THE RUNAWAYS - The Runaways - Album

The Runaways (Banda)

Fue un grupo americano de rock compuesto exclusivamente por mujeres que grabó y actuó de 1977 a 1979. La banda publicó cuatro álbumes de estudio y un álbum en directo durante su carrera. Entre sus canciones más conocidas se encuentran el gran éxito "Cherry Bomb", "Hollywood", "Queens of Noise" y una versión de "Rock & Roll" de "The Velvet Underground". Nunca un gran éxito en los Estados Unidos, "The Runaways" se convirtió en una sensación en el extranjero, especialmente en "Japón", gracias al single "Cherry Bomb". Una de las primeras bandas de mujeres (junto con "Fanny" y "The Pleasure Seekers y Goldie & The Gingerbreads") en causar una impresión en el público de la época tocando rock & roll fuerte, directo y con sonido guitarras. Dado que todos los miembros eran adolescentes, la música de la banda es cruda y amateur, pero combinaba perfectamente el glam-heavy metal con el sonido emergente del punk rock.

The Runaways se formaron en agosto de 1975 en una fiesta de Alice Cooper, donde Kim Fowley (productor y manager) conoció a la letrista adolescente Kari Krome. Fowley quedó impresionado con el "look" callejera de Krome y se dispuso a formar una banda femenina. La amiga de Krome, la guitarrista Joan Jett, había estado trabajando con una banda propia con el baterista Sandy West, y Fowley ya tenía un trío. Luego, Fowley ayudó a las chicas a encontrar otros miembros.

Por lo tanto, comenzando como un trío , The Runaways actuó por el circuito de fiestas y clubes en Los Ángeles. Pronto agregaron a la guitarrista principal Lita Ford y Jett cambió a la guitarra rítmica y la bajista Peggy Foster, quien se fue después de solo un mes. La cantante Cherie Currie fue reclutada en un club nocturno para adolescentes local llamado "Sugar Shack", seguida por Jackie Fox en el bajo. The Runaways firmaron con "Mercury Records" en 1976 solo avalado por un "demo" y su álbum debut, The Runaways, fue publicado poco después. Los miembros de "The Runaways" para es disco era Cherie Currie (voz y piano), Joan Jett (guitarra y voz), Lita Ford (guitarra), Jackie Fox (bajo, aunque no tocó en el álbum debut) y Sandy West (batería).

La discografía de álbumes de estudio:

• The Runaways (1976)
• Queens of Noise (1977)
• Waitin' for the Night (1977)
• And Now... The Runaways (1978)

Eran chicas muy jóvenes, dirigidas por un oscuro manager - Kim Fowley - que controlaba todo y jugaba sobre la imagen (chicas malas y sexy) de la banda. La crítica dudaba sobre ellas y su música, pensaban que era todo un montaje de marketing ingeniado por Fowley.

Duraron cuatro discos de estudio, y debido a desacuerdos sobre el dinero y la gestión de la banda, The Runaways y Kim Fowley se separaron en 1977. Además había serios desacuerdos entre los miembros de la banda incluyendo el estilo musical; Joan Jett quería que la banda hiciera un cambio de dirección, cambiando hacia el punk rock-glam rock, mientras que Ford y West querían seguir tocando música hard rock-heavy metal. Ninguno aceptaría el punto de vista del otro. La banda tocó su último concierto a finales de 1978 y se separó oficialmente en abril de 1979.

La banda sirvió de trampolín para Joan Jett que tuvo una exitosa carrera en solitario, igual que Cherie Currie en menor medida, mientras la bajista Micki Steele fue parte de "The Bangles". Las otras chicas participaron en numerosos proyectos con otras bandas y algunas volvieron a la "vida normal".

El álbum de más éxito comercial fue el segundo "Queens of Noise" de 1976. No obstante, yo me quedo con el debut de 1976 por su fuerza bruta, el temazo "Cherry Bomb" y la novedad para la época de ver chicas tan jóvenes haciendo un rock n roll tan brutal.

ALBUM: The Runaways

 
El álbum de estudio debut publicado el 1 de junio de 1976.

Era uno de los lanzamientos más notables de esa década. Hay un impulso punk que radia en las canciones simples y de grandes "ganchos" con raíces en el glam y hard rock. Pero este álbum es mucho más, es una reivindicación por la liberación de las mujeres jóvenes estadounidenses.

El disco respira y transmite una exuberancia juvenil ("American Nights") con interpretaciones enérgicas ("Lovers") con un pie en el heavy-rock ("Is It Day or Night?") y el otro en el glam-rock ("You Drive Me Wild"), liderado por el ataque del dúo de guitarras Joan Jett y Lita Ford, y la voz distante de la adolescente Cherie Currie. La música encarna el espíritu de la música rock interpretada en los "garajes" de todo el país ("Blackmail"), y en el mejor de los casos anticipándose  ("Cherry Bomb") a la explosión del punk-rock. Con este álbum, "The Runaways" dejaron muy claro que las mujeres eran más que capaces de tocar un hard rock intenso y contundente que iba directo a la yugular.

Currie y Joan Jett fascinaban a su audiencia, y Lita Ford, de 17 años, ya era una guitarrista impresionante. Este LP estuvo lejos de ser un éxito comercial en los Estados Unidos, donde los programadores de radio de rock no sabían qué hacer con el conjunto. Pero curiosamente, le ganó a la banda un gran número de fieles fans en  Japón. Un país donde sigue sonando la música de la banda y particularmente este álbum. Hoy en día, este disco perdura como un testimonio del poder de las adolescentes y continúa influyendo en las generaciones más jóvenes. 

Un disco recomendado. Un gran álbum debut de sonido clásico hard rock de los 70, que se adelantó en cierta manera por un año a la explosión punk-rock que llegaría desde Nueva York etc. Un trabajo por unas mujeres muy jóvenes y talentosas, que saltarían después ya con más experiencia y madurez hacia el estrellato del rock: Joan Jett siendo el ejemplo más claro.

Video del tema ""Is It Day or Night?":

Tracklist (formato LP):

- Cara A -:

1.         "Cherry Bomb"                      2:18
2.         "You Drive Me Wild"                        3:22
3.         "Is It Day or Night?"             2:45
4.         "Thunder"                   2:31
5.         "Rock and Roll"         (Lou Reed)     3:17

- Cara B -:

6.         "Lovers"                     2:09
7.         "American Nights"                 3:15
8.         "Blackmail"                2:41
9.         "Secrets"         2:43
10.       "Dead End Justice"                7:01

ALBUM - "The Runaways": Miembros de The Runaways 

• Cherie Currie - voz principal, piano
• Joan Jett - guitarra rítmica, voz principal
• Lita Ford - guitarra solista
• Sandy West - batería, voz.
  

FAQ

Popular pregunta que hacen los lectores:

¿Quien estaba en la banda "The Runaways"?

The Runaways comenzaron a finales de 1975 como un trío formado por la guitarrista Joan Jett, el baterista Sandy West y el bajista Michael "Micki" Steele. La guitarrista principal Lita Ford y la cantante Cherie Currie se unieron a la formación de la banda en 1976.

SLADE | Slayed? - Album

No es una banda que me entusiasma totalmente. Me gusta su propuesta musical de los primeros años, un hard rock divertido con humor, que después fue engullido por la imagen, la parafernalia teatral y su interpretación particular y populista del glam; cosa que me hizo apartarlos y perder interés. No obstante, fueron uno de los grupos de rock más grandes del Reino Unido que impactaron fuerte y dejaron una importante huella sobre bandas posteriores. Esto no se puede negar, hay un disco en particular que expongo más abajo que da fe a su gran talento y "el porque" de su legado. Hablo de...

Slade (Banda)

Grupo de rock inglesa formada en Wolverhampton en 1966. Saltaron a la fama durante la era del glam rock a principios de la década de 1970, logrando 17 éxitos consecutivos entre los 20 primeros y seis #1 en la lista de singles del Reino Unido. Fueron el primer grupo en tener tres singles en las listas de éxitos en el número uno; los seis primeros éxitos de la banda fueron escritos por Noddy Holder y Jim Lea. Según el documental de la BBC de 1999 "It's Slade", la banda había vendido ya + 50 millones de discos en todo el mundo.

Formado por el cantante y guitarrista Noddy Holder, el guitarrista Dave Hill, el bajista Jimmy Lea  y el baterista Don Powell, el grupo se formó originalmente bajo el nombre de "In-Be-Tweens" tocando regularmente con una mezcla de temas de soul y rock. A finales de los años 60, el grupo cambió su nombre a "Ambrose Slade" y firmó con el la discográfica "Fontana". Poco después, el cuarteto se conectó con el bajista y manager de "The Animals", Chas Chandler, quien rápidamente sugirió que el grupo acortara el nombre a "Slade" y asumiera un aspecto de "cabeza rapada" (Dr. Martin botas...etc.) como una forma teatral (y humorístico) de diferenciarse de resto de las bandas.

Después de varios álbumes con pocas composiciones originales ("Beginnings" de 1969, "Play It Loud" de 1970), el grupo comenzó a escribir sus propias canciones, se dejó crecer el pelo y asumió el aspecto del entonces floreciente movimiento glam, uniéndose a compañeros británicos como David Bowie y T. Rex. Esta nueva dirección dio sus frutos en 1971 con el sencillo que llego al #16 en el Reino Unido, "Get Down and Get With It", que pronto desencadenó una serie de singles clásicos y llevó a Slade a convertirse en una de las bandas mas festivas y exitosas.

En 1975, después de no poder conseguir entrar con éxito en el mercado estadounidense, la popularidad de Slade en el Reino Unido disminuyó, pero se revivió inesperadamente en 1980 cuando fueron invitados de última hora para reemplazar a Ozzy Osbourne en el "Reading Rock Festival". Más tarde, la banda reconoció que esto había sido uno de los aspectos más destacados de su carrera. La formación original se separo en 1992, pero se reformó más adelante en el año como "Slade II". La banda ha continuado, con varios cambios de formación, hasta el día de hoy.

Slade ha sido citado como influencias sobre bandas en varios géneros, incluido el rock progresivo, el heavy metal, el glam rock, el hard rock y el pop rock. Varios artistas de diversos géneros han citado a Slade como una influencia, incluidos Nirvana, Smashing Pumpkins, Ramones, Sex Pistols, The Undertones, Bay City Rollers, The Runaways, The Clash, Kiss, Mötley Crüe, Poison, Def Leppard, Twisted Sister, The Replacements, Cheap Trick, Oasis y Quiet Riot (que versionó canciones de Slade para dos de sus tres mayores éxitos).

Discografía de Slade (álbumes de estudio, directos y re-lanzamientos):

• Beginnings (como "Ambrose Slade", 1969)
• Play It Loud (1970)
• Slade Alive! (1972) live album
• Slayed? (1972)
• Sladest (1973)
• Old New Borrowed and Blue (1974)
• Slade in Flame (1974)
• Nobody's Fools (1976)
• Whatever Happened to Slade (1977)
• Slade Alive, Vol. 2 (1978) live album
• Return to Base (1979)
• We'll Bring the House Down (1981)
• Till Deaf Do Us Part (1981)
• Slade on Stage (1982) live album
• The Amazing Kamikaze Syndrome (1983), re-lanzado en 1984 como "Keep Your Hands Off My Power Supply"
• Rogues Gallery (1985)
• Crackers - The Christmas Party Album (1985)
• You Boyz Make Big Noize (1987)
• Keep on Rockin' (1994) (as Slade II), re-lanzado en 2002 como "Cum on Let's Party" 

El mejor disco de la banda es "Slayed?" de 1972. Una obra potente, solido y divertido. No me entusiasma nada más de este grupo, no llegue apreciar el rollo "glam" exagerado y cutre que proponían. No obstante, el mencionado álbum es ahora un clásico.

ALBUM: Slayed?

Es el tercer álbum de estudio publicado el 1 de noviembre de 1972 y alcanzó el #1 en el Reino Unido. Si tuvieras que elegir un solo disco de glam, quizás sería este. Rock'n'roll primitivo, de base ruda y melodías festivas con mucho buen rollo. Permaneció en la lista durante 34 semanas, y aunque Slade nunca "conquisto" los Estados Unidos, el álbum fue el más exitoso de la banda en este país alcanzando el # 69 de Billboard. El disco fue producido por Chas Chandler (músico inglés, productor de discos y manager, mejor conocido como el bajista original de The Animals. También dirigió a Jimi Hendrix).

Este es el mejor álbum de Slade. El cambio de estilo del álbum anterior fue la clave. El atractivo de Slade proviene de la voz de Noddy Holder. Para mostrarlo, necesitaba un estilo de composición que le permitía gritar agresivamente, y esa es la forma en que se escribieron las canciones para este disco.

Este álbum es sólido y es testimonio de la capacidad de esta banda para componer y tocar grandes canciones de rock. Hay muchos temazos como "How D'You Ride", "Look at Last Nite", "I Won't Let It 'Appen Agen", "Gudbuy Gudbuy" y "I Don't Mind", además de una versión de una canción de Janis Joplin, "Move Over", que es realmente impresionante. El álbum termina como empieza, en lo más alto, con un gran tema de rock & roll, "Let the Good Times Roll / Feel So Fine". Cualquiera persona que le guste escuchar una guitarra fuerte no se sentirá decepcionado con este disco por el estilo y la forma brusca de Noddy Holder y Dave Hill, además Jim Lea demuestra ser un maestro del bajo.

La imagen de la banda puede alejarte de este álbum. A pesar de la fachada tonta de glamour "ortera", Slade son realmente buenos en este disco. Detrás de toda la parafernalia del glam y los gritos hay unas composiciones sólidas y un rock aún más robusto. Si quieres escuchar música rock de los 70 honesta, que se toque bien, que sea fuerte y festiva, etc., te gustara este álbum.

Un disco recomendado. Es difícil entender porque Slade apenas llegó entrar fuerte en las listas estadounidenses, pero fue una inspiración clara y directa para tantas bandas americanas (KISS, Ramones, Motley Crue, Nirvana, Quiet Riot) con este álbum. Un disco con clásicos como "Gudbuy t'Jane" y más notablemente "Mama Were All Crazee Now", este álbum no defraude para la gente que le gusta la música rock clásica. Gran álbum.

Video del tema "Mama Weer All Crazee Now":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1.         "How d'You Ride"                3:11
2.         "The Whole World's Goin' Crazee"3:35
3.         "Look at Last Nite"                3:05
4.         "I Won't Let It 'Appen Agen"                       3:16
5.         "Move Over"  (Janis Joplin)   3:45

Cara B:

6.         "Gudbuy T'Jane"                    3:32
7.         "Gudbuy Gudbuy"                 3:28
8.         "Mama Weer All Crazee Now"         3:44
9.         "I Don' Mind" Holder, Lea    3:05
10.       "Let the Good Times Roll / Feel So Fine" 3:46

FRONT 242 - Front by Front - Album

Front 242 (Banda) 

Es un grupo de música electrónica belga que se destacó durante la década de 1980. Pioneros en el estilo que llamaron "electronic body music" EBM  (combina líneas de bajo repetitivas secuenciadas, ritmos de música de baile programados y, en su mayoría, voces sin distorsiones y gritos de comando con temas de confrontación o provocación) tuvieron una profunda influencia en los géneros de música electrónica e industrial. Lo industrial puede minar la oscuridad, pero Front 242 creó las razones más convincentes para bailar con ella. Ellos fusionaron los ritmos industriales con los primeros ritmos del techno, y se convirtieron rápidamente en afiliados de la floreciente escena industrial de Chicago (EE.UU). Su reclamo de la cultura pop a la fama: "Rhythm Of Time" fue inmortalizado en una escena inquietante de la película "Single White Female".

Una de las bandas de música industrial más consistentes , a pesar de que regularmente persiguieron una variante más electrónica del sonido que se puso de moda durante la década de 1990, "Front 242" fue el principal exponente de la música electrónica europea. Inicialmente, el grupo era solo un dúo cuando se formó en octubre de 1981 en Bruselas; los programadores Patrick Codenys y Dirk Bergen grabaron "Principles" y lanzaron el single. Un año después, también se unieron el programador Daniel Bressanutti (alias Daniel B. Prothese) y el vocalista principal Jean-Luc de Meyer; Apodado Front 242 debido al significado universal del nombre y las connotaciones unidas, el cuarteto debutó en 1982 con el single "U-Men" y el álbum "Geography".

Front 242 se convirtió en un grupo musical popular en Bélgica, en particular por sus "infames" actuaciones en directo que incluían sonido fuerte, presencia agresiva en el escenario, humo y luces intermitentes brillantes. La prensa musical fue menos receptiva, a veces interpretando su apariencia militarista, música oscura y muestras de películas de guerra, especialmente teniendo en cuenta el trasfondo de la Guerra Fría y los incidentes terroristas en Bélgica, como pro-fascistas, una interpretación que la banda rechaza con firmeza. Digamos que la banda "descolocó" a muchos.

Daniel Bressanutti cita "Musique Concrète", Avant Garde y la música experimental de "Karlheinz Stockhausen" como influencias. De Meyer cita a "Joy Division" como una influencia temprana por su "contenido dramático". El estilo electro-pop de "Fad Gadget" también proporcionó una inspiración para la banda. Aunque conocían, disfrutaban y aprendían de progenitores musicales como Klaus Schulze, Kraftwerk y sus compatriotas Telex, la banda no veía sus estilos como particularmente influyentes. Cuando se le preguntó en una entrevista de 1989 sobre el grupo de Front 242 con otras bandas industriales, Codenys respondió que "estaban en algún lugar entre "Throbbing Gristle", "Kraftwerk" y bandas como esas, pero … querían ser exclusivos y no tener nada que hacer con cualquier moda". A pesar de la intención declarada de permanecer neutral en cuanto al género, Front 242 se aferró a una frase para describir su estilo: "música electrónica corporal" o EBM; una frase que se expandirá hasta convertirse en un género en sí mismo.

La discografía de Front 242:

• Geography (1982)
• No Comment (1984)
• Official Version (1987)
• Front by Front (1988)
• Tyranny (For You) (1991)
•  Up Evil (1993)
•  Off (1993)
• Pulse (2003)

Yo viví de joven esta banda vía sus muchos 12" singles y remixes. Había una etapa que estaban muy de moda en las discotecas más cool y alternativos de música electrónica-industrial. Se escuchaba mucho a Front 242. No obstante, en cuanto a long-plays - álbumes - el disco "Front by Front" es su mejor.

ALBUM: Front by Front

Es el cuarto álbum publicado en 1988, y ha sido reconocido como uno de los mejores álbumes industriales jamás hechos. La canción "Headhunter" se convirtió en un éxito industrial en la pista de baile, acompañada de un video musical dirigido por Anton Corbijn, y desde entonces ha sido objeto de más de 20 remixes.

Front by Front golpeó como una bomba a sus oyentes e influyó en más bandas y canciones de las que se pueden contar. Incluso el diseño de la carátula del álbum, con todo, desde una cubierta de fuente de computadora de píxeles en bruto hasta imágenes fijas de vídeo duras y lemas contundentes, es una obra de arte, perfectamente sincronizada.

Este disco está lleno de intensos ritmos pesados, pulsando con energía electrónica y es una experiencia intensa escucharlo. Los paisajes sonoros electrónicos son complejos y variados, y las voces son poderosas, autorizadas e intensas. Desde el desenfrenado comienzo del álbum, "Until Death (Us Do Part)", ni una sola nota, "sample", sílaba gutural o golpe de batería que provoque dolor de cabeza está fuera de lugar. La canción más merecidamente famosa del álbum y la canción definitiva de EBM:  es "Headhunter". Un retrato del capitalismo como terrorismo mercenario con un bajo orquestal simulado perversamente convincente que proporciona la melodía principal, "Headhunter" merece atención no solo por la música palpitante sino también por los asombrosos arreglos vocales. Richard 23 (Richard Jonckheere) y Jean-Luc de Meyer sirven el memorable coro paso a paso en perfecto equilibrio. Existe un sentimiento general de eficiencia militarista y contundente música, obras de arte y letras, por lo que títulos de canciones son totalmente apropiados como "Circling Overland" y "First In / First Out". Hay mucha percusión de construcción, "samples" de vocales caóticas y un coro de himno absoluto que da como resultado una melodía asesina. El tema "Felines" es un lento industrial sobresaliente con un enfoque muy tranquilo y oscuro, pero todo vuelve a lo agitado y con una velocidad abrasiva. 

No es un álbum para todo el mundo, te tienen que gustar el "industrial techno", y cuesta dirigir. Quizás es la clara estampa de los años 80 que tiene esta obra que hace que no sea muy cariñoso con las nuevas generaciones. Los veteranos - yo incluido - vivimos la música "industrial" como adolescentes y jóvenes adultos bailándolo y en alguna ocasión más que memorable, ligando. En este último contexto, este álbum se convierte una parte de nuestra historia, es más fácil seguir escuchándolo y recordando. Hace poco "Front 242" pasó por Madrid para hacer un concierto y francamente fue un paseo de vuelta a mis años de oro. Este álbum también es un complemento, y abrió las puertas a otras bandas similares como "Skinny Puppy", "Ministry", "Nitzer Ebb", "Cabaret Voltaire", "Meat Beat Manifesto", "Nine Inch Nails"...etc., aparte de abrir la música electrónica industrial europea al mundo, especialmente los Estados Unidos.

Un disco recomendado. Es una escucha imprescindible para aquellos que quieran ampliar sus horizontes en el ámbito de la música electrónica e industrial. Este es un álbum simplemente genial, el mejor disco de Front 242.

Video de la canción "Until Death (Us Do Part)":

Tracklist:

1.         "Until Death (Us Do Part)"    4:30
2.         "Circling Overland"    4:43
3.         "Im Rhythmus Bleiben"         4:14
4.         "Felines"         3:34
5.         "First In / First Out"   3:52
6.         "Blend the Strengths" 3:13
7.         "Headhunter v3.0"     4:45
8.         "Work 01"       3:28
9.         "Terminal State"         4:09

10.       "Welcome to Paradise v1.0 (edición CD bonus track)"        5:18

GENE VINCENT | Gene Vincent and the Blue Caps

Él definió la era de los "coches hot rods" y "las nenas" del rock n roll de los años 50 con el pelo grasiento, la chaqueta de cuero y con una actitud desafiante. Este cantante guaperas vestido de cuero, también fue uno de los chicos malos originales del rock, adorado por los románticos de las generaciones pasadas y presentes atraídos por su estilo primitivo, a veces salvaje y espíritu indomable. Como uno de los primeros grandes cantantes de rock n roll está respaldado por una gran cantidad de pequeños éxitos y no éxitos que se encuentran entre los mejores temas rockabilly de todos los tiempos. Fue un referente e icono para toda una generación de jóvenes americanos y por todo el mundo, el "Cool Cat" original. Hablo de...
 

Gene Vincent (Músico)

Su nombre, Vincent Eugene Craddock (1935 - 1971), conocido como Gene Vincent, fue un músico estadounidense que fue pionero en los estilos de rock and roll y rockabilly. Su gran éxito fue en 1956 con su banda "The Blue Caps", "Be-Bop-a-Lula", canción que se considera un ejemplo temprano de rockabilly. A Gene Vicent también se le conoce por su apodo, "The Screaming End".

Vincent Eugene Craddock nació en Norfolk, estado de Virginia. Sus influencias musicales incluyen country, rhythm and blues y gospel. Recibió su primera guitarra a los doce años como regalo de un amigo.

¿Cuál era la banda de Gene Vincent?

Craddock se involucró en la escena musical local en Norfolk. Cambió su nombre a Gene Vincent y formó una banda de rockabilly, "Gene Vincent and His Blue Caps" (un término utilizado en referencia a los marineros alistados en la Marina de los Estados Unidos). La banda incluía a Willie Williams en la guitarra rítmica (reemplazado a finales de 1956 por Paul Peek), Jack Neal en el bajo vertical, Dickie Harrell en la batería y el increíble Cliff Gallup en la guitarra principal. También colaboró con otro músico en ascenso, Jay Chevalier. La banda "Vincent and his Blue Caps" pronto ganó popularidad tocando en bares rurales de Norfolk. The Blue Caps fueron una de las mejores bandas de rock de los años 50, anclados al los impresionantes solos rápidos de guitarra de Cliff Gallup.

En 1956 Gene Vincent escribió su gran éxito, "Be-Bop-a-Lula", que fue comparado con Elvis Presley y que la revista musical Rolling Stone incluyó más tarde como el #103 en sus "500 mejores canciones de todos los tiempos". Próximos singles brillantes como "Race With the Devil", "Bluejean Bop" y "BI-Bickey, Bi, Bo-Bo-Go" no lograron el impacto de "Be-Bop-a-Lula", aunque estos también son emblemáticos del rockabilly. Sin embargo, a finales de 1956, "The Blue Caps" estaban comenzando a sufrir el primero de los constantes cambios de personal que continuarán durante los años 50, siendo la pérdida y más crucial la salida del guitarrista Cliff Gallup.

Los aproximadamente 35 temas que grabó con "The Blue Caps", muchas de las cuales aparecieron solo en álbumes o caras B, fueron sin duda el mejor trabajo de Vincent, ya que sus grabaciones posteriores nunca volverían a capturar su claridad prístina y su espontaneidad. Su contrato discográfico con "Capitol Records" expiró en 1963, y pasó el resto de su vida grabando para varios otros sellos discográficos, ninguno de los cuales lo acercó al éxito inicial.

Gene Vincent murió a la edad de 36 años el 12 de octubre de 1971, de una combinación de úlcera perforada, hemorragia interna e insuficiencia cardiaca, mientras visitaba a su padre en Saugus, California.

A continuación una lista de álbumes (oficiales y no oficiales) de interés (discografía: faltan discos):

• 1956 Bluejean Bop!
• 1957 Gene Vincent and the Blue Caps
• 1958 Gene Vincent Rocks! And the Blue Caps Roll
• 1958 A Gene Vincent Record Date
• 1959 Sounds like Gene Vincent
• 1960 Crazy Times
• 1963 The Crazy Beat of Gene Vincent
• 1964 Shakin' Up a Storm
• 1967 Gene Vincent
• 1969 I'm Back and I'm Proud
• 1971 Gene Vincent renombrado "If Only You Could See Me Today"
• 1971 The Day the World Turned Blue
• 1979 Rhythm in Blue (bootleg) 
• 1980 Be-Bop-A-Lula (bootleg) 
• 1980 Forever Gene Vincent
• 1982 Dressed in Black
• 1982 Gene Vincent with Interview by Red Robinson (bootleg)
• 1982 From LA to Frisco
• 1984 For Collectors Only
• 1986 Rarities (bootleg)
• 1986 Rarities Vol 2 (bootleg)
• 1990 Important Words
• 1998 Lost Dallas Sessions
• 1998 Hey Mama!

Gene Vincent fue el primer miembro del "Salón de la Fama del Rockabilly" tras su formación en 1997. Al año siguiente fue incluido en el "Salón de la Fama del Rock and Roll". Vincent también tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en 1749 North Vine Street. En 2012, su banda, "The Blue Caps", fueron incorporados al "Salón de la Fama del Rock and Roll" por un comité especial, junto con Vincent.

El mejor y más famoso álbum de Gene Vincent es el álbum debut de 1956 "Bluejean Bop!" donde encuentras su gran éxito "Be-Bop-a-Lula".

Un disco imprescindible.

No obstante, el álbum que más cariño tengo de la discografía de Gene Vincent es el segundo disco "Gene Vincent and The Blue Caps". La razón es Cliff Gallup, un increíble guitarrista que está sublime en este álbum. El guitarrista británico Jeff Beck siempre menciona este disco como una influencia importante para él. Además, de aquí sale el material en el que se modelaron la banda "The Stray Cats".

ALBUM: Gene Vincent and the Blue Caps

Segundo álbum publicado originalmente en 1957, cuatro meses después de su predecesor, el gran "Bluejean Bop", y con la discográfica "Capitol Records". Este álbum fue reeditado en CD en 2002.

La historia es que Cliff Gallup y el guitarrista rítmico Willie Williams habían dejado la banda "The Blue Caps" en el verano de 1956. Gallup fue persuadido por el productor Ken Nelson para que se re-incorporara temporalmente a las sesiones que resultaron en el álbum. Gracias a dios, el resultado es un impresionante disco de rock & roll - rockabilly salvaje y furioso.

El amor desenfrenado de Gene Vincent por el rock es fácil de escuchar en prácticamente todas las canciones de este segundo trabajo, pero los temas ardientes del guitarrista Cliff Gallup son lo que realmente le da a este álbum su intensidad y toque especial. Cliff Gallup es quizás el más subestimado y menospreciado de los pioneros de la guitarra rock, cosa que se debe remediar. Su influencia sobre guitarristas posteriores como Jimmy Page, Jeff Beck y Brian Setzer es evidente. Hay mucho más puro rock 'n' roll en "Gene Vincent and the Blue Caps" que su predecesor, y muchas menos baladas, con la excepción de una versión de "Unchained Melody". Además, cada canción de este disco está impregnada de un espíritu rebelde y descontento con el mundo, el mismo espíritu que inspirará a generaciones de músicos posteriores y que verían en Vincent un modelo a imitar.

Un disco recomendado. Un álbum brillante del rock n roll y rockabilly donde cada canción es oro. La guitarra de Cliff Gallup y la banda "The Blue Caps" son las estrellas. No olvides que hasta finales de los años 60 la guitarra se consideraba un instrumento secundario, y "The Blue Caps" son una de las mejores bandas de la escena del rock n roll de su época. Nunca dejes que se olviden de ellos.

En resumen. Es un álbum imprescindible, esencial para realmente poder entender la evolución del rock n roll hacia otros estilos. Si eres amante del rock clásico y te gustan bandas como "The Stray Cats",  este es un disco para ti.

Video del tema "Hold Me, Hug Me, Rock Me":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1."Red Blue Jeans and a Pony Tail” – 2:14
2."Hold Me, Hug Me, Rock Me” – 2:15
3."Unchained Melody” – 2:37
4."You Told a Fib" – 2:21
5."Cat Man” – 2:18
6."You Better Believe” – 2:01

Cara B:

1."Cruisin'“– 2:12
2."Double Talkin' Baby” – 2:12
3."Blues Stay Away from Me” – 2:16
4."Pink Thunderbird” – 2:32
5."I Sure Miss You” – 2:38
6."Pretty, Pretty Baby” – 2:27

BADFINGER | No Dice

Considerado como una de las bandas británicas más prometedoras de finales de los años 60 y con un talento de clase mundial (magníficos compositores de temas sensibles con motor de rock), Badfinger disfrutó del tipo de éxito en Inglaterra y Estados Unidos que la mayoría de las otras bandas sólo podía envidiar. Sin embargo, después de una serie de singles de gran éxito, no vieron recompensa. Todo lo contrario, cuatro años de exitosos singles y giras internacionales precipitaron los suicidios de sus dos miembros más creativos y una serie de procesos legales que dejaron a los abogados como los únicos enriquecidos por el trabajo del grupo. Una historia casi trágica, y de firmar contratos discográficos donde no conoces los finos detalles...sigue pasando hoy con muchos artistas y bandas. 

Badfinger (Banda)

Grupo de rock británico formado en Swansea (Gales), que estuvo activo desde la década de 1960 hasta la de 1980. La formación más conocida estaba compuesta por Pete Ham, Mike Gibbins, Tom Evans y Joey Molland. Son reconocidos por su influencia en el género power-pop de la década de 1970. Se estima que la banda vendió +14 millones de álbumes.

La banda evolucionó de un grupo anterior llamado "The Iveys". Una banda que se formó en 1961 a partir de "The Panthers", cuya formación estaba formada por Pete Ham (guitarra principal), Ronald "Ron" Griffiths (bajo), David "Dai" Jenkins (guitarra rítmica) y Roy Anderson (batería). Después de tocar con varios nombres, incluidos "The Black Velvets" y "The Wild Ones", en 1964 se habían establecido en "The Iveys", después de una calle en Swansea llamada "Ivey Place". En marzo de 1965, el baterista Mike Gibbins se unió a "The Iveys". El grupo hacía  conciertos abriendo como teloneros para bandas británicas como "The Spencer Davis Group", "The Who", "The Moody Blues" y "The Yardbirds".

El grupo se mudo a Londres, capital mundial del rock en ese momento, e interpretó una amplia gama de versiones desde Motown, blues, soul, psicodelia y éxitos de The Beatles, que despertaron el interés de las casas discográficas. Ray Davies de "The Kinks" solicitó producirlos, grabando tres de sus canciones en un estudio de demo de cuatro pistas el 15 de enero de 1967: "Taxi", "Sausage And Eggs" y "I Believe in You Girl". 

En agosto de 1967, se pidió a Dai Jenkins que abandonara el grupo, y fue reemplazado por el guitarrista de Liverpool Tom Evans, antes de "Them Calderstones". Dai Jenkins parecía más interesado en las chicas que en la música, una de las razones por ser "despedido".

En 1968, la banda se convirtió en el primer grupo firmado por el sello "Apple" de "The Beatles". La banda se rebautizó como "Badfinger", después del título provisional de la canción de 1967 de The Beatles "With a Little Help from My Friends" ("Bad Finger Boogie" )…años después George Harrison admite que la banda lleva el nombre en "honor" a "Helga Fabdinger" (Badfinger), una stripper que The Beatles habían conocido en Hamburgo. De 1968 a 1973, Badfinger grabó cinco álbumes para "Apple" y realizó muchas giras antes de verse envueltos en el caos de la disolución de Apple.

Badfinger tuvo cuatro éxitos mundiales consecutivos entre 1970 y 1972: "Come and Get It" (escrito y producido por Paul McCartney, 1970), "No Matter What" (producido por Mal Evans, 1970), "Day After Day" (producido por George Harrison, 1971) y "Baby Blue" (producida por Todd Rundgren, 1972). Su canción "Without You" (1970) ha sido grabada muchas veces y se convirtió en un éxito número uno en Estados Unidos y el Reino Unido para Harry Nilsson y, décadas más tarde, en el número uno en el Reino Unido para Mariah Carey.

Después de la quiebra de "Apple Records" en 1973, Badfinger luchó con una serie de problemas legales, administrativos y financieros, lo que llevó a Pete Ham a quitarse la vida en 1975. Los miembros sobrevivientes lucharon por reconstruir sus vidas personales y profesionales. Sus álbumes posteriores fracasaron, ya que Molland y Evans alternaron entre cooperación y conflicto en sus intentos de revivir y capitalizar el legado de Badfinger. En 1983, Tom Evans también se suicidó.

El grupo sigue dando coletazos después de muchos cambios de formación, pero para la mayoría es una actividad anecdótica. Lo mejor y más relevante de Badfinger fue los primeros años.

La discografía de Badfinger:

• 1970    Magic Christian Music          
• 1970    No Dice         
• 1971    Straight Up    
• 1973    Ass     
• 1974    Badfinger      
• 1974    Wish You Were Here
• 1979    Airwaves       
• 1981    Say No More 
• 2000    Head First      

Hay dos álbumes que destacan, son muy buenos y de mucha calidad. El disco "Straight up" de 1971 y la obra "No Dice" de 1970, siendo para mi el mejor (más me gusta) de la banda.
  

ÁLBUM: No Dice

Es el segundo álbum de Badfinger publicado el 27 de noviembre de 1970 (o el tercero, anteriormente había publicado el disco "Maybe Tomorrow" bajo "The Iveys") y producido por Todd Rundgren y George Harrison. También es el primero en incluir al guitarrista Joey Molland (reemplazando al bajista Ron Griffiths..., esto hizo que Tom Evans cambiará al bajo). Con "No Dice" la banda  expandió significativamente su popularidad, especialmente en el extranjero. El álbum incluía tanto el single "No Matter What" como la canción "Without You", que se convertiría en un gran éxito para Harry Nilsson, y más tarde. Este álbum demuestra que Badfinger era una banda de pop propulsados por el rock. Ellos se consideraban un grupo de rock, pero su gran talento para componer temas sensibles les llevaba más al campo pop.

Sigue vivo un pequeño misterio con este disco. La modelo que aparece en la portada del álbum nunca ha sido identificado formalmente. Según Molland, … "la mujer era una modelo contratada por Gene Mahon y Richard DiLello para el rodaje, ellos diseñaron la portada y nunca la conocimos". Molland continuó diciendo que le preguntó a Richard DiLello quién era el modelo de portada y declaró que se llamaba "Kathy", pero no Kathie Molland, que era modelo. Sigue la incógnita, hace de una buena historia, no obstante.

La composición de Pete Ham domina este disco, proporcionando una apertura y un cierre magníficos, junto con los singles centrales de "No Matter What" y "Without You", esta última es una balada dolorosa y anhelante coescrita con Tom Evans. En colaboración con el nuevo guitarrista Joey Molland, Evans escribió otras dos canciones, "I Don't Mind" y "Better Days", mientras que "Love Me Do" de Molland resuena con un buen impulso. Aún así, el corazón del álbum radica en el trabajo de Ham. Él demuestra la sensibilidad de sus canciones y hace que "Badfinger" se mueve hacia "territorio más suave" del puramente power-pop; aunque la banda arropa todo lo que puede los temas en un manto de rock. Y aquí radica la incomprensión, cómo es que no fueron una banda más grande. Lo tenían todo. Quizás, “No Dice” fue un disco de un grupo que levantó unas expectativas tremendas, ya les llamaban los herederos naturales de "The Beatles"; se les cruzó por el camino la mala suerte y después la tragedia. 

Pero algo bueno tiene este disco, yo diría que es su legado. No solo es uno de los grandes álbumes de power pop, también es una gran influencia sobre Paul McCartney. Compara las canciones de este álbum con la música de los discos "Band On The Run", "Venus y Mars" y "London Town" de "Wings".

Un disco recomendado. Un excelente álbum de 70s rock melódico (llamarlo ahora power-pop) de un grupo demasiado bueno para ser tan ignorados y subestimados. Después de escuchar este disco busca el siguiente "Straight Up" de 1971.

Video del tema "No Matter What":

Tracklist (formato LP):

Cara A: 

1.         "I Can't Take It"         2:57
2.         "I Don't Mind"           3:15
3.         "Love Me Do" 3:00
4.         "Midnight Caller"       2:50
5.         "No Matter What"      3:01
6.         "Without You"           4:43 

Cara B:

1.         "Blodwyn"      3:26
2.         "Better Days" 4:01
3.         "It Had to Be"            2:29
4.         "Watford John"          3:23
5.         "Believe Me" 3:01
6.         "We're for the Dark" 3:55

DEL SHANNON | Runaway

Del Shannon (Músico)

Charles Weedon Westover (1934-1990, Estados Unidos), más conocido por su nombre artístico "Del Shannon", fue un músico, cantante y compositor de rock and roll y country, mejor conocido por su enorme éxito #1 en 1961 en Billboard "Runaway". Clasificado como un ídolo de los adolescentes, favorecía temas inquietantes de abandono, pérdida y rechazo, aspectos que le dominaban su vida personal hasta su muerte. Muchos críticos y especialistas mencionan que se anticipaba y aliento "la invasión británica" ("British Invasion") con su uso frecuente de acordes menores y la interpretación del Rock N Roll americano más pop de los 50 que cala sobre las bandas británicas de los 60. Es más, reinterpreta "The Beatles" para tener un "hit" en "Billboard" antes de los "Fab Four".

Aprendió a tocar el ukelele y la guitarra escuchó música country de artistas como Hank Williams, Hank Snow y Lefty Frizzell. Fue reclutado en el ejército en 1954 y, mientras estaba en Alemania, tocaba la guitarra en una banda llamada "The Cool Flames". Cuando terminó su servicio, regresó a Michigan, y trabajó como vendedor de alfombras y como conductor de camión para una fábrica de muebles. Encontró trabajo a tiempo parcial como guitarrista rítmico en el grupo del cantante Doug DeMott, "The Moonlight Ramblers", trabajando en el Hi-Lo Club.

Cuando DeMott fue despedido en 1958 por embriaguez, Charles Westover asumió el cargo de líder y cantante, dándose a sí mismo el nombre de "Charlie Johnson" y cambiando el nombre de la banda a "Big Little Show Band". A principios de 1959, agregó al tecladista Max Crook, que tocaba un instrumento que llamó Musitron (uno de los primeros sintetizadores de la propia invención de Crook, aunque inspirado en el Clavioline comercialmente lanzado). Crook había hecho grabaciones y convenció al disc jockey Ollie McLaughlin para que escuchara a la banda. McLaughlin llevó los demos  del grupo a "Harry Balk" e "Irving Micahnik" de Talent Artists en Detroit. En julio de 1960, Westover y Crook firmaron para convertirse en artistas y compositores de "Bigtop Records". Balk sugirió que Westover usará un nuevo nombre, y se les ocurrió "Del Shannon", combinando Mark Shannon, un seudónimo de lucha libre usado por un habitual en el Hi-Lo Club, con Del, derivado del Cadillac Coupe de Ville, su automóvil favorito.

Las primeras sesiones de grabación en Nueva York no tuvieron éxito. McLaughlin luego persuadió a Del Shannon y Crook para que re-escribieran una de sus canciones anteriores, originalmente llamada "Little Runaway", usando el Musitron como instrumento principal. El 21 de enero de 1961, grabaron "Runaway", que fue lanzado como single en febrero de 1961, alcanzando el #1 en la lista de Billboard en abril. Shannon siguió con "Hats Off to Larry", que alcanzó el puesto #5 en la lista de Billboard, y la menos popular "So Long, Baby", otra canción de amargura de ruptura.

Después de estos éxitos, Shannon no pudo mantener su impulso en los Estados Unidos, pero tuvo un éxito continuo en el Reino Unido, donde siempre había sido más popular. En 1963, se convirtió en el primer estadounidense en grabar una versión de una canción de los Beatles: su versión de "From Me to You" llegó a las listas de Estados Unidos antes de la versión de los Beatles.

Una cosa que siempre fue especial en "Del Shannon", aparte de su voz, es que fue uno de los primeros rockeros que escribió gran parte de su propio material. Esta habilidad lo ayudó a seguir su carrera hasta su muerte en 1990.  A continuación una lista (discografía) de álbumes de estudio, directos y remasterizados de interés:

• Runaway with Del Shannon (1961)
• Hats off to Del Shannon (1962) – (solo publicado en Australia)
• Little Town Flirt (1963)
• Handy Man (1964)
• Del Shannon Sings Hank Williams (1965)
• 1,661 Seconds with Del Shannon (1965)
• This Is My Bag (1966)
• Total Commitment (1966)
• Golden Hits - The Best Of Del Shannon (1967)
• The Further Adventures of Charles Westover (1968)
• Live in England (1972)
• ...And the Music Plays On (1978)
• Drop Down and Get Me (1982)
• Runaway Hits! (1986)
• Greatest Hits  (1990)
• Rock On! (1991)
• Home and Away (grabado en 1967, publicado 2006)
• The Dublin Sessions (grabado en 1977, publicado 2017)

Del Shannon sufría de depresión. El 8 de febrero de 1990, murió de una herida de bala por suicidio con un rifle calibre .22 en su casa en Santa Clarita, California. Del Shannon fue incluido en el "Salón de la Fama del Rock and Roll" en 1999.

ALBUM: Runaway with Del Shannon

El álbum de estudio debut publicado en junio de 1961 y grabado en el estudio Bell Sound, Nueva York. La discográfica de "Del Shannon", Bigtop Records, lanzó este álbum para capitalizar el éxito del brillante single "Runaway". Esto resultado dar al álbum mucho relleno, pero la voz emocional de Del Shannon junto con su gran sentido de melodías hacen de este sea un disco relevante. El tema "Runaway" fue un éxito tan grande que Del Shannon y "Bigtop" se apresuraron a entrar en el estudio para grabar y construir un álbum debut para capitalizar la popularidad y "el momento". Lo sorprendente es que este álbum contiene solo dos canciones estándares, lo que demuestra que el objetivo no era hacer una obra solo de relleno. Todo lo contrario, Del Shannon participa casi totalmente o parcialmente en las composiciones de todas las canciones, lo que también es muy raro para la época. En una mezcla de temas divertidos y sentimentales, Del Shannon controla su proyecto de principio a fin. Además, representa mejor que nadie este período del "Early Pop Rock", que marcó la llegada de la dominación del pop.

Para más contexto, no hubo muchos álbumes de rock & roll realmente buenos publicados en 1961. El Rock N Roll se encontraba en tránsito entre la era de oro de los 50 hacia lo popular. Un puñado de canciones de este álbum, incluidos "Lies" y "Jody", con frecuencia terminan en antologías del trabajo de Shannon, pero hay más en este álbum para apreciar. La canción de apertura, "Misery", es un número pegadizo de "Doc Pomus-Mort Shuman" que muestra a Shannon en el mismo modo doloroso y romántico que "Runaway". Las canciones "Day Dreams" y "His Latest Flame" son igualmente exitosos, aunque a la última canción le fue mucho mejor unos meses después en manos de Elvis Presley. Parte del resto del repertorio es menos atractivo, especialmente cuando Shannon intenta un canturreo romántico directo, como en "The Search" o "I'll Always Love You". "I Wake up Crying" y especialmente "Wide Wide World" son temas de álbumes exitosos, y este último, a un tempo algo más rápido, podría incluso haber sido un buen single.

Canciones para destacar son: "Runaway", "Misery", "His Latest Flame", "I Wake Up Crying" y "He Doesn't Care" … Los oídos más jóvenes quizás encuentren esta música de la "edad media". Si prestas atención con algo de paciencia estoy seguro que percibirás el espíritu universal del rock n roll y mucho de lo construye en actualidad el pop moderno.

Un disco recomendado para fans del Rock N Roll y de sus "crooners". Aunque existen otros (pocos) discos de "Del Shannon" que son más consistentes de calidad, como "Del Shannon Sings Hank Williams (1965)", este contiene quizás unas de las canciones más exitosas de todos lo tiempos que sería suficientemente fuerte para mantener la carrera de un músico para las próximas décadas. Además ilustra a "Del Shannon" mucho más que una "cara bonita"; un serio músico y compositor que allanaría el camino hacia el rock más pop. Los elogios nunca dejaron de llegar para "Del Shannon". Aquellos que han versionado “Runaway” durante décadas incluyen a Elvis Presley, Small Faces, Bonnie Raitt, Travelling Wilburys, Screeching Weasel y Kasabian. En la canción de 1989 de Tom Petty "Runnin 'Down A Dream", le rinde un homenaje cariñoso a Shannon. Una década antes, Petty produjo el disco de regreso de Shannon, "Drop Down And Get Me" de 1981.

Video de la canción "Runaway":

Tracklist:

1. Misery 1:57
2. Day Dreams 2:12
3. His Latest Flame 2:20
4. The Prom 2:20
5. The Search 2:25
6. Runaway 2:20
7. I Wake Up Crying 2:00
8. Wide Wide World 2:01
9. I'll Always Love You 2:13
10. Lies 2:35
11. He Doesn't Care 2:09
12. Jody 2:23 

Ficha técnica del álbum:

• Del Shannon, voz y guitarra, más:
  
  
• Al Caiola, Al Casamenti y Bucky Pizzarelli (guitarra),
• Milt Hinton (bajo),
• Max Crook, también conocido como "Maximillian" ("musitron", piano y órgano),
• Joe Benjamin (batería),
• Harry Balk o Bill Ramal (saxofón).
• Producido por Harry Balk.

THE MISUNDERSTOOD | Children of the Sun

La revista musical americana "Creem" (1969 - 1989), en su reseña de septiembre de 2004, escribió: "... es una de las historias más increíbles, desgarradoras e inverosímiles de toda la historia del rock". En el número de junio de 2010 de la revista británica Classic Rock (1989 - ) se decía de ellos: "La verdad es que esta banda estaba tan lejos por sí misma, tan individual e innovadora que uno solo puede preguntarse por el conjunto de circunstancias que conspiraron para evitar que se convirtieran en los icónicos nombre que seguramente era su destino". Hablo de...

The Misunderstood (Banda de rock)

El grupo americano son reconocidos como un triste ejemplo de una banda cuya carrera terminó antes de que pudieran alcanzar su máximo potencial. Aunque solo lanzaron un par de singles, los coleccionistas y los fans del rock garage y psicodelia impulsarían su culto en las próximas décadas que sigue vigente hoy.

Fue una de las bandas más innovadoras y con visión de futuro que surgieron de la escena del garage rock estadounidense a mediados de los 60 (Siglo XX). Con un sonido que incorporaba los estilos blues, soul y el material más duro de la primera "ola de la invasión británica", "The Misunderstood" sonaba más audaz que casi cualquiera de sus contemporáneos. También tenían un guitarrista principal único en Glenn Ross Campbell, que tocaba una guitarra de pedal de acero en lugar de un instrumento tradicional de seis cuerdas, y enriqueció sus riffs de blues mejorados con barridos tonales que sugerían el sonido de otro mundo cuando él estaba en pleno vuelo.

 

Una breve historia:

 

La banda se formó en Riverside, California. El grupo comenzó inicialmente como "The Blue Notes", una banda instrumental de "música de surf" con George Phelps y Greg Treadway en las guitarras y Rick Moe en la batería. Después de la desaparición de "The Blue Notes", Phelps, Treadway y Moe decidieron formar una nueva banda e incorporaron a Rick Brown como cantante principal. Presentándose como "Treadway & Company", invitaron a Steve Whiting a tocar el bajo y empezaron a armar un repertorio impregnado de blues y versiones de los grupos de "la invasión británica", en particular Them, The Rolling Stones, The Yardbirds y The Kinks. También comenzaron a escribir sus propias canciones y, a mediados de 1965, tenían suficiente material para grabar un "demo" en un estudio de grabación local. En ese momento, habían abandonado el nombre de "Treadway & Company" y se habían etiquetado a sí mismos como "The  Misunderstood", una referencia al éxito de la banda "The Animals", "Don't Let Me Be Misunderstood". Después de unos meses de ensayos, tocando en clubes de adolescentes y en bailes escolares, se llevó a cabo otra sesión de grabación en diciembre de 1965. Fue durante una de sus presentaciones en directo, cuando conocieron al DJ inglés John Ravenscroft, alias "John Peel", quien se enganchó y comenzó a actuar como su mentor. Bajo sus consejos, se mudaron a Londres en 1966.

En el Reino Unido contrataron al inglés Tony Hill a la guitarra. El cantante estadounidense Rick Brown y el nuevo guitarrista británico Hill formaron un equipo de compositores, cuyas composiciones. Las letras de canciones originales de "The Misunderstood" fueron escritas por Hill-Brown y el bajista Steve Whiting también participó en el desarrollo de material para la banda.

Pero en la ciudad de Londres es donde comenzaron los problemas para la banda. Obligado por problemas de drogas de dos miembros y un reclutamiento del ejército de otro, la formación fue forzada a varios cambiados, hasta la ruptura final solo unos meses después, a principios de 1967.

Durante su poco tiempo juntos de tan sólo dos años, "The  Misunderstood" logran dejar su huella sobre Jimi Hendrix y la banda británica Pink Floyd. Y a pesar de su producción relativamente corta, muchos músicos los consideran pioneros influyentes del estilo "acid rock". La banda es conocida por haber sido pionera en el espectáculo de luces en psicodélicos en directo. Glenn Campbell inicialmente soldó un conector de guitarra a la bombilla de un automóvil y lo conectó a la salida de extensión detrás de cada amplificador. Esta simple idea produjo música visual, ya que la respuesta entre las guitarras y las luces conectadas a los amplificadores fue idéntica. Esta técnica fue mejorado y utilizado por muchas bandas de rock psicodélico posteriormente. Como se puede leer, eran una banda con un potencial tremendo que se quedó desafortunadamente a las puertas de la gloria del Rock N Roll, aunque impactan e influyen sobre muchos artistas y bandas que llegarán más adelante.

Acaba de publicarse un interesante doble álbum (2 Disc set) de todo el material de "The Misunderstood" que va encantar a los fans y seguidores del rock psicodélico. Además es ideal para introducirte a esta histórica banda paradójicamente "perdida" en la historia del rock.

 

ALBUM: Children of the Sun: The Complete Recordings 1965-1966

Publicado el 26 de febrero de 2021 por "Cherry Red". Un lanzamiento que finalmente reúne toda la producción conocida de "The Misunderstood" de 1965 a 1966 remasterizado por Alec Palao (escritor, músico, ingeniero, productor, historiador, archivero y consultor musical de origen británico y residente en California en Ace Records). Con notas incisivas de Mike Stax ("Ugly Things") y participación con varios miembros originales de la banda, y un diseño de Andy Morten, este es verdaderamente el documento definitivo de una banda, reunida por aquellos que aman su música.

El grupo "The Misunderstood" son leyenda entre los fans del garage rock y la psicodelia de los años 60, y probablemente serían aún más celebrados si más personas escucharan su trabajo. La banda tocó música a su manera, y aunque estaban muy por delante de su tiempo, la ferocidad y la imaginación que revelaron en sus grabaciones habrían sido un desafío en cualquier época. La salvaje interpretación de R & B fue algo impactante en 1965, con el vocalista Rick Brown cantando con una ferocidad poco común y el guitarrista Glenn Ross Campbell llenando los arreglos con barridos y gritos a través de su guitarra de pedal de acero. Cuando desarrollaron su estilo "acid", grabaron parte de la música más poderosa del año cero de la psicodelia: temas como "Children of "The Sun", "I Unseen" y "Find the Hidden Door" se ubican con el álbum debut de "13th Floor Elevators" entre las primeras canciones psicodélicas verdaderamente clásicas. El Disc 2 está lleno de los primeros trabajos de la banda, incluidas sesiones cuando George Phelps todavía era miembro de la banda. "She Got Me" es una pequeña joya de garage punk y el jangle de "Like I Do" tiene algunos movimientos vocales pop de los años 50.También le da al oyente una sensación auténtica de lo que estaba haciendo el grupo por los clubes en directo en ese momento.

La banda era lo suficientemente inteligente como para creer que habría una audiencia más receptiva para ellos en Inglaterra que en su California natal. Tenían razón y consiguieron un contrato discográfico en el Reino Unido con "Fontana Records" que dio como resultado tres singles; pero el destino les desconectó antes de que pudieran alcanzar su máximo potencial.

Las grabaciones que establecieron durante su breve época (canciones originales únicas y otras varias de sesiones de demo) se han publicado en varias formas a lo largo de los años, y "Children of the Sun: The Complete Recordings 1965-1966" es un montaje de dos discos que es la colección más completa "The Misunderstood" hasta la fecha. 

Cuando el grupo comenzó a escribir su propio material, se volvieron aún más innovadores, ya que el bajista Steve Whiting y el baterista Rick Moe maduraron hasta convertirse en una sección rítmica ingeniosa y contundente y Campbell se volvió cada vez más previsor con su instrumento. Muchos han dicho que "The Misunderstood" sonaba más como un grupo británico que como un grupo estadounidense de rock psicodélico-garage, pero esto engaña. La verdad es que no se parecieron a nadie una vez que encontraron su verdadero sonido, y más de medio siglo después de que se grabó su música, todavía suena de actualidad, vital y adelantada a los tiempos.

El destino dentro de todo lo desafortunado les situó juntos con "The Screamers" y "Sonic Rendezvous Band", entre las mejores bandas de rock que nunca grabaron un álbum de estudio long-play. Esta oferta, "Children of the Sun: The Complete Recordings 1965-1966", no ocupa propiamente dicho lugar del LP al que nunca llegaron a publicar, deja al oyente sin duda de que eran un grupo talentoso. Así lo creía John Peel (legendario DJ de la BBC) que les descubrió, consejo y les llevó al Reino Unido. Siempre los ha elogiado y apoyado hasta sus últimos días.

Un doble-disco recomendado. Va impresionar a los fans del rock de los años 60 y tiene todo para conocer una de las bandas de rock "olvidadas", aunque más importantes de los años sesenta .

Video del tema "I'm Not Talking":

Tracklist:

- Disc 1 -

1 Children of the Sun
2 My Mind
3 Who Do You Love
4 I Unseen
5 Find the Hidden Door
6 I Can Take You to the Sun
7 I'm Not Talking (Unedited UK VSN)
8 I Unseen (Ibc Acetate)
9 My Mind (Ibc Acetate)
10 Find the Hidden Door (Ibc Acetate)
11 Children of the Sun (Ibc Acetate 1)
12 Who's Been Talking
13 You Don't Have to Go
14 I'm Not Talking (Gold Star Version)
15 Children of the Sun (Ibc Acetate 2)

- Disc 2 –

1 She Got Me (Version 1)
2 I Need Your Love
3 I Cried My Eyes Out
4 Cryin' Over Luv
5 End of Time
6 Like I Do
7 She Got Me (Version 2)
8 Why
9 Bury My Body
10 Don't Break Me Down
11 Got Love If You Want It
12 Thunder 'N Lightnin'
13 I Unseen (Riverside Version)
14 Shake Your Moneymaker
15 I Just Want to Make Love to You
16 You Got Me Dizzy
17 Goin' to New York
18 Blues with a Feelin

DEEP PURPLE - Made in Japan - Album

¿Qué más puedo añadir sobre la banda Deep Purple que ya no se haya escrito y comentado? Poco, pienso. No obstante, si puedo dar a la banda mi particular homenaje sobre uno de los discos en directo más potentes y famosos de la historia de rock, "Made in Japan". Antes una breve introducción al grupo para situarnos en contexto. 

DEEP PURPLE (Banda de rock)

Es una banda de rock inglesa formada en Hertford en 1968. Se les considera entre los pioneros del heavy metal y el hard rock moderno, aunque su enfoque musical ha cambiado a lo largo de los años. Originalmente formados como una banda de rock psicodélico y rock progresivo, cambiaron a un sonido más pesado con su álbum de 1970 "Deep Purple in Rock". Junto con las bandas Led Zeppelin y Black Sabbath, han sido referidos como la "trinidad del hard rock británico y el heavy metal de principios a mediados de los 70... han vendido + 100 millones de álbumes en todo el mundo.

Deep Purple se formó con una formación inaugural que incluía los siguientes componentes al guitarrista Ritchie Blackmore, el vocalista Rod Evans, el bajista Nick Simper, el tecladista Jon Lord y el baterista Ian Paice. Inicialmente se llamaban "Roundabout", el grupo se formó por primera vez como una banda de sesión para el ex baterista de "The Searchers", Chris Curtis, pero rápidamente siguieron su propio camino, recorriendo Escandinavia de gira antes de comenzar a trabajar en su LP debut, "Shades of Deep Purple".

El grupo ha tenido varios cambios de formación y una pausa de ocho años (1976-1984). Las formaciones de 1968-1976 se denominan comúnmente como Mark I, II, III y IV. Su segunda formación (Mark II), y la de mayor éxito comercial, estaba formada por los componentes Ian Gillan (voz) y Roger Glover (bajo), que se unieron a los miembros fundadores Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería) y Ritchie Blackmore (guitarra). Esta alineación estuvo activa de 1969 a 1973 y fue revivida de 1984 a 1989 y nuevamente de 1992 a 1993. La banda logró un éxito más modesto en los períodos intermedios entre 1968 y 1969 con la formación que incluía a Rod Evans (voz principal) y Nick Simper (bajo), y entre 1974 y 1976 con la formación que incluía a David Coverdale (voz principal) y Glenn Hughes (bajo) y Tommy Bolin reemplazando a Blackmore en 1975, y entre 1989 y 1992 con la formación incluye a Joe Lynn Turner (voz). La alineación de la banda (que actualmente incluye a Ian Gillan y al guitarrista Steve Morse de 1994) ha sido mucho más estable en los últimos años, aunque el retiro del tecladista Jon Lord de la banda en 2002 (siendo sucedido por Don Airey) dejó a Ian Paice como el único miembro original de Deep Purple todavía en la banda.

Deep Purple (específicamente Ritchie Blackmore, Jon Lord, Ian Paice, Ian Gillan, Glover, David Coverdale, Evans y Hughes) fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2016.

Deep Purple ha influido directamente sobre muchas bandas de rock y metal como Metallica, Judas Priest,  Queen,  Aerosmith, Van Halen,  Alice in Chains, Europa, Rush, Motörhead … ,  y muchas otras bandas británicas de heavy metal como Iron Maiden y Def Leppard … por solo mencionar algunos. El impacto e influencia de Deep Purple sobre el rock es enorme y tienen su sitio histórico de la música del siglo XX. 

La discografía de álbumes de estudio de DEEP PURPLE hasta ahora:

• Shades of Deep Purple (1968)
• The Book of Taliesyn (1968)
• Deep Purple (1969)
• Deep Purple in Rock (1970)
• Fireball (1971)
• Machine Head (1972)
• Who Do We Think We Are (1973)
• Burn (1974)
• Stormbringer (1974)
• Come Taste the Band (1975)
• Perfect Strangers (1984)
• The House of Blue Light (1987)
• Slaves and Masters (1990)
• The Battle Rages On... (1993)
• Purpendicular (1996)
• Abandon (1998)
• Bananas (2003)
• Rapture of the Deep (2005)
• Now What?! (2013)
• Infinite (2017)
• Whoosh! (2020)
• Turning to Crime (2021)

El mejor álbum de estudio de DEEP PURPLE es "Machine Head" de 1972. Una obra esencial y te animo a buscarlo y tenerlo si aun no lo conoces (dirigido más a los jóvenes). No obstante, voy a dar un pequeño homenaje a otra "obra maestra" de la banda británica, "Made in Japan" disco en directo. Uno de los mejores álbumes grabado en directo de la historia (el otro para mi y mejor es THE WHO "Live at Leeds).

ALBUM: Made in Japan

Es un álbum doble en directo grabado durante su primera gira por Japón en agosto de 1972. Made In Japan fue el álbum en directo que casi no lo fue. Originalmente destinado a ser publicado solo en Japón, su lanzamiento en los Estados Unidos se retrasó cinco meses para no interferir con la publicación del álbum de estudio "Who Do We Think We Are". Finalmente lanzado en los Estados Unidos en abril de 1973, vendió más de un millón de copias y alcanzó el número seis en la lista de álbumes de Billboard.

Este disco es de "Deep Purple Mark II" que se formó en julio de 1969 cuando los miembros fundadores, el guitarrista Ritchie Blackmore, el organista Jon Lord y el baterista Ian Paice reclutaron al cantante Ian Gillan y al bajista Roger Glover para progresar desde su anterior sonido pop y rock psicodélico hacia el hard rock.

La banda era bien conocida por su potentísimo actuación en el escenario, y había grabado varios en privado, o los había transmitido por radio, pero no estaban entusiasmados con grabar un álbum en directo hasta que su compañía discográfica japonesa decidió que sería bueno para la publicidad. La banda insistió en supervisar la producción en directo, incluida la supervisión del productor Martin Birch, que había colaborado previamente con el grupo, como ingeniero, y no estaban particularmente interesados ​​en el lanzamiento del álbum, incluso después de la grabación. La gira por Japón fue un éxito total, con un fuerte interés de los medios y una respuesta eufórica de los fans.

Grabado durante tres noches en agosto de 1972, y "Made in Japan" fue el disco que llevó a la banda a romper el mercado estadounidense y en otros lugares. Tal fue el impacto que sigue siendo un hito en la historia de la música heavy metal. Desde que se reorganizó con el cantante Ian Gillan y el bajista Roger Glover en 1969, Deep Purple había solo grabado tres álbumes importantes - Deep Purple in Rock, Fireball y Machine Head - y utilizó el material para construir un espectáculo en directo impresionante. El álbum "Made in Japan" y sus selecciones extraídas de dicho álbumes, documentaron a la banda en su momento más grande, en el que las canciones se alargaron a diez e incluso casi 20 minutos sin menos intensidad, mientras el guitarrista Ritchie Blackmore y el organista Jon Lord solían extensamente y Gillan cantaba en un chillido que se convirtió en la envidia de todas las bandas de metal a seguir. La canción de la banda y momento estelar, por supuesto, es "Smoke on the Water", con su riff que se convirtió en un single de éxito en EE.UU y después un himno universal. Pero esos entrenamientos prolongados, en particular el temperamental "Child in Time" con el inquietante gemido de falsete de Gillan y la ejecución increíblemente rápida de Blackmore, y "Space Truckin `" con los efectos de órgano de Lord, mantuvieron el ataque, convirtiéndolo en un tratamiento definitivo del catálogo de la banda y su disco más memorable. Al extenderse y llegar a los extremos, Deep Purple llevó su música al tipo de exceso deliberado que convirtió al heavy metal en lo que se convirtió finalmente, un fenómeno del rock.

El doble disco en directo fue un éxito comercial inmediato, + 1 millón de copias vendidas en los Estados Unidos, convirtiéndose en un vendedor constante durante la década de 1970 (aun sigue vendiendo). En 1993 se lanzó un conjunto de tres CD de la mayoría de las actuaciones de la gira, mientras que en 1998 se lanzó una edición remasterizada del álbum con un CD de pistas adicionales. En 2014, se anunció una edición de lujo con más material extra. Una encuesta de lectores de la revista americana "Rolling Stone" en 2012 clasificó a "Made in Japan" como el sexto mejor álbum en directo de todos los tiempos.

Un disco recomendado. Sigue siendo uno de esos álbumes que sirve como modelo con el que se deben juzgar todos los álbumes en directo. Si una banda se les mide por su trabajo en vivo, Deep Purple recibe honores por este esfuerzo. Es una escucha imprescindible para todo aquel interesado en el hard rock. Resiste la prueba del tiempo: suena tan bien hoy como en los años 70. La banda está pletórica, Ian Gillan nunca cantó mejor y todos los componentes son claramente felices juntos. Si quieres conocer el verdadero "Deep Purple", este es tu disco. Siempre fueron mejores como banda en directo y "Made In Japan" es uno de los mejores álbumes en directo de la historia de la música rock. Es histórico, imprescindible y para estudiar en detalle por cualquier "alumno" del rock n roll.

Video del tema "Highway Star" (en directo-Osaka Japón):

Canciones: formato original en vinilo (2 x LP):

Disc 1:

Cara A

1.         "Highway Star" - Osaka on 16 August    6:52
2.         "Child in Time" - Osaka on 16 August    12:25

Cara B

3.         "Smoke on the Water" - Osaka on 15 August    7:32
4.         "The Mule"      -  Tokyo on 17 August    9:50

Disc 2:

Cara A

5.         "Strange Kind of Woman"       -  Osaka on 16 August    9:36
6.         "Lazy" - Tokyo on 17 August    10:51

Cara B

7.         "Space Truckin'"          - Osaka on 16 August    19:42

Ficha tecnica:

Músicos:

• R. Blackmore (guitarra solista)
• I. Gillan (voz)
• R. Glover (bajo)
• J. Lord (órgano, piano)
• I. Paice (Batería)

Todos los títulos escritos por

(Blackmore, Glover, Gillan, Señor, Paice)

Grabado en vivo del 15 al 17 de agosto de 1972 en Osaka y Tokio, Japón.