos y sus letras humorísticas, a menudo auto-reflexivas, sobre música, relaciones y otros intereses personales. El nombre de la banda está tomado de la definición de arte marginal del pintor francés Jean Dubuffet: arte de prisioneros, solitarios, enfermos mentales y otras personas marginadas, y hecho sin pensar en la imitación o presentación.

Formado en 2003, cuando Eddie Argos conoció al guitarrista Chris Chinchilla en una fiesta posterior en Londres para la banda "Ciccone". El guitarrista Ian Catskilkin, la bajista Frederica Feedback y el baterista Mikey Breyer se unieron poco después, completando la formación. Una serie de demos de "Art Brut" les valió un contrato con el sello discográfico "Rough Trade", que lanzó el sencillo "Formed a Band" en marzo de 2004. 

Con los años la formación iría cambiando.

La discografía hasta ahora:

• Bang Bang Rock & Roll (2005)
• It's a Bit Complicated (2007)
• Art Brut vs. Satan (2009)
• Brilliant! Tragic! (2011)
• Wham! Bang! Pow! Let's Rock Out! (2018)

El primer álbum de estudio "Bang Bang Rock n Roll" es para mí su mejor lanzamiento.
 

ALBUM: Bang Bang Rock & Roll

 
El álbum debut de estudio se publicó el 30 de mayo de 2005. Fue relanzado en 2006 con un CD extra. Una obra divertida de post-punk sarcástico con sabor a pop rock que hace un gran trabajo manteniendo el estado de ánimo enérgico durante su duración relativamente corta de 35 minutos. Es muy divertido y entretenido. Si te gusta el "humor inglés" te va encantar.

El disco es impulsado por el brillante single "Formed a Band", una canción que resume a la perfección la estética del Art Brut. Hay mucho más en "Bang Bang Rock & Roll", álbum cuyo título mata y celebra el rock & roll al mismo tiempo.

El disco contiene muchas canciones geniales para elegir. Uno de ellos es "Emily Kane", una súplica que Argos escribió para encontrar a su novia adolescente perdida. En la canción principal del álbum - "Bang Bang Rock & Roll" - Art Brut regresa al meta-punk irónico. De hecho, gran parte del atractivo del Art Brut radica en la manera de contar historias del cantante, ya sea cantando sobre la impotencia ("Rusted Guns of Milan"), bebiendo Hennessey con Morrissey ("Moving to L.A."), o complaciendo su fascinación con "Top of the Pops" o "Italia" ("18,000 lira").

La verdad es que el cantante Eddie Argo es el elemento diferencial. Su voz generalmente está más cerca al habla simple, lo cual es ciertamente extraño, aunque las melodías que rebotan debajo lo hacen mucho más musical. Sí, tienen un toque de Mark E Smith ("The Fall"), pero esto mola. Debería gustar a los fans de "The Fall".

Un disco recomendado y un gran debut. Un álbum post punk muy británico. Lo mejor son sus letras ingeniosas y divertidas, además de melodías pegadizas. Un disco que animó al joven lector a buscar por los canales habituales y darle una escucha. No hacen desde hace mucho tiempo discos como este de divertido.

Video del tema "Formed a Band":

Tracklist: 

1.         "Formed a Band"       2:58
2.         "My Little Brother"    2:23
3.         "Emily Kane"  2:41
4.         "Rusted Guns of Milan"        3:45
5.         "Modern Art" 2:23
6.         "Good Weekend"       2:49
7.         "Bang Bang Rock & Roll"     2:14
8.         "Fight!"           2:37
9.         "Moving to L.A."       3:29
10.       "Bad Weekend"         3:03
11.       "Stand Down"            2:51
12.       "18,000 Lira"  1:13

RICHARD H. KIRK - The Number of Magic - Album

Una breve historia: 

Richard H. Kirk (música electrónica)

Músico británico que se especializó en el género electrónico". Fue miembro de la banda de música industrial "Cabaret Voltaire" (CV), formada en 1973. Lanzó su primer álbum en solitario "Disposable Half-Truths" en 1980, y desarrolló una carrera en solitario paralela a CV hasta su disolución en 1994. Su música presentaba una fusión de diversos géneros musicales, desde Techno y House orientados a la danza hasta electrónica experimental y ambient.

Cuando era adolescente, Kirk se inspiró en la declaración de "Brian Eno" de que no era necesario ser músico para hacer música. Además, también influenciado por los métodos de "corte" (cut & paste) de "William Burroughs" y "Brion Gysin", cuando con Cabaret Voltaire hizo música usando sonidos encontrados (ruidos manipulados hasta fragmentos de transmisiones de radio) años antes de que el sampler hiciera de esas técnicas algo común. La mezcla de CV de voces abrasivas, bucles de cinta y la mezcla (inicial) de instrumentación en directo con electrónica crearon un modelo para la música industrial.

De hecho, Richard H. Kirk es considerado una figura importante en el "Intelligent Dance Music". Una figura clave en el desarrollo de la música electrónica británica.

Richard H Kirk falleció el 21 de septiembre de 2021 a la edad de 65 años.

Para el lector más joven que no se haya topado con la música de Cabaret Voltaire o los proyectos en solitario de Kirk, busca su álbum en solitario de 1995 "The Number of Magic".

ALBUM: The Number of Magic

Segundo disco en solitario con "Warp Records" publicado en 1995. Un álbum que con el paso del tiempo se ha convertido en un "clásico atemporal".

Publicado en un momento cuando "Intelligent DanceMusic" (IDM) y el "Ambient" estaban comercialmente en su apogeo, este disco es uno de los mejores lanzamientos que han salido desde Warp. Al igual que con sus otros proyectos de esta época, Richard H. Kirk explora aún más el estilo techno ambiental clásico con partes de samples de música dub y tribal-world music. La forma en que compone, el uso de sonidos poco ortodoxos, revela algo antinatural en él. En lugar de progresar analógicamente como música con sonido orgánico, construye capas sobre capas de samples repetitivos para llegar a un clímax lento y volver a bajar.

En el momento y con el ánimo adecuado, este álbum puede ser inmensamente gratificante y una verdadera experiencia auditiva. Hay samples tribales muy ingeniosos, ruidos industriales y cuerdas dulces que nunca fueron pensadas para funcionar juntas, pero lo hacen. Una verdadera declaración del espíritu experimental y la genialidad de Kirk, que siempre buscaba superar los límites de lo que en "ese momento" se consideraba convencional.

Cabe también destacar el uso de una amplia variedad de fuentes para este álbum, que incluyen melodías ambient ethno-funk, electro, bleep, techno y orientales. Con el tema, "Monochrome Dream", Kirk combina jazz, dub, space ambient y ritmos latinos, todo al mismo tiempo. A pesar de la disparidad de géneros, "The Number of Magic" se mantiene perfectamente unido.

Algunas canciones que me molan son: "So Digital", "Atomic", "Monochrome Dream" y "Poet Saints Revolutionaries".

Un disco recomendado. Paisaje sonoro innovador con algunos arreglos únicos que combinan techno, industrial y experimental. Es una gran opción (o descubrimiento) para los fans de "The Orb" o "The Future Sound Of London". Es un disco sutil, experimental y refinado, y sobre todo mejora con el tiempo. 

Video del tema "Monochrome Dream":

Tracklist:

1.Lost Souls On Funk            8:12
2.Love Is Deep           7:44
3.So Digital    7:34
4.Indole Ring 8:40
5.East Of Nima          9:41
6.Atomic         6:38
7.Poets Saints Revolutionaries          9:28
8.Monochrome Dream           9:31
9.The Number Of Magic        10:09

PD. El primer solo álbum para Warp Records "Virtual State" (1994) también es muy interesante. Aquí el video del tema "Come" del disco:

AROVANE - Tides - Album

Arovane (Música Electrónica)

Este es el nombre de grabación del artista alemán de música electrónica Uwe Zahn. También publica música bajo el apodo de "Nedjev". Los álbumes de Zahn han sido aclamados por la crítica y forman parte de la escena "Intelligent Dance Music" (IDM). También se dice que la oferta de "Arovane" se parece y está influenciada por contemporáneos como "Autechre", "Aphex Twin" y "Boards of Canada".

Uwe Zahn lanzó sus primeros temas con "Arovane EP". Estilísticamente, los primeros trabajos de Arovane se remontan al electro melódico insular de los primeros años de "Autechre", combinando ritmos de caja altamente sincopados con texturas de sintetizador cálidas y delicadas. Después del "EP Arovane", dos EP adicionales "Icol Diston" y "AMX" precedieron al lanzamiento del LP debut, "Atol Scrap". Más tarde, apareció la maravillosa "Tides" en 2000. Después de un largo período de silencio que se acercó a una década de duración, Zahn reactivó "Arovane" con una ráfaga de lanzamientos que se basaron en su pasado. Vea a continuación la discografía hasta este momento:

• Atol Scrap (1999)
• Tides (2000)
• AER (2001, colaboración con Phonem)
• Lilies (2004)
• Ve Palor (2013)
• In-between (2015, colaboración con Hior Chronik)
• Kaziwa (2016, colaboración con Porya Hatami)
• Into My Own (2017, colaboración con Hior Chronik)
• Organisim (2017, colaboracion con Porya Hatami)
• Reihen (2021)

El álbum que más disfruto es "Tides", una deliciosa experiencia auditiva que se ha convertido en un clásico de "IDM".
 

ALBUM: Tides

El segundo álbum de estudio fue publicado el 1 de junio de 2000.

Algunos críticos han escrito que es "una pequeña obra maestra de la música ambient". En 2017, "Tides" ocupó el puesto #44 en "lista de Pitchfork de los 50 mejores álbumes de IDM de todos los tiempos". 

Para mí es uno de los disco hermoso de música electrónica. Tan pronto como comienza la primera canción, "Theme", uno sabe que está a punto de escuchar algo especial: te dejaras surfear las olas de sus grandes ritmos lentos.

No hay duda de que la influencia de héroes como "AphexTwin" y "Boards of Canada" (no crean en algunas afirmaciones de plagio) están presentes. Sin embargo, con "Tides", Arovane quiere llevar su música a otro nivel; esto es obvio, ya que el artista quiere diferenciarse y encontrar su propio espacio. Con este esfuerzo obtienes todos los golpes ambient en canciones como "A Secret", todas las pausas lentas y retumbantes con canciones como "The Storm", incluso los crescendos sutiles con canciones como "Epilogue". En general, lo que llama la atención es el uso que hace Arovane del clavicémbalo, que es simplemente divino. Esto le da un interesante efecto a todo el álbum. 

Mencionado esto, sigue siendo uno de mis álbumes de IDM que escucho regularmente. Este disco está lleno de sentimiento y melodía. Arovane propone una mezcla de ambient modesto, instrumentos acústicos y paisajes sonoros naturales, casi cinematográficos. En su conjunto, "Tides" está bellamente equilibrada, evocando imágenes de lugares cálidos y tranquilos. Por último, el trabajo de guitarra de Cristian Kleine florece y agrega un elemento extra de melodías orgánicas y emotivas a una composición ya rica. Enfoca tu atención en el trabajo de guitarra mencionado, ¡brillante! 

Disco recomendado. Un álbum corto, dulce y sin demasiados "bloops y bleeps". Esto es casi todo lo que los músicos electrónicos minimalistas deberían probar y emular. "Tides" es una hermosa obra de música electrónica. 

Video del tema "Tides":

Tracklist:

1.         "Theme"          3:40
2.         "Tides"            5:32
3.         "Eleventh!"     4:45
4.         "Tomorrow Morning" 1:51
5.         "Seaside"        3:35
6.         "A Secret"       4:39
7.         "The Storm"    7:23
8.         "Deauville"     5:43
9.         "Epilogue"      2:43

NIRVANA - In Utero - Album

La banda americana "Nirvana" es más recordado por el lanzamiento de su segundo álbum de estudio "Nevermind" (1991), un disco que marcó un cambio generacional de época en la música. "Nevermind" también se cita como la incorporación del grunge y el rock alternativo al "mainstream", además de iniciar un resurgimiento del interés en la cultura punk entre los adolescentes y adultos jóvenes de la Generación X. Tantos elogios y poderes trascendentes para un sólo álbum. Sin embargo, hay otro disco igual de poderoso, por diferentes razones, e igual de bueno. Titulado "In Utero", quizás es mejor, ya que refleja lo que Nirvana realmente quería destacar en su música, además de ser el último álbum antes de que Kurt Cobain se suicidara. 

ALBUM: In Utero

 
Tercer y último álbum de estudio de NIRVANA publicado el 13 de septiembre de 1993. Kurt Cobain contrató al productor Steve Albini, buscando un sonido más complejo y abrasivo.

"In Utero" fue un gran éxito comercial y de crítica. Los críticos elogiaron el cambio de sonido y las composiciones de Cobain. Alcanzó el #1 en el Billboard 200 de EE.UU. y en la lista de álbumes del Reino Unido; los singles "Heart-Shaped Box" y "All Apologies" alcanzaron el #1 en la lista Billboard Alternative Songs. El álbum está certificado cinco veces platino y ha vendido 15 millones de copias. Este disco es más áspero, morboso, destructivo, gritón e incluso más ecléctico que sus dos álbumes anteriores.

Encuentras a un "Nirvana" (ciertamente a Kurt Cobain) en su forma más desnuda y vulnerable, porque por cada letra sarcástica puedes sentir una cicatriz escondida debajo de ella, cada desviación un dolor redirigido. En retrospectiva, es fácil decirlo, pero es difícil no escuchar este disco como la nota de suicidio de Kurt Cobain.

También es un álbum controvertido. Su sello discográfico, "DCG Records", se opuso al sonido del disco alegando que era "imposible de escuchar". También hubo una falta de posibles sencillos de "éxito" y ganchos pegadizos. Nirvana no quería lanzar un "Nevermind II" por mucho que su compañía discográfica quisiera que lo hicieran. También recibieron mucha crítica por su canción "Rape Me" (Viólame)… por razones obvias. 

El disco es una experiencia alienante deliberada; cargada al frente con muchas de sus canciones más fuertes, luego desciende a una serie de ráfagas breves y disonantes antes de concluir con la canción "All Apologies", que solo se vuelve más triste con cada escucha que pasa. A lo largo de todo, la composición de canciones de Kurt Cobain es absolutamente inquietante, y sus mejores momentos se encuentran entre sus mejores trabajos, pero el dinamismo exagerado de la grabación parece una forma de camuflar su desánimo. "In Utero" sigue siendo una escucha demoledora, ya sea que se vea como la carta de despedida de Cobain o como un intento de alienar a la audiencia o enterrar toda la popularidad general que cayó sobre "Nirvana" con su disco anterior "Nevermind".

Para contrarrestar los abrumadores efectos de "Nevermind", el productor Steve Albini fue contratado para llevar el ruido al frente. A veces está trastornado, otras veces está lúcido y tranquilo. Suena más vivo y a veces caótico, pero también suena visceral e introspectivo.

Kurt Cobain tiene su mejor lote de canciones hasta entonces, combinando sin esfuerzo lo pegadizo del pop ("Rape Me") con un abandono ruidoso e incontrolable ("Scentless Apprentice", "Radio Friendly Unit Shifter", "Tourette's" ) a pesar de que es siempre inquietante y complejo. Cobain también nos brinda sus mejores baladas en este disco, alcanzando una profundidad más allá de lo que había intentado anteriormente con el gran éxito "Heart Shaped Box", la pensativa "All Apologies" y la conmovedora "Dumb". En estas canciones, Cobain logra una especie de sonido catártico que lo corona como uno de los artistas más significativos de principios de los 90 y se niega a adherirse a cualquier tipo de noción preconcebida de la música rock de la época. La sección rítmica de Krist Novoselic y Dave Grohl está más unida que nunca, debido a las constantes giras de los años anteriores a este álbum.

Los temas del álbum comprenden relaciones complejas ("Milk It"), autoimagen y trauma emocional pasado ("Serve the Servants"), existencialismo discreto ("Dumb"), rebelión corporativa ("Radio Friendly Unit Shifter") y catarsis. Un verdadero viaje mental con tormentas de dudas que estaba fermentando dentro de la subconsciencia de Cobain.

Mencionado todo esto, la fuerza de "Nirvana" en este disco es la capacidad de hacer que lo disonante parezca melódico y que el sonido poco atractivo suene hermoso. Las canciones crean una atmósfera que muchos encontrarán alienante, sin embargo, te sentirás atraído cuánto más los escuches.

"In Utero" fue el último álbum de Nirvana antes del suicidio de Cobain en 1994. Esto es un hecho, y quizás se recuerda más por esto de por su calidad y grandeza como obra. En este disco están plasmados el corazón, alma y mente de Cobain mejor que en cualquier otro disco de Nirvana.

Un disco recomendado. Su música irregular y fracturada es el sonido de una mente fuera de control. Toda la fama que obtuvo con el anterior disco "Nevermind" realmente se la ganó en "In Utero", que fue el mayor logro de la banda y, lamentablemente, debido al suicidio de Cobain al año siguiente, el último.

Para el lector más joven que busca música de rock auténtica, escucha "In Utero". Si quieres descubrir música verdaderamente genuina y sensata, y que es más fascinante cada vez que le hincas el diente, este es tu disco. Incluso puede sacudir tus convencionalismos musicales.

Video del tema "Heart Shaped Box":

Tracklist: 

1.         "Serve the Servants"   3:36
2.         "Scentless Apprentice"           3:48
3.         "Heart-Shaped Box"  4:41
4.         "Rape Me"      2:50
5.         "Frances Farmer Will Have Her Revenge on Seattle"          4:09
6.         "Dumb"           2:32
7.         "Very Ape"     1:56
8.         "Milk It"         3:55
9.         "Pennyroyal Tea"        3:37
10.       "Radio Friendly Unit Shifter"           4:51
11.       "Tourette's"     1:35
12.       "All Apologies"          3:51

WES MONTGOMERY - The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery - Album

Wes Montgomery (Guitarrista de Jazz)

Nombre completo, John Leslie "Wes" Montgomery fue un guitarrista de jazz estadounidense. Muchos críticos y entusiastas del jazz consideran a Wes Montgomery como el mejor guitarrista de jazz de todos los tiempos. Prefiero no afirmarlo, porque el jazz cuenta con muchos otros grandes guitarristas, por ejemplo, Charlie Christian, Django Reinhardt y Grant Green. Pero no hay duda de que Montgomery ayudó a popularizar la presencia de la guitarra en los grupos de jazz.

Wes Montgomery trabajó mucho con sus hermanos Buddy (Charles F.) y Monk (William H.) y con el organista Melvin Rhyne. Sus grabaciones hasta 1965 estaban orientadas hacia el hard bop, el soul jazz y el post bop, pero a mediados de los 60s comenzó a grabar álbumes instrumentales más orientados al pop que tuvieron éxito "mainstream".

Su estilo de guitarra posterior influyó en el jazz fusión y el jazz suave. La técnica de Montgomery es famosa y elogiada, a menudo abordando solos en tres niveles: comenzaría la progresión con líneas de una sola nota, derivadas de escalas o modos; después de un número adecuado de secuencias, tocaba octavas durante algunas secuencias más, culminando finalmente con acordes en bloque. Además, en lugar de usar una púa, Montgomery pulsaba las cuerdas con la parte carnosa de su pulgar, usando golpes hacia abajo para notas individuales y una combinación de golpes hacia arriba y hacia abajo para acordes y octavas. Este estilo tan "suyo" lo aprendió para no molestar a sus vecinos cuando practicaba en sus primeros años.

Wes Montgomery murió de un infarto el 15 de junio de 1968.

Si estás buscando un álbum para introducirte a este músico excepcional, busca "The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery '' (1960).

ALBUM: The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery

 
Álbum publicado en abril de 1960. La mayoría de sus canciones ejemplifican dos de las técnicas distintivas de Montgomery: "la técnica del pulgar" y el uso de octavas. Posiblemente el álbum más consistente de West Montgomery, fuera de sus grabaciones en directo, además de ser un excelente álbum para aquellos que quieran descubrir su música.

En 2017, el álbum fue seleccionado para el "Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso" como "cultural, histórica o artísticamente significativo".

Es una grabación de inflexión", Montgomery se alejó de su combo de órgano tradicional con Melvin Rhyne, la banda "Montgomery Brothers" y otros acompañantes de estudio con los que había estado tocando. Se fue a la ciudad de Nueva York y se unió al trío de Tommy Flanagan (con los hermanos Percy y Albert Heath), y Montgomery parece estar en su post-elemento de hard bop, balanceándose con fluidez con propósito, impulso y vigor.

Este disco estableció a Montgomery como el guitarrista moderno más formidable de la época y, finalmente, el más influyente. Obviamente, Wes Montgomery no inventó la guitarra en el jazz, pero en "The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery" es donde se convirtió en un legendario guitarrista de jazz. "The Incredible Jazz Guitar..." es un álbum con mucho swing de hard bop y blues. Abre y explota con una interpretación de ritmo rápido del estándar "Airegin" de Sonny Rollin y continúa a través de temas como el increíble "D-Natural Blues", el arremolinado "Four on Six", el alegre "West Coast Blues", y el mid tempo "Gone With the Wind"; por cierto todos excepto el último son originales. La guitarra de Wes Montgomery también interpreta exuberantes baladas de jazz como su versión de "Polka Dots and Moonbeams" e "In Your Own Sweet Way".

En resumen, un disco recomendado. Wes Montgomery tiene en este disco un talento que va más allá de lo convencional, consistentemente brillante y, de hecho, increíble en compañía de sus acompañantes, y esta grabación (una adición esencial a la colección de todos los fans de la guitarra de jazz) lo colocó en el mapa musical. También destaca una rara ocurrencia de cuando el virtuosismo técnico y el buen gusto se superponen. Gran disco y mejor como obra de introducción para descubrir al músico.

Video del tema "Airegin":

Tracklist:

1."Airegin" (Sonny Rollins) – 4:26
2."D-Natural Blues" (Wes Montgomery) – 5:23
3."Polka Dots and Moonbeams" (Jimmy Van Heusen, Johnny Burke) – 4:44
4."Four on Six" (Montgomery) – 6:15
5."West Coast Blues" (Montgomery, Granville Sascha Burland) – 7:26
6."In Your Own Sweet Way" (Dave Brubeck) – 4:53
7."Mr. Walker (Renie)" (Montgomery) – 4:33
8."Gone With the Wind" (Allie Wrubel, Herb Magidson) – 6:24

Músicos:

• Wes Montgomery - guitarra eléctrica
• Tommy Flanagan-piano
• Percy Heath - bajo
• Albert Heath - batería

WILCO - Yankee Hotel Foxtrot - Album

ALBUM: Yankee Hotel Foxtrot

 
El cuarto álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Wilco, publicado por primera vez el 18 de septiembre de 2001. Las sesiones de grabación se vieron empañadas por conflictos internos - incluyeron un cambio de bateristas y desacuerdos entre los miembros de la banda y los ingenieros sobre las canciones. Fue el primer álbum de la banda con el baterista Glenn Kotche y el último con el multi-instrumentista y compositor Jay Bennett.

"Reprise Records", el sello discográfico de Wilco en ese momento, se negó a publicar el álbum porque no estaban contentos con el resultado final; esto llevaría a la salida de Wilco de "Reprise". Posteriormente, la banda adquirió los derechos del álbum y luego transmitió (streaming) el álbum completo de forma gratuita en su sitio web el 18 de septiembre de 2001. En noviembre de ese año, Wilco firmó con "Nonesuch Records", quienes le dieron al álbum su primer lanzamiento comercial oficial el 23 de abril de 2002. Es ahora considerado como uno de los mejores álbumes de la década de 2000. También es el disco más vendido de Wilco hasta el momento.

"Yankee Hotel Foxtrot" es un álbum con un sonido maravilloso, la producción es genial, la maestría musical es casi perfecta y, a pesar de la etiqueta "Radiohead" (siempre lees a los críticos: "me recuerda a "Ok Computer""), la banda casi nunca pierde la pista de la melodía. Es este enfoque en las grandes melodías lo que hace que "Yankee Hotel Foxtrot" envejece tan bien en comparación con otros álbumes, dejándolo como uno de los pocos discos cuya experiencia realmente coincide con su reputación. La música de Wilco había evolucionado y madurado plasmándose aquí para revelar una complejidad rara en la música pop.

Después de deshacerse de los grilletes de la etiqueta de "Alt-Country" que les habían impuesto a través de su álbum doble de 1996 "Being There", Wilco experimentó mucho con las construcciones elaboradas que rodean sus melodías simples y que aparecen por primera vez en el disco "Summerteeth". Escuchas en "Yankee Hotel Foxtrot" un caleidoscopio de estilos y sonidos. Ya sea que las canciones sean "americana" directas o profundamente psicodélicas o algo intermedio, donde las cosas realmente brillan es en la mezcla. Los sonidos "bailan" desde la percusión hasta los teclados y la electrónica donde se agregan gradualmente a las canciones en el momento justo para permitir que las canciones respiren y que los sentimientos de Jeff Tweedy se desplieguen. Tweedy suena triste, con razón, y está tratando de sacarnos del malestar. El contexto histórico donde se encuentra este álbum es importante, Estados Unidos sacudido por los atentados del 11 de septiembre, fue una fuerza de cambio. Nada después, el mundo entero, en este caso la música, volvería a ser la misma. La canción, "Ashes Of American Flags" se considera uno de los temas más destacados, donde Tweedy abre su corazón con cierto dolor a los eventos del 11 de septiembre.

Jeff Tweedy también alcanza un nivel lírico superior en "Yankee Hotel Foxtrot". En el verso de la canción de apertura, pasa de abstracciones aliteradas (letras sin sentido) a pensamientos más directos de aislamiento. En los 50 minutos que siguen el disco está lleno de canciones de líneas sencillas y grandiosas. Pero el punto culminante es la música en sí misma. El compás inicial de violines de “Jesús, Etc.” habla más que cualquiera de las letras de la canción. En “Radio Cure”, escucha cómo la guitarra acústica ligeramente punteada se vuelve más fuerte en algunos puntos, como si el guitarrista puntea las cuerdas lo más atrás posible y las soltara, o escucha la melodía del teclado entrecortada en los coros, o realmente intente identificar cuándo el redoble contenido pero rápido comienza y cuándo exactamente se evapora. Y cuando "Reservations" alcanza su brillante crescendo, la canción cambia a una completamente nueva. En resumen, es un álbum rebosante de ganchos, que lleva el sonido al siglo XXI con una variedad de arreglos sonoros y electrónicos. Canciones que van desde melancólicas, lentas pero instrumentalmente caóticas, hasta palpitantes canciones de pop rock, todas manteniendo ese elemento de "twang-rock" acústico.

Mencionado esto, en mi caso particular, el disco me necesito algunas escuchas. Admiro los efectos que actúan como telón de fondo de casi todas las canciones: ideas de producción asombrosamente ingeniosas. Te das cuenta que el disco es muy inteligente, cada vez que lo escuchas, estás descubriendo algo más que no habías escuchado antes.

Aquí encuentras algunos temas destacados del álbum: "I Am Trying to Break Your Heart", "Radio Cure", "War on War","Jesus, Etc.", "Ashes of American Flags", "Heavy Metal Drummer", " Reservas"...etc.

Un disco recomendado. Es un álbum de cantautor experimental, el gran salto adelante de Wilco que es una mezcla de rock tradicional, electrónica, ritmos extraños y gestos experimentales. Una experiencia auditiva maravillosamente creativa, bien escrita y emocionalmente resonante. El género "alt-country" se lleva a otro nivel. 

Video del tema "Jesus Etc.":

Tracklist:

1. "I Am Trying to Break Your Heart" 6:57
2. "Kamera" 3:29
3. "Radio Cure" 5:08
4. "War on War" 3:47
5. "Jesus, Etc." 3:50
6. "Ashes of American Flags" 4:43
7. "Heavy Metal Drummer" 3:08
8. "I'm the Man Who Loves You" 3:55
9. "Pot Kettle Black" 4:00
10. "Poor Places" 5:15
11. "Reservations" 7:22

Créditos:

• Jeff Tweedy: voz, guitarra acústica, guitarra eléctrica, armónica, arreglos de trompeta, arreglos de cuerdas, letras, música,
• Jay Bennett: programación, guitarra acústica, guitarra eléctrica, piano, teclados, sintetizador, órgano, bajo, batería, percusión, lap steel, vibráfono, campanas, voz, ingeniero, música,
• John Stirratt: bajo, voz, arreglos de trompeta, arreglos de cuerdas,
• LeRoy Bach: piano, guitarra acústica, guitarra eléctrica, órgano, vibráfono, bajo, percusión,
• Glenn Kotche: batería, percusión, címbalo, sirena, campanadas,
• Craig Christiansen: programación, teclados, sintetizador, percusión, autoarpa, armonio,
• Ken Coomer: batería, percusión,
• Jessy Greene: violín, viola,
• Fred Lonberg-Holm: violonchelo
• Jim O'Rourke: guitarra acústica, guitarra eléctrica, piano, teclados, piano de juguete, estilófono, ingeniero adicional, ingeniero de mezcla, 
• Wilco: producción.

PIXIES - Surfer Rosa - Album

Cuando la corriente "mainstream" de la música de la década de 1980 estaba llena de estúpidos y exagerados "hair metal" y malas canciones de synth-pop, la banda estadounidense "Pixies" básicamente ayudó a forjar el género del rock alternativo. Sí, también hubo otros como "Husker Du" y los "Minutemen", y "Sonic Youth" estaba arrasando con experimentos de ruido extremadamente extraños, pero los Pixies pudieron presentar algo diferente, mostraron el underground, que aún podría ser oscuro y melancólico, pero infundiendo un toque pop muy profundo a la "alternativa". El disco debut de los Pixies "Surfer Rosa" fue un punto de inflexión.

ALBUM: Surfer Rosa

 
El álbum de estudio debut de la banda estadounidense PIXIES fue publicado en marzo de 1988 por el sello británico 4AD. Producido por Steve Albini, este disco contiene muchos de los elementos de la producción anterior de Pixies, incluidas letras en español y referencias a Puerto Rico. Incluye referencias a la mutilación y el voyerismo junto con técnicas de grabación experimental y un sonido de batería distintivo. Solo dura unos 35 minutos, pero parece más largo; es sólido, humorístico, entretenido, sorprendente y aún hoy revolucionario.

Una palabra (de otras) que describe este debut es "urgencia". Surfer Rosa no reinventó el panorama del rock, pero señaló que se necesitaba un cambio. En los días en que las listas de éxitos del pop estaban gobernadas por el mal metal y el synth pop súper comercial de mala calidad, Black y sus "Pixies" mostraron y presentaron algo diferente al mundo musical.

"Surfer Rosa" es uno de los hitos del rock alternativo. La producción de Steve Albini logró dejar este disco con el don de la eterna juventud, ya que sus sonidos son crudos, sucios, directos: los gritos vocales de Black Francis, el énfasis en la batería, la violencia de las guitarras, la precisión del bajo y la espontaneidad de la banda.

Black Francis no te canta, grita. "Break My Body", "Broken Face", "River Euphrates", estos son temas de punk cabreado. Sin embargo, "Surfer Rosa" no es un disco que pasa volando con un montón de canciones rápidas; por cada "Tony 's Theme" hay una canción más tranquila y controlada como "Cactus". Todo parece estar calculado, aunque el caos parece dominar.

El álbum comienza con una de las mejores aperturas de discos en el Rock con "Bone Machine". "Break My Body" mantiene el impulso con letras masoquistas y un estribillo pegadizo. Este tema, al igual que "Broken Face", "Vamos" y "I'm Amazed", estuvieron en los demos "Purple Tapes", y las versiones producidas por Steve Albini en "Surfer Rosa" son mejores que las originales destacando cómo este productor fue fundamental para la calidad del disco. "Something Against You" tiene un riff asesino, mientras que "Broken Face" está lleno de diversión y las letras están llenas de humor negro. "Gigantic" es la única canción compuesta y cantada por el bajista Kim Deal, y contiene una de las melodías más inolvidables del álbum. "River Euphrates" es otra canción con un fuerte atractivo melódico, con "Where is my Mind?" la canción más famosa del disco. De hecho, y bastante interesante, es la canción más accesible del álbum. "Cactus" se destaca del resto de "Surfer Rosa" por su tono introspectivo, y por eso no menos brillante. "Tony 's Theme" es una de las otras canciones divertidas del álbum. "¡Oh, Dios mío!" (con charla de estudio incluida) es la única canción cuya letra se imprimió en el inserto del LP, quizás porque cita el título del álbum. “Vamos” tiene su parte media marcada por casi tres minutos de caos sonoro regidos por la guitarra demente de Joey Santiago. Sigue siendo un tema culminante en los conciertos de la banda. "I'm Amazed" es una de las canciones más electrizantes del álbum. "Brick Is Red" es la joya escondida del disco, y también anticipa el sonido menos agresivo y más elaborado que Pixies adoptará más adelante, comenzando con su próximo y superventas álbum "Doolittle".

"Surfer Rosa" suele incluirse en muchas listas como uno de los mejores discos de rock. Artistas y bandas de rock alternativos, incluidos Billy Corgan, PJ Harvey y Radiohead, lo han citado como inspiración. Kurt Cobain de "Nirvana" citó a "Surfer Rosa" como base para la composición de "Nevermind". Cuando Cobain escuchó por primera vez "Surfer Rosa", descubrió una forma para la mezcla de ruido pesado y pop que pretendía lograr. Comentó en 1992 que "escuchó canciones de "Surfer Rosa" que yo había escrito pero que tiré porque tenía demasiado miedo de tocarlas para alguien". Cobain contrató a Steve Albini para producir el álbum de Nirvana de 1993 "In Utero", principalmente debido a su contribución a "Surfer Rosa".

En resumen, un disco recomendado. Posiblemente uno de los mejores álbumes de debut de la música rock. Ritmos contundentes, letras crípticas, voces aullantes y una guitarra solista abrasadora, todo envuelto en melodías pop muy pegadizas. Si te gusta el rock alternativo, el punk o el grunge este disco es imprescindible en tu colección de música. Es un clásico. Mencionado esto, el siguiente álbum "Doolittle" es una explosión nuclear de grandeza. Los "Pixies" nunca volverían a alcanzar las mismas alturas. Mientras tanto, "Surfer Rosa" es en realidad el mejor trabajo de Pixies en cuanto a distinción.

Video del tema "Where is my Mind?":

Tracklist:

1.         "Bone Machine"                    3:05
2.         "Break My Body"                 2:08
3.         "Something Against You"                1:50
4.         "Broken Face"            1:33
5.         "Gigantic"           3:58
6.         "River Euphrates"                  2:35
7.         "Where Is My Mind?"                       3:57
8.         "Cactus"                     2:19
9.         "Tony's Theme"                     1:55
10.       "Oh My Golly!"                     2:35
11.       "Vamos"                    4:25
12.       "I'm Amazed"            1:45
13.       "Brick Is Red"                       2:02

Pixies:

• Black Francis - voz, guitarra rítmica, guitarra acústica
• Kim Deal: bajo, voz y voz principal en "Gigantic" (acreditada como Mrs. John Murphy)
• Joey Santiago - guitarra solista
• David Lovering - batería

Técnico:

• Steve Albini – producción, ingeniería de audio
• Simon Larbalestier, Vaughan Oliver - imagen de portada, imágenes del folleto del álbum