THE UNITED STATES OF AMERICA - Album

The United States of America (Banda)

Grupo americano de rock experimental fundado en Los Ángeles en 1967 por el compositor Joseph Byrd y la vocalista Dorothy Moskowitz, con el violinista eléctrico Gordon Marron, el bajista Rand Forbes y el baterista Craig Woodson. Muchos críticos los consideran entre las bandas más revolucionarias de finales de los 60 (Siglo XX) introduciendo la tecnología electrónica de la época en la música rock.

El sonido del grupo se basó tanto en la psicodelia como en la vanguardia. Inusualmente, la banda no tenía guitarrista; en cambio, usaron cuerdas, teclados y electrónica, incluidos sintetizadores primitivos y varios procesadores de audio, incluido el modulador de anillo. Fueron en muchos sentidos pioneros de lo que mucho más tarde se denominaría "Krautrock".

La banda lanzó sólo un álbum, el trabajo homónimo de 1968. Un disco de relativamente poco impacto en ese momento donde se situaba en la parte baja de la lista de Billboard, ganando más reconocimiento a medida que pasaban los años.

El grupo se vino abajo poco después del lanzamiento de su álbum debut. Un factor fue el desacuerdo entre Byrd, Marron y Bogas sobre la dirección musical. El otro problema fue el uso de drogas de algunos de los miembros que afectó la musicalidad.

 

ALBUM: The United States of America

 
El único álbum de estudio publicado el 6 de marzo de 1968. Producido por David Rubinson (Moby Grape, Herbie Hancock, Pointer Sisters, Santana y Taj Mahal... entre otros), el álbum combina rock e instrumentación electrónica, composición y letra experimental reflejando temas sociales. El álbum ha sido reeditado varias veces y continúa recibiendo elogios de la crítica décadas después de su primer lanzamiento.

Joseph Byrd, el líder de la banda, declaró que su objetivo estético para la banda y el álbum era crear música rock política de vanguardia; imaginó que su música combinaría sonidos electrónicos (no música electrónica), radicalismo musical y político y artes escénicas.

Todo el álbum es sólido de principio a fin. No hay guitarras, pero no lo creerás. El álbum presenta una mezcla flipante de música desde la atmosférica "Cloud Song" hasta la dura "Hard Coming Love" siguiendo por "Coming Down to the Beatleske I Won't Leave My Wooden Wife For You Sugar" hasta la "Americana of The American Metaphysical", y ya siendo de trippy los temas "Circus" y "The American Way Of Love". Simplemente engloba música psicodélica y es un disco adelantado a su tiempo. Conclusión, es extraño, innegablemente importante y todavía completamente accesible, una obra que merece mucho más atención.

Disco recomendado. Una de las reliquias esenciales de la década de 1960 y una de las grandes oscuridades del rock. Si te gusta "Jefferson Airplane", "Velvet Underground", "FrankZappa" y "Broadcast", disfrutarás de este álbum. 

Video del tema "Hard Coming Love":

Tracklist (versión vinilo):

Cara A:

1.         "The American Metaphysical Circus"          4:56
2.         "Hard Coming Love"            4:41
3.         "Cloud Song"            3:18
4.         "The Garden of Earthly Delights"                2:39
5.         "I Won't Leave My Wooden Wife for You, Sugar"            3:51 

Cara B:

6.         "Where Is Yesterday"            3:08
7.         "Coming Down"                    2:37
8.         "Love Song for the Dead Ché"         3:25
9.         "Stranded in Time"                1:49
10.       "The American Way of Love
I.  "Metaphor for an Older Man"
II. "California Good-Time Music"
III."Love Is All"  6:38

THE POSTAL SERVICE - Give Up - Album

The Postal Service (Banda)

Una formación americana de indie pop, compuesta por el cantante Ben Gibbard, el productor Jimmy Tamborello y Jenny Lewis en los coros.

El grupo se formó después de que Ben Gibbard contribuyera con la voz de una canción de Jimmy Tamborello titulada "(This Is) The Dream of Evan and Chan", del álbum de "Dntel", "Life Is Full of Possibilities". Gibbard saltó a la fama a principios de la década de 2000 como líder de la banda de indie rock "Death Cab for Cutie", mientras que Tamborello ganó seguidores de culto como pionero de la música electrónica y "glitch".

El nombre de la banda fue elegido por la forma en que producían sus canciones. Debido a horarios conflictivos, Tamborello componía e interpretó pistas instrumentales y luego envió los DAT a través del "Servicio Postal de los Estados Unidos" (US Postal Service) a Gibbard, quien luego editó la canción como mejor le pareció (agregando su voz) y los envió de regreso a Tamborello. 

La formación solo publicó un álbum de estudio y luego permaneció básicamente inactiva hasta que Gibbard y Tamborello se reunieron para conmemorar el décimo aniversario del álbum "Give Up", un evento que incluyó también aparecer en "Coachella". El grupo cesó oficialmente sus colaboraciones en 2013 después de una actuación final en "Lollapalooza".

 

ALBUM: Give Up

 

El único álbum de estudio publicado el 18 de febrero de 2003 por "Sub Pop Records". Una fascinante escucha de principio a fin. Las canciones son dulces y las letras combinan bien con los ritmos eléctricos y las voces atmosféricas. 

Lo que hizo "Give Up" ser tan acogido es que se lanzó durante un período en el que la música independiente comenzó a atraer el interés general. El álbum consiguió conectar con los oyentes mayores, quienes apreciaron las influencias de synth-pop. Además su peculiaridad es que fue compuesto básicamente por dos personas en diferentes partes del mundo enviándose (DAT y CD-R) entre sí.

El sonido del disco contrasta "samples" manipuladas y teclados con guitarra y batería en directo, un sonido que se ha descrito como "indietrónica". Tamborello fue responsable de la programación, mientras que Gibbard escribió las letras, proporcionó voces y contribuyó con instrumentación adicional. Give Up también cuenta con apariciones de los vocalistas "Jen Wood" y "Jenny Lewis", así como del músico "Chris Walla".

Por tanto este trabajo explota el contraste entre los sintetizadores y la voz humana de Gibbard con un efecto conmovedor y divertido. El sonido de "Give Up" se basa en el new wave clásico y el synth pop, a veces recordando a bandas como "New Order" o "Pet Shop Boys". Canciones como "Nothing Better","Don't You Want Me?" y el sonido de "Brand New Colony" son muy de de los años 80 traído al presente. Y para contrastar, la balada "This Place Is a Prison" es quizás la canción con el sonido más moderno. Hay otras canciones con ritmos distorsionados y sintetizadores chispeantes que le dan ese ambiente de "neo new-wave" que todavía suenan frescos hoy.

Aquí hay algunas canciones destacadas que me gustan: "Such Great Heights", "Nothing Better", "Clark Gable" y "We Will Become Silhouettes", aunque es un disco sólido.

Un disco recomendado. Es casi un trabajo "chillout" que también está hecho para una escucha activa. Fue un contrapeso al sonido de rock más pesado que dominaba la escena indie pop de su época liderada por bandas como "The Strokes" o "The White Stripes". Un disco que ha madurado bien con el tiempo y que sigue ganando muchos fans a lo largo de los años. Un álbum histórico en el sentido que representa el género "indietronica". Búscalo por los canales habituales.

Video del tema”Such Great Heights”:

Tracklist (versión original):

1.         "The District Sleeps Alone Tonight" 4:44
2.         "Such Great Heights" 4:26
3.         "Sleeping In"  4:20
4.         "Nothing Better" (con Jen Wood)        3:46
5.         "Recycled Air"           4:30
6.         "Clark Gable" 4:54
7.         "We Will Become Silhouettes"          5:00
8.         "This Place Is a Prison"          3:54
9.         "Brand New Colony" 4:12
10.       "Natural Anthem"      5:08

BRITISH SEA POWER - Do You Like Rock Music? - Album

British Sea Power (Sea Power - Banda)

 
Banda inglesa de rock alternativo. Provenientes de Natland, Cumbria, son una formación de estilo conceptual cuya música incorpora elementos del art rock y el experimentalismo post-rock.

Su formación original estaba compuesta por Scott Wilkinson (voz y guitarra), Neil Wilkinson (bajo), Martin Noble (guitarra) y Matthew Wood (batería). Eamon Hamilton (teclados) se unió a la banda en 2002. Se fue en 2006 y posteriormente fue reemplazado por Phil Sumner (teclados), y Abi Fry (viola) también se unió a la banda en 2008. 

Su amplio material y estilo musical ha llevado a los críticos a comparar su sonido con una variedad de grupos; "The Cure", "Joy Division", "Arcade Fire"... etc. La banda es también bien conocida por sus presentaciones en directo y sus canciones de contenido lírico inusual.

El sello discográfico "Rough Trade" quedó impresionado por una de las actuaciones salvajes de la banda y los contrató a finales de 2001. "The Decline of British Sea Power", fue el primer álbum de la banda, lanzado y acogido con gran éxito por la crítica.

La discografía:

• The Decline of British Sea Power (2003)
• Open Season (2005)
• Do You Like Rock Music? (2008)
• Valhalla Dancehall (2011)
• Machineries of Joy (2013)
• Sea of Brass (2015)
• Let the Dancers Inherit the Party (2017)
• Everything Was Forever (2022)

En 2021, la banda anunció que cambiaría su nombre a "Sea Power" debido al auge del nacionalismo en el mundo.

El grupo ha publicado algunos álbumes impresionantes a lo largo de los años, siendo quizás el más destacado el debut "The Decline of British Sea Power", respaldado por la mayoría de los críticos musicales. Sin embargo, para mi gusto tal vez su tercer disco "Do You Like Rock Music?" me arropa mejor.

ALBUM: Do You Like Rock Music?

El tercer álbum fue publicado el 14 de enero de 2008 en el Reino Unido y el 12 de febrero de 2008 en los Estados Unidos. Entró en la lista de álbumes del Reino Unido en el #10.

Aprovechando los talentos colectivos de tres productores, Howard Bilerman (Arcade Fire), Graham Sutton (Jarvis Cocker) y Efrim Menuck (¡Godspeed You Black Emperor!), la banda creó una colección invernal y audaz de canciones épicas que integran el indie rock sin exageraciones. Los efectos de sonido, las voces corales, las cuerdas y las letras se sienten orgánicos e inteligentemente pensados en lugar de simplemente pegados.

Para mí, este álbum es más pulido, más cómodo y más estimulante que sus dos predecesores. Hay una madurez en este álbum, menos frenético que su debut, con canciones más grandiosas y arrebatadoras, es difícil no cogerlo cariño. Las canciones contienen cambios sutiles en la dirección, cambios matizados en el tempo, hábiles golpes de destreza e ingeniosa divergencia.

Sin embargo - es solo una pequeña advertencia - este álbum requerirá algunas escuchas repetidas para poder sumergirse completamente en sus ritmos y sus matices. Suceden muchas cosas por encima y por debajo del pliegue.

Algunas canciones destacadas: "No Lucifer", "Lights Out For Darker Shores", "Waving Flags", "Open the Door" y "Atom"...aunque es un álbum sólido.

Un disco recomendado. El álbum encaja bien, suena grande y es probablemente su álbum más completo hasta la fecha. "Sea Power" es una de las pocas bandas que existen hoy en día que realmente intenta traspasar los límites.

Término, después de escuchar este álbum, busca los dos primeros álbumes para tener una experiencia más completa de lo que es esta banda.

Video del tema “Waving Flags”:

Tracklist:

1.         "All in It"                    2:11
2.         "Lights Out for Darker Skies"           6:36
3.         "No Lucifer"               3:27
4.         "Waving Flags"                      4:07
5.         "Canvey Island"                     3:41
6.         "Down on the Ground"          4:23
7.         "A Trip Out"               3:16
8.         "The Great Skua"       4:35
9.         "Atom"                               5:38
10.       "No Need to Cry"      3:43
11.       "Open the Door"                    4:56
12.       "We Close Our Eyes" 8:04

RIDE - Nowhere - Album

Ride (Banda musical)

Banda de rock británica formada en Oxford en 1988. Compuesto por Andy Bell, Mark Gardener, Laurence "Loz" Colbert y Steve Queralt, inicialmente el grupo formó parte de la escena "shoegazing" que surgió en Inglaterra a principios de la década de 1990.

Después de considerar varios nombres, la banda se decidió por "Ride". Andy Bell ha citado una actuación de "The Smiths" como inspiración para formar el grupo. Su sello es un muro de sonido neo-psicodélico que se basaba en una distorsión masiva y temblorosa con un sentido melódico que es simple y más directo.

Apodados por la prensa musical británica como "shoegazers" por su disposición tímida y concentración en los pedales de efectos de guitarra, se diferenciaron de sus compañeros, principalmente por su agudo sentido de la composición y la dinámica de las canciones. Ride personificó la designación a lo largo de 1990, un año prolífico durante el cual lanzaron tres EP prometedores y el debut de larga duración ampliamente elogiado "Nowhere".

Una breve historia

Andy Bell y Mark Gardener eran amigos de la escuela, aparecían en las producciones de teatro musical de la escuela y, en octubre de 1988, se mudaron a Banbury para realizar estudios básicos en arte y diseño en "North Oxfordshire College" y "Oxfordshire School of Art & Design" donde ahí conocieron a Laurence Colbert y Steve Queralt.

La banda se formó en el verano de 1988 y realizó su primer concierto como "Ride" para la fiesta de navidad del Colegio de Arte. Mientras aún estaba en Banbury, la banda grabo una cinta de demo en el dormitorio de Queralt, que incluía las pistas "Chelsea Girl" y "Drive Blind". Queralt y su jefe de la tienda de discos y futuro gerente de Ride, Dave Newton, habían comenzado una noche de música en directo en Oxford llamada "Local Support", y fue debido a la cancelación de otra banda que "Ride" consiguió su primer concierto. Jim Reid de "The Jesus and Mary Chain" escuchó una copia de la demo que estaba en posesión del DJ Gary Crowley, y esto despertó el interés del ex gerente de Mary Chain "Alan McGee". La banda pronto ganó seguidores a través de sus shows en directo increíblemente ruidosos y llenos de energía. Después de que la banda apoyara (teloneros) a los "Soup Dragons" en 1989, McGee los firmó con su sello "Creation Records". El resto es historia y grabaron los siguientes álbumes de estudio.

Discografía:

• Nowhere (1990)
• Going Blank Again (1992)
• Carnival of Light (1994)
• Tarantula (1996)
• Weather Diaries (2017)
• This Is Not a Safe Place (2019)
• Interplay (2024)

El año 1995 vio la disolución de la banda mientras grababan el disco "Tarantula". Gardener y Bell habían alejado a la banda de sus raíces "shoegaze" para volverse más contemporáneas, con la esperanza de cambiar su estilo con los tiempos. Gardener se había interesado más en la música baile y quería que "Ride" incorporara eso a su estilo, mientras que Andy Bell no estuvo de acuerdo.

Luego, los miembros se dedicaron a numerosos proyectos durante las próximas dos décadas. Bell formó "Hurricane #1", luego se unió a "Oasis" como bajista de la banda, y con Liam Gallagher siguió adelante con "Beady Eye". Gardener y Colbert estaban en el "Animal House" de corta duración. Más prominentemente, Colbert tocó con "The Jesus and the Mary Chain" y "Supergrass", mientras que Gardener actuó como solista y publicó un álbum en 2005, luego pasó la siguiente década colaborando con una variedad de artistas.

En 2014, Ride se reunió por completo para hacer una gira y grabar dos álbumes más. No descartes nuevo material de la banda en un futuro.

ALBUM: Nowhere

Es el álbum debut grabado el 15 de octubre de 1990. Este es posiblemente el mejor álbum del género "shoegaze", una obra maestra. La canción incluida en este disco "Vapour Trails" es el mejor ejemplo de lo que estoy hablando. Además, los miembros tenían apenas veinte años cuando grabaron esta obra, lo que lo hace aún más impresionante.

Aparte de ser un gran disco, hay canciones de calidad. Para un debut, es "Ride" en su mejor momento: denso, apretado e hipnótico. El tema que abre el disco "Seagull" sirve como una tarjeta de bienvenida dinámica. Después de "Kaleidoscope", el disco cae en un tempo de calma que inicialmente parece impenetrable y serpenteante. Sin embargo, la paciencia revela una especie de suite de cinco canciones, llena de hermosos pasajes instrumentales que están puntuados con violentos golpes de guitarras. El tema "Polar Bear" que se eleva sin cesar es un punto culminante, con tom rolls colocados por Colbert. El tempo se acelera para el tema que cierra "Vapour Trail", una canción pop melancólica con un montón de guitarras de fondo y cuerdas para cerrarlo. "Nowhere" es angustia adolescente con una alta dosis de psicodelia y atmósferas soñadoras.

Vale la pena buscar el lanzamiento del CD para el mercado de EE. UU. que incluye tres bonus tracks: "Taste", "Here & Now" y "Nowhere".

Los puristas podrán debatir si este álbum es mejor o no que "Loveless" de My Bloody Valentine lanzado un par de años antes, ya que también pueden traer al debate "Slowdive" y su trabajo "Souvlaki". De cualquier manera, tres grandes álbumes del género "shoegaze", pero "Nowhere" tiene mucho más poder y melodía.

Disco recomendado

Hermosas guitarras distorsionadas, un toque de psicodelia y poderosas baterías. "Nowhere" no es solo un disco importante del género, es uno de los mejores trabajos de guitarra pop que se hayan hecho en el Reino Unido. Buen álbum.

 Video del tema "Dreams Burn Down":

Tracklist:

1.         "Seagull"         6:10
2.         "Kaleidoscope"                      3:00
3.         "In a Different Place"            5:30
4.         "Polar Bear"                4:45
5.         "Dreams Burn Down"                        6:04
6.         "Decay"          3:35
7.         "Paralysed"                 5:34
8.         "Vapour Trail"            4:18

US CD versión con tres bonus tracks:

9.         "Taste"                        3:17
10.       "Here and Now"                    4:26
11.       "Nowhere"      5:23

THE TRASHMEN | Surfin´ Bird - Album

The Trashmen (Banda)

Grupo estadounidense de surf rock (Minneapolis, Minnesota), formado en 1962. El conjunto original incluía a los guitarristas Tony Andreason y Dal Winslow, el bajista Bob Reed y el baterista Steve Wahrer. La banda evolucionó originalmente de otra llamada, "Jim Thaxter & the Travelers". El grupo tomó su nombre de "Trashman's Blues", una canción escrita y grabada en 1961 por el músico de Minneapolis "Kai Ray", quien luego escribió canciones para la banda.

Descrito injustamente como una banda de un solo tema, "The Trashmen" eran en realidad una formación de rock & roll de primera clase, muy popular en el circuito de adolescentes, tocando principalmente música surf para audiencias estadounidenses sin playa.

El grupo lanzó grandes singles y un excelente álbum, pero su momento de gloria llegó a su fin cuando se disolvieron a fines de 1967 o principios de 1968. Se volvieron a formar a mediados de los años 80 y continuaron tocando localmente hasta la muerte de Wahrer en 1989.

The Trashmen son venerados por los coleccionistas de música de los años 60 y vistos como uno de los grandes combos de bandas adolescentes estadounidenses de todos los tiempos, su único éxito, el ya clásico "Surfin' Bird", que ejemplifica el rock & roll salvaje y descarado en su forma más demente y básica. , aparte del acorde solitario de "E-chord mejor".

 

ALBUM: Surfin' Bird

 

El álbum debut y único publicado el 14 de enero de 1964 (hay una reedición de 1995 en CD). El álbum alcanzó el puesto #48 de la lista Billboard 200. Fue grabado en "Kay Bank Studio" y distribuido rápidamente a las tiendas para capitalizar el éxito del sencillo "Surfin' Bird", lanzado dos meses antes. El álbum "Surfin 'Bird" y el sencillo vendieron cada uno más de un millón de copias.

Es una obra de surf rock impresionante. Aunque hay algunos desechables presentes, la mayoría de los cortes son de rock enérgicos destacados por algunas fantásticas guitarras de surf, incluida la mejor versión de "Miserlou". Una buena mezcla de instrumentales y voces, aunque siendo honesto, nada está al nivel del corte y canción principal que da título.

Un disco recomendado. Una mezcla fabulosa de surf pop, surf instrumental y coches tuneados-pop. Para cualquier fan de la música surf, este es un álbum esencial.

Video del tema "Surfin Bird":

Tracklist (formato vinilo):

Cara A

1.         "Surfin' Bird"             2:20
2.         "Misirlou"                   2:03
3.         "Money"                     3:05
4.         "Tube City"                3:11
5.         "Kuk"              2:03
6.         "It's So Easy"  (Buddy Holly, Norman Petty & The Crickets)           2:01

Cara B

1.         "King Of The Surf"                2:25
2.         "Henrietta"                 2:29
3.         "Malaguena"   2:31
4.         "My Woodie"             1:47
5.         "Bird Bath"                2:32
6.         "The Sleeper"              2:29

ANDY BELL | Flicker - Album

Andy Bell (Músico)

El galés, nombre Andrew Piran Bell, ha sido una figura influyente en la música rock del Reino Unido desde principios de los años 90, como guitarrista-fundador y co-líder de la banda "Ride", fundador y principal compositor del grupo de rock alternativo "Hurricane #1", y también se desempeñó como segundo bajista de "Oasis". Tras la ruptura de Oasis en 2009, Bell se unió a "Liam Gallagher" y otros dos miembros restantes para formar otra banda, "Beady Eye", que permaneció activa hasta mediados de la década de 2010.

Junto con el cantante/guitarrista Mark Gardener, el trabajo de guitarra muy laborado de Bell fue uno de los sonidos más destacados del movimiento shoegaze original, y luego de la ruptura de Ride en 1996, pudo cambiar su enfoque a otras bandas populares, así como a colaboraciones únicas, trabajando de productor e incluso como DJ. Ride se volvió a formar en 2014 para producir dos álbumes más, tiempo durante el cual Bell también lanzó una carrera en solitario, primero con su trabajo electrónico bajo el seudónimo "GLOK", luego bajo su propio nombre con más álbumes orientados al rock y al "dream-po" como "The View from Halfway Down" de 2020 y la segunda obra "Flicker" de 2022.

 

ALBUM: Flicker

El segundo álbum en solitario fue publicado el 11 de febrero de 2022. Es un álbum doble de 18 canciones, algunas de las cuales comenzó Bell a trabajar en los años 90 y en otros varios puntos a lo largo de su carrera. Como una de las fuerzas impulsoras de la composición de la banda "Ride", Bell posee un talento único para las armonías y las guitarras psicodélicas distorsionadas que de alguna manera transmiten una amplia gama de emociones.

Este disco es el sonido de un músico conocido principalmente en los círculos de shoegaze/britpop que ha decidido hacer un álbum de "cantautor". La sutil combinación de estos enfoques no sorprenderá a nadie. Lo que realmente se destaca es cómo logra mezclar lo nuevo con lo familiar, la nostalgia con el futuro. Hay un poco para todo el mundo, desde shoegaze hasta sonidos krautrock, ganchos clásicos hasta pop barroco. Bell nos lanza su red de par en par en un álbum que se siente como un eclecticismo alegre y con los brazos abiertos. Lo que me gusta de "Flicker" es la forma en que Bell ha logrado unir la amplia gama de estilos musicales empleados en el disco para formar un álbum cohesivo y fluido.

Un disco recomendado. Como ya se mencionó, hay coherencia y hay consistencia, cosas raras en álbumes dobles. Muy buen disco de un músico que tiene un largo currículum y que ha jugado un papel importante en la evolución del rock británico en los últimos 30 años. A los fans de "Ride" les gustara este trabajo.

Video del tema "Something Like Love":

Tracklist: 

1.The Sky Without You - 2:56
2.It Gets Easier - 4:46
3.World of Echo - 3:37
4.Something Like Love - 4:07
5.Jenny Holzer B. Goode - 3:48
6.Way of the World - 6:03
7.Riverside - 3:32
8.We All Fall Down - 3:56
9.No Getting Out Alive - 6:35
10.The Looking Glass - 3:10
11.Love Is the Frequency - 3:21
12.Gyre and Gimble - 2:02
13.Lifeline 3:35
14.She Calls the Tune - 5:46
15.Sidewinder - 3:53
16.When the Lights Go Down - 4:25
17.This Is Our Year - 5:43
18. Holiday in the Sun - 5:02

THE ORCHIDS | Unholy Soul - Album

The Orchids (Banda)

Grupo escocés formado en Glasgow en 1985. La formación del grupo estaba originalmente compuesta por James Hackett (voz), Pauline Hynds Bari (voz), John Scally (guitarra), Matthew Drummond (guitarra), James Moody (bajo) y Chris Quinn (batería). Su productor, Ian Carmichael, a menudo tocaba teclados en sus discos. Cambiaron su formación en 1993, cuando el bajista James Moody se fue y Ronnie Borland, un antiguo colaborador y partidario de la banda, se hizo cargo del bajo.

Comenzando con un sonido pop de guitarra melancólico, "The Orchids" se inspiraron inicialmente en algunos de las formaciones más conocidos de Glasgow de la época, en particular "Lloyd Cole and the Commotions" y "Primal Scream" durante la fase pop original de los años 60 de esa banda. Pasaron a estar más basados en teclados y samples/efectos para su segundo y tercer álbum, desarrollando un sonido más electrónico, posiblemente como resultado de su productor, Ian Carmichael. Sin embargo, su sonido pop de guitarra de finales de los 80 generó términos como "jangly" y "twee", lo que los convirtió en nuevos héroes del pop para cierta audiencia, especialmente entre los seguidores del dream pop.

La banda se separó en 1995 en el apogeo de sus poderes. La banda se reformó en 2004 y desde entonces ha publicado dos álbumes más: "Good to be a Stranger" (2007) y "The Lost Star" (2010). La banda todavía está activa, son mayores, pero sigue dando conciertos.

Álbumes de interés:

•  Lyceum  (1989)
• Unholy Soul (1991)
• Striving For the Lazy Perfection (1994)
• Good to Be a Stranger (2007)
• The Lost Star (2010)

La mayoría de los críticos y muchos fans citan "Strive For the Lazy Perfection" como su mejor álbum. Sin embargo, para mí su álbum de 1991 "Unholy Soul" es superior y ha envejecido mejor.

ALBUM: Unholy Soul

El segundo álbum (o primero, ya que "Lyceum" fue casi mejor definido como un EP) fue publicado en 1991. Algunos críticos han argumentado que "Unholy Soul" es el "experimento" de lo que vendría en el álbum "Striving For The Lazy Perfection" de 1994, pero creo que "Unholy Soul" mantiene su brillo como el álbum más fuerte y que mejor se a conservado con el tiempo. 

Las canciones son atmosféricas y suaves con una agradable melancolía que se trasluce. The Orchids logran crear un "jangle pop" de una forma delicada y sofisticada que impregna un leve humor.

Dicho de otra manera, es un álbum con 12 emotivos y brillante arreglos indie pop, enriquecidos con una variedad de elementos electrónicos con el toque mágico en la voz de James Hackett, por ejemplo dos temas, la suave melancolía de "Long Drawn Sunday Night" y las guitarras resonantes de "Waiting for the Storm". El disco cuenta con algunas de las mejores composiciones de James Hackett, combinando voces encantadoras y reflexivas con tintineos brillantes, incursiones ocasionales en el trip-hop (su versión primitiva) que no exageran y con alma agridulce. A todo esto se suma el canto de Pauline Hynds en tres canciones, lo que proporciona un contraste para Hackett, una buena combinación sobre una música hermosa. Por último, hay un valiente intento con la música electrónica que funciona para ellos en este álbum, agrega un elemento fresco a su música. Algo que muchas bandas posteriores asimilaron como algo natural y necesario.

Un disco recomendado. Una oferta muy agradable, con guitarras replicantes, voces entrecortadas y samples electrónicos únicos y discretos. Un gran disco de música pop y agradable escuchar. Un clásico del "indie-pop" que para mi gusto es el mejor disco de "The Orchids".

Video de "Bringing You the Love":

Tracklist:

1."Me and the Black and White Dream"
2."Women Priests and Addicts"
3."Bringing You the Love"
4."Frank De Salvo"
5."Long Drawn Sunday Night"
6."Peaches"
7."Dirty Clothing"
8."Moon Lullaby"
9."Coloured Stone"
10."The Sadness of Sex (Part 1)"
11."Waiting for the Storm"
12."You Know I'm Fine"

CHARLEY PATTON | Founder of the Delta Blues - Album

Charley Patton (Charlie Patton, Bluesman) 

Fue un músico estadounidense de Delta blues. Considerado por muchos como el "Padre del Delta Blues", creó un cuerpo perdurable de música americana e inspiró a la mayoría de los músicos de "Delta blues". Algunos expertos en música lo consideraban uno de los músicos estadounidenses más importantes del siglo XX.

Su estilo de canto ronco y apasionado, su guitarra fluida y su ritmo lo convirtieron en una estrella. Patton fue una celebridad reconocida y una influencia fundamental en los músicos de todo el Delta. Sus discos, especialmente su primer y mayor éxito, "Pony Blues", se podían escuchar en fonógrafos en todo el Sur. Aunque ciertamente no fue el primer bluesman de Delta en grabar, rápidamente se convirtió en uno de los más populares del género. A finales de los años 20 (Siglo XX), Charley Patton era una celebridad. Su música abarca todo, desde blues, baladas, ragtime hasta gospel. Hay relatos de sus actuaciones en las que estaba haciendo lo que "T Bone Walker" estaba haciendo veinte años después y "Chuck Berry" treinta años después, como tocar detrás de su cabeza o entre sus piernas.

Patton es generalmente considerado como uno de los arquitectos originales de poner el blues en un ritmo fuerte y sincopado, y su tono estridente se logró afinando su guitarra un paso y medio por encima del tono estándar en lugar de usar un capo. Sus habilidades de composición en el instrumento se ilustran con su inclinación por encontrar y utilizar varios temas diferentes como acompañamiento de fondo en una sola canción. Influyó directamente en contemporáneos como "Son House" y, durante su tiempo, en el prometedor talento del blues "Robert Johnson".

Grabó por primera vez en 1929 para el sello Paramount y, en el plazo de un año, no solo era el artista de blues con mayores ventas, sino también el más prolífico de la música. Patton también fue responsable de conectar a sus compañeros y bluesmen Willie Brown y Son House con sus primeras oportunidades de grabar.

Charley Patton no empezó a grabar hasta cinco años antes de su muerte. Tenía una afección cardíaca que finalmente lo atrapó en 1934. El legado grabado total de Patton es de unas 60 canciones en total; su última sesión realizada solo un par de meses antes de su muerte.

En mayo de 2021, el "Salón de la Fama del Rock and Roll" incorporó a Charly Patton a la clase de 2021 como una influencia temprana del rock.

ALBUM: Founder of the Delta Blues

Una recopilación de populares temas en disco de vinilo publicado en 1971 como 2xLP, que ha sido editado posteriormente en otras versiones y formatos como CD, este último con algunos temas extra: "When Your Ways Get Dark" & "Devil Sent The Rain" (del sello "Yazoo"). 

El blues de Charly Patton inscribió todas sus vivencias en un sonido áspero y a veces apenas audible grabado para el sello "Paramount". Era uno de los bluesmen más importantes de la época y suena como un tipo tosco; un músico autodidacta y seguro de sí mismo. El blues no empezó con Patton, pero él personificó su expresionismo.

Es una música primitiva y cruda que resuena con los sonidos oscuros de las personas que luchan por salir adelante en tiempos difíciles en un entorno hostil. Aquí encuentras la música blues del sufrimiento real y es inmensamente efectiva. Quizás (estoy seguro) nuestros oídos acostumbrados a escuchar música moderna pueden encontrar esta recompilación "pesada" y lineal a medida que zumba en tu cabeza. Pero es el catalizador para el blues posterior y, finalmente, el rock and roll. Tipos jóvenes como Son House y Robert Johnson le dieron al estilo de blues de Patton un poco más de estilo rítmico, accesibilidad y diversidad, lo que permitió que todo se digiere mejor para las nuevas generaciones. Pero que no nos engañen, Patton, estaba antes, y este álbum lo demuestra.

Un disco recomendado. Un álbum doble para los amantes de la música blues que también tienen un toque fetiche para los coleccionistas. Los orígenes se pueden encontrar aquí, las raíces se remontan a una de las fuentes, Charly Patton.

Video del tema "Pony Blues":

Tracklist (versión 2 X LP vinilo):

Mississippi Bo Weevil Blues 
Screamin' And Hollerin' The Blues  
Down The Dirt Road Blues  
Pony Blues    
Banty Rooster Blues 
It Won't Be Long      
Tom Rushen Blues    
A Spoonful Blues      
Shake It And Break It          
Going To Move To Alabama
Elder Green Blues     
Frankie And Albert   
Some These Days I'll Be Gone         
Green River Blues     
Hammer Blues           
When Your Way Gets Dark 
High Water Everywhere Part 1        
High Water Everywhere Part 2        
Rattlesnake Blues      
Running Wild Blues  
Dry Well Blues          
Moon Going Down   
Bird Nest Bound       
High Sheriff Blues    
Stone Pony Blues      
34 Blues         
Revenue Man Blues  
Poor Me

THEE OH SEES | Mutilator Defeated at Last - Album

Thee Oh Sees (Banda Osees)

Son una formación de rock estadounidense formada en San Francisco, California en 1997, ahora con sede en Los Ángeles. Actualmente, la banda está formada por el compositor principal y miembro principal John Dwyer (voz y guitarra), Tim Hellman (bajo), Paul Quattrone, Tomas Dolas (teclados) y Dan Rincon (batería).

El sonido incorpora una amplia gama de géneros de rock, incluido el garage rock y el rock psicodélico de los años 60, el punk rock, el noise rock y el post-punk de los años 80.

Una breve historia

John Dwyer se mudó a California a finales de los 90 y se convirtió en parte de la escena indie de San Francisco, tocando con varias bandas, incluidas "Coachwhips", "Pink & Brown", "Yikes", "Up Its Alive" y "Swords & Sandalias". Inicialmente, bajo "Osees" fue un proyecto inesperado de Dwyer para lanzar grabaciones caseras experimentales; Osees evolucionó hasta convertirse en una banda completa. En el transcurso de varios lanzamientos y transiciones de género, la banda se destacó por su prolífica discografía, enérgicos shows en directo y estética visual. La formación ha cambiado sus componentes y nombre varias veces, antes se conocía como "Orinoka Crash Suite", "OCS", "Orange County Sound", "The Ohsees", "The Oh Sees", "Thee Oh Sees" y "Oh Sees".

Thee Oh Sees se convirtió en una de las bandas de garage punk más influyentes de su época. Su sonido de guitarra y su poderosa forma de tocar son identificables al instante, el grupo pasó por una serie de cambios que los llevaron desde el estruendoso experimentalismo de garaje de lo-fi al psych-pop y al brillante punk-garage.

ALBUM: Mutilator Defeated at Last

El decimosexto álbum de estudio publicado el 18 de mayo de 2015. El disco es el décimo que se lanza bajo el nombre "Thee Oh Sees". Es una celebración de los sonidos más pesados del rock psicodélico de finales de los 60 y principios de los 70.

El álbum es el primero en presentar al bajista Tim Hellman, y el único álbum de estudio que presenta al baterista Nick Murray; ambos se unieron a la banda para hacer una gira en apoyo de su lanzamiento anterior, "Drop" (2014). Este álbum también presenta al colaborador habitual Chris Woodhouse, y la ex miembro Brigid Dawson regresa como corista del álbum.

Este trabajo es un álbum de hard rock ruidoso. La guitarra de Dwyer suena enorme, y su forma de tocar te desquicia en todo momento. La canción de apertura "Web" prepara la escena con una guitarra tremenda. La mayor parte del álbum cae en un sonido post-psicodélico, pre-heavy metal con gran efecto. Nos recuerda a "Blue Cheer" y aspectos de "Black Sabbath"; una gran combinación.

Para equilibrar algunas de las canciones oscuras y ruidosas, Dwyer agrega un instrumental de acid-folk titulado "Holy Smoke" y un par de canciones que buscan algo más de calma. Dejando a Dwyer a un lado como el foco principal, la sección rítmica de este álbum toca canción tras canción con una gran percusión y un bajo alegre y propulsor. Esto le da a Dwyer mucho espacio para explorar con su forma de tocar la guitarra. 

Temas a destacar: "Sticky Hulks", "Rouge Planet", "Palace Doctor", "Withered Hand"...por mencionar solo cuatro. Dicho esto, es un trabajo sólido.

Un disco recomendado. Una bola de fuego de guitarras, ruido y poder psicodélico. Un álbum genial para cualquier fans del rock.

Video del tema "Sticky Hulks":

Tracklist:

1.         "Web" 4:58
2.         "Withered Hand"       3:30
3.         "Poor Queen"  2:20
4.         "Turned Out Light"    2:05
5.         "Lupine Ossuary"       4:18
6.         "Sticky Hulks"            6:50
7.         "Holy Smoke" 2:40
8.         "Rogue Planet"           1:56
9.         "Palace Doctor"          4:40

MC SOLAAR | Prose Combat - Album

MC Solaar (Hip Hop)

 
Su nombre real es Claude M'Barali, más conocido profesionalmente como MC Solaar; es un rapero francés de origen senegalés y chadiano. Es uno de los artistas de música rap/urbana más famosos e influyentes de Francia. Algunos lo consideran como el mejor rapero francés de todos los tiempos. MC Solaar encontró el éxito en los EE.UU. entre los amantes del acid jazz y el jazz-rap después de participar como invitado en el aclamado proyecto "Jazzmatazz" de Guru.

El artista de hip-hop francés es conocido por sus letras complejas y "flow", que se basan en juegos de palabras. Para aquellos que, como yo, no entienden francés, su "flow" es suficiente hipnótico para superar el obstáculo lingüístico. La música es universal y MC Solaar es prueba de ello.

Una breve historia:

 
Nació en Dakar, Senegal. Cuando tenía seis meses, sus padres emigraron a Francia donde se establecieron en París. Cuando tenía doce años, se fue a vivir con un tío a El Cairo, Egipto durante nueve meses, donde descubrió "The Zulu Nation" y quedó fascinado con los estilos de rap de "Afrika Bambaataa". Más tarde pasó a estudiar idiomas en la Universidad Jussieu y realizó un posgrado en Filosofía. Acuñó el nombre artístico "MC Solaar" durante su adolescencia a partir de sus etiquetas de graffiti "SOAR" y "SOLAAR". Lanzó su primer sencillo en 1990.

El éxito llegó rápidamente cuando, "Bouge de là ("Get Out of There"), basado en una muestra de la canción de Cymande "The Message" (1973), se convirtió en un éxito. Solaar pasó a ser telonero del trío de rap estadounidense "De La Soul" cuando actuaron en el Olympia de París en septiembre de 1991. A fines de 1991, Solaar publicó su primer álbum "Qui Sème le Vent Récolte le Tempo", que pasó a vender + 400.000 copias en Francia. Con el éxito de su álbum debut, Solaar embarcó en extensas giras. En diciembre de 1992, actuó en doce países de África Occidental, donde su estilo de rap francés demostró ser popular entre los fans de la música africana. A partir de aquí, su carrera musical se disparó construyendo un nombre y estilo creíble y respetado en el género junto con una larga serie de álbumes (dos llegaron al número 1 en Francia).

Discografía hasta el momento:

• 1991    Qui sème le vent récolte le tempo                            
• 1994    Prose Combat
• 1997    Paradisiaque  
• 1998    MC Solaar                             
• 2001    Cinquième As
• 2003    Mach 6           
• 2007    Chapitre 7      
• 2017    Géopoétique  

Los tres primeros discos son geniales, el mejor para mí es "Prose Combat". También vale la pena escuchar su última propuesta "Géopoétique".

ALBUM: Prose Combat

El segundo álbum de estudio fue publicado en 1994. Este disco impulsó a MC Solaar a la fama internacional.

Los ritmos elaborados por el DJ/productor Jimmy Jay brindan un flow suave que envuelve la cálida voz de MC Solaar, con samples de jazz y funky que se adaptan perfectamente a las rimas. Puede que no entiendas el francés, pero eso no impedirá que aprecies este álbum. MC Solaar simplemente se presenta como un genial artista urbano parisino que ofrece una gran orquestación lírica. Me recuerda un poco al rapero estadounidense Rakim, en este aspecto.

MC Solaar opta, y con acierto, por mantener y seguir las bases del jazz que le hicieron grande en el primer disco. En ese sentido, este álbum realmente no difiere de su debut, sin embargo, lo que le falta en el cambio lo compensa en la ejecución. Todas las asperezas que tenía en su debut se suavizan, haciendo de este un álbum fácilmente superior. La producción es consistente de principio a fin, está llena de buenos cortes, trabajo de DJ y voces relajadas, que se suman al ambiente.

Momentos para descartar:  "À dix de mes disciples", "Nouveau Western", "Temps Morte", "Séquelles", "Prose combat"...por mencionar algunos.

Un disco recomendado. Gran álbum para los fans del hip hop francés, el jazz rap e incluso el hip hop de la costa este de EE. UU. "Prose Combat" es quizás uno de los grandes discos de hip hop francés de la primera mitad de los años 90. Trasciende el lenguaje, por lo tanto es universalmente entendible.

Video del tema "À dix de mes disciples":

Tracklist:

1."Aubade" – 0:35
2."Obsolète" – 3:02
3."Nouveau western"  – 4:34; samples "Bonnie and Clyde" by Serge Gainsbourg
4."À la claire fontaine"  – 2:59
5."Superstarr"  – 3:03
6."La concubine de l'hémoglobine"  – 4:49
7."Dévotion"  – 4:26
8."Temps Mort"  – 3:41
9."L'NMIACCd'HTCK72KPDP" (Les Sages Poètes De La Rue) – 5:04
10."Séquelles"  – 3:37
11."Dieu ait son âme"  – 4:46
12."À dix de mes disciples"  – 3:45
13."La fin justifie les moyens"  – 4:57
14."Relations humaines" – 3:28
15."Prose combat"  – 3:06

RED, PINKS AND PURPLES | Uncommon Weather - Album

Reds, Pinks & Purples (Banda)

Este proyecto indie-pop es la creación del cantautor, residente en San Francisco, Glenn Donaldson, alguien dedicado a las melodías prístinas. Trabajando principalmente solo, lanzó una serie de singles y álbumes, ampliando con el tiempo su alcance musical para incluir la influencia de los sonidos etéreos de las bandas de dream pop de finales de los años 80.

Glenn Donaldson tocó en el dúo de pop-psicodélico de Lo-Fi "Skygreen Leopards", los "Art Museums" y una serie de otros proyectos, como el dúo de shoegaze "Vacant Gardens" y otro proyecto de música pop lo-fi, "The Ivytree ". Donaldson lanzó "Reds, Pinks and Purples" en 2015 con unos singles.

Pasaron un par de años más antes de que se volviera a escuchar este proyecto DIY (Do it Yourself). La trágica pérdida de su ex compañero de banda en los "Art Museums" fue motivo de la discontinuidad. Puedes escuchar en las primeras canciones de "The Reds, Pinks and Purples" a Donaldson lidiando con la vida, la ansiedad y las subculturas atrofiadas. Para un artista con un interés primordial en los principios estéticos de los géneros musicales discretos, este giro hacia su mundo inmediato como tema fue un cambio importante, que diferenció al nuevo proyecto de "The Reds, Pinks and Purples".

La música de Donaldson cuenta continuamente con la influencia de las cajas de ritmos, el eco y la reverberación, que son un punto de referencia importante. Donaldson ve sus proyectos como expresiones visuales, a menudo desdibujando las líneas de los registros y los objetos de arte físico. El patrón de los discos de Reds, Pinks and Purples se asemeja a colores pastel y composiciones que se desarrollan en una serie de imágenes que se leen como contra melodías a la voz distintiva de Donaldson.

Hasta el momento ha grabado y publicado los siguientes álbumes:

• 2019    Anxiety Art   
• 2020    You Might Be Happy Someday       
• 2021    Uncommon Weather             
• 2022    Summer at Land's End         

Un disco que me gusta bastante es el tercero.

ALBUM: Uncommon Weather

Es el tercer álbum publicado el 9 de abril de 2021. Lo que me llama la atención de este artista y disco es el sonido. La producción lo-fi no es para todos, para gente - como yo - con la que disfrutamos de canciones bien elaboradas con ganchos pegadizos y grandes letras, este es un buen álbum. Un disco indie-pop que se siente atemporal y al mismo tiempo suena moderno: un buen equilibrio. Disfruto de la mezcla de guitarras tintineantes, la entrega al estilo "Smiths" y la producción lo-fi, aunque este último punto también puede ser su principal aspecto negativo.

Glenn Donaldson ha perfeccionado el arte de escribir canciones tristes sobre el amor en las que el dolor se atenúa con melodías exquisitas y se expresa en tonos mesurados y reflexivos. No se revuelca en el desamor y la soledad, lo convierte en canciones que uno probablemente tarareará. El álbum también destila pop melancólico en una pureza lúcida. Las líneas de guitarra fuzz se elevan entre silbidos y zumbidos estáticos. Melodías vacilantes se abren paso con cuidado hacia arriba, luego retroceden suavemente en el tipo más suave de resignación elegíaca.

Es una obra enfocada y melódica, suena como una colección de grandes éxitos a medida que canción tras canción se adentra en la superficie de la angustia para descubrir otro recuerdo o sentimiento doloroso.

Por más melancólicas que puedan sonar algunas canciones en este álbum, Donaldson no ha abandonado las melodías o los ganchos, y sería difícil encontrar un álbum indie pop más pegadizo, ya sea del 2021 o en cualquier momento a partir de mediados de los 80. Las canciones uptempo tienen un rebote agradable que ayuda a calmar la naturaleza cortante de las letras, el tintineo y el zumbido de las baladas son casi dolorosamente hermosos.

Un disco recomendado. Recuerda a bandas como "The Field Mice" & "The Orchids", y tipifican las mejores cualidades del indie pop; ternura, compasión, melancolía y sencillez. Agregue sus arreglos, reverberaciones de guitarra y los ritmos minimalistas impulsados por máquinas, y el resultado es un disco de placentero indie pop. 

Video del tema "Don't Ever Pray in the Church on My Street":

Tracklist: 

1.Don't Ever Pray in the Church on My Street 02:45
2.I Hope I Never Fall in Love 02:56
3.The Biggest Fan 02:46
4.Uncommon Weather 01:53
5.A Kick in the Face (That's Life) 02:01
6.I Wouldn't Die for Anyone 02:34
7.I'm Sorry About Your Life 02:05
8.The Record Player and the Damage Done 02:22 - video
9.Pictures of the World 03:11
10.Life At Parties 02:52
11.Sing Red Roses for Me 03:53
12.The Songs You Used to Write 02:48
13.Sympathetic 03:11

TINDERSTICKS | Tindersticks II - Album

Tindersticks  (Banda)

Grupo inglés de rock alternativo formado en Nottingham en 1991. Posiblemente una de las más originales y distintivas bandas musicales británicos de los años 90, que se destacan tanto de la escena indie y de las bandas de guitarra Brit-pop que dominaron las listas de éxitos del Reino Unido.

Su oferta musical es obtusa y pausada, elaborando canciones densas y difíciles superpuestas con letras literarias, melodías entrelazadas, voces murmurantes y de suave orquestaciones. Una mezcla del estilo de artistas como Leonard Cohen, Ian Curtis y Scott Walker a través de la estética bizarra del indie rock.

Una breve historia:

Los orígenes de la banda se encuentran en "Asphalt Ribbons", una formación de rock independiente que contó con el vocalista Stuart Staples, el tecladista David Boulter y el violinista Dickon Hinchcliffe. Además de estos tres; los miembros restantes incluyeron al guitarrista Neil Fraser, el bajista Mark Colwill y el baterista Al Macaulay. En noviembre de 1992, la banda lanzó su primer sencillo, "Patchwork".

Sus álbumes homónimos, el primero (1993) y segundo (1995), establecieron su sonido característico y recibió elogios generalizados de la crítica. Sus presentaciones en directo, también son elogiadas, a menudo aumentada por grandes secciones de cuerdas y, en ocasiones, una orquesta completa.

Álbumes de interés (faltan BSO):

• 1993    Tindersticks   
• 1995    Tindersticks [II]                    
• 1997    Curtains                     
• 1999    Simple Pleasure                     
• 2001    Trouble Every Day    
• 2001    Can Our Love...                    
• 2003    Waiting for the Moon                       
• 2008    The Hungry Saw       
• 2010    Falling Down a Mountain     
• 2012    The Something Rain             
• 2013    Across Six Leap Years          
• 2014    Ypres             
• 2016    The Waiting Room    
• 2017    Minute Bodies: The Intimate World of F. Percy Smith
• 2019    No Treasure But Hope 
• 2021    Distractions               

El 17 de septiembre de 2006, la banda interpretó en directo su segundo álbum "II" en su totalidad en Londres. El concierto fue la última vez que tocaron los seis miembros originales de Tindersticks juntos.

 

ALBUM: Tindersticks II

El segundo álbum fue publicado en 1995. La portada muestra al guitarrista Neil Fraser. Esta obra es realmente consistente para un álbum de 70 minutos, aunque podrás leer en los "reviews" que para otros es un pelín largo.

Este álbum afina el enfoque de su debut; sin dejar de ser un poco ambicioso y aventurero. Sin embargo, logra un equilibrio musical aún mayor, agarrándose en largas estructuras compositivas y arreglos más intrincados. Mientras que las canciones de Stuart Staples permanecen obsesivos, ahuyenta a sus demonios con humor negro (un ej., "My Sister", que además podría ser uno de los casos más hermosos de palabra hablada sobre instrumental), mientras que su voz fúnebre sigue siendo el centro de atención, hay un par de dúos (uno ejemplo es, "Travelling Light" una colaboración con Carla Torgerson) para añadir variedad.

Si necesitas escuchar solo algunas canciones, para mi las más destacadas son "My Sister", "Tiny Tears","Travelling Light", "Seaweed", "A Night In" y "She 's Gone".

Un disco recomendado. Un triunfo del estado de ánimo y la atmósfera; sombrío con melodías rodantes. Una gran pieza de composición musical y lírica. Puede ser un poco demasiado al principio, pero te irá ganando con cada escucha. Y por supuesto, si eres fan de Nick Cave, Joy Division, Leonard Cohen etc., te va a gustar, seguro.

Video del tema "My Sister":

Tracklist:

1. "El Diablo en el Ojo" – 3:32
2. "A Night In" – 6:25
3. "My Sister" – 8:11
4. "Tiny Tears" – 5:45
5. "Snowy in F♯ Minor" – 2:28
6. "Seaweed" – 5:14
7. "Vertrauen II" – 3:19
8. "Talk to Me" – 5:00
9. "No More Affairs" – 3:49
10."Singing" – 0:57
11."Travelling Light" – 4:51
12."Cherry Blossoms" – 4:19
13."She's Gone" – 3:29
14."Mistakes" – 5:44
15."Vertrauen III" – 2:20
16."Sleepy Song" – 4:37